El lenguaje gráfico de Picasso en Chaco by Grupo Babel Arte

El lenguaje grรกfico de

Picasso

en Chaco

El lenguaje grรกfico de

Picasso

en Chaco

El lenguaje gráfico de Picasso en Chaco Curaduría: Mariela Alonso Producción: Ruben Betbeder Diseño: Ana Henderson para Grupo Babel Ediciones. Imagen de portada: Pablo Picasso, Muchacha según Cranach. Linografía color. De la Serie Linóleos. Barcelona, Impreso por Sociedad Alianza de las Artes Gráficas, Editado por Gustavo Gili, 1962. Este libro cataloga parte del contenido de la exposición El lenguaje gráfico de Picasso, muestra itinerante de carácter internacional, compuesta por obras del prestigioso artista malagueño, que tiene por objetivo ser exhibida en forma itinerante en Argentina y América Latina como forma de divulgación de la obra picassiana y un aporte cultural a las artes visuales. La muestra está integrada por más de 160 obras gráficas de Pablo Picasso, incluyendo litografías y linografías, que abordan diferentes temas: Toros y toreros, El circo y la comedia humana, Las bacanales, El pintor y la modelo, La guerra y la paz, Homenajes, Eróticos, entre otros. El contenido de la muestra se encuentra textualmente referenciado en la Fundación Picasso, perteneciendo en un gran porcentaje a la serie de obras gráficas de edición original; por lo que se desprende la respectiva constancia que acredita los avales de originalidad y derechos de copyright de sus correspondientes editores. El conjunto de la obra gráfica de Pablo Picasso se encuentra reproducido y descripto en: Bloch, Georges, Pablo Picasso, catalogue de l’oeuvre gravé et litographié. Berna, Kornfeld et Klipstein, 1968-1979. 4 v.

Alonso, Mariela. El lenguaje gráfico de Pablo Picasso / Mariela Alonso; dirigido por Mariela Alonso. - 1a ed. - Buenos Aires : Grupo Babel Ediciones, 2012. 72 p. : il. ; 28x21 cm. ISBN 978-987-25425-9-7 . 1. Artes Plásticas. I. Alonso, Mariela, dir. VIII. Título. CDD 730.

Fecha de catalogación: 2/05/2013 Editado por Grupo Babel Ediciones. 011 4804 4742 - info@ediciones.grupo-babel.com Impreso en Talleres Trama, mayo de 2013.

El lenguaje grรกfico de

Picasso

en Chaco

Indice

Picasso en Chaco, por Jorge M. Capitanich

El encuentro con la obra gráfica de Picasso, por María de los Ángeles de Rueda.

La colección, por Vi + Arte.

El lenguaje gráfico de Picasso, por Mariela Alonso.

Toros y toreros.

Homenajes.

La guerra y la paz.

La alegría de vivir.

El pintor y la modelo.

Picasso erótico.

Cronología.

Referencias.

Bibliografía que integra esta muestra.

Picasso en Chaco

Uno de los artistas más importantes de la Historia Universal viene al Chaco. Aunque ya no habite nuestro tiempo físico, estará junto a nosotros a través de su obra. Hablamos de Pablo Picasso, creador excepcional que supo conjugar talento, compromiso y una profunda comprensión del alma de su tiempo. En sus casi 80 años de trabajo incesante —desde la instalación de su primer taller, con tan sólo 15 años, hasta la noche anterior a su muerte, a los 93— fue forjador de las grandes revoluciones artísticas del Siglo XX. Al mismo tiempo se constituía, desde sus convicciones ideológicas, en un profeta de la paz en la Europa que dirimía su destino en las guerras inter-imperiales. El Gobierno de la Provincia del Chaco se enorgullece en presentar —en una labor conjunta del Instituto de Cultura y el Instituto de Turismo— “El lenguaje gráfico de Picasso”, muestra de carácter internacional integrada por más de cien obras gráficas. Una muestra itinerante especialmente diseñada para América Latina. Con el orgullo que implica —para nosotros— el hecho de que el Museo de Bellas Artes de la provincia haya sido uno de los cinco centros culturales del país seleccionados para su exposición. Recibimos esta muestra con la convicción de que la democratización del derecho social a la cultura encuentra en el arte una herramienta inmejorable para la inclusión. Porque el arte —y sobre todo el trabajo tan representativo de Pablo Picasso— es un lenguaje universal. La obra de un artista como Picasso expresa el espíritu de los pueblos que, aun en tiempos de máxima tragedia, reivindican sus deseos de vivir una mejor humanidad. Jorge Milton Capitanich Gobernador de la Provincia del Chaco

El encuentro con la obra gráfica de Picasso La inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando. Pablo Picasso La producción de la muestra El lenguaje gráfico de Picasso brinda un recorrido vasto y referente de un segmento de la gran creación del siglo XX. El catálogo impecable otorga la información y la reflexión necesaria para acompañar la visita, la circulación del material gráfico, en tanto documento y obra, de una destacada serie que ocupa diversos motivos y épocas. ¿Es posible aportar algún otro comentario, un aporte a la obra del artista, a la colección que se presenta, al recorrido histórico y temático tan claramente expuesto en este libro–catálogo? Difícil tarea de acompañamiento tentada siempre de caer en la redundancia, en la obviedad de señalar al artista como el gran genio del siglo XX, cayendo en el pecado de la historia del arte canónica o en la espectacularización de las colecciones. Prisionera de estos esquemas solo puedo remitirme a la caracterización que realizara el poeta mexicano Octavio Paz sobre la producción del artista malagueño. Evocando sus palabras Picasso “es lo que va a pasar y lo que está pasando, lo venidero y lo arcaico, lo remoto y lo próximo. Su velocidad le permite estar allí y acá, ser de todos los siglos sin dejar de ser del instante” 1 Los acelerados y oscilantes tiempos de la modernidad aparecen inscriptos en el cuerpo de una máquina rupturista y conciliadora a la vez: Picasso, el artista que encarna el arte moderno, a la vez que toda la historia de la representación visual se deposita en su cuerpo. La paradoja histórica de Picasso, siguiendo el pensamiento de Octavio Paz, consistió en que el artista fue el referente de un mundo, de una sociedad,

