ARTic Greta Gomez by gretagomez

ARTic Octubre ‘14

ART HISTORY

México #1 $35.00

/RevistaARTICmx

Constructivismo

ARTic ART HISTORY Octubre ‘14

Orígenes de la modernidad

Edad antigüa

Edad media

Edad moderna

Periódo histórico

Siglo XIX

Vanguardia histórica

Fauvismo

Cubismo

Expresionismo

Futurismo

Dadaísmo

Surrealismo

Suprematismo

Neoplasticismo

Arte entre guerras

Siglo XX años 50

Arte pop

Minimalismo

Op art

Arte cinético

Land art

Arte conceptual

Arte corporal

Neoexprecionismo alemán

Hiperrealismo

Siglo XX años 60

Fluxus

Concepto de posmodernidad

Arquitectura contemporánea

Arte contemporáneo

Arte contemporáneo en Latinoamérica 48

Contenido /RevistaARTICmx

ORIGENES DE LA

MODERNIDAD La Modernidad es un perido que esta en contra de la religión. Se crearon instituciones para el control social. Se dieron nuevas clases sociales que permitieron cierto grupo poblacional y la marginación.

Industrializo la producción para mas productividad y economía, tambien es un periodo de actualización y cambio permanente.

EDAD ANTIGUA Arte antiguo o Arte de la Antigüedad es el arte de la Edad Antigua. La historia del arte antiguo es la división de la historia del arte que se centra en su estudio e interpretación formal, técnica, estructural, e ideológica (iconográfica, iconológica) y en su explicación histórica; aunque la arqueología es la ciencia histórica cuyo objeto es la cultura material de la que las obras de arte son la manifestación más valiosa, y es la encargada de su descubrimiento y análisis contextual. Se inicio la escritura y llego a la caída del Imperio Romano en las manos de los barbaros en el siglo V después de Cristo en el año 476. Vivian en la Peninsula Iberica antes de la llegada de los romanos, en los pueblos se dedicaban a la agricultura y la ganadería.

fue asimilar las costumbres y creencias, y finalmente los romanos se apoderaron del territorio creando edificios, obras públicas, acueductos, anfiteatros, teatros y circos.

Busto de Nefertiti 1345 a.C

Atraido por las riquezas minerales llegaron a la península otros pueblos, mil a;os antes del nacionamiento de Cristo y los fenicios, los griegos y los cartagineses llegaron por el mediterraneo, y se fueron a unas costas a fundar colonias que llegaron a ser importantes focos comerciales. Los romanos llegaron en el a;o 218 antes de Cristo para dar inicio a la conquista de la Peninsula Iberica, y la llamaron Hispania. Su influencia es la base de nuestra cultura actual y llegaron a principios del siglo V d.C. Siguieron un proceso de romanización que

Coliseo romano 70 d.C. y el 72 d.C

EDAD MEDIA

El nacimiento de Venus, de Sandro Botticelli 1482-1484

Tambien llamado Escurantismo, la Edad Media es el periodo histórico de la civilización occidental entre el siglo V y el XV. Comenzo en el a;o 476 con la caída del Imperio romano de Occidente y su fin en 1492 en el descubrimiento de America o en la caída del Imperio Bizantino en 1453 y coincide con la fecha de la invención de la imprenta. 6

locación económica y las invasiones y asentamiento de los pueblos germanos en el Imperio romano, hizo cambiar la faz de Europa. Durante los siguientes 300 años Europa occidental mantuvo una cultura primitiva aunque instalada sobre la compleja y elaborada cultura del Imperio romano, que nunca llegó a perderse u olvidarse por completo.

Pantocrátor del ábside de Sant Climent de Taüll, MNAC.

