Artez 226

ARTEZ | 226 EDITORIAL ENERO | FEBRERO | 2019

Salvando las distancias, no desfallecer y perseverar es un triunfo sostenible

P

Carlos Gil Zamora Director editorial

ara la libertad de expresión, lo único que se necesita es una convicción democrática fuera de toda duda ramplona. Y se debe defender en todas las circunstancias, ya que las sospechas de censura y autocensura campan por todos los pensamientos únicos, los pensamientos acomodaticios y como una seña de identidad de la falta de compromiso que cauterice cualquier intento de intervención que coarte la libertad absoluta en todos los planos, ideológicos, estéticos, políticos y económicos en producciones, programaciones y festivales. Y vamos recibiendo noticias, rumores, denuncias menores de censuras explícitas y las de más difícil detección, ya que se disfrazan con excusas peregrinas. Hay cosas innegociables, y una de ellas, desde la circunstancia histórica en la que vivimos, es que no puedeser que la intervención de los estamentos políticos se manifieste de una manera que rompa el equilibrio y que abandone los principios básicos de la cultura democrática. Un tema recurrente. Lo malo es que no está resuelto por falta de una legislación que proteja sin ningún tipo de dudas la necesidad de la Cultura, más allá de cualquier coyuntura política o económica, en todos los órdenes y estamentos. Una falta que convierto en sugerencia para discutir, debatir y poner en los programas electorales de todos los partidos que crean en estas cuestiones en este año que comienza. Ha terminado un año que ha sufrido algunas tormentas políticas en diferentes puntos que han incidido de manera muy diferente en las diversas instituciones que nos afectan directa o indirectamente. Se recuerda que el gobierno de España, cambió de manos, y que se nombró un primer Ministro de Cultura que debió dimitir a los pocos días de tomar su cargo por un asunto de impuestos. Su sustituto ha propiciado que en el ámbito que nos afecta se note buena voluntad, mejor disposición, se están abriendo comisiones, que nombrarán otras comisiones, que acabarán comisionando a quienes en comisión decidan para ver qué se puede hacer con el INAEM, que es una de las joyas de nuestra reciente historia, que sirvió de manera muy eficaz para potenciar, regular y ordenar la creación teatral, pero que desde todos los puntos de vista necesita de una revisión estructural, de objetivos y de funcionalidad. Ya se ha escrito en este rincón muchas veces. No insisto. Sólo advertir de algo que se

No está resuelto por falta de una legislación que protega sin ningún tipo de dudas la necesidad de la Cultura, más allá de cualquier coyuntura política o económica

ha dicho: una ley para el INAEM, y eso me parece limitado, muy poco eficaz o muy poco apropiado, ya que lo que se necesita es una ley que afecte y ayude a coordinar la actividad en artes escénicas de diecisiete comunidades autónomas. Dicho queda. No es fácil. Es una cuestión política en estos aciagos momentos de irrupción de la extrema derecha sin complejos que tiende siempre a ser beligerante con los agentes culturales que no sean folclóricos y reaccionarios. El que sobrevivan instituciones privadasque insisten en ofrecer otra mirada a la realidad teatral, que surjan dramaturgas con excelentes propuestas, que se haya creado un grupo de directores, dramaturgos, gestores y actores que están copando el teatro institucional, privado y semiprivado, son buenos signos de una fuerza creativa, de una resiliencia colectiva e individual que supera todas las dificultades, pero no las anula ni las soluciona. La perseverancia es un don, una actitud, una lucha contra la situación paralizante, pero siempre, en todas las épocas, por un simple mecanismo de supervivencia, han existido lo institucional, lo bendecido, lo emergente, lo alternativo y los ofendidos. Todos conviviendo en el mismo presupuesto. Y en sus luchas aparecen creaciones menores, pero energía para superar todas las contradicciones y colocar en otro lugar positivo las frustraciones y abrazarse a la necesidad de crear, de hacer, de comunicarse, de estar, de ser. Puede que esta actitud sea aprovechada

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ENERO | FEBRERO | 2019

índice

43º 15’ 19.417’’ N | 2º 55’ 34.997’’ E

Opinión

Editorial

4 - 5

Luz Negra | Josu Montero

40

Vivir para contarlo | Virginia Imaz

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Postales argentinas | Jorge Dubatti

42 - 43

Cronicón de Villán… y corte | Javier Villán

44

Piedra de sacrificio | Jaime Chabaud

45

El lado oscuro | Jaume Colomer

46

Noticias desde los Fiordos | Víctor Criado

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por el sistema, que sin necesidad de un compromiso global se apropie de las ganas de los demás. Es una posibilidad que no se debe descartar. Esta energía canalizada de manera espontánea, creadora sin límites, ayuda, sin quererlo, a que se instale un estado de miseria, que se acabe con cualquier noción de sueldo, seguridad social, emolumentos suficientes para seguir trabajando en las mejores condiciones. Es una situación paradójica, se debe aplaudir la insistencia, la vocación, pero se debería traducir en un tiempo prudencial en una clara conciencia profesional que supere ese impulso egocéntrico, personal, de realizarse, para adquirir una postura mucho más solidaria y de proyección social y colectiva. Es un proceso de larga duración y que requiere mucha sabiduría en diferentes estamentos. Instituciones, escuelas, programadores, sindicatos, gremios, periodistas, críticos y otros agentes concurrentes deben tener en sus catecismos el propiciar esta consolidación de una profesión mejor tratada, sólida, bien considerada, para que se crezca de manera solvente en todos los sentidos. Este año 2019 tiene varias citas electorales y eso significa que pasaremos unos meses en donde la inversión será electoral y a veces hasta llega a asuntos culturales, pero después se entra en esos meses en donde no se sabe quién decide, si los que se van o los que llegan. Por eso hay que armarse todavía de mejores argumentos para defender lo obvio, que es un manera de ser consecuente con uno mismo. Y para usarlos para convencer a los desinteresados en el tema. Podemos asegurar desde nuestra mirada periférica que esperamos bastante de este año. El que termina ha sido suficientemente correcto como para envalentonarnos. Han habido cambios accionariales en nuestras empresas, los que quedamos hemos decidido incidir, seguir. Vamos a ver si incorporamos algunos cambios en esta revista. Tenemos en cartera una gran producción de libros, especialmente en la colección de Teoría y Práctica, con grandes títulos de reconocidos autores y pensadores. Estamos en ello. El periódico digital va a reformarse en su eficacia, porque necesita una revisión de sus tripas. Y la web de la librería Yorick ya ha sido remodelada para dar un mejor servicio. Es todo lo que podemos proponer. Seguir, gracias a todos nuestros colaboradores, a nuestros suscriptores, a nuestros lectores y quienes encuentran en nuestra librería ese lugar donde continuar con sus estudios, conocer a nuevas dramaturgas, estar al día en conocimiento teórico actual. —

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Estrenos Festivales En gira Zona abierta

Portada

Fotografía de ensayo del espectáculo ‘El desguace de las musas’ de ‘La Zaranda’ tomada por Victor Iglesias

Número: 226 - año 23 | Enero / Febrero 2019 Depósito Legal: SS-1154/97 Edita: Artez Blai Aretxaga, 8 - bajo, 48003 · Bilbao Tlf: 944 795 287 | email: artez@artezblai.com

7 - 2021 - 3233 - 3839 - 49

SUPLEMENTO FETEN 2019 Feria Europea de Artes Escénicas para Niños y Niñas

ARTEZ | 226 ESTRENOS ENERO | FEBRERO | 2019

La Zaranda estrena El desguace de las musas

El teatro reducido a desguace

La Zaranda reivindica el espíritu creativo ante un mundo teatral mercantilizado

FOTOS

Imágenes de ensayo tomadas por Victor Iglesias

La Zaranda presenta ‘El desguace de las musas’, nuevo espectáculo que se estrenará del 1 al 3 de febrero en el Teatro Principal de Zaragoza. Producido junto con el Teatre Romea de Barcelona y el Teatro Español de Madrid, recalará en dichos espacios en marzo y mayo, respectivamente. Antes, en el mes de febrero, pasará por espacios de Valencia, Granada, Sevilla, Eibar y Galdakao. La pieza, como es habitual en la compañía, cuenta con el texto de Eusebio Calonge y la dirección de Paco de La Zaranda. En esta ocasión, además del elenco formado por Gaspar Campuzano, Enrique Bustos y Francisco Sánchez, cuentan con el trabajo de los intérpretes Gabino Diego e Inma Barrionuevo, y de la soprano Mª Ángeles Pérez-Muñoz. Todo ello con un objetivo: descubrir cómo comenzó el teatro a perder su espíritu creativo

y pasó a convertirse en mero negocio. Eusebio Calonge lo explica así: “El costroso cortinaje de lentejuelas desprende pestes a sudor y desinfectantes. Las notas musicales se esparcen por la penumbra mal ventilada antes de diluirse en el fondo de los vasos. Bajo los focos que desparraman azul noche, el diezmado coro de vicetiples ensaya una rudimentaria coreografía. Pereza de albornoces, chándales y mallas remendadas, aderezado con boas desplumadas, brillantes baratijas y acoples de micrófono. Carnes yertas que entierran tantos deseos, miradas desnudas que saben de tantos ocasos. La mueca de la muerte oculta tras el maquillaje barato. En el espejo del camerino, rodeado por bombillitas fundidas, quedó escrito con pintalabios, la verdadera historia, donde el género frívolo se convierte en trágico. Allí se refugian estos restos de coristas, vedettes desfondadas, ruinas de caricato, agonía y furor de una cultura, a la hora de cierre, la nostalgia bailando en la penumbra, la hora en que las sillas se colocan sobre las mesas. Es esta la alegoría de una cultura apuntalada, que espera su desplome, situada en un antro lúgubre infestado por las ratas que asoman a nuestros trabajos, donde un núcleo de artistas aislados y contracorriente resiste, agotados, entre la resignación y el encono, sin ningún heroísmo, más bien a merced de

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una época que renuncia a lo poético. Las piedras angulares sobre la que reposa esta obra son los desechos de un mundo olvidado, desprestigiado por la propia cultura, abolido por el poder de la industria cultural: la revista, las varietés, chascarrillos, boleros, ripios de rapsoda, es solo una metáfora de esa puerta de servicio por la que entra ya el teatro, ni siquiera entrada de artistas, a una maquinaria demoledora, hábilmente engrasada para la aniquilación del arte. Y es ahí donde siempre hemos querido incidir, en la destrucción del espíritu humano, que va más allá de la denuncia social, porque esa abolición no solo va a acabar con los derechos sino a instaurar una dictadura sin precedentes, que suministra niveles de anestesia industriales por todas sus pantallas, camuflada bajo nombres que se han vaciado de contenido, dejando solo la cáscara de las palabras, como “Cultura” o “Teatro”, sin ningún vigor, sin ninguna trascendencia que permee a la sociedad, totalmente ya suprimibles. El espíritu de búsqueda que alimentó las últimas vanguardias se va disolviendo con la expansión del poder de lo económicamente correcto. Los grandes autores, redecorados o como pesadas lápidas, o los novedosos nombres en papel couché, los catálogos de los enfant terribles, totalmente digeribles por los festivales, todo un biombo para ocultar el teatro de compañía, el que verdaderamente mantuvo su pulso con la sociedad y fue cambiando las formas de un teatro anquilosado. El teatro reducido a desguace, donde cada uno va usando las piezas que sirvan para aguantar en un mundo tecnológicamente implacable, cada vez más ruidoso y menos humano. Donde se cacarea la rebeldía pero de hecho el sometimiento a las normativas de los despachos es total. Hemos decidido desandar sobre sus huellas para saber dónde comenzó este extravío que llevó del espíritu creativo a la mera mutación en negocio”. —

LA ZARANDA

La histórica compañía, reubicada en ninguna parte tras dejar Andalucía la Baja, cumplió 40 años de trayectoria en 2018

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Ay Teatro estrena dos espectáculos

Teatro desiempre jamás

El director de escena y músico Yayo Cáceres, el poeta y dramaturgo Álvaro Tato y la productora y distribuidora Emilia Yagüe lanzan Ay Teatro, nuevo proyecto teatral en el que han decidido dar forma a su inquietud creativa a través de una nueva apuesta por las artes escénicas. La presentación oficial del proyecto llegará con el ciclo “Miradas al Siglo de Oro”, que presentará dos montajes en el Teatro Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa de Madrid. Se trata de ‘Mestiza’, que se podrá disfrutar del 10 de enero al 3 de febrero, y el estreno de ‘Todas hieren y una mata’, que verá la luz del 7 al 24 de febrero. Según explican, Ay Teatro nace con la vocación de convertirse en una referencia teatral a nivel nacional por la calidad de sus montajes a todos los niveles pero, especialmente, en la dirección, la dramaturgia y la solidez interpretativa. Además, quiere ser una referencia en el plano formativo en teatro y ser una cantera de actores y actrices de contrastada calidad. “Ay Teatro es teatro básico, teatro clásico, teatro nueviejo, teatro de siempre jamás”, explica Álvaro Tato. A lo que Yayo Cáceres añade, “proponemos una nueva visión escénica desde la raíz, en busca de la esencia del teatro como juego de la imaginación. Una apuesta por el teatro desnudo basado en recursos elementales y, a la vez, revestido de la cultura, belleza, rigor y espíritu de fiesta del teatro clásico español y universal”. “Porque originalidad viene de origen”, completa el dramaturgo. El proyecto se centrará en dos vertientes: la producción de nuevas obras y la formación. En la primera faceta, los montajes vendrán marcados por la dirección de Yayo Cáceres con dramaturgia de Álvaro Tato y de otros jóvenes dramaturgos invitados. Las obras se caracterizarán por reunir un equipo artístico de gran calidad y elencos abiertos que aúnen grandes figuras de la interpretación con nuevos descubrimientos; experiencia con riesgo, veteranía con nombres emergentes. Bajo estas premisas se presentan ‘Mestiza’ y ‘Todas hieren y una mata’. En el primer caso, el elenco está encabezado por Gloria Muñoz, acompañada de Julián Ortega. Participan también el músico Manuel Lavandera y la cantante Silvina Tabbush. El texto está firmado por Julieta Soria y parte de un encuentro entre un joven Tirso de Molina y Francisca Pizarro Yupanqui, primera mestiza del Perú e hija del conquistador Francisco Pizarro. En el caso de ‘Todas hieren y una mata’, es un texto original de Álvaro Tato que se presenta como la primera comedia en verso del siglo XXI. Escrita por el dramaturgo según las estrofas y métricas características de la comedia nueva de Lope de Vega, la obra viaja entre los siglos XXI y XVII para

hablar del paso del tiempo, los recovecos del amor y el deseo y el precio de la conquista de la libertad de la mujer. La pieza cuenta con el trabajo interpretativo de Sol López, Carlos Lorenzo, Diego Morales, Alba Banegas y Antonio Hernández. En el plano formativo, Ay Teatro ofrecerá cursos, talleres, conferencias y encuentros con Yayo Cáceres y otros integrantes de los equipos creativos y elencos. Las primeras experiencias formativas, que tendrán lugar en el Fernán Gómez, son: taller de interpretación Deporteatro, impartido por Yayo Cáceres; Encuentros con el público del elenco y el equipo artístico (después de la función) el 17 y 31 de enero para ‘Mestiza’ y el 14 y 21 de febrero para ‘Todas hieren y una mata’; Encuentro con la dramaturga Julieta Soria el 1 de febrero; y Presentación del libro ‘Todas hieren y una mata’ (Ediciones Antígona) de Álvaro Tato, el 8 de febrero. —

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Mestiza ©David Ruiz

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El Teatro Arriaga estrena Macbeth

Un clan de criminales irrumpeen el Teatro Arriaga

Alex Gerediaga versiona el clásico de Shakespeare, que ofrecerá funciones tanto en castellano como en euskera

MACBETH - BELAKO © Son Aoujil

El Teatro Arriaga de Bilbao estrena su gran producción propia de la temporada, un ‘Macbeth’ de William Shakespeare adaptado y dirigido por Alex Gerediaga, director de la compañía Khea Ziater. La obra ofrecerá funciones en euskera (9 y 10 de febrero) y en castellano (14 al 17 de febrero). La versión del texto en euskera ha sido realizada por Jon Gerediaga. Acostumbrado a realizar creaciones propias, Alex Gerediaga confiesa que este proyecto ha supuesto un reto para él. “Lo que más tiempo me ha llevado ha sido crear un universo para la historia”, afirma. Así, los personajes del clásico de Shakespeare han sido convertidos en un clan de criminales al estilo de ‘Narcos’ o ‘Los Soprano’.

