A ARTE POR MULHERES LATINO-AMERICANAS
HANNAH FERNANDES
dDesign | Universidade Federal de Pernambuco Design Editorial | Projeto I - Catálogo Profº: Hans Weacher Hannah C. E. Fernandes
SUMÁRIO ARGENTINA
BOLÍVIA
BRASIL
CHILE
Emília Bertolé Josefina Robirosa Leonor Fini Marta Minujín
Marina Nuñez Del Prado Norha Beltrán
Anita Malfatti Leda Catunda Lygia Clark Maria Martins Regina Silveira Tomie Ohtake
Voluspa Jarpa Roser Bru
COLÔMBIA
CUBA
GUATEMALA
MÉXICO
Doris Salcedo Lucy Tejada
Amélia Peláez Belkis Ayón
Irene Carlos Karla Higueros Rina Lazo
Frida Khalo Remedios Varo
NICARÁGUA
PERU
URUGUAI
VENEZUELA
Marina Ortega Yelba Ubau
Tilsa Tsuchiya Teresa Burga
Hilda López Leonilda González
Luisa Richter Marisol Escobar
ARGENTINA
EMÍLIA BERTOLÉ Emilia Isabel Bertolé nasceu em El Trébol, província de Santa Fé, em 1896. Sua família mudou-se ainda durante sua infância para Rosário, onde ela recebeu uma bolsa do jornal Patria degli Italiani para estudar desenho e pintura no Instituto de Belas Artes Doménico Morelli. Em 1912 expôs no Petit Salón organizado na Casa Branca Casildo De Souza, em Rosário, ao lado de artistas como César Caggiano e Alfredo Guido. Em 1915 envia seus trabalhos ao V Salão Nacional de Belas Artes de Buenos Aires, obtendo o Prêmio Estímulo pelo Bolo Ensueño. Desde então, participou ativamente daquele Salão e do Salão de Outono de Rosário. Durante a década de 1920 instalou-se em Buenos Aires. Em 1925 participou como júri do Salão de Outono junto com Alfredo Guido e Emilio Ortiz Grognet, membro do CMBA. Em 1927, ela foi a primeira mulher a ter uma obra exibida no Salón de Mayo do Museu Rosa Galisteo Rodriguez, de Santa Fé, com sua pintura Clarity, de uma mulher pensativa, que foi adquirida pelo museu. No mesmo ano, lançou seu único livro de poesia publicado em vida, intitulado Mirror in Shadows.
Em 1929, Bertolé pintou três retratos do ex-presidente Hipólito Yrigoyen. Foi membro da elite literária que se reuniu no Café Tortoni em Buenos Aires e do grupo Anaconda, presidido por Horacio Quiroga. Com a Revolução de 30, sua carreira foi afetada, portanto, ela teve que realizar outros tipos de atividades como ilustrações para o jornal La Capital e a revista El Hogar. Além disso, fez os desenhos para uma série de cadernos intitulada Mujeres de América. Em 1937 retomou sua participação no Salão Rosário, exibindo: Nu e Autorretrato. Obteve prêmios como: Medalha de Ouro, Academia Mateo Casella 1904 e Segundo Prêmio Município de Buenos Aires 1921. Em 1944 ele retornou à sua cidade natal para cuidar de sua mãe até o falecimento da mesma, em 1949. Emilia Bertolé faleceu dois meses depois, aos 51 anos.
Desnudo, 1919. Emília Bertolé Coleção Histórica.
Inicialmente, a sua pintura caracterizouse por uma certa afiliação com o simbolismo, em especial com o estilo de Eugene Carriere (pintor e litógrafo simbolista francês, 1849 -1906). Essa concepção simbolista da arte é uma derivação do Romantismo, manifesta em uma atitude contemplativa e melancólica por parte dos artistas. Emilia Bertolé recorreu a ambientes densos, sobretudo em tons pastéis, fundindo os contornos das figuras com o fundo, que em muitas obras aparece decorado com motivos modernistas. Ela usou uma composição tradicional, realçada por uma iluminação mais sugestiva do que descritiva. As figuras parecem emergir do fundo da pintura, ela consegue criar um ambiente que lembra o modernismo francês do final do século XIX, sendo a profundidade do olhar e a expressividade das mãos detalhes que identificam toda a sua obra.
Auto-retrato, 1915. Emília Bertolé Pastel sobre cartolina montada em bastidor. 100 x 65,5cm. Coleção Histórica.
Retrato. Emília Bertolé Óleo sobre tela. 90 x 58cm. Coleção Histórica.
Retrato de Mi Padre, 1925. Emília Bertolé Pastel sobre hardboard. 70,5 x 54,5 cm. Coleção Histórica.
Mi Prima Teresa/ Retrato de Teresa Semilla de Casarribia 1948. Emília Bertolé Pastel sobre papelão. 70 x 49,8 cm. Coleção Histórica.
El Libro de Versos, 1921. Emília Bertolé. Óleo sobre tela. 105 x 120 cm. Coleção Histórica.
Paisaje, 1919. Emília Bertolé Óleo sobre papelão. 9 x 14cm. Coleção Histórica.
Paisaje, 1919. Emília Bertolé. Óleo sobre papelão. 9 x 14cm. Coleção Histórica.
JOSEFINA ROBIROSA Uma das mulheres mais marcantes da pintura na Argentina. Pintora, tapeceira, muralista e ilustradora, Josefina Robirosa nasceu em uma família aristocrática no ano de 1932 em Buenos Aires, Argentina e foi criada nos Sans Souci Palácio de Lomas de San Isidro. Estudou pintura com Hector Basaldúa e Elisabeth Von Rendell. Sua primeira exposição individual foi na Galeria Bonino, em Buenos Aires em 1957, seguido de outras mostras durante vários anos na mesma galeria. Em seguida, exibiu na Galeries Benzacar Borrachas e Ruth. Fez parte do grupo de artistas do Instituto Di Tella em Buenos Aires, que revolucionou a percepção artística da Argentina na década de 1960. Fez murais em edifícios públicos, em duas estações de metrô de Buenos Aires e na estação do metrô em Paris. Suas obras estão no Museu Nacional de Belas Artes em Buenos Aires, Museu de Arte Moderna de Buenos Aires, Genaro Museu Perez de Córdoba e Tres Arroyos Museum, Argentina. Ela também está presente na coleção ITT, N.Iorque, Knox Albright, Buffalo, EUA, Neiman Marcus e Mannhattan Chase, nos EUA e Thyssen, na Suíça. Em 1997 teve uma mostra retrospectiva de pintura no Museu Nacional de Belas Artes, Buenos Aires, Argentina, e em 2001
no Centro Cultural Recoleta, também em Buenos Aires. Durante oito anos foi diretora do National Endowment for the Arts e membro da Academia Nacional de Belas Artes. Alguns prêmios importantes recebidos: 2001- City Bank Prêmio Fundação para as Artes Visuais - Menção Honrosa do Júri: J. ROBIROSA.
2001-90 Exposição “Nacional de Artes Visuais - Seção Pintura: 2 ° Prêmio. 1968 - Prêmio Codees latino-americana Pintura - Museu de Belas Artes. 1967-2 ° Prêmio Exposição Nacional de Belas Artes, Buenos Aires, Argentina.
