Sergio Godoy, trabajo final de historia en GrisArt by GrisArt Escola Superior de Fotografia

Ansel Adams & Edward

Profesor: Rafa Badia Alumno: Sergio Godoy L贸pez Grupo: General I Trabajo final m贸dulo Historia I

GrisArt Escuela Superior de Fotograf铆a, 2013

Índice INTRODUCCIÓN

CONTEXTO HISTÓRICO, ARTÍSTICO Y BIOGRAFÍAS

FOTOGRAFÍA DIRECTA (“STRAIGHT PHOTOGRAPHY”) GRUPO F64 ANSEL EASTON ADAMS EL SISTEMA DE ZONAS LA OTRA CARA DE ANSEL ADAMS EDWARD HENRY WESTON FOTOGRAFÍAS DE EDWARD WESTON

4 5 7 11 13 17 20

COMPARATIVA FOTOGRÁFICA

ANSEL ADAMS (FOTOGRAFÍA 1) ANSEL ADAMS (FOTOGRAFÍA 2) EDWARD WESTON (FOTOGRAFÍA 1) EDWARD WESTON (FOTOGRAFÍA 2)

23 26 28 30

CONCLUSIÓN PERSONAL Y ANÁLISIS CRÍTICO

BIBLIOGRAFÍA

ANEXO

ENTREVISTA A ANSEL ADAMS FRASES Y CITAS DE ANSEL ADAMS FRASES Y CITAS DE EDWARD WESTON

35 40 41

Introducción He realizado un estudio de dos de los fotógrafos más importantes que pertenecieron a la “Straight Photography” (Fotografía Directa), corriente americana que representaba a través de la fotografía escenas lo más realistas y objetivas posibles. A raíz de esta corriente, se creó un grupo de fotógrafos denominado “f64” que practicaron la fotografía pura, que consistía en una extensión de la fotografía directa siendo fiel a su máxima de la no manipulación de las imágenes, pero promoviendo el conocimiento y el control tanto del negativo como del positivo, para obtener imágenes fotográficas con la máxima calidad posible. De entre todos los fotógrafos que pertenecieron a este grupo, he elegido a Edward Weston y Ansel Adams, ya que tras estudiarlos y documentarme en profundidad, me ha llamado mucho la atención que aunque perteneciendo e incluso habiendo sido ambos fundadores del grupo “f64”, tenían puntos de vista muy diferentes. Ansel Adams era un fotógrafo al cual le obsesionaba hasta el más mínimo detalle en cuanto a la toma de la fotografía se refería. Esto le llevó a desarrollar el famoso “Sistema de Zonas” mediante el cual controlaba el rango tonal de la exposición aún antes de haberla realizado. En cambio, Edward Weston invirtió una gran cantidad de tiempo en estudiar y controlar tanto los negativos como los positivos, lógicamente sin descuidar la nitidez en la fotografía, como el nombre del grupo indica, “f64”. Otra gran diferencia entre ambos fotógrafos, era la gran creatividad de la que Edward Weston gozaba. Además de la técnica, también diremos que los dos estaban obsesionados por fotografiar la naturaleza, la cual cosa tuvo sus detractores, ya que raramente aparecían personas en sus imágenes, sin ir más lejos, Cartier-Bresson llegó a decir de ellos “El mundo se está cayendo a trozos y todo lo que Adams y Weston fotografían son piedras y árboles”. He encontrado una cita de Ansel Adams que refrenda lo expuesto anteriormente y dice lo siguiente: “Nada sustituye a la destreza artesana: puede haber artesanía sin arte, pero nunca arte sin artesanía” Y en cuanto a Edward Weston: “Por mi puede usted positivar hasta la alfombrilla del cuarto de baño, pero siempre que positive bien.”

Contexto histórico, artístico y biografías El periodo histórico donde se desarrolla la carrera fotográfica de Ansel Adams y Edward Weston, es el de entreguerras (1ª Guerra Mundial 1914-18 y 2ª Segunda Mundial 1939-45). Justo antes de que estallara la 1ª Guerra Mundial en Europa, las vanguardias comenzaban a llegar a Nueva York, provocando un encontronazo con la fotografía pictorialista la cual cosa acelera la irrupción de la llamada Fotografía Directa, la “Straight Photography”.

Fotografía Directa (“Straight Photography”) El pictorialismo marca la historia de la fotografía en el cambio del siglo XIX al XX, extendiéndose hasta bien entrado este último. Pero ya a comienzos de siglo se empiezan a escuchar voces que abogan por la superación de la fotografía que emula el estilo de la pintura en boga. Emerge entonces un estilo nuevo, denominado Straight Photography (Fotografía directa), defendido por fotógrafos como Alfred Stieglitz y Paul Strand y apoyado por el ensayo de Sadakichi Hartmann, A Plea for Straight Photography (1904). The Steerage (1907), de Alfred Stieglitz, se propone como el emblema de la dirección a seguir para que la fotografía se desembarace de la imitación de la pintura y acceda al estatus de arte moderno. The Steerage (1907), Alfred Stieglitz

En los años veinte, la Fotografía directa asocia su ideal al de la era de la máquina, símbolo de progreso y metáfora de la modernidad. Mas tarde, en 1932, Ansel Adams, Edward Weston, Imagen Cunningham y otros crean en California el grupo F/64 para promover la Fotografía directa. Este estilo huye de los trucos utilizados por el pictorialismo para ocultar el origen fotográfico de la imagen y celebra la belleza de tono y el detalle. Se pone énfasis en la fotografía pura, en la nitidez de las imágenes, en la profundidad de campo.

Grupo f64 En 1932 surgió un grupo denominado f64 que proponía un discurso enfrentado a la fotografía pictorialista y la experimentación en manipulación fotográfica que realizaba la vanguardia de la época. El grupo postulaba centrarse en la “straight photography” (fotografía directa) donde la claridad de la lente es lo más importante y la fotografía ha de sufrir el menor número de retoques posible. Fue fundado en California por Imogen Cunningham, Willard Van Dyke, Paul Strand, Ansel Adams, Edward Weston, Henry Swift y Sonya Noskowiak entre otros y supuso una punto de vista revolucionario para la época, pues sus imágenes de gran contraste visual, conllevaban asociar la fotografía con una arte por si mismo. El nombre F/64 estaba asociado al diafragma más pequeño de una cámara de gran formato tipo de la época usada por los miembros del grupo, obteniendo fotografías de gran profundidad de campo y una nitidez casi perfecta, siendo este un principio básico del grupo, ya que era la forma de llegar a la autenticidad en composiciones de cualquier tipo aprovechando al máximo las posibilidades de la cámara utilizada.

