Godot num76 jun17 by Godot

Centro Dramático Nacional

Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva

Dirección Ernesto Caballero

Por toda la hermosura

Del 21 de junio al 2 de julio

de Nieves Rodríguez Rodríguez Dirección Manu Báñez

Reparto (en orden alfabético) Ester Bellver Jesús Berenguer Javier Carramiñana Esther Isla

ESCRITOS EN LA ESCENA Un trabajo de investigación dramatúrgica del Laboratorio Rivas Cherif

Teatro María Guerrero Sala de la Princesa

La rebelión de los hijos que nunca tuvimos de QY Bazo Dirección Eva Redondo

Del 31 de mayo al 11 de junio Reparto (en orden alfabético) Rebeca Hernando Marina Herranz Rafa Núñez Ricardo Reguera Carmen Soler Juan Vinuesa

ESCRITOS EN LA ESCENA Un trabajo de investigación dramatúrgica del Laboratorio Rivas Cherif

Teatro María Guerrero Del 28 de abril al 11 de junio

Refugio Texto y dirección Miguel del Arco

Reparto (en orden alfabético) Beatriz Argüello Carmen Arévalo Israel Elejalde María Morales Raúl Prieto Macarena Sanz Hugo de la Vega

Producción Centro Dramático Nacional Síguenos en:

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editorial

Balance de temporada El curso 2016-2017 toca a su ﬁn. Va a bajar el IVA (eso dicen), pero mientras la política cultural de este país no esté a la altura, de verdad, del esfuerzo y el talento de sus creadores, seguiremos remando a la contra. Entre tanto, hagamos balance artístico de una temporada que deja unas cuantas joyas para la Historia. Al menos, así lo entendemos nosotros. Nos gustó Idiota, la obra que inauguró felizmente el Pavón Kamikaze. También Incendios, la tentativa de Mario Gas sobre la tragedia contemporánea de Wajdi Mouawad, que vuelve este mes al Teatro de La Abadía. Volvimos a vibrar con las Historias de Usera en Matadero y ﬂipamos fuerte con el maestro Pedro Casablanc en Yo, Feuerbach. Castellucci volvió a impactarnos con Go Down, Moses. Peris-Mencheta cumplió su sueño en La Cocina y La Zaranda nos vapuleó con La extinta poética. Pablo Messiez ha encadenado tres perlas: La distancia, Todo el tiempo del mundo y He nacido para verte sonreír, y Miguel del Arco nos ha retorcido la conciencia con Refugio. En los límites de la teatralidad, la Agrupación Sr. Serrano con A house in Asia (Abadía) y Ana Borralho y João Galante con Atlas Madrid (Matadero) han sido sorpresas reconfortantes. Y en esa línea, los gallegos Chévere nos agarraron el corazón con Eroski Paraiso. El bueno de Fernando J. López ha puesto a la adolescencia en el mapa de la dignidad teatral con #malditos16 y La edad de la ira. In Memoriam nos puso en pie frente a la Quinta del biberón, de la mano de Lluis Pasqual, y el amigo Antonio Rojano consolidaba su dramaturgia con Furiosa Escandinavia. Y otro al que le tenemos mucho cariño, Alfredo Sanzol, se ha marcado una puta maravilla con La ternura. La última que nos ha encantado: Iván y los perros. Enorme Nacho Sánchez. También hubo decepciones, pero preferimos quedarnos con las alegrías. Mejor, ¿no?

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sumario el arte del actor.4 premios max.6 jornadas plástica teatral.8 suma flamenca.10 clásicos en alcalá.14 the world pride experience. 18 matadero transgénero.24 arte.26 danza.30 festival de otoño a primavera.36 lírica.38 camino a proel.40 música.42 en familia.44 estrenos.46 intercity.52 emprendescena.58 cómicos.60 foto portada: David Coria. Presente en Suma Flamenca. Pág. 10

Revista Godot Artes Escénicas

EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43. COORDINADOR PUBLICACIONES David Hinarejos davidhl@revistagodot.com DIRECTOR GODOT Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com JEFE REDACCIÓN Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot.com REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Ka Penichet, Rubén González, Regina Navarro. DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO GDT Ediciones COLABORADORES Jorge G. Palomo, Juan Vinuesa, María Morales, Pablo I. Simón, Miguel P. Valiente, Neus Molina, Daniela Pascual. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor.

el arte del actor por María Morales

Necesidad de belleza Los seres humanos necesitamos belleza, creo que como todos los seres (si no, ¿cuál es el sentido de la cola del pavo real?), pero en nosotros se ha elaborado tanto esa necesidad que tenemos muchos tipos de disciplinas artísticas. Y esa necesidad es permanente, no sólo la tenemos cuando estamos disfrutando de una pieza artística; todos preferimos comer en un lugar hermoso, con platos atractivos. Los lugares donde hacen botellón los adolescentes, parques, plazas o miradores, suelen ser bellos también. Ya hay hospitales que tienen en cuenta la belleza del entorno para poder dar noticias desagradables. No hablemos de lo que influye en sitios como colegios o lugares de formación. Cómo no va a ser, entonces, importante para nosotros, que nos dedicamos a una de las artes más antiguas: la representación. Ahora me asalta la duda: ¿qué es bello? Lo que le gusta a unos puede no gustar a otros, eso es cierto. Creo que lo importante en este sentido no es buscar lo que pueda ‘parecer’ bello, sino lo que consideramos bello. Y cuando digo bello tampoco sé muy bien a lo que me refiero, porque hay cosas horribles llenas de hermosura. La belleza de Medea o Doña Rosita

la soltera son desgarradoras. Lo bello no es lo bonito, o lo perteneciente a un canon estético. Lo bello nos toca el corazón, nos atrapa, nos atrae, aunque no sepamos muy bien por qué. ¿Qué tiene esto que ver con asumir un texto y un espacio y contar una historia? Más allá de lo que desde dirección, escenografía, vestuario y sonido se pueda aportar al conjunto en belleza, ¿cómo lo incorporamos los actores? Creo que está muy ligado a la generosidad y la confianza. La generosidad de ahondar en nuestra más honesta y genuina expresión, y desde ahí confiar en nuestra entrega. Entregarnos a esa historia y esas palabras, y a las acciones propuestas por dirección. Una vez empieza la función, todo el equipo técnico y el público que asiste nos encomienda la cuestión que sea (la obra) para que nosotros nos hagamos cargo de ella. De mostrarla. Alguien encomendado con dedicación a una acción es atractivo, ¿quién no se ha quedado embobado mirando a un jardinero o a una cocinera? Ellos no piensan en cómo están quedando, sólo se están esmerando en su actividad. Creo que cuanto más conozcamos nuestra actividad en cada función, y más esmero pongamos en realizarla, más belleza aportaremos.

Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid www.mariamoralesactriz.com

20ª edición de los premios Max

honores para távora y yeses Al cierre de esta edición faltan apenas diez días para conocer los ganadores de la vigésima edición de los Premios Max de las Artes Escénicas que entrega la Fundación SGAE. Será el 5 de junio en Valencia, en una gala que se celebrará en el Palau de les Arts de la capital mediterránea. Pero como es habitual, algunos premios ya los conocemos, ya que se anuncian con anterioridad. Es el caso del Max de Honor de este año, que ha ido a parar a Salvador Távora (en la foto), una figura clave en la historia de nuestras artes escénicas, transgresor y comprometido social y artísticamente. “Yo soy un andaluz trágico, casi un andaluz, como decía Lorca, de la vida y de la pena”, señala el creador sevillano, nacido en 1934 en el popular barrio del Cerro del Águila. Con una trayectoria sobre los escenarios de más de cuatro décadas, su experiencia como mecánico de una fábrica de tejidos y como torero, y su concepto del flamenco y su función social, han provocado en él versatilidad como autor, dramaturgo, actor y director, uno de los más influyentes en la escena andaluza e internacional desde la década de los años 70. Su vida y su nombre han estado ligados siempre a La Cuadra de Sevilla, grupo de teatro cuya actividad alimenta durante 45 años, creando para él 26 obras que han sido portavoces de una cultura específicamente andaluza a lo largo de más de 5.000 representaciones, ante más de 3.000.000 de espectadores, en 35 países y 180 festivales internacionales.

FOTO: Antonio Acedo

Por otro lado, el Premio Max al Aficionado a las Artes Escénicas 2017 ha recaído en la compañía Teatro YESES, dirigida por Elena Cánovas y nutrida desde hace más de 30 años por las reclusas del Centro Penitenciario de Alcalá de Henares. Yeses ha sido un agente reintegrador fundamental desde su fundación en 1985 en la cárcel madrileña de mujeres de Yeserías. Desde entonces, ha llevado a escena más de 50 montajes con una complejidad técnica y artística que se supera año tras año. Más de 800 mujeres han formado parte de esta compañía ‘única’ que desde el principio se propuso “superar los límites de un mero taller carcelario”, afirma Cánovas. Los merecedores del Max en las otras 23 categorías a concurso se llevarán de Valencia la célebre manzana de Joan Brossa. ¡Suerte a todos y todas!

protagonismo merecido

iii jornadas de plástica teatral Lo hacemos siempre, y nuestro editorial de este mes es una buena prueba de ello. Siempre nombramos obras, autores/as, directores/as, actrices y actores que nos impactan en cada montaje que vemos. Y siempre pasamos por alto otros nombres que son igual de importantes para que un montaje tenga sentido. Personas que iluminan, peinan, maquillan, dirigen técnicamente, visten... Pero siempre hay quién se acuerda de ellos y les hace un hueco para que puedan mostrar su trabajo de una forma protagónica y así podamos comprender que sus labores son capitales dentro de un espectáculo. En Centro Dramático Nacional organiza este mes las terceras Jornadas dedicadas a la plástica escénica en nuestro país, que se celebrarán bajo el lema El traje a escena. La AAPEE (Asociación de artistas plásticos escénicos de España) colabora con el CDN en la organización de estas jornadas que tendrán lugar del 8 al 10 de junio en el teatro Valle-Inclán. Su objetivo será reflexionar y poner en valor el papel que juega el vestuario escénico en expresiones artísticas complejas como el teatro, la danza, las artes plásticas, la moda o el diseño. Estas jornadas profesionales están enfocadas a todos aquellos que se dedican a la investigación, el estudio y la crítica en el campo

de las Artes Plásticas y las Artes en Vivo; así como a todos los creadores que hacen posible la evolución de las formas escénicas. Será un lugar de encuentro entre creadores y públicos que, desde la práctica o el consumo cultural, se acerquen al hecho teatral desde diversas perspectivas: docentes, artistas de diversas disciplinas, estudiantes, productores, diseñadores, creativos, etc. Se podrá asistir a conferencias de ámbito nacional con Marialena Roqué (Vestuario escénico y artes plásticas), Jesús Ruiz (Vestuario y personaje), Óscar Cornago (Vestuario/cuerpo/ performance), e internacionales que se presentarán junto con mesas debate de las que formarán parte nombres importantes del diseño de vestuario en artes escénicas. El programa completo puede descargarse en www.jornadascdn.es

el arte del talento por David Hinarejos

XII edición dEl festival de flamenco de la Comunidad de Madrid. una cita imprescindible para los amantes de este arte gracias a la calidad de su programación La Comunidad de Madrid celebra la XII edición del festival Suma Flamenca convirtiendo a la región madrileña en el centro europeo del flamenco, con una programación que romperá con lo convencional y ofrecerá al público las novedades del cante, la música y el baile con mayor proyección internacional. En estas 12 ediciones, el Festival, además de dar cabida a los artistas más representativos y consagrados de este arte internacional, ha presentado a más de 200 artistas jóvenes de la guitarra, el cante y el baile, apadrinados por las grandes figuras del arte flamenco. Vicente Amigo abrió el festival el pasado 1 de mayo en el Teatro Real, aunque el resto de la programación preparada por Aída Gómez sucede en junio, con 26 espectáculos repartidos en 13 escenarios. Dentro de Madrid capital, acogerán el festival los Teatros del Canal, el Centro Cultural Paco Rabal, el Café Berlín, los jardines de los museos Lázaro Galdiano, Casa Lope de Vega y Museo del Traje, además de dos nuevos espacios, el Teatro Pavón

