Godot num75 mayo17 by Godot

Teatro María Guerrero

Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero

Del 28 de abril al 11 de junio

Refugio Texto y dirección Miguel del Arco

Reparto (en orden alfabético) Beatriz Argüello Carmen Arévalo Israel Elejalde María Morales Raúl Prieto Macarena Sanz Hugo de la Vega

Producción Centro Dramático Nacional

Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva

En la orilla de Rafael Chirbes

Adaptación Adolfo Fernández y Ángel Solo Dirección Adolfo Fernández

Del 19 de abril al 21 de mayo

Reparto (en orden alfabético) Sonia Almarcha Marcial Álvarez Rafael Calatayud Adolfo Fernández César Sarachu Ángel Solo Yoima Valdés

Coproducción Centro Dramático Nacional, K Producciones, La Pavana / Diputación de Valencia y Emilia Yagüe Producciones

Teatro Valle-Inclán

Séneca de Antonio Gala Versión y dirección Emilio Hernández

Coproducción Centro Dramático Nacional y Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida

Reparto (en orden alfabético) Diego Garrido Carmen Linares Esther Ortega Eva Rufo José Luis Sendarrubias Aka Thiemele Antonio Valero Ignasi Vidal Carolina Yuste

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Del 24 de marzo al 14 de mayo

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editorial

Primavera cómica Venimos de la condena a una chica por tuitear chistes sobre Carrero Blanco (campeón de salto). Eso ha puesto de nuevo los límites del humor en el centro del debate, junto a la libertad de expresión. Un síntoma de claro retroceso social. Lo más preocupante es que, después de saber que la asignatura de Literatura Universal desaparece de la enseñanza obligatoria, a este paso los debates sobre la libertad de expresión se van a convertir en animales en peligro de extinción. Se está minando la posibilidad de formarse una capacidad crítica, se está abonando el aborregamiento, lenta y eficazmente, yendo un paso más allá de lo que consiguió el aznarismo. Pero una aldea de irreductibles galos resiste los envites del imperio: el teatro. Bromas a parte, el teatro demuestra una vez más hasta qué punto es reflejo de la sociedad y reducto del análisis crítico de lo que en ella se va cociendo. Y siempre con un punto casi desafiante. A los atentados contra el humor que perpetra el sistema, el teatro responde con comedia, con comedias, comedias sencillas y cotidianas como las de Carolina África, comedias preñadas de tragedia como el Sueño de Andrés Lima o comedias llenas de amor como las de Alfredo Sanzol, comedias punzantes como Arte y comedias que retratan el absurdo en que vivimos, como La cantante calva. Comedias sorprendentes como El éxtasis de los insaciables, que todavía puede verse en la sala Réplika, capaz de suspender el expresionismo del teatro de Witkiewicz, dar luz de sala, y propiciar una experiencia de identificación brutal, haciendo que el público se convierta en sí mismo en una obra dentro de la obra, reproduciendo los esquemas de comportamiento en nuestra sociedad de masas con el eco de las risas histriónicas y asfixiantes de sus personajes de fondo.

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p.30

sumario el arte del actor.4 comic.6 la Inopia.10 danza.14 una mirada diferente.18 talent.19 luis luque.20 fuente ovejuna.24 alfredo sanzol.26 nathalie poza.30 miguel del arco.36 ¡arrea!.40 intercity.44 carolina áfrica.52 hovik keuchkerian.54 estrenos.56 cómicos.62 foto portada: Imagen La Inopia. © Guille Sola

Revista Godot Artes Escénicas

EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43. COORDINADOR PUBLICACIONES David Hinarejos davidhl@revistagodot.com DIRECTOR GODOT Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com JEFE REDACCIÓN Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot.com REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Ka Penichet, Rubén González, Regina Navarro. DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO GDT Ediciones COLABORADORES Jorge G. Palomo, Juan Vinuesa, María Morales, Pablo I. Simón, Miguel P. Valiente, Neus Molina, Daniela Pascual. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor.

el arte del actor por María Morales

Impacto En los ensayos y cursos se habla a menudo de la verdad, lo verosímil, lo orgánico, lo creíble. ¿Qué es eso? ¿Hay algo que sea ‘verdadero’ para todo el mundo? ¿No os pasa que hay gente a la que vosotros no os creéis y que a otras personas les emocionan profundamente, o al revés? ¿Qué es lo que se busca pues? ¿Detrás de qué andamos cuando queremos decir la verdad estando dentro de una ficción? Frases como “la realidad siempre supera a la ficción” o “lo cierto es más raro” nos parecen muy acordes con la vida. Solemos decir de una ficción que nos ha conmovido, que parecía verdad; o de una realidad que nos asombra decimos “parece de película”. Creo que cuando algo de esto nos pasa es porque nos ha impactado, porque vemos algo genuino, honesto y entregado. Porque hay algo en lo que vemos que tiene pleno sentido, algo contundente que no parece buscado sino inevitable. ¿Cómo buscar eso siendo actores y actrices? ¿Cómo hacerlo dentro de unas directrices marcadas y con un texto ajeno? No lo sé muy bien, creo que es una búsqueda continua, porque cada proyecto necesitará de un tono distinto, de un contexto que le

da sentido y de una compañía diferente en la que encajar. Pero lo que me parece imprescindible para que pueda suceder, es la decisión de entregar nuestros movimientos internos más profundos, y a veces desconocidos. Como cuando por fin nos atrevemos a verbalizar algo que ha estado guardado por doloroso, por vergüenza o por cualquier otro motivo. Cuando lo hacemos estamos casi seguras de que vamos a generar impacto fuera, algún tipo de impacto. Creo que esa es la sensación a recuperar cuando contamos las historias a las que damos vida, que por fin estamos dando salida a algo que ya no podemos gestionar en soledad. Y eso casi nunca pasa de una forma clara. Esos momentos están llenos de contradicciones y emociones que se cruzan. Tienen también doble sentido porque se aúna la necesidad de la propia expresión con la necesidad de llegar a alguien para generar algo en esa persona o recibir algo de ella. Creo que es más interesante y productivo perseguir ese tipo de interpretación que cualquier ‘forma’ asociada a una verdad que no valdrá para todos los proyectos ni calará de forma general.

Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid www.mariamoralesactriz.com

novelas gráficas Pablo Iglesias Simón @piglesiassimon

Alack Sinner, mucho más que un cómic negro Alack Sinner, que se podría traducir por «¡Ay de mí, pecador!», es el nombre del investigador protagonista de los cómics que los exiliados argentinos Carlos Sampayo y Jorge Muñoz publicaron entre 1975 y 2006 en diversos álbumes (Memorias de un detective privado, Viet Blues, Recuerdos de un detective privado, Encuentros y reencuentros, Nicaragua, El final del viaje, Historias privadas y El caso USA), que ahora acaban de recogerse todos reunidos por primera vez en castellano en un volumen integral. Sinner, como todo buen protagonista del género negro, es un antihéroe, detective privado, ex policía, alcohólico, fumador empedernido, misántropo, defensor de las causas perdidas de los desvalidos, y cuyas desventuradas pesquisas destruyen los muros de cualquier prejuicio, desenmascaran a lobos con piel de cordero y desdibujan las fronteras entre el bien y el mal. Quizás uno de los mayores aciertos de Sampayo y Muñoz sea el modo en que dejaron que sus peripecias evolucionaran saliéndose de los márgenes de aquello que cabe esperar de la serie negra. Así, por ejemplo, en La vida no es una historieta, baby, son los propios autores quienes, en un salto metagráfico, se ponen en contacto con el investigador para poder acompañarle en un caso para documentarse para

su próximo cómic. En los siguientes álbumes, paulatinamente el paisaje social se va imponiendo a la crónica de indagaciones y crímenes. Así abandonamos las calles de la urbe para acompañar al protagonista en su viaje en autobús a ninguna parte. Con él recorremos la América interior y profunda, radiografía de un país de inmigrantes que repudia al forastero. Sinner va envejeciendo, se hace padre y abuelo, y en sus avatares biográficos reverberan las políticas de Reagan, Bush padre y Bush hijo. En Rehenes los escudos humanos occidentales que usó Sadam Hussein en la invasión de Kuwait, recuerdan al protagonista su infancia y los campos de concentración que se montaron en Estados Unidos entre 1942 y 1948 para retener a los ciudadanos de origen japonés y poder usarlos, llegado el momento, como moneda de cambio en caso de un fatal desenlace de la Segunda Guerra Mundial. El álbum que cierra la serie, El caso USA, devuelve al protagonista a una metrópolis que ya no reconoce y donde la mafia y los poderes económicos y políticos interesados se antojan cómplices, por acción o por omisión, de los terribles atentados del 11 de septiembre. Sinner, de este modo, se convierte en un cronista involuntario y tangencial que ilumina las sombras de la sociedad estadounidense en el crepúsculo del siglo XX.

sólo puede quedar uno

torneo de dramaturgia Este año no hay mundial ni eurocopa, así que los meses de mayo y junio estarán faltos de emoción deportiva nacional. O no del todo. Ya sabemos que la pasión por el teatro no adquiere la dimensión de la que se profesa por el balompié, pero al menos los teatreros futboleros (futboleros teatreros no hay tantos) saciarán su ansia con la llegada de la gamificación a la dramaturgia a través de este torneo que promete diversión y enfrentamientos en la cumbre. Ocho participantes que se enfrentan en combates de dos en dos. Tres rondas: cuartos de final, semifinales y final. En cada eliminatoria se leen dos textos y el público, con su voto, determina el vencedor. La idea no es nueva; de hecho, se lleva haciendo ya seis años en el Festival Temporada Alta de Girona a propuesta del dramaturgo Jordi Casanovas. Ahora llega a Madrid por primera vez de la mano de la productora La Zona, con una clara vocación lúdica, un estupendo broche final a la primera temporada de Carme Portaceli al frente del teatro de la plaza de Santa Ana. Los ocho participantes (en la foto, de derecha a izquierda y de arriba a abajo) de este primer torneo son muy dispares: el experimentado Ignacio del Moral, la veterana Lourdes Ortiz, la última Premio Nacional de Dramaturgia Lola Blasco, la argentina afincada en Madrid Carolina Román, el gallego Santiago Cortegoso, la siempre interesante Marta Buchaca, catalana, como Sergi Belbel, a quien hace mucho no veíamos por Madrid, y la divertidísima Yolanda García Serrano, una dura rival en las distancias cortas. En primera ronda se enfrentan Ortiz contra Buchaca; del Moral contra Cortegoso; G. Serrano contra Román; y Belbel contra Blasco. ¡Alea jacta est! Por cierto, ¿se admiten apuestas?