Yosemite, Ansel Adams

Al mismo tiempo,

investigaron procesos

novedosos en la fotografía que les permitiesen aumentar ese grado de realismo. Intervenciones en negativos, solarizaciones y otras técnicas de apoyo eran rechazadas para pasar a la perfección de la instantánea. Contraponer la genialidad de los paisajes naturales de Yosemite National Park realizados Ansel Adams con las obras muy elaboradas y con complementos de Man Ray en la misma época. Es un claro ejemplo de lo que ofrecía el grupo frente a otros artistas coetáneos . Su primera exposición se realizó en el Young Memorial Museum de San Francisco el 15 de noviembre de 1932, en la que además de los citados fundadores participaron Alma Lavenson, Consuelo Kanaga, Preston Holder y Brett Weston, continuando su desarrollo hasta que el grupo se disolvió en 1935 dejando una profunda huella en la fotografía.

Charis Wilson, por Edward Weston

Ansel Easton Adams (20 de febrero de 1902 – 22 de abril de 1984) Nace en San Francisco, California, el 20 de febrero de 1902. Hijo único de Charles Hitchcock Adams y Olive Bray, creció en un ambiente Victoriano (social y conservador). Con tan sólo 4 años una réplica del gran terremoto e incendio de San Francisco en 1906, le tiró al suelo y le provocó la ruptura del tabique nasal (esto le influiría negativamente en el ámbito escolar). Un año después la fortuna de su familia se vio muy mermada por el pánico financiero de 1907. Su padre Charles trató incansablemente de recuperar su fortuna pero sin llegar a conseguirlo. Su madre que tenía cerca de 40 años cuando tuvo a Ansel, se pasaría gran parte de su vida, preocupándose y meditando por la incapacidad de su marido en recuperar la fortuna pérdida. Esto provocaría una impresión ambivalente en Ansel. En cambio su padre influyo profunda y pacientemente, alentándolo y apoyándolo. Pese a ser inteligente, era muy tímido, lo que, unido a la dislexia que padecía, le causó ciertos problemas al intentar integrarse en la escuela, a esto hay que sumar su defecto físico nasal. Además, como el mismo señaló en su edad adulta, su hiperactividad también le influyó. Al no tener éxito en ninguna de las escuelas a las que sus padres le matricularon, su padre y su tía decidieron formarle en casa. Su ausencia de comunicación la suplió con sus largos paseos en el Golden Gate, y realizando excursiones por Lobos Creek, Baker Beach entre otros lugares. A los 12 años comenzó a estudiar piano, continuando sus estudios durante los doce años siguientes, lo que le dio disciplina y estructura, y fue a la edad de 14 años, durante un viaje con su familia al parque nacional de Yosemite Valley, California, cuando comenzó a realizar fotografías, gracias a una cámara Kodak nº1 Box Brownie que le regalaron sus padres. Desde entonces no dejará ni de fotografiar ni de visitar este parque nacional fascinado por su naturaleza, y luchará durante toda

su vida por defender y proteger la naturaleza, por lo que fue considerado fotógrafo y ecologista. Precisamente sus continuas visitas al parque de Yosemite le aportaron amigos y a la que fue su esposa Virginia Best, con la cual tuvo dos hijos. En 1919 se incorporo al Sierra Club, lo cual le ayudó en su exitosa carrera como fotógrafo. En 1920 se dio cuenta de que podría ganarse la vida como fotógrafo, más que como concertista de piano. En 1922 se publicaron en el boletín del club sus primeras fotografías y escritos, y En 1928 tuvo su primera exposición individual en la sede del club, en San Francisco. Mil novecientos veintisiete fue un año decisivo en la vida de Adams. Apareció en su vida Albert M. Bender, un magnate de seguros en San Francisco y mecenas de las artes y de los artistas. Bender puso en marcha la preparación y publicación del portfolio de Adams. Sus energías creativas y habilidades como fotógrafo florecieron, y comenzó a tener confianza en si mismo. Este mismo año conoció al fotógrafo Edward Weston. En 1930 su magnífico libro de edición limitada, Taos Pueblo, fue publicado y conoció al fotógrafo Paul Strand, cuyas fotografías tuvieron un fuerte impacto en Adams, lo que provocó que se alejara del estilo "pictórico" que practicó durante la década de 1920. Ansel Adams, junto a Paul Strand, Edward Weston e Imogen Cunningham, fundan el Grupo f/64 la voluntad de lograr el máximo de nitidez tanto en los objetos más cercanos como en la lejanía, abriendo así el diafragma al máximo para disponer de gran profundidad de campo. Realizó su primera visita a Nueva York en 1933, donde conoció al fotógrafo Alfred Stieglitz (al cual siempre había admirado), que había fundado una Galería de fotografía, en la que Ansel Adams expondría sus trabajos. En 1933 la galería Delphic, expuso la obra de Adams en Nueva York. Su primera serie de artículos técnicos fueron publicados por Camera Craft en 1934, y su primer libro Making a Photograph se publicó en 1935. Más importante fue sin duda la exposición de “An American Place” de Adams, expuesta por Stieglitz. Este reconocimiento, sin embargo, no alivió las presiones financieras de Adams, que se vio obligado a emplear gran parte de su tiempo como fotógrafo comercial, trabajando para el National Park Service, Kodak, Zeiss, IBM, AT&T, para revistas como Life, Fortune y Arizona Highways magazines, para una empresa de frutos secos, catálogos, etc...