Obra Folhagem, 1998. Josefina Robirosa Acrílica sobre tela. 220 x 170 cm
Untitled, 1959-1960. Josefina Robirosa Técnica mista sobre papel 18 × 12 cm
Untitled, 1959-1960. Josefina Robirosa Técnica mista sobre papel 18 × 12 cm
Untitled, 1959-1960. Josefina Robirosa Técnica mista sobre papel 18 × 12 cm
Pintura nº3, 1956. Josefina Robirosa Óleo sobre papel cartão 33,5 × 49 cm
Untitled, 1976. Josefina Robirosa Lápis sobre papel 50 × 72 cm
Picada, 1980. Josefina Robirosa Óleo sobre tela. 142 × 122,5 cm Coleção Museu Nacional de Bellas Artes Untitled, 1956. Josefina Robirosa Óleo sobre tela. 50 × 70 cm
Desenho nº1, 1956. Josefina Robirosa Técnica mista sobre papel 31 × 41 cm
Untitled, 1980. Josefina Robirosa Tinta sobre papel 60 × 43 cm
LEONOR FINI Nascida em Buenos Aires, Argentina, em 30 de agosto de 1907, filha de pais argentinos e italianos, Leonor cresceu em Trieste, Itália, criada pela sua independente e determinada mãe, Malvina. Foi uma artista autodidata, aprendendo anatomia diretamente dos estudos de cadáveres no necrotério local e absorvendo técnicas dos velhos mestres através de livros e visitando museus. Após começar a pintar, foi para Milão, onde participou de sua primeira exposição individual em 1929, e depois em Paris em 1931. Sua personalidade vivaz e suas roupas extravagantes garantiram-lhe um foco no mundo da arte parisiense e ela logo desenvolveu relacionamentos estreitos com os principais escritores e pintores surrealistas, incluindo Paul Eluard, Salvador Dali, Man Ray e Max Ernst, que se tornou seu amante por um tempo. O único surrealista que não podia suportar por causa de sua misoginia era André Breton. Embora ela repetidamente exibisse com eles, ela nunca se considerava surrealista. O negociante americano Julien Levy, muito impressionado com a pintura de Fini e ferido por seus encantos excêntricos, convidou-a para Nova York em 1936, onde participou de uma exposição de galeria conjunta com Max Ernst e conheceu
muitos surrealistas americanos, incluindo Joseph Cornell e Pavel Tchelitchew. O trabalho dela foi incluído na exposição de arte fantástica, Dada e Surrealismo do MoMA, juntamente com De Chirico, Dali, Ernst e Yves Tanguy. Em 1939, em Paris, organizou uma exposição de móveis surrealistas para seu amigo de infância, Leo Castelli, para a abertura de sua primeira galeria. As apresentações aos catálogos da exposição foram escritas por De Chirico, Ernst e Jean Cocteau. Um tema predominante da arte de Fini é a relação complexa entre os sexos, principalmente a interação entre a mulher dominante e o macho passivo e andrógino. Em muitas de suas obras mais poderosas, a fêmea assume a forma de uma esfinge, muitas vezes com a cara da artista. Fini também foi uma retratista bem sucedida. Entre seus tópicos estavam Stanislao Lepri e Constantin (Kot) Jelenski (dois de seus amantes de longa data, com quem vivia simultaneamente, juntamente com mais de uma dúzia de gatos) e seus amigos, o escritor Jean Genet, as atrizes Maria Casarès, Anna Magnani, Alida Valli, e Suzanne Flon, a bailarina Margot Fonteyn, o diretor de cinema Luchino Visconti, os artistas Meret Oppenheim e Leonora Carrington, e as socialites Francesca Ruspoli e Hélène Rochas. O amor de Fini pelo design para o palco e a tela pode ter derivado de sua paixão por máscaras extravagantes, trajes elaborados e drama fantástico. Ela criou projetos, figurinos e posters premiados para a Ópera
de Paris e a Associação Metropolitana de Ópera, Le Palais de cristal de George Balanchine (agora chamado Sinfonia em C), o guarda-roupa para a bailarina Margot Fonteyn, no seu papel de Agata (a Gata) com coreografia de Rolant Petit, Les Demoiselles de la nuit de Anouilh, para o filme Romeu e Julieta(1954) de Renato Castellani e Satyricon(1969) do grande realizador italiano F. Fellini. Wagner’s Tannhäuser, Bérénice de Racine, The Maids e The Balcony de Jean Genet, o 8 1/2 de Federico Fellini e A Walk With Love de John Huston, o primeiro filme de Anjelica Huston. Além disso, ilustrou também livros para crianças. Entre os mais notáveis figuram desenhos para obras de Baudelaire, Jean Genet, Sade e Edgar A. Poe. Grande representante da libertação sexual feminina, a primeira pintura de nu erótico feminino feito por uma mulher é atribuída autoria a ela, data de 1942. Depois de uma longa e variada carreira, Fini faleceu em 1996 em Paris, França.
Heliodora, 1964. Leonor Fini.
L’entracte de l’Apotheose, O Intervalo da Apoteose, 1935-1936. Leonor Fini.
Le gardienne de l’œuf noir, A Guardiã do Ovo Negro, 1955. Óleo sobre tela. Leonor Fini.
Autoportrait au Scorpion, Autorretrato com escorpião, 1938. Leonor Fini.
La toilette inutile, O Vestido Inútil, 1964 Leonor Fini.
L´homme aux masques, O Homem com Máscaras, Retrato de Enrique Alverez Felix, 1949. Leonor Fini.
La vie ideale, A Vida Ideal, 1950. Óleo sobre tela. Leonor Fini.
Narcisse Incomparable, Narciso Incomparável, 1971. Óleo sobre tela. Leonor Fini.
Red Vision, Visão Vermelha, 1984. Óleo sobre tela. Leonor Fini.