Ningún evento concreto determina el fin de la antigüedad y el inicio de la edad media: ni el saqueo de Roma por los godos dirigidos por Alarico I en el 410, ni el derrocamiento de Rómulo Augústulo (último emperador romano de Occidente) fueron sucesos que sus contemporáneos consideraran iniciadores de una nueva época. La culminación a finales del siglo V de una serie de procesos de larga duración, entre ellos la grave dis-

David de Miguel Ángel 1501-1504

EDAD MODERNA

Las meninas Diego Vel谩zquez 1656

Es el periodo en que triunfan los valores de la modernidad frente al periodo anterior que es la Edad Media y la definen como una Edad oscura, atraso, aislamiento y oscurantismo. Desde 1453, donde ocurrio la Toma de Constantinopla por los turcos, hasta el a;o 1789, fecha donde empez贸 la Revolucion Francesa. A pesar de corta duraci贸n fue un adelante material e intelectual. 8

La gioconda de Leonardo Da Vinci 1503-1506

Una de las características de la Edad Moderna es el sentido Antropocentrico de la vida en donde la naturaleza y el hombre fueron lo central en estudios científicos y literarios. Tambien el carácter individualista del hombre moderno, la concepción antropocéntrica hizo del hombre moderno un hombre con comportamiento individualista. Los momentos mas importantes de la modernidad * Los grandes avances

europeas y los nuevos Estados del Siglo XVIII.

científicos y tecnológicos al inicio de la Edad Moderna. * Los grandes descubrimientos geográficos, que permitió el conocimiento de la mayor parte de la Tierra. * El Renacimiento, es decir, el florecimiento de las Artes y las Letras en Europa Occidental, así como la trascendencia de la Reforma y la Contrarreforma religiosas. * La formación de las grandes monarquías

* El desarrollo cultural de la Edad Moderna. El Mercantilismo se le denomina como un conjunto de ideas políticas y fue la teoría predominante a lo largo de toda la Edad Moderna. El Humanismo en la Edad Moderna fue en el siglo XV donde marco inicio a una serie de cambios en la civilización europea occidental, tambien

puede definirse como la dimensión intelectual del Renacimiento, su nacimiento se ubica fundamentalmente en los Paises Bajos. La Burguesia prospero y se desarrollo como una fuerza social cada vez mas influyente durante el Antiguo Regimen pero entre su poder económico y su ausencia de poder político la llevo a la Edad Moderna y la Edad Contemporanea, denominadas como las revoluciones burguesas.

PERIODO HISTORICO En lo económico las sociedades anteriores de la revolución industrial viven con una economía de subsistencia. Las actividades económicas son independientes por lo tanto no existe una economía verdadera. Sin embargo durante todo este periodo se produces 2 tendencias:

Retrato de Luis XIV de Hyacinthe Rigaud 1701

-Se elimina la tendencia a la autarquía (uno produce todo lo que necesita) y por lo tanto se reconoce la necesidad de comerciar. -Es la innovación tecnológica. A principios de la edad moderna entre Europa y el resto del mundo no hay diferencia sustancial excepto en el sector de armamento pero a lo largo de la edad moderna la configuración de la ciencia y numerosos inventos preparan la revolución industrial. La filosofía natural en la Edad Moderna puede dividirse en dos grandes períodos: primero, el paso de la Edad Media a la Edad Moderna a través del Renacimiento; segundo, la filosofía natural moderna propiamente dicha, precursora (o idéntica) a las revoluciones científicas de la modernidad. La axiología en la Edad Moderna no sólo trata en su mayoría intelectual y moral de los valores positivos,

sino también de los valores negativos, analizando los principios que permiten considerar que algo es o no valioso, y considerando los fundamentos de tal juicio. La investigación de una teoría de los valores ha encontrado una aplicación especial en la ética y en la estética, ámbitos donde el concepto de valor posee una relevancia específica. Algunos filósofos como los alemanes Heinrich Rickert o Max Scheler han realizado diferentes propuestas para elaborar una jerarquía adecuada de los valores. En este sentido, puede hablarse de una ‘ética axiológica’, que fue desarrollada, principalmente, por el propio Scheler y Nicolai Hartmann. El arte de la Edad Moderna es el período o subdivisión temporal de la historia del arte que corresponde a la Edad Moderna. No se ha de confundir con el concepto de arte moderno, que no es cronológico sino estético, y que corresponde a determinadas manifestaciones del arte contemporáneo.

Puerto con el embarque de la Reina de Saba de Claude Lorrain 1648

El Barroco fue la expresión fuerte del cuerpo en la Edad Moderna, el Rococo fue el exceso de lujo y el Neoclasico fue la parte de la limpieza.

El columpio de Jean-HonorĂŠ Fragonard 1767

El SIGLO XIX se tienen en cuenta las distintas escuelas europeas. La supremacía de los autores anglosajones fue exportada, a principios del siglo XX, al nuevo continente. En España, inmersa en importantes convulsiones políticas, el desarrollo de la cirugía en general, y de la Traumatología y Ortopedia de forma específica, fue siempre a remolque de las aportaciones de los autores europeos.

