4to. Evento Regional de Directores de Puesta en Escena by Carlos Alberto Ricchetti

Alonso Marulanda Álvarez - Carlos A. Castaño Rafael O. Caro Isaza - Norma Castillo Carlos A. Ricchetti -Juan C. Londoño Rosa E. Giraldo Franco - Luís Grajales Paola Suárez - Yineth Suárez Héctor Sabogal - Octavio Amaya

4to Encuentro Regional de

DIRECTORES DE PUESTA EN ESCENA Realizado en la ciudad de Pereira, Risaralda, Colombia, los días 7 y 8 de octubre de 2015

A la memoria de Francisco Martínez y Farley Velázquez, en permanente homenaje, con la maravillosa ilusión que nos acompañan desde la Gloria Teatral.

INDICE Prólogo

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Programación del 4to. Encuentro Regional de Directores de Puesta en Escena

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NATURALEZA Y TEATRO Lo Verdadero, lo Bello y lo Bueno. Por Rafael Orlando Caro Isaza

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EL TEATRO COMO CAPILLA PARA LAS EMOCIONES Y EL DELIRIO. Por Rosa Elizabeth Giraldo Franco

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CUANDO EL TEATRO DEJA DE SER ARTE. Por Alonso Marulanda Álvarez

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LA LUCIDEZ Y EL ACTOR Por Carlos Alberto Ricchetti

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EL TEATRO COMO REUNIÓN Y SINTESIS DE LAS ARTES Una Propuesta para la Paz. Por Norma Castillo Ramírez

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EL TEATRO Y LA LITERATURA Aproximaciones a una lectura dramática del “ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha”. Por Juan Carlos Londoño Grueso

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EL TEATRO COMERCIAL Lo Ligero y Entretenido. Por Carlos A. Castaño

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EL ACTOR Y LA CONCIENCIA SOBRE SU CUERPO. Por Paola Suárez, Luis Grajales y Yineth Suárez

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…Y EN SOLO DOS DIAS FUE RECREADO EL TEATRO… Ponencias de Octavio Amaya Y Héctor Sabogal

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Documentaci贸n Anexa

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Conclusiones y Reflexiones

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Pend贸n oficial del 4to. Encuentro Regional de Directores de Puesta en Escena

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PROLOGO El mayor mérito que se le debe al 4to. Encuentro Regional de Directores de Puesta en Escena, es haber tenido el valor y la entereza de recuperar los viejos valores del teatro, del arte dramático, de la expresión plástica, como evidencia de los sentimientos, las emociones o la elevación del espíritu humano. En tiempos donde la mediocridad, la desnaturalización de la cultura, pretende camuflarse en la falsa consigna de fundirse en lo popular, emergen figuras como la de Alonso Marulanda Álvarez, la Asociación Teatral Blanco y Negro y tras él, un incipiente grupo de mujeres y hombres de todas las edades consientes de hacer cuanto debe realizarse. La falta de interés por las distintas artes, el desconocimiento alevoso de sus protagonistas, algunos laureados en el extranjero, lejos de brindar apoyo dan a entender la existencia permanente, continua, de un atentado furioso contra todo aquello capaz de vulnerar la arquitectura de la decadencia y la degradación. A esta situación desesperada, es menester agregar la figura de los disociadores internos. No, quienes anteponen el beneficio de los dividendos a la calidad, lo profundo de una presentación. Esos son de conocimiento público. Sino los que no conformes con tener el tupe de cometer la falacia de señalarse como “artistas”, traicionan a sus propios compañeros a cambio de prebendas otorgadas con desprecio, destruyendo los escasos espacios donde la creatividad pretende sobrevivir. El teatro actual, el verdadero, el encargado por su voluntad de transmitir la esencia de lo que otros intentan silenciar, temerosos de virar un solo milímetro el rumbo de la estructura social funcional a su lucro, enfrenta una lucha desigual, tal como esboza una de las conclusiones de los presentes al final del evento. Frente a la carencia de recursos alarmantes, las posibilidades exiguas de concretar, dar financiamiento a una actuación, se opone la tenacidad, la pujanza de aquellos que tienen el orgullo de resistir, pero en la esperanza de seguir insistiendo dentro de los cánones de una prédica generadora de demanda, igual al grito del hombre pidiendo paz, trabajo, libertad, dignidad por sobre todas las cosas de la Tierra. Un clamor de tamaña magnitud, que ni los oídos más mezquinos podrían omitir. En esa fe, bajo la inapelable confianza hacia la bondad dentro de cada ser humano, la cual según esa conciencia se impondrá de manera definitiva en el corazón cada ser humano, es la que motiva a hombres de la talla de Alonso Marulanda a cumplir con dicho destino impostergable. Su obra cumbre, la Asociación Teatral Blanco y Negro, la cual para el tiempo de la realización del evento se encontraba cumpliendo los primeros veinte años, ni la excelencia de los montajes llevados a cabo con tanto perfeccionismo, tuvo el mismo valor de este 4to. Encuentro Regional de Directores de Puesta en Escena. Sin omitir los esfuerzos, la responsabilidad, el desgaste físico, mental y moral de hacer demasiado con tan poco, el mérito más valioso de Alonso Marulanda Álvarez fue la capacidad de “abrir el juego”, facilitar el accionar artístico genuino desde el desinterés personal, hacia el pueblo, la posteridad, como enseña el manual inédito de los verdaderos artistas. Recrear el teatro, desde el hecho de tomarse el trabajo para convocar, llamar a los mejores exponentes en su especialidad, encontrarse entre todos en el acuerdo tácito de unirse a volver a beber de las fuentes, con el desinteresado fin no sólo de recuperar conocimientos, formulaciones perdidas. Más bien, a redescubrirse, evitando que las brumosas tinieblas de un camino pergeñado de antemano, puedan hacerle perder el rumbo a la mayoría. Carlos Alberto Ricchetti 1

PROGRAMACIÓN DEL 4TO. ENCUENTRO REGIONAL DE DIRECTORES DE PUESTA EN ESCENA Primer Día Primera Sección - 7 de octubre 8.00 Apertura. Lectura de la programación de los dos días del encuentro. Entonación de las estrofas del Himno Nacional de Colombia Idem del Himno de Pereira Informe al público presente de la constitución de una Comisión Redactora, encargada de compilar las alternativas del evento, conformada por la Licenciada en Español y Literatura, Norma Castilla y el periodista, Carlos Alberto Ricchetti. Bienvenida y agradecimiento a las directivas del Instituto Municipal de Cultura y Fomento al Turismo, colaboradores e integrantes de su equipo de trabajo; al director ejecutivo de la Corporación “Espacio en Blanco”, Doctor Guillermo Gamba; a su presidente, Doctor Roberto Meneses. Queremos agradecer también a Samuel Julio, de la dirección nacional de la Corporación “Nuevo Arco Iris de la Ciudad” de Bogotá y por último a todas las instituciones que posibilitaron y hacen parte 8.22 Palabras del Señor Gerente del Instituto de Cultura y Fomento al Turismo de la ciudad de Pereira, Doctor Álvaro Trujillo. 8.40 Palabras del Señor Coordinador General del 4° Encuentro Regional de Directores de Puesta en Escena y Director de la Asociación Teatral “Blanco y Negro”, Alonso Marulanda Álvarez. 9.00 Primer ponente: Carlos Castaño. Actor, activista social. Licenciado en educación y especialista en cooperación internacional. Artista y Gestor Cultural. Gerente de la CORPORACIÓN INTERCONTINENTAL PARA EL DESARROLLO HUMANO, actualmente vinculado a procesos artísticos con la Asociación de Teatro Blanco y Negro. Aborda el tema: “El Teatro Comercial: Lo Ligero, Entretenido y la Mortalina de lo Convencional”. 9.15 Debate. 9.45 Segundo Ponente: Rafael Orlando Caro Isaza. Actor, director, coreógrafo y bailarin. Abordará el tema: “Naturaleza y Teatro” (Lo Verdadero, Lo Bello y lo Bueno). 10.00 Debate. 10.30 Refrigerio.

11.00 Tercer Ponencia a cargo de Norma Castillo. Actriz. Licenciada en Español y Literatura. Activista social y defensora de derechos humanos en el área del derecho adquirido de las mujeres. Aborda el tema “El Teatro como Reunión y Síntesis de las Artes”. 11.15 Debate. 11.30 Evento lúdico musical a cargo de la cantautora Luz Helena Cardona 12.00 Almuerzo.