Kamikaze y la Residencia de Estudiantes. En la Comunidad, el Teatro Real Coliseo de Carlos III en San Lorenzo de El Escorial y el Centro de Humanidades Cardenal Gonzaga, en La Cabrera. Repartidos por estos espacios disfrutaremos de 4 estrenos absolutos, los de Losada & Maya, Capullo de Jerez, Aurora Vargas y Pansequito y la Familia Carmona-Habichuela; 2 estrenos en España: la Gala Flamenca de Flamenco Festival y Pepe Torres; y 11 estrenos en Madrid: Vicente Amigo, Argentina, Eva Yerbabuena, David de Jacoba, Mercedes Ruiz, David Coria, Dorantes y Taksim Trío, Manuela Carrasco, Rafael Riqueni, Carlos de Jacoba y María Moreno. Por otro lado, la XII edición del festival ha programado una serie de actividades gratuitas como un ciclo de improvisaciones y clases magistrales impartidas por Mercedes Ruiz, Javier Barón, Juan Amaya u Olga Pericet, y una conferencia, Cómo Nueva York le mangó a París la idea moderna del flamenco, a cargo de José Manuel Gamboa. Toda la info: www.madrid.org/sumaflamenca

Suma Flamenca 2017 La reconocida coreógrafa y bailarina Aída Gómez dirige un año más el festival. 13 espacios dentro de la comunidad, siendo los Teatros del Canal la sede más importante. Varios espacios Del 6 al 25 de junio

Programación destacada Argentina Presentará La Vida del Artista, un proyecto con nuevos sonidos y registros; una dimensión necesaria para su evolución como artista. 6 de junio. Teatros del Canal

Gala Flamenca Dirigida por el bailaor y coreógrafo Manuel Liñán reúne a Juana Amaya, Jesús Carmona, Patricia Guerrero y Rocío Márquez. 7 de junio. Teatros del Canal

Eva Yerbabuena Cinco bailaores, cante, percusión, guitarra y voz, acompañan a la bailaora Eva Yerbabuena en Carne y Hueso. 8 de junio. Teatros del Canal

David de Jacoba Hablamos de uno de los cantaores más representativos y carismáticos del panorama actual. Voz aterciopelada y grandes registros. 9 de junio. Teatros del Canal

Capullo de Jerez / Antonio Reyes / Duquende

El desgarro de Duquende, la personalidad de Capullo de Jerez y el poder de transmisión de Antonio Reyes, sin colorantes ni conservantes. 11 de junio. Teatros del Canal

David Coria El Bailaor nos trae El Encuentro, su nuevo espectáculo en el que visitamos laberintos profundos donde reconocerse y hermanarse. 13 de junio. Teatros del Canal

Programación destacada Diego Guerrero En su nuevo trabajo, Vengo Caminando, el cantante, compositor y arreglista andaluz vuelve ha trascender al flamenco. 17 de junio. Centro Cultural Paco Rabal

Rocio Márquez Regresa con un nuevo trabajo discográfico, Firmamento, que ha sido producido por Raúl Fernández Refree (productor de El Niño). 22 de junio. Pavón Teatro Kamikaze

Ultra High Flamenco Los cuatro músicos aportan ideas para la creación de repertorios en los que el flamenco y la improvisación son la base. 23 de junio. Museo del Traje

Arcángel En el Tablao el artista apuesta por una experiencia intimista, natural y cercana para reproducir las emociones de estos espacios. 24 de junio. Museo Lázaro Galdiano

Resto de actuaciones Mercedes Ruiz. 10 junio. Teatros del Canal Losada & Maya. 10 junio. Café Berlín Madrid Capullo de Jerez, Antonio Reyes y Duquende. 11 junio. Teatros del Canal María Mezcle. 11 junio. Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial Aurora Vargas y Pansequito. 14 junio. Teatros del Canal Dorantes & Taksim Trio. 15 junio. Teatros del Canal Familia Carmona y Habichuela. 16 junio. Teatros del Canal

Manuela Carrasco. 17 junio. Teatros del Canal. Noche Canalla en Berlín. 17 junio. Café Berlín Rafael Riquen. 18 junio. Teatros del Canal Carlos de Jacoba. 23 junio. Pavón Teatro Kamikaze María Terremoto. 24 junio. Residencia de Estudiantes María Moreno. 24 junio. Pavón Teatro Kamikaze Jesús de Rosario. 24 junio. Casa Museo Lope de Vega Pepe Torres. 25 junio. El Pavón Teatro Kamikaze

alma de mal por Álvaro Vicente

CLÁSICOS EN ALCALÁ La edición número 17 del Clásicos en Alcalá, Festival de Artes Escénicas de la Comunidad de Madrid en la cervantina Alcalá de Henares, marca el principio de una nueva etapa para esta cita con los clásicos que suele dar el pistoletazo de salida a la temporada estival de festivales. Nueva etapa, nueva imagen y nuevo director, Carlos Aladro, que asume así otra gran resposabilidad que se añade a su labor como programador del Festival de Otoño a Primavera, también de la Comunidad de Madrid. Del 15 de junio al 9 de julio tendrán

FOTO: Alex Brenner. Imagen de Richard III

lugar en la ciudad complutense 31 espectáculos de 30 compañías que llegan desde Galicia, País Vasco, Catalunya, Valencia, Andalucía y Castilla y León en lo nacional, y desde Suiza y Reino Unido en el apartado internacional. Alcalá de Henarés se verá inundada, literalmente, de teatro no sólo en sus recintos escénicos, sino también en sus calles. Prueba de ello es la inauguración del festival con Entre telones, del Colectivo mmmm, que tendrá lugar en la calle de la Imagen, junto al Museo Casa Natal de Cervantes.

Cervantes como guía Clásicos en Alcalá quiere reivindicar el legado clásico, desde una acepción del término que, a pesar de ser un lugar común, casi un cliché, quiere precisamente volver a abrazar de manera muy amplia y ambiciosa la siempre necesaria visita a ese lugar que creemos conocido, pero que siempre guarda secretos y sorpresas desconocidas. Los clásicos. Esos grandes desconocidos. Todos creemos que los conocemos, los damos por sabidos… Y precisamente, los clásicos nos sirven, de manera inigualable, para el saludable ejercicio de la relativización, de la perspectiva, de la puesta en duda de todo lo que damos por sentado, por hecho, por imposible… Y en el caso de Clásicos en Alcalá, y también haciendo del tópico virtud, Cervantes vuelve a ser la guía, el referente de un legado, que queremos revisitar desde una mirada eminentemente renacentista. Al fin y al cabo, Cervantes es un paradigma de caballero cortesano del Renacimiento, al estilo de Castiglione, un sucesor de Garcilaso, de Boscán, un hombre de armas y letras, un soldado y un poeta. Y entre la guerra y la paz, la batalla y la prisión, la gloria y la ruina, en un periplo vital novelesco como pocos, nos ha regalado una de las más preclaras, lucidas, empáticas… amorosas miradas sobre la condición humana. La programación de esta edición se inspira, por tanto, en una sensación, que desde el primer momento me inundó, al pararme a discernir desde donde podíamos empezar a viajar para reencontrarnos con Cervantes, y de su mano mirar con una inocencia renovada, a la condición humana del siglo XXI: y así pues, de la locura de Alonso Quijano, llegamos a un lema, en forma de aliteración: Alma de mal. El mal como condición del alma, como afección, como enfermedad, como un lugar del que siempre queremos huir, pero del que nunca terminamos de escapar… como concepto moral, y como espacio vital… El teatro será incapaz, por sí sólo, de cambiar el mundo, pero es capaz como pocas expresiones de la capacidad del hombre para crear, de inspirar-

Carlos Aladro, nuevo director de Clásicos en Alcalá

nos a soñar, a creer en lo inalcanzable; y como un encuentro de origen y condición ritual, como espacio religioso, es un lugar de comunicación y de comunión común en el que podemos encontrar las fuerzas para ir más allá de nuestros propios miedos, y saltar desde los gestos, los sonidos, las imágenes y las palabras de la ficción y la fantasía, a la acción, a la batalla real del día a día, en pos de los gigantes que nos pretenden hacer callar. Inspirándonos a luchar contra el mal… el que alumbramos en nosotros mismos, en nuestros rincones mas sombríos, y el que adivinamos en los oscuros callejones… Desde este espíritu, hemos convocado a un numeroso grupo de artistas, a que desde sus visiones y lenguajes, nos cuenten qué ven, y cómo lo ven. Cómo son sus visones sobre el Alma de mal… Con el propósito de seguir haciendo de Clásicos en Alcalá el Festival de la Palabra en Movimiento, del inmenso legado artístico que hemos heredado, y que por obra del teatro, la danza, la música, la opera, el cine, las artes plásticas… ponemos en acción, en vida, reanimando, reviviendo, meneando a los clásicos con rigor y respeto, pero sin solemnidades ni sacralizaciones, desde el siglo XXI. CARLOS ALADRO

En el Corral de Comedias

Con la puesta en escena de Carles Alfaro para Moma Teatre de La vida es sueño (vv. 105-106) de Calderón de la Barca, arranca la programación en el Corral de Alcalá. Un montaje austero que va a la esencia del texto, con un magnífico Alejandro Saá en el papel de Segismundo. Muy en consonancia con el lema del festival, Alma de mal, la compañía Apata Teatro presenta Malvados de oro, con Daniel Albadalejo entrando y saliendo de la piel de los personajes más abyectos de nuestro Siglo de Oro. Igualmente, Borja Rodríguez, desde Andalucía con Hiperbólicas Producciones, nos invita a una Jácara de pícaros, a partir de textos de varios autores áureos. Felizmente, por otro lado, esta edición del festival sirve para recuperar el solo #sobrejulieta a cargo de Carlota Gaviño, alma de la compañía Grumelot, junto a Íñigo Rodríguez-Claro, que dirige la pieza. Un monólogo de amor con el público, el particular Romeo de esta inolvidable Julieta. Seguimos. Uno de los platos fuertes será el Hamlet que trae desde Suiza Boris Nikitin, que transforma la obra más popular de Shakespeare en una performance documental electro-pop. Y la compañía Los números imaginarios se apoyan igualmente en Hamlet para un espectáculo inmersivo donde los espectadores participan activamente. No en vano, se llama Hamlet entre todos. Cierra la programación en el Corral Pericles, con versión y dirección de Pilar Valenciano sobre uno de los textos menos representados de Shakespeare.

En el Teatro Salón Cervantes

En el recoleto teatro Cervantes desembarca el malvado por antonomasia del teatro, Richard III. Esta tentativa sobre el clásico de Shakespeare viene de la mano de la compañía inglesa Arcola Theatre London, con dirección de Mehmet Ergen y Greg Hicks en el papel del rey amorfo. Producciones Teatrales Siglo de Oro presenta El rufián dichoso, de Cervantes, y Julio Salvatierra ha preparado una versión familiar de Moby Dick de Melville, que presenta la compañía vasca Teatro Gorakada. Asoma la danza, por fin, con Nacida sombra, un encuentro entre el baile flamenco y las grandes creadoras del Siglo de Oro, con dramaturgia del ronlalero Álvaro Tato y coreogra-

fía y dirección de Rafaela Carrasco. Volviendo a Shakespeare, los gallegos de la compañía Voadora, siempre sorprendentes, se atreven con el Sueño de una noche de verano. Y Alberto Iglesias une al bardo con Cervantes en El hermano de Sancho, una fantasía teatral que propone un divertimento didáctico mezclando situaciones y personajes de ambos dramaturgos. Shakespeare también, en formato payaso, con La tragiclownmedia de Romeo y Julieta, de The Clever People Company, y Shakespeare en el origen de las dos últimas creaciones de Alfredo Sanzol y Andrés Lima para Teatro de la Ciudad: La ternura y Sueño. La Compañía Nacional de Teatro Clásico estará presente en Alcalá con su coproducción junto a Micomicón de La judía de Toledo, de Lope de Vega, en versión de Laila Ripoll, y el explosivo tándem formado por Ernesto Caballero, Gerardo Vera y Concha Velasco presenta Reina Juana. La danza contemporánea cierra la programación en el Cervantes con Miserere, de La Phármaco.