La ciencia y la economia en el siglo XIX se retroalimentarian, sufriria dos fuertes revoluciones industrials, la primera acaecida entre 1750 y 1840, y la segunda entre 1880 y 1914. Las aportaciones científicas en el siglo XIX se producen a gran velocidad y saltando de escenarios en los diversos paises europeos. Pese a ello, de forma clásica, para estudiar la cirugía del siglo XIX

SIGLO XIX

Sunday afternoon on the Island Grand Jatte de Georges Seurat 1864

En la política las nuevas ideas del anterior siglo sentarían las bases para las revoluciones burguesas, revoluciones por el mundo mediante el imperialismo y la búsqueda de la alianza con el movimiento obrero. En filosofía surgirían los principios de la mayor

parte del pensamiento contemporáneo, corrientes como el idealismo absoluto, el materialismo dialectico, el nihilismo y el nacionalismo. El arte demoraría en iniciar el proceso de vanguardizacion pero quedaría cimentado en movimientos como el

impresionismo. El Romanticismo se dio a principios del siglo XIX, se produce un primer movimiento romántico tradicionalista, pero años más tarde tomó auge otro movimiento revolucionario y liberal. Se trata de un movimiento que tiene su origen en Europa, que

llegará a España de manera tardía y menos radical. Los temas propios del Romanticismo: * la historia, * el amor idealizado o trágico, la pasión * la vida, la muerte, el sentido de la vida, el destino, a angustia exis-

SIGLO XIX tencial * el deseo de libertad * el patriotismo * la evasión * “el genio creador”, el artista nace, no se hace. * El Nacionalismo Los temas románticos fueron el egocentrismo, la libertad, el amor y la muerte, y la religión de los románticos. El romanticismo del siglo XIX fue la antítesis del neoclasicismo. La moderación, el racionalismo, la

pública inmoralidad serán tajantemente reemplazados por el exceso, el sentimentalismo, la búsqueda de crear una moralidad cada vez más inalcanzable. Los ideales cimentados por Rousseau, el precursor ideológico del romanticismo, culminarán en la Revolución francesa, que sería el punto de partida para la creación de una nueva época. La revolución será constantemente evocada a lo largo del siglo, junto con ideales como la libertad, la independencia y el nacionalismo, en ese entonces perteneciente a la izquierda política. Los pilares son el individualismo burgués, que quedaría plasmado en el subjetivismo literario; la evasión de la realidad, en pro de la creación de una nueva sociedad mejorada; la exaltación de la naturaleza, en la cual suponían que el Hombre estuvo exento de dramas y dificultades.

Libertad guiando al pueblo de Delacroix 1830

La clase de danza de Degas 1873

VANGUARDIA HISTÓRICA Entre las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del siglo XX, en casi todos los países con un cierto grado de desarrollo industrial se puso de manifiesto un sentido del presente y un ansia de romper con los estilos del pasado. Fue un momento agitado y complejo, en el que la búsqueda de lo nuevo convivía con la

permanencia del pasado: rechazo de la máquina y aceptación de nuevas tecnologías que exploraban o anticipaban el futuro, agitación social y anarquismo a la par que consolidación de los valores de la cultura burguesa, además la crisis arte-sociedad se evidencia siendo la característica que conlleva la vanguardia.

Para entender las razones por las que las vanguardias artísticas se desarrollaron, es necesario echar la vista atrás, al siglo XIX. Tres acontecimientos políticos, la constitución de la segunda y la tercera República Francesa 1848 y 1871 y la Primera Guerra Mundial 1914, provocaron una reacción intelectual en contra de la sociedad de la época. Empieza así el estereotipo de artista incomprendido, bohemio y comprometido con una serie de valores contrarios a todo ese mundo convulso que provocaba situaciones miserables y desafortunadas.

FAUVISMO

Charing cross Bridge de ANdré Derain 1906

El Fauvismo cuestiona el Arte como representación de la realidad, abogando por un arte subjetivo que expresa sentimientos por medio del color. Término acuñado por el crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar una exposición fauve es el término francés para fiera, lo denomina así por su violencia cromática, por sus agresivos contrastes, tintas planas, simplicidad en el dibujo y su ausencia de claroscuro. Los historiadores lo consideran una reacción al Impresionismo. Si éste trataba de enfrentarse a la realidad por medio de la visión, el Fauvismo intenta pintar con la mente. Sus autores principales son Matisse, Derain, Dufy y Braque.