La obra, que no se sitúa en una época ni en un lugar concreto, mantiene no obstante una estética contemporánea que incluye elementos de los años 80 y 90. Uno de los componentes significativos en los trabajos previos del director es la utilización de herramientas cinematográficas. Se trabajará por tanto la imagen en directo, además de proyectarse tres escenas de cine que han sido grabadas previamente. La propuesta cuenta también con la música de la banda Belako, lo que para Alex Gerediaga supuso “un descubrimiento”. En su opinión, “la banda sonora es muy contemporánea y muy acorde a lo que la obra pide”. Es por ello que se muestra agradecido a que el grupo de Mungia -formado por Cris Lizarraga, Josu Ximun Billelabeitia, Lander Zalakain y Lore Nekane Billelabeitia- haya decidido participar en este proyecto tanto con canciones conocidas por su público como con material desechado o transformado de alguna manera para la ocasión. En cuanto a la adaptación del texto, se ha realizado una versión que respeta la historia original, manteniendo temas centrales de la obra como la violencia, la traición o el amor.

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Macbeth

“Hemos abarcado el texto con respeto pero sin pudor”, explicar A. Gerediaga, quien desvela que el secreto está en hacerlo “muy propio”. Debido a la extensión de la pieza del dramaturgo inglés, el director bilbaíno ha realizado una reducción y selección de escenas que ha trasladado a Jon Gerediaga, quien a su vez ha realizado su propia versión del texto en euskera. El número de personajes se verá también reducido, de manera que se han aunado personajes “pequeños” para conseguir otros con mayor peso. “No me gusta que los actores hagan diferentes personajes”, expresa el director. A modo de ejemplo, las tres brujas del texto original serán dos en esta ocasión, concretamente dos hechiceras de hoy que manejan las drogas. Para interpretar tanto estos papeles como el resto, cuentan con la labor de Miren Gaztañaga, Mikel Losada, Iosu Florentino, Arrate Etxeberria, Na Gomes, Gabriel Ocina, Maria Urcelay, Leire Ucha, Sandra Fdez. Aguirre, Kepa Alesso, Iñigo Aranbarri y Pako Revueltas. Además, la producción tiene pensado incorporar a dos niños en el elenco. El público podrá disfrutar por tanto de un ‘Macbeth’ reconocible en cuanto a historia y personajes, pero con una puesta en escena distinta, marcada por el ritmo y la fuerza e impregnada de una estética contemporánea muy cuidada; resultado todo ello de la visión aportada por el director y su equipo. ‘¡Que Shakespeare nos perdone!’, bromea Gerediaga. —

GALERNA

Y ADEMÁS… Las tablas del Teatro Arriaga acogerán otro estreno en fechas previas a la producción de ‘Macbeth’. Así, el 22 y 23 de enero se representará ‘Galerna’, obra de Tamara Gutiérrez dirigida por Ramón Barea e interpretada por Xabier Barrutia, Vene Herrero, Jon Ariño, Nahikari Rodríguez y Yerai Vázquez. Se trata de un proyecto seleccionado en el marco de la iniciativa “Nuevas dramaturgias”, impulsado por el Teatro Arriaga de Bilbao, el Teatro Principal de Gasteiz y el Teatro Victoria Eugenia de Donostia. La obra, dedicada “a todos para los que el amor se ha convertido en un sentimiento mortal”, nace de la necesidad de reflexionar sobre los límites entre disciplina y maltrato, sobre la verdad del relato que inventamos acerca de nuestro pasado y sobre la posibilidad de escapar de este.

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Markeliñe estrena JULIETAS, Romeo Circo

Romeo y Julieta en clavede circo y teatro de objetos

Markeliñe cumple 35 años sobre los escenarios con el estreno basado en el clásico de William Shakespeare

Gerardo Sanz

Una vez más Markeliñe recurre a un clásico, en esta ocasión ‘Romeo y Julieta’ de Shakesperare, como punto de partida de ‘JULIETAS, Romeo Circo’, pieza para público familiar que se estrenará los días 7 y 11 de enero en el Zornotza Aretoa, y posteriormente se representará el día 26 en el Gasteszena-Egia Kultur Etxea de Donostia. Asimismo, en febrero actuarán el día 2 en el Social Antzokia de Basauri y el 19 en el Barakaldo Antzokia. “Innovador y contemporáneo”, es como define la compañía vizcaína su último trabajo, en el que plantean un paseo desde la comedia al drama, un viaje de la juventud a la madurez, a través del lenguaje del circo y de la teatralidad.

La personal impronta de Markeliñe se caracteriza por el cuidado visual de sus montajes, la gestualidad del actor y la investigación sobre los objetos y lenguajes. En esta ocasión, Romeo y Julieta son dos sombreros, uno rojo y otro verde, que lanza al aire la narradora. Este será el inicio para que sus cinco intérpretes -Maitane Azpiroz, Bego Peñaranda, María Villate, Javier García ‘Mimo’ y Sandra F. Agirre- trasladen al espectador la historia de estos dos sombreros. Y el coro de Montescos y Capuletos, eternamente enfrentados, son los que impiden este amor. Este coro es la conciencia, la ley. Frente a esto, Romeo y Julieta son la personalidad individual, la transgresión. El espectáculo es corporal, físico y

gestual. Elementos como trapecios, cintas, aros y malabares se moverán en escena a lo largo de la función al compás de la fragilidad del amor, de la pasión y de la vida misma.

35 AÑOS Markeliñe está de doble celebración. Además de presentar su nuevo espectáculo, en 2019 cumple 35 años en los escenarios. Una larga trayectoria donde han tenido cabida montajes grandes, pequeños y medianos para sala y calle y público de todas las edades. A lo largo de todos estos años su arte ha traspasado fronteras, llegando a países como Francia, Bélgica, Alemania, Inglaterra, Finlandia, Croacia, México o Marruecos. —

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Eidabe estrena Mari eta gaileta fabrika

Paridad e igualdaddel pasado al presente

Un homenaje a todas esas mujeres trabajadoras que han allanado el terreno a las nuevas generaciones

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La compañía Eidabe presenta ‘Mari eta gaileta fabrika’, propuesta de teatro familiar interpretada en euskera que trata sobre la igualdad y la paridad; un homenaje a todas esas mujeres trabajadoras que han allanado el terreno a las nuevas generaciones. A partir de un texto de Galder Pérez, con quien la compañía ya ha trabajado en diversas ocasiones, Olatz Gorrotxategi dirige una pieza interpretada por Ainhoa Artetxe, Nagore González e Itxaso Paia. En palabras del autor, “el pasado y el presente no son tan diferentes, es por ello que la memoria y la transmisión son esenciales para poder cambiar el hoy”. Por tanto, Luka, la protagonista de esta historia, al tiempo que lleva adelante la receta de galletas que generación tras generación ha sido transmitida en su familia, se empapa también de las vivencias que en este caso le transmite Mari, su madre. El objetivo es elaborar las galletas para llevárselas a su abuela como detalle, ya que se quedará unos días en su casa. A pesar de lo deliciosas que están, a su abuela le traerán recuerdos un tanto amargos... —

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El Teatro Español estrena Los otros Gondra (relato vasco)

En busca de los caminospara poder olvidar

Borja Ortiz de Gondra ha escrito la segunda parte de ‘Los Gondra (una historia vasca)’

Sergio Parra

La sala Margarita Xirgu del Teatro Español de Madrid acoge del 10 de enero al 17 de febrero ‘Los otros Gondra (relato vasco)’ de Borja Ortiz de Gondra con dirección de Josep Maria Mestres en una producción del propio Teatro Español. Ortiz de Gondra ha escrito esta obra tras el estreno en 2017 de ‘Los Gondra (una historia vasca)’, un viaje emotivo a través de 100 años de la historia de una familia vasca y con la que su autor fue galardonado con el Premio Max a Mejor Autoría Dramática. En esta nueva producción, –que ha obtenido el Premio Lope de Vega de Teatro 2017–, el mismo equipo ar-

tístico (Mestres a la dirección, el coreógrafo Jon Maya, el compositor Iñaki Salvador, el iluminador Juango Llorens, la escenógrafa Clara Notari, la diseñadora de vestuario Gabriela Salaverri y el videoartista Álvaro de Luna) repite junto a parte del elenco, formado por Sonsoles Benedicto, Fenda Drame, Jesús Noguero, Lander Otaola, Cecilia Solaguren y el propio Ortiz de Gondra, que dan vida a los personajes que van “lanzando preguntas que a todos nos duelen: ¿qué hacemos hoy con todo ese pasado que no termina de desaparecer? ¿Ha llegado el momento de empezar un tiempo nuevo, en el que la violencia y el odio dejen paso a la aceptación del otro y a una mirada limpia? ¿Puede el teatro sanar esa herida ancestral y ser más fuerte que la realidad? Esos interrogantes parecen interpelarnos a todos y suscitan enorme interés”, afirma su autor, que añade que “gracias a la ficción del teatro, que nos permite mirar con distancia y con compasión, tal vez logremos sanar la herida y podamos por fin olvidar”. —

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Teatre Poliorama

David Ruano

‘La tendresa’, versión catalana de la comedia ‘La ternura’ de Alfredo Sanzol, se podrá ver a partir del 19 de enero en el Teatre Poliorama de Barcelona. El espectáculo, que es una comedia inspirada en el universo shakespeariano, se estrenó en 2017 en el Teatro de la Abadía de Madrid, saliendo seguidamente de gira por todo el Estado. La pieza, que recibió cinco candidaturas a los Premios MAX, llega ahora a Barcelona coproducida por las compañías Dagoll Dagom y T de Teatre. La versión original del espectáculo estuvo galardonada con el XII Premio Valle-

Inclán de Teatro 2018. En la versión catalana, Sanzol dirigirá a Laura Aubert, Elisabet Casanovas, Javier Beltrán, Marta Pérez, Jordi Rico y Ferran Vilajosana. El autor se ha inspirado en el universo de las comedias de Shakespeare para hablarnos de la fuerza y de la valentía para amar. En palabras se Sanzol, “La ternura es la manera en la que el amor se expresa. Sin ternura el amor no se ve. La ternura son las caricias, la escucha, los pequeños gestos, las sonrisas, los besos, la espera, el respeto, la delicadeza. Una sociedad sin ternura es una sociedad en guerra”. Asimismo, Sanzol considera que “el dolor es una parte esencial de la vida, incluido el amor, pero siempre tenemos la fantasía de que podemos evitarlo. La frustración forma parte de la vida. Hacerla consciente, vivir el dolor con consciencia evita el sufrimiento”. ‘La tendresa’ narra la historia de una reina un poco maga y sus dos hijas, que viajan en la Armada Invencible, obligadas por Felipe II a casarse en matrimonios de conveniencia con nobles ingleses después de haber invadido Inglaterra. La reina Esmeralda odia los hombres porque siempre le han condicionado la vida y le han robado libertad, así que no está dispuesta a permitir que sus hijas tengan el mismo destino que ella.

Teatre Nacional de Catalunya

David Ruano

Pere Planella, cofundador del Teatre Lliure y de Zitzània Teatre, celebra esta temporada su cincuenta cumpleaños como director escénico, dirigiendo una de las comedias más refinadas de Shakespeare, coetánea de ‘El sueño de una noche de verano’ y ‘Romeo y Julieta’. ‘Afanys d’amor perduts’, considerada una de las comedias más celebradas e ingeniosas de Shakespeare, se podrá ver en el TNC del 17 de enero al 24 de febrero. La obra cuenta cómo el rey de Navarra y tres de sus caballeros han jurado

alejarse de los placeres mundanos para dedicarse exclusivamente al estudio, prohibiendo que se acerque ninguna mujer a menos de mil millas de la corte. Pero pronto los visitará la princesa de Francia con el objetivo de recuperar los territorios de Aquitania, así que los cuatro nobles se verán obligados a romper aquel juramento para enfrentarse al mundo real y a sus deseos. Del 31 de enero al 17 de marzo, llega otra producción del

TNC, ‘La bona persona de Sezuan’, obra emblemática del teatro épico de Brecht, con dirección de Oriol Broggi. En una China imaginaria, tres dioses visitan el país en busca de una buena persona. Satisfechos de haber conocido a la joven Shen Te, que los ha acogido en su casa, premian a la chica con dinero a cambio de que viva siempre bondadosamente. Gracias a la pequeña fortuna que le han regalado, Shen Te dejará la prostitución para abrir un estanco. Pero muy pronto la miseria en la que malviven sus conciudadanos acabará dificultando seriamente que pueda cumplir el mandato de los dioses. Con esta obra, Brecht plantea una reflexión incómoda: ¿cuáles son los límites de las buenas intenciones, especialmente cuando estas no afrontan las dificultades materiales con contundencia y pragmatismo?