Segunda Sección - 7 de octubre 2.00 Reinicio. Presentación a cargo de Alonso Marulanda Álvarez de la Cuarta Ponencia a cargo de Carlos Alberto Ricchetti. Actor, periodista, director general del diario virtual “El Politicón de Risaralda”, cantautor, escritor y poeta, con el tema: “La Lucidez y el Actor”. 2.30 Debate. 3.00 Quinta ponencia por parte de Juan Carlos Londoño. Director de teatro, sociólogo e historiador. Abordará el tema: “El Teatro como proporcionador de Trozos de Vida”. 3.15 Debate. 3.45 Refrigerio. 4.15 Agradecimientos y palabras de clausura de la jornada por parte de los organizadores. 5.00 Agradecimientos y Cierre del Primer Día.

Segundo Día Tercera Sección - 8 de octubre 8.00 Apertura. A continuación se hace una lectura de la programación del día de hoy. Entonación de las estrofas del Himno Nacional de Colombia. Idem del Himno de Pereira. Así mismo se vuelve a informar al público presente, que el evento tendrá una comisión redactora, encargada de compilar las alternativas del mismo, conformada por la Licenciada en Lingüística y Literatura, Norma Castillo y el periodista, cantautor, escritor, poeta argentino, Carlos Alberto Ricchetti. 3

8.22 Sextos ponentes: Luis Grajales, Paola Suarez y Yineth Suárez, jóvenes estudiantes de la Institución Educativa “Hugo Ángel Jaramillo”, una experiencia significativa de ciudad. Abordan el tema: “El Actor y la Conciencia sobre su Cuerpo”. 8.52 Debate. 9.30 Septima ponencia a cargo de Héctor Sabogal. Actor. Egresado de la Escuela del Instituto Municipal de Cultura y Fomento al Turismo, participante de diversas obras, especialmente en la modalidad de teatro callejero. Abordará el tema: “El Teatro que no dice nada” (Corregir antes de que sea demasiado tarde). 9.45 Debate. 10.15 Refrigerio 10.45 Octava ponencia: Alonso Marulanda Álvarez. Actor. Coordinador General del 4° Encuentro Regional de Directores de Puesta en Escena y Director de la Asociación Teatral “Blanco y Negro”. Se refiere al tema: “Cuando el Teatro Deja de Ser Arte”. 11.10 Debate. 11.40 Espacio lúdico - musical con el maestro acordeonista, Jaime Duque López 12.00 Almuerzo

Segundo Día Cuarta Sección - 8 de octubre 2.00 Reinicio Presentación de la novena ponencia a cargo de Octavio Amaya. Actor, director del grupo de títeres “El Búho Mágico”, experiencia significativa con los niños de la ciudad. Expondrá el tema: “Los Títeres son Niños”. 2.30 Debate. 3.00 Sexta y última ponencia del día 7, a cargo de Rosa Elizabeth Giraldo Franco. Actriz y gestora cultural. Abordará el tema: “El Teatro como Capilla para las Emociones y el Delirio”. 3.15 Debate. 4

3.45 Refrigerio. 4.15 Conclusiones del 4to. Encuentro Regional de Directores de Puesta en Escena. 4.30 Discurso de despedida. 5.00 Agradecimientos y Clausura del Evento.

NATURALEZA Y TEATRO Lo Verdadero, lo bello y lo bueno

Escribe: Rafael Orlando CARO ISAZA* El Realismo en teatro presenta un lenguaje cotidiano y familiar y sus personajes no sólo hablan en forma natural, sino que poseen una psicología de seres comunes; sus acciones se asemejan todo cuanto se pueda a las acciones de la gente real. El Naturalismo, como tendencia literaria, implica otros principios más Así fue el diseño de la invitación a la ponencia del evento complicados, basados en teoría científicas que que incluso varios medios catalogaron como “académico”. aparecen en aquella época, y afecta más a los temas y al tratamiento de personajes y acciones. Considera el Naturalismo que los seres humanos están gobernados por leyes de la herencia y por influencia del medio; de un modo inexorable están condicionados sin remisión; cada hombre o mujer es lo que es debido a su herencia biológica y al medio en que se desenvuelve. Los máximos exponentes El autor precursor del naturalismo, e incluso del Expresionismo del siglo XX, fue el alemán Georg Büchner, que en 1836 escribe una obra, “Woyzeck”, sobre la vida de un mísero soldado que termina asesinando a su mujer. En Noruega nace uno de los más grandes dramaturgos de esta segunda mitad del siglo XIX, Henrik Ibsen equilibrada de fuerzas psicológicas. La obra maestra de Ibsen es “Casa de muñecas”. August Strindberg, dramaturgo sueco. Tuvo una vida turbulenta, con repetidos divorcios e intentos de suicidio. De sus obras, la que sigue completamente viva en el repertorio de los teatros internacionales es “La señorita Julia”, estrenada en 1888. André Antoine El Teatro Libre de Antoine era el verdadero escaparate del Realismo y fundó el modelo de teatro experimental que luego se seguiría en el resto de Europa y en Estados Unidos. Supuso una renovación en la forma de interpretar, pues hizo que los actores hablaran y se movieran como seres humanos reales, eliminando algunas convenciones estereotipadas, como la norma de no dar la espalda al público. Utilizaba decorados realistas, con muebles reales de la época, sin usar bambalinas ni telones. Por desgracia su trabajo resultó un fracaso económico, aunque un gran triunfo del teatro, pues su proyecto logró encontrar una forma De izquierda a derecha, los actores Al Pacino, Jack Nicholson realista de representar, humanizó la actuación, y Robert De Niro, representantes de la citada escuela. estimuló la creación de nuevos dramaturgos y 6

creó la idea de los conjuntos actorales, en contra de la figura individual del gran actor rodeado de mediocridades sin coordinación. En Rusia, el Realismo se convirtió en teatro psicológico con la obra de Antón Chejov, cuyo éxito es inseparable de la fundación del Teatro del Arte de Moscú por Stanislawsky y Dachenko. Otros realistas cuya obra también está ligada a este extraordinario estudio de Tolstoi y Máximo Gorki. El fundador, Constantin Stanislawsky llamaba la “verdad interior, la verdad del sentimiento y de la experiencia”. .El Teatro del Arte de Moscú, consigue que Antón Chejov, que había fracasado anteriormente con su obra “La gaviota”, se convenciera de seguir escribiendo para el teatro, y así surgieron obras maestras del drama como “El tío Vania”, “Las tres hermanas” o “El jardín de los cerezos”. En sus obras no se produce el conflicto de héroes o heroínas, sino que la historia parte ya de un conflicto en el que esos héroes y heroínas han sido ya derrotados; no luchan, sino que se abandonan a un destino ya cumplido; la obra desarrolla esa derrota vital de los personajes. .En Inglaterra, en la década de los años 1890, aparecen dos dramaturgos realistas de importancia. Oscar Wilde cautivó al público londinense con sus comedias de alta sociedad, llenas de ironía, en las que manejaba como nadie un lenguaje cínico y elegante; escribió cuatro comedias cuya culminación fue “La importancia de llamarse Ernesto”. Teatro El Realismo español está representado por las obras teatrales de Benito Pérez Galdós, que a veces son adaptaciones de sus novelas, y por Echegaray, que obtuvo el Premio Nobel , y que fue un autor de éxito en su momento, pero hoy poco considerado. En esta época encontramos grandes actores que brillaron en los teatros europeos de finales del siglo XIX, como la actriz Rachel, especialista en las tragedias clásicas francesas, que viajó en constante éxito por Europa y EEUU, hasta su muerte a los treinta y ocho años. Sarah Bernhardt, cuya fama llega hasta nuestros días, triunfaba en Francia como actriz trágica. Encontramos grandes actores y actrices en Italia, como Adelaida Ristori y Tommaso Salvini. Pero pronto se impondrían los conjuntos o grupos de actores adscritos a un teatro, como el formado en el “Burgtheater” de Viena, donde reinaba sobre todo la actuación de conjunto. Quien desarrolló esta idea plenamente fue el Duque de Meiningen, quien después de ver el trabajo del actor inglés Charles Kean y los

La cantautora Luz Helena Cardona y el escritor Alexánder Granada Restrepo, “Matusalem”, invitados de lujo en el encuentro. 7

trabajos del Burgtheater vienés, fundó su propia compañía, que no estaba formada por actores distinguidos. Sus actores representaban indistintamente papeles principales y pequeños, realizando largos y minuciosos ensayos. Destacó también como diseñador y escenógrafo, dotando de valor y equilibrio a todos los planos de la representación. El conjunto Meiningen realizó giras por toda Europa, desde Londres a Moscú, e influyó en la creación de otras escuelas de representación semejantes. El mismo Stanislawsky reconoció siempre cuánto influyó este conjunto alemán en su obra. *Actor, director, coreógrafo y bailarin.