CUBISMO

Señoritas de Avignon de Pablo Picasso 1907

Cubismo es el nombre que se le dio al movimiento desarrollado principalmente por el español Pablo Picasso y Braque. Curiosamente fue también L. Vauxcelles el encargado de denominar al movimiento. Se caracteriza por destruir la óptica renacentista como único punto de vista. Es capaz de representar varios puntos de vista a la vez en una misma imagen, superando así a su rival representativo, la fotografía. Afirma la bidimensionalidad aunque sugiere cierta profundidad con un particular claroscuro.

EXPRESIONISMO Expresionismo, estilo surgido en Alemania que trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista. Forma, color y textura están al servicio de esa transmisión de los estados de ánimo del autor. Supone el inicio de la pintura abstracta en sentido estricto ya que se desvincula por fin del referente. Es una pintura subjetiva que deforma y exagera. Sus grandes influencias fueron autores consagrados como Goya, el Greco, y otros más recientes como el belga James Ensor y el noruego Edvard Munch. Los dos grandes grupos de artistas del movimiento fueron los llamados “Die Brücke” (el puente) en Dresde formado principalmente por Ernst Kirchner y Emil Nolde y “Der blazer Reiter” (el jinete azul) compuesto por Vasily Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee en Munich, ambos con objetivos y rasgos comunes aunque con alguna diferencia estilística que les dividía.

El grito de Edvard Munch 1893

FUTURISMO

Blue Dancer de Gino Severini 1912

Futurismo, el primer manifiesto futurista se publica el 20 de febrero 1909, en el periódico parisino “Le Figaro”, escrito por Filippo Marinetti, escritor italiano, que casi con un rigor dogmático no dudaba en afirmar que “un automóvil rugiente, es más bello que la Victoria de Samotracias”. Con ello se exaltaba la modernidad, lo tecnológico, lo mecánico y rompe una lanza a favor de sus cualidades estéticas de estos objetos indus-

triales infravalorados según esta vanguardia. Aunque el movimiento acaba pronto, en 1914 y 16, tras la I Guerra Mundial algunos de sus componentes radicalizan sus posiciones y se relacionan ideológicamente con el fascismo italiano en las elecciones de 1919. Sus mayores exponentes fueron Humberto Boccioni, Gino Severino y Giacomo Balla.

DADAISMO

Aello de Francis Picabia 1930

Dadaismo, el más radical y agresivo de los -istmos de principios de siglo nació en Zürich (Suiza) obra de Tristan Tzara. Fue una vanguardia anarquista que se mostró rotundamente en contra de cualquier norma social, moral o estética. Contundente, destructor y provocador, basado en lo absurdo, lo elemental, lo casual y lo azaroso; la misma palabra dadá que designó el movimiento se escogió de modo arbitrario en un

diccionario. Su objetivo principal era cuestionar unos criterios artísticos fuertemente afianzados y aceptados en la época. Era el nacimiento de lo que hoy denominamos arte conceptual. Además de Duchamp, los componentes de este grupo fueron Hans Arp, Francis Picabia, M. Ernst y el fotógrafo Man Ray.

SURREALISMO

The son of man de René Magritte 1964

El Surrealismo comienza con un manifiesto escrito esta vez por el poeta André Breton. El término lo acuña el escritor G. Apollinaire. Se desarrolla, como se puede deducir por las fechas, en un periodo inestable de entreguerras en el que los intelectuales tratan de comprender la profundidad psíquica del hombre, los sueños, lo inconsciente. Los escritos y teorías del psicoanálisis de Sigmun Freud aportó base científica e ideológica, y las obras de Füsli y Blake la influencia artística. Parte fundamental esta tendencia fue la escultura. Giacometti, Henry Moore, Alex Calder, M. Ernst y Man Ray.

SUPREMATISMO

Suprematism de Krasnodar 1916

El Suprematismo fue una vanguardia de origen ruso que comienza con el manifiesto de Casimir Malevitch. Busca la sensibilidad pura del arte a través de un lenguaje plástico nuevo, sin referencias figurativas ni influencias artísticas previas. Evita cualquier referencia de imitación a la naturaleza recurriendo a módulos geométricos de formas puras y perfectas de color austero, en especial el uso del blanco y el negro con algún color poco saturado.