1. Paz, Octavio, Apariencia Desnuda, La obra de Marcel Duchamp, pp16, edición Era, Colegio de México, 2008

que resquebrajó la representación, a la vez que la exaltó. El amor por el desvío y la injuria a la belleza, el despojamiento de los límites resumen parte de su poética. Picasso es un artista de la modernidad que se construye como figura ambivalente: “Un arquetipo contradictorio, en el que se funden las imágenes del pintor, el torero y el cirquero”2. Sus imágenes hablan del amor, la pasión, el sacrificio, la vida, la muerte, lo pequeño y lo inconmensurable: representación del mundo, encuentro fortuito de la contingencia, figuras de la cotidianeidad, de lo popular, de identidades y alteridades, de la paz y de la violencia del siglo; las estampas clasificadas por series de temas y motivos dan cuenta de estas intersecciones: toros y toreros, el circo y la comedia humana, las bacanales, el pintor y la modelo, la guerra y la paz, los homenajes a la historia de la representación plástica, el erotismo. Podemos agregar someramente otra consideración sobre el tipo de obra que se presenta en esta colección, el lenguaje gráfico. Esto permite una breve intervención sobre el rol de la estampa, considerada dispositivo múltiple, acorde a la lógica de lo serial, que puede funcionar tanto como obra en sí y como documento de producción y mediación, que el mismo artista, en este caso recupera y potencia junto con otros lenguajes y materiales, actualizando tanto el placer como la función histórica del oficio del grabador y de algunas de sus técnicas, más preciadas, como las litografías y linografías. Se ha señalado y hemos profundizado desde Walter

Benjamín que la matriz de reproductibilidad es la clave de la modernidad, y para ello la imagen impresa ocupó un espacio decisivo, tanto en la producción como en la circulación de la imagen en el mundo y del mundo. Las diferentes técnicas y materiales del grabado como la fotografía, y el conjunto de elementos que componen el llamado lenguaje gráfico, aportaron al conocimiento, la comunicación y la representación. Su larga historia es fundamentalmente la de la imagen en la historia del arte, de los medios de comunicación, de los dispositivos mixtos de conocimiento, libros, álbumes, tarjetas, tratados, mapas, revistas, entre otros objetos culturales, comunicacionales y artísticos en los que un número amplio de actores sociales reconoció modos de figurar el mundo. La gráfica representa el lugar de la democratización estética con la cultura visual, con el solapamiento de los medios masivos y el arte. En este sentido considero que esta exhibición permite varias lecturas y recorridos de la obra del artista, de su vida, de las referencias a la historia de la pintura y el grabado, de las interacciones representadas, del rol de la figuración, de los usos de la estampa, de la conformación de las colecciones. Un buen dispositivo múltiple para conocer, difundir, reflexionar y gustar del arte moderno. Mag. María de los Ángeles de Rueda

2. Paz, Octavio, 1982, Cuerpo a Cuerpo con la pintura, Los privilegios de la vista. FCE, BS As, 1987 El poeta y ensayista mejicano dedica varios escritos a la figura de Picasso, caracteriza al artista como una de las figuras más relevantes del siglo XX, genio individual y genio colectivo, de una inconmensurable fecundidad creativa, trasgresor de la representación aún cuando agudizo la misma. Irreverente en la vida y en el arte.

La colección

Una amistad y la promesa de lograr un objetivo, una misma pasión por un admirado artista universal, ícono de todos los artistas que trabajan para y por el arte. Los primeros libros, los recortes de diarios y revistas, la emoción de encontrar las primeras obras coleccionables sobre papel del gran maestro. Muchos esfuerzos, búsquedas, encuentros, apoyos incondicionales, despedidas y tiempos de aliento mutuo, de no claudicar. Crisis, épocas no deseadas, pero siempre la esperanza de seguir adelante. Rayos de luz, apariciones y oportunidades, batallas ganadas, otras perdidas, pero siempre la fe en el concierto de una juventud forjada en la lucha del progreso con ideales de libertad y con la firme decisión de continuar alimentando nuestras raíces. Amor y respeto por nuestro origen y formas de pensar. Anhelo de años, convicciones fuertes, superación de lo adverso y ya con el paso del tiempo... Vislumbramos como se iban juntando las imágenes, conformando nuestro sueño, fruto y esfuerzo del complejo itinerario del vivir, animándonos durante más de dos décadas. Hoy ya maduros, disfrutamos de esta enorme alegría de ofrecer a nuestro país y su gente la oportunidad de compartir esta colección, que expresa el lenguaje gráfico de este hombre-artista, signo de la lucha por el trabajo, la paz y la libertad. Es nuestro pequeño homenaje, en todo sentido.

El lenguaje gráfico de Picasso El grabado es un medio de expresión de gran fuerza. Aunque se imprimiera tan sólo una copia de cada cobre, yo continuaría fiel a ese medio de expresión. Pablo Picasso.

Pablo Picasso (1881-1973) fue uno de los mayores artistas del siglo XX. Pintor, grabador, impresor, ceramista y escultor, abordó además otros géneros como el dibujo, la ilustración de libros y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales. Picasso participó del proceso de transformación del campo artístico que dominó los comienzos del siglo, y sentó las bases del cubismo, que ejerció gran influencia en otros artistas de su tiempo. Este creador realizó una obra inmensa en cantidad y calidad, presente en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte, y un fuerte impulsor de la obra de arte como espacio de expresión y de denuncia. Esta muestra itinerante que recorre Argentina y América Latina es muy importante para la región porque, desde que en 1905 se presentara por primera vez en Buenos Aires, reapareciendo luego en sucesivas exposiciones de pintura española realizadas en las principales galerías y museos porteños, no se había exhibido un conjunto tan destacado de obras de Picasso. Esta exposición tiene el objetivo de difundir la obra de este polifacético artista, quien, además de sus pinturas, dibujos y esculturas, creó una obra gráfica que representa uno de los más grandes aportes al grabado de nuestro tiempo. Es que, en esta disciplina, Picasso se sirvió de casi todas las técnicas gráficas preexistentes, enriqueciendo los procedimientos corrientes de forma única y poniendo de manifiesto su talento artístico y la maestría de su oficio en los más de dos mil grabados que realizó durante su vida, y que constituyen una verdadera historia en imágenes.