Teatro Español Del 5 de mayo al 16 de junio

danza de flores y dardos por Ă lvaro Vicente

FOTOS REPORTAJE Y PORTADA: Guille Sola

Alberto Velasco

“No tolero que alguien sufra por su constitución física” Actor, director, bailarín, desde que se estableció en Madrid en 2012, se ha convertido en uno de los artistas más queridos y solicitados. Antes de incorporarse la temporada que viene al elenco de Billy Eliot, estrena en el Pavón Kamikaze La Inopia. Coreografías para un bailarín de 120 kg, con producción de Korego Proarte Oye, muchos bailarines te van a envidiar, sanamente esperemos, porque vas a bailar seis coreografías de seis fueras de serie. ¿Quién se inventa esto de La Inopia, cómo ha sido? Ha sido cosa mía, totalmente. Después de Danzad, malditos y de bailar tanto tiempo con Chevi Muraday, tenía que encontrarme conmigo en el escenario. Con Vaca tenía esto, yo en el escenario con el público y ya está, y necesitaba un poco saber cuál es mi sitio ahora, después de estar trabajando con otros y para otros durante 10

“Los seis coreógrafos de esta pieza son gente con la que yo, viendo sus espectáculos, me he quedado en la inopia”

años. Siempre he querido hacer una pieza que tuviera algo de toda la gente que admiro. Si hubiera estado viva Pina Bausch, hubiera llamado al Wuppertal, te lo prometo. Los seis creadores de La Inopia, es gente con la que yo, viendo sus

espectáculos, me he quedado en la inopia, porque no les conocía y me han maravillado, porque les conocía y como les conozco me han maravillado más, por muchas razones. Con los amigos no ha habido que pelearlo mucho, pero a Dani Abreu, Vero Cendoya y Sol Picó no los conocía y había que llamar y plantearlo y, bueno... me empeñé y lo he podido conseguir. Has nombrado a tres de ellos. Los otros tres son Chevi, Carlota Ferrer y Carmelo Segura. ¿Dime algo de cada uno de ellos, por qué están aquí? Chevi es Chevi y la coreografía me la hizo en un día, no hace falta más, hay un entendimiento por encima de formas e historias que contar, es una comunión mística. Con Carlota Ferrer... admiro tanto su valentía, está por encima de todo la tía, alucino, cada cosa nueva que hace le digo: “Carlota, no te reconozco, ¿cómo puede ser que con lo que te conozco no te reconozca?”. He visto Blackbird y he flipado, viene de hacer En cuerpo y alma y no tiene nada que ver y eso no tenía nada que ver con Nadadores nocturnos. Esa capacidad que tiene

de generar desde la libertad, tan luminosa... Luego Carmelo Segura, es un coreógrafo que aporta mucho sentido del humor a la danza, con mucha facilidad. Puede ser una cosa súper dramática, pero él lo vive con humor. No es muy habitual el humor en la danza contemporánea, ¿no? A mí me parece fundamental el humor, porque siempre nos vamos como a la zona oscura. Como en el cine, que si no lloras no te van a dar un Goya nunca. En la danza igual, si no emocionas desde las tripas, es que eres menos, cosa absurda total. Y Carmelo hace las cosas fáciles y eso es un gran logro. Vero Cendoya genera un movimiento que no te lo puedes ni creer, parece un fuego artificial su movimiento, pa pa pa pa, y sus premisas son estas: tienes que sorprender todo el rato con el movimiento, que la

gente piense que vas a ir hacia un lado y te vayas hacia el otro, que la gente vaya por detrás de ti, hay que ir siempre como por delante. Y eso implica una capacidad, una energía... Vero es energía pura. Dani Abreu es todo lo contrario, es tranquilidad absoluta, con peso,

“Si hubiera podido conocer a Pina Bausch, le hubiese seducido hasta conseguir bailar para ella”

con aire, muy europeo, no pasa nada en la cara... Y Sol Picó... Sol Picó es una macarra, a sus 50 años te propone unas cosas que si te las propone una niña de 20 no te lo crees. Es una guerrillera de la danza.

Desde Vaca no habías vuelto a subirte solo a un escenario. Fue la primera vez que te veía bailar y me impactó mucho, por esa ruptura radical de los cánones. ¿Cómo ha sido tu evolución en este tiempo, desde que estrenaste aquel solo en 2007? Cuando estrené Vaca llevaba bailando dos años con la compañía de Marta Carrasco y uno con la compañía Hojarasca, y sentía que había algo que tenía que contar, algo que tenía que ver con el cuerpo y que me tocaba mucho. Sentía que mi cuerpo tenía que hablar. Empecé jugando en el garaje de mi casa de La Cistérniga, mi pueblo, con un frigorífico viejo lleno de bebidas, lo más trash que te puedas imaginar, y allí jugando me di cuenta de que aquello tenía que ser un espectáculo. Estuve haciéndolo durante siete años y se fue transformando a medida que me transformaba yo. Pasó de ser una revancha contra la sociedad a una reconciliación. Sentía odio hacia la sociedad que me había desplazado por ser gordo y vomité todo ese odio a través de la danza, que era el sitio donde me había sentido acogido. Vaca fue una respuesta frente a esa sociedad, para que se pudieran visualizar más opciones. Que alguien sufra por una constitución física no lo tolero, porque nadie es nadie para decir lo que es hermoso y lo que no, ni yo ni nadie. Cuando estrené Vaca, yo no estaba a gusto con mi cuerpo y desnudar-

me, por ejemplo, era algo jodido para mí. Hoy es todo lo contrario. Con Vaca empezó un recorrido que acaba en La inopia. Has hablado de Marta Carrasco, que supongo que debió ser importante para ti, pero te quería preguntar por tus maestros, ¿quiénes han sido esos creadores fundamentales para ti? La primera de todas Pina Bausch. Ella era muy delgada, pero siempre he pensado que si la hubiera conocido, la hubiera seducido hasta conseguir bailar para ella. Todavía estudiando en Valladolid, nos trajeron a Madrid a ver un espectáculo suyo y me quedé loco, empatizaba totalmente con ese lenguaje y me emocionaba. Con Marta Carrasco estuve seis años y aprendí muchísimo. Luego Sol Picó, que vi Bésame el cáctus también estando en la escuela y fue como ¡WTF! Y en 2012 llegué a Madrid y conocí a Chevi, con quien me une algo muy especial. ¿Qué te gustaría conseguir transmitir con La Inopia? Fundamentalmente que se le pierda un poco el miedo a la danza, que más allá de los que vamos siempre a ver danza, vaya gente ajena y descubra que es más de lo que creemos, porque te cuenta historias desde otro sitio que emocionan igual. Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com

La Inopia. Coreografías para un bailarín de 120 kg. Chevi Muraday, Carlota Ferrer, Vero Cendoya, Daniel Abreu, Sol Picó y Carmelo Segura han diseñado los movimientos que Alberto Velasco despliega en esta personalísima pieza. El Pavón Teatro Kamikaze Del 15 al 17 de mayo

desembarco de la danza por Manuela Barrero

FOTOS: Jacobo Medrano

Devora libros, devora vida

I’ ll be your mirror es deseo de entendimiento entre seres humanos que buscan, y se hacen dependientes de lo más inverosímil para salvarse, cuando las cosas se ponen feas. Comunicándonos somos torpes y nos crea conflicto constante lo que nos diferencia, sin caer en la cuenta de que esa diferencia es la consecuencia lógica de una maravillosa diversidad. El título de la pieza me lo regala Jean Baudrillard hablando de la seducción. No se refiere al espejo como reflejo narcisista, sino como ilusión. ‘Yo seré tu ilusión’. Todos somos seductores y seducidos, vendedores involuntarios del espejismo de la seducción, necesitando mirarse en la ilusión de otros. Creo que somos el reflejo de nuestra propia humanidad, seducida por una idea inalcanzable de perfección y Belleza que depositamos, con más o menos esperanza, en los que nos rodean. En la construcción de los personajes tengo presente un concepto de soledad que veo como una grieta diminuta por la que se cuelan los abismos

más inmensos. Son personajes que vienen de esa soledad. Se encuentran en un universo de libros escritos para ser comidos y devorados, porque la Verdad está entre las páginas, contenida en pequeñas dosis. Abarcar, devorar para saber, comprender y defender una realidad hermosa. Ese es el ansia que los une. Son seres humanos ‘espejo’ fragilizados, como escribe Beaudrillard, porque seducir es fragilizar. El HombreEspejo convertido en un hermoso caníbal devora-vida. Con hambre insaciable de poesía, la MujerLibro es la luz, es lo que era esa otra que ya no habla, voz-piedra quebrada resbalando, como diría Maillard, tráquea abajo. Espiando un poco, vemos como se relacionan y lo que desean, vemos el propósito y fin de un proceso que al final, y como todos los finales, sólo es el principio de otra página en blanco.

I’LL BE YOUR MIRROR El Pavón Teatro Kamikaze. Del 14 al 17 de mayo

FOTO: Jesús Vallinas

FOTO: Jacobo Medrano

FOTO: Pedro Gato

desembarco de la danza

En un deseo por desaparecer del planeta, la imagen recurrente de la playa como lugar idílico de placer y tranquilidad nos ofrece un oasis dentro del caos y el ruido mental de nuestro presente. En antítesis con este estado imaginario de paz total, esta pieza de la Compañía Antonio Ruz muestra el juego de tensión-relajación. Esa musculatura de la ansiedad signo de nuestro tiempo se transforma irónicamente en fragilidad y desasosiego.

BEAUTIFUL BEACH El Pavón Teatro Kamikaze 9 y 10 de mayo

Losdedae, la compañía liderada por Chevi Muraday, cumple 20 años y lo celebra con esta fiesta de la danza y por la danza, un montaje en el que aparecerán todos los actores y bailarines que en algún momento han trabajado con la compañía, con músicos y voces en directo. Todo impregnado con un ambiente lúdico apoyado en el vestuario, que se inspira en el universo de la alta costura y de las noches de fiesta.

MARIKÓN, ¡ESTO ACABA DE EMPEZAR! El Pavón Teatro Kamikaze Del 11 al 14 de mayo

La Compañía Nacional de Danza nos invita a degustar su original y variado Menú de Primavera. Cada noche, los espectadores serán los responsables de elegir los sabores y texturas que conformarán el menú de un espectáculo único e irrepetible. Desde los sabores más clásicos a los creadores contemporáneos, pasando por cocina creativa experimental y de fusión, en el menú de la CND hay piezas para todos los paladares. Bon appétit!

CND A LA CARTA El Pavón Teatro Kamikaze Del 19 al 21 de mayo

+ danza

La inspiración para Rice nació del paisaje y la historia de Chihshang, en el Valle del Rift de Taiwán. El coreógrafo Lin Hwai-min llevó a sus bailarines a este lugar, donde se unieron a la cosecha del arroz. A partir de esta experiencia, el coreógrafo Lin creó movimientos potentes y exuberantes, tejidos a través del suelo, la luz del sol, el viento, el agua y el fuego, para conformar una danza que baila entre las artes marciales y la meditación.

RICE Teatros del Canal Del 25 al 28 de mayo

Trevor Carlson fue la mano derecha del mítico bailarín y coreógrafo Merce Cunningham en sus últimos años. El título de esta pieza parte de una revelación de Cunningham frente al espejo. Es invierno de 2001, tiene 71 años y se encuentra de gira por Australia. En esta creación Trevor nos muestra ese viaje compartido. Los compases finales de la existencia vital de Cunningham. La lucha por seguir trabajando hasta el último aliento.

NOT A MOMENT TOO SOON Naves Matadero Del 19 al 21 de mayo

Una mujer perdida en un laberinto de nudos. Cada amago de salida será un nuevo nudo que deshacer enfrentándose a la realidad de su propia vida. Giulia Risso nos brinda este espectáculo de danza/teatro sobre las cuerdas que nos hemos ido atando a lo largo de nuestra vida, impidiéndonos evolucionar. Son nudos imposibles de deshacer que hacen el camino costoso, a veces tanto que nos olvidamos cuál era el objetivo hacia dónde nadábamos.

NADANDO ENTRE NUDOS Teatro Galileo Del 10 al 31 de mayo

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FERI

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rompiendo miedos y prejuicios

La necesidad de atreverse El Centro Dramático Nacional repite un año más con su particular apuesta por la inclusión en las artes escénicas. El festival se ha convertido a lo largo de los años en la prueba más fehaciente de que el contacto directo con la diferencia es la mejor manera de romper miedos y prejuicios en torno a la discapacidad y el mejor estímulo para que los profesionales incluyan a creadores con discapacidad en sus proyectos. Este año, bajo el lema ¿Te atreves?, se inaugurará el festival con el estreno en nuestro país de la compañía estadounidense Full Radius Dance con su último espectáculo Do you know what you’re doing now? (26 y 27 de mayo), un trabajo que gira en torno a cómo la inseguridad provoca incertidumbre y ansiedad en nosotros mismos y en los procesos de creación. Además, el día de la inauguración (26), la Plaza de Lavapiés será tomada por música del grupo de electrónica Naranja Imaginario, colectivo musical que nació dentro del centro ocupacional Pascual Veiga de A Coruña. El 27 y 28 será el turno de Despiezados, que reúne a tres artistas: un monólogo del actor y director de cine Telmo Irureta, la danza del colectivo El brote y de nuevo a Naranja Imaginario en un formato más íntimo. El mismo 28 llegará Mur, un espectáculo visual de circo dirigido por Nacho Flores sobre las limitaciones, físicas y mentales, y la capacidad humana de sobreponerse a ellas. El 29 asistiremos al resultado del taller de interpretación que imparte Fefa Noia dentro del festival y en el que se trabaja sobre textos del Taller de Dramaturgia llevado a cabo por Juan Mayorga y Diana Luque. El 2 y el 3 de junio la danza llega de la mano de la Fritsch Company y el estreno absoluto de El amor no dura para siempre (Romeo y Julieta), dirigido por Andrés Lima. Un espectáculo multidisciplinar, con una gran carga audiovisual, danza contemporánea y nuevas fórmulas de puesta en escena bajo la cálida, innovadora y divertida

Imagen de ensayo de El amor... de Andrés Lima y Fritsch C. FOTO: Laura Ortega

mirada de Lima. También el día 2 actuará el Colectivo Lisarco con Synectikos, su nuevo trabajo donde la danza, la música y las artes visuales se entrelazan. Finalmente los días 3 y 4 se podrá ver Cinco historias diferentes de Producciones esenciales, trabajo que habla de la determinación, la superación y la amistad. Cerrando el festival se contará con Viktoria Modesta, la pin-up vanguardista a la que se pudo ver cantando y luciendo una prótesis de Swarovski en la clausura de las Paraolimpiadas del 2012.