Fuera convenciones

Clásicos en Alcalá presenta también una serie de propuestas no convencionales como La última noche de Don Juan, con Carlos Tuñón adaptando y dirigiendo la obra de Zorrilla para la noche de San Juan, en un espectáculo que tiene una duración de 8 horas. La obra más larga para la noche más corta, itinerante, recorriendo Alcalá entre hogueras del alma. Otra interesante propuesta es Please continue, Hamlet, de Roger Bernat y Yan Duyvendak. Tendrá lugar en el Salón de Plenos del Ayuntamiento de Alcalá de Henares y es, literalmente, un juicio a Hamlet. Los jueces, abogados y fiscales son auténticos, reclutados para la ocasión. Un actor encarnará al joven que ha matado a su tío, después de que éste hubiera matado al padre del primero. Por último, no queremos dejar de destacar (al margen de la actuación de Kiko Veneno, un clásico rockero, según la catalogación del festival), la dramatización a cargo de la compañía Nao d’Amores, con Ana Zamora a la cabeza, del discurso que Andrés Laguna pronuncia en 1543 en la Facultad de Artes de la Universidad de Colonia: Europa que a sí misma se atormenta.

De arriba a abajo de izq. a der.: El clásico orden de las cosas de Juan Ayala, La Tragiclownmedia de Romeo y Julieta de The Clever People Company, Moby Dick de Melville, el cantante Kiko Veneno, Pericles de La Sed Teatro, Hamlet entre todos de Carlos Tuñón, Miserere de La Phármaco y Sueño de una noche de verano de Voadora.

Clásicos en Alcalá Varios Espacios. www.clasicosenalcala.net Del 15 junio al 9 de julio

the world pride experience

Coincidiendo con la gran ﬁesta del Orgullo Mundial en Madrid, nace el festival The World Pride Experience organizado por Marta, Cariño! con la ambición de convertirse en una cita anual ineludible gracias a una oferta de artes escénicas, gastronomía, cine, música y la creación del festival Flamenco Diverso, todo desde el prisma del LGBT. Se celebrará en los Teatros Luchana y el Teatro Coliseum entre el 22 de junio y el 2 de julio

Entrevista a Juan Mairena por Ka Penichet

Mairena en el centro, agachado, rodeado de los actores y actrices de la obra

“Es una obra que habla de la necesidad de ‘entender’ y entendernos entre las personas”

Juan Mairena irrumpió en el circuito off madrileño en el año 2013 con Cerda. Avalado por el éxito que cosechó entonces, regresa de nuevo a la escena, a los Teatros Luchana, en esta ocasión dirigiendo Mariquita muere ahogada en una cesta, un texto ﬁrmado por Juan García Larrondo, producido por Serie Teatro, que narra la historia de una mujer que es abandonada por su hija y después por su marido. Ya teníamos ganas de volver a ver un trabajo de Juan. Vienes de Huelva a Madrid a estudiar Periodismo, ¿cuando decides que lo tuyo es el teatro? Yo desde pequeño ya escribía poesía. De hecho, de niño mi padre me avergonzaba porque publicaba mis poesías en una revista local y a mí eso me parecía terrible, era como si desvelara un secreto íntimo. Luego empecé a escribir relatos y al acabar la carrera decidí escribir una novela. La envié a varias editoriales y al no lograr publicarla me vine un poco abajo. Ya más adelante decidí escribir teatro. Desde que llegué a Madrid iba todas las semanas una o dos veces al teatro y desde entonces he seguido yendo. Para mí el teatro era una pasión como espectador. Nunca imaginé que iba a escribir teatro. Pensaba que esta profesión era algo inalcanzable. Hubo un cambio en mi vida a nivel personal y en ese momento me dije: “Voy a hacer lo que realmente me gustaría hacer”. El primer paso fue estudiar dirección escénica. Eso fue en 2010, así que puedo decir que soy un joven dramaturgo (risas), emergente... (más risas). En 2012 estrené una obra en Microteatro y al año siguiente Cerda en La casa de la portera. ¿Qué fue lo que te motivó a dirigir este texto? A mí me supone una gran responsabilidad dirigir textos que no son míos. Cuando yo leo este texto la primera sensación que tengo es que lo he escrito yo. Es tan parecido a mi universo, a lo que me gusta ver en teatro y lo que me

Mariquita aparece ahogada en una cesta Comedia divertida, surrealista y disparatada sobre una verdad amarga. Una obra que habla sobre el miedo y la falta de comunicación. El miedo se instala en la casa de Mariquita como un monstruo que acaba devorándola a ella y a sus seres queridos. Versión y dirección de Juan Mairena de un texto de Juan García Larrondo. Con María Isabel Díaz, Jorge Lucas, Marta Aledo, Georbis Martínez y Dolly. Teatros Luchana Del 10 al 24 de junio gusta escribir que digo: “Esto parece mío, esto parece que lo he escrito yo en otro momento y no lo recuerdo”. Además, me pareció muy divertido, con muchas posibilidades, juega mucho con la tragedia y la comedia, con el surrealismo, lo absurdo... que son temas que me gustan. ¿Nos vamos a encontrar con un montaje ﬁel al texto de Larrondo? El texto está versionado porque el original es bastante largo. Yo calculo que si lo respetara la obra podría durar tres horas. He reducido personajes, he quitado escenas y he añadido alguna de mi cosecha. Larrondo es súper generoso. Ya en el libro dice en una especie de prólogo que da libertad a posibles directores para adaptar el texto. Él ha estado en todo el proceso en contacto conmigo. Le he pasado las 7 u 8 versiones que he hecho y siempre me ha apoyado. ¿Qué cosas pretendes potenciar en tu versión? Mariquita... es una obra con acento andaluz, pero también castellano y árabe. Esto además quise potenciarlo porque es una obra que habla de la necesidad de ‘entender’ y de entendernos. Porque los distintos acentos también hablan

de diversidad cultural, de gente que coincide en una ciudad con gente de otros lugares y de algún modo tienen que convivir y entenderse. Lo importante no es el idioma sino que comprendas a la gente. Por eso, una de las cosas de las que habla es de la falta de comunicación, de que no sabemos ni comunicarnos con las personas más cercanas muchas veces por el miedo al rechazo, a no ser aceptados, a ser abandonados... Has estrenado en Microteatro y en La casa de la portera, que son espacios no convencionales, ¿cómo afrontas el estreno en la sala grande de los Teatros Luchana? A mí me produce el mismo pánico estrenar en un lugar pequeño que en uno grande porque siempre es un reto. No tengo tanto miedo a que pueda gustar porque siempre habrá gente que le guste y otra a la que no, pero siempre tienes el miedo de que las cosas salgan bien... o no. Teniendo en cuenta el éxito que tuviste con Cerda, ¿qué esperas que ocurra ahora? Espero no decepcionar a nadie. Lo más importante es que tú estés a gusto con lo que has hecho, porque de alguna manera eso también lo transmites. No tiene por qué gustarle a todo el mundo.

Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com

the world pride experience por Sergio Díaz

Bakxai Una versión de Las Bacantes, de Eurípides, que narra el enfrentamiento entre el dios Dioniso y Penteo, rey de Tebas (entre lo dionisiaco y lo apolíneo) y muestra un mundo de ménades y bacantes inmersas en una vida relajada, natural y sensual. Un montaje donde el cuerpo y el movimiento alcanzan una expresividad máxima partiendo de las raíces, los instintos, el sexo, el despertar animal, la sangre, el fuego o el placer. Rebeca Ledesma adapta y dirige este texto clásico que Bibelot Producciones pone en escena.

Teatros Luchana. Viernes 20h. Domingos 20h30

Grinder Serena Altair y Davo Marín han organizado esta gran fiesta que se alimenta de dos grandes géneros: el teatro musical y el cabaret. Una comedia provocativa y sin tapujos que viaja a través de nuestros tabúes sexuales dentro de la diversidad sexual en la que, afortunadamente, vivimos. Es un musical gay, pero no es sólo para público gay. Es un grito a la libertad sexual. Se buscan espectadores activos, que participen sintiéndose usuarios de la popular aplicación que conecta a chicos gay y bi.

Teatros Luchana. Jueves y domingo a las 21h

Fun Jesús Amate nos sumerge en el glamuroso mundo del Music–Hall, un increíble viaje a través de la música, la danza y el humor para vivir una experiencia irrepetible. Este espectáculo está inspirado en el famoso número musical Big Spender de Sweet Charity, e interpretando clásicos de grandes musicales como Cantando bajo la lluvia o Chicago, los personajes muestran al público sus locuras más íntimas haciéndoles partícipes de este gran show.

FOTOS: Javier Naval

Teatros Luchana. 22 y 29 junio, 21h45

El gol de Álex Miguel de Molina al desnudo Miguel de Molina es la mejor encarnación de la sugerente mezcla entre vanguardia y tradición. Aquí se cuenta su verdad, desde su infancia hasta los fugaces encuentros con Lorca y la tortura que sufrió tras la Guerra. No es sólo un homenaje, es convocar nuestro presente y situar a la copla en un lugar prominente: un arte popular que surgió en tiempos de libertad y sedujo a grandes como Rafael de León, Manuel de Falla o al mismísimo Lorca. Ángel Ruiz, nominado al Premio Max Mejor Actor 2017, protagoniza este montaje.

Mario conoce a través de las redes sociales a Álex, un futbolista de primer nivel que acaba de meter el gol de su vida en un importante partido. Esa noche sus vidas se cruzarán en la clandestinidad de una habitación de hotel, surgiendo entre ellos la chispa del amor. Amor y fútbol en un cóctel explosivo, divertido, ágil y actual. Una comedia romántica de Antonio Hernández Centeno con final feliz donde se demuestra que los hombres de verdad saben amar y jugar al fútbol.

Teatros Luchana. 1 y 2 de julio (20h. y 19h.)

Teatros Luchana. V. 22h15. D. 20h15

the world pride experience

Gastronomía, cine y música En el apartado gastronómico, Marta, Cariño! organizará en su restaurante La Paquita unas jornadas para potenciar los mejores productos y platos madrileños, con guiños a otras comunidades autónomas y con el apoyo de Argentina como país invitado. Sesión vermú, el aperitivo y la tapa con productos de primera calidad serán la seña de identidad, apoyados por el cocinero madrileño David Marcano de Top Chef. La música la pondrá el dúo de pop electrónico Hidrogenesse (foto), formado por Carlos Ballesteros y Genís Segarra, que ofrecerán un único concierto el 27 de junio. En el apartado de cine se realizará un ciclo de producciones de Argentina dedicado a la problemática LGTB y de género.

FLAMENCO DIVERSO se enmarca dentro de The World Pride Experience. Estamos ante el primer festival flamenco con una mirada transversal LGTB y cuenta con una amplia oferta que aparte de los Luchana contará también como sede con el Teatro Coliseum Este festival dará comienzo en los Luchana el 25 de junio con Bailar en hombre, del bailarín y filósofo Fernando López, donde se abordan temas como la construcción de la masculinidad en el baile flamenco, la relación hombre-mujer y la profunda conexión existente entre género y sexualidad. El 26 de junio será el turno de Dos Tocaoras (foto izq.), un espectáculo innovador en el que dos mujeres, la portuense Antonia Jiménez, con su guitarra flamenca, y Marta Robles, con la clásica, dan un enfoque distinto al flamenco. Mientras en el Coliseum abrirán el ciclo, el 27 de junio, Rocío Molina (baile) y Rosario (cante y guitarra) con el espectáculo Afectos, una reflexión basada en la lucha del ser y en la capacidad de hallar la sencillez y la confianza a través de la existencia. El 28 de junio llegará Titanium, de Rojas y Rodríguez, un espectáculo en el que 13 músicos y bailares fusionan el flamenco con la cultura del hip hop. Miguel Poveda (foto der.), del 29 de junio al 1 de julio, pondrá el broche de oro a la programación del festival con tres conciertos donde el artista muestra una parte más flamenca y otra con poesía y copla acompañadas de un piano de cola.