CONSTRUCTIVISMO

Monumento a la Tercera Internacional de Vladimir Tatlin 1920

Constructivismo, esta nueva vanguardia comparte origen y fechas con la anterior, por lo que su desarrollo es paralelo y ambas se vigilarán de reojo en su evolución. El constructivismo, con alta carga política e ideológica propia de la revolución rusa, pretende la unión entre las artes, pintura, escultura y arquitectura, por lo que comparte objetivo con una del las escuelas más famosas de la Historia del Arte, la Bauhaus. Este hecho no es casual, pues varios constructivistas fueron profesores o impartieron seminarios en algún momento en dicha escuela alemana. Sus autores principales fueron Vladimir Tatlin, El Lissitzky, Antón Pevsner y Naum Gabo. Prueba de lo completo de este movimiento es su manifestación cinéfila obra de Eisenstein, quien tiene en la cinta de “El acorazado Potemkin” un gran ejemplo.

NEOPLASTICISMO

Composition with red, yellow and blue de Piet mondrian 1935-1942

El Neoplasticismo, de origen holandés, el grupo que lo desarrolló recibió el nombre de “De Stijl” debido al nombre de la revista en la que trabajaban sus componentes y en la que publicaban sus escritos. Fue una prolongación de los valores estéticos el constructivismo, aunque sin su ideología y compromiso político. Demostraron su intento por aunar disciplinas en proyectos completos. Diseñaban el edificio y el interiorismo muebles, colores de las paredes, colocación de los mismos en un mismo proyecto porque entendían que no eran conceptos distintos. Con ánimo de huir de las referencias naturales recurrieron a las formas geométricas puras y a los colores saturados, especialmente los primarios y el negro para dar contraste. Sus principales componentes fueron Theo van Doesburg, y Piet Mondrian.

ARTE ENTRE GUERRAS El arte de las dĂŠcadas de los aĂąos 20 y 30 se siguiĂł desarrollando en los marcos de la inestabilidad general ocasionada por la guerra. Sin embargo, el desarrollo industrial continuaba: nuevas formas se imponen, y el arte -de alguna maneracomienza a popularizarse.

ARTE ENTRE GUERRAS El desarrollo del arte en las décadas de 1920 y 1930 siguió básicamente las tendencias que se venían dando especialmente en Europa y Estados Unidos después de la Primera Guerra Mundial. En el ámbito de la pintura y la escultura, el surrealismo llegó, así como siguió evolucionando la corriente cubista y constructivista, con nuevos exponentes. La arquitectura moderna desarrolló un nuevo concepto, partiendo de una realidad social que había cambiado: el problema de la vivienda entre la población trabajadora. De esta forma, la escuela de la Bauhaus se consolida y comienzan a elaborarse, paralelamente a Le Corbusier proyectos de urbanización. La sociedad industrializada del siglo XX, con la abundancia de productos, que a su vez genera deshechos, promueve la creación de corrientes artísticas como el “ready-made” cuyo máximo exponente es Marcel Duchamp. Paralelamente, surge una nueva corriente “el Art Déco” que surge como reacción a la sinuosidad y exceso de elaboración del Art Nouveau y que se expresa con una estética nueva celebrando el auge de la maquinización. El diseño de interiores, la joyería, la moda, y diversos artículos utilitarios, son elaborados por artistas de esta corriente. En otra área, el auge de los medios de prensa y la publicidad creciente de los espectáculos promovió el auge del comic y el arte del poster.

SIGLO XX AÑOS 50 Hubo un acelerado crecimiento económico (el mayor del siglo) de los países americanos y europeos, inclusive los mas perjudicados en la segunda guerra mundial lograron un aumento productivo y económico. Se produce una gran expansión industrial, fundamentalmente en los EE.UU. , país que no había sufrido daños en su infraestructura industrial, urbana, de transporte y comunicaciones en la gran guerra. Esto hizo que sacara ventajas en la competencia mundial, y de aquí que tenga gran preponderancia sobre los demás países.