Una mirada diferente 5ª edición del festival que ha sido Premio anual de Plena Inclusión Madrid y Premio especial de la Unión de Actores y Actrices 2016. Teatro Valle-Inclán Del 25 mayo al 4 Junio

una explosión de talento Sergio Díaz

exhibición del talento ganador La historia de Talent comienza con el impulso de Mónica Hamill, directora del Festival, y Albert Boadella, director artístico -en su momento- de los Teatros del Canal. Su compromiso con la creación emergente les llevó a ofrecer un escenario a todos aquellos artistas que no cuentan habitualmente con un espacio donde mostrar su trabajo. Así nació Talent 2013: un festival trampolín del talento emergente con una visión innovadora que cumple ya su quinto aniversario. En 2015, Talent tomó una nueva forma de acontecimiento bienal, que se desarrolla en varias fases: el primer año tiene lugar la convocatoria, presentación de proyectos online, votaciones populares en las redes sociales y desarrollo creativo de las obras seleccionadas; mientras que en el segundo año tiene lugar la exhibición de las obras durante el festival. La edición de 2017, que se celebrará del 24 al 28 de mayo de 2017 en la Sala Verde de los Teatros del Canal, está dedicada a la fase de exhibición con una selección de las mejores compañías y espectáculos que han pasado por ediciones anteriores. Será una ocasión fantástica para ver alguna de las piezas finalistas participantes, así como nuevas producciones.

PROGRAMACIÓN

El festival comienza el próximo 24 de mayo con Juguete roto, espectáculo de circo de Pass&Company; Entre ellas todas, obra de teatro de La Canoa Teatro; y Ven Litt... la meg forklare, una pieza de danza con coreografías de Martine Bentsen y Michela Lanteri. El día 25 veremos la pieza de danza Nuvem congelada de la Cía. Displaced; y Fluxus obra de teatro del absurdo de la Cía. Benamate, los ganadores de Talent 2014. El día 26 es el turno de Umbra, danza de Full Time Company y Fabián Thomé; y de La mujer en obras, espectáculo de La Chumbera que se estrenará en el Surge. El día 27 veremos una visión contemporánea de la escuela bolera en Tiempos diferentes de Víctor Martin y Daniel Ramos López; y Generación Y, obra de teatro de la maravillosa compañía TeatroEnVilo. Cierra el festival el domingo 28 de mayo la danza de Emilio Ochando en Siroco. Esperemos que sean muchos años más de talento escénico que sale a flote gracias a iniciativas como esta.

Talent 2017 Este año actuarán algunas de las mejores compañías que han participado en las ediciones anteriores de Talent. Teatros del Canal Del 24 al 28 de mayo

la pandemia de lo inútil por Álvaro Vicente

Luis Luque

“Ionesco salía a la calle y no entendía el mundo que le rodeaba”

FOTOS: Javier Naval

Nueva puesta en escena de La cantante calva, traducida y versionada para la ocasión por Natalia Menéndez. A la batuta, el discípulo más aventajado del maestro Miguel Narros, que en su incipiente madurez creativa se enfrenta a una de las primeras obras teatrales que leyó en su vida

Te dedicas al teatro, luego en algún momento tuviste que tener el encuentro con Eugène Ionesco. ¿Cómo fue en tu caso? Pues fue hace mucho, cuando todavía era muy joven. De hecho, puede que fuera la primera obra de teatro que leí, que yo decía: ¿pero todo el teatro es así? Luego ya empecé a leerle más y es un autor que me ha acompañado siempre. Cuando leí su autobiografía, entendí por qué tengo esa conexión con él tan grande, hay elementos en su vida que resuenan mucho en la mía, ese salir a la calle y ver a la gente hablar y no saber de qué, extrañarte de todo lo que te rodea. Ionesco decía que salía a la calle y no entendía el mundo que le rodeaba, y yo eso un poco lo comparto con él. Y más en esta época, en la que estamos tan perplejos y tan desorientados. Lo cotidiano se ha convertido en insólito, aun sin quererlo... el presidente de los Estados Unidos es Donald Trump,

más absurdo que eso... Y luego las escaladas bélicas, la guerra constante, las guerras mismas que hay en nuestra profesión, guerreamos por cualquier cosa. Esa falta de entendimiento y esa falta de comunicación constante, ese elemento tan perturbador que tenía Ionesco desde pequeñito, que mantuvo hasta el final, en una Europa devastada por las dos guerras mundiales... Que luego, artísticamente, fue una época muy interesante. Claro, La cantante calva en ese entonces era pura vanguardia. Hoy la denominamos clásico contemporáneo, pero lo que nació en un contexto tan determinado, resulta que hoy cobra todo el sentido del mundo también. Hubo un tiempo que se calificaba al teatro del absurdo como ‘advertencia’. Pero ya no, ya no nos advierte, ahora nos señala directamente nuestra condena. Tuvo una vigencia la advertencia, pero ahora mismo el absurdo no es que nos rodee, es que vivimos en él. Tiene más poder

“Hoy lo cotidiano se ha convertido en insólito, aun sin quererlo. Trump es el presidente de EEUU sin ir más lejos”

que en su momento, solo hay que ver la destrucción del lenguaje, que lo estamos viendo con las redes sociales. Y es solo la punta del iceberg, porque eso habla de que la gente cada vez lee menos, se interesa menos por la cultura, hay menos reflexión, se piensa cada vez menos. Yo a veces abro twitter y no entiendo

nada de lo que leo, entre la jauría de egos, esta manía de posicionarte en todo o contra todo... En Ionesco, el gran miedo estaba en los regímenes totalitarios, era muy claro, pero ahora da igual el nombre que pongas, todo está mezclado y confundido. Creo que el tema del lenguaje, en todo esto, es lo más preocupante. La cantante calva, como tú dices, nos advertía, nos señalaba el peligro de un discurso vacío y usaba para ilustrarlo escénicamente las frases tontas de los métodos para aprender inglés, pero ahora es la tónica general, tanto que son los discursos fundamentados y críticos o el humor y la ironía lo que se persigue. El imperativo es manejarte en lo inútil. Sí, y en lo fugaz, como pasa en la obra, que inician conversaciones que duran dos minutos y ya, a otra cosa. Esto es nuestro día a día, sólo hay que mirar twitter. Lo de los 140 a mí me fascina, cómo estamos reduciendo nuestras líneas de pensamiento o nuestros conceptos, cómo los tenemos que constreñir para comunicar una idea. Y si te cabe, tienes la opción de meter un emoticono, que eso ya es el colmo, un emoticono para sustituir algo tan bello como decirle a alguien te quiero. Algunas palabras todavía valen algo... No es que sea actual La cantante calva, es que parece que está escrita ayer. Sobre todo también pensando en la cuestión del humor. Ionesco dijo, en 1959: “se teme el exceso de humor, porque el humor es libertad”. Claro, y esto es lo que resuena cuando uno se plantea hacer La cantante calva. ¿Cómo lo haces? Tú

te enfrentas a una obra que tiene un estilo y que tiene un código. Y no vale cualquier cosa. Llevamos ensayando dos meses y el recorrido ha sido fascinante, porque empecé montando el disparate y el sinsentido, y eso nos llevaba al mundo del clown, a un mundo inabarcable. La función es tan poderosa, que si escuchas lo que estás viendo, sin querer imponer tu visión, sino centrándote en la historia, eso florece y llega a los corazones. No hay más secreto. Es muy dificultoso, sí, pero me di cuenta de que todo ese edificio cómico está sustentado por una gran tragedia, y al final mi dificultad ha sido combinar esa tragedia soterrada con un vehículo de humor, de disparate, y que una cosa no pudiera con la otra. Esa es mi propuesta: usar la risa como vehículo para pensar. Mostrar y conmover.

Parece difícil, a priori, conmover con una obra así. Sí, pero yo he querido darle un punto de humanización a los personajes, para que no sean desde un primer momento aquello en lo que acaban convirtiéndose: muñecos, robots, máquinas. ¿Hasta qué punto han participado los actores en este proceso de búsqueda? Pues lo he flipado bastante, es una compañía brutal, empezando por esa maestra, Adriana Ozores. Son tremendos, yo decía: vamos a hacer esto y se ponían y lo hacían sin que me diera tiempo ni a respirar. Han estado en todo con un compromiso y una entrega totales, en los talleres, en los ensayos... ha sido muy rico el encuentro con ellos. Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com

La cantante calva Gran reparto a las órdenes de nuestro entrevistado para demostrar la enorme vigencia de la obra de Ionesco, la más representativa del llamado teatro del absurdo, estrenada en 1950. Adriana Ozores, Fernando Tejero, Joaquín Climent, Carmen Ruiz, Javier Pereira y Helena Lanza se ponen más ingleses que nunca. Teatro Español Del 3 de mayo al 11 de junio

impulsos de juventud por Sergio Díaz

Alberto Conejero versiona un gran clásico

Fuente Ovejuna

FOTO: Alberto Nevado

Javier Hernández-Simón dirige a la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico en este atemporal texto del gran Lope de Vega, con versión de Alberto Conejero Teatro de la Comedia Del 19 de mayo al 11 de junio

Fuente Ovejuna es un texto inmortal, uno de los grandes clásicos de nuestra literatura, una de las maravillosas joyas que nos legó el insigne Lope de Vega. A todos nos suena la historia, muchos han visto alguna versión teatral y algunos otros se han leído el libro. Pero Fuente Ovejuna siempre está ahí, se deja ver cada temporada en diferentes manifestaciones artísticas y culturales. Su mensaje permanece latente de alguna manera por si de verdad nosotros, como sociedad, algún día somos capaces de ir más allá del mero conocimiento superfluo del texto y ponemos en marcha las enseñanzas que de él podemos obtener: la acción de una sociedad organizada que ejecuta su responsabilidad ante los desmanes y el autoritarismo de un gobierno que nos trata

como a borregos y que sólo quiere que cada ‘x’ años metamos un papelito en una urna (a veces no quiere ni eso). Javier Hernández-Simón dirige a la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico para poner en pie esta versión teatral realizada por Alberto Conejero. A ver si la juventud, la pasión y el talento de estas jóvenes actrices y actores consigue por fin el objetivo que se persigue al representar este texto. A ver si de una vez por todas, algún día, conseguimos evitar que nos gobiernen de forma despótica. A ver si de una vez por todas, algún día, despertamos como sociedad. Pero despertar es complicado. Mantenerse dormido siempre es más cómodo. Y hay demasiados estímulos a nuestro alrededor para mantenernos a gusto en la camita. Sergio Díaz

con barbas y a lo loco por Álvaro Vicente

Alfredo Sanzol

“Siempre he obtenido mucho placer de hacer cosas para que la gente se ría” La ternura es el resultado de un año de investigación, en el seno del proyecto Teatro de la Ciudad y junto a Andrés Lima, sobre el humor y la comedia. Tanto la investigación como el resultado le deben mucho a Shakespeare, al que Sanzol ha leído tanto en este tiempo que ha podido acercarse, aunque solo sea de oído, a escribir como él

