MUSIC
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GALERIA!
6 Escabrosas rupturas de
bandas de rock 8 Los 10 logos màs carismàticos
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del rock
D`Portada!
Slash
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MUSIC
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Aerosmith
LEYENDAS!
AEROSMITH
En portada!
SLASH
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“Uno de los mas importantes guitarristas del mundo”
LENNY KRAVITZ
ESPECIAL! Las anècdotas de KURT COBAIN y
BS.F 23
Un hombre orquesta que interpreta casi todos los instrumentos de sus Lps
“Una de las bandas de hard rock más populares”
Las anècdotas de
KURT COBAIN Y
NIRVANA LOS 10 LOGOS MAS CARISMATICOS DEL ROCK
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NIRVANA
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Lenny kravitz
JULIO 2013
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Cosas que debes saber sobre METALLICA!
JUNIO 2013
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Los goo goo dolls regresan con MAGNETIC 23 NEWS Nuevos discos que haràn que 2013 sea un buen año
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EDICIÒN No.1 ABOUT! 3 MUSIC
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DIRECCION EDITORIAL Grecia Carrillo Lema Lilibeth Torres
ABOUT MUSIC
EDICION Grecia Carillo Lema Lilibeth Torres DISEﾃ前 Grecia Carillo Lema
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Cosas que debes saber sobre
Metallica! Curiosidades de esta legendaria banda de metal que marcó un hito en la historia del rock!
• Antes de llamarse Metallica, se pensó en tres nombres: Blizter, Red Vette y Grinder. • La estatua de la justicia que aparece en la portada de “...And justice for all”, fue bautizada como Doris por los miembros del grupo. • El día del lanzamiento del álbum negro, se vendieron casi un millón de copias. • James Hetfield y Ron McGovney creyeron que Ulrich era un mal baterista al verlo tocar por primera vez. Sin embargo, aceptaron formar una banda con el
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• tenia asegurada la inclusion de la primera cancion que un grupo suyo grabara en una recopilacion de temas de metal que produciria Brian Slagel, de Metal Blade Records. • “One” fue la primera cancion de Metallica en tener un video. Su rotacion en cadenas como MTV les dio proyeccion dentro de la musica comercial, pero tambien les causo reclamos por parte de sus fanaticos mas metaleros. • Cada vez que James Hetfield golpea con la mano uno de los platillos de batería a Lars Ulrich, le
• Es sabido que Metallica lleva una mala relación con Axl Rose, de Guns ‘n Roses; pero las cosas no siempre fueron así. En 1992 ambos grupos realizaron parte de su gira en conjunto. El rompimiento se dio el 8 de agosto; James sufrió quemaduras por culpa de un mal control del espectáculo de pirotecnia y no pudo seguir tocando. Axl Rose se negó a salir al escenario y los asistentes destrozaron el estadio olímpico de Montreal. • Cuando Metallica salió de gira en el Ozzfest en el tour de “Master Of Puppets”, la banda estaba en su vestuario escuchando Black Sabbath. Y llegó Ozzy y les ordenó que apagaran el equipo.
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GALERIA! versión de los hechos: “Lo cierto es que James Iha rompío Smashing Pumpkins. No Jimmy y no yo. Tampoco ayudó que D’arcy fuera una drogadicta que rechazaba cualquier tipo de ayuda. La última vez que toqué con James se marchó sin decir ni adiós, de manera que no voy a seguir protegiéndole más, y no protegeré a mucha otra gente tampoco nunca más”.
6 escabrosas rupturas de bandas de rock Algunos grupos se desvanecen rápidamente como estrellas fugaces y otros se convierten en un negocio familiar tan longevo como rentable. Entre medias, aquellos que acaban envueltos en cientos de peleas y separaciones traumáticas de dolor insoportable e interminable a lo largo de los años.
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UNS N’ ROSES
Cuando juntas a un puñado de yonkis con un megalomaníaco, la mierda golpeará el ventilador tarde o temprano. En el caso de la formación angelina esto sucedió especialmente rápido, cuando despidieron a su baterista original, Steven Adler, por su adicción a las drogas apenas tres años después de que triunfaran mundialmente con su debut discográfico, Appetite for destruction.La banda siguió adelante con indudable éxito, pero Axl adoptó la costumbre de empezar los conciertos ridículamente tarde, y según palabras de Slash y Duff, una noche incluso se negó a salir a escena hasta que ellos renunciaran a sus derechos sobre el nombre del grupo (algo siempre negado por el cantante).