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El Teatro Español estrena El sueño de la vida

Diálogo entre lo que fuey lo que no pudo ser

Alberto Conejero parte de ‘Comedia sin título’ de Lorca para escribir su nueva obra

Sergio Parra

Alberto Conejero es el autor de ‘El sueño de la vida’, una obra escrita a partir de ‘Comedia sin título’ de Federico García Lorca que con dirección de Lluís Pascual produce el Teatro Español en colaboración con la Comunidad de Madrid. Su estreno tendrá lugar el 17 de enero, y estará en cartel en el teatro madrileño hasta el 24 de febrero. “La Comedia sin título es una obra de teatro que siempre estará por escribirse. Ésa es su potencia y yo no he pretendido clausurarla. Pero durante años me asomaba a la última línea del manuscrito como quien se asoma a la marea porque oye una voz que lo llama desde adentro. El sueño de la vida no pretende dar fin a la Comedia sin título, tampoco es una reescritura. Es un nuevo texto escrito en un vacío infinito, un diálogo entre lo que fue y lo que no pudo ser”, explica Conejero. “El conflicto sobre la verdad en el teatro y en el amor que en El público sucede principalmente dentro del pecho de El director

se intenta resolver aquí abriendo de par en par las puertas del teatro. Pero por esas puertas abiertas entran no sólo el optimismo revolucionario y los anhelos de un mundo más justo, sino también las fuerzas más conservadoras, cínicas y agresivas. Y no nos engañemos: éstas pueden encontrarse en los despachos, pero también en los andamios. No hay síntesis apaciguadora en su resolución: porque es insufrible un teatro que dé la espalda a la realidad de su tiempo (“no quiero que se derrame sangre verdadera junto a los muros de la mentira”) pero ¿qué poesía se sobrevive doblegada ante la pólvora y los estrados?”, añade sobre esta nueva obra su autor. Sobre el escenario, dieciséis intérpretes dan vida a los personajes de esta pieza, quienes intervienen acompañados por música en directo a cargo de Miguel Huertas (piano) e Iván Mellén (percusión). La escenografía y el vestuario son de Alejandro Andújar y la iluminación de Pascal Merat. —

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Estrenos del Centro Dramático Nacional

Seis estrenos en los teatrosdel Centro Dramático Nacional

El Centro Dramático Nacional

estrena a lo largo de febrero cuatro producciones en sus dos teatros de Madrid. Del 1 al 10, la Sala Princesa del Teatro María Guerrero acoge ‘Impulsos (BPM) [Escritos en la escena II]’, un proyecto de investigación dramatúrgica del Laboratorio Rivas Cherif escrito y dirigido por María Prado. Una obra sobre la censura y la auto-censura, una comedia violenta que transcurre entre la risa y el shock, cuestionando los límites de las palabras en su decir y hacer. Esta obra volverá a estar en cartel en la misma sala a partir del 19 de febrero y hasta el 3 de marzo. Ernesto Caballero se encarga de la adaptación y dirección de la última obra escrita por Anton Chéjov, ‘El jardín de los cerezos’, de la que dice es “una conmoción, expuesta por el dramaturgo ruso con sobrecogedor lirismo y un trasfondo de indulgencia, que hemos querido compartir desde el escenario”. Su estreno esta previsto para el 8 de febrero en el Teatro Valle- Inclán hasta el 31 de marzo. ‘Halma [En letra grande]’ con texto de Yolanda García Serrano se estrena el 19 de febrero. Esta obra, con la que se podrá disfrutar hasta el 3 de marzo en la Sala El Mirlo Blanco del Teatro Valle-Inclán, sube a los escenarios la historia Halma Angélico, “la única que estrenó en plena Guerra Civil, y que recibió críticas tan brutales que la llevaron al silencio y la ruina”, explica García Serrano. José Luis Collado firma la versión de la propuesta que Gerardo Vera dirige de la obra ‘El idiota’ de Fiódor Dostoyevski. Esta pieza, protagonizada por “uno de los grandes personajes de la literatura de todos los tiempos”, estará en cartel del 20 de febrero al 7 de abril en el Teatro María Guerrero. La Sala Francisco Nieva del Teatro

Valle-Inclán acoge además dos estrenos de producciones externas. Es el caso de ‘Linda vista’ de Tracy Letts con dirección de José Pascual y a cargo de Talycual producciones, prevista del 11 al 27 de enero, y ‘La geometría del trigo’, que se representará del 6 al 24 de febrero en una producción de Teatro del Acantilado en colaboración con La Estampida, Padam Producciones, Ayuntamiento de Vilches (Jaén) y el Área de Cultura de la Diputación Provincial de Jaén. Escrita y dirigida por Alberto Conejero, esta obra es “una historia de tránsitos y transiciones entre tiempos, espacios, lenguas y formas de amar. Y de fondo las últimas minas de plomo entre los olivares. Un intento de empezar de nuevo y de seguir juntos. Porque el vínculo nunca desaparece y siempre estamos a tiempo de cuidarlo”. —

Alberto Conejero Yolanda García Serrano

Tracy Letts

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AvilésssMálaga

El Teatro Palacio Valdés volverá a acoger diversos estrenos estos meses. El 25 de enero Kamikaze Producciones presentará dos obras de Jordi Casanovas que recogen hechos reales: ‘Port Arthur’, con dirección de David Serrano, extrae una transcripción literal de un interrogatorio policial que trata de esclarecer una matanza sucedida en Australia; y ‘Jauría’ presenta, con dirección de Miguel del Arco, fragmentos de las declaraciones de acusados y denunciantes del caso La Manada. Un mes más tarde (15 de febrero) Producciones Teatrales Contemporáneas llegará con el espectáculo ‘Copenhague’ de Michael Frayn versionado por David Serrano, dirigido por Claudio Tolcachir e interpretado por Emilio Gutiérrez Caba, Carlos Hipólito y Malena Gutierrez. Y para el 22 de febrero se espera ‘Bojiganga’, obra con texto y dirección de Sergio Gayol que llega de la mano de Teatro del Cuervo.

Factoría Echegaray presenta su nueva producción del 20 de febrero al 9 de marzo en el Teatro Echegaray. Se trata de ‘Mitad del mundo’, obra de Pablo Díaz Morilla dirigida por Fran Perea que narra la historia de Christopher Reeve, el auténtico Supermán, intentando mediar en Santiago de Chile, en plena dictadura de Pinochet, por la liberación de 77 actores y actrices. También en el Teatro Echegaray pero los días 1 y 2 de febrero tendrá lugar ‘Espejismo cabaret’ de Ángel Calvente, propuesta de El Espejo Negro, que cumple 30 años de trayectoria. El público, como una inocente ‘Alicia’ en el País de las Maravillas, atravesará el cristal adentrándose en lo más profundo y oscuro del espejo negro. Un espejo donde la realidad se deformará para mostrarles, sin pudor, sus bajezas y pecados. El Teatro Cervantes, por su parte, acogerá el 4 de enero el espectáculo ‘Rock Cirk’ de Rolabola (Premio Nacional de Circo 2017), que se presenta como “un divertido guirigay circense”.

SevillaaGranada

El Teatro Central será testigo de dos estrenos durante los meses de enero y febrero. El primero, que tendrá lugar los días 18 y 19 de enero, es ‘Hovering’, una pieza de danza y música en directo en la que participan tres ilustradores que apoyan el espectáculo gráficamente. Esta es la tercera creación del colectivo Rosa Cerdo con dirección, coreografía e interpretación de Silvia Balvín, música e interpretación de Alberto Almenara y dramaturgia de Alberto Cortés. La Ejecutora y Teatro a Pelo, por su parte, estrenan los días 1 y 2 de febrero ‘Melodrama’, con dramaturgia de Julio León Rocha y dirección de Francisco Pérez Román. “Melodrama es un proceso de investigación y creación escénica centrado en la reflexión sobre lo melodramático en la sociedad actual: las heridas y cicatrices cotidianas que nos acompañan”, explican sus creadores, para añadir que la obra “se plantea como un resultado construido a partir de varias voces personales que den lugar a un relato más amplio”.

Del 15 al 17 de enero LaSal Teatro estrena ‘LAR (La casa, el hogar)’ en el Teatro Alhambra. Este nuevo trabajo de la veterana compañía granadina está escrito y dirigido por Julia Ruiz Carazo y contemplado para niñas y niños de entre 4 y 6 años. Se trata de una obra sobre la protección y el amor que nuestro hogar nos inspira, pero... ¿Y si nuestra casa desaparece? ¿Si la destruyen? ¿Si tenemos que abandonarla sin tener otro hogar a donde ir? En el mismo espacio, la también granadina Histrión Teatro estrena los días 8 y 9 de febrero ‘La isla’, tercera colaboración con el dramaturgo y director Juan Carlos Rubio. Las actrices Gema Matarranz y Mara Megías dan vida a Ada y Laura, que están a la espera de saber si su hijo de 11 años sobrevivirá al accidente que ha destrozado su cuerpo. A partir de este hecho, la obra explora la fina línea que separa lo que sentimos de lo que podemos reconocer que sentimos, frente a los demás y frente a nosotras mismas.

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VII Festival Sâlmon en Barcelona

Sâlmon, cartografíadel ecosistemacultural de BCN

Una treintena de propuestas escénicas y más de 100 artistas conforman la séptima edición de Sâlmon

Con la celebración entre el 22 de enero y el 10 de

febrero de su séptima edición, Sâlmon se consolida como el Festival de artes vivas de Barcelona, gracias al destacado papel del Ajuntament de Barcelona, entidad que se encarga de su organización, junto el impulso de Graner, Mercat de les Flors y Fabra i Coats - fábrica de creación. La programación de esta nueva edición de Sâlmon se expande por trece espacios de la ciudad –Graner, Mercat de les Flors, Fabra i Coats, Antic Teatre, La Caldera, La Poderosa, Fundació Joan Miró, L´Auditori, CaixaForum, MAC- BA, Hiroshima, MNAC y Zumzeig–, para representar una cartografía del ecosistema cultural de Barcelona. Además, esta edición de Sâlmon pone el acento “sobre los creadores locales, sin olvidar la realidad estatal e internacional, con el objetivo de centrar la mirada en la experimentación, la investigación en las artes vivas contemporáneas y la transformación social a través de la cultura como horizonte”, según explican sus organizadores. Para ello, el festival se vertebra en varios programas compuestos por propuestas escénicas diversas, y los que se componen por actividades encaminadas al estudio, debate, reflexión, encuentro y diálogo en torno a las artes en vivo.

EN ESCENA Entre los espectáculos que conforman la programación de este año encontramos varios estrenos como ‘Catalina’, pieza de danza contemporánea desde una perspectiva feminista, libertaria y antiacademicista a cargo de Colectivo Iniciativa Sexual Femenina, o ‘Fin del mundo beauty’ de Car-

melo Salazar, que se define como “extremadamente danza”.

Vértebro estrena ‘Jura de Bandera’, segunda pieza de su “Díptico por la identidad”, y Ensemble Topogràfic –colectivo que experimenta la interacción entre sonido y movimiento– junto con el “antipianista y terrorista sonoro” Xavi

Lloses presentan ‘Meteora’. Y estreno es también ‘Body on paper’, un proyecto formado por un fotolibro y un solo escénico de Manuel Rodríguez. Junto con los citados estrenos, la programación escénica de Sâlmon incluye propuestas como ‘Bacants – Preludi per a una purga’ de la bailarina y coreógrafa Marlene Monteiro, ‘Dark Field Analysis’ de Jefta Van Dinther, coreógrafo que trabaja entre Estocolmo y Berlín, ‘Gentle Unicorn’ de la sin-

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gular artista italiana Chiara Bersani, o ‘Eclipse: Mundo’, una aproximación al dispositivo escénico y la danza a cargo de Paz Rojo.

Gentle Unicorn ©Chiara Bersani

NUEVAS DRAMATURGIAS El lenguaje de la comedia se conjuga con las nuevas dramaturgias en ‘Parecer felices’ de El pollo campero, Comidas para llevar, mientras que el dramaturgo y director Alberto Cortés construye ‘Masacre el Nebraska’ a partir de todos los residuos acumulados como espectador. Maria Salgado & Fran MM Cabeza de Vaca se adentran con ‘Jinete Último Reino Frag.3’ en una zona de investigación audiotextual en torno al deseo, la represión, la norma, la revuelta subjetiva y la alegría compartida por las subculturas de la noche. Bárbara Bañuelos reflexiona sobre la salud mental y el cuerpo con ‘Mi padre no era un famoso escritor ruso. Un documental escénico’, y Orquesta de Pigmeos, colectivo experimental dedicado a la intervención site specific, presenta ‘Ningún lugar’. En Sâlmon habrá lugar para acciones o performances como ‘Cuerpo Cosmos’, con la que Marc Sempere Moya y Lipi Hernández parten de rituales trance para acercarse a nuestra tradición más sincera y profunda. Con ‘Olla en común’ Azkona & Toloza ofrecen un viaje de los de antes, de aquellos en los que te pasabas meses, incluso años planificando. Y el irreverente creador gallego Rodrigo Cuevas ha preparado una ‘Conferencia performativa’ con la que hablará al público de sus referentes e influencias. Además, se podrán conocer varias propuestas en proceso de creación y diversas prácticas artísticas de la mano de artistas como Mónica Muntaner y Rosa Muñoz, Javier Guerrero, Verónica Navas, Jorge Dutor, Cris Blanco y Guillem Mont de Palol o Los detectives, entre otros. —

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XX Festival Escena Abierta de Burgos

Dos décadas apostandopor el riesgo escénico

La interrelación define la programación de la presente edición del festival burgalés

FOTOGRAFÍAS

La espuma de los días

Tierras del Sud S.A.