Un año de talleres para investigar sobre la comedia. Eso es un lujo que pocos pueden darse hoy día... Tenemos una suerte inmensa y es un trabajo fundamental el que desarrollamos en los talleres con todo el equipo, es esencial para romper la soledad del director y para comprobar que la colaboración entre directores no es una utopía. Ocurrió en el primer ciclo de las tragedias y ha vuelto a ocurrir ahora, con Dan Jemmett incluido, que al final se ha convertido en un colabora-

dor excepcional. Además, está muy bien haber podido acompañar a los actores en este viaje que va de la tragedia a la comedia. ¿Cómo os habéis acercado a ese concepto tan enorme: la comedia? Comenzamos haciendo una aproximación muy general. Hablamos de la comedia, del humor, de la ironía, de la sátira, de la propia risa, qué cosas hacían reír. Es un mundo amplísimo, claro, que solo desde hace poco se está ocupando

de él seriamente la filosofía, la sociología, porque hasta ahora había estudios muy puntuales, y todavía los estudios de Bergson y de Freud seguían siendo muy determinantes. Hemos ido invitando a gente de todo tipo: el Gran Wyoming, Albert Boadella, José María Perceval (catedrático de Historia y Antropología, que vino desde Barcelona para asesorarnos), Carlos Areces, Josema Yuste, Eduardo Mendoza, y con todos ellos hemos podido trazar un marco teórico bastante potente. Tampoco tú eres alguien ajeno al humor, que está presente siempre en tus montajes, un humor muy personal, eso sí, que con el tiempo se ha convertido en un sello. Es que está en mi carácter, en mi manera de ser. Desde crío, obtengo más placer de hacer cosas para que la gente se ría. En cuanto me regalaron una grabadora, empecé a grabar tonterías buscando la risa. La actividad de hacer reír está, por tanto, en mi escritura y en mi forma de trabajar de una manera muy orgánica, muy física, muy poco racional. Oye, ¿y por qué se llama La ternura? Lo tierno no tiene por qué ser cómico, ¿no? Bueno, en un momento dado salió el tema de la ternura y nos pusimos a investigar, porque yo decía: ¿ternura qué es, lo blando? Y resulta que hay una acepción de ternura, que es la potente, que dice que es todo aquello a través de lo que se expresa el amor. El amor se hace visible a través de la ternura, a través de la escucha, de las caricias, de la empatía... todo eso es ternura, y la ternura requiere, para su ejercicio, fortaleza, porque cuando te encuentras débil no puedes ser tierno, necesitas más la ternura de los otros. Todo esto me abrió un mundo de posibilidades. La ternura bebe de las comedias de Shakespeare. ¿Tú sabías lo que querías contar y cómo hacerlo o eso ha ido saliendo? Yo tenía un argumento, pero los personajes se rebelaron. La Reina Esmeralda está harta de que los hombres tracen su destino, así que decide provocar una gran tormenta y hundir la Armada Invencible. Luego huye a una isla

“El amor se hace visible a través de la ternura, con la escucha, las caricias, la empatía...”

desierta con otras mujeres, quieren vivir solas, sin hombres, lo que pasa es que la isla a la que llegan está habitada por tres hombres que viven felices sin mujeres, así que ellas se disfrazan de hombres... O sea, que ahí van a saltar chispas... Claro. Yo quería que esto fuera como un cuento, una comedia romántica que refleja eso que nos ocurre siempre, que los padres intentan avisar a los hijos de los sinsabores del amor, intentan impedirles que se enamoren, porque saben que se pasa mal, pero eso es imposible, todos, tarde o temprano, nos encontramos con el amor y con el dolor que lleva asociado. ¿Qué ha quedado en La ternura de toda esa relectura de las comedias de Shakespeare? El lenguaje está lleno de metáforas, de comparaciones, los personajes expresan sus emociones y se dan el tiempo para expresarlas, nada de lo escrito en La ternura está escrito con un lenguaje cotidiano, todo tiene una vuelta. Era fundamental en el teatro isabelino que el lenguaje fuera un imán para el oído, porque ahí había mucho jaleo, la distracción era muy fácil, no era un público que se sentara a ver una obra de teatro y atender caiga quien caiga, era ir a pasárselo bien y si le conseguían atrapar, atendían, pero si no, había mil distracciones posibles. Yo he intentado un lenguaje muy atractivo, con una forma muy llamativa, y estoy muy contento con el resultado. Finalmente, de todo ese proceso de investigación en la comedia, ¿cuál es el descubrimiento que legáis a la historia del teatro? No sé, al menos me gustaría recoger todo lo que ha salido en los talleres y de alguna manera sistematizarlo para que luego pueda ser leído. Toda técnica tiene por objetivo que el inconsciente sea más libre, y sí podríamos hablar de las técnicas que hemos usado para liberar el inconsciente. Luego ya, los resultados se ven en el escenario. Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com

La ternura Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Javier Lara, Juan Antonio Lumbreras y Eva Trancón juegan a la comedia de amores posibles en situaciones imposibles, con el único deseo de encontrar la ternura como sea, donde sea, con quien sea. Teatro de La Abadía Del 27 de abril al 4 de junio

el tesoro de la madurez por Álvaro Vicente

Nathalie Poza

“La experiencia vital es necesaria para contar las cosas con más matices”

Viene de ganar la Biznaga de Plata en el último Festival de Málaga por su papel en No sé decir adiós, ópera prima de Lino Escalera. Y se mete a “hacer de Andrés Lima” en Sueño, una comedia muy trágica -o viceversa- de aroma shakesperiano, con la que redobla la apuesta. Lo puede hacer, es una enorme actriz y está en su mejor momento

Vaya mes de mayo, doble estreno en teatro y en cine. Por cierto, enhorabuena por la Biznaga de Plata. Dicen por ahí que es el mejor papel de tu carrera... Gracias. No sé, tampoco he hecho tanto cine. Aquí llevo un poco el peso de la historia y hay muy buen guión detrás, es un personaje con muchos matices en una historia con mucha hondura, y a lo mejor por eso hace un poco más de ruido. Curiosamente tiene muchos paralelismos con Sueño, tanto que casi da miedo pensarlo. ¿Casualidad o causalidad? Evidentemente, algo pasa en esta generación nuestra, en la mía, en la de Andrés (Lima), en la de Lino (Escalera), hay algo sobre la despedida, sobre aprender a morir y aprender a despedir a los que se mueren. Y no solo despedirse de los seres que se van, sino de las etapas que dejamos atrás. Decía una autora mexicana que tocar fondo también es tocar el terreno de

“Para renacer hay que estar siempre despidiéndose de algo. No solo es triste y dramático, también es esperanzador”

cultivo. No solo es triste y dramático, también es esperanzador. Para renacer hay que estar siempre despidiéndose de algo. La conexión no solo se da entre ambas historias, sino entre

ellas y tu propia vida. ¿Te han puesto frente a ti misma más que otros proyectos? Sí, totalmente. Mi primera reacción con el personaje de No sé decir adiós fue un poco de rechazo, me dio vértigo la oscuridad de la historia, aunque luego me he dado cuenta de que es más luminosa de lo que parece. Ahí está el riesgo, en atreverse a contar desde la implicación personal. Andrés Lima lo dice mucho últimamente, que se está perdiendo en el teatro y el arte en general la implicación personal, queremos complacer, hacer reír de manera fácil, sin complicaciones, queremos que venga la gente al teatro o al cine pero cuidado con asustar poniendo mucha verdad ahí. Pero es que si no, ¿para qué estamos aquí? ¿La madurez definitiva, la artística y la vital, llega con la muerte de los padres? Yo creo que sí. Recuerdo un día en un ensayo con Andrés, un momento delicado, muy amoroso (porque está especialmente volcánico, tanto para decirte algo bonito como para decir que no has llegado a lo que quiere), que me dijo: “aquí se ve la madurez actoral, al hablar de la desesperación en el amor”. Porque El sueño de una noche de verano tiene partes que... cuidado. Te ofreces al otro y dices “yo soy tu pulgosillo, trátame a golpes y a patadas...” eso te lo tienes que creer, aunque luego el espectador lo viva como algo humorístico. Todos hemos vivido a estas alturas relaciones tóxicas, al límite, y las necesitamos para contar esto. Me pasó igual con la peli.

Viaje interior a la raíz Carla (Nathalie Poza) recibe una llamada de su hermana (Lola Dueñas): su padre (Juan Diego), con el que hace tiempo que no se habla, está enfermo. Ese mismo día, Carla viaja hasta Almería, a la casa de su infancia. Los médicos le dan a su padre pocos meses de vida, pero ella se niega a aceptarlo y decide llevárselo a Barcelona para que lo trate otro médico. Ahí empieza un viaje, casi una huida, para escapar de una realidad que ninguno de los dos se atreve a afrontar. En esa huida, padre e hija se terminarán encontrando y se podrán decir adiós en paz. Lino Escalera ha escrito (junto a Pablo Remón) su primer largo como director, que se estrena en cines el 14 de mayo.

Con 30, incluso con 40, no sé si hubiera podido contar esta historia como la he contado con 45 años y habiendo pasado por la muerte de mi padre. La experiencia vital es necesaria para contar las cosas con más matices. Hay personajes que, evidentemente, se cuentan mejor con el paso del tiempo. En Sueño se intuyen muchas dualidades: placer-dolor, erosthánatos, belleza-fealdad, vidamuerte... Tragedia-comedia... Uno piensa en comedia y como que tienes que ser gracioso, hacer reír solo. Yo pensé que íbamos a hacer algo más ligero, pero ligero no es. Seguro que Andrés me diría que en todos los montajes me pasa lo mismo, pero esta vez es diferente. Pero... parece mentira que no conozcas a Andrés, llevas, ¿cuántos, 10, 15 montajes con él? Ya, sí, pero... ¡siempre caigo! Por eso voy también, hay algo en esa

especie de abismo que a mí me pone. Si fuera fácil, como me decía el otro día Beatriz San Juan, si fuera fácil sería una mierda, y tiene razón. A mitad de los ensayos tuve una crisis: ¿cómo se hace esto? Porque quieres entrar en el disfrute del proceso pero hay momentos en los que no sabes qué terreno estás pisando. Pero sí, sí creo que hay un código nuevo que

“Andrés Lima tiene la capacidad de provocar para ver qué sale. Eso a veces te conflictúa, pero yo no sé trabajar sin fricción” tiene que ver con esas dualidades, nos movemos en el realismo y de pronto pasas a entrar en la lógica mental de un hombre que se está muriendo. Y cuando entramos en ese mundo suyo de la residencia, en el que se resiste a morir y se pone a beber y a recordar sus

FOTO: Luis Castilla. Ensayo del elenco completo de Sueños

primeros amores, ahí entra Shakespeare, empezamos a hablar en verso y parece que estamos en un after... yo qué sé, es una puta locura.

cía: “eso que te está pasando, ese dolor, guárdatelo que vendrá bien luego”. Y a mí me daban ganas de decirle: “vete tú a mirártelo”.

La simbiosis con Andrés Lima es mayor que nunca, supongo, porque tu personaje es él enfrentándose a la muerte de su padre... Ha habido momentos muy extraños. Hemos discutido mucho, porque lo que subjetivamente a mí me parecía su relación paterno-filial rebotaba con su propio rechazo a admitir algunas cosas, a querer profundizar en algunas cosas. Yo respeto mucho lo que él ha vivido, claro, pero se mezcla mi subjetividad con el amor a la persona, a Andrés, que lo amo profundamente, porque es mi amigo. A veces me de-

Me sorprende y me encanta que una actriz y un director como vosotros, con tanto detrás, todavía os podáis revelar cosas nuevas. Andrés tiene esa capacidad de provocar para ver qué sale. Hay días que no te da la gana y te quieres largar del ensayo y días que no te irías nunca. Es la dicotomía del actor. No sé trabajar sin fricción, que un actor o un director no diga una barbaridad en un momento dado y luego lloremos todos y nos abracemos. Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com

Sueño Junto a Chema Adeva, Laura Galán, Ainhoa Santamaría y María Vázquez, Nathalie Poza protagoniza la relectura del Sueño de una noche de verano de Shakespeare, con texto y dirección de Andrés Lima. Teatro de La Abadía Del 10 de mayo al 18 de junio

música

Entre lo consagrado y lo emergente La iniciativa creada y dirigida por Ángel Rojas es uno los proyectos más importantes desarrollados desde el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa. Este año afronta su tercera edición desde la sensación de haber consolidado un espacio donde las tendencias más innovadoras del Flamenco y la Danza Española conviven junto a las más tradicionales, para que tengan un escaparate inmejorable de cara al público nacional e internacional presente en nuestra ciudad. Este año nombres de la talla de Antonio Canales, Eva Yerbabuena, La Lupi, Pastora Galván, y la esperada reaparición de La Chana, se mezclarán con artistas y creadores emergentes como Daniel Doña, Marco Flores, Ángel Manarre, Antonio Rey, o Encarna Anillo, que tomarán los diferentes espacios del centro de Colón. En el apartado de las actividades paralelas, con motivo del centenario del nacimiento de Mariemma (una de las bailarinas de Danza

Española más prestigiosas del siglo XX), se realizará una gran exposición de vestuario y objetos de su colección privada, todos ellos cedidos por el museo que lleva su nombre en la ciudad de Íscar. Además, también podremos disfrutar del talento fotográfico de la húngara Beatrix Molnar y de numerosos encuentros con el público después de cada representación, así como de conferencias, charlas, exhibiciones, clases magistrales de baile y cante... Por último, conviene destacar que dentro del festival se celebra el Certamen Coreografía de Danza Española y Flamenco del 7 al 11 de junio. Margaret Jova dirige este certamen que se creó en 1993 con la intención de ofrecer incentivos a un emergente movimiento de nueva creación en el género de la Danza Española. El Certamen promueve, también, la colaboración entre compositores y coreógrafos, diseñadores de vestuario, y el alto nivel técnico y artístico de bailarines e intérpretes.