EL TEATRO COMO CAPILLA PARA LAS EMOCIONES Y EL DELIRIO

Escribe: Rosa Elizabeth GIRALDO FRANCO* El significado del teatro como capilla para las emociones y el delirio se hace realidad en la medida en que nosotros como actores de cada movimiento, cada sentimiento, seamos capaces de entender que nuestro cuerpo y nuestro espacio en el que nos vamos a mover es como un santuario, como la cueva para los muiscas, como mezquita para los islamitas. Renunciemos a toda esa basura globalizante que ha pretendió entrar al universo escénico, y robarnos la paz, la tranquilidad, la sabiduría, busquemos mas en nuestro territorio, emprendamos todas y todos un hermoso y fascinante viaje hacia nuestro mundo interior, para el bien de el porvenir del arte teatral y para que así no se pierda, la pertenencia, la identidad y este se haga presente en nuestros territorios teatrales y para que nuestro teatro no sea tan exageradamente frágil, mediocre y pobre; no olvidemos que es del espíritu del cual bebemos, de ella proviene la fuente que ilumina, fortalece y nace nuestra creatividad, y no olvidarnos de dónde venimos y saber hacia dónde dirigirnos de la mano de nuestras niñas, nuestros niños y adolecentes que son nuestra razón de ser. En este tiempo de globalización se perdió, se difumino los valores, como la sencillez, la humildad, como fundamento de vida por las posturas arribistas nos han hundido en la desolación y la desesperanza, aboguemos por un teatro de contenidos sociales sin apartarnos de la estética; lo hermoso y lo puro.

El gerente del Instituto de Cultura y Fomento al Turismo, Doctor Álvaro Trujillo, se dirige a la concurrencia para dar inicio al evento.

Esca rapela oficia l corresp ondien te al 4to. Encu en tro Regional de Directores de Puesta en Escena, realizado en 2015. 9

No todo puede volverse un vulgar lucro, pensarnos en que es hoy realmente necesario para nuestro público y para nuestro teatro, porque hasta donde he comprendido el arte teatral debe ser una propuesta, una ofrenda, un ritual, un desnudar el alma; para armonizar y representar la vida partiendo de este postulado nos queda una claridad que el teatro que se viene haciendo en nuestro departamento no posee este eslogan, no pretendemos ubicarnos en el territorio de las nostalgias o para algunos en el escenario del resentimiento, pero si añoramos tiempos donde los sujetos teatrales vibrábamos en el encanto de lo cotidiano, lo sencillo, lo natural, que haga transformaciones reales en nuestro interior y en el de todos aquellos que ven nuestro trabajo, hagamos que cada trabajo sea un deleite para el actor, para el espectador de lo que acontece en el universo social y así nos sentimos y creemos que estamos aportando a la sociedad para que está cada vez más sea mejor y nueva; hasta allí he comprendido que debe ser la misión del arte social, de un arte comprometido.

Aquí estoy yo, Aquí estoy yo, que vengo de tantas partes a un solo punto. Que he sido relleno de actos culturales donde se me ha utilizado y por necesitado me he dejado utilizar. Aquí estoy yo justificando el sueldo fijo, sueldo alguno de un funcionario disfuncional. un sándwich, un cuartico de jugo, agua mineral. ¡Vengan a ver a los artistas, Malabaristas, poetas, cantores, actores, vengan señores!_ Aquí estoy por necesitado, quiero recitar, aquí voy por necesitado, quiero, me dejo utilizar. El funcionario contento, lleno de gozo no deja de pavonear llegan los medios, y van a publicar… ¡Ahora sí hay política cultural ! yo salgo por otro lado, tengo que ir a una oficina… Gracias tenga poeta su diploma, su número ? Lo llamaremos. ¡Muchas gracias! Mire , salió por TV. adiós. Aquí estoy yo me da vergüenza decir esto, que ellos me utilizaron y me dejé utilizar que acepté limosnas que no quiero implorar. Ellos saben que es eso y saben utilizar… Sobre todo al que no sabe, al que necesita y se deja utilizar.

*Es actriz y gestora cultural

CUANDO EL TEATRO DEJA DE SER ARTE

El director de la Asociación Teatral Blanco y Negro y coordinador del encuentro, expone frente a una audiencia que lo sigue con atención. Siempre he manifestado y aun lo sostengo que la buena intención no basta, que esta no es suficiente, esto no te salva , si tenemos Escribe: presente que los medios de producción Alonso sostienen y han despreciado el teatro por MARULANDA ÁLVAREZ* considerarlo una disciplina poco rentable en materia económica, y de entrada esto ya le impone al teatro ciertas limitaciones para quienes pretenden dedicarse al hecho de hacerlo realidad, esta situación me induce a decir que es por esto que existe un teatro complejo, espeso y denso, y que algunos lo hemos denominado el teatro arte y existe la otra orilla la otra forma de teatro que la hemos denominado el teatro ligero, comercial y circense es decir el teatro perfume, fragancia que se va, se esfuma y nada deja en el universo humano, quiero aclararlo un poco más es el teatro ajeno a los problemas de las ciudadanías es decir es el ejercicio teatral sin un musculo social, y en los últimos tiempos esto abunda en nuestro medio, nada que ver con la primera categoría enunciada en el presente escrito, que propone procesos de estudio análisis investigación juiciosa y son estos postulados los que producen la crítica y la autocrítica, se desarrolla la memoria la imaginación que nos conducen a un teatro limpio si plajios capaz de hacer ver inclusive a una tragedia entretenida esto producto de la indagación y del estudio honrado dejando como insumo el teatro de la verdad, lo otro es un ejercicio teatral entretenido y efímero, no hay nada más urgente hoy que en el medio teatral se visibilicen hechos reales lógicamente con dimensiones estéticas dadas las coyunturas que vive la nación colombiana, debemos la gente de teatro persistir en un mandato por el arte como lo postulara Jorge toro “como un derecho fundamental” dadas las circunstancias de quienes hemos hecho teatro en medio del conflicto y que hemos reprochado los comportamientos del poder frente a las inmensas mayorías, Nosotros los hombres y mujeres del teatro de alguna manera también hemos estado en el territorio de la resistencia y nuestras dimensiones tienen unas connotaciones, unos alcances profundamente pacifistas y de un largo 11

aliento que deberíamos denominar y protocolizar un calificativo que los artistas debemos llama “LOS QUIJOTES DE LA PAZ” y proponemos al país una gran avanzada nacional porque nuestro oficio sea uno de los vehículos que lleve como pasajero el mensaje de la ritualidad pacifica porque nada más convivencia y fascinante que ver una reunión de seres humanos alrededor de un hecho artístico, bien sea la plástica , la música, la

poesía, el cuento, la teatralidad, y otras disciplinas del arte, los artistas si son los verdaderos expertos, los verdaderos relatores de acontecimientos con vivenciales en los territorios por esto la importancia de establecer las diferencias y procuramos hacerlo de forma muy fraternal, si nosotros no producimos desde estos enfoque no habrá un teatro robusto y estético, sucederá entonces lo que nunca debiera ser desaparecerá el teatro arte sucediendo entonces lo inesperado, el teatro dejara de ser arte porque este estará muy lejano de las circunstancias humanas y si no lo hacemos entonces este pasara hacer un teatro vergonzante que no está y no ha estado a la altura de las circunstancias. *Actor. Coordinador General del 4° Encuentro Regional de Directores de Puesta en Escena y Director de la Asociación Teatral “Blanco y Negro”.

LA LUCIDEZ Y EL ACTOR

Escribe: Carlos Alberto RICHETTI*

El genial Jack Nichonson, varias veces ganador del Oscar, en u escena de la película “El Resplandor” (The Shining) de Stanley Kubrick, de 1980.

A través del teatro, aprendiendo incluso entre bastidores, sumido en la máscara visible y aún oculta de uno o varios personajes, el actor debe ser “la lámpara de Diógenes” que conlleva al espectador a acercarse a una situación indeterminada, la cual comienza a visibilizarse

desde el mismísimo arte del gesto. Sería caer en un academicismo común redundar aquello de que el protagonista debe ejercer pleno dominio del cuerpo, de los sentidos; respirar, articular las palabras para elevar su mensaje. A su adecuada preparación cultural, introducción al contexto y la realidad representada en escena, deberá añadirle, si es preciso, el quiebre de su propia personalidad, dejar de ser él mismo, como una suerte de mensajero auto inmolado que se apoderó de una sensación para hacerla suya. En su ostentación, un actor puede ser el relámpago de fuego hacia la más terrible de las mentiras, condicionado por el sistema de imponer falsas conciencias a las masas o bien, hacer metástasis en la mayor de las verdades sagradas en comunión sempiterna con el sensible sentido de la grandeza. Como enseñara el inmortal Konstantin Stanislavski, sentirá desde la lucidez, reirá y llorará con el sentimiento del alma, hasta quizás perder la cordura. Engañará para bien o mal, como el frenético mandadero encaminado hacia una misión maldita, será el camaleón escénico sugerido por Jerzy Grotowski, seduciendo como un gurú embriagador de los sentidos para que la ilusión se haga carne, a fin de habitar entre una audiencia de calificación indistinta. Por ese motivo el actor debe avanzar, transformado en un peregrino de la palabra más que de la expresión, la cual es apenas una cualidad, el rasgo visible y más avanzado de la misma. El recurso es la preparación, la concentración, aunque sin el don creativo, el “oleo de Samuel” necesario, todo intento estará destinado a culminar en fracaso pese a ser todos los seres vivos, incluidos animales y plantas, actores con relativa conciencia de estar desempeñando un rol. El genial Jack Nicholson, discípulo de la escuela de Stanislavsky así como estudioso de su método en el famoso Actors Studio de Nueva York, liderado por el sensacional maestro de arte dramático que fue Lee Strasberg, admitió en varias entrevistas fundirse tanto en sus personajes, al extremo de costarle desprenderse de ellos y deber apelar al tratamiento psicológico para hacerlo posible.