MARTA MINUJÍN Marta Inés Minujín é uma artista plástica argentina nascida em 30 de janeiro de 1943, no bairro de San Telmo, Buenos Aires, conhecida por suas obras de vanguarda produzidas principalmente durante as décadas de 1960, 1970 e 1980. Sua obra conceitual, pop, psicodélica e de ação tornou-se o paradigma da geração baby boomer que, na década de 1960, revolucionou as normas sociais pré-estabelecidas e instituiu uma contracultura. Minujín estudou Belas Artes em algumas escolas nacionais sem se formar. Aos dezesseis anos apresenta sua primeira exposição individual em um show no Teatro Agón, em 1959 e inicia sua breve passagem pela informalidade. Naquele ano, Minujín conseguiu uma bolsa da Fundação Nacional das Artes da França e para se emancipar falsificou seu documento e se casou com o economista Juan Gómez Sabaini. Em 1962 voltou para a Argentina, mas um ano depois voltou para Paris graças a outra bolsa. Lá ela se ligou ao Novo Realismo e fez seu primeiro acontecimento, La destrucion (1963), em que colegas de Minujín destruíram as obras da artista. De volta a Buenos Aires, Minujín apresentou diversos acontecimentos, performances e instalações artísticas
La Menesunda, 1965 Marta Minujín
no Instituto Di Tella. No final dos anos 60, Minujín se juntou ao movimento contracultural hippie em Nova York após ganhar a bolsa Guggenheim, onde se voltou para a pop art e a arte psicodélica. Durante essa época e mais tarde na década de 1970, Minujín trabalhou tanto em Buenos Aires quanto em Nova York. No final dos anos setenta, seguindo as sugestões de Roberto Mackintosh, inicia com obeliscos móveis e suas obras seccionáveis e no início dos anos oitenta volta-se para a arte ambiental com obras
como Cabbage (1977) e Toronjas (1977), e projetos que mitos profanados, populares, como El obelisco de pan dulce (1979) e Carlos Gardel de fuego (1981). Em 1983, e em comemoração ao retorno da democracia na Argentina, Minujín apresentou o El Partenón de Libros na Avenida 9 de Julio, uma estrutura tubular de ferro do mesmo tamanho que o Partenón de Atenas, composto por livros proibidos durante a ditadura militar. Durante os anos oitenta, o seu interesse pela revisão dos mitos voltou-se para a
escultura clássica grega, com obras que caem ou se fragmentam como Vênus de Milo caindo (1986) e Young Hellenic fragmenting (1982); sem abandonar a arte de produzir obras como a sua colaboração com Andy Warhol em 1985. Desde os anos noventa sua obra foi reavaliada e consagrada em várias homenagens e retrospectivas. No entanto, Minujín continua trabalhando como artista em seu estúdio no bairro de San Cristóbal, em Buenos Aires. Em 1964 foi convidada para o Prémio Nacional Di Tella, centro de referência
para os artistas da época, onde expôs “Erotics in technicolor” e “Revuélquese y viva”. Na segunda obra, os espectadores deveriam entrar em uma loja de tecidos, borracha e madeira, cheia de colchões multicoloridos, deitar na cama e rolar para cumprir o propósito explícito do artista de unir “arte e vida”. Nesse mesmo ano realizou o acontecimento “Cabalgata” em frente às câmeras do Canal 7, transformando a transmissão em algo inédito até então. Na ação, alguns cavalos que tinham recipientes com tinta amarrada na cauda,
coloriram alguns colchões; um grupo de atletas, ao mesmo tempo, estourou balões e dois roqueiros foram embrulhados com fita isolante. Pouco depois, no Estadio del Cerro, em Montevidéu, apresentou “Sucesos”, uma performance com quinhentas galinhas, mulheres gordas, atletas, dançarinos, fisiculturistas, motociclistas e outras coisas.
Sem título, 1973-1974. Marta Minujín. Técnicas mistas. Exposição Frozen Sex
Congelación a lo largo (autorretrato de espaldas), 1975 Marta Minujín Acrílica sobre tela. 120 × 240 cm
Kidnappening, 1973 Marta Minujín. Performance
Geometría Blanda, 2014 Marta Minujín.
La Menesunda, 1965 Marta Minujín.
BOLÍVIA
MARINA NUÑEZ DEL PRADO Marina Núñez del Prado foi uma das escultoras mais respeitadas da América Latina. Baseou muitas de suas esculturas na forma feminina, além de se inspirar em animais e paisagens nativas da Bolívia. Seu trabalho é altamente sensual, com curvas onduladas. Ela esculpiu madeiras nativas da Bolívia, bem como granito preto, alabastro, basalto e ônix branco. Talvez uma de suas obras mais famosas seja “White Venus” (1960), um corpo feminino estilizado em ônix branco. Outra obra célebre é “Mãe e filho”, esculpida em ônix branco. As culturas indígenas bolivianas inspiraram grande parte de seu trabalho. Nascida em La Paz, Bolívia, em 17 de outubro de 1910, Del Prado descobriu seu amor pela arte na juventude, enquanto estudava técnicas de modelagem escultural em La Paz. Sua paixão pela escultura foi inspirada na obra de Michelangelo e também de Miguel Ángel. Posteriormente estudou artes plásticas na Academia de Belas Artes de La Paz, formando-se em 1930. Logo após sua formatura, ela passou a ter a primeira de várias exposições e tornou-se instrutora de anatomia artística e escultura. Ela foi a primeira mulher a alcançar uma posição como presidente da Academia.
Enquanto trabalhava na Academia de Belas Artes de La Paz, Del Prado começou a expor localmente e colaborou com vários artistas, como Cecilio Guzmán de Rojas, pintor boliviano que liderou o movimento indígena da época. Da mesma forma, Del Prado concentrou seu trabalho principalmente nos direitos dos povos indígenas e no indigenismo, uma ideologia política que centraliza a relação da população indígena com o governo. Del Prado deixou o emprego na universidade e cidade natal para viajar em 1938. Algumas pesquisas indicam que, nos oito anos seguintes à formatura, ela se especializou em anatomia artística e ganhou uma medalha de ouro na Argentina em 1936 e em Berlim em 1938. Ela passou os próximos anos viajando e estudou por 8 anos em Nova York com uma bolsa concedida pela Associação Americana de Mulheres Universitárias. Enquanto estava em Nova York, Del Prado ganhou uma medalha de ouro por sua exposição “Miners in Rebellion”. Este trabalho foi centrado nos trabalhadores da região boliviana de Potosi. Pouco depois, em 1948, Del Prado voltou para La Paz, onde continuou a fazer trabalhos inspirados nos povos indígenas da América do Sul, bem como na paisagem e na cultura de sua terra natal. Em 1972, ela instalou sua residência e ateliê no que viria a ser sua Casa Museu, localizado na rua Ántero Aspíllaga 300, em pleno coração do Bosque El Olivar, no Peru, onde viveu com seu marido, Jorge
Falcón, um escritor nativo peruano. Com seus quatro irmãos, Del Prado doou a Casa Museu Marina Nuñez del Prado ao povo da Bolívia em memória de seus pais. O museu abriga mais de mil obras de arte, principalmente feitas por Del Prado e algumas por sua irmã, Nilda. Esta casa de estilo neocolonial foi adquirida em 1973, propriedade de Luis Alayza e Paz Soldán, sendo a primeira casa de El Olivar declarada Patrimônio Cultural da Nação.
Marina Nunez del Prado morreu em Lima, Peru, em 9 de setembro de 1995, onde passou os últimos vinte e cinco anos de sua vida trabalhando. Ela deixou um legado que enriqueceu significativamente a arte e a cultura boliviana, mas também foi uma contribuição significativa para a prática da escultura e da arte latinoamericana.
Bolivianos, 1910-1996. Marina Nuñez Del Prado. Madeira entalhada com mancha escura
Mujer Erguida, Marina Nuñez Del Prado. Bronze.
Sem título nº7, Marina Nuñez Del Prado. Mármore na base de basalto.
Torso, 1960. Marina Nuñez Del Prado. Basalto Preto.
White Venus, 1960 Marina Nuñez Del Prado. Ônix.
Virgen, Marina Nuñez Del Prado. Madeira.
Mother and Child, Marina Nuñez Del Prado. Mármore negro.
Mujer, Marina Nuñez Del Prado. Pedra Polida.