Festival Flamenco Madrid 2017 3ª edición del festival. Una cita imprescindible para el público de nuestra ciudad y para los visitantes. Su programación combina tradición, calidad, frescura e innovación.

Pastora Galván, La Chana y Marco Flores

Teatro Fernán Gómez Del 17 mayo al 11 junio

de la tragedia a la comedia por Álvaro Vicente

Miguel del Arco

“La realidad siempre viene a dejar pequeña la ficción, cualquier ficción” Si hubiera que premiar a alguien en esta temporada por su capacidad de trabajo, Miguel del Arco tendría muchas papeletas. No solo ha abierto un teatro, el Pavón Kamikaze, sino que ha retomado La función por hacer, Hamlet, Juicio a una zorra y Misántropo, ha estrenado una peli, Las Furias, y tres obras nuevas: La noche de las tríbadas, y, ahora, Refugio y Arte. Ah, y en agosto vuelve con Antígona. ¿Quién da más?

¿Ésta ha sido la temporada más intensa de tu vida? Espero que no, yo siempre espero más intensidad. Es verdad que ha sido un año muy bestia, impensado además. Y lo más curioso es que yo me lo había planteado como un año para descansar. Cuando terminé con ¡Cómo está Madriz!, hace un año, en La Zarzuela, sólo tenía por delante el estreno de Las Furias y luego nada hasta Refugio, me lo iba a tomar con tranquilidad para viajar con Hamlet, leer, escribir, pensar, ir al campo... y por el camino decidimos abrir un teatro. Hace un año más o menos que lo decidís... habréis tenido de todo en este tiempo... Ha habido momentos muy intensos, tanto de subidón como de bajón, pero he aprendido mucho, ha sido fundamentalmente un año muy feliz. Aunque estemos aquí metidos 14 horas, en precario, sin cobrar, estamos metidos en mitad de un sueño. No me sobra ninguna de las horas que paso aquí. Añoro el campo, añoro más medios, pero es un sueño, un sueño que huele a

barro, porque hay que remangarse y meter las manos en el barro. Pero estoy súper contento, rodeado de un equipo fabuloso, con un ambiente envidiable, con mucho amor y mucho humor. Cada día tengo más claro que solo quiero trabajar en esta profesión con gente que quiero. Desde fuera, esta primera temporada del Pavón Kamikaze proyecta una imagen de seriedad, de coherencia, de calidad, está siendo un revulsivo y todo lo que vas a ver allí es interesante, impacta a distintos niveles. Eso es lo que vivimos desde dentro también ¿eh? Hemos ido aprendiendo por el camino, hemos metido la pata muchas veces, nos caemos y nos volvemos a levantar rápidamente. Ha sido duro, pero madre mía, hemos estrenado más de 40 espectáculos, hemos hecho más de 10 talleres de investigación, hemos levantado un teatro con todo lo que eso significa. Y lo hemos hecho con un proyecto con el que creo que la gente se ha identificado y se ha fidelizado

FOTO: Vanessa Rabade

Arte

FOTO: Vanessa Rabade

Roberto Enríquez, Cristóbal Suárez y Jorge Usón afrontan el ya mítico texto de Yasmina Reza, que aborda la relación del hombre consigo mismo, a través de la amistad, y con las manifestaciones artísticas, alimento espiritual que nos forma y nos conforma como individuos. El Pavón Teatro Kamikaze Del 1 de junio al 30 de julio

con el mismo entusiasmo con el que nosotros empezamos. Eso me llena de orgullo y de felicidad. Lo que hemos propuesto te podrá gustar más o menos, pero aquí hay un rigor, siempre, rigor, amor, disciplina, profesionalidad, desde que entras en la web a informarte o a comprar una entrada hasta que te sientas en la butaca y luego con lo que pasa en el escenario. Cierras la temporada con Arte, algo que puede sorprender, porque es una obra muy vinculada al teatro ‘comercial’. Bueno, si comercial es llenar un teatro, yo quiero ser comercial todo el rato. Es verdad que la decisión de montar Arte viene de que ahora somos gestores de un teatro. Vamos a abrir todo el verano, como para certificar que ya estamos instalados, y pensamos que una comedia sería más adecuada para junio y julio. Y luego, dentro de nuestra línea editorial, de dramaturgias modernas, de textos buenos, Arte era idónea. A mí es una obra que me gustado mucho siempre y

ahora, después de meterle mano, todavía me gusta más. Me lo he pasado en grande montándola, por las conversaciones que se han dado en los ensayos sobre la amistad, sobre las relaciones humanas, sobre la expresión artística... Además, Yasmina Reza nos ha cedido los derechos gratis, quería a toda costa que se estrenara en este teatro, porque su representante en España le había hablado de nosotros.

“La imagen de Aylan muerto en la playa es algo que debería modificar para siempre la forma de abrazar a nuestros hijos”

Antes de eso, estrenas Refugio, una obra que conjuga dos realidades tremendas: la de los refugiados y la corrupción política... La actualidad -valga la ironía- te está haciendo una campaña de marketing impagable...

Qué horror todo. No hay nada que no esté sacado de la realidad en Refugio, pero parece que hemos dado en la diana, parece que la escribí ayer. Pero no, no soy ningún visionario, está en el ambiente, desgraciadamente. La realidad siempre viene a dejar pequeña la ficción, cualquier ficción.

realidad. Ya no es “pienso, luego existo”, sino “lo puedo enunciar, luego estoy aquí”. Pensamos porque tenemos esas palabras para poder armar esa construcción verbal. Como dice el personaje de María (Morales): “solamente los seres que hablan pueden soñar con un mundo sin palabras”.

¿Tenías claro que querías tocar estos temas o cómo fue la concepción de esta obra? No tengo ni idea, este es el tipo de discurso que voy haciendo con las entrevistas. Lo que sí puedo decir es que este año, recuperando otras obras mías, me he dado cuenta de que hay ciertos temas que se repiten, que supongo que son esos intereses e inquietudes que me mueven. La relación del individuo con la sociedad, el hombre como animal político... Y luego, el lenguaje, la palabra, la existencia como construcción verbal. Me interesa mucho cómo construimos la vida y la ficción a través del lenguaje, porque todos ficcionamos nuestra

Y luego, la cuestión de los refugiados, que está sacando lo peor del ser humano... A mí es algo que me toca mucho. He colaborado mucho con CEAR (Comisión Española de Ayuda al Refugiado) y es una realidad brutal. Me preocupa mucho esa conciencia que nos dura un bocado mientras vemos el telediario. Ver a Aylan muerto en la playa debería modificar para siempre la forma de abrazar a nuestros hijos, pero también es imposible que uno se haga cargo de todo el dolor del mundo. ¿Qué haces ante eso? Entrevista completa en www.escengoot.com

FOTO: MarcosGpunto

Refugio Un político en horas bajas, acosado por la corrupción, tiene a un refugiado sirio acogido en su casa. Dos realidades frente a frente en una obra visceral que protagonizan Israel Elejalde, Beatriz Argüello, Raúl Prieto, María Morales, Macarena Sanz, Carmen Arévalo y Hugo de la Vega. Teatro María Guerrero Del 28 de abril al 11 de junio

primer musical punk-rock Rubén González

el grupo mamá ladilla y LA COMPAÑÍA teatraco a las 12 se unen en esta visión sobre la corrupción empresarial Tarambana Espectáculos se embarca en la producción de ¡Arrea! el musical, un obra teatral punk-rock que cuenta con textos de Erik Gatby, la dirección de Nacho Bonacho y Juan Expósito, el buen hacer sobre los escenarios de Teatraco a las 12, y la música del combo irreverente Mamá Ladilla, famoso por facturar humor absurdo con toneladas de rock macarra. El musical, que podrá verse en los Teatros Luchana, sirve además para realzar la trayectoria del grupo madrileño que lleva cerca de 25 años de actividad, y motivo más que suficiente para charlar con Juan Abarca, compositor que ha hecho del ‘caca, culo, pedo, pis’ un noble arte.

ACTO I. EL HUMOR

No es para menos, hoy en día el humor está en primera línea de combate, y gente como Ignatius, Joaquín Reyes o Ernesto

Sevilla gozan del éxito y el crédito gracias a un humor absurdo que sigue la estela de Faemino y Cansado o Pedro Reyes. En la música, quizás por la falta de la relevancia que da la influencia catódica, ha costado poner de relieve su importancia. Outsiders como Un pingüino en mi ascensor, Los Petersellers, Mamá Ladilla o El Chivi remaron a contracorriente, la mayor parte de las veces en solitario. Afortunadamente ese páramo ha cambiado hoy notablemente gracias a iniciativas como el Festival Mundo Idiota que sirve para unir las fuerzas de prácticamente todos los referentes actuales del rock con humor: Gigatrón, Lendakaris Muertos o El Reno Renardo. “No creo que fuera tan páramo”, explica el propio Juan, “estaban No me pises que llevo chanclas, Mojinos Escozíos... creo que había bastantes cosas, pero ahora hay más, está claro, y también más ganas de ir más allá de los

límites del humor, y llegar a lo inimaginable. Toda la gama pantone de decir burradas está cubierta, y es difícil encontrar un nicho para uno. Éramos outsiders y lo seguimos siendo, pero también ya tenemos algo a lo que pertenecer. Sin embargo, creo que el humor está en peligro con la ola que hay de corrección política. Yo tengo ganas de hacer muchas canciones sobre eso, sobre matar gatitos en una trituradora, lo que más toque los cojones en Facebook o similar”. Decir burradas. Buena definición para Mamá Ladilla, un grupo que siempre se ha esforzado en que aparezcan en sus letras palíndromos, lipogramas con solo una sola vocal (mítica El vergel del Edén)... además de sus constantes ataques a la estulticia colectiva (Lee burro lee, Analfabada...). “Siempre me ha hecho gracia ese humor que usa un lenguaje de lo más culto posible para decir barbaridades lo más gordas posibles, como si lo dijera un tipo del siglo XIX con traje en un club de caballeros fumadores. Hay quien me pregunta si me creo tan listo o si es pedantería -y seguramente tendrán algo de razón-, de

si escribo con un diccionario en la mano, y la respuesta es que sí, para comprobar cosas. A veces se me acercan por la calle y me dicen que somos unos incomprendidos”, sonríe.