Bela Lugosi, el primero en interpretar a Drácula en el teatro y en el cine. Nació en Hungría en 1882 y murió en 1956 en Estados Unidos de América. 13

Marlon Brando supo trasladar el infierno de la actuación a su vida privada o mejor dicho, hizo del drama de su historia personal una interpretación merecedora de lauros superiores a los cosechados en sendas películas como “El Padrino”, “Nido de Ratas”, “Apocalipsis Now” o “El Motín del Bownty”. Su secreto, fácil de reconocer pero difícil de emular, fue tener el talento de realizar constantes imitaciones verdaderas y falsas de la vida, triunfando además en el cine por saber llevar el amor por el teatro primigenio dentro del corazón, del alma del artista.

Marlon Brando (1924-2004), en “El Padrino” (“The Godfather”) una película de Francis Ford Coppola en la que no lo querían para el protagónico.

Vittorio Gassman (1922 - 2000), junto a Silvana Mangano (1930-1989) en “Arroz Amargo”(Risso Amaro), dirigida por Giusseppe de Santis (1917-1997) en 1949. Bela Lugosi, el primer “Drácula” del teatro y del cine sonoro, debió asumir el rol de ser un militante de izquierda en el teatro húngaro, llevando el halo de la oscuridad como un resumen de los tiempos duros de sus comienzos, hasta el último día de su vida. Boris Karlof se internó durante semanas en un sanatorio de reposo para editar la morfología de su “Frankenstein” interno, hallarlo, pulirlo, barajarlo y darlo al público. En los descansos, como modo de precalentamiento antes de cualquier actuación, Vittorio Gassman recitaba e interpretaba a todos los personajes de la obra

“La tragedia de Julio César”, de William Shakespeare, porque decía que le ayudaba a consubstanciarse con cualquier papel. Años más tarde, Dustin Hoffman debió soportar el dolor de quemaduras de tercer grado, antes de desvanecerse tras las bambalinas de Broadway. Quizás este sea el mejor ejemplo de enseñar que es recién al salir del escenario, cuando el actor deja de ser un personaje para volver a ser él mismo, sucumbiendo en los brazos de Morfeo, pero después de haber dejado pedazos de corazón

Boris Karloff (1887-1969) en Frankenstein (1931) de James Whale (1889 -1957). como las migajas de Hansel y Gretel en su recorrido por las tablas. Ello, porque teatro es pertenecer, darlo todo, reflejar el infinito compartiéndolo a la vez entre la gente.

Dustin Hoffman en “Los Perros de Paja” (1971) de Sam Peckinpah (1925-1984).

Esa lucidez del actor lo llevará a construir una solidez moral profesional que le permitirá fundirse en el sentido de poner su arte omnímodo, independiente de la calidad de la obra, de las falacias o argumentaciones verídicas que conlleve al alienamiento alevoso. 14

También al servicio del pueblo, la elevación de lo simple, la exaltación de lo profundo, en síntesis la verdadera razón del teatro y de todos los rubros creativos, tal como “malditamente” pretenden llevarlo a cabo la Asociación Teatral “Blanco y Negro” y los actores integrantes del colectivo, encabezados por su director, Alonso Marulanda Álvarez. *Actor, periodista, director general del diario virtual “El Politicón de Risaralda”, cantautor y escritor, nacido en Buenos Aires, capital de la República Argentina.

EL TEATRO COMO REUNIÓN Y SINTESIS DE LAS ARTES Una Propuesta para la Paz

Escribe: Norma CASTILLO RAMÍREZ*

La simbiosis entre transgresión del vínculo actor espectador, la imagen de la memoria y el teatro como herramienta para contribuir a la paz. Este escrito comenzara describiendo las razones del por qué un teatro critico en comunión con la realidad social, siendo síntesis. El teatro como existencia simultanea entre actor y espectadores en el mismo espacio y contexto, cada ser humano es capaz de observar la situación y al mismo tiempo vivirla, en esto consiste la comunión del teatro una búsqueda liberadora entre la realidad y pensamiento significa, entonces; caminar por el sendero que camino el otro, poner en escena la cotidianidad de cientos de colombianos que no tienen voz, son esas visiones de mundo conceptos que en la puesta en escena se abren como ventanas a través de las cuales verse a sí mismo y desarrollar sensibilidad. Esa misma simultaneidad acerca los contextos que se desarrollan en la puesta en escena y estos surgen como voz crítica y transformadora en las tablas, esta reflexión tiene sus raíces en el teatro del oprimido cual objetivo básico es: humanizar la humanidad, bastante necesario para el momento actual de la población colombiana donde la lucha por lograr una sociedad justa se desdibuja en el accionar, una sociedad que coexiste con desigualdades y acciones del hombre en contra del hombre discursos mediáticos hechos orquestados que le quitan voz a los desposeídos; ¿esto es acaso transgresión? Sutil ¿NO? Personalmente el teatro surca las vivencias y extasía su carga semántica al decir lo innombrable sin ser señalado como sujeto subversivo es fuerte, además de sentir la responsabilidad de estar contando las narrativas como mantos velados de verdades, un esfuerzo que se traduce en reunión síntesis de símbolos convertidos en imágenes, es una puesta en escena que no necesita esforzarse por la verosimilitud si no por conmover un público que ha vivido el horror pero que se encuentra en una estado tan catártico que no ha podido despertar. Abordar los imaginarios de la tierra macondiana que a la larga es una radiografía de la realidad es el llamado de la maestra Patricia Ariza indagar sobre las narrativas del conflicto y contar lo que unos pocos han querido borrar, escribirlo con letra indeleble en el alma con la imagen de cada cuadro en escena con títulos como si el rio hablara, 1900 hoy, o la tragedia de Felisa eso significa transformación, transito, dignidad. 16

Es necesario citar las palabras de algún personaje que escapo a sus designios aurora mujer de 28 años, aguerrida que se levantó en contra de la injusticia y que cierra su paso diciendo “hoy es el momento que reclama nuestra historia es el grito al unísono de las voces silenciadas” en un levantamiento de mujeres, es acaso esto un llamado al despertar, es acaso esto ser sustancia y forma que se alimenta de la construcción colectiva, de la observación como técnica matriz, que el conjunto entre luces y desplazamientos generen los encuentros con el público y hace que se abra la ventana tan anhelada de los espectadores para revisar sus adentros y luego salir de la obra afirmando reconocerse en algún personaje, hasta entonces se habrá cumplido con el compromiso histórico de hacer del teatro una de las artes más completas y sublimes que trastoca el espíritu convirtiéndonos en humanos demasiado humanos, exhortar primero los propios demonios del actor y así liberarse para proponer para comulgar con el que está en la butaca, porque ese otro espera ser tocado sensibilizado. ¿Cómo hacer para romper con el límite de lo expresivo del realismo? Si el espectador creo su propio distanciamiento con la realidad, habrá que llevarlo nuevamente a estados de desnaturalización, para que vuelva actuar en colectivo y tenga conciencia del otro y de sí mismo. Y finalmente el teatro debe ser una herramienta de reconocimiento social de los hechos que han escrito la historia del país desde la perspectiva de los de debajo de la muchedumbre que ha quedado sin voz como elemento cargado de significados, de sentidos, de semióticas condensadas y debe quedar como registro de la memoria porque todos los rincones de Colombia lo necesitan así algunos valles se han eufemísticamente llamados remansos de paz. Seguimos en construcción colectiva. *Actriz. Licenciada en Lingüística y Literatura. Activista de derechos humanos en el área de los derechos de las mujeres.