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De cualquier forma, cuando la interminable gira mundial de presentación de los Use your illusion acabó en 1993, los miembros del grupo tomaron caminos diferentes, y desde entonces las cosas solo fueron a peorprogresivamente con el paso de los años. A día de hoy no han mejorado ni un ápices.
de tirsteza y un gran alivio anun-cio que abandono Oasis esta noche. Que la gente diga y escriba lo que quiera, pero sencillamente no puedo seguir trabajando con Liam ni un día más”, planteó Noel. Los hermanos no se han dirigido la
OASIS
THE SMASHING PUMPKINS Pocas bandas son auténticas democracias. Por lo general hay uno o dos miembros que dirigen y el resto aprende a vivir con ello... o no. Billy Corgan insistió en tocar todas las guitarras y las partes de bajo en su exitoso Siamese Dream de 1993, lo cual no sentó demasiado bien a la bajista D’arcy y al guitarrista James Iha. Los Pumpkins se mantuvieron juntos hasta 1996, cuando el teclista Jonathan Melvoin murió de una sobredosis de heroína. Esa misma noche el baterista Jimmy Chamberlain sufrió su propia sobredosis y fue expulsado de la banda (volvió en 1999 después de la marcha de D’arcy, para volver a irse años después).
Son el paradigma de hermanos cabreados incapaces de trabajar juntos. Siempre se pelearon, pero parecía que habían encontrado la forma de apañarse para seguir adelante, lanzando discos cada par de años y protagonizando conciertos masivos por toda Europa ante nostálgicos fans que recordaban aquellos inicios de mitad de los noventa cuando los que los Gallagher parecían los nuevos Lennon y McCartney. Todo estalló en agosto de 2009 detrás del escenario de un festival parisino. Hay varias versiones, pero parece que Liam y Noel llegaron a las manos y cancelaron la actuación, finiquitando a Oasis oficialmente muy poco después.“Con algo
palabra desde entonces (que se sepa).
le esperaba tras el escenario), pero Felder se largó en su limusina antes de que la inminente pelea arrasara los camerinos. Esa fue la última vez que la banda tocó junta en 14 años.
THE PIXIES
después de una larga gira por estadios promocionando su exitoso disco Synchronicity. “Nunca fue mi intención castigar a Stewart y Andy. Estaba siguiendo mis instintos”, zanjó el bajista y vocalista del combo. La inevitable y lucrativa reunión llegó en 2007 y 2008.
THE EAGLES
En 1980 The Eagles eran la banda más grande de AméTHE POLICE rica, pero su éxito fue un horSe formaron en 1977 y en rible peaje para el grupo. Don apenas un año eran la nueva Henley y Glenn Frey eran un sensación del pop rock munpar de tipos intensos, y los dial. Sin embargo, las tensiones miembros originales Bernie aparecieron pronto al mismo Leadon y Randy Meisner se tiempo que Sting se iba hacihabían marchado debido a la endo con el control de la banda. tóxica atmósfera reinante. Joe Stewart y Andy comenzaron Walsh estaba habitualmente a sengirse como sus empleademasiado bebido y el bajista dos, por lo que empezaron a Timothy B. Schmit era básicapelearse locamente mientras mente extremadamente obediel grupo se hacía más y más ente. Don Felder, por su parte, grande. no podía soportar ser tratado Sting explicó a Rolling Stone en como un ciudadano de seg2007 que el problema era que unda. Las tensiones estallaron los tres no tenían en realidad en un concierto benéfico por el muchas cosas en común, por lo senador Alan Cranston en 1980, que estaban juntos por conven- pues Felder no quería involuiencia: “Parte de la frustración crarse en cuestiones políticas. venía de que Stewart y Andy Los músicos se lanzaron pulquerían componer, y no es fácil las a través de sus micrófonos decirle a alguien que no trae en el escenario (“Quedan tres una buena canción. Habitualcanciones, compañero”, bramó mente tenía que decirlo yo”. un desafiante Frey hablando a Felder, avisándole de la que
Si hubieran sobrevivido un par de años más, habrían sido enormes. Pero tuvieron la mala fortuna de ser unos adelantados a su tiempo, de manera que cuando América estuvo finalmente preparada para entregarse a la música alternativa, ellos ya estaban liados con cuestiones legales, y con Black Francis y Kim Deal no precisamente amigos. Los celos entre ambos provocaron que ella se centrara en su proyecto paralelo con Breeders. En 1992 la banda aceptó abrir los conciertos del primer tramo de la gira americana Zoo TV Tour de U2. Esto no fue una gran idea después de todo, pues pronto se cansaron de tocar ante estadios medio vacíos para fans de U2 que no les prestaban atención. Al año siguiente Francis acabó con el grupo y no habló con Deal durante toda la siguiente década.
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GALERIA!
Los
10 logos más carismáticos del Rock
Disney no sería Disney sin un castillo de ensueño ni Apple sería Apple sin su manzana plateada. ¿Y qué sería el rock sin la lengua de los Rolling Stones, el rayo de AC/DC o el escudo de los Ramones? Hacemos un repaso a la iconografía generada por la cultura musical, vista por los que más saben de esto: creativos de publicidad, directores de arte, miembros de la industria musical y, sí, algún músico que otro. Ante ustedes, los mejores logos del rock.