Se cumplen nada menos que 20 años del pistoletazo de salida del Festival Escena Abierta, cita organizada por el Instituto Municipal de Cultura y Turismo del Ayuntamiento de Burgos, el Vicerrectorado de Cultura, Deporte y Relaciones Institucionales de la Universidad de Burgos, desde su Aula de Teatro, y la Fundación Caja de Burgos. Sus responsables vieron como un feliz acontecimiento cultural el poder empezar a apostar por artistas y trabajos escénicos que buscaban nuevos caminos de expresión dramática y que tenían dificultad en encontrar foros de exposición para sus trabajos. Y de estos veinte años de resistencia destacan que tan importantes como los creadores congregados ha sido el público

fiel, convirtiéndose ambas partes en motor y razón de ser de este festival. El Teatro Principal, el Centro de Arte Contemporáneo de Caja de Burgos, el Auditorio Rafael Frühbeck, la Sala Hangar y el Fórum Evolución de Burgos acogerán del 11 al 20 de enero las ocho piezas programadas en la presente edición, que si alguna palabra la puede definir, esa la interrelación que en esta época se da entre las cosas. Partiendo de lo más novedoso, cabe destacar varios estrenos absolutos, tales como el que mostrará la autora y directora burgalesa María Velasco de su visión contemporánea de la novela de Boris Vian ‘La espuma de los días’. Basándose en la poesía, la danza y el movimiento va dando forma a esta obra en la que la enfermedad y la muerte son los grandes temas, sin olvidar la resistencia y la alegría subversiva. Otra de las primicias, ‘Normalmente está todo bien pero de vez en cuando…’, viene de la mano de Bea Sualdea y Pelayo Cienfuegos y se trata de su primer trabajo juntos, donde plantean un viaje entre lo que es y lo que debería ser. Asimismo, se contará por primera vez en el Estado espa-

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ñol con la presencia de la Compañía DOO - Divano Occidentale

Orientale, que llega con ‘Maiden’, propuesta que forma parte del ‘Díptico de la luz’ junto con la obra ‘Qui-es-tu? Tu mes tues’, ambas escritas y dirigidas por Giuseppe L. Bonifati, y donde la luz juega un papel fundamental. La joven compañía José y sus hermanas representará ‘Arma de construcción masiva’, su segundo montaje en el que cuestionan la educación en España actualmente, con todas la reformas educativas y protestas que ha sufrido el país, la educación familiar y del entorno; la educación del mundo de las imágenes, de la música de los medios y de las redes. Por su parte, Roger Bernat, que ya había participado en alguna edición anterior, se encargará de inaugurar el festival el día 11 con el montaje ‘No se registran conversaciones de interés’, con el terrorismo como telón de fondo en una propuesta que se mueve entre el teatro documento y el teatro relacional. El espectáculo acerca diferentes maneras de explicar lo mismo y diferentes maneras de interpretar los estragos que provoca una guerra. Laida Azcona Goñi & Txalo Toloza-Fernández presentarán ‘Tierras del Sud S.A.’, la segunda parte de la trilogía escénica documental ‘PACÍFICO’, centrada en la estrecha relación que se da entre la barbarie sobre los pueblos originarios latinoamericanos, su territorio y su gente, el desarrollo de las nuevas formas de colonialismo y las diversas formas de expresión de la cultura contemporánea dominante. En esta edición especial tampoco podía faltar la presencia de la premiada coreógrafa y bailarina Sol Picó, que escenificará ‘Onehit wonders’, una mirada panorámica sobre su carrera artística. Y, como colofón, Juan Navarro será el anfitrión que adentrará al público en una noche espacial con su festiva propuesta bajo el título de ‘Burgos U-Trópico’, preparada para la celebración del 20º aniversario del Festival Escena Abierta. Así, se propone al público burgalés ser el protagonista activo de un imaginario tropical low cost que posibilite algún periplo de catarsis en la noche. Se completa la programación con una actividad paralela, concretamente la presentación del libro ‘Las prosopopeyas de María Velasco (Autoficción y teatro)’, III Premio Investigación José Monleón, que contará con la presencia de su autora, Ana Fernández Valbuena, y María Velasco. Y tampoco faltarán los encuentros con los artistas que posibilitarán el acercamiento a los procesos creativos. —

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XXVI Santiago a Mil y VIII Santiago Off

Se encadenan dos citas teatralesde importancia en Chile

Los dos festivales santiagueños proporcionan a la ciudad una amplia oferta escénica en todos los formatos

marcuse Franz Kimmel

FOTOGRAFÍAS Franco Lueguen

Les Rois Vagabonds

Mucho ruido

Santiago a Mil se celebra del 3 al 20 de enero con cerca de 60 espectáculos de países provenientes de América, Europa, Asia, África y Oceanía. Mediante disciplinas que cruzan el teatro, la danza, las artes visuales y la performance, invitará al público a viajar por temáticas representativas y universales de países como el debutante Ruanda, y otros que regresan como Cuba, Sudáfrica, Siria e Irán. Uno de los principales focos será la fuerza de las Mujeres Creadoras. Directoras, dramaturgas, artistas y profesionales de las artes escénicas provocarán a los espectadores desde sus distintas áreas, siendo encabezadas por la francesa Sophie Calle y su exposición ‘Cuídese Mucho’, a partir de una

ruptura amorosa, convocando a 107 mujeres que interpretan las palabras de un ex amante. Una de las coreógrafas y bailarinas más célebres de Sudáfrica, Dada Masilo, llegará con ‘Swan Lake’, una versión explosiva de ‘El lago de los cisnes’. Desde la India, otra importante referente de la danza acercará la cultura y cosmovisión hindú. Se trata de Shantala Shivalingappa, discípula de Pina Bausch, que presentará ‘Swayanbhu’. La amplia participación internacional y latinoamericana se completa con una selección de representación chilena compuesta por: ‘Arpeggione’ y ‘Prefiero que me coman los perros’ del joven talento Jesús Urqueta; ‘Idomeneo’ de Manuela Infante; ‘Los arrepentidos’ de Víctor Carrasco; ‘La iguana de Alessandra’ de Ramón Griffero; ‘Tribus’ de Manuela Oyarzún; ‘Franco’ de María José Pizarro y Alexandra Von Hummel; ‘Diatriba “El desaparecido”’ de Juan Radrigán y dirección de Rodrigo Pérez; ‘Lobo’ de Andrea García Huidobro y Patricio Yovane; ‘Noche mapuche’ de Marcelo Leonart; ‘Pescador’ de Silencio Blanco; ‘Plan vivienda 2015-2045’ de Compañía Limitada; ‘Pompeya’ de Gerardo Oettinger y Rodrigo Soto;

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JF Berne

‘Representar’ de Teatro Perro Muerto; ‘Ricardo III, el Príncipe Contrahecho’ de J. Radrigán, con dirección de Rodrigo Pérez; y las regionales ‘Ella & Ella’ de Aldo Parodi (Valparaíso) y ‘Campo de Batalla. Las ruinas de Estocolmo’ de Valentina Durán (Concepción). Como invitados especiales estarán: ‘Carnaval’ de Trinidad González; ‘Cuerpo pretérito’ de Samantha Manzur; y ‘Paisajes para no colorear’ de Marco Layera. En danza se repondrán piezas claves como ‘Malen’ de Ricardo Curaqueo, que trae a escena el legado femenino mapuche; la creación transescénica sobre la disidencia sexual ‘Orgiología’ de Paula Sacur y Ernesto Orellana, y el concierto en movimiento ‘Ruido’ de Rodrigo Chaverini.

SANTIAGO OFF El Festival Internacional Santiago OFF se realizará del 17 al 26 de enero,con la intención de destacar la importancia, trayectoria, trascendencia y proyección de las agrupaciones que se presentarán en los escenarios, para construir con ellas una nueva realidad cultural para Chile. Se incorpora por primera vez un foco Circo, que se suma al

Teatro, Teatro de calle, Danza y Conciertos, diversificando las miradas sobre el contexto y evidenciando la rica y nutrida escena que posee el país. Además, se realizará un segundo foco FiraTàrrega, que consolida la red de colaboración establecida con Cataluña a través de este mercado internacional de artes escénicas, que pone especial énfasis en espectáculos de calle, visuales y no convencionales. Entre otros, se podrá disfrutar de ‘Casta Peste y Eternidad, una apología del Amor’ de Santi Senso. Destaca además la alianza con el Festival Teatro en Casa, un certamen teatral que combina las artes escénicas con la revalorización del patrimonio inmueble de un barrio histórico de Santiago como es el Yungay, a través de espectáculos de pequeño formato en casas facilitadas por dueños y/o residentes del sector. De las muchas obras seleccionadas destacan ‘Pareidolia’ de La Llave Maestra y la coproducción entre Chile y Bolivia ‘Un buen morir’ de Teatro de Los Andes con dirección de Elías Cohen. Adquieren relevancia también las actividades paralelas que forman parte del núcleo central de la cita. —

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XV MADferia

Llega la granFeria de Madrid

16 espectáculos y mucho más en cuatro jornadas

La Feria de Artes Escénicas de Madrid cumple quince años en una edición que se celebra del 22 al 25 de enero en las salas de Matadero, Cuarta Pared y el Teatro Circo Price, con una programación que incluye 16 espectáculos de teatro, danza y circo, así como una instalación-performance y “una variada oferta de actividades orientadas a crear un espacio de encuentro y diálogo”, tal y como afirman desde su organización, la Asociación de Empresas Productoras de Artes Escénicas de Madrid (AR- TEMAD). Son varias las propuestas dirigidas al público infantil y familiar que incluye esta edición, tales como ‘Baby Esferic’ de Aboon Teatre, “un divertido viaje para redescubrir y emocionarnos con nuestro hogar, con ojos de niño”; la descabellada y divertida ‘Mi juguete favorito’ de La Tartana; circo y marionetas se funden en ‘Mi nombre es Hor’ de PSIRC, y ‘Alicia y las ciudades invisibles’, una versión libre de ‘Alicia en el País de Maravillas’ con una puesta en escena multidisciplinar de Onírica Mecánica. La oferta para el público adulto incluye espectáculos de diversos géneros y disciplinas como la comedia ‘Se vende’ de Pangea Producciones, la vitalista ‘Los bancos regalan sandwicheras y chorizos’ de José y sus hermanas, o la también comedia en torno a los problemas de las familias con sus mayores ‘La lechuga’ de Eme2 Produccións. Por su parte, Sr. Correcto parte de los textos de Max Aub y Angélica Gómez para poner en escena ‘La verdadera historia de la muerte de FF’, unipersonal dirigido por Ángel Calvente. Wichita CO pone en escena el viaje de una pareja en crisis en ‘Cuzco’, y desde Portugal llega a Madrid un espectáculo de circo contemporáneo, ‘E- NXHADA’ de Erva Daninha. Las mujeres son protagonistas absolutas de dos obras. La Joven Compañía pondrá en escena ‘Playoff’, una tragicomedia escrita por Marta Buchaca “sobre el papel de la mujer y del deporte femenino en una sociedad que todavía manifiesta un machismo feroz en muchos ámbitos”. Y A Panadaría ofrece una reconstrucción irreverente de un suceso real acaecido en A Coruña en 1901; una comedia musical donde lo verídico parece invento; ‘Elisa y Marcela’, una historia de amor a contratiempo. En esta edición destaca a su vez la presencia de la danza

con los espectáculos ‘The Lamb’ de Kor´sia o el solo ‘Sintempo’ de Sara Cano Compañía de Danza. De lo que es normal y lo que deja de serlo reflexiona ‘La teta de Janet’, última propuesta de

Ertza con coreografía y dirección de Asier Zabaleta, y ‘Una gran emoción política’ de La Phármaco es una propuesta escénica inspirada en “Memoria de la melancolía”, autobiografía de María Teresa León en la que aborda los años de la Guerra Civil y el exilio. La programación de MADferia propone además la instalación-performance ‘La isla de la memoria’ a cargo de Dante, “un viaje de creación que todavía no ha terminado su trayecto, como en Ítaca, nunca se llega al puerto final”, explica su creador, Adolfo Simón, quien añade que “no vas a ver una obra de teatro, no vas a entrar en una exposición... vas a vivir una experiencia única e intransferible a través de lo que se ha ido acumulando en mi desván teatral”. —

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La teta de Janet ©Gorka Bravo

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Dos festivales en Buenos Aires

El FIBA y la extensión deTemporada Alta a su alcance

El Festival Internacional adelanta sus fechas de celebración y Timbre 4 acoge una selección de obras

FOTOGRAFÍA Tierra Baja

El FIBA, que realizará su XII edición del 23 de enero al 3 de febrero, inaugura su programación con una obra de Tim Robbins, ‘The New Colossus’, que se ofrecerá al aire libre en el Parque Centenario a cargo de The Actors’

Gang, la compañía que Robbins fundó en 1981. A las destacadas visitas internacionales y a la selección de veinte producciones nacionales, se suman en esta edición muchas opciones en la vía pública. Con esta premisa se estrenará la sección Maratón Abasto, con una variada oferta cultural y gastronómica en ese barrio tan tradicional del teatro independiente, y se unirá Ciudanza, el espacio en el que los bailarines toman los paisajes urbanos para acercar el

arte del movimiento al público. Las propuestas continúan con películas, charlas con los realizadores y el Premio Germán Rozenmacher, entre otras muchas propuestas. Del 7 al 17 de febrero, se realizará en TIMBRe4 la VII edición consecutiva del Festival Temporada Alta en Buenos Aires (TABA). Así, se presentarán espectáculos del Estado español, Perú, Uruguay, Colombia, Suiza, Alemania, Finlandia y Argentina. La programación incluye la semana catalana, mesas de conversación, workshops y el Torneo transatlántico de dramaturgia. En esta edición habrá teatro, danza, teatro físico, teatro de objetos, títeres, clown, performances y música entre otras propuestas que coparán la cartelera teatral porteña de febrero. Memoria, historia, amor, humor, horror, cultura, identidad, poder o corrupción serán algunas de las temáticas que atraviesan la programación que consta de nueve espectáculos de ocho países diferentes que ofrecerán veintidós funciones, además de programarse nueve actividades paralelas dedicadas a profesionales. —

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XLII Jornadas de Teatro de Eibar

Eibar con

el teatro

El funeral

La cuadragésima segunda edición de las Jornadas

de Teatro de Eibar se celebra del 29 de enero al 7 de abril, dando comienzo, un año más, con la ya clásica Conferencia de Apertura, en la que este año participa como ponente Concha Velasco. La conocida actriz es la protagonista de ‘El funeral’, obra con la que se inaugura la programación de esta edición. En marzo la XVII Muestra de Estatuas Humanas, una exhibición de reconocidos actores del género, ya convertida en otro “clásico” de las Jornadas, dará paso al último trabajo de Kukai, ‘Erritu’, una creación realizada junto con el coreógrafo Sharon Fridman. Después será el turno de casi una veintena de espectáculos como ‘La luz oscura’ de Rafael Álvarez El Brujo, ‘Comedia Aquilana’ de Nao d´amores, o el nuevo trabajo de La Zaranda, ‘El desguace de las musas’, pocas semanas de después de su estreno. Tampoco faltará en la programación la Compañía Nacional de Teatro Clásico o Narruzko

Zezen, Grupo Universitario del Complejo Educativo de Eibar, junto a una selección de las últimas producciones de teatro vasco. Al cierre de esta edición de ARTEZ, quedan todavía algunas compañías por concretar. Puesto a que gran parte de la programación se desarrolla durante los meses de marzo y abril, se dará cumplida información de esta nueva cita de las Jornadas en el próximo número de la revista. —

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Encuentros Concentrados en SevillaFestival de Teatro de Málaga

Vanessa Rábade

Encuentros Concentrados es un festival escénico en espacios no convencionales que se celebra en Sevilla y cuya séptima edición tendrá lugar del 10 al 13 de enero. Este año el festival estrena nueva sede en The Nomad Hostel, espacio en el que se pondrán en escena la docena de piezas que conforma la programación, lugar en el que también se hospedarán los artistas y será punto de encuentro entre artistas y público. Un año más, el festival apuesta por la transversalidad de las disciplinas y el apoyo a la experimentación con propuestas teatrales de lenguajes diversos como ‘Decarriadas B.S.O.’ de Teatro Al Punto Producciones, ‘El Armadillo’ de Producciones RP, ‘La providencia’ de Viviseccionados o ‘Moli me tangere’ de Colectivo Camisa, entre otros, las piezas de danza ‘Maricón de España’ o la pieza de flamenco denominada ‘Sin título’. Cabe destacar además la instalación ‘EXO-dramática [Deconstrucción de la Casa de Barnarda Alba]’ del sevillano Álex Peña.