EL TEATRO Y LA LITERATURA Aproximaciones a una lectura dramática del “Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha”

Escribe: Juan Carlos LONDOÑO GRUESO*

“De Una Breve Introducción Al Tema” Peter O´Toole (1932-2013) caracterizado como Don Quijote en “El Hombre de La Mancha” (“The Man of La Mancha”) dirigida por Arthur Hiller en 1972.

Indiscutiblemente, hacer referencia a la obra cumbre de don Miguel de Cervantes y

Saavedra, da pie a múltiples lecturas que sobre la vida humana transmiten el Caballero de la Triste Figura y su Fiel Escudero. No por nada llegan intactos a 500 años de vida y todavía nos alimentan la capacidad de asombro, cada vez que nos atrevemos a adentrarnos en sus maravillosas peripecias. Pero es, también innegable que dentro de estas lecturas existen algunas que pecan por la precipitud en sus razonamientos cuando se trata de señalar como “idealismo” y “pragmatismo” a la postura de ambos personajes, rayando en la falta de seriedad y por supuesto en la ignorancia sobre el sentido que revisten estas dos personalidades literarias, que superan cualquiera reflexión con el paso de los años. Estas líneas van dirigidas a justificar la relación directa entre el arte de lo dramático y el arte de lo literario, teniendo en cuenta que hoy en día se produce una especie de rompimiento entre los estilos que por demás resultan complementarios. I.

“De Cómo Se Concibe El Teatro Y Todos Sus Lenguajes En Los Tiempos Que Corren”

Es frecuente en los corrillos de la academia, tratar de asumir el teatro como una parte de la literatura, queriendo con ello significar una supuesta subordinación del teatro a las directrices de la literatura y por ende una sumisión entre autor y actor. Por esta razón, el teatro contemporáneo ha abierto la discusión, desde los lejanos años 60, en la que se plantea una revisión profunda de los orígenes del teatro y sobre el papel que debe ocupar el asunto literario. Por ello, los estudiosos han alcanzado a determinar una importante relación de igual a igual entre literatura y teatro, pero además han marcado linderos en los cuales se establece que el teatro es un arte de lo efímero y por lo tanto no corresponde, en términos de arte, tratar de subordinar el acto vivo de la escena a aquello que está plasmado en el papel y que con justa razón no es más que una partitura inicial de todo un proceso, más profundo y vigoroso, en el que el director, a través del actor, desentraña lo significativo de 18

la pregunta por la vida y la muerte, y donde intervienen otros lenguajes aportados por las demás artes. Sin embargo no existe un rompimiento absoluto entre estas dos artes, que por obvias razones tienen que verse antes, durante y después de la representación escénica. Esas razones están dadas en relación con los procesos creativos que, como bien los distingue Fernando Peñuela, se refieren al antes, durante y después de la puesta en escena, en los que el actor asume su calidad de dramaturgo, esto es, como escritor en vivo, de la representación en y desde la escena, convirtiéndose en autor de la elaboración del espectáculo.

Don Quijote de La Mancha, serie animada de 1979, producida por Televisión Española La voz del personaje principal la aportó el gran actor Fernando Fernán Gómez (1921-2007).

No se trata de negar la presencia de la literatura, sino más bien de aclarar que ella se convierte en un elemento clave a la hora de concebir una puesta en escena, en relación con lo que Enrique Buenaventura, en el sentido de la tarea propia de los artistas del teatro, plantea: No se trata de cambiar los resultados, sino de una revolución en la materia del quehacer teatral que nos permita los errores, los fracasos y los tanteos que todo nuevo modo de producir sentido debe necesariamente afrontar para expresar una nueva época y una nueva vida. Esa condición de producir sentidos propios de la teatralidad, más allá de la escritura de textos, y siguiendo a Buenaventura, superará la literalidad, que no es la literatura, significa la reconquista del actor de su oficio, como creador, al modo de un artista cada vez comprometido con el oficio. Sin embargo, a pesar del llamado al rescate del estatus del actor creador dramaturgo, se hace necesario aclarar que no se trata de privilegiar uno u otra, es decir, entre el teatro o la literatura, pues hemos asistido en los últimos tiempos a una especie de orfandad de alguno de los dos, por las diversas razones que se quieran dar, generando unos espectáculos en el buen sentido del divertimento cada vez más alejados de las reflexiones necesarias que se ha hecho el ser humano en sociedad, quedando reducidos al interrogante planteado por José Monleón, en una entrevista concedida al Magazín Dominical de El Espectador hacia los años 2000, ¿estamos asistiendo al espectáculo de la tragedia o a la tragedia del espectáculo? II. “Que cuenta sobre el papel harto grandioso de la obra magna del Manco de Lepanto en los entuertos propios de los farsantes de la escena” Se dice que hacia 1607, en la ciudad de los Santos Reyes de Lima, capital del Virreynato del Perú, una compañía peninsular de comedias de corral, propias del Siglo de Oro, realizó la primera representación teatral que se tenga noticia, acerca de las peripecias y aventuras del Ingenioso Hijo de Algo y de su Fiel Escudero, en la que se pusieron en las tablas algunos cuadros de dicha obra, correspondientes a la primera parte, puesto que la segunda parte todavía se hallaba en la 19

mente del Príncipe de los Ingenios. Ahora bien, siendo la obra más importante de la lengua castellana, “El Quijote” reviste para la teatralidad una inimaginable veta de posibilidades de representación, al encontrar en ella multiplicidad expresiva no sólo en el lenguaje articulado, plasmado en los diálogos y las descripciones, sino que también invita a la recreación de unos personajes, más allá del Caballero de la Triste Figura y su Fiel Escudero, que hacen que esas aventuras tomen un tinte de comedia y de drama, puesto que, como diría Mikhail Bajtin, subyace en ella lo carnavalesco y todas las formas medievales de resistencia contra el encasillamiento que el “establecimiento” impartía desde los púlpitos y los diferentes actos administrativos, durante la Edad Media. Con ello también estamos diciendo que presenta una interesante imposibilidad, en términos prácticos, para que se concrete una obra de arte escénica, que no termine falseando el sentido universal del pensamiento cervantino, y por lo tanto defraude las aspiraciones del público ávido de una bella experiencia, como es la de ver en vivo y en directo la personalidad y la época de un Caballero Andante. En esto, los hacedores del teatro han tenido que abstenerse en muchos casos, porque esta tarea implica un trabajo profundo y a la vez un delicado proceso de divertimento, en razón de la rigurosidad que este tipo de retos impone. El arte dramático al beber de la fuente de la literatura, puede caer en la “literalización” de la escena, algo así como una puesta en escenario de lo que en letras se dice debe suceder, caso que se repite en la mayoría de las puestas en escena de Don Quixote, cuando algunos directores de escena, quizás por los embelecos del “cosmopolitismo” tan en boga en los últimos tiempos, terminan realizando verdaderos adefesios de lo que podría haber sido una lectura profunda y maravillosa de los miles de entuertos que nos brinda el manchego andante. En este ejemplo que hemos considerado como pertinente, dada la importancia que reviste la novela cervantina, no sólo como obra literaria sino como obra fundadora de la lengua castellana, nos

Fernando Fernán Gómez (1921-2007) protagonizó “Don Quijote Cabalga de Nuevo”, producción hispano mexicana de 1973 de Roberto Gavaldón, junto a Mariano Moreno, “Cantinflas” (1911-1993). 20