FOTO: Damian Calvo

género genérico general degenerado por Álvaro Vicente

FOTO: Renato Mangolin

Las fronteras sólo existen para derribarlas. Los límites, para sobrepasarlos. En junio, las Naves del Centro Internacional de Artes Vivas en Matadero lanzan una serie de propuestas para reflexionar sobre las barreras entre géneros, sobre lo intersexual, lo ambiguo, lo transgresor erótico, la masculinidad, las divergencias, convergencias y emergencias identitarias... a través de teatro, danza, cine y música.

MDLSX La compañía italiana Motus, fundada en los noventa por Enrico Casagrande y Daniela Nicolò, representa la vanguardia escénica europea. Portadores de un nuevo lenguaje que se nutre de todas las artes vivas, crean tendencias contemporáneas en cada uno de sus montajes. MDLSX es una pieza autobiográfica con una sola intérprete, Silvia Calderoni. La actriz da vida a un ser andrógino que cuestiona las barreras entre géneros. Un seductor himno a la libertad del devenir, al gender b(l)ending. Un canto al ir más allá de los límites del cuerpo, del color de la piel, de los órganos sexuales. Es ser más que una nacionalidad impuesta o adquirida. Es mirarnos hacia dentro hasta darnos la vuelta. Del 2 al 4 de junio. Nave 11 Sala Fernando Arrabal

GameBoy

FOTOS: Renato Mangolin

El coreógrafo emergente francés Sylvain Huc muestra en esta pieza la investigación sobre la masculinidad que ha desarrollado con 10 intérpretes residentes en Madrid y 8 intérpretes de Toulouse y Barcelona. En el escenario estos hombres cuestionan la imagen, representación, deconstrucción y plasticidad del cuerpo masculino. Después de su paso por Matadero, esta compañía, Divergences, estará en el Festival de Avignon. 28 y 29 de junio. Nave 10 Sala Max Aub

Tomando algo Cuatro interesantísimas propuestas multidisciplinares para empezar a llenar de contenido la nave de la cafetería. Primero con la actriz y cantante Bridge Markland y cuatro de sus piezas más celebradas en Berlín (9J). Luego con la sesión de la dj Angès Pe (16J), una investigadora que escapa de géneros y etiquetas. Otra sesión que promete será la del dúo ¥€$SI (23J, foto arriba izqda), absolutamente indefinible. Finalmente, habrá muestra de cortos exhibidos en el London LGTB Film Festival de 2016 (19-23J). Más info en https://naves.mataderomadrid.org Del 9 al 23 de junio. Cafetería Naves

¿amigos para siempre? Álvaro Vicente

Miguel del Arco dirige ARTE, de Yasmina Reza, que estará hasta el 30 de julio en El Pavón Teatro Kamikaze. Hablamos con sus tres protagonistas sobre los temas fundamentales de este texto primordial: el arte y la amistad. FOTOS: Vanessa Rabade

Roberto Enríquez

1. Guardo un grato recuerdo del montaje de Flotats, me fascinó. Y ahora pienso que la comedia es todavía mejor, porque una vez que te metes te das cuenta de que está escrita de una manera superlativa. 2. Yo soy Marcos. Como personaje bien escrito que es, tiene una de cal y una de arena. Nunca ha tenido miedo de lo que los demás

pensaran de él, siempre se ha atrevido a decir lo que piensa y eso le ha convertido en un tío un poco huraño. Va de coherente pero es contradictorio. Es capaz de lo mejor y de lo peor, puede querer mucho a un amigo pero con las mismas le puede hacer mucho daño. Se mueve en los extremos y es muy descreído. 3. Sobre todo el arte contemporáneo sí nos define, porque todos sentimos un poco de complejo frente a ciertas manifestaciones artísticas. Nos pueden parecer una chorrada y no lo decimos porque se supone que eso es arte y tal. 4. Sí, eso de que lo que te une a un amigo es indestructible... no. Cada uno va teniendo sus intereses y a veces la amistad está viva y otras veces es el recuerdo muerto de lo que fue. 5. No. Y si hubiera que ponerla, aquí mejor una puerta giratoria que una normal.

1. ¿Qué pensabas de Arte antes y después de ser uno de sus protagonistas? 2. Preséntanos a tu personaje 3. ¿Cómo nos define la forma en la que nos relacionamos con el arte? 4. Igual que se dice que el amor no es eterno, ¿tiene la amistad fecha de caducidad? 5. ¿Se le pueden poner puertas al campo de la belleza?

Arte El conocido -y ampliamente representado- texto de Yasmina Reza, dirigido por Miguel del Arco e interpretado por Roberto Enríquez, Cristóbal Suárez y Jorge Usón. El Pavón Teatro Kamikaze Hasta el 30 de julio

Cristóbal Suárez

Jorge Usón

1. Yo la vi al principio de mi carrera, con 18 años, la de Flotats, y me produjo un gran impacto. Desde entonces ha sido una de esas funciones que quieres hacer. Y ahora, trabajándola, surfeándola, ves que es una partitura impresionante.

pectador, creo que siempre hay algo bueno detrás de cualquier cosa. Ahí está lo fascinante de esta obra, que nos pone frente a un cuadro en blanco, frente a la nada. ¿Cómo se juzga la nada? En arte contemporáneo, el que está expuesto es el que mira realmente.

2. Yo soy Sergio, el que compra el cuadro que lo desata todo. Está, como los otros dos, en un momento crucial de su vida, en el que tienen que redefinir la relación que les une. Se acaba de separar y está un poco perdido, aunque él no lo crea.

4. La función es mucho más profunda de lo que parece, hay mucha risa y también mucho dolor, porque se rompe una amistad y porque se rompe también con lo que hemos sido individualmente hasta ese momento. En eso, amistad y amor se parecen.

3. Nos define muchísimo. Yo por ejemplo soy muy buen es-

5. No, por supuesto que no. Eso no se puede ni plantear.

1. Yo sabía de ella porque había sido un gran éxito, pero no la conocía, ni la vi en su día ni la había leído. Y ahora he comprobado que es una maravilla, para los actores es todo un mapa emocional muy rico.

respecto al arte igual que la tiene respecto a la vida. Hay personas muy escépticas y otras muy entusiastas. Lo importante es la predisposición.

2. Yo soy Iván, el tercero en discordia, un hombre bisagra, ese que no quiere que nada cambie, que trabaja para mantener la amistad intacta. Es un infiltrado en el club de los felices, porque él quiere ser feliz pero las decisiones que toma lo muestran como alguien más débil en realidad que los otros. 3. Uno tiene una posición con

4. La amistad, como el amor, está sujeta a parámetros un poco misteriosos. El devenir de la vida te va acercando o alejando. Forma parte del juego de vivir. 5. Seguir unos cánones es bueno en la medida que nos organiza, estética y éticamente. Otra cosa es poner puertas, que creo que no. La belleza es algo profundamente subjetivo, está mucho más pegada a las emociones, no hay lenguaje que la abarque realmente.

TEATRO

DANZA / FLAMENCO

ITINERANTE / COMUNITARIO

LECTURA DRAMATIZADA

TODOS LOS PÚBLICOS

PERFORMANCE / ACCIÓN

MÚSICA / ÓPERA

CORRAL DE COMEDIAS

TSC

TEATRO SALÓN CERVANTES

MUSEO ARQUEOLÓGICO

PSM

PATIO SANTA MARIA LA RICA

CSI

CAPILLA SAN ILDEFONSO

17 FESTIVAL DE ARTES ESCÉNICAS de la Comunidad de Madrid en Alcalá de Henares

DEL 15 AL 18 DE JUNIO

Nacida Sombra Rafaela Carrasco / TSC / 22 junio / 21:00h

La Clásica Inauguración “Entre telones”

Hamlet entre todos

Los números imaginarios / CC / 1 y 2 julio / 19:00h

Concierto de la Noche de San Juan: Kiko Veneno

Santa Juana de la Cruz

Distrito V. Campo de Fútbol Juan de Austria / 23 junio / 22:00h

Ana Contreras / Plaza de San Diego / 1 julio / 20:30h

Arcola Theatre / TSC / 15 y 16 junio / 20:00h

La última noche de Don Juan

La ternura

Bella Batalla / CC / 23 junio / 23:00h

Teatro de la Ciudad / TSC / 1 julio / 21:00h

La vida es sueño (vv.105 – 106)

#sobreJulieta

Sueño

Grumelot / CC / 24 y 25 junio / 20:00h

Teatro de la Ciudad / TSC / 2 julio / 21:00h

Sueño de una noche de verano

DEL 5 AL 9 DE JULIO

Mmmm...y Banda Sinfónica Municipal / C/ Imagen / 15 junio / 19:00h

Richard III

Moma Teatre / CC / 16 y 17 junio / 21:00h

El rufián dichoso Producciones Teatrales Siglo de Oro / TSC / 17 junio / 21:00h

Moby Dick

Teatro Gorakada / TSC / 18 junio / 19:30h

VOADORA / TSC / 24 junio / 21:00h

El hermano de Sancho

Laurentzi Producciones / TSC / 25 junio / 19:30h

Los sonidos dolidos del alma

Malvados de oro

Orquesta Ciudad de Alcalá / MA / 25 junio / 21:00h

Numancia

DEL 28 DE JUNIO AL 2 DE JULIO

Apata Teatro / CC / 18 junio / 20:00h

Miguel Cervantes (versión Rafael Alberti) MA / 18 junio / 21:00h

Hamlet

Pericles La Sed Teatro / CC / 6 y 7 julio / 20:00h

La judía de Toledo CNTC y Micomicón / TSC / 6 julio / 21:00h

Please continue, Hamlet Roger Bernat y Yan Duyvendak / Ayuntamiento / 7 y 8 julio / 20:30h

Reina Juana Marquina / TSC / 7 y 8 julio / 21:00h

DEL 21 AL 25 DE JUNIO

Boris Nikitin / CC / 29 y 30 junio / 20:00h

El clásico orden de las cosas

Europa, de Andrés Laguna

La tragiclownmedia de Romeo y Julieta

Juan Ayala / CC / 8 julio / 20:00h

Nao d’Amores / CSI / 21 junio / 20:30h

Gagaku: 1300 años de tradición y ceremonias de la Corte Imperial Naoyuki Manabe / MA /

The Clever People Company / TSC / 29 junio / 21:00h

Madama Butterfly

21 junio / 21:00h

Retransmisión por satélite desde el Teatro Real / TSC / 30 junio / 21:30h

Jácara de pícaros

Gala Lírica Operastudio

Hiperbólicas Producciones / CC / 22 y 23 junio / 20:00h

La Clásica Clausura: Alma de mal María Hervás / CC / 9 julio / 20:00h

Miserere. Cuando la noche llegue se cubrirán con ella La Phármaco / TSC / 9 julio / 21:00h

Fundación U. Alcalá / Patio de Sto. Tomás de Villanueva / 30 junio / 22:00h

Además, talleres, conferencias, charlas, cineclásicos “Cautivos del Mal”... Toda la información en www.clasicosenalcala.net Entradas a la venta en taquillas del Teatro Salón Cervantes y del Corral de Comedias y en www.ticketea.com