Mother and Child, Marina Nuñez Del Prado. Madeira Guayacan
Danza de Cholos, 1938. Marina Nuñez Del Prado. Terracota.
Torso, 1960. Marina Nuñez Del Prado. Basalto Preto.
NORHA BELTRÁN Norha Beltrán nasceu em La Paz, na Bolívia, em 26 de abril de 1929 e se naturalizou brasileira. Desde muito cedo, manifestou seus dons artísticos, tendo cursado belas-artes na Europa e no Brasil, onde se formou em museologia e psicologia. Frequentou, em Viena, o ateliê do pintor expressionista Oskar Kokoschka e, entre 1965 e 1975, integrou a comissão boliviana na Bienal Internacional de São Paulo. Pintora e designer, ela participou de inúmeras exposições individuais e coletivas na Espanha, Áustria, França, Suíça, Brasil, Venezuela, Argentina, Peru, Cuba e Estados Unidos. As técnicas artísticas que mais utilizou foram o óleo sobre tela e a aquarela. Em 1979-1980 dirigiu o Museu Nacional de Arte de La Paz. Ele estudou Artes na Academia de Belas Artes de La Paz, Viena e Madrid. Foi aluna particular de Armando Pacheco e Juan Rimsa, em La Paz, e de Heitor Usai, no Rio de Janeiro. Sua obra é uma crítica violenta à sociedade de consumo, apresentando mulheres
gordinhas, cobertas de joias, perfumadas, cobertas de laços, chapéus, véus, luvas e maquiagem pesada, preenchendo de nada o vazio de suas vidas. Diante de um panfleto ou arte contundente, ele irônico com senso de humor e graça o que a condição humana tem de mais vulnerável: a frivolidade. Participa, entre outras, da Bienal de Barcelona (1958), da Galeria de Arte Moderna e da IX e XII Bienais de São Paulo (1960/65). Recebe Menção Honrosa no Salão Murillo de La Paz, Bolívia (1950); Primeiro Prêmio de Melhor Cartunista Boliviano no Concurso Internacional de Cultura Hispânica (1956) e Medalha de Prata no Salão Paulista de Arte Moderna de São Paulo (1962). É Curadora da Bolívia na Bienal de São Paulo de 1965 a 1975, Vice-Presidente da Associação de Artistas Plásticos da Bolívia e Membro da Associação Internacional de Artistas Plásticos da UNESCO em Paris.
Curiosidades: Seu nome aparece de diferentes formas quando se busca por ela na internet, como por exemplo: Norha Beltrán Norah Beltrán Nohra Beltrán Norhá Beltran etc.
La Espera, 1959. Norha Beltrán Óleo sobre tela
A Viuva Feliz Norha Beltrán Óleo sobre tela.
Música, Norha Beltrán Técnica mista sobre papel.
Figura Feminina, 1978. Norha Beltrán Óleo sobre tela. 50 x 60 cm
Figura Feminina, 1977. Norha Beltrán Óleo sobre tela. 100 x 80 cm.
Figura Feminina, 1984. Norha Beltrán Técnica mista sobre papel. 22,5 x 31,5 cm.
Figura com Flores, 1984. Norha Beltrán Técnica mista sobre papel. 22,5 x 31,5 cm.
Figura, 1984. Norha Beltrán Técnica mista sobre papel. 22,5 x 31,5 cm.
BRASIL
ANITA MALFATTI Anita Malfatti nasceu em 2 de dezembro de 1889, em São Paulo. Sua mãe, Bety Malfatti (1866-1952), foi quem lhe ensinou a pintar. No entanto, a jovem pintora possuía uma atrofia no braço e na mão direita, e, em função disso, desenvolveu a habilidade da mão esquerda, com a qual pintava. Suas primeiras pinturas remanescentes datam do ano de 1909. No ano seguinte, a pintora mudou-se para a Alemanha, onde permaneceu até 1914. Nesse país estudou na Academia Imperial de Belas Artes, além de ter contato com o expressionismo. Nos anos de 1915 e 1916, Anita Malfatti morou em Nova Iorque, onde estudou na Arts Students League of New York e na Independent School of Art. Apesar de sua primeira exposição individual ter ocorrido em 1914, em São Paulo, a pintora só ficou conhecida em 1917, devido a uma crítica negativa feita pelo escritor Monteiro Lobato (1882-1948). De todo modo, a pintura modernista, da qual Anita Malfatti é considerada a precursora, ganhou força com a realização da Semana de Arte Moderna de 1922. Nessa época, ela fez parte do Grupo dos Cinco, um grupo de artistas composto por Tarsila do Amaral (1886-1973), Mário de Andrade (1893-1945), Oswald de Andrade (1890-1954) e Menotti del Picchia (18921988).
Em 1923 foi estudar em Paris, e só voltou ao Brasil em 1928 para ensinar desenho e pintura. A partir daí, a artista foi relativamente afastada do modernismo. A pintora, desenhista, gravadora, ilustradora e professora Anita Malfatti participou do Salão Revolucionário, da Sociedade Pró-Arte Moderna, do Salão Paulista de Belas Artes e, em 1937, integrou-se à Família Artística Paulista, além de tornar-se presidente do Sindicato de Artistas Plásticos de São Paulo, em 1942. Assim, a partir da década de 1940, a pintora passou a produzir uma pintura mais centrada na cultura popular. Morreu em 6 de novembro de 1964, em São Paulo. A exposição de Anita Malfatti, em 1917, é considerada, pelos estudiosos, um dos principais acontecimentos artísticos que levaram à realização da Semana de Arte Moderna de 1922. Portanto, a artista foi uma precursora, no Brasil, da “arte nova” ou arte moderna, que teve seu auge entre os anos de 1922 e 1930, período mais radical do movimento, a “fase de destruição”.Nas obras desse seu período inicial, é possível observar uma trabalho experimental com a luz, no abandono da técnica tradicional do claro-escuro. A artista não se preocupou com a representação fidedigna, isto é, naturalista, da realidade. Imagens com contornos grossos e ondulantes também podem ser identificadas. Além disso, a temática nacionalista fez-se presente, como na obra Tropical, de 1917.
No entanto, ainda na década de 1920, Malfatti interessou-se pelo fauvismo, ou seja, passou a utilizar cores mais intensas, caminhou para a temática regionalista, voltou a dialogar com a pintura clássica e, por fim, buscou expressar-se de forma mais original. No auge de seu amadurecimento, sua pintura atingiu a espontaneidade, a independência em relação a movimentos estéticos, e passou a privilegiar temas da cultura popular.