Picasso se inició en el grabado recién en 1899, pero empezó a pintar a los ocho años: en 1889 realizó El pequeño picador, su primera pintura al óleo. En 1895 fue admitido como alumno en la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona, donde continuó estudiando durante dos

años. Ese año realizó su primera gran pintura académica, La primera comunión y, en 1897 presentó la pintura Ciencia y caridad en la Exposición General de Bellas Artes de Madrid. Durante el verano pasó sus vacaciones en Málaga, donde pintó paisajes y corridas de toros. En septiembre se fue a Madrid para iniciar sus estudios en la Academia de San Fernando, pero pronto la abandonó. No obstante, realizó frecuentes visitas al Museo del Prado para conocer mejor la obra de El Greco. En febrero de 1899 volvió a Barcelona, donde comenzó a frecuentar la cervecería Els Quatre Gats, donde se reunían los artistas modernistas y en la que realizó su primera exposición individual. Animado por sus nuevos amigos hizo su primer grabado, un aguafuerte, al que tituló El zurdo, en el que representó a un picador. Al ser un experimento aislado y el único grabado de su época española no puede considerarse en relación con las experiencias posteriores. Su importancia radica en que, con el tratamiento casi pictórico de la figura, Picasso señaló esta técnica como una forma de expresarse artísticamente válida. Desde este primer grabado, la relación que mantuvo Picasso con la obra gráfica fue muy intensa. En octubre de 1900 visitó París con Carlos Casagemas, amigo de Els Quatre Gats, para asistir a la Exposición Universal donde se exhibía una obra suya, Últimos momentos. Al año siguiente, el suicidio de Casagemas dio origen a su período azul, que se extendió hasta 1904, y estuvo marcado por la paleta azul, las figuras alargadas, los temas dolientes, y una fuerte sensación de dolor y tristeza que emanaba de las obras. En esta etapa, Picasso desarrolló grabados en aguafuerte y punta seca, como La Comida frugal, su primera obra gráfica técnicamente lograda. De estos años fueron también algunas xilografías y sus primeros monotipos. Hacia finales de 1903 Picasso decidió establecerse de manera permanente en Francia, para proyectar su carrera artística. En abril de 1904 se instaló en París, en el BateauLavoir de Montmartre, donde conoció a Fernande Olivier,

quien sería su primera compañera. Desde que llegó a Montmartre, su paleta y sus temas cambiaron. Asiduo asistente al cabaret Le lapin Agile y al Circo Medrano, Picasso se interesó por la vida de los artistas de circo y de los saltimbanquis, y tanto su pintura como su obra gráfica pasaron al período rosa, marcado por los colores claros y cálidos, las líneas suaves y los temas circenses. Casi todos los grabados de esta época fueron realizados por Picasso en punta seca, como Los saltimbanquis, Salomé y La toilette de la madre, todos de 1905. En 1906, Picasso trabajó en los primeros bocetos de Las señoritas de Avignon, obra que terminó al año siguiente y que cambió el rumbo de la historia del arte: estableció un nuevo punto de partida que rompió con la tradición naturalista y con la perspectiva, lo que marcó el arranque del cubismo. En 1909 realizó los primeros grabados cubistas, entre ellos Dos figuras desnudas y El frutero, y también las ilustraciones para la novela Saint Matorel, de Max Jacob, con la que inició además su carrera de ilustrador, tarea que continuó desempeñando durante toda su vida, lo que lo llevó a colaborar con diversos autores y a ilustrar más de ciento cincuenta libros, desde los clásicos griegos hasta los contemporáneos. En 1912, terminada su relación con Fernande, Picasso se estableció con Eva Gouel, quien aparecía en sus obras como “ma jolie”, con la que convivió hasta su muerte en 1915. Hasta 1914 continuó con las exploraciones cubistas junto a George Bracque, con quien pasaron por diversas etapas: desde el cubismo analítico, caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes geométricas, hasta el sintético, que marcó la libre reconstrucción de la imagen. Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage, que transformó completamente los límites entre la obra y la realidad al integrarlas en un mismo objeto. Durante la Primera Guerra Mundial, Picasso se vio alejado de sus amigos, por lo que su obra estuvo marcada por la soledad y la espera. Ese carácter se manifestó en el

tratamiento más clásico de sus figuras, y en los temas de su obra. En 1917, Jean Cocteau le propuso trabajar en los decorados y figurines del ballet ruso de Diaghilev, por lo que se trasladó a Roma, y diseñó un decorado de formas cubistas móviles. Allí conoció a Olga Khokhlova, con quien se casó en 1918, lo que marcó el inicio de una nueva etapa, influida por ese viaje a Roma y por el deseo propio de la época de volver al orden y a lo clásico, en un intento de superar el drama de la guerra. En 1919 Picasso trabajó por primera vez la litografía, técnica con la que realizó Mujer sentada junto a la ventana, para la tapa del catálogo de su exposición en la Galería Rosemberg. Desde lo técnico su estilo fue particular, porque siempre dibujó con tinta litográfica sobre papel en lugar de hacerlo sobre la piedra. En cuanto a lo temático, sus grabados eran muy variados: principalmente trabajaba la imagen del taller, el artista y su modelo, las escenas de toros y caballos, y los retratos. Hacia 1920 Picasso profundizó su utilización del grabado. Ambroise Vollard, quien fue el primer galerista en exponer la obra de Picasso en París en 1901, fue también quien estimuló su relación con el arte gráfico. En 1905 Vollard editó cinco de sus bronces y en 1913 le compró una serie de láminas de cobre, puntas secas y aguafuertes entre las cuales seleccionó quince, pertenecientes a la serie Saltimbanquis de 1905-1906, para estamparlas en una tirada de 250 estampas sin firmar ni numerar. Pero no le encargó ningún grabado o litografía hasta 1925, en que Picasso empezó a ilustrar la obra de Honoré de Balzac. En 1921 nació su primer hijo, Pablo. En enero de 1927 conoció a Marie-Thérèse Walter, quien sería su amante en secreto hasta el nacimiento de su hija Maya, en 1935. Esta situación personal influiría en su obra. A finales de 1927, en París, trabajó con el impresor Louis Fort en una serie de grabados encargados por Vollard sobre el tema del pintor y la modelo, para el libro Le Chef-d’œuvre Inconnu que publicaría en 1931. En los años treinta, el mito de Minotauro ocupó un lugar