permite abordar el problema que se presenta en la escena para llevar a cabo la re creación de un clásico de la literatura universal, que es quizás uno de los referentes más importantes de la cultura occidental. Se trata, entonces, de hacer de los aportes ético-morales, estéticos, históricos y sociológicos que componen la obra literaria, una nueva lectura significativa para las nuevas generaciones en los tiempos modernos, de aquello que hace parte de la vida de los seres humanos, donde el poder, lo justo, la libertad y tantos ideales entran en conflicto de intereses, que deberán ser resueltos, las más de las veces con la muerte misma. III. “Donde se cuenta acerca de la importancia del arte nuevo de hacer comedias y de la grandilocuente necesidad de generar una literatura y una dramaturgia que hable de los tiempos que corren” Pues bien, hay un imperativo categórico para todas y todos los que oficiamos desde la academia, lo mismo desde las artes y las letras, como es aquel que nos conmina a desarrollar una lectura estética de nuestro aquí ahora, de esta contemporaneidad, que es cada vez más abstraída de los asuntos más fundamentales de la vida del hombre, y que en este recodo del camino que se llama Colombia, más aún de Latinoamérica, es necesario inquirir, pues no todo anda también como creemos. Tomando prestado del “Fénix de los Ingenios”, don Félix Lope de Vega, gran contradictor en vida de don Miguel de Cervantes y Saavedra, diríamos que se requiere en este momento un “arte nuevo de hacer comedias”, es decir, un replanteo del teatro en su capacidad para poner en escena esos asunto que le son fundamentales al hombre de todos los tiempos, en términos de vida, muerte, justicia, verdad, amor, solidaridad, tolerancia, participación y paz. Es un teatro que como lo diría el mismo Lope, no puede ser escrito para ser leído en las alcobas, en nuestro caso en el sofá de nuestras casas, porque resulta demasiado aburrido, sino que debe ser un teatro para ser única y exclusivamente representado, donde el arte del comediante, del actor, salga a relucir, y por sobretodo donde se develen todas y cada una de las falencias que presenta este nuestro mundo cada vez más estropeado por la irresponsabilidad, el hedonismo, la demagogia, el populismo, el virtualismo y demás cánceres que se carcomen lo poco bueno que queda de él. Es un teatro vigoroso, lleno de búsquedas y de encuentros, propiciador de nuevas utopías, motivador de nuevas aventuras y de nuevas peripecias, un teatro quijotesco en el que el espíritu del servicio y del sacrificio sean para bien de la humanidad, un teatro, en últimas que dé cuenta de la más grande obra humana: el respeto por la vida en cualquiera de sus formas. Y esto no es un llamado al “ecologismo”, es un llamado abierto al nuevo hombre y a la nueva sociedad por construir. Es una dramaturgia ligada al problema del hombre, problema que no ha sido resuelto y no se irá a resolver, porque cada día es más vigoroso e imponente, pero que hay que buscar sus posibles soluciones, máxime cuando las nuevas generaciones se entienden como parte de lo efímero, de lo imperecedero, de lo baladí, de la sin razón y de la irracionalidad. Ahí tiene que poner su dedo, como si fuera la llaga del santo Job. IV. “En donde se habla de molinos de viento, yelmos de Mambrino, princesas Micomiconas, gigantes Pando Filando, leones africanos, barcas y castillos encantados y Dulcineas del Toboso y demás bellacos habidos y por haber en este mundo ancho y ajeno” 21

La literatura y el teatro, dos artes que continúan buscando un espacio bajo el sol, tienen la importante misión de hacer imperecedera la memoria, la razón y la vida. En esta relación directa entre arte y letras, ser quijotes y sanchos es una necesidad vital, porque cada vez nos implica re inventarnos esta vida, este mundo, esta sociedad. Ser tan idealistas que podamos reconocer salidas a las grandes encrucijadas de nuestros tiempos, pero también, ser tan pragmáticos que nada nos impida tomar la decisión más acertada. De ser posible, tener cada vez nuevas miradas sobre el mundo y tratar de compartirla con los otros, con los nuevos. Este es el mundo del Internet, del consumo, del hedonismo y del desangre, verdaderos gigantes, castillos encantados, dulcineas y princesas como yelmos de Mambrino, supuestos que sólo generan indiferencia, ignorancia, desamor, irracionalidad, injusticia, intolerancia e insolidaridad. Esos son los nuevos retos por vencer que tiene el Quixote, y todos aquellos Fijos De Algo que tienen por vida y pasión las artes y las letras, pero además son los infortunios, aventuras y peripecias que nos obligan a conectar la academia con la vida misma, para que las nuevas generaciones tengan la posibilidad de ver brillar un nuevo sol, algún día en sus existencias. Sin embargo vendrán más, más jaurías de leones, como aquellos que viera el Caballero Andante Manchego y su Fiel Escudero en uno de sus tantos viajes y con los cuales se batió en sublime batalla, a pesar de estar enjaulados. Esas nuevas jaurías son la representación de los depredadores de nuevo cuño, aquellos que de manera sutil negocian las riquezas y tesoros naturales de sus países, a cambio de ciertas comodidades, cual si fueran dueños absolutos de todo lo que les rodea. A esas jaurías son las que hay que atacar, porque en apariencia son mansos gatitos, pero en el fondo guardan sus garras para destrozar y sembrar la muerte entre los hombres y las mujeres de estas tierras. “A Modo De Colofón, Para Continuar Desfaciendo Entuertos” Finalicemos diciendo que es necesario asumir el reto del Caballero de la Triste Figura y asumir la vida en la lucha permanente contra molinos de viento, como a veces se nos convierte la vida, en verdaderos gigantes que hay que derrotar; recuperemos el yelmo de Mambrino, como una prenda al arrojo a la osadía y a la tenacidad y liberemos a la princesa Micomicona, que no es más que nuestro espíritu creador, de las manos del gigante Pando Filando, representación poderosa de la ignorancia real y generalizada. Recorramos los caminos de este mundo ancho y ajeno, desfaciendo los entuertos y las injusticias de las que han plagado algunos bellacos este mundo que nos ha tocado vivir.

Queda abierta la discusión. *Es director de teatro, sociólogo e historiador.

EL TEATRO COMERCIAL Lo ligero y entretenido

Escribe: Carlos A. CASTAÑO*

Una reflexión personal (Cuando se me encomendada esta ponencia analizando sobre la pertinencia del teatro comercial de frente al teatro académico, al independiente a cualesquiera de sus otras vertientes). No pretendo una discusión filosófica pero si motivar y ponerme a disposición de su servicio. CONCEPTUANDO SOBRE EL TEATRO COMERCIAL. 1. El teatro comercial es el que se hace con el fin de atraer mucho público por medio de sensacionalismos. 2. "El teatro comercial es un teatro de grandes espectáculos, shows musicales, superproducciones generalmente traídas del exterior. Se dirigen a explotar el aspecto más personal y menos específicamente teatral del espectáculo: el deseo del 'gran público' de acercarse al astro, a verlo de cerca. [...] El público va a ver más al actor que a la obra, ignora quien la escribió, quien la dirige, hasta olvida el título, pero recuerda que es la obra en que trabaja tal estrella" (Rubens Bayardo, 1991: 2). 3. E l Te a t r o C o m e r c i a l n o e s i d e a l i s t a , p e r s i g u e u n a m e t a c l a r a que es mantener su status para ganar dinero. Las producciones son muy costosas y dichas producciones deben mantenerse con dinero, que se obtiene a través de los espectadores que concurren. (Dany Medina Director de la catedra Venezolana de la escena). 4. El teatro comercial también llamado “teatro burgues”, porque es del gusto de la gran mayoría de las clases medias, de la alta burguesía y de la aristocracia, que ven reflejadas en estas obras sus modus vivendi y sus expectativas morales e ideológicas. (Analía Faccia). 5. El teatro comercial de arte es un teatro de alta calidad profesional, de lenguajes diferentes (comedia, drama, teatro musical, danza), sostenido por una importante apuesta económica de productores empresarios, con actores de primer nivel y muy buenos equipos creativos en los rubros dramaturgia, dirección, escenografía, música, iluminación, vestuario, etc. (Jorge Dubatti Sociedad Argentina de Gestion de Actores e Interpretes). 6. El teatro comercial: La esencia de este teatro consiste en darle gusto al público, siendo éste numeroso pero poco exigente en cuanto a la calidad. Crea el ambiente propicio para que los dramaturgos se interroguen sobre la función del teatro, sobre si éste debe modificar 23

la sociedad o satisfacer al público. (Olga Vallejo Investigadora Universidad de Antioquia).

EXPERIENCIAS SIGNIFICATIVAS: En el ámbito internacional:  Broadway en Nueva York.  Las Vegas en Estados Unidos.

En lo nacional:  El Teatro Nacional y el Festival "¿Iberoamericano de Teatro?" de Bogotá.