El 2 de julio de 1938 escribió a un amigo David McAlpin, "tengo que hacer algo en un futuro relativamente cercano para recuperar el camino correcto de la fotografía. Estoy literalmente abrumado con el trabajo "comercial" - necesario por razones obvias, pero que restan mi trabajo creativo ". Aunque Adams se convirtió en un fotógrafo comercial especializado, el trabajo era intermitente, y estaba constantemente preocupado por pagar las facturas mensuales. Esta situación financiera se alargo durante mucho tiempo lo que le provocó un considerable estrés. El dominio técnico de Adams era una leyenda. Weston y Strand frecuentemente le solicitaban asesoramiento técnico. Fue consultor fotográfico de Polaroid y Hasselblad. Adams desarrolló el famoso y muy complejo "sistema de zonas", a través del cual se conseguía el mayor grado tonal posible en los negativos y en las copias, partiendo del concepto de previsualización de la toma bajo unas ciertas condiciones. El sistema de zonas permite al fotógrafo configurar la escena antes de hacer la fotografía según lo que quisiera destacar (aclarar unas zonas u oscurecer otras). Sacó diez volúmenes de manuales técnicos sobre fotografía, que son los libros más influyentes que se han escrito sobre el tema. La energía y capacidad de trabajo de Adams era impresionante, a menudo trabajaba más de dieciocho horas diarias, durante días e incluso semanas, sin vacaciones ni fines de semana. Con frecuencia, después de un intenso periodo de trabajo, regresaba a San Francisco o a Yosemite. En 1953 colabora con Dorotea Lange en la realización de un ensayo fotográfico sobre la vida de los mormones en Utah. En 1966 es nombrado miembro de la American Academy of Arts and Sciences. En 1970 sus fotografías alcanzan los precios más altos en el mercado de la fotografía artística. Durante estos años publica sus conocidas obras The Camera, The Negative y The Print, en los que expone su conocida técnica del sistema de zonas, mucho más que una técnica de trabajo, más bien una filosofía o concepción de la naturaleza del trabajo fotográfico. Adams se describió a sí mismo como un fotógrafo - profesor - escritor. Tal vez sería más exacto decir que él era simplemente, un comunicador. Recorrió el país en busca de la belleza natural, que veneraba y fotografiaba. Adams sintió un intenso compromiso con transmitir la fotografía como un arte, y jugó un papel clave en el establecimiento del primer departamento del museo de la fotografía, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Adams era un activista incansable por la causa de la vida silvestre y el medio ambiente. Durante años asistió a innumerables reuniones y escribió miles de cartas en apoyo a su conservación, sin embargo su gran influencia vino de su fotografía. Sus imágenes se convirtieron en los símbolos, los iconos verdaderos, de la América salvaje. Cuando la gente piensa acerca de los parques nacionales del

Sierra Club o la naturaleza del medio ambiente, piensan en la fotografía de Ansel Adams. Sus imágenes en blanco y negro no eran documentos "realistas" de la naturaleza, en cambio, buscaron la intensificación y la purificación de la experiencia psicológica de la belleza natural. Aunque la vida silvestre y el medio ambiente eran sus grandes pasiones, la fotografía era su vocación, su oficio, su razón de ser. En 1984 muere en Monterey, California, dejando un legado artístico de incalculable valor.

El Sistema de Zonas El Sistema de Zonas nació de mano de Ansel Adams inicialmente como un modo de sistematizar los parámetros que intervienen en el proceso fotográfico de exposición, revelado y positivado, con un carácter eminentemente didáctico (19391940).  Trataba de facilitar el proceso de abstracción implícito en la traducción de la realidad a una escala de grises. Inmerso en el movimiento de los Naturalistas americanos, intentaba construir un sistema que propiciara una actitud reflexiva sobre el proceso fotográfico que hiciera de este una paleta fidedigna para la plasmación exacta y completa de los referentes sobre los que trabajaban, casi siempre relacionados con las naturaleza en sus diversas manifestaciones. Se trataba de construir un sistema que trasladara la huella de lo real al soporte fotográfico del modo más objetivo posible, en el que la naturaleza del propio medio fotográfico, fundamentalmente la física y la química inherentes al mismo, fueran “correa imparcial de trasmisión” en cuanto a la propia materia natural que los soporta. Sus leyes emanan de la misma naturaleza y por tanto son el vehículo adecuado para reproducirla sin alterarla. En 1946 Ansel Adams se estableció en San Francisco, donde fundo el Departamento de Fotografía de la California School of Fine Arts: allí contrataría a Mirror White, fotógrafo, quien junto al propio Adams alcanzó con su obra creativa el máximo refinanciamiento de la puesta en práctica del sistema.  El sistema de zonas es el método más riguroso y sistemático de control del proceso fotográfico, su eficacia ha quedado demostrado como herramienta muy valiosa para una comprensión y dominio máximo de la variables y mecanismos del binomio exposición / revelado. El sistema se fundamenta en el concepto de «previsualización» de la escena a fotografiar, a fin de realizar una transposición de los valores de luminancia de esa escena a la escala tonal de grises de una copia fotográfica en blanco y negro. Así, el sistema encuentra su fundamento en la distinción de la gama de grises en diez segmentos denominados zonas, que van de 0 a IX, En la práctica, la diferencia de una a otra es de un diafragma.   Correlación entre luminancias del motivo y zona (según Minor White): Valores bajos: • • • •

Zona 0: Negro máximo de papel. Sin detalle ni sugerencia de espacio. Zona I: Casi negro. Ligero vislumbre de espacio. Habitaciones sin luz. Bosque, sombras en situación de luz débil. Zona II: Aparición de textura, aunque no de manera clara, adivinándose. Zona III: Sombras con textura.

Valores medios: •

Zona IV: Follaje oscuro, piedra oscura, sombras en paisajes o en edificios.

•

Zona V: Zona central para papel y película. Gris medio. Carta neutra de 18 % de reflectancia. [Se llama reflectancia a la relación de la luminancia de una superficie dada con la de una superficie patrón perfectamente blanca, tal como óxido de magnesio que se ha depositado en forma de humo sobre una superficie pulimentada de plata.] Piel bronceada a la luz del sol, follaje claro, cielo claro con película pancromática. Zona VI: Piel blanca caucasiana al sol. Nieve en sombra. Edificios de hormigón con luz difusa de cielo nublado.

Valores altos: •

Zona VII: Luces con textura. Piel pálida con luz difusa. Nieve con sol rasante, cemento claro. «Blancos» con textura. • Zona VIII: últimos vestigios de textura. Superficies brillantes. Nieve con luz plana. Blancos sin textura. • Zona IX: Primer gris que se distingue del blanco del papel. Pérdida del sentido de sustancia. Reflejos especularas o cromados. En algunos tratados se incluye también: • Zona X: Blanco puro del papel.

Como antes indicábamos, el Sistema de Zonas establece una relación sistematizada exposición y revelado, de modo que sea posible un control exacto de la densidad cuyo grado depende de ambos factores. En cierto sentido, este método viene a sistematizar hasta sus últimas consecuencias la receta tradicional de «exponer para las sombras» y «revelar para las luces». Es decir, la densidad de las sombras depende de la exposición, mientras que la de las luces viene determinada por el revelado.