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17 FESTIVAL DE ARTES ESCร NICAS

de la Comunidad de Madrid en Alcalรก de Henares

15 JUNIO - 09 JULIO 2017

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danza por Sergio Díaz

La elegancia del mito universal Carmen es una pieza de sobra conocida en el mundo de la danza y de la ópera, siendo más famosa la pieza escénica que elaboró Georges Bizet que la novela de Prosper Merimée, de la cual surgió todo. Pero fue Bizet el que puso en boca de todos la historia de la cigarrera sevillana, y con ella revolucionó la ópera francesa -aunque él murió pensando que su creación había sido un fracaso-. Se ha representado ampliamente en escenarios de todo el mundo, se han hecho películas -muchas películas- y se han escrito

tesis sobre ella, con lo cual siempre resulta difícil ofrecer algo nuevo al espectador de este trabajo. Pero siempre hay quien consigue, de una forma o de otra, ofrecer nuevos matices, como en el caso que nos ocupa, un nuevo trabajo de la Compañía Nacional de Danza. José Carlos Martínez, director artístico de la CND, tiene claro, y así lo ha mostrado siempre, que su proyecto al frente de esta formación debe ser ecléctico y abierto al mundo. Por eso ha optado por encargar esta versión de Carmen al coreógrafo sueco

FOTOS: Jesús Vallinas

Johan Inger, uno de los nombres más respetados en el mundo de la danza. Un reto mayúsculo para un nórdico abordar un mito tan latino. Pero Inger ha sido capaz de captar la esencia con creces -al menos tal y como yo lo entiendo también, que soy un madrileño con alma de nórdico-. Ha optado por desmarcarse del folclorismo acartonado y para moldear su pieza se ha apoyado más en Merimée que en Bizet, tratando de entender el comportamiento tan pasional de los personajes (su violencia, el amor desmedido, los celos salvajes), yendo a la esencia de todo, a mirar la vida con ojos de niño para tratar de entender... para comprender de dónde viene todo. Inger tampoco pasa por alto el crimen pasional, lo que hoy llamaríamos violencia de género

(siempre despreciable) y que quizás nos hace acercarnos a esta obra -en estos tiempos- con cierto rechazo. Pero obviando consideraciones de esta época, está claro que Carmen es una pieza importantísima en la historia de la ópera mundial, que rompió con lo que se estaba haciendo a finales del siglo XIX y estableció un nuevo tiempo. Por eso nunca se va a dejar de representar. Pero es muy de agradecer que haya montajes tan elegantes como el que nos plantea Inger (que el vestuario sea de David Delfín tiene mucho que ver en esto) y que beban directamente de la esencia de la novela -dando menos protagonismo a la estética y al folclore que tanto gusta a los turistas- como este que nos ofrecerá en junio la Compañía Nacional de Danza. Sergio Díaz

Carmen El coreógrafo sueco Johan Inger, por encargo de José Carlos Martínez, director de la CND, ha elaborado una nueva versión de la novela de Merimée. Teatros del Canal Del 15 al 26 de junio

danza

Tan tiernas como violentas Reunión en la cumbre con dos grandes mujeres de la danza contemporánea. Blanca Li y Maria Alexandrova encarnan a diosas griegas, encarnan la feminidad, el bien y el mal. Como en la época de los dioses griegos, se alían y se enfrentan, se transforman en demonias o en divinidades benéficas para cambiar el destino de los humanos, sembrando alrededor de ellas fuerza, alegría y energía. ¿Son estas dos mujeres que bailan las dos caras de una misma moneda? Son, en cualquier caso, expresión del poder creativo femenino.

Diosas y demonias La bailarina y coreógrafa contemporánea Blanca Li y la estrella del Bolshoï Ballet Maria Alexandrova, se unen en una creación original inspirada por temas mitológicos. Teatros del Canal 3 y 4 de junio

danza

We women Llega lo nuevo de la bailarina y coreógrafa alicantina Sol Picó, Premio Nacional de Danza 2016, con dramaturgia de Roberto Fratini. Teatro Español 15 y 16 de junio

Sol Picó se pregunta por la condición de la mujer, enriqueciendo su mirada con la de mujeres de todo el mundo. Partiendo de las diferentes disciplinas que practican las artistas con las cuales colabora y de los orígenes y herencias de cada una de ellas, Sol Picó dibuja un retrato de la mujer contemporánea. Estas artistas, algunas de las cuales han tenido que romper los

esquemas imperantes en sus culturas de origen, tienen estilos, técnicas y lenguajes diferentes, incluso desconocidos para sus compañeras, pero todas se plantean los mismos interrogantes y buscan las mismas respuestas.

Óyeme con los ojos Un solo de María Pagés de alto vuelo creativo, con el que ha querido reflexionar sobre la vida, el baile y el cuerpo. Teatro Español Del 21 al 25 de junio

Óyeme con los ojos se construye en torno a ocho escenas dramatúrgicamente muy marcadas tanto por la coreografía como por la música que constituye por sí sola un personaje dramático fundamental. Su singularidad reside en que la historia y la palabra, el ritmo y el cante, la melodía y el zapateado, la percusión y la voz, interactúan con fluidez alimentados por sutiles

pinceladas de humor e ironía. Óyeme con los ojos es una introspección. La bailaora y coreógrafa sevillana se proyecta como un ser en evolución. Necesita situarse en la vida y en el arte flamenco. Situarse, pero no desollarse. Su mirada es contemplativa y analítica. María se presenta como lo que es: siempre próxima, siempre cercana.

festival de otoño a primavera

Dos pesos pesados La edición número 34 del Festival de Otoño a Primavera culmina con dos cañonazos que vienen a redondear una temporada que arrancaba en octubre del pasado año con Romeo Castellucci. Con él empezó un festival que nos ha traído joyas que ya seguro no olvidaremos, como 300 el x 50 el x 30 el, de FC Bergman y Toneelhuis; como Spam de Spregelburd o las piezas de Claire Cunningham, Fabrice Murgia y Dan Jemmett. Y como Blackbird de Carlota Ferrer, en lo que a las aportaciones patrias se refiere. Ahora queda rematar con dos pesos pesados de la escena internacional: Rodrigo García y Oskaras Korsunovas.

Personas, animales y cosas

“Reconozcamos -escribe Rodrigo García- que lo sustancial habita en lo subyacente, que de una obra lo valioso es lo que se encuentra semienterrado. Para quienes busquen un tema, nuestras obras son perfectas: como jamás reparamos en ello, la tarea del tema recae en el espectador, será su pasatiempo, descifrar de la obra aquello que le resulte familiar o evocador. Otra cosa es la historia: en la historia ponemos nuestro mayor empeño”. La historia de 4, la pieza que trae al Festival de Otoño a Primavera, es una historia de acumulación de cascabeles, de cabezas de coyotes, de movimientos con ropa enjabonada, de tocadiscos con la Sinfonía número 4 de Beethoven, de gallos campando a sus anchas, de gusanos atrapados por plantas carnívoras, de niñas de nueve años, de samuráis, de dibujos animados, de luces de estadios de fútbol y de drones que traen a la ciudad ensoñaciones en forma de música de

campanas. Tras Muerte y reencarnación en un cowboy (2010) y Daisy (2015), Rodrigo García vuelve a Madrid con un lenguaje cada vez más depurado, con una escritura que exalta nuestros miedos y nuestras inercias riéndose de lo que enfada y molesta, con una poesía llena de rabia, tierna y desnuda. A través de sus textos muestra su desconcierto ante lo absurdo del quehacer cotidiano y se afana en derrumbar los muros de las estupideces de una sociedad que considera monstruosa.

Teatro de la imaginación

“Esta obra de Shakespeare es -palabras textuales de Oskaras Korsunovas- como un desafío. Para mí, para los actores y para el público. Es una oportunidad de encontrar la confrontación con nosotros mismos. Para un director, sacar a escena Hamlet es un poco como casarse. Es algo que sientes que tendrás que hacer cuando llegue el momento adecuado”. Bien, pues ese momento ha llegado. Considerado como uno de los nombres fundamentales de la escena actual europea, Koršunovas será el encargado de ponerle la guinda al XXIV Festival de Otoño a Primavera con esta particular visión de la célebre tragedia del príncipe de Dinamarca, con la que el director lituano reivindica su absoluta vigencia. Su revisión del texto, quizás la más cruel y explícita jamás vista, constituye una lúcida denuncia de la falsa seguridad, la comodidad y las apariencias que reinan en nuestra sociedad occidental. El montaje constituye un viaje increíblemente profundo, reflexivo y entretenido, que nos invita a preguntarnos a nosotros mismos: ¿quiénes somos?

4 Gonzalo Cunill, Núria Lloansi, Juan Loriente y Juan Navarro protagonizan una pieza del siempre controvertido Rodrigo García, llena de rabia y poesía. Teatros del Canal Del 1 al 4 de junio FOTO: Marc Ginot

Hamlet El director lituano Oskaras Korsunovas se atreve con el clásico entre los clásicos, con una versión cruel y explícita que denuncia la comodidad y las apariencias de nuestras sociedades contemporáneas. Teatros del Canal Del 8 al 11 de junio FOTO: D.Matvejev

ópera Miguel P. Valiente

De zarzuela a ópera para encontrar el éxito Cuando el 21 de septiembre de 1855 Arrieta estrena la zarzuela Marina en el Teatro del Circo de Madrid la escena lírica madrileña estaba sumida en una largo conflicto entre los aficionados al teatro lírico italiano y unos pocos pero influyentes intelectuales que anhelaban la creación de una ópera nacional española. En efecto, desde el advenimiento de la dinastía Borbón a principios del siglo anterior, la influencia italiana había ido creciendo hasta el punto de llegar a convertirse en una verdadera invasión cultural. Para hacernos una idea del desequilibrio de las fuerzas en juego se puede indicar que en la última mitad del siglo había en Madrid cinco coliseos que programaban ópera italiana de forma más o menos regular. Los intentos de hacer proyectos zarzuelísticos más ambiciosos (con tres o más actos) no siempre tuvieron la acogida deseada por razones culturales y económicas y el género llamado “chico” por estar las obras estructuradas en apenas un acto con piezas de temática ligera, formato breve y, por ende, relativamente económicas, se había asentado con fuerza en el repertorio. Marina, sin embargo, nació con una estructura más ambiciosa, su tono semiserio recuerda a algunas piezas italianas con las que comparte los ñoños argumentos románticos –no en vano gran parte de la formación musical del navarro tuvo lugar en Italia– y una factura musical de gran riqueza melódica. A pesar de todo, la acogida de la pieza que firmaba el músico al que Isabel II había nombrado Compositor de Corte fue gélida. La siguiente década fue de gran inestabilidad para España. La Revolución Gloriosa (1868) puso a Isabel II en la frontera. Arrieta, que había

llegado a ser profesor de música de la reina (algunos dicen que de hecho en sus clases le enseñaba algo más que corcheas), se adaptó a la nueva situación aportando su granito de arena musical mediante la composición del himno ¡Abajo los Borbones! Y en esta nueva coyuntura de crisis nacional se hacía más oportuno si cabe la creación del género operístico netamente español. Por supuesto, a Arrieta también le apetecía estrenar en el Teatro Real así que solo necesitaba un empujón para decidirse a transformar la zarzuela en una ópera y este llegó de la mano del famoso tenor Enrico Tamberlick, que le animó a hacerlo. Arrieta pasó de dos a tres actos (el estándar para una ópera en la época), eliminó parlamentos, quitó algunos números y añadió otros y, por fin, estrenó la pieza con grandísimo éxito en 1871. Desde entonces, Marina ha permanecido fija en el repertorio y se ha convertido en una favorita del público. La ambiciosa producción que presenta el Teatro de la Zarzuela firmada por Ignacio García fue estrenada en 2013 recogiendo muy elogiosas críticas.