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HE ROLLING STONE “El rock’n’roll es de los Stones. El rock que huele a sexo y drogas. El rock sucio. Que contagia, que te hace sentir que estás haciendo algo que va a molestar a las autoridades. Es esa bandera que levantas cuando exclamas It’s only rock and roll but I like it. Eso es el logo de los Stones”.Chacho Puebla, Director Creativo Ejecutivo de la agencia LOLA.
“La lengua de los Rolling será siempre la síntesis suprema del rock. Un emblema que han hecho suyo millones de personas en el planeta, quizá porque representa la rebeldía, la irreverencia, la fuerza y la eterna juventud” Marta Rico y Miguel García Vizcaino, socios fundadores y Directores Creativos de la agencia Sra. Rushmore. 1970. Los Rolling Stones rastrean el Royal College of Art a la caza de un creativo para el cartel de su gira. John Pasche, apasionado del pop art, es el elegido. Surgen cuatro años de colaboraciones y en 1971 nace el mítico logo.
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En 2008, el museo Victoria & Albert paga 50.000 libras por el original. Pasche también trabajó con Hendrix y The Who. SEX PISTOLS “Todo en él es actitud, lo que para mí es la esencia del rock. En un momento en el que el género estaba perdido y adocenado, los Sex Pistols cambiaron la forma y el contenido con un revulsivo total en letras y sonido. El rock debe ser rebelde, combativo y caótico. El resto es música seria. Los Pistols renovaron para siempre el sentido de lo que es y debe ser el rock y, al hacerlo, cambiaron muchas vidas. La mía entre ellas. Ya no primaba la estética o lo bien que tocaras un solo. Lo importante era decir, gritar algo, fuerte y duro. Un cambio de prioridades”. Servando Carballar, músico.
“El logo de los Pistols nació para el single God Save The Queen (1977), a manos de Jamie Reid, “artista cercano al situacionismo y, en cierto sentido, a la contrapublicidad”, como recuerda el diseñador Xavier Carbonell. Es un ejemplo perfecto
de la técnica del collage y del corta-y-pega, lo que le ha permitido, a su vez, ser pirateado en cientos de ocasiones y estar impreso en chapas y camisetas. METALLICA Ha evolucionado en manos de la propia banda, desde su creación hasta 2008, cuando encargaron una reformulación más profesional al especialista en branding Turner Duckworth. El líder del grupo, James Hetfield, fue el creador del logotipo en 1983 para el álbum Kill Em All, alterado, más tarde, en 1996, para Load .
THE WHO “Aunque nunca se usó en ninguno de los discos del grupo, tres elementos lo hicieron inmortal: las dos haches conectadas entre sí, la flecha hacia delante que emerge de la O y, por supuesto, la diana en rojo, blanco y azul de fondo. Siempre quise ser un mod”.Mikel Casal, ilustrador. Fue diseñado por el artista Brian Pike en 1964, como elemento
GALERIA! ofreció la banda en el Marquee Club (Londres) el mismo año. Bajo el nombre del grupo, se incluía la popular leyenda: “Maximum R&B”.
LOS RAMONES “El logo de los Ramones mezcla el punto clásico de logo/escudo institucional de gran abolengo con el gamberrismo de añadir un bate de béisbol y sus nombres, y eso es lo que más me enamora del logo. Esencia pura del punk, mear en lo institucional”. Ricardo Cavolo, artista. Amigo y fan de la banda, Arturo Vega se apropió de un logo tan serio como el del Departamento de Estado de Estados Unidos y lo retocó para convertirlo en el logo oficial de una banda más americana que su propia bandera: lo envolvió con los nombres de los músicos y cambió las solemnes flechas por un cotidiano bate de béisbol. Y listo.
IRON MAIDEN “Son los reyes iconográficos del rock. Mientras otros iconos representan a un determinado grupo, Eddie simboliza el heavy en general. Eso, desde el punto de vista de la comunicación publicitaria, es algo impagable”. Manuel Montes, Director Creativo Ejecutivo de Cheil Spain.
Un logo a cargo del artista británico Derek Riggs para Iron Maiden (1980), también artífice de Eddie, la siniestra mascota de la banda.
RED HOT CHILI PEPPERS Según la banda californiana, no estamos ante un simple asterisco, sino ante “el agujero del culo de un ángel”. Muy acorde al humor característico de la banda… Anthony Kiedis, su líder, lo ideó en algún momento de 1984. Más tarde, fue objeto de disputa legal entre RHCP y la empresa de merchandising Bravada International.
THE BEATLES “Quizá este no sea el mejor logo de la historia del rock, pero a mí me trae recuerdos de la infancia que me han acompañado a lo largo de toda mi vida. Es simple, es sencillo y es en blanco negro. Es genial”. Mikel Erentxun,músico.