La otra cara de Ansel Adams Todos recordamos las grandes obras de Ansel Adams (1902-1984), que le han convertido en uno de los fotógrafos más populares de la historia. Sus famosos paisajes, localizados en los grandes parques naturales de los Estados Unidos, permanecen imborrables como ejemplos de perfección técnica y gusto estético. Pero no todos conocen, en cambio, sus otros trabajos. En algunos casos, expresión de intereses que iban más allá de los espacios abiertos e idílicos, y en otros, propios de su labor como fotógrafo comercial, que le llevó a colaborar con empresas como IBM, entre muchas otras, y con las revistas Life y Fortune. Retratos, fotografías corporativas, ensayos fotográficos, primeros planos de elementos naturales… el abanico visual de Ansel Adams abarcó todo tipo de situaciones y géneros, siempre resueltos con la precisión que caracterizó también a su obra más conocida. Curiosas son sus fotografías donde aparece Georgia O’Keefe, o el sobrio y oscuro retrato a una mujer titulado “Mrs. Gunn on Porch”. Y, singularmente, en otras de las imágenes, la naturaleza no aparece tan pura como en sus legendarias obras, sino que los tendidos eléctricos se hacen presentes en la naturaleza, algo que fue el leitmotiv de la siguiente generación de fotógrafos paisajistas.

Ansel Adams tomó esta foto del Dr. Charles Damm, mirando por la bobina central de la instalación de fusión ALICE, en los Laboratorios Livermore en 1966.

Ansel Adams, fotografía a Georgia O’Keefe y Orville Cox, realizada con cámara de 35mm, a diferencia de lo que era habitual en él, trabajar con cámara de gran formato.

“Mrs. Gunn on Porch”

Ansel Adams, fotografía realizada en un campo de internamiento de ciudadanos de origen japonés en Estados Unidos durante la 2ª Guerra Mundial.

Edward Henry Weston (24 de marzo de 1886 – 1 de enero de 1958) Nació en Highland Park, Illinois, el 24 de marzo 1886. Pasó la mayor parte de su infancia en Chicago, donde asistió a la escuela secundaria de Oakland. Comenzó a fotografiar a la edad de dieciséis años después de que su padre le regalara una Kodak Bulls Eye nº 2. Las primeras fotografías que realizó Weston, fue en los parques de Chicago y en la granja de su tía. En 1906 se traslada a California donde pasará trabajando gran parte de su vida. Después de trabajar brevemente como topógrafo de San Pedro, Los Angeles y Salt Lake ferrocarril, comenzó a trabajar como fotógrafo ambulante. En 1908 Weston volvió al este y asistió a la Escuela de Fotografía en Effingham, Illinois. Completó el curso de 12 meses en seis meses y regresó a California. En Los Angeles, trabajó como retocador en el George Steckel Portrait Studio. En 1909, Weston trabajo como fotógrafo en el Louis A. Mojoiner Portrait Studio, donde demostró su increíble control de la luz. En este mismo año se casó con su primera esposa, Flora Chandler , con la que tuvo cuatro hijos; Edward Chandler (1910), Theodore Brett (1911), Laurence Neil (1916) y Cole (1919). En 1911, abrió su propio estudio de retrato en Tropico, California, el que fue su base de operaciones durante dos décadas. Weston tuvo mucho éxito, con su enfoque suave y estilo pictórico, ganando muchos premios profesionales. Weston se ganó una reputación internacional por sus retratos en clave alta. Sus artículos fueron publicados en revistas como American Photography, En 1912, Margrethe Mather comienza a trabajar como asistente y modelo durante una década en su estudio Tropico. Mather tuvo una fuerte influencia en Weston, de la cual llegaría a decir que fue la mujer más importante de su vida. En 1922 visitó la planta de acero ARMCO en Middletown, Ohio, donde las fotografías que realizó marcaron un punto de inflexión en su carrera.

En este período, Weston renunció a su estilo pictorialista, buscando la abstracción en las formas y la nitidez en los detalles. Las fotografías industriales eran imágenes directas, sin pretensiones y fieles a la realidad. En este mismo año viaja a Nueva York con el deseo expreso de conocer a Stieglitz, donde también conocerá a Paul Strand, Charles Sheeler y Georgia O'Keeffe. En agosto de 1923, Weston se trasladó a la Ciudad de México, donde abrió un estudio fotográfico con su aprendiz y amante de Tina Modotti. Muchos de sus retratos y desnudos importantes fueron tomados durante su estancia en México. Aunque sus inicios se enmarcan en el pictorialismo, coincidiendo con su estancia en México (1923-1926) sus ideas se clarifican; destruye sus primeras fotografías y se inicia en el movimiento purista. En 1926 vuelve a California e inicia un periodo, hasta 1930, donde realiza gran parte de sus trabajos más representativos, por los cuales obtiene una más que merecida fama, destacan las formas naturales, primeros planos, desnudos y paisajes. Entre 1927 y 1930, Weston hizo una serie de monumentales primeros planos de conchas, pimientos y coles cortadas por la mitad, en las que nos muestra sus formas escultóricas. En 1928 viaja al desierto de Mojave y se enfrenta por vez primera con el paisaje. El desierto le impresiona y le abre nuevos caminos creativos. En 1929 se trasladó a Carmel, California, donde comenzó a fotografiar las rocas y los árboles de Point Lobos. Se convirtió en uno de los miembros fundadores del Grupo f/64 en 1932 junto a Ansel Adams, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y Sonya Noskowiak. El grupo eligió este término óptico, ya que promulgaban la máxima apertura posible, para obtener la máxima nitidez de la imagen, la máxima profundidad de campo, tanto en primeros planos como en distancias largas. En 1930 realiza su primera exposición individual en Nueva York. En 1932 publica su primer libro de fotografías: "The Art of Edward Weston". En 1935 se establece en Santa Mónica, donde encuentra lugares de gran inspiración como las dunas de arena en Oceano, California. Este trabajo junto a una serie de desnudos, fueron considerados como algunos de sus mejores trabajos. Weston se convirtió en el primer fotógrafo en recibir una beca Guggenheim para el trabajo experimental en 1936. Weston pasó los siguientes dos años tomando fotografías en el oeste y sudoeste de los Estados Unidos con su ayudante y futura esposa Charis Wilson.. En 1946, Weston comenzó a experimentar los síntomas de la enfermedad de Parkinson y en 1948 disparó su última fotografía de Point Lobos. En este mismo año, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, se presentó una gran

retrospectiva de 300 copias de su obra. Durante los siguientes 10 años su enfermedad le fue incapacitando progresivamente. Edward Weston murió el 1 de enero 1958 en su casa, Wildcat Hill, en Carmel, California. Las cenizas de Weston fueron esparcidas en el Océano Pacífico, en la playa de Point Lobos.