muy importante en la obra de Picasso. En 1930 ilustró en treinta aguafuertes la Metamorfosis de Ovidio (publicadas en 1931 por Skira) pero no incluyó ningún Minotauro, a pesar de que ese texto es una de las principales fuentes del mito. Su interés por esta figura despertó en 1933 cuando Skira fundó la Revista Minotauro, de corte surrealista. Para la tapa del primer número Picasso creó un Minotauro y una serie de grabados en los que lo integró en escenas de bacanal, en el taller, pero también vencido y moribundo en la arena. En 1935 realizó la Minotauromaquia, un grabado que condensa todo el universo que Picasso desarrolló hasta ese momento: el Minotauro, la mujer niña portadora de luz, la mujer torero, las mujeres en la ventana, todos observadores indiferentes al combate que se libra en el ruedo, convertido en el laberinto del Minotauro. En 1937 publicó uno de los conjuntos de obra gráfica más importantes del siglo XX: la Suite Vollard, integrada por noventa y siete cobres grabados por él sobre diversos temas, como la batalla del amor, el estudio del escultor, Rembrandt, el Minotauro, el Minotauro ciego, a los que se agregaron tres retratos que el artista hiciera de Vollard. La Segunda Guerra Mundial fue un época muy agitada en su vida personal. En 1936 conoció a Dora Maar, con quien tuvo una relación compleja por casi diez años. En agosto de 1944, durante la insurrección de París y mientras vivía con Marie-Therese, se incorporó al Partido Comunista Francés, por lo que su entorno también estuvo compuesto por artistas e intelectuales comunistas. En 1946 se mudó a la Costa Azul con Françoise Gilot, con quien tuvo a sus hijos Claude (en 1947) y a Paloma (en 1949). La guerra fue un tema importante en la producción gráfica de Picasso. En 1937 realizó las aguafuertes Sueño y mentiras de Franco contra el golpe de estado español, escenas grotescas, satíricas y alusivas en las que aparecía la figura del Generalísimo irónicamente caricaturizada. Ese mismo año pintó un gran mural para el Pabellón de la Segunda República Española de la Exposición Internacional de París, en apoyo al gobierno republicano,

el cual el año anterior lo nombrara Director del Museo del Prado, cargo que nunca desempeñó a causa de la Guerra Civil. El mural fue una de sus obras más famosas: Guernica, inspirado en la denuncia del bombardeo del pueblo vasco de Guernica, pedido por Franco a los alemanes. También la paz fue tema de sus obras. La paloma fue para él símbolo de la paz, por lo que apareció en varias litografías, precedidas entre otras por un dibujo de 1942 a pincel y tinta china. Picasso, que en 1948 había tomado parte en el Congreso Mundial para la Paz en Braslau, utilizó esta litografía para el Congreso Mundial de la Paz en París en 1949. La paloma en vuelo, de 1950 apareció en el mismo año en un cartel para el Congreso Mundial de la Paz de Shefield, al que también acudió. En 1945 Picasso volvió a dedicarse a la litografía, y en cinco años completó en el taller del impresor Fernand Mourlot Bodegon con frutero, Cabeza de muchacho y una serie de casi doscientas piezas, entre las cuales hizo una selección y luego, como casi toda la obra gráfica de Picasso, publicó como edición, en este caso de la galería Louise Leiris de Paris. En la posguerra, su obra estuvo dominada por dos temas: por un lado la alegría de vivir, expresada en bacanales protagonizadas por faunos, ninfas y centauros, y tratada con gran simpleza de recursos; por otro, los retratos de Françoise y de sus hijos, en los que se manifestaba una mayor exploración. También trabajó frecuentemente a partir de la obra de otros artistas, como Velázquez, Rembrandt, El Greco, Cranach, Delacroix, Courbet, Manet, Monet, Van Gogh, Pissarro, Toulousse-Lautrec, Degas, Gauguin y Cézanne. En 1949 Picasso abandonó por casi todo un año su actividad litográfica. Entre las primeras obras posteriores a esta pausa realizó litografías sobre el tema del caballero y el paje, lo inspiraron los guerreros armados que también aparecieron en su cuadro Masacre en Corea. Durante un mes de 1954 retrató a Sylvette David, una joven que aceptó posar para él y, en ese mismo año, conoció a Jacqueline Roque, que luego sería su segunda