Según cuenta la leyenda, fue Ivor Arbiter, dueño del negocio de Londres donde Ringo Starr compró su batería en 1963, el responsable de este mítico símbolo, bajo las indicaciones de Brian Epstein, que demandaba algo sobrio y que hiciera especial énfasis en la palabra beat. QUEEN “Es una representación perfecta de la manera de entender el rock que tiene la mítica banda británica. La teatralidad, la delicadeza, la fuerza, la grandiosidad y la vistosidad de su logo son una traducción visual perfecta de su música”. Juan García-Escudero, Director General Creativo de Leo Burnett Iberia. Como recuerda García- Escudero, “lo trazó el propio Freddie Mercury”. Tenía estudios de arte y diseño gráfico. El músico incluyó los signos del zodiaco de los integrantes de Queen
AC/DC “Es un gran trabajo por varias razones. Comunica lo que es la banda a la perfección: es heavy, rotundo y potente, es eléctrico e inmediato. Es puro rock’n’roll. Es reconocible y cualquier fan podría reproducirlo con un bolígrafo y un papel”. Álvaro Valiño, infografista e ilustra-
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LEYENDAS!
SLASH “UNO DE LOS MAS IMPORTANTES GUITARRISTAS DEL MUNDO”
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ablamos de un guitarrista intuitivo, visceral, bien dotado técnicamente y con vocación para el espectáculo según la norma rockera. Sus solos, de gran profundidad emocional, han nublado la vista a millones de aficionados durante el último cuarto de siglo. Su imagen –la chistera customizada, la pelambre indómita, las botas de chupamelapunta por fuera del pantalón, el torso desnudo en escena– es certero correlato visual de su identidad sonora: rock duro de raigambre setentera tocado con una pasión desbordante y apuntando directamente al corazón.
D`Portada LEYENDAS! Saul Hudson, mejor conocido como Slash, fue uno de los guitarras del popular grupo de Hard Rock estadounidense Guns N’ Roses. Actualmente milita en la banda de rock Velvet Revolver junto con sus compañeros Duff McKagan y Matt Sorum de Guns N’ Roses y el vocalista Scott Weiland (ex miembro de Stone Temple Pilots). También formo parte del grupo Slash’s Snakepit con el que grabó dos discos. Slash es conocido por su larga y desordenada cabellera (la que nos hacer recordar a Jimmy Page), su sombrero de copa, su Les Paul, su amor por el Jack Daniels y un cigarro en su boca. Nació el 23 de julio de 1965 en Stoke-On-Trent, Inglaterra. Su padre, Anthony Hudson, diseñaba tapas de álbumes (entre sus trabajos se encuentra un álbum de Neil Young y el “Court and Spark” de Joni Mitchell. Su madre, Ola Hudson era diseñadora de ropa, y de esa manera fue como el joven Slash conoció a David Bowie a finales de los ‘70. Ella había hecho el equipo que llevaba Bowie en The Man Who Fell To Earth. En 1977, la familia se muda a Los Angeles, Estados Unidos.Durante esa época sus padres se separaron y él se fue a vivir con su abuela. A la edad de 15, recibió de su abuela, una guitarra acústica de una cuerda, con la que aprendió a tocar, sus influencias fueron desde muy temprano Led Zeppelin, Pink Floyd, Rory Gallagher, Eric Clapton, Rolling Stones, Jimi Hendrix, Alice Cooper Aerosmith, AC/DC, Nitemare, Kiss, Black Sabbath y Jeff Beck. Slash dedicaba hasta 12 horas diarias tocando guitarra, lo que afectó mucho en su rendimiento escolar, y le llevó a dejar el instituto a los 17 años.
Después del tour de Use Your Illusion, Slash se convirtió en ciudadano estadounidense. En 1990 Slash tuvo un escándalo de importancia al subir ebrio a recibir un premio de American Music Awards. En 1991, Guns N’ Roses se embarcaron en una larga gira de 28 meses del tour Use Your Illusion, que coincidió con el lanzamiento de sus nuevos discos Use Your Illusion I y Use Your Illusion II. Este álbum indica un cambio en la dirección musical de la banda, incluyendo canciones más dramáticas como “November Rain” y “Estranged”. Slash ha tocado con Bob Dylan, Michael Jackson, Iggy Pop, Alice Cooper, Lenny Kravitz (amigo de su infancia), Franco Rose, Steven Tyler, Joe Perry, Rocka (antiguo cantante de Pantera antes del acFue en aquel entonces cuando cidente y ser sustituido por Philip conoció a su inseparable amigo Anselmo), Brian May, Motorhead, Steven Adler al caer éste de su y muchos más. patineta. Slash y Axl Rose se conocieron en 1984 cuando fue escuchado tocando en un subte por la que era agente de ambos, Vicky Hamilton. Varios meses después, Slash audicionó para tocar en una banda con Rose e Izzy Stradlin, pero otros guitarristas fueron elegidos, entre ellos Tracii Guns. Luego de que Guns no pudiera hacer un concierto en Seattle, Slash y Steven Adler se juntan con Rose, Stradlin y Duff McKagan para formar Guns N’ Roses. En 1987 realizan su álbum debut, Appetite for Destruction, que al principio no fue bien recibido pero incluía canciones que se convertirían en clásicos de la banda, como: “Welcome to the Jungle”, “Sweet Child O’ Mine” y “Paradise City”
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LEYENDAS D`Portada!