Marina Música de Emilio Arrieta y libreto de Francisco Camprodón y Miguel Ramón Carrión. Dirección musical de Ramón Tebar y dirección de escena de Ignacio García. Teatro de la Zarzuela. Del 15 al 24 de junio

ópera Miguel P. Valiente

Espera, traición y dignidad Los referentes inmediatos de Madama Butterfly hay que encontrarlos en un relato breve escrito en 1898 por John Luther Long sobre un oficial estadounidense que contrae matrimonio con una joven geisha. Posteriormente David Belasco dramatizaría el relato. Ambos autores se habían inspirado en la novela Madam Chrysantheme escrita por Pierre Loti en 1887, que recogía los acontecimientos reales acaecidos en Nagasaki, donde la geisha Tsuru Yamamura, que había tenido un hijo fruto de una relación con un acomodado hombre de negocios británico, se suicidó tras ser abandonada por éste. Puccini pudo ver la obra de Belasco cuando en 1900 se encontraba en Londres supervisando las funciones de su ópera Tosca. Quedó tan fascinado con la historia que nada más terminar la función corrió a pedirle los derechos al autor. Cuando Puccini comenzó a componer Madama Butterfly acababa de encadenar tres éxitos consecutivos (Manon Lescaut, La bohème y Tosca), las tres como resultado de la feliz colaboración con sus libretistas Luigi Illica y Giuseppe Giacosa, que versificaba el texto. Se podría pensar que usando los mismos mimbres nada podía fallar en su «tragedia giapponese» Madama Butterfly. Pues bien, el estreno en la Scala de Milán en 1904 fue un monumental fiasco. Parece ser que la razón final de este fracaso tuvo mucho que ver con un bien orquestado complot promovido por compositores rivales. La ópera fue presentada poco después en Brescia y en París ya con la estructura habitual en tres actos y entonces sí tuvo una buena acogida. Después del estreno triunfal en Londres (1905) la ópera quedaría fijada de forma permanente en el repertorio. El drama presenta el trágico resultado de un choque de culturas pero también la historia del abuso de un hombre adulto sobre a una niña (Cio-Cio San

tiene apenas 15 años). En otro plano es una historia sobre la espera, la traición y la dignidad. Puccini, que no conocía Japón, consiguió crear una atmósfera musical orientalizante usando escalas pentatónicas y usando gongs e instrumentos tubulares para recrear esa Asia que desconocía. El montaje que presenta el teatro Real con dirección escénica del actor y director Mario Gas se estrenó en este teatro en el año 2002 bajo dirección musical de Pedro Halffter, sustituido ahora por Marco Armiliato. Esta producción se repuso en 2007 bajo dirección musical de Plácido Domingo y también pudo ser vista en 2012 en el teatro Maestranza de Sevilla de nuevo con Halffter. Se trata de una original propuesta que recoge la grabación cinematográfica de la opera, lo que facilita presentar tres planos: el de la opera original que está siendo filmada, el del estudio de rodaje, ambientado en los años 30, y el de la película proyectada en las pantallas.

Madama Butterfly La trágica historia musicada por Giacomo Puccini, en una producción del Real con dirección musical de Marco Armiliato y dirección de escena de Mario Gas. Teatro Real. Del 27 de junio al 21 de julio

hospitalidad vs. hostilidad por QY Bazo

Camino a Proel (apuntes sobre La rebelión de los hijos que nunca tuvimos)

Hay historias que empiezan con un grito, historias que empiezan con una pregunta, un reproche, una risa o un disparo. La nuestra empieza con tres palabras que arrastran todo un universo detrás: Érase una vez… Cuando presentamos nuestro proyecto a la convocatoria de Escritos en la escena, del Centro Dramático Nacional, queríamos reflexionar

desde la escritura sobre el nosotros: sobre esta Europa que vuelve a erigir alambradas; en donde los que huyeron en el pasado se niegan a acoger a quienes huyen en el presente; en donde los discursos del miedo al otro ganan votos; en donde la hospitalidad se transforma en hostilidad; una Europa que mira hacia otro lado mientras más de 10.000 niños refugiados

desaparecen nada más pisar suelo europeo (cifra que hace más de año y medio que no se actualiza). Pero para hablar de todo esto sentíamos que necesitábamos alejarnos del titular, distanciarnos del presente más inmediato para intentar acercarnos a la esencia del problema: la capacidad o incapacidad de adoptar un compromiso ético para con el otro. Ahí fue cuando decidimos apostar por el código de la fábula, contar esta historia a partir de esas tres primeras palabras que hemos escuchado desde niños: Érase una vez… …una pequeña ciudad al borde del mar llamada Proel. Como cada mañana se prepara para iniciar su rutinaria actividad… pero algo ha cambiado. Sus calles amanecen invadidas por miles de niñas y niños. Inmóviles. Silenciosos. La ciudad contiene la respiración: los que desaparecieron hace tanto tiempo han vuelto. Y su regreso es un acto de rebeldía que provocará que las costuras de la Realidad empiecen a romperse. Para nosotros optar por una dramaturgia construida desde la fábula era un reto, sobre todo después de venir de obras tan estrechamente ligadas a la actualidad (Nada que perder, junto con Juanma Romero y Javier Yagüe), e incluso claramente centradas en el teatro-documento (Tres días sin Charlie). Pero queríamos explorar

las posibilidades de una escritura que estuviese a caballo entre lo narrativo y lo performativo, donde la palabra estuviese cargada de imágenes potentes y sugerentes, con las que contar este cuento. Pero en esta propuesta, las palabras sólo son los bloques del juego. Es necesario jugar con ellas. Habitar las imágenes que nos proponen. Y ahí es donde entra la propuesta de nuestra directora, Eva Redondo. Sabedora de que el teatro es juego, Eva propone un escenario casi desnudo que es como un parque o un patio infantil; en donde seis magníficos actores (Rebeca, Marina, Carmen, Rafa, Ricardo y Juan) van a jugar entre sí y con el público, invitándonos a construir y habitar Proel. De pronto el espacio vacío se llena con Proel. Vemos sus calles, su costa, sus pescadores, su vieja escuela, su muralla, el Palacio Imperial, a su Emperador… y sí, a esos niños que han aparecido y cuya silenciosa mirada trastoca para siempre la vida de la ciudad. De pronto somos Proel. Y nuestra mirada es la de ese nosotros que se erige frente al otro. ¿Optaremos por mantener la mirada a los niños? ¿Escucharemos el mandato ético de acogerles, de no abandonarles? ¿O apartaremos la mirada para seguir negándoles su rostro, su humanidad? Tendremos que visitar Proel para averiguarlo.

La rebelión de los hijos que nunca tuvimos Eva Redondo dirige este texto de QY Bazo cocinado al calor del programa Escritos en la escena, del Centro Dramático Nacional. Teatro María Guerrero Hasta el 11 de junio FOTOS: MarcosGpunto

música

Banda sonora vital

Robe: Mi primer Dios de la palabra

Nos hemos propuesto, aquí mi compañero de Crecí leyendo poesía clásica. Repetía versos en página y yo, unas loas panegíricas al poeta los separadores de mi carpeta azul con gomas. salvaje de Plasencia, porque nos hemos hecho Pensé que era lo máximo en expresión escrita. mayores con él, como él. Actúa en solitario Mi único credo. Hasta que lo conocí a él, Jesuen el Price, él que tantos circos ha montado, cristo García, el verdadero Dios de Extremadura pero me da que lo nuestro es un amor extremo que se sacrificó por varias generaciones de y duro, eterno y angosto como algunos de humanos entregándonos su alma para que a los paisajes emocionales que describen sus través de su poesía encontráramos la redención. letras. En mi caso, empecé a beber de su En una época de lucha social, un ser considedulce embestida cuando apenas era un crío. rado marginal crecido al cobijo de encinas y Las primaveras nunca volvieron a ser igual, pantanos lanzaba mensajes de amor al mundo. siempre prestas a la psicosis de las canciones, Rock transgresivo lo llamaron. Gritos de rebeldía a desatar pulsiones que se quemaban con esparcidos como semillas de flores silvestres. La los rigores del verano. Robe vivía en cintas libertad de pensar y sentir como uno quisiera, de casette junto a Iosu Exkorbuto, a Natxo sin importar una mierda lo que los demás (el Cicatriz, a Fermín Kortatu, a Txetxu Parabellum, amplio conjunto de la sociedad) pudiera opinar. a Reincidentes, a Rosendo y a El Drogas. Sus Han pasado 30 años ya y esta figura de voz rota, dictados conformaron nuestra juventud rebelde apariencia enfermiza y cerebro privilegiado ha e inseminaron para siempre una conciencia resucitado (varias veces) y ha conseguido que crítica. Pero Robe además nos enseñó, probasus fieles sean legión. Su palabra ha llegado a blemente y sin desmerecer a nadie, más poesía casi todos los confines del mundo conocido -y que todos nuestros profes fuera de él, porque siempre ha en el instituto. Robe era y es cantado con un ojo mirando Extremoduro, un fenómeno al resto del universo-. Ahora inclasificable, o solo definible es una persona respetada en el pentagrama sentimental (mal que les pese a muchos) de cada cual. Robe se agarra a la que otorgan premios y le al corazón de todo aquel que abren templos (teatros, palaha cruzado el umbral de sus cios de congresos, auditorios) canciones y las ha habitado. que antes le daban con la Robe no es de nadie y es puerta en las narices. Sus amide todos. Su transgresión ha gos ya no están en la cárcel, caminado por encima de las ya no canta en contra de la nubes, ha saltado todas las hopolicía y su música agresiva gueras, ha subvertido todos los y sucia ahora se ve atempeórdenes lógicos de las cosas. rada por orquestas de cuerda Su legado se llama, simple y y acordeones. Pero cuando llanamente, libertad para hacer Robe canta entiendo la vida, la lo que te dé la gana. Porque, poesía toma verdadero sentido Bienvenidos al temporal de vez en cuando hay que pay el corazón se me expande rarse y gritar: ¡me la suda todo como con ningún otro artista. Robe Iniesta comparece en solitario por igual! Álvaro Vicente Sergio Díaz el día 28 en el Teatro Circo Price

en familia

BITELS PARA BEBÉS Teatro Español 17 y 18 de junio

OLIVERIO Y LA TORMENTA El Pavón Teatro Kamikaze Del 3 al 18 de junio

Cuatro músicos en movimiento (violín, violoncelo, saxo y percusiones) y una bailarina invitan a bebés y padres a formar parte de un cálido y emotivo homenaje a The Beatles. Este espectáculo de La petita malumaluga, una compañía especializada en creaciones dirigidas a bebés y primera infancia, es un concierto con sofisticados arreglos musicales, músicos experimentados, una cuidada escenografía y la interacción constante con los bebés. El público está alrededor del espacio escénico y los bebés se desplazan a su gusto y se integran en la propuesta acercándose a los músicos con absoluta libertad. Como en muchas culturas del planeta, experimentan la fuerza de las artes escénicas en comunidad. De forma libre, sin prejuicios. Y con la única voluntad de explorar desde el arte y disfrutar de la fuerza de la música en grupo, de la música en familia.

Oliverio y la tormenta nos acerca las peripecias vividas por dos entrañables amigos: Emma y Oliverio, el ratón robacalcetines. Oliverio es un roedor travieso y divertido, pero esta noche está algo inquieto. Ha llegado una tormenta y se ha ido la luz. Por el contrario, Emma parece disfrutarlo mucho, así que ayudará a su pequeño y revoltoso amigo a descubrir que, con un poco de imaginación, cualquier situación puede ser una estupenda oportunidad para pasarlo bien. De una cajita de música saldrán luciérnagas a revolotear por la casa, sonarán xilófonos, campanas y el ukelele de Emma. Contaremos cuentos, inventaremos canciones y bailaremos hasta olvidar el miedo y que solo queden las ganas de jugar. Si una de las mejores herramientas para combatir el miedo es el humor, Oliverio y Emma lo usarán para enfrentarse a la tormenta y la oscuridad que conlleva.

estrenos

Escritos en la Escena es una propuesta del Centro Dramático Nacional que plantea un modelo de escritura dramática en la que el autor desarrolla y finaliza el texto en el ámbito escénico, trabajando estrechamente con un grupo de intérpretes durante un tiempo determinado. El objetivo de este programa es llegar a elaborar textos dramáticos viables y aptos para ser exhibidos. Uno de los tres proyectos liderados por dramaturgos/as pertenecientes al Laboratorio Rivas Cherif de esta temporada 16/17 es este texto de Nieves Rodríguez Rodríguez, dirigido por Manu Báñez. La obra relata las vicisitudes de una familia de refugiados que debe abandonar su hogar por causa de la guerra. Sin embargo, la esperanza sigue morando en el fondo de sus corazones dejándoles contemplar la hermosura del nuevo mundo que se abre ante sus ojos.