Casa de Weston en Point Lobos

FotografĂas de Edward Weston

Johnny, 1944

Artichoke, 1930

Comparativa fotogrĂĄfica Ansel Adams (FotografĂa 1)

"Fern Spring, Dusk" Yosemite Valley (hacia 1961)

Nivel Morfológico Esta fotografía fue tomada por Ansel Adams en el Parque Nacional de Yosemite, hacia el año 1961. En esta fotografía podemos apreciar una pequeña cascada producida por un riachuelo, que fluye por rocas de color negro. El sistema de zonas elimina la posibilidad de que podamos percibir grano en la fotografía. Observamos gran cantidad de líneas verticales producida por la caída del agua, lo que nos transmite una cierta espiritualidad, sugerida por la belleza al contemplar la naturaleza en la imagen. En cuanto a la forma diremos que nos llama la atención la curvatura de las rocas, provocada por el paso del agua sobre ellas. La gran nitidez de la imagen permite destacar la textura de las rocas, cuya terrenalidad se hace patente, y en cuanto al agua diremos que Ansel Adams utilizó un tiempo de exposición de entre uno y dos segundos para darnos la sensación de dinamismo, al parecer un manto suave y continuo con unas formas sinuosas. En esta como en prácticamente todas las imágenes de Ansel Adams toda la imagen esta a foco, gracias al uso de una gran profundidad de campo, la cual cosa nos proporciona una gran nitidez. Esta imagen esta tomada con iluminación natural, cuidadosamente elegida, esperando que ésta estuviese en una posición frontal casi cenital, para permitirnos ver con claridad las líneas verticales del agua, y los reflejos de ésta sobre las rocas negras, así como en el manto de agua, con el efecto algodón, registrado por una exposición controlada de uno a dos segundos. Todo esto permite, que aun tratándose de una imagen en blanco y negro, nos proporcione una amplísima gama de tonos grises que pasan del blanco puro al negro más intenso. De no haber realizado esta fotografía bajo estas condiciones, el resultado hubiese sido absolutamente diferente, debido sobre todo a la gran cantidad del color negro de las rocas que ocupan toda la imagen, pero ese control del tiempo de exposición y de la luz nos permite incluso que sea una imagen con un fuerte contraste tonal, sin renunciar a toda la gama de grises. Nivel Compositivo En esta ocasión Ansel Adams opto por realizar un encuadre vertical con un ligero picado, muy probablemente para centrar nuestra atención sobre el fluir del agua y sus líneas verticales, de haber realizado un encuadre horizontal, nuestra perspectiva hubiese cambiado, distrayendo nuestra atención. Es una imagen con un gran ritmo visual, provocado por las líneas verticales del agua y las formas onduladas de las rocas y del agua al deslizarse a través de ellas. Además el efecto escalera que forman las rocas aumentan el ritmo visual de la imagen. Ésta fotografía nos revela una cierta tensión fotográfica y podríamos estar 24

hablando de un equilibrio dinámico, determinado por el fuerte contraste y el dinamismo del agua y la forma de las rocas. Estamos frente a una imagen con una composición muy equilibrada, aun existiendo elementos que introducen una cierta inestabilidad, como es la caída del agua. El recorrido visual nos lo marca la dirección de la cascada, de arriba hacia abajo. Para finalizar el análisis de esta primera fotografía de Ansel Adams, y a modo de resumen, diremos que se trata de una imagen que esconde una gran complejidad técnica a pesar de lo que nos pueda parecer a simple vista, donde el autor a través de su increíble control técnico, nos transmite una idealización del Valle de Yosemite realizando una obra fotográfica cuasi pictórica, sustituyendo la paleta de colores por una paleta de grises, “El Sistema de Zonas”. Representa un paisaje brumoso, el cual si nos dejamos transportar aunque solo sea un par de segundos nos sumergiremos en un entorno con tintes oníricos, provocado en parte por la ausencia de la presencia humana.

Ansel Adams (Fotografía 2)

Moonrise, Hernandez, New Mexico, 1941

Nivel Morfológico Esta fotografía fue tomada por Ansel Adams en Hernández, Nuevo México en el año 1941. Es una de las imágenes más famosas, y cuenta la historia que Ansel Adams iba conduciendo por la ruta 84 cuando decidió detenerse para tomar esta foto. Adams esperó bastante tiempo hasta que la luz fue perfecta antes de realizar la exposición. Esta fotografía, la podemos dividir en tres partes. Por un lado y en primer plano, la ciudad de Hernández, por otro lado en el horizonte, las nubes iluminadas por la puesta de sol y el brillo de la luna, y por último y en la parte superior de la fotografía, la oscuridad del cielo. Cabe destacar que hay una separación claramente definida entre el primer y segundo tercio horizontal de la imagen, que son las montañas nevadas, haciendo destacar la tierra del cielo.

A modo de resumen y para no repetirme en las cosas comunes con la fotografía anterior, diré que la fotografía esta hecha con un diafragma muy cerrado para conseguir la mayor profundidad de campo posible, ofreciéndonos una nitidez excepcional en todos los detalles de la imagen.

Nivel Compositivo En esta ocasión Ansel Adams optó por realizar una toma frontal, encuadrando la imagen horizontalmente, para captar el máximo de paisaje posible con su gran angular. Tal y como hemos comentado antes la imagen está perfectamente segmentada, aplicando una de las técnicas compositivas más importantes en el arte y por lo tanto en la fotografía, “la regla de los tercios”. El peso visual de esta fotografía se encuentra en la luna, en la intersección superior izquierda, ya que de haber estado ésta perfectamente ubicada en el centro, el resultado hubiese sido muy diferente. Esto se consigue gracias a la intersección de las líneas horizontales con las verticales, creando los denominados puntos optimales. Ansel Adams quería que la luna fuese una parte muy importante en la composición de esta imagen, que nuestra mirada se detuviese en primer lugar en la luna, para pasar seguidamente a la parte inferior de ésta, desplazando nuestro recorrido visual hacia las nubes, y a continuación deteniendo nuestra mirada en la iglesia para finalizar en el cementerio. Es asombroso como Ansel Adams consiguió iluminar el pueblo, la iglesia, las tumbas y las cruces del cementerio, aprovechando únicamente la luz de la luna y de la puesta de sol a través de las nubes, cuando realmente nos da la sensación que la iluminación sea producida por el propio pueblo. Esta fotografía en blanco y negro, tiene un contraste brutal, pasando del negro absoluto de la parte superior del cielo, al blanco más puro de la luna, de las nubes iluminadas por la puesta de sol, y de las montañas nevadas iluminadas tanto por el reflejo del sol en las nubes como por la luz de la luna. Adams consigue además en esta imagen, ofrecernos una gama tonal amplísima de grises. En esta ocasión podríamos estar hablando de un equilibrio estático, producido por las montañas, la luna y el paisaje en general, no obstante debemos resaltar el movimiento de las nubes.