LEYENDAS! Slash & Friends Durante meses (marzo - noviembre de 2009), Slash estuvo metido de lleno en la grabación de su primer álbum en solitario, que primeramente se llamaría “Slash and Friends” pero luego quedó en simplemente Slash. Slash ha estado muy comprometido con sus fans informándoles de los pormenores de la grabación y detalles del álbum a través de Twitter y Facebook. Este disco cuenta con la participación de numerosas estrellas, entre las cuales figuran:
También realizó canciones junto a artistas hispanos como la exuberante cantante de pop español, Marta Sánchez junto a la cual hizo un tema para el disco Azabache de la española y juntos realizaron la B.S.O. de una película realizada por Tarantino. En el 2007 colaboró con Paulina Rubio en la canción “Nada puede cambiarme”, donde Slash aparece tocando un solo de salida de dicha canción. Recientemente colaboró en un concierto con la cantante de Black Eyed Peas Fergie, tocando canciones como Barracuda (canción que incluye el juego Guitar Hero III en el cual colab-
ABOUT 1414ABOUT ! ! MUSIC music
y «Sweet Child O’ Mine» (canción original de Guns N’ Roses). En el 2009, Slash aparece en la canción “Rockstar 101” del álbum de Rihanna, Rated R. El 7 de noviembre aparece en los premios EMA de MTV presentando la categoría de mejor presentación en vivo. Además de su reciente participación junto a los Black Eyed Peas, en el Super Bowl XLV en febrero del 2011. Interpretó Sweet Child O’ Mine junto con Fergie. También colaboró en la película “Sid & Nancy” como Punk Rocker (papel secundario).
• Ian Astbury & Izzy Stradlin en “Ghost” • Ozzy Osbourne en “Crucify the Dead” • Fergie en “Beautiful Dangerous” • Myles Kennedy en “Back from Cali” • Chris Cornell en “Promise” • Andrew Stockdale en “By the Sword” • Adam Levine en “Gotten” • Lemmy Kilmister en “Dr. Alibi” • Dave Grohl & Duff McKagan en “Watch This/Watch This Dave*” • Kid Rock en “I Hold On” M. Shadows en “Nothing to Say” • Myles Kennedy en “Starlight” • Rocco DeLuca en “Saint Is a Sinner Too” • Iggy Pop en “We’re All Gonna Die” • Alice Cooper & Nicole Scherzinger en “Baby Can’t Drive” • Fergie & Cypress Hill “Paradise City”.
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LEYENDAS!
LEYENDAS ! LEYENDAS
S
u historia:
Una de las bandas de hard rock más populares de los setenta y renaciendo en los ochenta, Aerosmith ha entrado en la historia del rock combinando el blues rock, con la imagen de chicos malos de Rolling Stones y con el metal de Kiss, creando el estallido del metal de los años ochenwta. Hoy día todavía es de los grupos con mayor éxito del género metalero. Composición de la banda: Steven Tyler (vocalista), Joseph Perry y Brad Whitford (bajistas), Tom Hamilton y Joey Kramer (bateristas) Lugar de origen: Sunapee, Massachusetts (USA)
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Aerosmith se formó en Sunapee, un pequeño pueblo de New Hampshire, Massachusetts, en 1964, donde vivían sus integrantes: el vocalista Steven Tallarico ( que luego paso a ser Tyler ), los guitarristas Joseph Perry y Brad Whitford, el bajista Tom Hamilton y el baterista Joey Kramer, e iniciarón tocando temas compuestos por Steven y hacían versiones de temas de los Beatles y los Rolling Stones. En verano de 1970, Tyler conoce a Perry, para ese entonces Tyler había trabajado en tres bandas y con la última Chain Reaction, había grabado un disco. Esto im presionó a Perry y a su amigo Tom Hamilton que tocaban en un bar local con su banda Jam Band, por lo que le invitaron a oírlos
tocar, Steven no quedó muy impresionado con la calidad de la música pero supo que se podría crear algo grande. Tyler comenzó siendo vocalista y baterista al mismo tiempo pero para dedicarse solamente a cantar contrataron a Joey Kramer y a Ray Tabano ( guitarrista ), dos conocidos de Tyler. El grupo se fue a vivir a Boston y con el tiempo Tabano fue remplazado por Bradley Ernest Whitford. El nombre Aerosmith surgió por parte de Kramer, todos vivían bajo el mismo techo, trabajaban en empleos corrientes. Tyler en una panadería, Perry era conserje en una sinagoga, se pasaban el día comiendo arroz y verduras y viendo Los tres chiflados mientras escuchaban a Jeff Beck, Cream y Deep Purple. Querían ser la versión americana de Led Zeppelin u otros grupos británicos que no tenían equivalente en América, sus influencias siempre fueron claras, cuando empezaron sus conciertos cantaban canciones de sus ídolos hasta que encontraron su propio estilo. Los requisitos para su contratación no eran muchos, por 300 dólares y una caja de Milk balls, ellos hacían su show. En realidad siempre fueron un grupo que se concentró en conciertos, nunca quisieron ser una banda de bares.