esposa. En esa época Picasso convirtió en motivo de sus obras su propio estudio de la Villa La Californie en Cannes, donde se instaló en 1955 e inició, junto al impresor Arnera de Vallauris, la exploración del grabado al linóleo o linograbado. Entre 1958 y 1960 Picasso creó, en colaboración con Arnera, cuarenta y cinco linograbados, encabezados por la Muchacha según Cranach, en los que dedicó especial atención al color, elemento esencial que los convirtió en piezas casi pictóricas, trabajadas con la gubia e incluso con la escofina, de manera que logró efectos lineales superficiales y de colorido nunca alcanzados hasta entonces en una obra gráfica. Se casó con Jacqueline en Vallauris el 2 de marzo de 1961, y en junio se trasladó a Mougins, donde los hermanos Crommelynck siguieron y respetaron, igual que otros impresores antes (Mourlot en Paris en 1945, Frelaut en 1957 y luego Arnera en Cannes) las importantes demandas de pruebas de impresión del artista. En 1963 se inauguró el Museo Picasso de Barcelona con el nombre de Colección Sabartés, porque Picasso se negó a usar su nombre bajo el régimen franquista. En grabado realizó tres últimas y célebres suites, la primera de las cuales fue la Suite de 60 grabados de 1966-67. En la Suite de 347 grabados de 1968, comparable a un diario personal, los temas que trabajó fueron principalmente eróticos, aunque aparecieron como siempre variantes del pintor y la modelo. Al finalizar esta serie, Picasso se dedicó casi exclusivamente a la pintura, haciendo una pausa creativa en su obra gráfica.

Picasso trabajó el grabado siempre de manera valiosa y significativa. Desde las primeras experimentaciones de los Saltimbanquis y La comida frugal, pasando por la Suite Vollard, la Minitauromaquia, La paloma, los Linograbados y la Muchacha según Cranach, la Suite de 60 grabados, la Suite de 347 y la Suite de 156, todos son parte de un proceso tan rico y diverso que no puede separarse o jerarquizarse. Picasso siempre trabajó mucho y casi compulsivamente, pero en sus últimos años parecía aún más apremiado, casi apurado, preocupado por tantas obras que la muerte le impediría hacer. Fue el gran artista del siglo XX, verdaderamente, precursor, verdaderamente libre, porque siempre estuvo dispuesto a reinventarse. Mariela Alonso Curadora Prof. en Letras y en Historia del Arte, UNLP.

En 1970, con 89 años, después de más de setenta años de carrera, con cerca de dos mil grabados realizados, Picasso descubrió nuevos procedimientos que utilizó en su última serie, la Suite de 156 grabados, aunque continuó trabajando el motivo y la composición que a los 26 lo llevaron a la realización de Las Señoritas de Avignon, mostrando que seguía con sus indagaciones, preocupado e interesado por los mismos temas. En síntesis, a lo largo de su extensísima y fructífera carrera 17

Lucien Clergue. Picasso con el linograbado Picador y toro, Arles, 1959, foto publicada en: Pablo Picasso. Obra Grafica. Coleccion Comunicacion Visual, Serie gr谩fica. Bernd Rau Copyright Verlag Gerd Hatje, Stuttgart, 1974, y para la edici贸n castellana Editorial Gustavo Gili, SA, Barcelona, 1982.

Toros y Toreros

Desde entonces no me duele la soledad, porque sé que vive mi redentor y al fin se levantará sobre el polvo. Si mi oído alcanzara los rumores del mundo, yo percibiría sus pasos. -¿Lo creerás, Ariadna? -dijo Teseo-. El minotauro apenas se defendió. Jorge Luis Borges,“La casa de Asterión”, en: El Aleph (1949). La tauromaquia, el legendario encuentro entre el hombre y el toro, tiene sus orígenes en la Antigüedad y una fuerte presencia en las culturas mediterráneas. A lo largo de los siglos representó la lucha entre lo racional y lo brutal, pero también la doble naturaleza de la realidad, en la cual siempre hay dos caras, ambas complementarias y mutuamente necesarias. El Minotauro es la síntesis de esas dos caras devenidas en símbolo de lo único y lo distinto, dominado por lo irracional. El mundo de las corridas y el mito del Minotauro están presentes en la obra de Picasso como un símbolo complejo . Picasso utilizó muchas veces el toro para sustituir su propia figura en las escenas amorosas de sus obras, metamorfosis que le permitió poner de manifiesto sus grandes pasiones. Además, la figura del Minotauro ciego de la Suite Vollard expresa la entrega, la sumisión de lo indomable. Con tratamiento naturalista o también esquematizado en simples líneas, el toro siempre es representado con fuerza incontenible.

La leyenda de Pepe Hillo, el torero, inspiró sus primeros aguafuertes sobre el mundo del toreo, el que continuaría representando como espectáculo pero también como símbolo de la lucha por la supervivencia.

Homenajes

y por el poder de una palabra empiezo mi vida yo nací para conocerte para nombrarte libertad. Paul Eluard, “Libertad”, en: Poesía y verdad, 1942. Muchas obras de Picasso dan testimonio de las personas y los espacios que formaban parte de su vida. Así aparecían retratadas su madre, sus hermanas, sus amigos, sus mujeres, sus hijos, su atelier. Vivió mucho tiempo en distintas localidades de la Côte d’Azur, en Antibes Juan les Pins, Vallauris, Cannes y Mougins, y dibujó y pintó esos lugares como símbolo y reflejo de su felicidad. El valor de la amistad aparece siempre destacado en su vida y en su producción, incluso marcando las distintas etapas de su obra, como el origen del período azul, que se iniciaba con la muerte de su amigo Casagemas, la alegría de las amistades compartidas durante el período rosa, la transformación de los temas en la época de la primera guerra, en que, además de la incertidumbre propia del conflicto, se viera sumido en la soledad, alejado de sus amigos que marcharon al frente. En esta muestra destacamos dos amigos, dos figuras: la de George Bracque, su compañero en la etapa cubista, con quien no sólo compartió el taller sino que incluso firmó de manera conjunta sus obras, y la de Paul Eluard, el poeta al que lo unió el amor por la libertad. Ambos usaron sus obras para luchar, con los colores y con las palabras transformaron una imagen o un poema en un grito de protesta y compromiso. 28