Homem Amarelo, 1915. Anita Malfatti Óleo sobre tela 61 x 51 cm
A Onda, 1915-1917. Anita Malfatti Óleo sobre tela 26,5 x 36 cm
La Rentrée, 1927. Anita Malfatti Óleo sobre tela 88 x 115 cm
Rochedos, Monhegan Island, 1915 Anita Malfatti Óleo sobre tela 60 x 74 cm
Nu, s.d. Anita Malfatti Óleo sobre tela 63 x 42 cm
Nu Cubista nº1, 19151916. Anita Malfatti Óleo sobre tela 51 x 39 cm
Georgina, 1914. Anita Malfatti Óleo sobre tela 98 x 73 cm
DJANIRA DA MOTTA E SILVA Djanira da Motta e Silva foi uma pintora, desenhista, ilustradora e cenógrafa brasileira. Nasceu em Avaré, São Paulo, no dia 20 de junho de 1914. Descendente de imigrantes austríacos e neta de indígenas guaranis, ainda criança mudou-se com a família para Porto União em Santa Catarina. Em 1928 regressou para a sua cidade natal onde trabalhou nos cafezais da região. Suas recordações da infância e seu contato com gente simples do campo deixaram impressões que mais tarde foram projetadas em seus quadros. No final da década de 1930, Djanira contraiu tuberculose e foi internada no sanatório de São José dos Campos. Nessa época, fez seu primeiro desenho. Em 1937, casou-se com Bartolomeu Gomes Pereira, um maquinista da Marinha Mercante, que morreu quando o navio em que estava foi atingido por um torpedo lançado por um navio alemão durante a Segunda Guerra Mundial. Em 1939, Djanira mudou-se para Santa Teresa, no Rio de Janeiro, onde adquiriu a Pensão Mauá, que se tornou um local de convívio de diversos artistas e intelectuais da época. Em 1940, Djanira passou a ter aulas com os pintores Emeric Marcier e Milton
Dacosta, seus hóspedes na pensão. Nesse mesmo ano, frequentava o curso noturno do Liceu de Artes e Ofícios. Em 1942, Djanira expôs, pela primeira vez, no Salão Nacional de Belas Artes. Em 1943, realizou sua primeira individual na Associação Brasileira de Imprensa. Nesse mesmo ano, recebeu “Menção Honrosa” na segunda exposição do Salão Nacional de Belas Artes. Em 1944, conquistou medalha de bronze no mesmo salão. Nesse mesmo ano, participou da Mostra de Pintores Brasileiros, em Londres. Entre 1945 e 1947, Djanira viveu em Nova Iorque, onde foi influenciada pela pintura de Pieter Brueghel. Em 1946 realizou uma exposição individual na sede da União Pan-Americana, em Washington. Em 1950, Djanira realizou diversas viagens pelo interior do Brasil, em busca de temas para sua produção. Em Salvador, conheceu José Shaw da Motta e Silva, funcionário público, nascido em Salvador. No dia 15 de maio de 1952, se casa no Rio de Janeiro e passa a assinar com Djanira da Motta e Silva. Entre 1950 e 1951, Djanira pintou o mural “Candomblé”, para a residência de Jorge Amado, em Salvador, e outro para o Liceu Municipal de Petrópolis. Entre 1953 e 1954, realizou uma viagem de estudos para a União Soviética. Entre 1963 e 1964, confeccionou o painel “Santa Bárbara”, com 130 m2, no túnel do mesmo nome, que liga os bairros de
Catumbi e Laranjeiras, no Rio de Janeiro. Posteriormente, o painel foi instalado no Museu Nacional de Belas Artes. Muito religiosa, em 1963, entrou para a Ordem Terceira Carmelita, da qual recebeu o hábito com o nome de Irmã Teresa do Amor Divino. Em 1972 recebeu um diploma e uma medalha, do Papa Paulo VI. Djanira foi a primeira artista latino-americana a ser representada no Museu do Vaticano, com a obra “Sant’Ana de Pé”. Djanira da Motta e Silva faleceu no Rio de Janeiro, no dia 31 de maio de 1979. Com uma temática predominantemente brasileira, Djanira reproduziu em sua obra, de maneira singela e poética, a paisagem nacional em um estilo chamado de arte primitiva, com linhas e cores simplificadas. Em sua obra coexistem uma diversidade de cenas, como as festas folclóricas, as temáticas religiosas, o cotidiano dos tecelões, os colhedores de café, os batedores de arroz, os vaqueiros etc.
Feira da Bahia, 1956, Djanira da Motta e Silva Óleo sobre tela 80 x 116 cm
Igreja de Antonio Dias Estudo de Ouro Preto, 1955. Djanira da Motta e Silva Óleo sobre tela 51 x 61,3 cm
Candomblé, 1957 Djanira da Motta e Silva Têmpera sobre madeira 250 x 243 cm
Três orixás, 1966 Djanira da Motta e Silva Óleo sobre tela 130 x 195,5 cm
Serradores, 1959 Djanira da Motta e Silva Têmpera sobre madeira 136 x 131 cm
Mercado de Peixe, 1957 Djanira da Motta e Silva Têmpera sobre madeira 89,8 x 116,5 cm
LEDA CATUNDA Nascida em São Paulo em 23 de junho de 1961, é uma artista visual, pesquisadora e professora. Uma das expoentes da Geração 80, explora em seu trabalho questões referentes à representação das imagens e ao universo pop. Formada pela Fundação Armando Álvares Penteado (Faap), em São Paulo, Leda é aluna de Regina Silveira (1939), Nelson Leirner (1932) e Julio Plaza (19382003). Durante a formação, se aborrece por ter de desenhar tanto a pedido dos professores e parte, então, em busca de desenhos já disponíveis no mercado. Entre seus primeiros trabalhos estão as Vedações (1983). Nessa série, a artista se apropria de tecidos estampados, em geral figurativos, e apaga algumas informações com tinta, recriando a estampa. Utiliza-se conceitualmente da pintura: pincel e tinta servem para destacar, apagar, recriar ou criticar um mundo já coberto de imagens. Como tela, utiliza objetos aparentemente banais encontrados em regiões de comércio popular, como flanelas, cortinas de banheiro, cobertores, toalhas e tecidos, em geral usados em ambientes domésticos. No ano seguinte, ainda recorrendo a materiais disponíveis no mercado, Leda realiza pinturas mais figurativas, como Aquário (1984). Nela, apropriou-se das imagens de
peixes de uma cortina de plástico para pintar uma caixa de vidro em volta do cardume. A artista chama esses trabalhos de pinturas-objetos. De acordo com Leda, o interesse pelo universo popular e kitsch vem da ausência desse repertório na casa dos pais. Filha de arquitetos, a residência em que mora na infância é decorada com poucos objetos e, em geral, com design planejado. É a casa da avó portuguesa que desperta o interesse da artista por elementos populares e artesanais de decoração, como toalhas de crochê. O repertório visual começa a se formar nos passeios com a avó pelo comércio popular no largo de Pinheiros, em São Paulo. Ainda no começo da carreira, a pintura de Leda chama a atenção dos principais críticos, galeristas e curadores da época. Em 1983, com apenas 22 anos, participa da mostra coletiva Pintura Como Meio, no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC/USP), ao lado dos artistas Ciro Cozzolino (1959), Sergio Romagnolo (1957), Ana Maria Tavares (1958) e Sérgio Niculitcheff (1960), com curadoria de Aracy Amaral (1930). Para a curadora, o talento e o frescor da produção desses jovens está na forma contemporânea de usarem a pintura, buscando suportes menos usuais do que a tela emoldurada e destacando na parede materiais menos nobres, como o “pano”. No ano seguinte, Leda participa da icônica exposição Como Vai Você, Geração 80?, que faz um balanço da produção de