Edward Weston (Fotografía 1)

Cabagge Leaf, 1931

Nivel Morfológico Edward Weston tomo esta fotografía en el año 1931 y aunque no lo parezca, se trata de la hoja de un repollo. Esta serie de fotografías junto a otras tan conocidas como fueron las de los pimientos y las caracolas, forman parte de una segunda etapa del artista, donde deja atrás su estilo tradicional y pictórico para indagar en un nuevo concepto en el que intenta detallar el mundo con precisión. En esta etapa de Weston, la ausencia del punto es evidente. Pasa lo contrario que con la línea, ya que esta imagen esta plagada de ellas. He querido comparar esta imagen con la primera de Ansel Adams ("Fern Spring, ya que lo que percibo al mirar esta hoja de repollo es el fluir del agua de una cascada. Weston consigue transmitirnos esta sensación de movimiento a

Dusk")

través de las líneas, al poseer éstas una forma ondulada, con una clara dirección que va de arriba hacia abajo. Este movimiento lo consigue en gran parte, gracias al contraste y la iluminación sobre la hoja, cobrando ésta un gran volumen. Con este absoluto control del contraste y de la iluminación consigue unas texturas casi abstractas, cuando lo que nos está transmitiendo es la realidad, pero desde el punto de vista de un genio. Weston utilizó una iluminación artificial, de posición cenital, concentrada, muy probablemente por un embudo, para resaltar la textura de la hoja de repollo, teniendo en cuenta que las sombras no fuesen las protagonistas, pero sí suficientes para crear volumen y contraste, carente del blanco absoluto y dominado por un gris muy homogéneo en toda la hoja y contrastando ésta con el negro profundo del fondo. En cuanto a la nitidez de la imagen qué vamos a decir, Weston pertenece a la escuela del f/64 y aquí lo deja de manifiesto, cierre máximo de diafragma para conseguir una gran profundidad de campo y que todo se encuentre a foco.

Nivel Compositivo Esta imagen fue tomada en picado de escorzo por la derecha del motivo. En relación al ritmo visual de la imagen, diremos que se trata de un motivo estático, pero que gracias a la forma en que Edward Weston nos lo presenta, nos transmite un gran dinamismo donde parece existir una gran cantidad de surcos que transportan agua. Podemos aseverar por tanto, que el dinamismo de esta fotografía no sólo está provocado por las formas ondulantes, si no también por el primer plano que nos detalla una calidad casi abstracta en la obra de Weston. El peso visual en esta fotografía, físicamente hablando, esta claro que viene determinado por el motivo en si mismo, no obstante, aunque las sombras no tienen un peso especifico, diremos que en un concepto visual éstas nos transmiten un gran peso. Esta claro que no se trata de una toma elegida al azar, esta exposición se realizo en interior y todo estaba milimétricamente calculado.

Edward Weston (FotografĂa 2)

Pine, Lake Tenaya, Yosemite National Park, 1937

En esta ocasión he elegido esta fotografía, no para realizar una comparativa morfológica y compositiva con la segunda fotografía de Ansel Adams (Moonrise, Hernandez, New Mexico), ya que estas no tienen ninguna relación, precisamente eso es lo que quiero destacar. Las diferencias tan grandes que tenían ambos fotógrafos, a pesar de pertenecer a la misma escuela. Quiero dejar de relevancia que lo que tenían en común era la técnica, pero Weston iba un paso más allá. Los objetos que fotografiaba Weston eran simples y directos, pero con la selección y composición de éstos, conseguía proyectar una obra cuasi escultórica. Sirva esta cita del propio Weston: “Disfruto más con las cosas ya compuestas que descubro en la naturaleza que con mis más bellas composiciones. Después de todo, seleccionar es otra forma de componer…” Nivel Morfológico Esta fotografía fue tomada por Edward Weston en 1937 en el Parque Nacional de Yosemite, donde opto por un formato vertical para llenar el encuadre al máximo, centrando así toda nuestra atención únicamente en la zona del pino que nos recuerda a las formas femeninas. En esta ocasión el punto como elemento morfológico existe y es el que simula al ombligo de un cuerpo femenino. Las líneas suavemente onduladas de este pino, son las que nos proporcionan las curvas que se asemejan a las formas de un cuerpo femenino, el tronco, el pubis, las caderas... Edward Weston consigue que la forma de esta imagen este claramente definida por los contornos, y esto sumado a un plano de detalle, nos proporciona una visión instantánea de un cuerpo femenino. Lo que muy probablemente para la mayoría de los mortales nos hubiese sido prácticamente imposible descubrir y/o transmitir con esta fotografía, Edward Weston nos lo muestra con una aparente simplicidad. La textura que se puede percibir, invita, incluso, a acariciar las sutiles curvas del pino. Diafragma muy cerrado y absoluta nitidez en toda la imagen. En relación a la iluminación, diremos que Weston espero a que la luz del sol se pusiera en hacha con respecto a la toma fotográfica, para conseguir el máximo volumen en el pino. Es una imagen con un alto contraste producido por la iluminación en hacha, la cual provoca unas sombras que aunque no ocupan una parte muy grande de la imagen, si que llegan a rozar el negro absoluto, generando este alto contraste, y agudizando aun más las formas anteriormente descritas.

La tonalidad del fondo de la imagen, el cielo, esta compuesto por una amplia gama de grises sin predominar ninguno en especial, en cambio en el pino predominan los grises claros. Nivel Compositivo La imagen fue tomada frontalmente ofreciéndonos una parte del pino en detalle. Como en tantas de las obras de Edward Weston, aun tratándose de objetos estáticos, éstos nos ofrecen un gran ritmo visual, producido en gran parte por las formas de dichos objetos y lo que éstos nos sugieren. El punto, el ombligo al que hacíamos referencia en el análisis morfológico, se encuentra estratégicamente situado en uno de los ejes diagonales de la imagen, lo que contribuye a incrementar la fuerza tensional de la composición.

El recorrido visual comienza en el centro de la imagen, concretamente en el ya mencionado “ombligo”, desplazando posteriormente nuestra mirada de izquierda a derecha, y siguiendo el contorno del pino hacia abajo. Una vez más Edward Weston juega con una ambigüedad manifiesta, llena de sugerencias, siendo capaz de transmitirnos una gran cantidad de sensaciones, partiendo en este caso de un simple tronco de un árbol.