LA PILARCITA Teatro Lara Del 21 de junio al 2 de julio

FOTO: MarcosGpunto

Tierra de oportunidades

POR TODA LA HERMOSURA Teatro Valle-Inclán Del 21 de junio al 2 de julio

La obra cuenta la historia de Selva y su enigmática pareja, Horacio. Ambos llegan desde la gran ciudad a un remoto pueblo extremeño en busca de un milagro. Se hospedan en un precario hotel regenteado por Luisa, la hija de los dueños, y Lucía, su amiga adolescente que borda día y noche en el patio del hotel para terminar su traje para la celebración de La Pilarcita. Cuando Selva comprende que, según la tradición, antes de pedir un milagro hay que ofrendar una muñeca creada especialmente para la ocasión, contrata a Lucía para que la ayude a confeccionarla. Mientras el pueblo entero se prepara para homenajear a la santita popular, Selva y Lucía trabarán una extraña amistad que cambiará sus destinos... ¿milagrosamente?

Ana, ¿tú sabes qué es el amor? Siento que llevo toda la vida perdiendo el tiempo. Escribiendo, pensando, hablando... sobre lo que significa amar y sobre quién soy yo, como ser humano, como individuo, a través del amor. Perdiendo un tiempo valioso que podía haber empleado en estudiar más, en aprender más sobre otras cuestiones, en haber tenido una vida distinta, más provechosa quizás a ojos de la gente. Pero me perdí en los vericuetos de los sentimientos y no he salido de ahí, convencido de que sólo puedo estar satisfecho conmigo mismo si estoy entregado al amor, a dejar una maravillosa huella en el corazón de aquellos que me rodean.

Francesco Carril dirige esta versión de la novela de León Tolstoi, la que es considerada su obra maestra. Una versión realizada por el dramaturgo alemán Armin Petras en la que ha desaparecido cualquier tipo de artificio y que se centra en las cuestiones fundamentales de la novela. Y es que Ana Karenina es un intento de definir y de mostrar lo que significa amar. Así lo entiende el propio Carril: “mi puesta en escena trata de ser una especie de investigación casi arqueológica sobre qué significa amar y de cómo nos comportamos cuando amamos. Escena tras escena, no se habla de otra cosa sino de qué hace el ser humano cuando ama y cuando

no es amado”. Y todo esto se lleva a cabo con un elenco joven, nombres que darán mucho que hablar en un futuro teatral cercano, con la gran Mamen Camacho al mando: Georbis Martínez, Andrea Trepat, Sergio Moral, Diego Toucedo, Gracia Hernández y Mateo Franco. Si Tolstoi, genio de la literatura universal, también perdía el tiempo en esto, es que quizás es un tema importante. Claro que él le supo sacar más partido que yo al asunto. S. Díaz

ANA KARENINA El Pavón Teatro Kamikaze Hasta el 20 de junio

BRIEFS Teatro Calderón Del 21 de junio al 9 de julio

¿Qué tienen en común un cowboy llamado Harry Clearwater, una choni en la pelu, un numerario del Opus, una dómina en El Corte Inglés, una pareja con un bulldog francés de Tucson (Arizona), una virgen muy dispuesta y tú? Algo que siempre está en boca de todos: el sexo. La actriz y directora Silvia de Pé lo deja bien claro desde el comienzo de este espectáculo que te follará la mente sobre un escenario. Y lo hará con mucho humor, mucho desparpajo y mucha poesía... sexual. Conoceremos las aventuras cómico-eróticas de cada uno de los distintos personajes a medida que vayan desfilando por el escenario haciéndonos cómplices de sus más oscuros deseos. Es un viaje al punto “G” de la risa y de la excitación.

SUCESO EN EL CONGRESO Teatro Reina Victoria Hasta el 2 de julio

La compañía australiana The Briefs Company, considerados por la prensa como una fusión entre el Circo del Sol y Ru Paul´s Drag Race, llega al World Pride Madrid 2017 con uno de los mejores espectáculos de cabaret burlesque para revolucionar nuestra ciudad. Siete chicos australianos con un cabaret de lo más canalla, aterrizan en Madrid con este fenómeno artístico que ha arrasado allí por donde ha pasado: Sídney, Londres, Nueva York... La función comienza como una fiesta en la que los siete artistas ofrecen un descarado e irreverente show de cabaret al que se unen otras disciplinas artísticas como números circenses, teatro físico, musical, drag, comedia y muchas sorpresas.

PUDOR Teatro Lara Sin fecha de salida

El país está pendiente de la votación en la que se decidirá quién será el presidente de gobierno. Se dan múltiples opciones de acuerdos entre partidos y hay hasta tres líderes que podrían alcanzar el puesto. El día anterior a la votación un famoso periodista reúne en el bar del Congreso a representantes de los cuatro principales partidos con el propósito de hacerles una entrevista. Acabada la reunión y cuando ya se disponen a marcharse, se dan cuenta de que uno de los políticos, el diputado Gutiérrez, permanece en el WC desde hace ya un buen rato... Antonio Prieto es el autor y director de esta comedia protagonizada por Agustín Jiménez, Sara Gómez, Antonio Prieto, Mar Abascal, Javi Coll, Javier Antón.

Motivos para creer

NINA Teatro Fernán Gómez Del 8 de junio al 2 de julio

Galardonada en 2003 con el Premio Lope de Vega y representada en Londres, París, Varsovia, Buenos Aires y Santiago de Chile regresa a España este texto de José Ramón Fernández. Nina es una historia capaz de contagiarnos la esperanza y el amor por la vida de unos personajes que, pese a hallarse al borde del precipicio, intentarán cambiar las cosas y renovarse. Nos trasladamos a un pueblo frente al mar para asistir al regreso, tras diez años de ausencia, de Nina al lugar. Su pretensión de pasar desapercibida se ve truncada cuando el dueño del hotel en el que está alojada, la reconoce y propicia a sus espaldas un reencuentro con Blas, un viejo amigo de su infancia al que su reaparición podría cambiarle la vida. Protagonizada por Muriel Sánchez, José Bustos y Jesús Hierónides bajo la dirección de Diego Bagnera.

La pareja según Fo y Ramé ¿Es posible el entendimiento en la pareja? ¿Se puede ser libre dentro de ella? ¿Y fuera de ella? Aquí el juego de ser marido y mujer, novios o enamorados, padres, esposos despechados, niños caprichosos o adultos frívolos se revela como un combate en el que las armas son los celos ridículos, las amenazas de suicidio y la incongruencia del discurso moderno sobre la vida matrimonial. Los burlones Franca Ramé y Dario Fo, y sus 50 años de matrimonio real y literario, teatral, saben muy bien de lo que hablan. Ellos hacen de esta obra ese juguete explosivo que es la comedia perfecta. La puesta en escena de Gabriel Olivares lleva mucho más allá la naturaleza de la obra, la redimensiona, profundizando en los aspectos más teatrales del texto. Víctor Ullate Roche y Carmen Conesa se transmutan aquí en Dario y Franca y a través de diversas canciones entenderemos mejor el complicado universo de las parejas.

PAREJA ABIERTA, EL MUSICAL Teatro Marquina Del 15 de junio al 23 de julio

regresan

FOTO: Javier Naval

La respiración Empezar de nuevo y volver al principio vital, el continuo movimiento que todos efectuamos sin ser conscientes pero que determina nuestra existencia, respirar... Dirigida por Alfredo Sanzol, con Verónica Forqué y Nuria Mencía. Teatro de la Abadía. Hasta el 25 de junio.

Incendios Mario Gas reúne a un reparto extraordinario en esta obra clave del siglo XXI escrita por Wajdi Mouawad que regresa para cerrar la temporada en el Teatro de la Abadía. Una tragedia contemporánea devastadora como el fuego. Teatro de la Abadía. Del 21 de junio al 16 de julio

La mentira Carlos Hipólito, Natalia Millán, Armando del Río y Mapi Sagaseta interpretan este tratado sobre la vida conyugal escrito por Florian Zeller y dirigido por Claudio Tolcachir. Un juego de mentiras con un final sorprendente. Teatro Maravillas. Desde el 9 de junio

Chefs

Este espectáculo de Yllana es una mirada divertida sobre el fascinante mundo de la gastronomía. La historia se centra en un chef de gran prestigio que ha perdido la inspiración y que tiene que confiar en un disparatado equipo de cocineros para crear una receta espectacular. Chefs sí que es verdadera cocina espectáculo y divertida. Teatro Alfil. Hasta el 30 de julio

intercity Reus por Ka Penichet

crónica Fira Trapezi 2017 Reus acogía la 21ª edición de la feria siendo este año capital de la cultura catalana y con Leandro Mendoza, un argentino afincado en Cataluña desde hace muchos años, recientemente elegido como nuevo director de la Fira. No me hizo falta una larga conversación para darme cuenta de la ilusión con la que ha tomado las riendas de este proyecto, sobre todo teniendo en cuenta su reciente proclamación. Fira Trapezi concentró la mayor parte de sus espectáculos en la calle. Casi el 80% de los mismos y la mayoría gratuitos, lo que consigue que tengan una afluencia masiva y sea necesario acudir con antelación para hacerte con un buen lugar para disfrutarlos. Los espectáculos de sala tienen un precio bastante asequible, por lo que me encontré con el cartel de ‘localitats exhaurides’ (localidades agotadas) en casi todo lo que fui a ver. En esta edición, la afluencia del público ha sido mayor que en las anteriores y los espectáculos no solo me han satisfecho a mí, sino que al finalizar cada representación el sentir popular era de gozo. Pude disfrutar de Udul (Grito largo de verdades incontrolables) de Los Galindos, un montaje intimista con momentos muy poéticos; Ni cap ni peus de Circ Vermut, un espectáculo descabellado de payasos y circo dirigido a un público familiar pero del que disfruté como una enana más; vi a los chicos de la compañía Eia y gocé de la música de los Boozan Dukes. Circ Pànic en coproducción con Trapezi presentó Mira T, un juego de miradas cruzadas con música en vivo que invitaba a la reflexión sobre la búsqueda del equilibrio en uno mismo. La primera jornada terminó con Invisibles

del Ateneu popular 9 barris, que fusionaba también música y circo (nunca fui partícipe de una ovación tan unánime y calurosa) y con Cabaret, una producción propia del festival con Circonautas, Joan Garriga, Oriolo, Arquetti y J. Martínez. Markeliñe abrió para mí la segunda jornada con Quijote, el vértigo de Sancho, montaje que Espera, de Circo Eia visitará la próxima edición del Festival de Almagro, donde la ilusión y la perseverancia cobran bastante importancia. Después asistí a El covador, un espectáculo montado por las Escolas de Circ Rogelio Rivel i La Carampa con la que terminé mi recorrido por la feria quedándome con las ganas de muchas otras opciones a las que no puede asistir. Sin embargo, abandoné Reus en un estado de felicidad plena y ansiosa por apuntarme a la siguiente edición, porque si con tan poco margen tras asumir la dirección Leandro Mendoza nos ha satisfecho tanto, no quiero imaginar las propuestas contemporáneas con las que nos sorprenderá el próximo año.

intercity Cáceres

28 Festival de Teatro Clásico de Cáceres

El festival, que este año se celebrará del 15 de junio al 2 de julio, tiene a la figura de Cervantes como eje central de su programación con 5 montajes alrededor de sus obras o personajes. Durante más de dos semanas, la ciudad monumental, con la plaza de San Jorge y las Veletas como escenarios principales con su extensión en el Gran Teatro, reúne algunos de los montajes más destacados de la escena clásica española. La sección principal de este encuentro teatral, Escena Clásica, ha programado quince espectáculos abriendo la programación el 15 de junio La novia de Don Quijote, un montaje en torno al personaje de Dulcinea. Los otros cuatro montajes relacionados con Cervantes serán Don Quijote en la Patera (25 de junio. Foto central), uno de los espectáculos concebidos para el público infantil; la comedia El rufián dichoso (24 de junio); Soñando a Cervantes (30 de junio), un recorrido por el autor y sus personajes; o la histórica El cerco de Numancia (29 de junio. Foto der.). Estos dos últimos montajes de Teatrapo y Verbo Producciones, respectivamente, mostrarán este año el talento extremeño junto a Amarillo Producciones con su Don Juan Tenorio (21 y 22 de junio); y Morboria con El lindo don Diego (23 de junio). El otro foco de atracción del festival es la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC), que vuelve a Cáceres en coproducción con el grupo Micomicón.