123 artistas da época no Parque Lage, no Rio de Janeiro. Recém-saída da faculdade, ainda nos anos 1980, expõe trabalhos na I Bienal de Havana (em Cuba) e nas XVII e XVIII bienais de São Paulo. No final dos anos 1980, começa a se distanciar do trabalho figurativo, procedimento que ganha força na década seguinte. Nas obras abstratas, a textura e a estampa do material continuam presentes, mas explora formas geométricas, como na produção apresentada na exposição individual na Galeria São Paulo, em 1992. Durante essa década, Leda cria o que chama de pintura-instalação, isto é, obras com maior volume e dimensão. As formas geométricas adquirem aparência abstrata, como em Siameses (1998). Essa fase é simultânea à pesquisa de mestrado desenvolvida na Escola de Comunicação e Artes (ECA), que recebe indicação ao doutorado direto, defendido em 2003. Na tese, Leda pesquisa a “poética da maciez”, em que estuda sua produção e de outros artistas que exploraram o uso de formas amolecidas. Em 2014, essas estruturas macias passam a dar espaço a materiais mais duros, quando a artista realiza Nó, considerada sua primeira escultura, feita em madeira, em que explora a imagem de fórmicas que imitam madeira. A partir dos anos 2000, aplica imagens fotográficas às pinturas. Primeiro, utiliza fotos de seu acervo pessoal, com amigos e familiares, como em Todo Pessoal (2006). Depois, apropria-se de imagens enviadas
por amigos ou encontradas na internet. Com o fenômeno das redes sociais, as fotos postadas pelos usuários entram para seu repertório, como em Mar Linda (2016), em que usa fotos do perfil de uma jovem. Essa obra faz parte da exposição I Love You, Baby, em 2016, no Instituto Tomie Ohtake. Nela, apresenta pinturas que trabalham com o que chama de “consumo afetivo”, explorando o uso de logomarcas e imagens de desejo, como de paisagens de férias na praia. A obra de Leda Catunda se pauta pelo uso de imagens, tecidos e estampas disponíveis a todos. Como ela própria costuma dizer: “gosto de gostar do que os outros estão gostando”. Atenta ao comportamento das pessoas a sua volta, ao que estão vestindo e fazendo, a artista capta essas referências, transformandoas em matéria-prima para seu trabalho, sem perder o tom de crítica e acidez, que se acentua em seu universo almofadado e colorido.
O Abismo, 1990 Leda Catunda Acrílica sobre tela e tecido 225 x 160 cm
A Praia, 1990 Leda Catunda Pintura sobre madeira e areia 90 x 109,5 cm
Jardim das Vacas, 1988 Leda Catunda Acrílica sobre couro e tela. 146 x 158 cm
O Casaco, 1986 Leda Catunda Acrílica sobre tecido e pêlo artificial 110 x 110 cm
Ronda Noturna, 1988 Leda Catunda Acrílica sobre quebracabeça 105 x 153 cm
Onça Pintada Nº 1, 1984 Leda Catunda Acrílica sobre cobertor 192,5 x 157,5 cm
Barriga, 1997 Leda Catunda Colagem sobre papel 70,2 x 50 cm
LYGIA CLARK Lygia Clark, pseudônimo de Lygia Pimentel Lins, nasceu em Belo Horizonte, Minas Gerais, no dia 23 de outubro de 1920 e foi uma pintora e escultora brasileira. Abdicou do rótulo de artista, exigindo ser chamada de “propositora”. Em 1947, já casada e com três filhos, muda-se para o Rio de Janeiro e inicia-se na arte da pintura sob a orientação do artista plástico Burle Marx. Em 1950 Lygia foi morar em Paris, onde permaneceu até 1952. Nessa época, estudou com Fernand Léger, Arpad Szens e Isaac Dobrinsky, e expôs na Galeria do Institut Endoplastique de Paris. De volta ao Rio de Janeiro, integrou o Grupo Frente, liderado por Ivan Serpa. Entre 1954 e 1957 desenvolveu uma pintura construtivista, com o uso do branco e do preto, com tinta industrial. Mudou a natureza e o sentido dos quadros, estendendo a cor até à moldura, anulando-a ou até mesmo trazendo ela para dentro do quadro. É o que a artista denominou de “Linha Orgânica”. Em 1959, com o objetivo de estabelecer uma nova linguagem abstrata na arte brasileira assina o Manifesto Neoconcreto. Nesse mesmo ano, participou da Primeira Exposição Nacional de Arte Neoconcreta, no MAM, no Rio de Janeiro, junto com
Lygia Pape, Amílcar de Castro, Sérgio Camargo, Ferreira Gullar, entre outros artistas. Em 1964, Lygia Clark lecionou no Instituto Nacional dos Cegos. Entre os anos de 1960 e 1964 criou a série “Bicho”: esculturas metálicas geométricas que se articulavam por meio de dobradiças, onde buscava a participação do público com seu trabalho e a “Obra Mole”, formada por pedaços de borrachas laminadas entrelaçadas. Fazia uso também de sacos plásticos, pedras, conchas etc. Entre seus trabalhos destacam-se: “Nostalgia do Corpo” (1968), que propõe ao público sentir coisas simples, como o sopro da respiração e o contato com uma pedra na palma da mão, “A Casa É o Corpo: Labirinto” (1968), que simula um útero onde o visitante pode percorrer e experimentar sensações táteis ao passar pelos diversos compartimentos, e a “Baba Antropológica” (1973), no qual várias pessoas derramam sobre alguém deitado, fios que saem de sua boca. Entre 1970 e 1975 morou em Paris. Nessa época, lecionou no curso de Comunicação Gestual na Faculdade de Artes Plásticas St. Charles, na Sorbonne, quando desenvolveu diversas experiências terapêuticas com seus alunos, fazendo uso de objetos sensoriais. De volta ao Rio de Janeiro, se dedicou ao estudo das possibilidades terapêuticas da arte sensorial e dos objetos relacionados. Passou a dar consultas terapêuticas particulares, entre 1978 e 1985, considerando seu trabalho definitivamente
alheio à arte e próximo à psicanálise. Sua obra ganhou reconhecimento internacional com retrospectivas em diversas capitais internacionais. Lygia Clark faleceu no Rio de Janeiro, no dia 25 de abril de 1988.