La guerra y la paz

La función esencial de toda guerra es destruir, no vidas humanas necesariamente, sino el producto de la labor de los hombres que, en caso contrario, podría ser utilizado para hacer a los pueblos excesivamente prósperos y, en consecuencia, con suficiente educación como para adquirir conciencia de su propia fuerza. George Orwell, 1984. El siglo XX fue uno de los más conflictivos en la historia de la humanidad. Las potencias mundiales cambiaron el combate cuerpo a cuerpo por las armas de destrucción masiva, y llevaron a los pueblos a vivir horrores antes jamás imaginados. Entre los muchos conflictos que se desarrollaron, la Guerra Civil Española se inició cuando el 18 de julio de 1936 un sector del ejército español, con el apoyo de la derecha española y de Italia y Alemania, se alzó contra el gobierno de la República, a cargo del Frente Popular, una coalición de partidos de izquierda. Así empezó una guerra que terminó en 1939 con la derrota de la República y la instauración de la dictadura del General Francisco Franco, que se extendió hasta 1975. En el inicio de la Guerra Picasso vivía en París. Nunca desarrolló una fuerte militancia política, pero simpatizaba con la izquierda y el comunismo por lo que, al estallar la Guerra Civil, se posicionó inmediatamente a favor de la República. El horror de la guerra como desastre colectivo y total fue plasmado en muchas de sus obras, emblema de las cuales es el Guernica, un alegato contra la barbarie que representa cualquier conflicto bélico. Pero en las mismas imágenes ese horror ante la destrucción se ve iluminado por una luz de paz y esperanza, representado por velas, lámparas, y flores. En otras obras, el símbolo de la paz será la paloma, que deja entrever que no todo está perdido. 34

La alegría de vivir

Dichosa edad y siglos dichosos aquéllos a quien los antiguos pusieran el nombre de dorados, y no porque en ellos el oro, que en esta nuestra edad de hierro tanto se estima, se alcanzase en aquella venturosa sin fatiga alguna, sino porque entonces los que en ella vivían ignoraban estas dos palabras de tuyo y mío. Miguel de Cervantes. Cap. XI de Don Quijote de la Mancha, II parte.

Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, una vez alejados el espanto de la guerra y sus horrores, se abre una nueva etapa para Picasso y su mundo. El artista parece estar aprendiendo a sonreír nuevamente y a tomar las mejores cosas de la vida. La felicidad propia del período rosa, dominado por arlequines, acróbatas y saltimbanquis se recupera en obras que desde 1946 sólo expresaban júbilo y vitalidad, marcas de la existencia luminosa que se desarrollaba a orillas del Mediterráneo. En este ambiente apacible, idilíco, rejuvenece la expresión artística de Picasso, quien descubrirá un mundo poblado por seres de la antigua mitología mediterránea, en el que faunos y bacantes corren desenfrenados por los campos en una permanente celebración de esa alegría. Música y baile encandilan y seducen al espectador, y expresan el alegre espíritu de la Edad de Oro, reencontrado después de años de terror.

El pintor y la modelo El hombre no deja de enamorarse cuando envejece, por el contrario: envejece cuando deja de enamorarse Pablo Picasso.

A lo largo de su vida, Picasso estuvo relacionado con muchas mujeres a las que amó y pintó. Fernande Olivier, Eva Gouel, Olga Khokhlova, Marie-Thérèse Walter, Dora Maar, Françoise Gilot, Jacqueline Roque. Cada nueva relación fue contada en imágenes y expresó un vínculo diferente entre el pintor y su modelo, más ingenuo en unos casos, más sensual en otros, incluso a veces cruel y despiadado. El taller era, en la realidad, el lugar sagrado de la creación y, en la obra, una expresión más de la personalidad de Picasso. En el estudio tomaban forma el hecho artístico y el vínculo entre el artista y su musa, y también entre el hombre y la mujer. Para Picasso el tema del artista y su modelo fue una constante preocupación a lo largo de su vida. Él sostenía que, sin modelo, no habría obra ni artista, y con ello impulsaba la mística de esos encuentros. En una época trabajó expresando la tarea del escultor, luego la del pintor, pero la variación en las disciplinas no transformó el motivo: la relación entre el artista y la mujer que le servía de inspiración, el genio enamorado de su propia creación.

Erótico

El erotismo es un tema constante en la obra de Pablo Picasso. Ya en sus primeros trabajos mostró su contacto con la sexualidad, que se vio expresado en todas sus épocas de la manera más variada y significativa. Los amantes, el beso, el abrazo, el pintor y la modelo, la bestialidad, la exhibición de las relaciones sexuales, el burdel, las bacanales, fueron distintas expresiones más o menos provocadoras que materializaron la pasión que gobernaba su vida . Los grabados de su última época son los que tienen la carga erótica más intensa y el mayor despliegue de recursos compositivos. Una selección de veinte grabados eróticos de la Suite de 347 grabados de 1968 de Picasso fue editada en 1970 por el Fondo Editorial Buenos Aires, en un libro que buscó iniciar una serie de publicaciones sobre las relaciones entre erotismo, belleza y arte. La selección incluyó obras referidas al pintor y la modelo, el burdel, el voyeur y la orgía.

Junto a estos trabajos se editaron seis obras de John Lennon quien, además de músico, compositor y destacado activista por la paz, se expresó a través de la literatura y el dibujo, y utilizó el erotismo como una forma de expresar la libertad, como lo atestiguaron las dos Bed in for peace de 1969, las cuales fueron su forma no violenta de protestar contra la guerra. Gran parte de la producción artística de Lennon estuvo centrada en dibujos de carácter erótico que expresaban su actividad sexual, en la mayor parte de los cuales tuvo como modelo a su segunda esposa, Yoko Ono. Esas creaciones de Lennon fueron públicamente expuestas en 1970 en la London Art Gallery, pero la muestra fue clausurada por Scotland Yard y confiscados los dibujos eróticos, aunque después de su muerte fueron recuperados y exhibidos. Integrar las imágenes de Lennon a la obra de Picasso mediante esta edición fue una manera de rendir homenaje al arte como espacio de libertad.

Cronología

Pablo Ruiz Picasso nace en Málaga el 25 de octubre de 1881.