Ambos han montado La judía de Toledo (1 de julio. Foto izq.), una pieza poco conocida de Lope de Vega dirigida por Laila Ripoll. La hermana menor de la CNTC, la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico, acude también al festival presentando otra obra de Lope, Fuenteovejuna (16 de junio), una obra que todavía puede verse hasta el 11 de junio en el Teatro de la Comedia de Madrid. Calderón hará acto de presencia también gracias a la versión de La vida es sueño (18 de junio) que ha concebido la compañía zaragozana Teatro del Temple. Mientras que La Celestina (2 de julio), llegará de la mano del grupo andaluz Atalaya. Shakespeare es uno de los ineludibles del festival y dos montajes lo demostrarán: Medida por medida (25 de junio); y Ricardo III (17 de junio), dirigida por Eduardo Vasco. El 16 de junio podremos deleitarnos con la música con piezas cantadas de los siglos XV al XVII, que presenta el conjunto Cámara Antigua. Otras actividades a tener en cuenta serán las representaciones de las escuelas Maltravieso Teatro y Escuela Superior de Arte Dramático de Extremadura, el recorrido Leyendas del caballero, la exposición dedicada al vestuario en el Museo de Cáceres, la programación familiar, el curso El laboratorio del clásico o las dos películas que programará la Filmoteca de Extremadura. www.granteatrocc.com

intercity Valencia

festival Tercera setmana Del 8 al 18 de junio tendrá lugar en la capital del Turia la segunda edición del Festival de Artes Escénicas Tercera Setmana, que vuelve a tener a Salva Bolta como director artístico y que, como principal novedad, tendrá este año extensiones en las otras dos capitales de la comunidad, Alicante y Castellón. Teatro, danza, circo, música, talleres, artes de calle, encuentros profesionales... el festival crece con la presencia de 44 compañías en 11 salas y 12 espacios abiertos, para ofrecer un total de 60 representaciones. Sin duda, una excusa ideal para hacer una visita al Pais Valencià, que está viendo como las artes escénicas se revitalizan en los dos últimos años tras los esperanzadores cambios políticos. Algunos platos fuertes del festival llegarán de la mano de profesionales y compañías bien conocidas como Alfredo Sanzol, que presentará La ternura; Pablo Messiez, que estará con Todo el tiempo del mundo; Marcos Morau, que dirige Oskara con la compañía Kukai Dantza; Oriol Broggi y La Perla 29, que estrenan Un obús al cor, de Wajdi Mouawad; el Teatre Lliure de Barcelona con Una dona no reeducable, dirigida por Lluis Pasqual; La Hongaresa de Paco Zarzoso, con Ultramarinos; Martes de Carnaval, de Valle-Inclán, a cargo del Centro Dramatico Galego; Dystopia, de Güiro Meets Russia; José Martret al frente de la compañía de Roberto G. Alonso, dirigiendo La fragilitat dels verbs transitius; La Phármaco, con Resaca; Pablo Remón,

FOTO: Vanessa Rabade. Imagen de la obra Todo el tiempo del mundo

que dirige Barbados, etcétera; Pérez & Disla, con Carinyo, que se podrá ver en Castellón, igual que La extinta poética, de la compañía 9 de Nueve, con texto y dirección de Eusebio Calonge y Paco de La Zaranda; o Trío, de Zircó Producciones, que estará en Alicante. A este ramillete de interesantísimas propuestas hay que añadir la veintena de montajes que se verán en espacios no convencionales o de calle, que convertirán las tres ciudades valencianas en una fiesta de las artes escénicas durante los 10 días que dura un festival que, sin duda, se consolida en el mapa escénico español y que esperamos que siga así durante muchos años. Se puede consultar toda la programación con detalle en su web: www.tercerasetmana.com

impulsos impagables Álvaro Vicente

Emprendescena 2017 Nueva edición del programa de apoyo al emprendimiento en artes escénicas de Factoría Cultural / Vivero de Industrias Creativas. En colaboración con la Academia de las Artes Escénicas de España, el Centro Dramático Nacional, la Compañía Nacional de Danza, el Teatro de La Abadía, los Teatros del Canal, el Teatro Circo Price, la compañía Yllana, el Teatro Real y el Teatro Español, Emprendescena busca impulsar iniciativas emergentes que parten de una idea innovadora para convertirse en modelos de negocio sostenibles. Hablamos a continuación de los proyectos becados este año y avanzamos que la Jornada Profesional este año tendrá lugar en Naves Matadero el 22 de junio, con dos mesas redondas que girarán en torno a la Innovación en las artes escénicas y a la Función, uso e interés de los espacios públicos en el apoyo a la creación e investigación contemporánea. Más info en http://factoriaculturalmadrid.es

METIDOS EN OBRAS Iniciativa capitaneada por Carlos Lorenzo (en la foto) que pretende dar soporte y asesoramiento a las nuevas compañías de teatro, sobre todo a las de pequeño formato, que siempre lo tienen más complicado a la hora de abrirse camino. Sin duda, una tutela que hará que los productos artísticos finales sean más dignos y talentosos.

EL DIMINUTO TEATRO SOBRE RUEDAS Una vieja caravana rescatada del desguace se convierte en teatro ambulante, para representar espectáculos de pequeño formato para todos los públicos. Este es el proyecto de Silvia Pereira Baides, concebido como un espacio diminuto para un impacto gigante. Un teatro con ruedas, casi con alas, que viaje, que provoque a participar y disfrutar.

AMÁS ESCENA Propuesta que aspira a promocionar la cultura y el arte como herramienta de acción y cambio social, ofreciendo recursos para maximizar la inclusión de personas con discapacidad intelectual. Esta iniciativa, liderada por Allende López, se enmarca en el trabajo pionero de integración que viene realizando el Grupo Amás desde hace 40 años.

MOVE Cristina Tejada y Elena López abanderan este proyecto que promueve las artes escénicas para públicos plurales desde los procesos colaborativos y la acción social y educativa. Nace en 2015 con intención de convertir las artes escénicas en herramienta de transformación social, sobre todo a través de laboratorios de creación colectiva.

NU CA: FESTIVAL INTERNACIONAL DE NU CABARET Roma Calderón lleva desde 2015 gestando este festival, al tiempo que funda la Red Internacional de Festivales de Cabaret. Este festival aspira a dar cobijo, aunar y dar visibilidad a estos proyectos de cabaret de vanguardia, una experiencia lúdica y transformadora para el público.

ESZENIT Eszenit es un festival multidisciplinar que apuesta por reconciliar a Madrid con su cielo, abriendo las azoteas de la ciudad al disfrute comunitario de las artes en vivo. Se trata de activar, en distintos barrios y distritos, estos espacios privilegiados, hasta y infrautilizados o restringidos, y convertirlos en nuevos escenarios y teatros.

CREATI MAGIG SPACES 4D AR Creati es una agencia especializada en nuevas tecnologías audiovisuales inmersivas e interactivas aplicadas a eventos, divulgación y comunicación. Con este proyecto quieren seguir profundizando en la creación e instalación de espacios donde la imagen y el audiovisual actúan creando variedad de formatos 4D y realidad virtual.

cómicos por Jorge Gª Palomo @jorgegpalomo

Marta Flich

“Mi sueño es ser feliz, así de imbécil soy” Sí, la has visto una y mil veces. En las redes. En escena. Es ella, Marta Flich, que cuenta las cosas para que las entienda todo el mundo. Y logra que te rías. Y que pienses. Y que seas crítico. Y todo con su característico humor gamberro, sin filtros. Triunfa con sus vídeos en el Huffington Post, colabora en la divertida locura de ‘Solocomedia’ y se ha sumado a la irreverente nave de Mongolia. Marta Flich cotiza al alza. Y si le dicen ven, a lo mejor va. O no. ¡Bienvenida a Godot!

¿Quién es Marta Flich? A nivel personal soy una persona tranquila que disfruto con pequeñas cosas. A nivel profesional soy una persona caótica e incendiaria que trata de transmitir pequeñas descargas de realidad complejas de una forma sencilla. ¿Qué te dicen a tu alrededor? ¡Molas mucho! Mi familia disfruta viéndome crear y crecer, recibo buen ‘feedback’ de la gente, entretengo, gusto, me odian otros, supongo. Mi abuela tiene miedo a que me metan en la cárcel y tiene miedo a la tercera guerra mundial. Ese sería un poco el resumen. ¿Vivimos tiempos de apogeo del humor pese a los

ofendidos por todo? ¿Cotiza alto el buen humor? La gente es maravillosa y tenemos una paciencia y un estómago… así, en general, demasiado profundo. Para toda la situación terrible que estamos viviendo, demasiado buen humor le pone la gente. El ser humano es un valor en alza. El humor es necesario para la supervivencia. Si como cómica no dejo indiferente, vamos bien. Como experta en economía ¿cómo logras encontrar el lado hilarante de la vida? Créeme que me cuesta y determinados temas sensibles... más. Mi comedia es como dar un empujón a la conciencia. A veces, en la literalidad está la comedia. Simplemente en

Periodista en diferentes medios, propone un test ameno para cómicos de aquí y allá, gente lúcida que reivindica la risa como arma de construcción masiva.

contar de verdad lo que está pasando. Pero admito que no es fácil. Huffington Post y el periodismo son... Diversión, trabajo, responsabilidad, honestidad, respeto. Solocomedia, Mongolia... ¿Quién está peor de lo suyo? (Risas.) Verás, en ambos proyectos he encontrado una inspiración tanto en lo personal como en lo profesional. Son personas extraordinarias y unos fuera de serie. El humor para Marta Flich es... Una forma de ver la realidad. El teatro y la cultura son... Imprescindibles. Vitales. ¿Qué noticia te gustaría dar y por qué? Que no muere nadie por una causa no natural. Porque me gusta la vida. ¿Qué más le inspira a Marta Flich? El mundo y todo lo que ocurre en él. Sobre todo, me inspiran las personas y cómo nos relacionamos con ese mundo. ¿Cómo fue tu primera vez… en escena? Nervios. Inseguridad. Pensar: “Joder, me quiero ir a casa. Volveré a la banca y no volveré a pasar por este momento”. Así que

sigo subiendo a escenarios. ¿Qué y quienes te hacen reír? Me hace reír la comedia que refleja la realidad. Aquella en la que se ve cierta mediocridad del ser humano. Me río de mí misma y me gusta ver a los cómicos que hacen de la desgracia un chiste. Me parece fascinante, inteligente y saludable. ¿Nombres? Imposible, soy un desastre y me dejaría fuera al más importante, seguro, y me daría golpes contra la pared al verlo publicado. Y no queremos que me dé golpes contra la pared, ¿verdad? (Quiero que el lector sea consciente que estoy contestando a esta entrevista a las 10 a.m. No es fácil.). Un momento inolvidable de tu vida fuera de los escenarios. Una vez estuve casada. Un sueño de futuro. Ser feliz. Así de imbécil soy. ¿Dónde podemos localizarte? Ojalá te pudiera contestar a eso. Tengo cosas. Todas en el aire. Me voy por los pueblos a hablar de economía. En mi Twitter se me caza en todo. (Apuntad: @martaflich). Un mensaje para los lectores de Godot y teatreros del mundo. Sed auténticos, reíd, jugad, sentid.

Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com