Los teatros Cervantes y Echegaray acogen gran parte de la programación de la trigésima sexta edición del Festival de Teatro de Málaga, que se presenta con una extensa programación que se desarrollará entre el 11 de enero y el 13 de febrero. Inaugura los espectáculos que se pondrán en escena en el Teatro Cervantes la versión que Juan Cavestany ha realizado sobre la novela de Herman Melville ‘Moby Dick’, a la que le seguirán propuestas como ‘Señora de rojo sobre fondo gris’ de Miguel Delibes y protagonizada por José Sacrisán, ‘La luz oscura’ de Rafael Álvarez “El brujo”, ‘¿Quién es el señor Schmitt?’ de Sébastien Thiéry y ‘Lehman Trilogy’, ambas por Barco Pirata Producciones, ‘Tebas Land’ de Sergio Blanco por Teatro Pavón Kamikaze o ‘La Strada’ de Federico Fellini con dirección de Mario Gas. En el Teatro Echegaray, por su parte, se podrá disfrutar con ‘Euria (Lluvia)’ de Markeliñe o el estreno de ‘Perra’ de Tenemos Gato, entre otros.

London International Mime FestivalFestival Actual de Logroño

El London International Mime Festival presenta una programación que se extiende del 9 de enero al 3 de febrero. Los artistas del Reino Unido protagonizan el programa de teatro visual contemporáneo de este año. Barely Methodical Troupe inaugura la cita con su pieza acrobática ‘Shift’ en el Platform Theatre, mientras que Gandini Juggling & Alexander Whitley y Gecko debutan en los teatros Sadler’s Wells y Barbican, respectivamente. Thick & Tight estará en el Lilian Baylis Studio. Stan’s Cafe llega a Londres con ‘The Capital’, y Green Ginger explora las extensiones interiores del cuerpo humano en ‘Intronauts’, ambas piezas que se podrán ver en Jacksons Lane. Theatre Re estrenará ‘Birth’ en el Shoreditch Town Hall. Los montajes internacionales estarán a cargo de compañías de Bélgica, Finlandia, Francia, Nueva Zelanda, Noruega y el Estado español. Además, se ofrecerán actividades paralelas como workshops o películas clásicas de cine mudo con música en directo.

Del 2 al 6 de enero se celebra en Logroño una nueva edición del Festival Actual. Escenario de Culturas Contemporáneas, con una programación ecléctica de música, cine, teatro y arte. En lo que a las Artes Escénicas se refiere, esta edición presenta una programación dividida en los programas denominados ‘Escenario Insólito’, con propuestas escénicas que se llevarán a cabo en espacios no convencionales de la ciudad, y ‘Sala Negra’, en la sala del mismo nombre. El primero propone montajes como ‘Con Vive’, pequeños actos íntimos de Chaman Producciones, la particular ‘Mi Gran Obra’ de David Espinosa, ‘Conservando memoria’ de El Patio Teatro, ‘Tres formas de amar’ de El Perro Azul, ‘Vísteme despacio’ de Ipso Facto Impro, y ‘Lena y María’ de Jawa Producciones, entre otras. Y en la Sala Negra se podrá disfrutar con los montajes ‘La muerte y la doncella’ de Ariel Dorfamn, ‘Muertos de risa’ de Jean Pierre Martínez y varios espectáculos dirigidos al público familiar.

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EN GIRA ZONA ABIERTA ENERO | FEBRERO | 2019

El año comienza conbuen pulso teatral en Bizkaia

Eñaut Castagnet marcosGpunto

FOTOGRAFÍAS Zazpi senideko Bonnevillle Ser Crimen y telón Solitudes

El 19 y 24 de enero continuarán en el Teatro Arriaga de Bilbao las representaciones de su última producción ‘Tiempos mezquinos/Garai zekenak’, funciones que se realizarán en castellano y en euskara, respectivamente. Entre ellas, los días 7 y 8, se podrá disfrutar con ‘Zazpi senideko’ de Axut!. Ander Lipus dirige a dos actores, Ximun y Manex Fuchs, dos hermanos que pondrán sobre el escenario del Arriaga siete historias sobre el laberinto de la fraternidad entre hermanos; siete testimonios escritos por otros tantos autores. Siguiendo el orden cronológico de la programación, las propuestas de enero incluyen también los montajes ‘Todas las noches de un día’ de Alberto Conejero (9-13), ‘Erlauntza/El enjambre’ de Kepa Errasti, con funciones en euskara y castellano del proyecto seleccionado en el marco de la iniciativa “Nuevas dramaturgias”, impulsado por el Teatro Arriaga, el Teatro Principal de Vitoria-Gasteiz y

el Teatro Victoria Eugenia de Donostia (días 15 y 16, respectivamente) o ‘Una oda al tiempo’, montaje flamenco de María Pagés Compañía (18 y 19). Para el 22 y 23 está previsto el estreno de ‘Galerna’ de Tamara Gutierrez en una producción de Antzerkiz y Pabellón 6, que dará paso a la italiana Compañía Ricci/Forte y su ‘Still life’ (25) y ‘Hamaikaren amaren seme (alaba)’ (26) de Josemari Velez de Mendizabal, pieza dirigida por Vene Herrero que, interpretada por Doke Antzerki Taldea, supone un recorrido teatral por los últimos 100 años de la sociedad vasca de la mano de Eusko Ikaskuntza. Para finalizar el mes estará ‘Caballo/Dostoievsky’ de Richard Sahagún (28 y 29). Febrero arranca con ‘Dada Masilo’s Swan lake’ de la sudafricana The Dance Factory Johannesburg (días 1 y 2) y continúa con el estreno de ‘Macbeth’, nueva producción del Teatro Arriaga con versión y dirección de Alex Gerediaga que se presenta en euskara y castellano del 9 al 17. MDV Danza presenta ‘Agate Deuna’ el 31, un espectáculo de danza contemporánea sobre los arquetipos femeninos, y el 26 Javier Liñera acerca al público su ‘Barro rojo’, para cerrar el mes con ‘El precio’ de Arthur Miller con dirección de Sílvia Munt.

LA FUNDICIÓN La danza es protagonista absoluta en enero en La Fundición. Los días 12 y 13 la coreógrafa y bailarina Matxalen

Bilbao presenta ‘Serenity suie’ y el 19 y 20 desde Montreal

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David Ruiz

llegan Brice Noeser & Karina Iraola con ‘Ruminant Ruminant’. Le seguirán dos propuestas de flamenco contemporáneo, ‘La espera’ de Sara Cano Compañía de danza (26 y 27 ) y ‘Ser’ de Cristian Martin los días 2 y 3 de febrero. Los días 16 y 17 estará el espectáculo teatral ‘Bonnevillle’ del valenciano Miguel Angel Altet con dirección de María Velasco González. Finaliza la programación de febrero los días 23 y 24 el estreno de la pieza de danza de Anna Mezz ‘Shimai sisters’.

TEATRO BARAKALDO Un montaje de teatro musical, ‘Con lo bien que estábamos (Ferretería Esteban)’ de Nueve de Nueve Teatro es el encargado de dar comienzo, el 12 de enero, a la programación del Teatro Barakaldo. El 18 será el turno de ‘Ghero’, espectáculo en euskara coproducido por Tartean Teatroa y Euskaltzaindia en el centenario de la Academia de la Lengua Vasca, y el 20 de ‘Saio zero’, montaje de Bilaka-Iparraldeko Dantzarien Biltzarra que ofrece un enfoque contemporáneo de la danza tradicional vasca. De danza es también pero dirigida al público familiar la propuesta de Aracaladanza, ‘Play’ (27) . El 2 de febrero Ron Lalá realiza un homenaje al teatro

universal con ‘Crimen y telón’, mientras que la memoria histórica es protagonista en ‘Amor oscuro (sonetos)’ de Viridiana CPT (día 14). El público infantil y familiar tendrá dos citas este mes en Barakaldo. El día 10 con Companyia Pel més menuts y su ‘Black Music’ y el 24 con ‘Ehuna’ de Teatro Paraíso. Pero habrá más, como lo último de Kukai

Dantza ‘Erritu’ (16), pieza creada junto al coreógrafo Sharon Fridman.

KULTUR LEIOA Tras el concierto que ofrecerá Benito Lertxundi el 11 de enero, llega a Kultur Leioa el 14 el espectáculo de teatro, música, poesía y danza ‘ELE! Lorca-Lauaxeta’ de Karabansarai Producciones, y el día 20, el público infantil y familiar tiene una cita con La Baldufa y su ‘Mi padre es un ogro’. El primero de febrero Ados Teatroa presenta ‘El baile de los años’, que pone en colaboración a la coreógrafa Becky Siegel y a la directora Garbi Losada, con 3 bailarines profesionales y un grupo de personas mayores, niños y jóvenes. El día 11 se podrá disfrutar con la deliciosa ‘Solitudes’ de Kulunka, y el 17 los más pequeños harán lo propio con el estreno de ‘Itsasoen deiadarra/La llamada de los mares’ de Musiklatu. —

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ARTEZ | 226 EN GIRA ENERO | FEBRERO | 2019

Energía escénica para el nuevo

año en Donostia

FOTOGRAFÍAS La zanja Frozen Songs Jane Eyre

El primer espectáculo del año en el Teatro Victoria Eugenia llega de la mano de Provisional Danza, que pondrá en escena en la sala Club del 9 al 11 de enero las piezas ‘Magdalena’ de Leyson Ponce, ‘De Amor y de Aire’, dúo interpretado y coreografiado por Carmen Werner y Leyson Ponce, y el solo ‘En Blanco’, coreografía interpretada por la propia Werner. La danza también será la protagonista del escenario principal con el programa que desde Baiona acerca Compagnie Illicite (día 24), ‘De Profundis’. En febrero la danza llega de la mano de Zero Visibility Corp, la compañía noruega de danza contemporánea dirigida por Ina Christel Johannessen que el día 2 pondrá en escena ‘Frozen Songs’ y dará paso a una celebración, ‘Nire, zure, gure Verdini: 25 urte’ (día 10), espectáculo de Verdini Dantza Taldea con el que la compañía de danza inclusiva de Donostia celebrará un cuarto de siglo. El primer espectáculo teatral del Victoria Eugenia tendrá lugar los días 24 y 25 de enero y será ‘Voltaire / Rousseau. La disputa’ de Jean-François Prévand con dirección de Josep Maria Flotats en una producción del CDN. Los días 16 y 17 de febrero Secuencia 3 presenta en Donostia ‘Un marido ideal’ de Oscar Wilde en versión de Juan Carlos Pérez de la Fuente, comedia que se mueve entre la política, la miseria humana, el thriller político y las relaciones de pareja. El 23

llegará la versión que el Teatre Lliure ha llevado a escena del clásico de Charlotte Brontë, ‘Jane Eyre’, una adaptación de Anna Maria Ricart bajo la dirección de Carme Portaceli con Ariadna Gil en el papel de la gran heroína romántica. La Sala Club, por su parte, acoge dos montajes más: ‘Quiero decir te amo’ de Humo Negro el 31 de enero y ‘Baile de huesos’ de Teatro Estudio San Sebastián del 20 al 23 de febrero. Antzoki Zaharra presenta dos espectáculos el mes de febrero, ambos montajes teatrales en euskara; el día 2, el recién estrenado ‘Hamaika amaren seme (alaba)’, una visión de la evolución histórica en los últimos cien años de Eusko Ikaskuntza, y ‘Rita’ de Txalo Produkzioak, los días 8 y 9. La programación en Gazteszena arranca el 26 de enero con la presentación del último trabajo de Markeliñe, ‘Julietas, Romeo Circo’, el clásico de Shakespeare contado con el lenguaje del circo. El 2 de febrero tendrá lugar el estreno del espectáculo de danza ‘Saio zero’ de Bilaka Kolektiboa. El día 10 Titzina representará ‘La zanja’, su último y celebrado trabajo. Imanol Larzabal Aretoa propone varios espectáculos dirigidos al público infantil, entre los que cabe destacar ‘Faboo’ de Escena Creativa (2 de enero). Y el público adulto tiene dos interesantes citas con ‘¿Qué pasó con Michael Jackson?’ de La Teta Calva el 26 y 27 de enero, y ‘13’ de Peripecia Teatro los días 23 y 24. —

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ARTEZ | 226 MISCELÁNEA ENERO | FEBRERO | 2019

Ciclo Escena Diversa

Escalante, Centre Teatral de la Diputació de València regresa a Sala Russafa este mes de enero con un programa de tres piezas que forman parte de su ciclo Escena Diversa. La primera, ‘El viaje de Ulises’, que se podrá ver del 8 al 11 de enero, está dirigida al público escolar. Humor y música en directo se unen en esta propuesta en

la que la formación vasca Teatro Gorakada presenta una metáfora de cómo enfrentarse y superar las dificultades. La segunda propuesta del ciclo es ‘Pop Up’ de los italianos Teatro delle Bricole, con funciones escolares (del 14 al 18 de enero) y una abierta al público general el día 13. En esta pieza gestual, dos actrices manipulan unos libros especiales, de cuyas páginas brotan los elementos para contar las aventuras de un niño en un juego lleno de fantasía y emoción. La programación se completa con ‘En els núvols’, un espectáculo con funciones escolares (21, 23 y 25 de enero) y una abierta al público general el 20 de enero. La formación valenciana La Negra presenta esta pieza creada por Diego Guil y Xavo Giménez en la que las pompas de jabón se convierten en títeres. Sin texto pero con mucha espuma, el público conocerá el mundo de un niño poco convencional, algo solitario, pero al que le salen amigos por todas partes y que es capaz de flotar (no sólo en su imaginación).