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LEYENDAS!
A
l comienzo de su carrera, a su madre no le gustaba la compañía de su hijo, por lo que no le permitía dormir en casa. A veces dormía en casa de un amigo y, otras, debajo de un puente. De ahí surgió “Something In The Way” que habla, precisamente, de lo que se siente al dormir debajo de un puente -y no en casa de un amigo, claro-.
ESPECIAL ! LEYENDAS La canción fue grabada en sólo tres tomas con todo el grupo tocando a la vez, espoleados por la inmediatez del punk. - Nevermind ha vendido más de 15 millones de copias. Fue el disco que desbancó del número 1 a Dangerous de Michael Jackson.
- Un buen día Kurt y Krist Novoselic decidieron cambiar el nombre de su grupo por el de Nirvana, que es una palabra del sánscrito que significa el estado de la suprema sabiduría. ¿Y cuál era el nombre que dejaron atrás? Ed Ted and Fred and Fecal Matter -Ed Ted y Fred y la Materia Fecal-. Similar, desde luego.
Las anécdotas de
Kurt Cobain y
Nirvana
ABOUT!! 18 ABOUT 12 18 music MUSIC
- Después de una actuación bastante mala en 1988, Kurt y Krist Novoselic estaban tan enfadados con su primer batería, Chad Channing, que decidieron romperle la batería en el escenario. Lo que hicieron pronto se convirtió en una rutina si los conciertos salían mal. ¿Y si salían bien? Entonces rompían sus instrumentos porque estaban contentos. - “Smells Like Teen Spirit” le debe su título a una amiga de Kurt. Una noche, bastante bebidos, ambos estaban discutiendo sobre la revolución juvenil, y su amiga acabó escribiendo en una pared “Kurt huele a espíritu adolescente”. Kurt se inspiró en eso después de llegar a la conclusión de que podría ser alguien capaz de inspirar una rebelión juvenil. Lo que su amiga pensaba de verdad es que Kurt olía a un desodorante ABOUT llamado Teen Spirit del que music Kurt, hasta entonces, ni había oído hablar.
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Con respecto a la imagen que tenía la gente del álbum, Kurt se sentía culpable y llegó a confesar: “Todos piensan que nos hemos gastado algo así como ocho millones de dólares en el disco y que nos llevó como seis meses, cuando lo cierto es que nos llevó tres semanas.” A pesar de que no fue un disco caro, estuvo lejos de costar los -únicamente- 600 dólares que costó su debut, Bleach.
- En la entrega de premios de la MTV de 1992, mientras interpretaban “Lithium”, el bajista Krist Novoselic lanzó su bajo al aire y no lo pudo coger. Cayó en su cabeza y lo tiró al suelo. Kurt, que no lo había visto, empezó a gritarle por no seguir el ritmo. En la misma ceremonia, Kurt envió a alguien disfrazado de Michael Jackson a recoger uno de los premios para Nirvana y le hizo decir: “¡Soy el rey del grunge!”. Ya sabemos en qué se inspiró James Cameron, el director de Titanic, a la hora de recoger su Oscar. - Los informes policiales afirman que Kurt murió el día 5 de abril de 1994. Sin embargo, su madre afirma haber recibido una llamada de su hijo en la noche del 6 de abril. Conviene recordar que su cuerpo fue encontrado el día 8 en su propia casa. Para más misterio, un detective asegura que Kurt se había inyectado tres dosis de heroína antes de morir y que, así, no se hubiera podido levantar ni, mucho menos, apretar el gatillo. Eso sin hablar de la película que parecía conducir a la teoría de que Courtney Love había sido la que había urdido un asesinato. Como siempre en estos casos -recuerda lo de Marilyn Monroe-, ya tenemos munición para llenar libros con las teorías más dispares. - En sus diarios, publicados en 2002, aparece la frase “Hope I die before I turn into Pete Townshend” (“Espero morir antes de convertirme en Pete Townshend”. La frase más famosa del himno “My Generation” de The Who, compuesta por Townshend años atrás, decía: “Hope I die before I get old” (“Espero morir antes de llegar a viejo”). Pete Townshend está vivo y Kurt Cobain no.
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LENNY KRAVITZ
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LEYENDAS!