ARTE POP

Marilyn (on blue) de Andy Warhol 1967

Arte Pop, es un movimiento artístico, surgido al final de los años cincuenta en Inglaterra y caracterizado por el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas y aplicados al arte de la pintura. El término fue utilizado por primera ver por el crítico británico Lawrence Alloway en 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo, utilizando imágenes populares dentro del arte. Puede afirmarse que el pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (pop), caracterizado por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en un objeto más de consumo.

Andy Warhol

MINIMALISMO

Red, blue and green de Ellsworth Kelly 1963

El minimalismo como corriente artística nace en los años 60, como una reacción ante el expresionismo abstracto, que le precedió en las décadas de 1940 y 1950. En los años 60 el término minimalista fue algo despectivo, que resaltaba dos carencias: la carencia estética y la carencia técnica. La primera se refiere a la excesiva depuración formal; se acusaba al arte minimalista por su simplicidad, afirmando que daba muy poco que observar. La segunda carencia alude a la aparente falta de trabajo del artista; se consideraba que las obras minimalistas eran fáciles de realizar. Acusar al minimalismo de estas dos carencias simplemente resalta la incomprensión de esta forma artística.

OP ART

Zebra de Victor Vasarely 1937

El Op Art es un movimiento nacido en los Estados Unidos en el año 1958, se empleó por primera vez en 1964 en la revista Times. Es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica. Se ha cuestionado si el arte óptico debe considerarse incluido en el ámbito del arte cinético.

ARTE CINETICO

The twister star huge de lyman Whitaker

El arte cinético es una corriente artística, principalmente pictórica y escultórica, basada en el movimiento. Las obras cinéticas están dotadas de movimiento real, juegan con efectos ópticos que lo simulan o incluso provocan que sea el propio espectador el que se mueva para experimentar con sus distintas interpretaciones. Fue en la extinta Unión Soviética, en 1920, cuando Naum Gabo y Antoine Pevsner aprovecharon su Manifiesto Realista para hacer alusión por primera vez al arte cinético, corriente que se hizo especialmente popular en las décadas de los 60 y 70. El arte cinético no sólo está presente en museos y galerías, sino también en los hogares: objetos móviles y coloristas con que se decoran las cunas, juguetes de movimiento continúo.

LAND ART

Spiral Jetty de Robert Smithson 1979

El Land Art es una corriente del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza como madera, tierra, piedras, arena, viento, rocas, fuego, agua etc. Esta expresión se ha traducido también como arte de la construcción del paisaje o arte terrestre. Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico. Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste estadounidense a finales de los años sesenta. Las obras más imponentes, realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, se llaman earthworks, (palabra que puede traducirse como “trabajo de tierras”.

ARTE CONCEPTUAL

Voaex de Wolf vostell 1976

El arte conceptual es una tendencia artística aparecida hacia 1965, que se aparta del concepto tradicional de creatividad y que, mediante la reducción de lo objetivo, tiende a un análisis sistemático de las condiciones bajo las que existe el arte como sistema. La idea está por sobre la materia, “las puras ideas pueden ser obras de arte”. Los procesos ideológicos que realiza el artista son accesibles al espectador gracias a textos, diagramas y fotografías circunscritos a la obra, en los que se define el sentido de ésta. El arte conceptual, como vemos, se aparta de la concepción tradicional de creatividad y, mediante la reducción de lo objetivo, tiende a un análisis sistemático de las condiciones bajo las que existe el arte como sistema.

ARTE CORPORAL

Youry Messen-Jaschi preparando una de suas obras,

El arte corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en los años 1960 en Europa y, en especial, en Estados Unidos. El creador de este movimiento fue Francisco Javier Martín López, mejor conocido como “Chupete” o “Chupe el Gordo”. Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce; el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior. Yves Klein, Bruce Nauman, Vito Acconci y Youri Messen-Jaschin tuvieron su fase en este movimiento.

NEOEXPRESIONISMO ALEMAN

Gerard Richter

El neoexpresionimo alemán, a tradición expresionista en la pintura alemana es notablemente superior a la de otros países europeos. Las vanguardias en Alemania de comienzos de siglo, se manifiestan a través de tendencias claramente expresionistas; Die Brucke y Der Blaue Reiter por ejemplo, pero no es solo un fenómeno del siglo XX. Esta manera de representación se remonta en el norte de Europa desde Matthias Grünewald, hasta Edward Munch. La subida al poder del nacional socialismo, la Segunda Guerra Mundial y la práctica del antisemitismo trató de imponer un nuevo orden, secuestrando la tradición alemana, los resultados como ya sabemos fueron dramáticos.