Ciclo Les Refusés

El V Ciclo Les Refusés que organiza el Teatro Arbolé de Zaragoza ocupará la programación del mes de febrero y marzo con producciones teatrales ya estrenadas pero que merecen una nueva oportunidad para ser representadas. Siete compañías aragonesas pondrán en escena espectáculos con el denominador común de reflexionar sobre el devenir

de los seres humanos, con propuestas para contar historias. Se juega con la presencia de un tipo de espectáculos poco conocido pero muy interesante y actual, que Teatro Arbolé quiere devolver a la escena. El 8 de febrero se podrá ver ‘Amor oscuro [Sonetos]’ de Viridiana, sobre los versos desaparecidos del poeta. La obra de Janne Teller, ‘¿Guerra?¿Y si te pasara a ti?’ de La Casa Escénica se verá el 15 de febrero. El día 22 llega ‘Ildebrando Biribó, el último Cyrano’ de Alberto Castrillo-Ferrer, un monólogo a varias voces. El 1 de marzo será el turno de ‘Sátira y sátiro - melólogo del XVIII pillín’ de Silbo Vulnerado, nuevos textos y teatralidades con poemas del Siglo XVIII. ‘Pasar por el aro’ de Facultad Mermada estará el 15 de marzo con una comedia social y deportiva. El 22 de marzo Luis Merchán presenta ‘Al dolor del amor’, en el que dos personajes en el desierto de su existencia, compran, venden, ¿disfrutan? del amor. Finaliza el ciclo ‘Esta psique es buena’ de Un poquito de Ambrosía el 22 de marzo, una adaptación actualizada del mito de Eros y Psique.

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ARTEZ | 226 LUZ NEGRA ENERO | FEBRERO | 2019

Yo en su espejismo

E

Josu Montero

s muy significativo que el texto teatral más radical que he leído en los últimos tiempos no haya sido escrito por un dramaturgo sino por una poeta. Aunque Chantal Maillard no es una poeta cualquiera; nacida en Bruselas en 1951 vive en Málaga desde 1963 y tiene nacionalidad española; es Doctora en Filosofía, especializada en filosofía y religiones de India, donde ha residido; ha sido también profesora de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad de Málaga. “Cual” es el personaje central de esta primera y desusada aproximación de la autora al teatro. Este personaje surge inopinadamente en su anterior poemario: “Hilos”; afirma Maillard que la escritura adopta siempre pautas musicales, patrones sonoros. El espacio sonoro de “Hilos” creció propiciado por las microvariaciones del “Cuarteto para piano y cuerdas” de Morton Feldman: “A la respiración, al tempo de esa composición deben aquellos versos su aliento entrecortado. Y es que un poema es ante todo una respiración. Un poema es una cosa que respira.“Hilos” asumió la suspensión minimal del cuarteto de Feldman, y “Cual” la naturaleza anónima, neutra, de las gotas atonales que lo componen: instantes, simplemente instantes en los que la memoria no interviene y la frase,

CUAL MENGUANDOCHANTAL MAILLARD

Tusquets Editores, 2018

sospechando tanto de la gramática como de la melodía, descansa en notas sin referentes, en infinitivos y en adverbios que se sustantivan por falta de sujeto”. De hecho en “Hilos”, Cual adopta la forma de breves poemas. Pero al parecer, Cual no ha dejado de rondar a su creadora: “Tierno, desapegado, imprevisible, simple –en cierto modo idiota– o de algún modo sabio, ha sido el contrapunto ideal de esa parte de mi tan sólida que se complace en lamentarse”. Y el resultado ha sido este “Cual menguando”, que se abre con “Diecisiete poemas”, pero cuyo grueso lo conforman “Cinco piezas breves” fascinantes: “Vista de medio claustro”, “Un ciervo en el desván”, “Primero un pie”, “Ratones” y “El pájaro”.

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Estas piezas se acogen a la figura tutelar de Samuel Beckett, seguramente el creador que más lejos ha llevado el teatro, y que quizá por eso mismo, por su radicalidad extrema, no es hoy desgraciadamente referente de un teatro bastante más acomodaticio y convencional. Por eso me he alegrado tanto de la aparición de estos textos teatrales de Maillard, y los he gozado tanto y me han dado vuelta a las tripas. Y por eso espero que, aunque publicados en una colección de poesía, algún teatrista audaz se atreva con ellas. El caso es que el músico Morton Feldman se puso en contacto con Beckett en 1976 impactado por el cortometraje “Film” –el único que dirigió el irlandés– para pedirle su colaboración en una ópera; la honda amistad que nació entre ambos dio frutos como la ópera “Neither”, “Words and Music” –obra para dos voces, piano y trío de cuerda– o la obra orquestal “For Samuel Beckett”. También a Maillard le pareció reconocer a Cual en aquel personaje interpretado por un Buster Keaton crepuscular que lo protagoniza, “camina atribulado a lo largo de un muro entre edificios semiderruidos”. En el epílogo de este libro, titulado “Acerca de Cual. Derivas”, Maillard arroja luz sobre ese gerundio que acompaña al personaje en el título: menguando. Escribe la autora: “A menudo las apariciones de Cual se confunden con sus desapariciones. El poema es, en esos casos, la mejor manera de captar su desvanecimiento y la candorosa simplicidad de sus gestos… El deseo de ser “yo”, de tener consistencia, de ser uno y el mismo, de “ser”, en definitiva, noslleva a incrementar la velocidad de nuestros movimientos. Cuanto más movimiento, más se crece el yo en su espejismo. Cuanta más rapidez, más engaño. A una cadencia de más de 24 fotogramas por segundo, el cerebro se colapsa, deja de ser capaz de percibir la separación entre los movimientos; lo que percibe es una imagen en movimiento, y deja de percibir cada secuencia separada. Así también el yo se fortalece con la aceleración”. Cual representa sin embargo la desaceleración, la necesidad de reducir el movimiento, reducir el flujo de la mente, curar su incontinencia. Eso es menguar: aquietarse, perder continuidad, olvidarse en las grietas del mundo, adelgazarse. Contemplamos en estas cinco piezas a Cual menguante, enfrentado a su abismo –que tal vez seamos ese “nosotros” representado por el público que de forma tan inquietante y reveladora emerge unas pocas veces en estas piezas. “Tampoco el lenguaje ayuda. Hablar no es propio de Cual, se enreda en las palabras, no atina”. —

ARTEZ | 226 VIVIR PARA CONTARLO ENERO | FEBRERO | 2019

El arquetipo de la mujer salvaje (II)

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Virginia Imaz

unque el exilio no es algo que se desee por diversión, hay una ganancia inesperada en él: son muchos los regalos del exilio. Saca la debilidad a golpes, hace desaparecer los plañidos, habilita la percepción interna aguda, acrecienta la intuición, otorga el poder de la observación penetrante…”. Estas palabras pertenecen al libro “Mujeres que corren con los lobos” de la autora Clarissa Pínkola Estés, y con ellas nos recuerda que a veces es preciso alejarse para reencontrarse. El exilio, entendido también como el acto de dejar atrás lo que nos es conocido para afrontar la propia soledad, la incertidumbre y hasta lo extraño, nos habilita también en nuevas capacidades, en habilidades como la introspección, la seguridad personal, la observación, la receptividad… Es difícil reconocer nuestra condición a veces de exiliadas, hasta que nos volvemos como la mujer foca en su aflicción: se nos desprende la piel, cojeamos, perdemos jugo, perdemos la vista. Así pues, es un regalo de la inmensa vitalidad de la psique que en lo profundo del inconsciente haya alguien que llama, un ser muy antiguo que sale a la superficie de nuestra consciencia y comienza a llamarnos incesantemente para que regresemos a nuestra verdadera naturaleza. Hogar es una sensación o estado de ánimo sostenido que nos permite experimentar sentimientos que no necesariamente están sustentados en el mundo mundano: asombro, visión, paz, liberación de las preocupaciones, liberación de las exigencias, liberación del constante parloteo. Hogar es la vida instintiva primitiva donde todo es como debe ser, donde todos los ruidos suenan bien, y la luz es buena, y los olores nos hacen sentir más calmados en lugar de alarmarnos. El recuerdo de ese mundo es un faro que nos guía hacia lo que pertenecemos, y para el resto de nuestras vidas. La necesidad de pertenencia nos guía a encontrar la manada. A lo largo de los diferentes capítulos, mezclando cuentos tradicionales con análisis de los símbolos presentes en ellos, la autora nos invita a un viaje de rescate, rehabilitación y/o resurrección de esta naturaleza instintiva, salvaje, no domesticada. Todas las criaturas deben aprender que existen depredadores. Sin este conocimiento, una mujer no será capaz de transitar con seguridad

dentro del bosque de su propia vida, sin ser devorada. Muchas mujeres han vivido literalmente el cuento de Barba Azul. Se casan siendo aún ingenuas en cuanto a los depredadores, y eligen a alguien que resulta ser destructivo para sus vidas. Están decididas a “curarlo” con amor. Aunque podría ser la pareja misma de la mujer quien la denigra y desmantela su vida, coincide con el depredador innato dentro de su propia psique. Mientras la mujer sea forzada a creer que no tiene poder, y/o sea entrenada a no registrar conscientemente lo que ella sabe que es verdad, los impulsos y dones femeninos de su psique seguirán siendo asesinados. La llave es tanto el permiso como la aprobación de conocer los secretos más profundos y oscuros de la psique, en este caso ese algo que negligentemente denigra y destruye el potencial de una mujer. Plantear la pregunta apropiada es la acción central de la transformación –en los cuentos de hadas, en el análisis y en la individuación– Las preguntas son las llaves que hacen que las puertas secretas de la psique se abran de par en par: ¿En dónde piensas que está esa puerta, y qué podría haber del otro lado? ¿Qué hay detrás de lo visible? ¿Qué cosa no es como parece? ¿Qué parte de mí ha sido asesinada o yace muriendo? Desactivar al depredador interno pasa por convertimos en creadoras y lidiar con la rabia del depredador. La rabia no transformada puede convertirse en un mantra constante acerca de cuánto fuimos oprimidas, heridas y torturadas. Clarisa Pínkola Estés nos propone liberarnos a nosotras mismas de la ilusión de que el presente es una repetición exacta y calculada del pasado. Para sanar verdaderamente, debemos decir nuestra verdad y no sólo nuestro pesar y dolor, sino también qué daño fue causado, qué rabia, qué disgusto, y también qué deseo de autocastigo o venganza fue evocado en nosotras. Es preciso también aprender a proteger nuestro territorio, y marcar muy claramente los límites. Si una mujer tiene el instinto herido, a menudo tiene problemas para reconocer la intrusión o el abuso; se tarda en notar las violaciones de territorio y no registra su propia rabia hasta que la devora, en general, con diversas somatizaciones. El instinto herido debe ser corregido mediante la práctica en hacer valer límites fuertes, y ofrecer respuestas firmes. —

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ARTEZ | 226 POSTALES ARGENTINAS

ENERO | FEBRERO | 2019

El telescopio chino y el teatro político en la Patagonia

H

Jorge Dubatti

emos insistido en otras oportunidades en que la poética de Alejandro Finzi es única y claramente reconocible. Si alguien nos acercara un fragmento de alguna de sus obras, sin develar la autoría, nos sería fácil identificar al dramaturgo por su “estilo”. En El telescopio chino, un secreto patagónico, esa poética exhibe una identidad condensada y multiplicada, en quintaesencia. El telescopio chino parte de un hecho reciente, acallado por el poder político y la prensa hegemónica con la nueva modalidad del “si pasa, pasa”: la instalación de una base china en la Patagonia Norte, en Pampa de Pilmatué. Finzi denuncia explícitamente que “los diputados en Buenos Aires les dieron [a la República Popular China y su Ejército Popular de Liberación], nomás, las tierras éstas”, “los diputados entregaron la tierra de los chivos”. Cuando le preguntamos a Finzi cómo surgió la escritura de El telescopio chino, nos contestó: “Cuando el parlamento argentino consumó el atentado territorial contra el patrimonio de nuestro país, la indignación dio forma a una imagen: la del castigado [don Miguel] por usurpaciones constantes en la Patagonia que destruyen su medio de vida de siglos. La cultura de la veranada es precolombina. El acuerdo del estado neuquino y la violencia del Congreso contra la soberanía, eso dio nacimiento a la imagen de un campesino chino que cruza el centro de la Tierra. Tal vez la imagen provenga de Jules Verne. La comunidad neuquina, mapuche y criolla, reaccionaron en Neuquén por tanto despojo. El teatro es un vehículo para hacer visible esta metástasis de usurpación”. En la entrevista mencionada, Finzi nos dijo: “El piño es el grupo de chivos que el criancero lleva a la veranada. Está formado por cincuenta o cien chivos, que recorren hasta cuatro semanas, conducidos por el criancero con su perrito, hacia las montañas altas donde están los buenos pastizales. Ahora los senderos para el arreo de los animalitos están cortados por alambres y carteles de “Prohibido pasar” por toda la Patagonia. Los chinos tienen doscientas cuarenta hectáreas alambradas”. En El telescopio chino el núcleo poético radica en la búsqueda de otras formas dramáticas y escénicas para el teatro político. Finzi otorga al

teatro político una renovada vitalidad gracias a narrativas más inteligentes en su dimensión estética y pragmática. ¿Cómo con-mover hoy políticamente a los nuevos espectadores, con qué procedimientos teatrales preservar en el mundo contemporáneo -porque la necesita más que nunca- la capacidad transformadora de la sociedad que históricamente tuvo el teatro político? En este sentido, la obra de Finzi se hermana con la producción actual de Mauricio Kartun, Miguel Rubio, Arístides Vargas, Patricia Ariza, Guillermo Calderón, el colectivo argentino de mujeres Piel de Lava… En época de preocupante derechización internacional, de militarización y sociedades de disciplinamiento, de destrucción de la naturaleza y de políticas brutales de des-igualación social, de capitalismo transnacional impuesto tecnológicamente, de avanzada colonial de los países “desarrollados” sobre los “débiles”, la tendencia de este nuevo teatro político recorre y enlaza no solo a toda Latinoamérica, sino al mundo en su conjunto. Afirma que el teatro tiene una función y una misión que cumplir, y que por eso transita y va creando otros caminos para hacerlas efectivas. El teatro de Finzi demuestra que las categorías para pensar las relaciones entre teatro y política deben ser ampliadas. Lo político es una categoría semántica que se manifiesta en multiplicidad de prácticas poéticas teatrales en la Argentina y el mundo contemporáneo. Política es toda práctica o acción teatral (en los diferentes aspectos y niveles que involucra la actividad teatral) productora de sentido social en un determinado campo de poder (relación de fuerzas), en torno de esas estructuras de poder y su situación en dicho campo, con el objeto de incidir en ellas, sentido que implica un ordenamiento de los agentes del campo en amigos, enemigos, neutrales o aliados potenciales. Pero Finzi no se limita a hacer visible ese acontecimiento internacional y su impacto regional. Lo sitúa, con todas las letras, en una constelación de otras denuncias, ya presentes en su obra anterior: la venta de tierras a los extranjeros, la explotación de las mineras, el negocio del petróleo, la contaminación del agua. Dice Don Miguel: “La lista es larga, porque están las