“Aunque derivativo, Kravitz, un hombre orquesta que interpreta casi todos los instrumentos de sus Lps, es un hábil artesano de la composición, un notable sintetizador de diversos estilos.” ABOUT 20 ABOUT ABOUT !!! 2014 MUSIC music MUSIC
N
acido en Nueva York en 1964 a Lenny Kravitz siempre le ha gustado promover un estilo retro, sin embargo nunca se ha estancado y se ha permitido explorar varias vetas. Con una estética de hippie de diseño, temáticas sobre amor, paz, Dios y racismo, una imagen presuntamente sexy y una amalgama de rock, funk, soul, psicodelia y pop, Lenny Kravitz revivió los sonidos pretéritos de varios de sus diversos ídolos, desde Jimi Hendrix a Sly Stone, desde Curtis Mayfield a John Lennon, pasando por Led Zeppelin, Prince, George Clinton, James Brown o Smokey Robinson. Aunque derivativo, Kravitz, un hombre orquesta que interpreta casi todos los instrumentos de sus Lps, es un hábil artesano de la composición, un notable sintetizador de diversos estilos. Sabe crear, producir y arreglar composiciones pegadizas de gran sencillez lírica y riffs potentes, conjuntados con baladas de notable factura melódica, ofertando discos muy escuchables que aúnan temas de gran solidez y piezas de relleno. En la urbe angelina, Lenny formó parte del California Boys Choir y desde temprana edad ya sabía tocar la guitarra, el bajo, la batería y el piano, instruyéndose también en el Beverly Hills High School. En los años 80 intentó lanzar sin éxito una carrera profesional con el seudónimo de Romeo Blue. Posteriormente se trasladó a Nueva York con su novia, la actriz de “El show de Bill Cosby”, Lisa Bonet, gracias a la que conoció a Henry Hirsch, ingeniero de sonido que se convirtió el bastión principal para dar inicio a su trayectoria en la industria musical. En 1987 Lenny contrajo
matrimonio con Lisa y dos años después publicó en Virgin su disco debut “Let Love Rule” (1989), álbum con sonidos rock, funk, soul y psicodélicos con influencias primordiales de Prince y The Beatles. Entre sus canciones destacan “Mr. Cab Driver”, intenso tema sobre el racismo con un musculoso bajo dominando el desarrollo de la canción, la lisergia de “I build this garden for us” o la balada “Let love rule”, que incidía en su materia sobre el amor y el pacifismo. La estrella del pop, Madonna, se manifestó como una de sus más acérrimas fans, triunfando en single en 1990 con un tema co-escrito por Kravitz, “Justify my love” (número 1 en el Billboard). En la época en la que apareció en el mercado “Mama Said” (1991), el matrimonio entre Lisa y Lenny ya se había roto (con rumores de infidelidad con Madonna), afectando seriamente al músico, quien dedicó el álbum, con un glamouroso Kravitz en la portada, a su ex esposa.
El disco de nuevo plasmaba su talento para la producción y la composición, con temas rockeros como “Always on the run” (número 8), en el que aparecía Slash (Guns N’ Roses) en la guitarra o la excelente balada soul “It ain’t over ‘till it’s over” (número 2). En 1992 Lenny colaboró con la actriz y cantante francesa Vanessa Paradis, componiendo, interpretando la mayoría de los instrumentos y produciendo a lo Phil Spector el Lp “Vanessa Paradis” (1992).
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ABOUT STAR!
Jimi Hendrix, su gran ídolo junto a John Lennon, fue el inspirador de uno de los singles cumbre de su carrera, “Are you gonna go my way”, tema hard-rock de espectacular riff guitarrero que daba título a su tercer Lp, publicado en el año 1993. El disco, con su habitual mezcla entre baladas y temas rock, ofrecía una travesía por el rock (“Is there any love in your heart?”) la psicodelia (“My love”), el soul (“Black Girl”), el funk (“Come on and love me”) e incluso el reggae (“Eleutheria”). Su maestría en las baladas se ejemplificaba en “Believe” y “Heaven help”, dos de los cortes más logrados del álbum en los que abordaba su habitual contacto y anhelo religioso. En 1993 también se asoció con su buen amigo Mick Jagger, adaptando ambos el tema del soulman Bill Withers “Use me”, incluido en el disco de Jagger “Wandering Spirit”. Con el miembro de los Rolling Stones volvió a colaborar en el disco
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“Goddess in the doorway” 2001), componiendo junto a Mick el mejor tema del disco, “God gave me everything”. “Circus” (1995) es uno de los discos más sombríos de su trayectoria. Prorrogaba las pautas de sus previos trabajos y enfatizaba sus aspectos más espirituales, subrayado por la enfermedad terminal de su madre que falleció en la parte final del año de la publicación del álbum. Presentado por el cínico tema “Rock and roll is dead”, contiene temas como “Can’t get you off of my mind”, la power popera “Magdalene”, “God is love” o el homónimo “Circus”, tema de fenomenal riff con enfoque pesimista sobre el “mundo real”.Cansado de tanta crítica banal por su música retro, Kravitz se apuntó a ciertas moderneces sin perder su habitual estilo con “5” (1998), un irregular disco con predominio de sus herencias soul y funk.“Fly away” (número 1), la pieza más rockera del Lp, es
uno de los mejores singles de toda su carrera. En 1999 grabó una versión del clásico “American Woman” de los Guess Who y un año después publicó un Lp de grandes éxitos, “Greatest Hits” (2000), que incluía el single “Again”.. “Lenny” (2001) fue su sexto trabajo en estudio. El álbum está correctamente producido y arreglado, pero las composiciones no van más allá de su habitual resonancia y en su recorrido hallamos bastantes piezas formulistas sin demasiada sugestión a pesar de laconstrucción de riffs y creación de estribillos y ritmos.Incluye, como siempre, temas muy aprovechables, como “Dig in”, “If I could fall in love”, “Stillness of heart” o las baladas “A million miles away” y “Yesterday is gone”. La continuación de este álbum fue “Baptism” (2004), disco presentado con el single “Where are we running”. Cuatro años después publicó “It Is Time for a Love Revolution” (2008), un disco que incluye los singles “Bring It On” y “I’ll Be Waiting”. Su último trabajo es “Black And White America” (2011).