Máscara abismo com tapaolhos, 1968 Lygia Clark
Poetic Shelter, Abrigo Poético, 1960 Lygia Clark
Bicho, 1960 Lygia Clark
Bichos, 1965 Lygia Clark
Caminhando, 1964 Lygia Clark
Dialogue goggles Óculos de diálogo, 1968 Lygia Clark
The Inside Is the Outside, O Dentro é o Fora, 1963 Lygia Clark
Planos em superficie modulada, 1952 Lygia Clark
Planos em superficie modulada, 1952 Lygia Clark
MARIA MARTINS Maria de Lourdes Martins Pereira de Souza, nascida em Campanha, Minas Gerais em 1894, foi escultora, desenhista, gravadora e escritora. Desenvolve grande parte de sua carreira no exterior em virtude das atividades do marido, o embaixador Carlos Martins. Inicia-se na escultura em 1926 e aperfeiçoa-se, na Bélgica, com o escultor Oscar Jespers (1887 - 1970), em 1936. Em 1939, muda-se com Carlos Martins para Washington D.C. Posteriormente, aluga um apartamento em Nova York onde estuda escultura com Jacques Lipchitz (1891 - 1973), realizando trabalhos em bronze. Em 1941, faz sua primeira exposição individual, na Corcoran Art Gallery, em Nova York. Conhece André Breton (1896 1966), que a apresenta a artistas europeus ligados ao surrealismo e ao dadaísmo, como Michel Tapiè (1909 - 1987), André Masson (1896 - 1987), Yves Tanguy (1900 - 1955), Max Ernst (1891 - 1976) e Marcel Duchamp (1887 - 1968). Em 1947, André Breton assina o prefácio do catálogo de sua mostra individual, realizada na Julien Lery Gallery, em Nova York. Em 1948, muda-se para Paris, onde seu ateliê torna-se local de encontro de intelectuais
e artistas. Volta definitivamente ao Brasil em 1950. Colabora na organização das primeiras Bienais Internacionais de São Paulo e na fundação do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - MAM/RJ. Como escritora, assina coluna no Correio da Manhã e publica entre outros livros, A Índia e o Mundo Novo, A Ásia Maior e o Planeta China. Na França, a artista aprendeu a modelar na madeira; no Japão, em terracota, mármore e cera perdida. Em 1939, em Bruxelas, passou a usar o bronze, principal matéria-prima adotada em suas obras posteriores. Casada com o embaixador Carlos Martins, estava acostumada a viajar o mundo, e ainda no início dos anos 1940 organizou suas primeiras exposições, montou um ateliê em Nova York e teve
aulas com o escultor lituano Jacques Lipchitz. Foi nessa época, inclusive, que conheceu Marcel Duchamp, com quem manteve um relacionamento amoroso e trocas artísticas. Maria Martins serviu, inclusive, de modelo para sua última obra, Étant donnés, e para a capa do catálogo Prière de toucher. Apesar da vida em países estrangeiros, a artista nunca se esqueceu de onde veio, na opinião de Francisco Martins – daí o subtítulo do filme. “Desde 1922, havia essa proposta de descobrir o que seria uma cultura brasileira. Mas isso era feito dentro do estereótipo, no fundo de uma matriz colonizada europeia. Maria vai além e realmente registra essa exuberância de formas e de sexualidade
num nível mais original, afirma o diretor Francisco Martins. Quando retornou ao Brasil, na década de 1950, sua obra foi tratada com certa hostilidade pela crítica, que a considerava muito próxima do surrealismo e chegou a classificá-la como obscena. Em sua última individual, em 1956, no Museu de Arte Moderna (MAM) do Rio de Janeiro, teve inclusive que publicar um texto defendendo a liberdade de expressão do artista. “Maria era uma mulher esclarecida e ficaria escandalizada com o que está acontecendo hoje no Brasil, pois mesmo que suas obras em certo momento fossem chamadas de obscenas, não eram censuradas e havia o espaço para o debate”, afirma Elisa Gomes. Maria Martins também tem obras expostas no Museu de Arte Moderna de Nova York e de São Francisco; no Museu de Arte da Filadélfia, Museu de Arte LatinoAmericano de Buenos Aires, Museu de Arte Moderna de São Paulo e no Museu de Arte Contemporânea da USP.
Sem Título, 1953 Maria Martins Bronze.
Sombras, s.d. Maria Martins Bronze cinzelado em base de madeira nobre..
Não te Esqueças Nunca que Eu Venho dos Trópicos 1942, Maria Martins Bronze.
L’Huitième voile O oitavo véu, 1949, Maria Martins Bronze polido
Sem Eco, 1943 Maria Martins Bronze polido
Prometheus II, 1949 Maria Martins Bronze
Hasard Hagard, 1947 Maria Martins Bronze
Orpheus, 1952, Maria Martins Bronze
Brouillard noir, 1949 Maria Martins Bronze
Uirapuru, 1945 Maria Martins Bronze
O Impossível, 1946 Maria Martins Bronze
O Implacável, 1947, Maria Martins Bronze
Cobra Grande, 1942 Maria Martins Bronze
REGINA SILVEIRA Nascida em 1939, Regina Silveira é natural de Porto Alegre, Rio Grande do Sul. Sua formação acadêmica em pintura acontece no Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul (IA/UFRGS), em 1959. No ano seguinte estuda pintura com o icônico Iberê Camargo. Já com Marcelo Grassmann e Francisco Stockinger, a artista aprende a arte da gravura. Como estudante de arte, Silveira conquista oportunidades fora do país. Assim, em 1967, torna-se bolsista do Instituto de Cultura Hispânica e frequenta a Faculdade de Filosofia e Letras de Madri. Em seguida, como um processo natural de sua dedicação, é convidada para ser professora na Faculdade de Artes e Ciências da Universidade de Porto Rico. Seu retorno para o Brasil acontece em 1973, quando integra o corpo docente na área de gravura da Faculdade de Artes Plásticas da Fundação Armando Álvares Penteado (Faap). No ano seguinte, consolida sua carreira como professora ao fazer parte do corpo de professores da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo (ECA/USP). Lá, faz mestrado e recebe o título de doutora em 1984.
Depois dessa jornada acadêmica, Regina parte para Nova York, onde mora durante três anos (1991 a 1994) com bolsas de estudo concedidas por diversas instituições como a John Simon Guggenheim Foundation (1991); Pollock-Krasner Foundation (1993) e Fulbright Foundation (1994). Em 1995, Silveira recebe uma nova bolsa, agora como artista residente da Civitella Ranieri Foundation. Em 2000 acumula mais uma conquista, já que a artista é agraciada com o Prêmio Cultural Sergio Motta. Nascida em 1939, Regina Silveira é natural de Porto Alegre, Rio Grande do Sul. Sua formação acadêmica em pintura acontece no Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul (IA/UFRGS), em 1959.
No ano seguinte estuda pintura com o icônico Iberê Camargo. Já com Marcelo Grassmann e Francisco Stockinger, a artista aprende a arte da gravura. Como estudante de arte, Silveira conquista oportunidades fora do país. Assim, em 1967, torna-se bolsista do Instituto de Cultura Hispânica e frequenta a Faculdade de Filosofia e Letras de Madri. Em seguida, como um processo natural de sua dedicação, é convidada para ser professora na Faculdade de Artes e Ciências da Universidade de Porto Rico. Seu retorno para o Brasil acontece em 1973, quando integra o corpo docente na área de gravura da Faculdade de Artes Plásticas da Fundação Armando Álvares Penteado (Faap). No ano seguinte, consolida sua carreira como professora
ao fazer parte do corpo de professores da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo (ECA/USP). Lá, faz mestrado e recebe o título de doutora em 1984. Depois dessa jornada acadêmica, Regina parte para Nova York, onde mora durante três anos (1991 a 1994) com bolsas de estudo concedidas por diversas instituições como a John Simon Guggenheim Foundation (1991); Pollock-Krasner Foundation (1993) e Fulbright Foundation (1994). Em 1995, Silveira recebe uma nova bolsa, agora como artista residente da Civitella Ranieri Foundation. Em 2000 acumula mais uma conquista, já que a artista é agraciada com o Prêmio Cultural Sergio Motta.