Hiperrrealismo

Le due Luci de Roberto Bernardi 2012

Hiperrealismo conocido también como Superrealismo, Realismo Fotográfico y Fotorrealismo, es un movimiento pictórico surgido en la década de los ‘60, cuyas técnicas aspiran a una precisión casi fotográfica. El Hiperrealismo busca mantener en la pintura la conexión con la visión fotográfica del encuadre y la traducción fiel de la escena. Por tanto, los temas son representados con exactitud minuciosa e impersonal en los detalles, por medio de una agudeza óptica llevada a cabo con tal virtuosismo técnico, que supera la “visión” del objetivo fotográfico.

Batman and peanut butter de Doug Bloodworth 2010

SIGLO XX AÑOS 60 El movimiento Pop-Art tiene sus inicios en los originales anuncios publicitarios de los años cincuenta y se caracteriza por la pintura en productos de consumo masivo;En la década del 60, la sociedad sufría transformaciones socioculturales que influyeron en la conducta de la población. La influencia de los medios de comunicación, de la publicidad y el mejoramiento económico impulsaron el consumismo de la sociedad; por su parte, los efectos del marketing, los avances tecnológicos y los nuevos materiales produjeron nuevas demandas sociales en busca de mayor confort.

FLUXUS

Es un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura. Tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y los setenta del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas 1931-1978. Este movimiento artístico tuvo expresiones en México, Estados Unidos, Europa y Japón. Fluxus estaba dirigido a impactar en el público como una imitación de lo intrínsecamente vital. La complejidad de los conciertos Fluxus y la colaboración de artistas de la talla de Joseph Beuys,Wolf Vostell, Nam June Paik y Charlotte Moorman desembocaron en interpretaciones que transmitían una visión muy especial e inconformista de la vida.

Posmodernidad

Concepto de posmodernidad La palabra Posmodernidad es el término que se utiliza para designar a la amplia gama de movimientos, culturales, artísticos, filosóficos y literarios que surgieron en el siglo pasado, más precisamente entre las décadas del setenta y el ochenta con el claro objetivo de oponerse a lo imperante: el movimiento moderno y por supuesto, también, superarlo. Si bien las corrientes que promovieron el movimiento posmoderno resultan ser diversas como mencionamos, la mayoría de ellas sí comparten la idea central que sustenta a cada una y que es lisa y llanamente que el movimiento moderno demostró ser un auténtico fracaso en sus intenciones de renovar ámbitos como el arte, la cultura, la filosofía y lo social.

Lipovetsky Lipovetsky analiza una sociedad posmoderna marcada, según él, por una separación de la esfera pública, y a la vez una pérdida del sentido de las grandes instituciones colectivas como sociales y políticas, y una cultura abierta con base en una regulación buena de las relaciones humanas como lo que es tolerancia, hedonismo, personalización de los procesos de socialización, educación permisiva, liberación sexual, humor.

El siglo XX. Inicio de la arquitectura contemporAnea La idea principal de la arquitectura contemporánea radica principalmente en rechazar aquellos estilos históricos que anterior a este se utilizaban. Frente a las tendencias clásicas utilizadas aun para el último tercio del siglo XIX, surge la arquitectura contemporánea la cual viene con una propuesta totalmente diferente a lo que ya existía. Basándose en el empleo de nuevas técnicas y nuevos materiales industriales, durante el siglo XX. Como notable, la revolución industrial ayudo en gran medida a transformación del contexto tecnológico y social de la construcción. Y aunque es difícil de aceptar, la revolución industrial fue causante de que los antiguos preceptos arquitectónicos hayan perdido importancia o valor. En orden es evidente el uso del hierro, vidrio y el acero en este caso el vidrio fue utilizado en grandes Estos materiales fueron fabricados masivamente y de manera se generaliza su uso en la edificación. Esta totalmente comprobado que el empleo de estos materiales reside en la claridad estructural, aparte de funcionar enteramente como elementos prefabricados.