En el contexto local:  Algunas producciones que llegan con frecuencia que hacen parte de la agenda nacional de grupos independientes. Como se pudo vislumbrar con las anteriores concepciones, existe una situación muy neurálgica y discusión académica, de la pertinencia o no, entre el teatro comercial y las otras corrientes o teorías del mismo. Sin embargo, en la práctica real y para nuestro contexto. Nuestros colectivos teatrales se están enfrentando ante diferentes situaciones que ponen al descubierto la delgada línea que hay entre la practica del arte por pasión o vocación, independientemente de que existan los recursos suficientes para sacar adelante proyectos artísticos y su propia supervivencia como colectivo y su talento humano como artistas. Donde encontramos situaciones tales como:

 Poco apoyo a la investigación.  Falta de formación en aspectos de planeación y gestión organizacional.  Artistas que terminan asumiendo roles en el ámbito comercial pero que no poseen las competencias para ello. (Zapatero a tus zapatos).  La fuga o migración del talento Humano en búsqueda de oportunidades a otras ciudades.  Desconocimiento de diferentes fuentes de financiación y de las oportunidades que existen por parte del sector privado.  Poca sinergia y trabajo asociativo entre los colectivos teatrales (Terminan trabajando como islas).  Competencia desleal y conflictos entre unos y otros, por lograr acceder a las opciones que les suele dar la empresa privada o el Estado.  Entre otras cosas, que evidencian la necesidad de una trasformación significativa en pro de su sostenibilidad y crecimiento. MI REFLEXION PERSONAL ¿Qué estrategias implementar en nuestro contexto local para superar en gran parte la problemática del sector en lo que se refiere a la sostenibilidad y fortalecimiento de los colectivos teatrales y su Talento Humano? 24

Y es aquí donde encuentro el Teatro comercial como una oportunidad. Independientemente del debate y de la discusión filosófica que socialice con anterioridad, sobre todo, respetando la identidad y autonomía de los honorables artistas, directores y gestores culturales que me preceden. El Teatro Comercial, como un modelo o estrategia de intervención que se podrá implementar de manera parcial o total, dependiendo de la filosofía y principios del grupo o colectivo, que se caracteriza por tener unos productores que tienen los derechos de una obra, alquilan las salas, contratan al director, los actores y el Talento Humano para la realización (en aspectos de preproducción, producción y posproducción). Para muchos puede sonar a utopía, para otros quizás no tanto y para unos cuantos tal vez se visualice como una buena alternativa para paliar la situación actual del sector. Pero continuando con el planteamiento, hay que tener presente que se requiere el compromiso, disposición y actitud proactiva de los diferentes colectivos hacia el cambio. Y esa actitud proactiva debe considerar la construcción de planes, programas, proyectos e incluso políticas concretas, que posibiliten alcanzar el objetivo deseado, por ejemplo: Formación y capacitación del Talento Humano. En temas tales como: Planeación estratégica:  Formulación, gestión, implementación, evaluación y seguimiento de Planes, programas y proyectos.  Emprendimiento y empresarismo.  Asociatividad Entre otros… Cultura organizacional:  Planes de Desarrollo Organizacional.  Gestión del Talento Humano por Competencias. Marketing artístico y cultural:  Planes de mercadeo.  Gestión de comunicaciones. Para ser más enfáticos, resaltó la importancia de considerar algunas bases del Teatro Comercial como un modelo que puede posibilitar a las diferentes organizaciones visualizarse como ¡Me mandan a “Empresas” autosostenibles donde el artista se buscar a los de esa pueda dedicar con mayor asertividad a su tarea vaina del teatro y que para esta otra labor que suele ser más comercial!... técnica y especializada, se cuente con personal competente para ello, que tenga presente:  Misión Visión.  Valores institucionales.  Políticas - Énfasis y tendencias.  Memoria histórica del trabajo colectivo e individual.  Capital intelectual y producción de conocimiento.  Planes programas proyectos. 25

 Gestión de recursos privados, estatales o de autogestión. (Fuentes de financiación). La buena noticia, es que lo que estoy diciendo no es un imposible u utopía, puesto que es realizable, incluso ya existen algunas experiencias significativas en grupos de la región. Lo importante aquí, es hacer la reflexión y tomar la decisión, apoyémonos en organizaciones como las universidades públicas y privadas, la gestión de la empresa privada y ONGs e incluso algunas instancias del Estado. Ahora bien, no olvidemos que para avanzar es importante que estemos a la vanguardia de las exigencias del público y el contexto al que nos merecemos, por lo tanto es de suma relevancia que tengamos en cuenta: Investigación - Innovación Competitividad.  La investigación como el proceso para afianzar, resignificar y descubrir conocimientos.  La innovación como un proceso que consiste en convertir en una solución a un problema o una necesidad, una idea creativa, la innovación puede realizarse a través de mejoras y no solo de la creación de algo completamente nuevo.  La competitividad como la capacidad de una organización, lucrativa o no, de mantener sistemáticamente ventajas comparativas que le permitan alcanzar, sostener y mejorar una d e t e r m i n a d a p o s i c i ó n e n u n d e t e r m i n a d o c o n t e x t o .

Ya ´para finalizar les recuerdo que tenemos grandes oportunidades para aprovechar en el contexto local y regional:  Paisaje Cultural cafetero.  Empresa privada.  Producción de capital intelectual (Investigaciones Libros Obras originales, entre otros).  Posconflicto. ¿Preguntas? ¿El teatro comercial es más una forma de hacer que impregna la forma de ser, o viceversa? ¿Pierde el teatro fuerza crítica o la gana al llegar a más lugares/más público? *Licenciado en educación y especialista en cooperación internacional. Artista, actor y Gestor Cultural. Gerente de la CORPORACIÓN INTERCONTINENTAL PARA EL DESARROLLO HUMANO. Actualmente vinculado a procesos artísticos con la Asociación de Teatro Blanco y Negro.

EL ACTOR Y LA CONCIENCIA SOBRE SU CUERPO

Por siempre los jóvenes: El semillero de Blanco y Negro dio “catedra” y sorprendió por su versatilidad.

Escriben:

Paola SUÁREZ*

Yineth SUÁREZ* Luis GRAJALES*

El actor debe saber percibir su cuerpo debe persivir su caminar, su hablar, hasta el crujir de sus tripas para conocer su cuerpo por completo y al momento de darle vida a su personaje entregar todo sin ser miserable al hacerlo para que su personaje se vea, se sienta, y se escuche natural y no finjido todo basado en mi poca experiencia como actor. La conciencia en la escena, en el momento en que entro como actor al escenario debo estar conciente de como me muevo, de saber como manejar mi voz, debo tener conciencia de que no estoy sola y lo que haga beneficia o perjudica a mi compañero debo ser conciente de que no soy yo que es mi personaje y que por lo tanto debo sentirme segura y conciente de que debo ser el

...Y EN SOLO DOS DIAS, FUE RECREADO EL TEATRO...

La tercera sección del 8 de octubre, contó con la presentación de la ponencia a cargo de Octavio Amaya. Actor, director del grupo de títeres “El Búho Mágico”, quien estudió en Santa Fe (Argentina) Y en Israel, haciendo las delicias de los presentes con sus anécdotas.

Otra de las intervenciones sobresalientes de ese día, fue la de Héctor Sabogal, actor. Egresado de la Escuela del Instituto Municipal de Cultura y Fomento al Turismo, participante de diversas obras, especialmente en la modalidad de teatro callejero. Abordará el tema: “El Teatro que no dice nada (Corregir antes de que sea demasiado tarde)”. 28

DOCUMENTACION

ANEXA

Los más importantes medios destacaron a nivel regional, departamental y nacional, como El Diario del Otún, La Tarde y el diario virtual El Politicón de Risaralda, elogiaron a la Asociación Teatral Blanco y Negro así como a su director, Alonso Marulanda Álvarez, por la oportuna organización y puesta en marcha del pedagógico encuentro donde el verdadero protagonista fue el teatro. 29

CONCLUSIONES &

REFLEXIONES

En su ponencia acerca del Teatro Comercial, Carlos A. Castaño, expresó que los espectadores y participantes del 4to Encuentro Regional de Directores de Puesta en Escena se dieron a la tarea de resaltar las oportunidades que brinda la administración como política de estado. Y una vez en ello, puso manos de una buena vez a la obra

Hizo especial énfasis en la necesidad de convocatorias de estímulos y proyectos sociales, de los cuales los artistas pereiranos se valen para fortalecer sus proyectos. Bajo esta premisa se presentaron varias apreciaciones. Por un lado giraba en torno a los recursos como gestión y competencia, ya que el acceder al apoyo estatal significa tener un “buen padrino” en el campo político, además de contar una propuesta elaborada que esté entre los cánones globalizados. No obstante, el eje de la temática en la práctica fue la optar por encarar un teatro del tipo comercial, destinado a exaltar el hedonismo, el deguste personal y por otro lado, lidiar con la realidad de las compañías de teatro de la ciudad, luchando por espacios o recursos para los proyectos, sin contar en ocasiones ni siquiera con los insumos para abonarle los correspondientes honorarios de los actores y demás miembros del equipo, al momento de presentar una propuesta alternativa. Las propuestas para pensarse y poner en escena un teatro de calidad el director de teatro Alonso Marulanda durante su exposición intitulada “Cuando el Teatro Deja de Ser Arte”, pone sobre la mesa la frase “¡YO PUEDO REIR Y PENSAR!”, ya que el hombre en el teatro entiende su esencia transformadora y lo hace a través de la creatividad en la puesta en escena. El ponente y actor de uno de los más polémicos montajes de la Asociación Teatral “Blanco y Negro”, enfatizó que el teatro es investigación, competitividad, proceso de resignificación de conocimientos y por lo tanto, debe estar a la vanguardia sea comercial o alternativo. De esta forma se refleja una realidad de desigualdad en el marco de las oportunidades para el arte. De todos modos, no está demás aclarar que el teatro debe estar en constante cambio de acuerdo a innovar para ser actual, aunque las tristezas del espíritu o alegrías y las contradicciones sociales sigan siendo las mismas en todas las épocas. En “Naturaleza y Teatro”, tema tratado por Rafael Orlando Caro Isaza, gestor cultural, personalidad de la ciudad de Pereira y actor de la obra “1900 hoy” de la Asociación Teatral Blanco y Negro, quedó abierta la discusión sobre el abordaje del personaje para darle vida a una obra. Los postulados se centraban en que el actor debe forjarse desde adentro, ser natural, reconocerse a sí mismo, partir de la naturalidad sin caer en facilismo. De lo contrario, sería ir a los extremos y sumergirse en el cliché y estereotipo, ya que este último no puede ser el punto de partida. “La Lucidez y el Actor”, ponencia tratada por el actor, periodista, cantautor, escritor y poeta argentino, Carlos Alberto Ricchetti, parte de esa observación. Los asistentes abrieron una discusión interesante ya que basaron sus argumentaciones en el efecto 30