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ARTEZ | 226 POSTALES ARGENTINAS ENERO | FEBRERO | 2019

mineras y el negociado delincuente del petróleo. Con el acuerdo de la autoridad. Todo…”. Sumado a la miseria y los asesinatos: “Al atardecer, el cielo ensangrentado. Cielo patagónico es. Por tanto muerto, tanta miseria. Y cuando va clareando, tenés el sol, poncho de pobre”. Con contundencia brechtiana, don Miguel sintetiza: “La Patagonia es botín para muchos”. Expresión que se refuerza en la imagen de la Patagonia en “situación de secuestro”, como el piño y el perro Agapito, y finalmente también como el chino Chaò y Huala. El símbolo del “cerco” que encierra las doscientas hectáreas de la base recuerda siniestras alambradas privatizadoras y múltiples muros (el de Berlín, el de Trump, o el de la Villa 31 en el barrio de Retiro). “Metástasis de usurpación”. Su teatro se torna así una fascinante variación caleidoscópica del doloroso tópico de la “Patagonia trágica”. Finzi no se queda con una distopía más (género hoy tan frecuente e inoculador de desesperanza): por la acción de Chaò y Huala, el cerco caerá íntegra y espectacularmente, al punto que Finzi le pide al futuro director si “podría verse, ahora, en el corazón de la escena, en el corazón de las tinieblas, un poco de la enorme y densa polvareda que levantó la caída del cerco”. Así, la verticalidad de los “modelos” con que se pensaba el teatro político, a partir de otras prácticas y en otros momentos teóricos, ha sido reemplazada por la horizontalidad y el carácter de lo com-plexus, de “lo que está tejido junto” (E. Morin). El teatro de Finzi es tan político como el de Brecht, Piscator, Boal o el grupo Octubre, pero de otra manera. Gracias al humor, a la libertad imaginaria (que alguna vez nos llevó a emparentarlo con la vanguardia histórica), a la felicidad del juego, Finzi habilita que esta semántica política se genere pluridireccionalmente. Cada lectura se beneficia con una acción de producción de sentido político, que podemos indagar siguiendo a Algirdas Greimas: qué sujeto(s) lleva(n) adelante la praxis, con el objeto de incidir dentro de qué campo de poder y de qué manera, qué valores lo(s) mueven (destinador) y qué valores futuros se consolidarán si consigue(n) el objeto (destinatario), cómo su acción genera ayudantes (amigos, aliados potenciales) y oponentes (enemigos). Pura poética política. El teatro como acontecimiento político. Esta semántica estructural puede sintetizarse en una serie de preguntas básicas, que El telescopio chino responde nítidamente, pero al mismo tiempo deja abiertas a la respuesta del lector: qué campo de poder, quién(es) discute(n) dentro del campo de poder, a quién(es), qué discute(n), desde qué concepción presente y futura de valores, con la ayuda de quiénes en tanto aliados (a favor) y contra quién(es). ¿Qué harán los espectadores con la obra? ¿Cómo responden al teatro político? Resulta estimulante simbólicamente la relación del espacio del espectador con el de los insectos que miran a don Miguel y Li Huáng: “Alacrán, de los torvos y de ésos, los que aprendieron a leer. Arañitas: de las mochuelo y, aquellas, viudas sin razón. Ciempiés de cueca. Escarabajos bayos y morunos. Y por el fondo, si anda bien de la vista, me parece que hay alguna langosta que se extravió o la trajo el ventarrón”. Los espectadores son esos insectos que “nos escuchan del otro lado de

la luna. Del lado oscuro de la luna”, dice don Miguel. Pero los espectadores se transformarán al final, junto al autor, en los chivos que ¿se dejan? guiar por el criancero:

Don Miguel Santagada, se adelanta al proscenio y observa al público. Nos observa a todos, mientras nos guía. Porque todos, todos y cada uno de nosotros, somos trashumantes:

Miguel: ¡Vamos, piño…! ¡Vamos, chivos…! ¡Vamos a las pasturas en los cerros…! Hay que andar y hay que hacer un trecho largo, el trecho de siempre: ¡la veranada…!

Bella metáfora, la “trashumancia” puede definir el derrotero del espectador, en su vida, pero también en la relación con el espectáculo durante la función y luego de ella, en la construcción de una memoria. Su “viaje”, como decía Alfredo Alcón. También puede definir su inapresable metamorfosis, la del espectador emancipado (Rancière), que no termina de aceptar al autor como guía, resistente en la conquista de su nueva libertad. Finzi amplía el campo de las representaciones políticas con el procedimiento de analizar la situación de la base china en la Patagonia desde la perspectiva del personaje extranjero. Retoma así la potencia de la mirada desenmascaradora de aquellos viajeros modernos que radiografiaban la realidad local europea en las Cartas persas de Montesquieu, las Cartas chinas de Goldsmith, o las Cartas marruecas de Cadalso. No solo la base china es un “secreto”, porque su instalación ha sido ocultada por los políticos y la prensa, que desde Buenos Aires no informan al país y al mundo qué está pasando en la Patagonia. También es un secreto para qué fue instalada esa base. Chaò y Huala escapan con los “documentos secretos” que los diputados “firmaron sin leer”, se fugan con “todos los secretos del telescopio”. La militarización, el control de información o la riqueza natural nacional saqueada (el agua) conducen a la preocupación ecológica, otra de las constantes políticas en la dramaturgia de Finzi: A estos criterios para pensar el nuevo teatro político se suma otra herramienta: la distinción entre macropolítica (los grandes discursos de representación en el plano nacional o regional, discursos altamente institucionalizados: los del Estado, los de los partidos políticos, los de las formas de subjetividad hegemónica que organizan las instituciones públicas y privadas) y micropolítica (entendida como la construcción de territorios de subjetividad alternativa a las imposiciones macropolíticas). Finzi reivindica la fundación de una subjetividad micropolítica alternativa, confrontativa, que desafía radicalmente la macropolítica desde un lugar de oposición, resistencia y transformación, y que provee una morada, una zona de habitabilidad diversa de lo macro y constante en el tiempo, otra manera de vivir y pensar, articulada como contrapoder. ¿Un contrapoder regional, opuesto a la macropolítica nacional manejada desde Buenos Aires? ¿Un contrapoder nacional, sin duda compartido por quienes rechazan las nuevas afrentas a la Patagonia y la Argentina? —

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ARTEZ | 226 CRONICÓN DE VILLÁN... Y CORTE ENERO | FEBRERO | 2019

Madrid, rompeolas del teatro

M

Javier Villán

adrid hierve con el teatro. Se suceden los estrenos sin que ni siquiera los más fervorosos y aficionados que viven para el teatro puedan ver todos los espectáculos. Lo que pudiéramos llamar circuito alternativo, para diferenciarlo del oficial o convencional, es un incentivo pero en la mayor parte de las ocasiones es un circuito restrictivo. Las obras duran un día o, a lo máximo, tres, con lo cual ni espectadores ni crítica puede atenderlos satisfactoriamente. Son flor de unos días, programación de festival efímero o algo parecido. Kamikaze, Guindalera, Tribueñe son los centros más dinámicos. Además, la crítica ha desaparecido prácticamente de los periódicos. Metrópoli, donde publico mis comentarios los viernes, es un islote. Las redes son territorio salvaje en el que la profesionalidad rigurosa suele ser escasa. La crítica periodística tiene ciertas normas, la actualidad es la primera de ellas, pues carece de sentido, en los diarios y en las redes, que la obra no esté en cartel cuando se publica la noticia. Supongo que en esa exhibición de un día o dos hay razones comerciales. Representación especial y única para que puedan verla exhibidores y empresarios

EL PREMIO MIGUEL MIHURA A la mejor actriz de los dos últimos años ha recaído en María Hervás por su interpretación en Las crónicas de Peter Sanchidrián y en Natalia Millán por la señorita Wilkinson en Billy Elliot. El jurado, una rara mezcla de jurado popular, fundamentalmente, y de especialistas no logró deshacer el empate tras sucesivas votaciones, según ha comunicado alguno de sus miembros, entre Natalia Millán y María Hervás. En cuyo caso y siguiendo una norma de la costumbre no escrita, avalada por el propio Miguel Mihura, ante la contumacia de los votos igualados, el premio recae en la actriz más joven. La sabiduría de la edad y el oficio y la maestría de los años tienen también sus desventajas, Premio pues para María Hervás, por méritos de juventud por Las crónicas de Peter Sanchidrián, formidable espectáculo de Padilla. Algo parecido ocurrió hace años entre María Asquerino y Maria Fernanda D´Ocón. No recuerdo muy bien como se resolvió el asunto, pues la edad de ambas variaba según las distintas biografías. Si recuerdo que en el

jurado estábamos Rosana Torres, Ignacio García Garzón y yo. Creo que fue la sagacidad de Rosana quien resolvió satisfactoriamente la cuestión. También recuerdo que en el jurado estaba Eduardo Haro Tecglen que no quería entrar en contiendas y dimitió horas antes del fallo. O dimitió o no se presentó a la cena, no lo sé muy bien. Lo de los dos últimos años, en la presente edición, obedece a un intento de normalización camino de lo tradicional “la mejor actriz del año”. A iniciativa de quien esto firma, se recuperó el Miguel Mihura hace tres años en una gran fiesta y la ganadora fue Beatriz Argüello por la interpretación de Isadora Duncan de Hugo Pérez de la Pica, si la memoria no me falla, que todo pudiera suceder. Entonces, Marta Poveda y algunas otras estuvieron muy próximas a la ganadora, y el público del Café Gijón, que había pagado 25 euros por el cubierto de la cena, las premió con idéntico entusiasmo. Las aspirantes al premio también tuvieron que apoquinar lo cual fue considerado una descortesía, pero nadie patrocinó el evento, salvo la colaboración de Pedro Casablanc que diseñó y materializó de su bolsillo una preciosa estatuilla de metacrilato. La Sociedad General de Autores se descolgó de su organización y patrocinio sin avisar. La Sociedad General de Autores había sido el alma del Mihura desde 1978, un año después de la muerte de don Miguel. Ignoro en qué quedó la aportación del Teatro Español, cuya directora Carme Portaceli formaba parte del jurado. Me temo que Pedro Casablanc ni siquiera recuperó los gastos. Las chicas se fotografiaron con él en una foto un poco gamberra, lo cual no fue mal premio, que a Casablanc no lo redimió de sus gastos pero le gustó mucho. Yo también estoy en la foto y se nos ve a todos felices y distendidos. Yo quizá más que nadie. Y las finalistas reprocharon el suspense de mi puesta en escena antes de proclamar a la ganadora, como portavoz de un jurado que en la cripta del Gijón había debatido hasta la extenuación. Este jurado de la recuperación lo componían Luis María Anson, Antonio Garrigues, Borja Ortiz de Gondra, Raul Lausanez, Maria Diaz con voz pero sin voto, y quien esto firma. El jurado de este año del Miguel Mihura, ha sido más difuso y popular, vox populi, fundamentalmente. Menos académico. —

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ARTEZ | 226 PIEDRA DE SACRIFICIO ENERO | FEBRERO | 2019

¿Para qué el teatro en la cuarta transformación?

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Jaime Chabaud

remendas protestas ha levantado en México la reducción del presupuesto a cultura para 2019, propuesta de nuestro nuevo presidente Andrés Manuel López Obrador (AMLO). Y digo “nuestro” porque es la primera vez en mis más de treinta años de ciudadano con derecho a voto en que gana un gobernante por el que yo haya votado y con quien comulgo en lo general. Las tres décadas que precedieron ejerciendo mi derecho fueron, casi todas, pasadas por los escándalos de fraudes electorales vergonzosos. La esperanza y expectativas en esta nueva etapa de México son grandes, si bien hay signos que no se comprenden y preocupan muchas decisiones que se están tomando apresuradamente. El recorte a la cultura es una de ellas. El lector español habrá oído de la “Cuarta Transformación” que propone AMLO y se preguntará por qué la cuarta. Se refiere a hitos históricos: la primera la guerra de independencia en la cual nos separamos de España (1810 a 1821), la segunda la Reforma que llevó a la invasión francesa y expulsión de los galos (1857 a 1867) y la tercera la Revolución Mexicana (1911 a 1921). El gobierno saliente del presidente más ignorante que ha tenido México, Enrique Peña Nieto, deja al país en bancarrota y en medio de un estado de guerra en el que han perecido más de un cuarto de millón de personas y la suma de desaparecidos asciende a casi un centenar de miles en sólo doce años. Guerra que países como Alemania, Canadá, España, Francia, Inglaterra, Estados Unidos, Rusia o China, así como la propia ONU, se niegan a reconocer como tal. En los primeros se entiende dado que son los que se benefician de ella vendiéndonos armas y/o apropiándose de nuestros recursos, en la segunda no sólo no se entiende sino que resulta una vergüenza mundial. Por la bancarrota financiera se puede entender que existan ajustes al presupuesto pero no por el lado del plan de cultura que se ofreció en la campaña y que pretende hacer efectivo el mandato constitucional que implica el derecho de acceso a la cultura para todos los ciudadanos. En la última década se han realizado al menos dos encuestas nacionales sobre consumos culturales. Una, al parecer, no tan seria que realizó el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes

(hoy Secretaría de Cultura) y otro por parte del Instituto Nacional de Estadística y Geografía. Entre ambos, la cifra aproximada de personas que nunca han pisado un teatro es cercana al 95% de mexicanos. El promedio de lectura anda por el 0.5 libros al año per cápita. Aterradoras cifras sobre los consumos culturales. Si la Cuarta Transformación que propone AMLO ha fijado una de sus estrategias de combate a la violencia y reconstrucción del dañadísimo tejido social en cultura y educación, es evidente que no se logrará sin más recursos. No sólo es urgente una reingeniería en los aparatos burocráticos y del gasto proyectado, sino un verdadero proyecto de nación en donde la cultura esté inserta de manera activa y vibrante. Ideas hay muchas como las de trabajar intensamente con comunidades y municipios del país donde los bienes de consumo cultural han brillado por su ausencia, entre ellos el teatro. Sin embargo, de todo aquello que hemos escuchado de nuestra nueva Secretaria de Cultura, Alejandra Frausto, no se ven claras las acciones proyectadas. Es obvio que un plan tan importante como pretencioso no se logrará de espaldas a los creadores y que en las comunidades y municipios del extenso y complejo México, no han de surgir agentes culturales por generación espontánea. Esto es algo que se cultiva, que tiene que ir incentivado no sólo por recursos económicos sino humanos encarnados en promotores o animadores culturales que algo deben saber de la materia. Creer que por el hecho de ser pensado ha de ocurrir puede parece un acto de soberbia que llevará a nuestros flamantes funcionarios a tropezones y descalabros mil. Hay comunidades que jamás han oído hablar de qué es aquello del teatro, por lo que es imposible que se multipliquen experiencias artísticas como si esto pudiese ocurrir por simple decreto. El trabajo es inmenso y retador para los artistas mexicanos si el plan se realiza. Por lo pronto no está nada mal sacar a los creadores de su zona de confort y que trabajemos a nivel de cancha, que pisemos tierra, que conectemos de otra manera con la realidad del país que es una yaga abierta. Muchas cosas deben pensarse, despacio que vamos de prisa. —