1881: es el primogénito de María Picasso López y José Ruiz Blasco, quien era pintor, profesor de la Escuela de Bellas Artes de San Telmo y conservador del Museo Municipal de Málaga. Tiene dos hermanas: Dolores (1884-1958) y Concepción (1887-1895). 1889: con ocho años, Pablo realiza su primera pintura al óleo, El pequeño picador. 1891-1895: la familia Ruiz Picasso se traslada a La Coruña, donde el padre ganara un cargo como profesor de la Escuela de Bellas Artes da Guarda, en la que Pablo inicia sus estudios artísticos en 1892. 1895: muere su hermana Concepción y Pablo se traslada con su familia a Barcelona. 1895: después de pasar el verano en Málaga, los Ruiz Picasso fijan su residencia en Barcelona. Pablo rinde el examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de la Llotja, donde estudia durante dos años. 1897: inicia sus estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, pero pronto abandona, aunque continúa realizando frecuentes visitas al Museo del Prado. Presenta Ciencia y Caridad en la Exposición General de Bellas Artes de Madrid y obtiene una mención de honor. 1898: se enferma de escarlatina. Regresa a Barcelona y se traslada a Horta d’Ebre (hoy Horta de Sant Joan, en Terra Alta, Tarragona), invitado por su amigo Manuel Pallarès. 1899: regresa a Barcelona. Frecuenta la cervecería Els Quatre Gats, lugar de reunión del arte de vanguardia 1900: realiza su primera exposición individual en Els Quatre Gats y, en septiembre, su primer viaje a Paris con Carles Casagemas, con motivo de la Exposición Universal de París, donde se exhibe Últimos momentos, una obra de Picasso. Allí conoce a Pere Mañach, quien será su primer representante.

1901: se traslada a Madrid. Funda con Francesc d’Assís Soler la revista Arte Joven, de la que se editan cinco números. Vuelve a Barcelona y luego realiza un segundo viaje y su primera exposición en París, en la galería Vollard. Allí, en París, se suicida su amigo Casagemas, lo que da inicio a su época azul. 1902: Pablo regresa a Barcelona y realiza su tercer viaje a París, donde vive y trabaja en la habitación de Max Jacob. 1904: Pablo decide instalarse definitivamente en París, y lo hace en el Bateau-Lavoir de Montmartre. Conoce a Fernande Olivier, su compañera hasta 1912. También conoce a los poetas Guillaume Apollinaire y André Salmon. Frecuenta el circo Medrano. Comienza su época rosa y sus primeras esculturas. 1905: conoce a los hermanos Leo y Gertrude Stein, que serán grandes coleccionistas y promotores de su obra. 1906: pasa una temporada en Gósol (Berguedà, Lleida). En Paris conoce a Henri Matisse. Comienza los estudios para Las Señoritas de Avignon, con influencias africanas y de la escultura ibérica. 1907: conoce a Daniel-Henri Kahnweiler, quien será su principal representante, y a Georges Braque, junto a quien desarrollará el cubismo. Pinta Las Señoritas de Avignon, obra que resulta tan revolucionaria que es rechazada incluso por pintores y críticos vanguardistas. 1909: se traslada a Barcelona con Fernande y pasan el verano en Horta de Sant Joan. Produce las primeras esculturas cubistas. 1911: conoce a Eva Gouel (Marcelle Humbert), que se convertirá en su compañera. 1912: se separa de Fernande. Pablo desarrolla los primeros papiers collés o collages. 1913: muere su padre, a cuyo entierro asiste. 1914: en verano Pablo se instala en Avión. Braque

y Derain son movilizados para la guerra, lo que representa el fin del grupo cubista. En octubre Pablo regresa a París, con Eva Gouel. 1915: muere Eva Gouel. 1916: tiene relaciones con dos mujeres: Gabrielle Lespinasse, una corista de Montparnasse, y Elvira Paladini. Exhibe por primera vez ante el público Las señoritas de Avignon en el Salón de Otoño. 1917: comienza a preparar decorados y vestidos para el ballet Parade de Cocteau y Satie. Viaja a Italia con Cocteau para trabajar con los Ballets Rusos. Se enamora de la bailarina Olga Khokhlova. 1918: se casa con Olga Khokhlova en París. Realiza la exposición Matisse-Picasso en la galería Paul Guillaume de París, organizada por el marchante Rosenberg. 1919: viaja a Londres para preparar El sombrero de tres picos, la nueva producción de los Ballets Rusos. 1920: estrena en París Pulcinella, tercera colaboración con la compañía de Diaghilev. Joan Miró visita por primera vez su taller. 1921: de su matrimonio con Olga nace su hijo Paulo. Pablo continúa realizando decorados y vestuarios para diversas representaciones. 1923: conoce a André Breton, representante del movimiento surrealista. Pasa el verano en Cap d’Antibes. 1924: en París se estrena el ballet Mercure con sus decorados y vestuario. 1925: se involucra con artistas surrealistas. 1927: conoce a Marie-Thérèse Walter con la que mantiene una relación hasta 1936. 1928: en su primer viaje a París, Dalí lo visita. 1929: realiza esculturas con la colaboración de Julio González. 1931: se instala en el castillo de Boisgeloup, Normandía.