de distanciamiento de Bertol Brecht y el teórico Stanilasvski. Ello dio lugar a valiosísimos aportes que de alguna manera “refrescaron la memoria” de los presentes en el auditorio, porque el “padre del teatro social”, Brecht, el cual fue base para quienes se dedican a poner en práctica los lineamientos de esa escuela, coinciden en que debe darse el distanciamiento para efectos de generar reflexión y conciencia en el público. Pero también en los actores, aludiendo a grandes y famosos que han terminado sus vidas en centros de reposo al llegar al límite con su personaje. Para esta discusión, se coincidió en señalar a Stanilasvski como el más adecuado en caso de retomar ciertos estados de mimetización y de encarnación del personaje. Aunque la conclusión definitiva fue que sin embargo, el actor debe ser profesional o consiente, a fin de al abordar técnicas para no caer en el meollo de acabar con su propia existencia. “El Teatro como Dador de Trozos de Vida”, tesis trabajada por el licenciado en Ciencias Sociales, Juan Carlos Londoño, desde una “Aproximación a Don Quijote de La Mancha”, en cambio generó discusiones en torno al papel de creador del director, de los actores. Es decir, que la responsabilidad de las creencias de los procesos culturales son en gran medida en quienes tienen el arte como profesión. Mediante una metáfora provocadora del “Caballero de la Triste Figura”, el licenciado convoco a “ser héroes en lo que hacemos”, tomar las cabalgaduras errantes y enfrentarnos a esos gigantes que hoy día se interponen en el camino para opacar alienar y quizás resquebrajar todo el tejido social que aún queda. Encomienda esa tarea a la cual denomina “magnánima de los artistas”, por medio de una enseñanza sobre un grande de la literatura, como lo fue Miguel de Cervantes Saavedra y en cuanto al aprendizaje en general. El docente, director de teatro socialmente comprometido, por último compartió un llamado a la conciencia de forma muy pedagógica, lanzó el interrogante acerca de cómo harían para resolver las grandes encrucijadas que tienen los artistas hoy día en la ciudad de Pereira. El epílogo tuvo lugar cuando algunas preguntas surgidas del auditorio, permitieron ahondar aún más en el tema y Londoño respondió a partir de la memoria, la razón y la vida, que le correspondía al lector ser capaz de interpretar estas palabras. La ponencia de “El Teatro como Reunión y Síntesis” por la Licenciada Norma Castillo Ramírez, dio lugar a conclusiones que permitieron dejar en los pensamientos y la razón, la argumentación del porqué un teatro comprometido con la realidad social y la situación actual de cientos de colombianos y colombianas en búsqueda de una paz en torno al reconocimiento social, a ser menos tímidos y tomar las banderas de “los de abajo”. También a hablar de un teatro militante de la realidad, de la transformación social. Los asistentes sugirieron que era necesario: 1- Lograr una “formación” de público. 2- Centralizar el arte. 3- Comprometerse todos para mejorar la calidad de vida de los gestores culturales democratización 31

de los espacios. 4 De forma unánime, se llegó a la conclusión de que al Estado “le interesa la desunión de los artistas”. 5- Que la falta de identidad debe conllevar a la conformación de una organización de movimientos culturales. 6- Finalmente, se arribó a que la realidad social en sí misma es el compromiso del artista, pero debe ser escenificada de forma creativa, contemplándose la posibilidad de innovaciones integrales. Según “El Teatro como Capilla para las Emociones y el Delirio”, expuesta por Rosa Elizabeth Giraldo Franco, gestora cultural e integrante de Blanco y Negro, el escenario, el cuerpo, debe ser considerado como un templo. Solo de esa manera el ritual de revestir un personaje y de llevarlo al espectado, se convierte en un acto sublime. La autora de la ponencia fue contundente al respecto. “El cuidado que le doy a mi cuerpo como herramienta de trabajo, es mi oportunidad para dar toda la esencia que requiere la puesta en escena. Significa ser disciplinado, ser consiente, ser creativo”. “Reconocer el cuerpo como territorio identidad y sentido de pertenencia. Sólo así será un cuerpo en resistencia, un cuerpo ritual, capaz de transformarse y transformar su entorno”, agregó. El ponente Octavio Amaya abrió su conversatorio desde la pregunta “¿El Titiritero es un Actor?” La audiencia concedió un tiempo a la razón y escuchando atentamente a este gran maestro de los títeres. Se delito con su ponencia, que desde la lúdica amenizo el espacio y el encuentro de directores. El reconocido “Master of Pupets” dio un largo pincelazo sobre la técnica y sus nombres, en un recorrido por el mágico mundo donde convergen hombres y muñecos, llamados “títeres” con gracia y conocimiento. Abrió el espectro para afirmar que el titiritero es a la vez un actor, el cual debe ser muy disciplinado con sus conocimientos y sus puestas en escena. Y al ser este un creador de personajes se iguala a un actor. De todas formas en la actuación, la puesta en escena, se debe ser muy riguroso porque es complementar cuerpo con voz. A la vez, recuerda a los asistentes que es la voz un instrumento importantísimo de trabajo para quienes se van a dedicar a este arte, además de las percepciones en Colombia de pensar en títeres “refiere únicamente a niños”. Por el contrario, comenta: “A nivel mundial, las grandes compañías hacen y ponen en escena títeres para adultos, una forma de llegar creativa al público de mayor edad”. “El teatro que no dice nada” por el actor de teatro Héctor Sabogal, refiere a que toda puesta en escena dice algo. Entender el teatro como una forma de comunicación da pie para compáralo con el lenguaje y su constitución, el cual está lleno de signos. Igual sucede con el teatro. Se trata de una puesta, creación de símbolos y uso de signos, para mejorar la efectividad del mensaje. A veces el ruido o algún tipo de interferencia interrumpe, hace indescifrable el mensaje. Es decir, no es eficaz en el momento de ser decodificado, lo cual se suele apreciar cuando los espectadores salen de la sala diciendo “no entendí esta puesta en escena”, “no me dijo nada”. Puede ser interpretado en dos sentidos: 32

1) Desde lo interno y creación del teatro, mediante el uso de signos y símbolos de escogencia inadecuada para reforzar el mensaje que se quiere, dándolo por traducido debido a incompetencia, falta de formación o 2) Implementando una técnica investigativa para el desarrollo del proyecto, cuando el comentario se hace con la intención de criticar unos elementos en escena de todo el razonamiento de llevar objetos, actores luces y desplazamientos. Esto conlleva a otro tema, como el de la crítica del arte. “El teatro siempre va a decir algo, porque es un medio cargado de símbolos y signos que están dispuestos para ser leídos e interpretados a un determinado público”, concluyó Sabogal. Proclamas para un teatro que este comprometido con la realidad social

 El teatro debe ser social y estético innovar creador de símbolos y signos descifrables para las comunidades.  El cuerpo debe ser concebido como santuario y de esta forma cuidarlo y su preparación debe ser un ritual.

 El hombre como transformador social debe tener conciencia de sí mismo.

 El cuerpo debe ser símbolo de resistencia en tanto que se entiende como un territorio del cual me empodero, tomo posesión de él, de esta forma se genera identidad y compromiso con lo social.

 El teatro cumple su papel social, si solo si investiga, sobre las raíces del conflicto social y armado que vive el país para aportar hacia la paz.

 El teatro por ser un producto urbano debe ser abanderado de los problemas existenciales del hombre.

 El teatro como denuncia, debe trascender el panfleto e indagar y apelar hacia la creatividad.

Norma Castillo Ramírez Carlos Alberto Ricchetti (Responsables de la Comisión Redactora del 4to. Evento de Directores Regionales de puesta en Escena)

Pereira, departamento de Risaralda, COLOMBIA, 7 y 8 de octubre de 2015.