Los Goo Goo Dolls regresan con
“Magnetic” El primer sencillo que se desprende de este disco, se titula “Rebel Beat,” y ha comenzado a sonar esta semana en la Unión Americana y el resto del mundo.
L
os nominados al Grammy por múltiples ventas que les han dado varios discos de platino en los Estados Unidos, Goo Goo Dolls anunciaron el lanzamiento de su nuevo disco titulado “Magnetic”, el cual saldrá a la venta el próximo 7 de mayo a través de su sello discográfico Warner Music.El primer sencillo que se desprende de este disco, se titula Rebel Beat y ha comenzado a sonar esta semana en la Unión Americana y el resto del mundo. El guitarrista John Rzeznik, el bajista Robby Takac y el bateris-ta Mike Malinin grabaron
este nuevo disco en ciudades como Nueva York, Londres y Los Ángeles junto a Gregg Wattenberg (Train), Rob Cavallo (Green Day), John Shanks (Bon Jovi) y Greg Wells (Katy Perry).“Magnetic” es el décimo disco de estudio de la banda originaria de Buffalo, NY. “Estoy muy orgulloso de nuestro nuevo disco”. Comentó Rzeznik. “Creo que existe un aura llena de energía en cada una de las canciones… el grabar y producir este disco cambió la forma en la que concebía este proceso y la convirtió en algo mucho más ligero y divertido”, aseveró el integrante de los Goo Goo Dolls. Son la única banda que tiene 3 canciones en el Billboard’s “Top 100 Songs from 1992-2012″ chart, incluido el No. 1 Iris John Rzeznik fue galardonado con el premio David Starlight Award por parte del
Salón de la Fama de los compositores y han compartido el escenario con algunas de las estrellas más importantes como lo son Los Rolling Stones hasta Taylor Swift, quién recientemente realizó un cover del tema Iris junto a Rzeznik en uno de sus últimos conciertos de su gira por Estados Unidos. “Magnetic” es el décimo disco de estudio de la banda originaria de Buffalo, NY.
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NEWS!
Nuevos discos que harán que 2013 sea un buen año En los próximos meses se divisa un jugoso panorama musical con un calendario de lanzamientos plagado de grandes nombres. U2 Título: Según la rumorología, 10 reasons to exist. Fecha de lanzamiento: Septiembre (por confirmar). La banda irlandesa quiere publicar la continuación de No line on the horizon (2009) en septiembre del presente año, según desveló el baterista Larry Mullen en una reciente entrevista en una emisora de radio irlandesa, con la producción de Danger Mouse. Un
BLACK SABBATH Título: 13 Fecha de lanzamiento: Junio Tres de los cuatro miembros fundadores de este tótem del heavy metal publicarán en junio su primer disco conjunto en 35 años, desde el Never say die de 1978. Llevará por título 13 y en los tambores estará Brad Wilk de Rage Against the Machine, después de que problemas legales y diferencias económicas mandaran al baterista origianl, Bill Ward, fuera de la lucrativa reunión.
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DEPECHE MODE Título: Delta Machine Fecha de lanzamiento: 26 de marzo Su esperado nuevo trabajo discográfico verá la luz el 26 de marzo con el título de Delta machine. Dave Gahan, Martin Gore y Andy Fletcher presentarán sus nuevas canciones en julio en el Bilbao BBK Live Festival, incluyendo su recién estrenado sencillo Heaven.
BON JOVI Título: What about now? Fecha de lanzamiento: 26 de marzo Al igual que Depeche Mode, el 26 de marzo es la fecha elegida para el lanzamiento mundial de lo nuevo de Jon, Richie, Tico y David, llamado What about now? El primer sencillo de adelanto, Because we can, lleva semanas sonando a modo de calentamiento de una gira europea que por ahora no tiene fechas en España, aunque aún se pueden esperar sorpresas.
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