ACTO II. EL GRUPO

El trío madrileño vive un excelente estado de forma: “Con la nueva formación estamos cogiendo mucho ritmo, va a salir en breve un nuevo disco, esta vez en

“El humor está en peligro con la ola que hay de corrección política. Quiero hacer canciones que toquen los cojones” directo. Estamos muy centrados en tirar para adelante, invertir dinero y esfuerzo y lo que haga falta en lo que venga, disco, mil ensayos, ir a otros países...”, comenta Juan Abarca mientras hace un repaso reflexivo a su manera de trabajar anterior-

“Lo poquito que estoy actuando me ayuda mucho como persona. Acercarme al teatro me viene bien” mente. “Lo de ir siempre a parte nos lo hemos buscado. En concreto brota de mí, de alguna manera las canciones de Mamá Ladilla siempre han estado blindadas para que si el caso fuera, nunca pudieran llegar a la radiofórmula o a las masas, poniéndonos la zancadilla para que eso no ocurriera, incluso a pesar de llegar a firmar en su día con una multinacional”.

ACTO III. EL MUSICAL

Esta pieza teatral viene a sumarse a las de la nueva generación que ha adquirido su madurez a partir del 15-M, que cuestiona la CT (Cultura de la Transición), y que ahonda en numerosos textos políticos. Se enclava en los años pre-crisis cuando la competitividad era brutal y los muchos chanchullos alcanzaron cotas épicas enseñándonos una vez más las cloacas del Estado. Sorprende ver a Mamá Ladilla tan posicionados políticamente, pues siempre han hecho gala de reírse de todo: “No me ha gustado hacer crítica política por varias razones, y una ha sido porque formar mi propia opinión me parece un proceso muy costoso y me tendría que documentar de la ostia para al final dar un puñetazo en la mesa. Pienso que es comerle el tarro a la gente, además de muy repetitivo. En este musical

lo bueno es que el texto no es mío, es de Erik Gatby y lo hiló muy bien con las canciones de Mamá Ladilla. Puedo estar ahí y no estar atado 100% a lo que se diga, aunque sí que es verdad que se me ve un poco el plumero, cosa que siempre se ha notado, ya que nos metemos con la casa real, los políticos, la iglesia...” Arriba los tres integrantes de Mamá Ladilla. Abajo todo el Aunque reconoce equipo del musical con los directores Juan Expósito (a la bastante lejanía e izq. de pie) y Nacho Bonacho (der. del todo agachado) inexperiencia con el mundo teatral, está excitado con ¡Arrea! el musical: “La amistad con Erik, ¡Arrea! el musical la idea en sí misma... aunque es una cosa que transcurre Con Lourdes Martínez, Diego en paralela al grupo, y nuestra Pizarro, Juan Abarca (Mamá vida sigue con sus bolos y Ladilla), Abel del Fresno (Mamá sus discos, esto nos abre el Ladilla), Sergio González campo a llegar a más público, Fernández (Mamá Ladilla) y probar nuevas experiencias… Erik Gatby. El musical narra la siempre me ha atraído el historia de Ester, una joven muy teatro, he sido el típico tímido preparada que tras incorporarse al que le hubiera venido muy bien haber entrado en algún a una gran empresa descubre un grupo amateur o de barrio, me mundo de competitividad malhabría ayudado mucho. Lo posano que cambiará radicalmente quito que estoy actuando me tras un inesperado accidente. ayuda mucho como persona. Acercarme al teatro me viene Teatros Luchana Domingos de mayo bien”, confiesa.

intercity Valladolid

Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle El Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid (TAC) cumple 18 ediciones este 2017, y lo celebra del 20 al 28 de mayo con una selección de creaciones venidas de Francia, Alemania, Italia, Bélgica, Países Bajos, Suiza, Rumanía, Bulgaria, Taiwán, Israel, Argentina y España. Las 62 compañías presentes en el certamen, 10 de ellas vallisoletanas, traerán propuestas que van desde el teatro al circo, pasando por las variedades, el clown, la danza, la música, intervenciones urbanas y experiencias performativas. Habrá estrenos absolutos como el de Ghetto 13-26 con su adaptación de La vida es sueño; de La Nave con Fuegos, una intervención artística en torno al concepto de éxodo; 400.001 millones de estrellas, espectáculo multidisciplinar de Luciérnagas Teatro; Repudiados, el nuevo proyecto de la formación andaluza Varuma Teatro. Entre los estrenos nacionales cabe destacar In girum imus nocte (et consumimur igni), de Roberto Castello y Aldes; Whispers, del dúo belga Mossoux & Bonté; o Paysages intérieus, de Philippe Genty, entre otros. La programación del TAC se divide entre la sección Oficial, donde compiten 37 compañías, la sección Off, donde las artes circenses serán la estrella con 15 espectáculos que en la mayoría de los casos combinan circo y diferentes disciplinas, y la sección Estación Norte, en la que las compañías de Valladolid tendrán un espacio propio en la programación del festival

y donde veremos, por ejemplo, el nuevo montaje de Alberto Velasco y portada de nuestro número de este mes La Inopia. Las diferentes secciones de esta edición, dependiendo del montaje, se desarrollarán en sala durante todo el festival o en la calle a partir del día 24. Entre las actividades paralelas a la programación destaca la performance que realizará el Colectivo Indignado de Valladolid el 27 de mayo en la playa de las Moreras. El objetivo es visibilizar el trágico destino de las más de 5.000 personas que, huyendo de diferentes conflictos, fallecieron ahogadas en 2016. Así, en Sueños ahogados los espectadores se meterán en la piel de esas víctimas yaciendo sobre la arena húmeda junto al río Pisuerga. Aparte de esta iniciativa también se desarrollará un taller de interpretación en verso y el primer Encuentro Nacional de Impro Ciudad de Valladolid. www.info.valladolid.es/tac

intercity Reus

Trapezi: un espacio de circo abierto a todos Trapezi celebra su 21ª edición del 11 al 14 de mayo llenando de circo plazas, calles y equipamientos de Reus. Un total de 39 compañías mostrarán sus espectáculos en una ciudad que, durante cuatro días, será la vitrina del mejor circo nacional e internacional en Cataluña. Este año la Feria del Circo estrena una nueva dirección artística a cargo de Leandro Mendoza Artagaveitia, iniciando una etapa con el objetivo de consolidar un Trapezi con identidad territorial que se convierta en una herramienta imprescindible para el circo de Cataluña y un referente en el sector profesional a nivel internacional.

El circo de gran formato

Además de las múltiples compañías que llenarán calles y plazas como Circ Vermut, La Industrial Teatrera, Nueve.uno, Up Arte o el espacio para niños de 0 a 5 años de Circ de les Mussaranyes, en esta edición os destacamos dos propuestas de gran formato. El Cabaret, un año más, es el espectáculo inaugural que tendrá lugar todas las noches en la Plaza del Mercadal. Contará con unos presentadores de lujo: Jordi Martínez, Joan Arqué ‘Arquetti’ y Oriol Boixader ‘Oriolo’. Los tres payasos, vinculados a Monti & Cia y a Rhum & Cia, coinciden después de muchos años sin pisar juntos los escenarios escogiendo el Trapezi como evento ideal para reaparecer. Además, cada noche, se podrá ver un espectáculo diferente compuesto por números de las siguientes compañías: Circ Pistolet, Toni & Mila, Kieber Duo, O’Neil Reyes, Baltic Seaman, y Zirkus Morsa. Y todo acompañado por la música en directo de Circonautes y Joan Garriga. El segundo espectáculo de gran formato es Léger Démêle, de Collectif À Sans Unique, montaje elegido para clausurar la Feria el día 14 de mayo desde la Plaza Anton Borrell. La propuesta incluye acrobacias, palo chino, malabares, cuerda floja, un espectáculo espontáneo, de circo cómico y ácido con una mezcla de acrobacias ligeras.

El circo de sala

Desde hace tiempo Trapezi apuesta por el circo de sala, un formato que va cogiendo cada vez más empuje en nuestro país. Se podrá disfrutar de seis montajes: El Teatro Bartrina acogerá la representación de Invisibles, del Circo de Invierno del Ateneo Popular de 9Barris. Markeliñe presentará Quijote, un espectáculo de teatro gestual y trapecio que se podrá ver en el Teatro Fortuny. En el mismo teatro, también se podrá ver Paradís Pintat, la última propuesta de la clown Pepa Plana. La Palma acoge el estreno de Pulso, la nueva producción de Atempo Circ. Por último, y más de pequeño formato, el Teatro Bravium presentará Le fin demain de Cirkus Morsa y el estreno en Cataluña de Möbius, el nuevo espectáculo de Miguel Gigosos que combina los malabares con una bonita simplicidad estética.

El área profesional

A lo largo de las últimas ediciones se ha empezado a trabajar la vertiente de Trapezi como Feria y como escaparate de las creaciones catalanas y del resto del estado y como referente de calidad y visibilidad del circo más actual. Uno de los principales objetivos de la nueva etapa es incitar diferentes formas de apoyo entre artistas y gestores a nivel estatal e internacional, potenciando la fase de la producción / coproducción de los diferentes formatos y procedencias. Y también atraer una buena presencia de profesionales, tanto en cantidad como en calidad: programadores, artistas, distribuidores, gestores, instituciones, medios y otros representantes del circo y / o otras artes escénicas, a escala local, nacional e internacional. Trapezi es un espacio de circo abierto a todos. Una iniciativa para tender puentes creativos que derrumba barreras con una gran sonrisa blanca y una enorme nariz roja.

Trapezi, Feria del Circo de Cataluña

De izq. a der. de arriba a bajo: Imágenes de Náufrago de La Industrial Teatrera, Quijote de Markeliñe, Möbius de Miguel Gigosos, Invisibles del Circo de Invierno del Ateneo Popular de 9Barris, el espacio infantil de Circ de les Mussaranyes, Todo Encaja de Up Arte y Zirkus Morsa.

21ª edición de un evento que se consolida como un gran escaparate en el mundo del circo y sube su apuesta con la coproducción de espectáculos. Calles, plazas y espacios de Reus. Del 11 al 14 de mayo

festival de cine solidario

FiSahara, del desierto a Madrid

El 26, 27 y 28 de mayo la Cineteca y el Matadero de Madrid se convertirán en una imaginaria zona desértica al acoger la primera edición del FiSahara Madrid. Proyecciones, debates y mesas redondas, además de un concierto de música tradicional saharaui y una jaima, nos trasladarán al particular ambiente de uno de los festivales cinematográficos con más carga reivindicativa del mundo. No nos olvidemos que este festival, ante todo, intenta informar y concienciar a la comunidad internacional sobre la problemática del Sahara Occidental, la situación de refugio en la que vive parte de su población y la lucha del pueblo saharaui por su autodeterminación. En su trayectoria, multitud de reconocidas figuras del cine y la cultura, activistas y personas solidarias, han acudido a la cita para poder ser altavoces de la situación y disfrutar de una programación más que sugerente. Este FiSahara Madrid nos ofrece a los que no hemos podido

disfrutarlo in situ la oportunidad de vivir un poco de su esencia en nuestra ciudad. Participarán artistas invitados en pasadas ediciones a los campamentos saharauis. La cantante saharaui Aziza Brahim ofrecerá una actuación especial el viernes 26 de mayo, mientras en los diferentes días de la cita cineastas saharauis y de otras nacionalidades proyectarán sus trabajos y participarán en mesas temáticas que abordarán diferentes aspectos del conflicto. “FiSahara Madrid no sustituye FiSahara en los campamentos, sino que lo complementa y lo desdobla para así ayudar a construir puentes de solidaridad entre los pueblos. Para el público madrileño es una oportunidad de disfrutar de uno de los festivales más remotos y solidarios del mundo, y esperamos poder repetirlo en los próximos años”, asegura María Carrión, Directora ejecutiva de FiSahara. Para ver todas las actividades de la programación consulta www.festivalsahara.org