Conclusión personal y análisis crítico A título personal y siendo un neófito en el tema, me atreveré a decir sobre Ansel Adams, que me parece un autentico genio en cuanto al control y el dominio de la técnica fotográfica que poseía, pero según mi modesta opinión he de decir que le faltaba algo muy importante, “un toque de creatividad”. Todas las fotografías que he podido observar de Ansel Adams son perfectas, una gran profundidad de campo que proporcionaba una espectacular nitidez y que toda la toma estuviera a foco, un control impecable de la exposición tanto de las sombras como de las luces, en fin que voy a decir, la perfección absoluta, pero creo sinceramente que esta perfección es lo que provocaba esa falta de creatividad, el querer tenerlo todo absolutamente controlado y no dejar margen para la improvisación, se traducía en fotografías perfectas técnicamente hablando, pero poco creativas. Edward Weston, otro gran maestro. De Weston me gusta todo, creo que fue un fotógrafo más completo que Ansel Adams, ya que éste además de ser un artista en cuanto al control de la técnica fotográfica, además hay que sumarle la gran creatividad de la cual gozaba. Edward Weston veía cosas a simple vista, donde la mayoría de los mortales no seríamos capaces de ver ni estando horas observando, además tenia la capacidad de inmortalizarlas en sus fotografías, gracias a un control absoluto e impecable de la luz. Finalizaré con una reseña de lo que su amigo Ansel Adams escribió de él y que fue publicado por la revista "Infinity" en febrero de 1964: "A diferencia de tantos fotógrafos de hoy, Edward Weston nunca habló sobre su propia obra. Para él, como para la mayoría de nosotros, su obra es simplemente la afirmación del hombre y de su arte. Respecto a su trabajo artístico, Edward estaba completamente seguro de sí mismo; no necesitaba ninguna explicación, justificación ni interpretación. Las estupideces que se decían y escribían sobre él le daban risa, aunque toleraba que algunas personas sintieran la necesidad de llegar a la verdad a través de complejas disgresiones y escurridizos análisis intelectuales. Frecuentemente comentaba: Bueno, si eso es lo que significa para él, a mi no me importa. Como Edward, también yo prefiero abstenerme de dar definiciones de su obra creativa. ¿Quién puede hablar o escribir sobre las Partitas de Bach? Se pueden tocar o escuchar; solo existen en el mundo de la música. Del mismo modo, las fotografías de Edward solo existen como originales o (en ocasiones) en forma de buenas reproducciones. Observad esas fotos, miradlas atentamente y observaos a vosotros mismos, no crítica ni despectivamente, ni con un sentimiento de inferioridad. Quizá la obra de Weston os enseñe a descubrir lo bueno que en realidad sois... o que podéis llegar a ser. Eso es lo que deseaba Edward."

Bibliografía http://www.anseladams.com http://es.wikipedia.org/wiki/Ansel_Adams http://www.edward-weston.com http://es.wikipedia.org/wiki/Edward_Weston http://www.luisrabanal.es http://www.olemiarte.com http://www.elsorta.com.ar http://www.jbengoetxea.net http://ojoacromatico.blogspot.com.es http://gamuzza.wordpress.com/ http://alafoto.com/ http://fotografiaperfecta.wordpress.com/ http://franklin-romero.blogspot.com.es http://www.frasesypensamientos.com.ar http://www.masters-of-photography.com http://artblart.com http://www.analisisfotografia.uji.es/root2/ejemplo3.html http://jumillanatural.blogspot.com.es/2011/09/citas-de-ansel-adams.html http://reflexionesdeunasombra.blogspot.com.es http://odaaniepce.wordpress.com/tag/ansel-adams/ http://photothessaloniki.ning.com/forum/topics/edward-weston Beaumont Newhall, Historia de la Fotografía. Apuntes Módulo de Historia y Lectura I

Anexo Entrevista a Ansel Adams Fragmento de la entrevista realizada a Ansel Adams, extraída del libro 'Diálogos Fotográficos Imposibles', de Gorka Zumeta.

-¿El hombre está destruyendo el mundo? -Sí, y pone mucho empeño por lo que parece. -Ahora que tiene la oportunidad, ¿qué les dice? -Que sean extraordinariamente respetuosos con la naturaleza, porque mientras exista ella, nosotros existiremos. -Y para usted, señor Adams, ¿qué es la naturaleza? -Un privilegio. -Muy poético, ¿y qué más? -¿Se burla? -¡No, qué va! Pretendo que me cuente más sensaciones.

-Algunos fotógrafos miman la realidad como los escultores miman la madera, la piedra o el bronce y le infunden el soplo de su mente. -O sea que para usted la naturaleza es la materia prima. -Dicho algo fríamente, sí. -Usted es músico, pianista creo, ¿qué es lo que le hizo cambiar tan bruscamente? -Precisamente la naturaleza. Comencé a fotografiar cuando tenía catorce años. Entonces tenía una Brownie. Siempre que veía mis fotografías sentía una sensación extraña, me decepcionaba. -¿Por qué? -Porque no tenían calidad, porque la naturaleza, el paisaje que yo había visto no se parecía a la increíble maravilla que estaba delante de mí. -¿Y ahí comenzó su obsesión por la técnica? -Fue un primer paso, porque entonces era muy joven, pero ya percibía esa limitación de mis medios. -¿Se sentía pequeño ante los paisajes de Yosemite? -Totalmente, como un grano de maíz en un maizal. -¿La fotografía se le quedaba pequeña? -¡La fotografía no, por favor! No se puede ser tan arrogante. Se me quedaba pequeña mi técnica, lo que yo sabía de ella, lo que era capaz de extraer de aquella maravilla. Por eso tenía que estudiar, prepararme, investigar. -¿Lo suyo fue una carrera provocada por la necesidad de plasmar con toda fidelidad los paisajes que contemplaba? -No sólo hay que hablar de fidelidad. Lo correcto es hablar de 'justicia'. -¿'Justicia'? -Sí, si yo no era capaz de reproducir esos paisajes tan absolutamente increíbles, mejor que no lo intentara. No hacerlo para mí era una injusticia. -Pero ¿usted se sentía llamado por una voz divina o algo así? -¿Por qué dice usted eso? ¿Porque hablo de 'justicia'? -Suena raro. -Admito que no lo haya oído antes, pero por favor escúcheme primero. -A eso he venido, señor Adams.