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ARTEZ | 226 EL LADO OSCURO ENERO | FEBRERO | 2019

Verdades, mentiras y estadísticas teatrales

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Jaume Colomer

DETCA presentó en septiembre las estadísticas de la temporada teatral 2017-18 aduciendo que la crisis política había provocado una reducción de espectadores del 7,38% (en cifras absolutas significa un total de 187.211 espectadores) y un descenso de recaudación del 9,5% en los teatros de Catalunya (algo más de 6 millones de euros). Los datos son similares a los de la temporada 2012-13 en plena crisis económica, aunque el contexto social no es el mismo. La presidenta Bet Orfila argumentó que los datos no eran buenos teniendo en cuenta que en la temporada anterior hubo un crecimiento del consumo teatral que parecía indicar que se estaba superando la crisis y se había entrado en una tendencia positiva. Añadió que nadie contaba con la inestabilidad política que provocó descensos de público de hasta el 15% en los meses de octubre y noviembre. En tono optimista dijo que esperaba que en la actual temporada hubiera una reversión de las cifras porque los teatros ofrecen una programación brillante, aunque teme nuevos episodios de inestabilidad política. Sin embargo, el sector estaba esperanzado por las promesas de mayor aportación financiera que había hecho el gobierno autonómico para afrontar las dificultades del sector en la producción de obras de gran formato, consolidación de empresas y atracción de nuevos públicos. No tengo ninguna duda sobre la veracidad de los datos porque ADETCA, desde hace muchos años, consigue captar y explotar unas magníficas estadísticas teatrales llamadas “espietes” (chivatos) que son casi un milagro en un sector que navega a ciegas por su incapacidad de ejercer la autocrítica y de reflexionar de manera profunda y objetiva sobre los factores que explican los vaivenes de las prácticas teatrales. Usa las estadísticas para reforzar un relato basado en la permanente exigencia de mayor financiación pública que ya impregnó el desafortunado Plan General del Teatro (2007). Sector y gobierno están de acuerdo en que los presupuestos destinados a cultura en nuestro país están por debajo de los de muchos países europeos y que es necesario que los poderes públicos apuesten más claramente por la cultura como motor económico y factor de cohesión social. Pero el debate es siempre el mismo: ¿los fondos públicos deben ir des-

tinados preferentemente a fomentar la actividad de las industrias culturales o a facilitar el acceso de los ciudadanos? En los argumentos de ADETCA se supone una correlación directa entre el desarrollo de la actividad teatral (producción y consumo) y la estabilidad política, así como entre la aportación de fondos públicos, la consolidación de las empresas y la atracción de nuevos públicos. Se apuesta, una vez más, por las políticas de fomento de la oferta más que por las de desarrollo de demanda. Otra vez el mismo error. El sector no prioriza mayor inversión pública para desarrollar prácticas teatrales en los centros educativos cuando muchos investigadores argumentan que es el único camino eficaz para desarrollar demanda. El sector basa sus argumentos en hipótesis que nadie ha demostrado: una programación brillante atraerá a más públicos, la programación es brillante si contiene obras de gran formato, el gran formato sólo es viable si cuenta con financiación pública, los públicos deben consumir las obras que produce el sector, etc. No hay autocrítica sobre la competencia profesional y empresarial del sector ni estrategias para conseguirla, no hay autocrítica sobre la incapacidad del sector de desarrollar estrategias destinadas al desarrollo de demanda en el medio plazo. No hay foros de reflexión sobre el papel de los públicos en una sociedad democrática y tecnológica y aún están relegados al simple papel de consumidores. Volviendo a las estadísticas. El sector consigue datos valiosos sobre la actividad teatral. Explota estos datos y genera información. Pero no la interpreta para generar conocimiento que permita comprender la realidad. Y en la oscuridad de la caverna argumenta que la pérdida de espectadores y de recaudación se debe a dos factores: la inestabilidad política y la poca inversión pública. Pero no contempla otros posibles factores: la pérdida de interés de la oferta teatral en nuestra sociedad digital, sobre todo en las generaciones jóvenes, la ausencia de prácticas teatrales de calidad en el sistema educativo para facilitar la formación de valores e intereses escénicos, el modelo de gestión transaccional de públicos que se aplica en la mayoría de teatros públicos o la falta de competencia profesional en el desarrollo empresarial de muchas industrias teatrales. —

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ARTEZ | 226 NOTICIAS DESDE LOS FIORDOS ENERO | FEBRERO | 2019

Singularidades

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Victor Criado

e está emitiendo un programa/documental en la SVT (Tv pública sueca) sobre varias de las producciones del Dramaten realizadas durante este pasado otoño. Ante todo quiero comentar que me parece una iniciativa más que loable, una evidencia del lugar que la sociedad sueca otorga a las artes escénicas. Aunque para ser/siendo sinceros habría que ser más específico al definir “sociedad sueca” en estos términos. Más que nada porque de pronto me pongo a pensar en los conflictivos barrios periféricos de Stockholm, llenos de población emigrante, a la cual una programación del Dramaten le puede sonar poco más o menos que a ciencia-ficción. Siendo un porcentaje de población nada despreciable. Pero este es otro tema, que daría por sí solo para muchos artículos. En uno de esos capítulos se hacía un seguimiento a una producción, “En natt i den svenska sommaren”, “Una noche en el verano sueco”. Un texto de Erland Josephson, que fue uno de los actores habituales en los films de Ingmar Bergman. Un relato sobre su experiencia como actor y su encuentro con Andréi Tarkovski en el que fue su último film. Todo esto suena muy interesante, pero lo cierto es que no puedo hablar del resultado porque no he podido ver el espectáculo. Pero sí me llamaron la atención algunos detalles y comentarios de los actores. “Bueno, ya ha pasado, ya está!”, comenta uno de los actores en los camerinos al finalizar el estreno. Lo dice con un cierto tono de alivio, como si la tormenta definitivamente hubiese quedado atrás. En un principio lo encajo como un comentario “lógico”, “comprensible”, “natural”. Pero a los pocos minutos me comienzo a inquietar, lo que hace un momento me parecía natural/lógico/ comprensible se revuelve de pronto en mi cerebro convirtiéndose en una enorme interrogación. ¿De qué tormenta está hablando? ¿No es acaso nuestro deseo como actores actuar frente a un público? ¿Por qué ese actor experimentado, de más de 50 años y seguro con una enorme experiencia siente alivio al finalizar, como si hubiese estado obligado a hacer algo incómodo? Es como si un jugador de fútbol, en las entrevistas posteriores al partido dijese “¡qué alivio, ya se ha terminado el partido!” También hay un público, también ha elegido su profesión, un privilegio al alcance de muy pocos.

No lo acabo de entender. O bien hay una tendencia sadomasoquista en ese, y seguramente, en muchos otros actores, o un cierto barniz hipócrita impregna su discurso. ¿Por qué obligarse a sufrir? Sí, sé que se me puede rebatir hablando de la complejidad del arte teatral y la contradictoria naturaleza humana. Evidentemente, como actor con unos cuantos estrenos a la espalda, comprendo los nervios e inquietud ante la respuesta, por primera vez, del público ante un estreno. Pero nunca he sentido ese alivio al que el actor hace referencia. Euforia que, después de unas horas, se transforma en calma, sí. Satisfacción, o su antónimo, tras la recepción por parte del público también. Una cierta sensación de irrealidad, que se me asemeja a un trastorno con disociación (donde a la realidad y a la fantasía les cuesta recuperar su espacio también). Pero alivio, nunca. Eso, y un cierto tono narcisista en los discursos de esos actores establecidos me hace sentir lejanía con mi oficio. Mejor dicho, con el oficio de actor que se refleja en el documental. Ahí, en esa paradójica sensación que me invade cobra sentido el título del artículo. ¿Soy yo una singularidad?, ¿o es ese actor agotado por su batalla contra los elementos la singularidad? Pocos minutos más tarde otro actor añade: “El día del estreno siento al público como si fuera una manada de fieras hambrientas mostrando sus afilados dientes, dispuestas a devorarnos”. Luego una voz en off habla de los críticos. Y un crítico importante confiesa que su trabajo, el día del estreno es analizar la labor del director, que en ese momento finaliza su cometido, diciendo adiós a la producción, pero que los actores apenas están comenzando su proceso y necesitan cierta comprensión, otro tipo de crítica. Sabia reflexión, opino. La metáfora del actor antes de que el público inunde la platea se las trae. Y me vuelvo a preguntar: ¿no sería mejor quedarse en casa, y dejar que alguien con ganas de mostrar su trabajo ocupase su lugar? Un día Suzanne Osten me comentó tras un ensayo que los actores somos un “pack”. No entendí el significado en su momento pero sí comprendí que no se trataba de algo que me hiciese sentir orgulloso. Aunque también había cariño, y algo parecido a comprensión por lo difícil de la tarea que ejecutamos. Una especie de lobby lleno de contradicciones, un mal necesario en su trabajo como directora, al que respeta y admira. Una dialéctica con maquillaje. Un vértigo imprescindible. Todo eso y mucho más. Entonces me doy cuenta de que podría estar sentado al lado de ese actor y chocar nuestras copas con champan ya templado en señal de mutua comprensión. Una singularidad compartida. —

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ARTEZ | 226 ESCAPARATE ENERO | FEBRERO | 2019

L I B R O S

Teoría y práctica de lo... La Pajarita de Papel ha publicado ‘Teoría y práctica de lo incierto. Ensayos de teatro en los márgenes’, nuevo libro de Eusebio Calonge, que vuelve a escribir sobre teoría escénica como ya lo hiciera con ‘Orientaciones en el desierto’ a cargo de Artezblai. “Como en los ensayos teatrales durante los que fueron escritos, estas reflexiones se mueven en la penumbra, en la espera de un acontecer, en la incertidumbre que es el palpitante camino a la obra. En un principio la trazada desde un esquema, proyectada desde nuestro pensamiento, en el que los implicados en la obra construyen según las posibilidades escénicas de un texto. Existen para este construir metódico muchos sistemas coherentes y técnicas que desarrollan un control psicofísico, que según nuestra capacidad nos serán más o menos útiles para lograr una puesta en escena”.

La danza del futuro

Jaime Conde-Salazar desemboca directamente en el cuerpo al responder a la pregunta de lo que se esconde tras el título de su libro ‘La danza del futuro’, una publicación de Continta me tienes con prólogo de Estrella de Diego e ilustraciones de José Antonio Roda.

Tradicion e innovación...

Esperpento Ediciones Teatrales ha publicado ‘Tradición e innovación en el teatro español actual’, una reelaboración de los trabajos de investigación realizados por Francisco Gutiérrez Carbajo sobre teatro clásico y contemporáneo, todo ello acompañado de un prólogo de César Oliva.

Tiempos mezquinos

La autora, directora de escena, actriz, docente y guionista uruguaya Denise Despeyroux ha publicado de la mano de la editorial Artezblai la obra ‘Tiempos mezquinos’ cuya traducción a euskara bajo el título ‘Garai zekenak’, realizada por Nerea Lorente, también ha sido publicada, al mismo tiempo, por Artezblai. El último trabajo de Despeyroux es una versión libre de ‘Hedda Gabler’ de Ibsen, fruto de un encargo del Teatro Arriaga de Bilbao que ha llevado escena la propuesta bajo la dirección de Raúl Cancelo. En la versión de Despeyroux. “las dinámicas psicológicas que vinculan y dominan a los personajes del drama de Ibsen han sido trasladadas a un entorno vasco y contemporáneo, fuertemente marcado por las ambiciones del mundo académico universitario. Desde ahí se fantasea con un posible romance entre el escultor vasco Jorge Oteiza y una Hedda uruguaya, la poeta Blanca Luz Brum”.

Playoff

La Joven Compañía ha llevado a escena esta obra de Marta Buchaca, una tragicomedia que reflexiona sobre el papel de la mujer y del deporte femenino en una sociedad que todavía manifiesta un machismo feroz en muchos ámbitos. Una publicación a cargo de Ediciones Antígona.

Ninfolepsia

Gonzalo Campos Suárez es el autor de ‘Ninfolepsia’, un drama con aires de ficción novelada, una farsa disfrazada de thriller en la que lo que realmente configura el suspense es la ausencia de la verdad. Esta obra ha sido publicada por Ediciones Invasoras, con prólogo de Alfonso Zurro.

R E V I S T A S

PrimerActo

El dramaturgo Roland Shimmelpfenning es el protagonista del número 355 de ‘Primer Acto’, que incluye varios artículos sobre su obra, una entrevista con el propio autor alemán y la publicación del texto teatral ‘El gran fuego en traducción Albert Tola, junto a las secciones habituales.

Artescénicas

El número 10 de la revista de la Academia se presenta con la entrevista realizada a Juan Mayorga como nuevo miembro de la Real Academia de la Lengua Española, e incluye la publicación de la pieza inédita ‘Augusto Margart’, además de diversos artículos como ‘Historia del circo moderno’.

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ARTEZ | 226 ZONA ABIERTA ENERO | FEBRERO | 2019

XI Premio Internacional Artez Blai de Investigación sobre las Artes Escénicas

Albert Chamorro gana el PremioArtez Blai con ‘Obskenographia’

El jurado del Premio Internacional Artez Blai de Investigación sobre

las Artes Escénicas, compuesto por Guadalupe Soria, Manuela Vera, Natalia Monge y Fernando Gómez Grande, en sesión de conexiones múltiples celebrada en Madrid el pasado 21 de diciembre, decidió otorgar el Premio de la edición de 2018 a la obra ‘Obskenographia’, que en palabras de su autor Albert Chamorro Serrano “pretende arrojar una mirada distinta sobre el hecho escenográfico en particular y sobre el arte escénico en general, tratando de desarrollar una reflexión sobre cómo se entienden estos en otros marcos de nuestra realidad, tales como la arquitectura, la antropología, la historia o la ciencia política”. Albert Chamorro (Barcelona, 1996) estudió en varias escuelas de arte de Sabadell. Con 17 años entró en el Institut del Teatre, en la especialidad de escenografía. Paralelamente realizó cursos de dramaturgia, interpretación y diseño en diferentes espacios como la Sala Beckett o la Fundación RCR Arquitectes. Ha realizado prácticas en el Teatre Lliure con el escenógrafo Max Glaenzel. Fundó el colectivo Virtual Anarchy con el objetivo de explorar lenguajes escénicos. —

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