ópera Miguel P. Valiente

La última de Rimski-Kórsakov Todo hacía pensar que La leyenda de la ciudad invisible de Kítezh y la doncella Fevróniya (1907) sería el epílogo operístico de Nikolái Rimski-Kórsakov (1844-1908), pues el trabajo fue considerado por sus contemporáneos como el compendio de la tradición de la ópera nacionalista rusa que había comenzado décadas atrás Glinka con su Una vida por el Zar (1836). Sin embargo, la deriva autocrática del gobierno del último Romanov espoleó el ingenio del compositor hasta el punto de que se animó a componer una nueva ópera –la decimoquinta– que a la postre sería su éxito más internacional. Rimski-Kórsakov se fijó en la última fábula compuesta en 1834 en forma de poema por Pushkin: El gallo de oro. Pushkin, a su vez, se había inspirado para su composición en dos historias de Los cuentos de la Alhambra de Washington Irving: La casa del Gallo de Viento y Leyenda del astrólogo árabe. Rimski-Kórsakov confió la elaboración del libreto al talento de Vladimir Belsky con quien ya había colaborado en el pasado en libretos de temática fantástica y a quien también avalaban sus grandes conocimientos en literatura folclórica rusa. Siguiendo las instrucciones de Rimski-Kórsakov, Belsky subrayó descaradamente la crítica política que ya se encontraba en el texto de Pushkin. Su intención no disimulada fue la de espolear de forma inmisericorde a una monarquía que había perdido todo su prestigio desde los terribles acontecimientos de 1905. El resultado, llamado por Rimski-Kórsakov “fábula dramatizada” es una exuberante sátira política en forma de ópera en un prólogo, tres actos y un epílogo que, bajo la apariencia de un cuento de hadas, hace una crítica despiadada al inmovilismo, la crueldad y la belicosidad del sistema zarista. El argumento trata la historia del inepto rey Dodon (ni libretista ni compositor se anduvieron

con sutilezas); sus dos vástagos de inteligencia igualmente muy limitada; un artero general, unos consejeros poco sensatos y, para completar el deprimente cuadro, la maléfica y seductora soberana del reino vecino. Con estos antecedentes no resulta extraño que las puertas de los teatros imperiales se cerrasen a cal y canto y, aunque los censores intentaron persuadir al compositor para que rebajara el nivel de crítica, éste se mantuvo firme en su decisión de no estrenar la obra si para ello había que modificarla. Finalmente la ópera sería estrenada dos años más tarde cuando el autor ya había muerto. La música de Rimski-Kórsakov está llena de temas folclóricos y motivos orientalizantes. Se trata de una partitura de gran lirismo y fuerza dramática en la que se pone de manifiesto la maestría de un consumado orquestador completamente conocedor de las corrientes y las técnicas postrománticas. Se podrá disfrutar con un elenco mayoritariamente eslavo, ya que se ofrecerá la versión en ruso en vez de la popularizada versión en francés, y tiene el atractivo de que la producción tendrá dirección en lo escénico de Laurent Pelly de quien ya hemos visto en el coliseo madrileño dos producciones que dejaron un magnífico sabor de boca: La filla du Regiment (2014) y Hansel y Gretel (2015).

El gallo de oro Con libreto de Vladimir Belsky, basado en el poema El cuento del gallo de oro de Pushkin, inspirado a su vez en los Cuentos de la Alhambra de Washington Irving Teatro Real. Del 25 de mayo al 9 junio

FOTO: Enrique Viana

lírica

Programa doble de zarzuela humorística La nueva producción del Teatro de la Zarzuela es una sesión doble de zarzuela humorística bajo la dirección escénica de Enrique Viana, autor de las versiones libres de estos dos espectáculos. Enseñanza libre es una función cómica con música de Gerónimo Giménez y libreto de Guillermo Perrín y Miguel de Palacios, donde Don Saturnino, padre de Pura, y Federico, futuro esposo de la muchacha, piensan matricular a la chica en un colegio liberal con la intención de prepararla para la sociedad actual, ya que su instrucción se ha dado en un colegio de monjas francés.

La Gatita Blanca es una zarzuela en un acto, denominada Humorada Lírica, con música de Gerónimo Giménez y Amadeo Vives y libreto de José Jackson Veyán y Jacinto Capella. Es una obra cercana al vodevil francés cuya acción transcurre en el Madrid de 1905, donde conocemos a Manolo celebrando su despedida de soltero. El protagonista se va a casar con su prima, una mujer rica a la cual no quiere. La estrella del salón es la cupletista Luisa, apodada ‘la gatita blanca’, quien acuerda con el padre de la futura esposa, Rosario, que dará clases de urbanidad y comportamiento social a la joven.

Enseñanza libre / La Gatita blanca Enrique Viana versiona dos clásicos de nuestras zarzuelas humorísticas con música de Gerónimo Giménez y Amadeo Vives. Teatro de la Zarzuela Del 6 al 28 de mayo

la complejidad de la sencillez por Álvaro Vicente

Carolina África

“Todos somos seres cotidianos, no somos sobrenaturales” Dramaturga, directora, actriz y productora junto a sus compañeras de la compañía La Belloch, es toda una luchadora que con su teatro sencillo, de alta gradación emocional, ha conquistado una parcela en el nuevo orden escénico madrileño y español. Ahora asalta el Galileo con una retrospectiva de sí misma

Qué bonito poder ver tus dos obras programadas juntas, en un mismo teatro, ¿no? Bueno, sí, es muy bonito, pero es una locura también. Pasamos de estar en el CDN, donde te lavan hasta las bragas, a un teatro privado donde me bajo los pantalones. Es una forma de hablar. Lo que quiero decir es que poder estar en el CDN luego te da fuerza para afrontar esta realidad, que es más dura, porque hasta los flyers de las obras los repartimos nosotras. ¿Es tan grande la diferencia? Sí, porque, por ejemplo, pudimos estar dos días en el Español con Vientos de Levante y pudimos pagar incluso ensayos y luego vamos un mes a un teatro privado rezando para no perder mucho dinero. Hay un gran contrasentido en esta profesión, en cómo está trazado este sistema. Pero vaya, estamos muy contentas de poder volver a hacer las dos, sobre todo Vientos de Levante que no se ha visto tanto en Madrid. Y con Verano en diciembre cumpliremos además las 100 funciones.

Lo tuyo es el paradigma de la multitarea... ¡Pues no te digo que estoy con la mochila repartiendo flyers! Es más que multitarea: dramaturgia, dirección, interpretación, producción, distribución, redes sociales... Que no lo hago yo sola, están mis dos socias de La Belloch, pero lo hacemos todo entre tres. ¿Dónde queda la autora en todo ese maremagnum de tareas? Llevo sin encontrar tiempo ni espacio mental en mi cabeza para sentarme a escribir, que es lo que quiero hacer... ni se sabe. Es frustrante, porque las tareas de producción son infinitas, no acaban nunca. Así que espero, después de este mes en Galileo, tomarme un descanso, porque no puedo más. El recorrido de Verano en diciembre es brutal... Sí, la escribí en 2011, en 2012 ganó el premio Calderón de la Barca. Hicimos el cuento de la lechera, pero bien, porque es un cuento que está muy denostado, pero para mí lo único que hay que hacer, si

Fotos de Verano en diciembre y Vientos de Levante

eres la lechera y se te rompen los huevos, es coger otros. Ese es el camino. Con el dinero del premio nos pillamos un local, la montamos allí, invitamos a programadores, hablamos con Ernesto Caballero, conseguimos hacer una pequeña gira nacional, nos nominan a los Max, armamos gira internacional, la llevamos a Argentina, a Colombia, a Uruguay y a México... Y llegó al CDN finalmente. Y ahí sigue... La función tiene algo que sigue vigente y es muy bonito ver que hay algo de los conflictos de la familia que siguen siendo los mismos, siguen funcionando. Eso nos da mucha alegría y mucha fuerza para seguir. ¿Hay algo preconcebido en esa sencillez dramatúrgica? No, a mí me gusta la cotidianidad, esa cosa pequeña que pasa desapercibida, esos pequeños instantes que se revelan cruciales para una determinada experien-

cia. En el fondo todos somos seres cotidianos, no somos seres sobrenaturales. ¿Y Vientos de Levante de qué impulso nace? Igual que Verano tenía que ver con un viaje a Buenos Aires, Vientos es un homenaje a las tierras gaditanas. Yo soy una enamorada de Cádiz y allí veraneo siempre. Allí tengo una amiga psicóloga que trabaja en un centro psiquiátrico y luego en un centro de cuidados paliativos en un hospital. Tuve la oportunidad de pasar un verano con ella, acompañándola, y encontré lecciones de vida maravillosas. Me parecía idóneo para explorar la frontera entre locura y cordura en nuestra sociedad y la frontera entre la enfermedad física y la mental, sobre todo pensando también en los enfermos que pude conocer con ELA (Esclerosis lateral amiotrófica). Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com

Vientos de Levante Una historia sencilla de aroma gaditano, plagada de humor y amor, con un mensaje de esperanza para los enfermos de ELA. Teatro Galileo Del 4 al 19 de mayo

Verano en diciembre Cinco mujeres, tres generaciones de una misma familia, en un momento crucial de sus vidas tras el que nada volverá a ser igual. Teatro Galileo Del 20 mayo al 4 junio

caminos paralelos Ka Penichet

Hovik Keuchkerian

“Cualquier actor soñaría con representar esta obra. Mouawad es un genio” Tras una laureada carrera como boxeador, la fama en el mundo artístico le llegó casi por casualidad hace siete escasos años a través de un monólogo. Con una gran naturalidad nos relata cómo llegó Un obús en el corazón -un texto dramático lleno de matices de Wajdi Mouawad- a sus manos y la ilusión con la que se enfrenta a su reestreno en los teatros Luchana

¿Cómo surgió trabajar con un texto dramático en teatro? Para mí el teatro, e incluso la profesión de actor, puedo decir que es un accidente. Nunca pensé que iba a ser actor. Un obús en el corazón es lo primero que hago de teatro y me he enamorado, no sé si del teatro o de esta obra. A mí me llamó un día Santiago Sánchez (director) porque me oyó en la radio y me propuso este texto. Entonces yo ni lo conocía.

Madrid hace unos meses. Tuve la grandísima suerte de intercambiar unas palabras y poder abrazarle. Fue un encuentro maravilloso. Le dije que interpretaba a Wahab y le conté que también había nacido en el Líbano, que mi padre era armenio y mi madre de Navarra. Es un puto genio. Si quieres encabezar la entrevista de alguna manera pon que Hovik Keuchkerian dice que Mouawad es un puto genio (risas).

Además de ser coetáneo de Wajdi Mouawad parece que los dos hubieseis tenido vidas paralelas: nacisteis en el Líbano, tuvisteis que emigrar, habéis hecho teatro… ¿Has tenido la oportunidad de contactar con él para comentar el texto? Lo conocí cuando estuvo en

¿Cómo preparas un personaje tan intenso? La preparación viene del trabajo de hace dos años y pico cuando Santiago tenía que encarar la problemática de entrenar a un tipo que no había hecho teatro nunca, que era cómico y con un texto así. Al principio fue muy duro.

55 FOTO: Ramón Jiménez

Ahora ya nos reímos pero había muchas cosas que no le entendía, que no sabía lo que quería. Era muy complicado salir del mundo de la comedia al uso para encarar un monólogo dramático con cuatro narradores, con once personajes, con esa intensidad constante y todo eso sin entrar en la complejidad del texto. Salió y trabajamos como cabrones. Ahora estamos en un punto en el que tenemos la sensación de que tenemos un juguete que mola. Viniendo del stand-up comedy debe ser emocionante salir de la función y encontrarte con un público tocado... Yo tiro de luz de sala clara porque me gusta ver a mi público. Cuando estoy interpretando al narrador me gusta contar la historia al público directamente porque lo que soy es un contador de historias. Lo que es fascinante de la obra es el clima que se genera porque eres consciente de que la gente está entrando en el texto. Para mí es un regalo. Es una obra que cualquier actor soñaría con representar. Siento que cada vez que me bajo del escenario, después de

cada función, soy mejor tipo, mejor actor sin duda ninguna. No me queda otra que estar super ilusionado con este viaje irrepetible. El texto trata temas muy actuales como la emigración, los efectos de la guerra, el exilio... ¿Consideras que el mundo está envuelto en una tercera guerra mundial? Yo creo que el mundo ha estado en guerra desde que es mundo. La verdad es que llevamos a ostias desde que pisamos la Tierra, lo que pasa es que ahora somos muchos y hoy te enteras de las cosas. Por eso el texto de Moauwad es universal tanto en el contenido como en la temporalidad. ¿Te sientes más cómodo haciendo reír o provocando emociones profundas y sentidas? Para mí la risa es uno de los sentimientos más profundos que existe. La verdad es que me siento cómodo en las dos posiciones, pero siento un reto muchísimo más grande, siento mucha más raza, muchas más ganas de salir y pisar el escenario con Un obús en el corazón.

Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com

estrenos

Els Joglars está celebrando sus 55 años de trayectoria con esta oda a la ética periodística. Un montaje con dramaturgia de Ramón Fontserè y Martina Cabanas con el que pretenden, a través de la sátira, reflexionar sobre la responsabilidad, tanto de los medios de comunicación como de quien los consume. Y es que el periodismo, que nació de la necesidad de transmitir información vital para la sociedad, en parte, se ha convertido en un negocio del entretenimiento, más centrado en alcanzar cuotas de mercado que en la objetividad. Los periodistas se han convertido en una parte más del show con el que entretener a las masas aborregadas gracias a los gritos, los TT y las opiniones sin fundamento. Todo vale con tal de vender y Els Joglars, una vez más, ponen el dedo en la llaga ante la deriva que ha tomado cierto periodismo, para recordarnos que este es un oficio imprescindible para la democracia.

NO LOVE NO SEX Teatros Luchana Sábados de mayo

FOTO: David Ruano

Sobre el circo mediático

ZENIT Teatro Amaya Del 10 al 25 de mayo

Agustín queda para charlar con la vagina de su novia ya que no la entiende. Quisiera pasar una tarde agradable con ella, convertirse en su amigo, tener un trato cordial con esa parte del cuerpo femenino que tan extraña le resulta a muchos hombres. Esta obra de NuQart (productora formada por la actriz Núria Tomás y la dramaturga y directora Queralt Riera) es una comedia ágil y divertida que trata de dar voz a todas las partes implicadas en una relación entre un hombre y una mujer, para que sean libres y puedan comunicarse por sí mismas y entre sí, para poder lograr un entendimiento. Porque la comunicación es la parte más importante de una relación... ¿o era el sexo? ¿o era el amor?

Un aullido de ‘humanidad’ animal A veces cuando veo a gente pidiendo por la calle -de esas veces en las que no aparto la mirada- veo que casi siempre hay un perro que les acompaña, lo cual me genera doble sensación de tristeza. Pienso que también es muy dura la vida para ese perro, no sólo para el humano, y a veces no lo he comprendido. Juanvi Martínez Luciano y Victor Sánchez Rodríguez han elaborado esta versión teatral de una historia real que protagoniza Nacho Sánchez (este joven actor que ya nos deslumbró en La piedra oscura y en He nacido para verte sonreír más recientemente). Es la historia de Iván Mishukov, que con tan solo cuatro años tuvo

que escapar de un padrastro que lo maltrataba y de su madre alcohólica, y se echó a la dura calle del primer Moscú post-soviético, donde cientos de niños se guarnecían del frío en las estaciones de metro junto a sus perros callejeros. Iván ve en lo profundo de los ojos de cada perro algo tan grande que sólo puede nombrar a través de la metáfora: como si en los ojos de cada perro estuvieran todos los perros del mundo, conformando una camada global unida en salvaje hermanamiento. Leyendo este texto original de Hattie Taylor comprendes todo un poco mejor. Comprendes que muchas veces es preferible confiar

en alguien que sabes que nunca te va a abandonar, que no juzga tus circunstancias vitales y que sólo se rige por el amor que tú le das. Los perros son el refugio de un sin techo, el ‘hogar’ al que acudir cuando aquellos de tu especie te han abandonado, te han dado la espalda y ya ni te prestan atención cuando te ven tirado/a en la calle. Los perros sí te ofrecerán una mirada cálida para acompañar los duros momentos. Sergio Díaz

IVÁN Y LOS PERROS Teatro Español Del 25 de mayo al 18 de junio

El cabaret de los hombres perdidos está a punto de cerrar. El ruido de una carretera alerta a los personajes que se hallan en el Tattobar. Un muchacho es perseguido, alcanzado y golpeado. Aún así logra escabullirse y entrar en el Cabaret. Todavía no sabe que esa persecución le ha llevado a una nueva forma de vivir. Dentro le están esperando el Destino, un tatuador y un transexual, que le curarán las heridas y escenificarán cómo puede ser su futuro. El muchacho quiere ser cantante, pero la oferta que recibe es diferente... Nueva versión de este montaje adaptado por Jorge Roelas, con dirección musical de Marc Alvárez y protagonizado por Leo Rivera, Armando Pita, Ferrán González y Cayetano Fernández.

DE CAÑAS CON ENRIQUE Gran Teatro Príncipe Pío 14 y 28 de mayo

FOTO: Javier Naval

ANTES Y DESPUÉS - THE PRIDE Pequeño Teatro Gran Vía Hasta el 7 de julio

Francisco Vidal dirige este texto original de Alexi Kaye Cambpell que estudia el cambio en la actitud hacia la sexualidad, la identidad, la intimidad y el valor para enfrentarse a quiénes somos. La obra se desarrolla entre los años 1958 y 2017, cuando Phillip se enamora perdidamente del jefe de su esposa Sylvia, Oliver. La pareja sufre una crisis que finaliza con la ruptura. Tras ello, Phillip y Oliver comienzan su propia relación sentimental. Los años pasan, y ya en 2017, Oliver sufre una adicción sexual que termina destrozando su noviazgo con Phillip. Ante esta situación, Oliver se ve prácticamente solo en el mundo, ya que el único punto de apoyo que encuentra es la amistad que ha seguido manteniendo con Sylvia.

EL CABARET DE LOS HOMBRES PERDIDOS Teatro Alfil Desde el 3 de mayo

Enrique San Francisco presenta un espectáculo en el que el artista hace un recorrido por sus mejores monólogos actuales. Su inconfundible y adolescente pelo rubio, sus ojos saltones, su voz ronca y su manera de contar las cosas lo han convertido en uno de los mejores comediantes de España. Su sola presencia en el escenario ya es motivo suficiente para configurar un espectáculo en torno a él. Siempre en su línea irónica y canalla, con una intensa personalidad que nunca deja indiferente, se acercará a las situaciones más cotidianas desde un humor agudo e inteligente que garantiza la diversión más gamberra. Los milagros y trucos a los que cualquier ciudadano de a pie debe recurrir para continuar subsistiendo.

circo

La perfección de lo inestable

IPPON Teatro Circo Price 13 y 14 de mayo

Ippon es un término japonés utilizado en artes marciales. Es una expresión de puntuación que se concede cuando el golpe o la técnica es aplicado/a de forma correcta. Al Circo Price sólo llegan los mejores, aquellos que tienen una técnica perfecta para ejecutar movimientos que para el resto de los mortales resultan imposibles. Daniel Sánchez es un malabarista y funambulista fundador de Proyecto Sánchez, una compañía capaz de sumergirte en un maravilloso mundo onírico de belleza y precisión gracias al trabajo que realizan a través de distintos objetos. En esta ocasión se han aliado con Combo Surimi, una agrupación formada por acróbatas y bailarines, para crear esta pieza coreográfica basada en el equilibrio inestable que combina danza, teatro de objetos, performance y circo. Un espectáculo que aborda emociones y estados de conciencia lleno de innovación y libertad creativa.

La Compañía de Circo EIA es una joven y excelente trouppe consolidada como uno de los proyectos más interesantes del panorama circense actual. Creada en Barcelona por artistas catalanes e italianos, llega ahora a la pista del Price para enamorarnos con InTarsi, donde cuatro acróbatas, entre proeza y locura, nos llevan a un universo habitado invitándonos a ser testigos de los retazos de una vida. La soledad, el compartir, el convivir, son parte del viaje evocado a través de la danza, el teatro físico y, sobre todo, las artes del circo: Portés Acrobáticos, Banquina, Mini-tramp, Báscula... Contagiando en todo momento con un tierno humor, los cuatro personajes investigan con unos elementos escenográficos en continua metamorfosis. Un circo en continuo movimiento, un espectáculo reflexivo y visceral, una invitación a compartir una experiencia humana... plena de circo.

FOTO: BenHopper

Experiencia de circo vital

INTARSI Teatro Circo Price Del 18 al 21 de mayo

cómicos por Jorge Gª Palomo @jorgegpalomo

Fernando García-Torres

“La comedia me atrapó como un primer amor” Fernando García-Torres, cómico sevillano, iba para decorador y acabó colocando chistes por doquier. Con criterio y mejorando cada día la técnica del ‘stand up’, aprendiendo de su paso por Central de Cómicos o El Hormiguero, ha sembrado trabajo y risas en mil locales y, allá por 2011, llegó a la final de El Club de la Comedia, un sello de prestigio indiscutible. Hoy es residente en La Chocita del Loro de Madrid con su función Lo que yo sé de las mujeres. ¡Bienvenido a Godot!

¿Quién es Fernando GarcíaTorres y por qué caíste en las fauces de la comedia? Pues no sabía qué hacer con mi vida laboral y, cuando probé esto de la comedia, me atrapó como un primer amor. Fue en el 2003 cuando me subí a un escenario por primera vez. En esa época, Paramount Comedy tenía un local de pruebas, con su crítico, que te ayudaba a construir el texto. Mi hermano mayor empezó a probar y yo le ayudaba con el texto. Cuando él decidió dejar la comedia para triunfar como jugador de voleibol, me decidí a actuar y no sólo a escribir. ¿Vivimos buenos tiempos para el humor o nos invade la corrección?

Yo diría que son buenos, pero no nos podemos relajar; cada vez la gente sabe más de comedia y se vuelve más exigente a la par que sale más competencia. El humor para ti es… Una filosofía de vida. Siempre digo que la mejor manera para superar un problema es aprender a reírte de él. ¿Cómo fue tu primera vez… en escena? Muy intimidante y desconcertante, con mucha inseguridad por no saber si lo estaba haciendo bien, pero con final feliz. Con el reconocimiento y la felicitación que tan bien te hacen sentir y hacen que quieras repetir una y otra vez.

Periodista en diferentes medios, propone un test ameno para cómicos de aquí y allá, gente lúcida que reivindica la risa como arma de construcción masiva.

¿Qué y quiénes te hacen reír? Yo soy fácil de hacer reír, me gusta el humor absurdo y el elaborado, la improvisación, los chistes gráficos, la ironía, la caricatura... Si me pides un nombre, Goyo Jiménez.

¿Un teatro o lugar para reír sin parar? Pues la Chocita del Loro es un buen lugar para ir a reír; hay muchas sesiones y puedes ver a los cómicos mientras te tomas una copa.

¿Qué claves nos darías para hacer un buen monólogo? Conectar con el público. Lo normal es buscar algo con lo que la gente se sienta identificada, por eso hablo tanto de relaciones. Y, para mí, la clave de la comedia es llevar las cosas al límite y los cambios radicales.

Un sueño de futuro, tal vez un sueño cómico. Pues ser lo suficientemente bueno como ‘clown’ como para actuar y triunfar en cualquier parte del mundo.

¿Alguna anécdota de esas inconfesables? Una vez me consiguieron una actuación sin hotel, en un pueblo alejado de Madrid. Cuando llego, le digo al dueño que me diga el nombre de un hotel o pensión y me dice que allí no hay, así que al acabar mi espectáculo, aún encima del escenario, pregunté si alguien iba a Madrid, a ver si me podía llevar y, cuando me bajo, me dice un tío que él no va a Madrid, pero que me deja su coche, que me lo lleve yo y, al aparcarlo, deje las llaves donde la rueda para que él lo fuera a buscar... Otro buen samaritano me ofreció su casa ya que él estaba de profesor y el colegio le había puesto un piso con tres dormitorios y él sólo ocupaba uno. Dudé un poco, pero elegí al profesor. (Risas).

Dónde localizarte, cómo y por qué ir a verte a ti. Momento de ‘promo’ total. En la Chocita del Loro de Gran Vía 70, Madrid. Ofrezco, dentro de la temática de las relaciones de pareja, un punto particular. Tengo muy buenas críticas e incluso las de peor valoración reconocen una buena interpretación. Mucha gente al acabar me dice: “Has dado en el clavo”. Me gusta creer que ayudo a la gente a superar problemas de pareja, ya que al hablar de ellos en mi espectáculo desde un punto cómico se ven las cosas de manera diferente. Y concluimos con un mensaje a los lectores de Godot y teatreros del mundo. Lo único más beneficioso que la risa para el ser humano es el sexo, así que si no venís a mi espectáculo... espero que sea por un buen motivo.

Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com