1934: pasa sus vacaciones de verano en España, recorriendo San Sebastián, Madrid, Toledo y Barcelona. 1935: de su relación con Marie-Thérèse Walter nace su hija Maya. Se separa de Olga. Jaime Sabartés se convierte en su secretario personal. Se inicia su amistad con Paul Éluard. Graba la Minotauromaquia. 1936: Al estallar la Guerra Civil Española se alinea con el bando republicano. Se traslada a Mougins. Conoce a Dora Maar, que será su compañera. Es nombrado director honorífico del Museo del Prado de Madrid. 1937: desarrolla la Suite Vollard y los grabados Sueños y mentiras de Franco. La población vasca de Gernica es bombardeada por lo alemanes, lo que inspira su cuadro Guernica, que será presentado en el Pabellón de la República Española en la Exposición Internacional de París. Viaja a Suiza y visita a Paul Klee. 1939: muere su madre en Barcelona. Se instala en Royan, al oeste de Francia, con Dora Maar y Sabartés, su secretario. Decide no regresar a España hasta que termine el régimen franquista. 1939 gran exposición retrospectiva en Nueva York. El Guernica se muestra en varias ciudades norteamericanas. 1941: escribe El deseo atrapado por la cola, su primera obra de teatro. 1943: conoce a Françoise Gilot, quien será su compañera durante diez años. 1944: se afilia al Partido Comunista Francés. 1945: inicia la colaboración con Fernand Mourlot, en cuyo taller imprime sus litografías. 1946 decora el interior del Palacio Grimaldi, luego convertido en Museo Picasso de Antibes. Realiza sus primeras cerámicas. 1946: expone en el MoMA de Nueva York. 65

1947: de su relación con Françoise Gilot nace su hijo Claude. Se trasladan a Vallauris (Provenza), donde inicia su actividad como ceramista. 1948: participa del Congreso de Intelectuales por la Paz en Wroclaw, Polonia, y pronuncia un discurso en favor de la libertad de Pablo Neruda. 1949: de su relación con Françoise Gilot nace su hija Paloma. 1953 conoce a Jacqueline Roque, con quien será pareja hasta su muerte. Termina su relación con Françoise. Dibuja una larga serie sobre el tema del pintor y la modelo. Durante una estancia en París realiza 15 variaciones de Las Mujeres de Argel, de Delacroix. 1955: compra la villa La Californie en Cannes, donde se instala con Jacqueline. Muere Olga Khokhlova. 1956: primera exposición en Barcelona después de la Guerra Civil. 1957: Pinta Las Meninas, que dona al Museu Picasso de Barcelona en 1968. 1958: Compra el castillo de Vauvenargues, cerca de Aix-en-Provence. 1958: Pinta el mural La caída de Ícaro para el edificio de la Unesco, en París. 1959: realiza una serie de pinturas sobre El almuerzo en la hierba, de Manet. 1960: propone al Ayuntamiento de Barcelona la creación de un museo dedicado a su obra, cuya construcción se inicia ese mismo año. 1961: se casa con Jacqueline, y se instalan en Mougins. 1962: inicia una intensa actividad como grabador. 1963: se inaugura el Museu Picasso de Barcelona con el nombre de Colección Sabartés, dado que la oposición manifiesta de Picasso al régimen franquista impide abrir el museo con su nombre. 66

1966-67: Suite de 60 grabados. 1968: Suite de 347 grabados. Muere Sabartés, su amigo y secretario. 1970: dona al Museo Picasso (Colección Sabartés) más de novecientas obras que se conservaban en la casa de su familia en Barcelona. 1971: se suceden los homenajes y exposiciones en todo el mundo con motivo de su 90º cumpleaños. Por primera y vez se expone en el Museo de Louvre la obra de un pintor vivo. 1971-72: Suite de los 156 grabados. 1972: es nombrado doctor honoris causa por la universidad de la Sorbona. 1973: el 8 de abril muere en su casa de Mougins. La noche anterior había dejado inconclusa su última obra, un desnudo femenino. Es enterrado al pie de la escalinata del castillo de Vauvenargues. En la cabecera de su tumba, Jacqueline hace colocar la escultura Mujer Oferente, de 1933.

Edward Quin. Picasso con Roland Penrose, Gustavo Gili y los hermanos Crommelynck, publicada en Pablo Picasso. Obra Grafica. Coleccion Comunicacion Visual, Serie gráfica. Bernd Rau Copyright Verlag Gerd Hatje, Stuttgart, 1974, y para la edición castellana Editorial Gustavo Gili, SA, Barcelona, 1982.

Referencias de imágenes

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p. 51: Pablo Picasso. Jaqueline, 1958. De la Serie Dames de Mougins. Litografía color. Paris, Impreso por Mourlot, Editado por Cercle d’ Art, 1964-1966. p. 52: Pablo Picasso. Dos mujeres a la ventana. Linografía color. De la Serie Linóleos. Barcelona, Impreso por Sociedad Alianza de las Artes Gráficas, Editado por Gustavo Gili, 1962. p. 53: Pablo Picasso. Cabeza de mujer de perfil. Linografía color. De la Serie Linóleos. Barcelona, Impreso por Sociedad Alianza de las Artes Gráficas, Editado por Gustavo Gili, 1962. p. 54: De VERVE, Revista artística y literaria. Vol. VII, N°s 25 y 26. Litografía color. Paris, Impreso por Draeger Frères, Editado por VERVE, 1949 – 1951. p. 55: Pablo Picasso. De la serie El Pintor y la Modelo. Litografía color. Paris, Impreso por Chenot, Editado por Cercle d’ Art, 1965. p. 56: Pablo Picasso. Clown and Nude Woman. Litografía color. De la Serie Picasso y la comedia humana o los avatares de Gros – Pied. Litografía color. Paris, Impreso por Draeger Frères, Editado por VERVE, 1954 p. 57-58: Pablo Picasso. De VERVE, Revista artística y literaria, Vol V, N°s 19 y 20. Litografía. Paris, Impreso por Draeger Frères, Editado por VERVE, 1948. p. 59: Pablo Picasso. Woman and Clown. De la Serie Picasso y la comedia humana o los avatares de Gros – Pied. Litografía color. Paris, Impreso por Draeger Frères, Editado por VERVE, 1954. p. 61, 62 y 63: Pablo Picasso. De la Serie Picasso Erotic. Litografías. Buenos Aires, Fondo Editorial Buenos Aires, 1970.

Edward Quinn. Lecci贸n de dibujo a Claude y Paloma. La Galloise, Vallauris, 1953.

Bibliografía que integra esta muestra

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El lenguaje grĂĄfico de

Picasso

en Chaco Del 7 de Junio al 7 de Julio de 2013. Museo de Bellas Artes RenĂŠ Brusau

Casa de las Culturas Resistencia, Chaco.