EJEMPLOS: -El Crystal Palace de sir Joseph Pastón, es una de las construcciones donde es evidente el desarrollo de la arquitectura contemporánea. Esta estructura fue construido totalmente en cristal y acero forjado en el 1851, Londres. -Antoni Gaudí representa con su obra el nacimiento del modernismo catalán. - Destacados representantes del modernismo fueron Josep Puig i Cadafalch y Lluis Domènech i Montaner . Victor Horta y Henry van de Velde ejercieron una profunda influencia en la arquitectura racionalista posterior.

osep puig i cadafalch

Casa Tassel de Victor Horta

ARTE CONTEMPORANEO

Alessandro Pautasso

Se define como arte contemporáneo a todas las obras artísticas producidas en nuestra época. El arte producido en el siglo XIV era el arte contemporáneo de la gente que vivía en el año 1300. Lo contemporáneo, de todas formas, puede entenderse de diversas formas. Para algunos especialistas, el arte contemporáneo es aquel surgido en la historia inmediata en las últimas décadas. Para otros expertos, se entiende como arte contemporáneo al desarrollado a partir de la Segunda Guerra Mundial 1945. El término arte contemporáneo ha sido utilizado para designar genéricamente el arte y la arquitectura realizados durante el S. XX. El cuestionamiento de los principios artísticos que se inició en las últimas décadas del S. XIX tuvo una influencia decisiva en la formación del espíritu crítico propio del S XX. Esta revolución estética no depende de los arbitrios de una generación de artistas, ya que estos no hacen más que traducir las concepciones intelectuales y sociales de un momento histórico. Por tanto, son los cambios filosóficos, científicos y políticos los que exigen del arte una forma diferente de afrontar la realidad.

rupturas con los modelos de belleza dominantes en la época. No todas las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas son coetáneas y tienen interrelaciones entre sí. Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un orden cronológico, hasta la II Guerra Mundial tienen lugar las primeras vanguardias artísticas o vanguardias históricas, mientras que pasada la guerra aparecen las segundas vanguardias y el postmodernismo.

A finales del S. XIX y principios del S. XX Europa vivía en una situación caracterizada por la inestabilidad social, la rivalidad económica y política entre las distintas naciones, que desemboca en la Primera Guerra Mundial, y una fecunda productividad en el ámbito científico e intelectual. En ello el arte se vio afectado y empezaron a surgir múltiples corrientes que se denominaron “ismos”, eran las diferentes

Girl with plant de Richard Diebenkorn 1960

La herencia de Laura de Maggie Cardelus 2003

-ARTE CONTEMPORANEO EN LATINOAMERICA A través de la integración de arquitectura, escultura, pintura y artes decorativas, los actuales pueblos latinoamericanos, desde los tiempos prehispánicos, se preocuparon por hacer un arte ambiental que consiguiese comunicar un efecto monumental. Tras la conquista española, esta tendencia se minimizó, hasta que de nuevo se hizo incuestionable, especialmente a partir de 1950. Entre los ejemplos más espectaculares se hallan las universidades de México y Caracas y la ciudad de Brasilia que es la nueva capital de Brasil, un primer símbolo del espíritu fidedigno del arte y arquitectura contemporáneas en Latinoamérica. México emerge como centro del mundo artístico latinoamericano en la primera mitad del siglo XX. Entre sus múltiples expresiones artísticas merecen una mención especial los muralistas Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, en una línea figurativa y didáctica que difunde una aseveración cultural nacionalista y unas manifestaciones políticas revolucionarias. Con posterioridad a 1945 los artistas se manifestaron más interesados por los estilos de la vanguardia internacional que por un mantenimiento de los estilos característicos de la nación, como muestra la obra pionera del uruguayo Joaquín Torres García (Compolugarn symétrique universelle en blanc et noir, 1931, Malba, Colección Costantini). Numerosos artistas se sintieron atraídos por Nueva York o París, como los venezolanos Marisol Escobar y Jesús Rafael Soto, destacado ejemplo del arte cinético. La pintura y la escultura latinoamericanas del siglo XX se han caracterizado por un continuo coloquio entre lo figurativo y lo abstracto, lo nacional y lo internacional. En los últimos tiempos, el arte latinoamericano ha conseguido una proyección internacional espectacular, como exhiben los triunfos comerciales del mexicano Rufino Tamayo, el chileno Roberto Matta Echaurren o el colombiano Fernando Botero (Los viudos, 1968, Malba, Colección Costantini).

Sandias de Rufino Tamayo