-Me alegro. Continúo entonces. Si usted presencia ese grandísimo ademán de Sierra Nevada, en las montañas de California, y al mismo tiempo es usted un entusiasta de la fotografía, ¿cuál será su reacción? -Fotografiar el paisaje. -Exacto. Pues eso es lo que yo pretendo, amigo mío. Trato de plasmarlo con la misma espectacularidad del original. -¿Y no le concedió usted excesiva importancia a la técnica? -Sólo la necesaria, ni un grado más. Igual que en la música, la técnica no es más que un instrumento. Una buena fotografía es la expresión total de lo que uno siente. -¿Y por qué esa excesiva meticulosidad en dominar la técnica hasta sus últimos secretos? -No era un fin en sí misma, era un medio. Me interesaba reproducir el paisaje con la mayor claridad y precisión, y para eso debía dominar la técnica. Nunca inicié la competición de la técnica por la técnica. Mi planteamiento de partida era, más o menos: ¿qué necesito saber para hacer lo que yo quiero? Dicho de otra manera, para que me entienda mejor: los paisajes me obligaban a perfeccionar mi técnica. -¿Con el Sistema de zonas? -Sí, pero entiéndalo como un instrumento. Con ese procedimiento yo podía hacer que el papel fotográfico escupiera cientos de grises. Estaba dando calidad. Estaba -permítame- haciendo 'justicia'... -¿Es complicado? -¿El qué? -El Sistema de zonas. -Exige mucho trabajo, sí. -¿Y trabajando con película de 35 milímetros se puede conseguir? -Sería una labor de chinos. Lo mínimo, para trabajar con un poco de comodidad, sería el 6 x 6 centímetros; pero lo ideal es el gran formato. Tenga usted en cuenta que hay que dividir el negativo por zonas, de ahí el nombre. -Vamos a dejar la técnica a un lado, si le parece. -Me parece perfecto. Centrar la conversación en el aspecto técnico sería desvirtuar mi obra. Mi trabajo consiste en observar la naturaleza. Tengo que estudiarla hasta el más pequeño detalle, las sombras, las luces, los volúmenes, las líneas,...

-La armonía del conjunto, como en la música. -Muy bien. Veo que ha captado la idea. En ocasiones he llegado a invertir semanas en planificar una fotografía. -Le repito que es usted muy exigente consigo mismo. -Si no lo fuera probablemente no estaría usted aquí, charlando conmigo. -Touché. -Sigo explicándole: en mi cabeza tengo metido ya un paisaje determinado. Pero lo quiero con una determinada luz, y en una época del año muy concreta. Programo más o menos los días, preparo el saco de dormir, cojo mi Cadillac viejo y me voy de viaje. -¿Y si a pesar de toda esa precisa planificación, el resultado no coincide con sus expectativas? -Me vuelvo a casa sin ningún problema. -¿Sin disparar ni una sola fotografía? -No sería la primera vez, ni la segunda. -¿Siempre trabaja con tanta planificación? -No, hay ocasiones en que las cosas te vienen rodadas. La vida a veces te invita a disfrutar de las casualidades. Tengo fotografías en las que no he invertido más que quince segundos en medir la luz, enfocar y disparar. -¿Qué es lo más importante de un paisaje? -Absolutamente todo. La naturaleza, que es sabia, se presenta armoniosa. La imagen por tanto tiene que armonizar todos los elementos, todos los detalles que la componen; principalmente la luz. Un amanecer en el desierto, unos rayos de sol atravesando las nubes, la sombra proyectada por una montaña, añaden dramatismo a una escena pero por sí solos no sirven de nada. Hay que conjugar todos esos elementos y conferir a la imagen una armonía, un equilibrio vivo, real, nunca artificial. -En quince segundos me ha dado usted una clase magistral. -No me tome el pelo. -¡No, en serio! ¿Cuántas noches ha pasado al aire libre? -Menos de las que quisiera. Alguna vez... es curioso, lo recuerdo ahora, ponía el despertador para que sonara poco antes del amanecer. Me preparaba. Tomaba la fotografía y me volvía a dormir con la satisfacción de haber cumplido con el deber.

-¿Y qué es para usted uno de esos paisajes suyos? -Una región extensa, donde hay espacio para el corazón y la imaginación. -¿Y la fotografía? -La magia que me permite hacerlos míos, llevármelos a mi casa. -Toda una vida marcada por la naturaleza y por el paisaje. ¿No practicó otros géneros? -También hice retratos, pero no me gustaban tanto como los paisajes. -¿Qué retrato, que no ha hecho, le haría cambiar de opinión? -No sé... me pone usted en un brete, pero tal vez la cara del presidente Nixon cuando se destapó el asunto del Watergate. -Una buena fotografía, sí señor. -Eso creo yo.

Frases y citas de Ansel Adams “En el ojo de mi mente, visualizo un detalle. La vista y la sensación aparecerán en una impresión. Si me excita, hay una buena ocasión que hará una buena fotografía. Es un sentido intuitivo, una capacidad que viene de mucha práctica”. “La fotografía es un medio analítico y la pintura es un medio sintético”. “En la sabiduría recolectada con los años he encontrado que cada experiencia es una forma de exploración”. “La fotografía es más que un medio para la comunicación efectiva de ideas. Es un arte creativo”. “No hay nada peor que una imagen brillante de un concepto borroso”. “Hay siempre dos personas en cada cuadro: el fotógrafo y el espectador”. “No tomas una fotografía, tú la haces”. “Los mitos y los credos son luchas heroicas para comprender la verdad en el mundo”. “Una fotografía no es un accidente, es un concepto”. “Una buena fotografía se obtiene sabiendo dónde pararse”. “La fotografía del paisaje es la prueba suprema del fotógrafo, y a menudo la decepción suprema”. “La fotografía, como medio de gran alcance de la expresión y de comunicaciones, ofrece una variedad infinita de opiniones, de interpretaciones y de ejecuciones”. “Tener doce fotografías buenas en un año es una muy buena recolecta”.

Frases y citas de Edward Weston “Mi obra va siempre unos pasos por delante de lo que digo sobre ella. Sólo soy un medio para llegar al fin: en ese momento no puedo decir por qué fotografío una cosa de un determinado modo y ni siquiera por qué la fotografío“. “Hacer una buena composición de un tema significa nada más que verlo y mostrarlo de la manera más intensa posible”. “Comprender las reglas de composición antes de tomar una fotografía, es como comprender las leyes de la gravedad antes de salir a caminar” “La fotografía aísla y perpetúa un momento en el tiempo: un momento importante y revelador, o uno sin importancia y sin sentido, en función de la comprensión del sujeto por el fotógrafo y su dominio del proceso.” “Solo con esfuerzo podemos hacer que la cámara mienta. La fotografía es fundamentalmente un medio honesto”. "La composición es la forma más impactante de ver".