Mundus Admirabilis 2019 Regina Silveira
Dark Swamp, 2016 Regina Silveira Vinil adesivo, fibra de vidro, pintura automotiva
Amphibia, 2013 Regina Silveira Vinil adesivo e grade metálica
Descendo a Escada, 2002 Regina Silveira Vídeo-istalação
Ex Orbis, 2000 Regina Silveira Vinil adesivo sobre fachada
Abissal, 2010 Regina Silveira Vinil adesivo, paredes pintadas e filtros de luz
Sem Fim I Regina Silveira Offset 80,5 x 63 cm
Sem Fim II Regina Silveira Offset 80,5 x 63 cm
Sem Fim III Regina Silveira Offset 80,5 x 63 cm
TARSILA DO AMARAL Tarsila do Amaral nasceu na Fazenda São Bernardo, município de Capivari, interior de São Paulo, no dia 1 de setembro de 1886. Era filha de José Estanislau do Amaral Filho e Lydia Dias de Aguiar do Amaral, tradicional e rica família de São Paulo. Era neta de José Estanislau do Amaral, proprietário de diversas fazendas no interior de São Paulo, apelidado de “milionário”. Seu pai herdou apreciável fortuna e diversas fazendas, nas quais Tarsila passou a infância e adolescência. Tarsila do Amaral estudou em São Paulo em uma escola de freiras e no Colégio Sion. Completou seus estudos em Barcelona, na Espanha, onde pintou seu primeiro quadro, “Sagrado Coração de Jesus”, aos 16 anos. De sua volta ao Brasil, em 1906, Tarsila casou-se com André Teixeira Pinto, primo de sua mãe, com quem teve uma filha, Dulce Pinto. Em 1916, Tarsila começou a estudar no ateliê de William Zadig, escultor sueco radicado em São Paulo. Com ele aprendeu a fazer modelagem em barro. Em 1920, separou-se de André Teixeira e foi para Paris, onde estudou na Academia
Julian, escola de pintura e escultura. Estudou também com Émile Renard. Em 1922, tem uma tela sua admitida no Salão Oficial dos Artistas Franceses. Nesse mesmo ano regressa ao Brasil. Em 1923, Tarsila volta à Europa e mantém contato com os modernistas que lá se encontravam, são intelectuais, pintores, músicos e poetas, entre eles Oswald de Andrade. Estudou com Albert Gleizes e Fernand Léger, grandes mestres cubistas. Manteve estreita amizade com Blaise Cendrars, poeta franco-suíço que visitou o Brasil em 1924. Em 1925, estando em Paris, Oswald de Andrade lançou o volume de poesias “Pau-Brasil”, com ilustrações de Tarsila. Em 1926, Tarsila casou-se com Oswald
de Andrade e no mesmo ano a artista realizou sua primeira exposição individual na Galeria Percier, em Paris. Embora não tenha participado diretamente da “Semana de 22”, Tarsila se integrou com os intelectuais modernistas. Fez parte do “Grupo dos Cinco”, juntamente com Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Menotti del Picchia. Em 1929 expõe individualmente pela primeira vez no Brasil, no Palace Hotel em São Paulo. Em 1930, Oswald de Andrade deixa Tarsila e passa a viver com Pagu. Deprimida, durante um ano produziu uma única tela intitulada “Composição (Figura Só)”.
Tarsila do Amaral foi uma das artistas plásticas mais importantes da primeira fase do Modernismo, concretizando em sua obra todas as aspirações de vanguarda formuladas pelo grupo. Sua obra atravessou três fases denominadas: “Pau-Brasil”, “Antropofágica” e “Social”. A primeira fase, “Pau-Brasil”, teve início em 1924, quando Oswald de Andrade divulgou o “Manifesto Pau Brasil” defendendo o nacionalismo. A artista rompeu completamente com o conservadorismo e sua obra encheu-se de formas e cores assimiladas em sua viagem de “redescoberta do Brasil”, realizada em Minas Gerais, com seus amigos modernistas. Tarsila explorou os temas tropicais e exalta a flora e a fauna, as ferrovias e as máquinas, símbolos da modernidade urbana. A segunda fase da obra de Tarsila do Amaral, denominada “Antropofágica”, teve origem no mais radical de todos os movimentos do período modernista: “Movimento Antropofágico” que foi inspirado no quadro “Abaporu” (1928) (antropófago, em tupi), que Tarsila oferecera a Oswald como presente de aniversário. Partidários de um primitivismo crítico, os antropófagos propunham que a cultura estrangeira fosse devorada, aproveitando dela suas inovações artísticas, porém sem perder nossa própria identidade cultural. A terceira e última fase da obra de Tarsila
do Amaral, denominada “Social”, teve início em 1933, com a obra, “Operários”, onde sua criação está voltada para os temas sociais da época e a situação dos trabalhadores. Tarsila pintou dois painéis em sua carreira: “Procissão do Santíssimo” (1954), para as comemorações do IV Centenário da cidade de São Paulo e “Batizado de Macunaíma” (1956), para a Editora Martins. Entre 1934 e 1951, Tarsila manteve um relacionamento com o escritor Luís Martins. De 1936 a 1952, trabalhou como colunista nos Diários Associados onde ilustrava retratos de grandes personalidades. Em 1951 participou da I Bienal de São Paulo. Em 1963 teve uma sala especial na VII Bienal de São Paulo e no ano seguinte teve participação especial na XXXII Bienal de Veneza. Tarsila do Amaral faleceu em São Paulo, no dia 17 de janeiro de 1973.
O Autorretrato (Manteau Rouge), 1923 Tarsila do Amaral Óleo sobre tela 73 x 60,5 cm
Morro da Favela, 1924 Tarsila do Amaral Óleo sobre tela
O Lago, 1928 Tarsila do Amaral Óleo sobre tela
Antropofagia, 1929 Tarsila do Amaral Óleo sobre tela
Segunda Classe, 1933 Tarsila do Amaral Óleo sobre tela
Costureiras, 1936-1950 Tarsila do Amaral Óleo sobre tela
Primavera (Duas Figuras), 1946 Tarsila do Amaral Óleo sobre tela
Abaporu, 1928 Tarsila do Amaral Óleo sobre tela 73 x 85cm
A Negra, 1923 Tarsila do Amaral Óleo sobre tela
Estudo (Nú), 1923 Tarsila do Amaral Óleo sobre tela
Academia nº1, 1923 Tarsila do Amaral Óleo sobre tela
TOMIE OHTAKE Tomie Nakakubo (1913-1915) nasceu em Kioto, Japão, no dia 21 de novembro de 1913. Desde cedo se interessou pela pintura. Em 1936 veio para o Brasil visitar um irmão que morava em São Paulo. Pouco depois de chegar ao Brasil, casouse com um engenheiro agrônomo também japonês, teve dois filhos e passou a usar o nome de casada. Por volta de 40 anos, incentivada pelo artista contemporâneo Keiya Sugano, tomou coragem para ser pintora. Ao iniciarse em 1952 criava figurações prosaicas. A seguir abraçou o abstracionismo. Mas logo se diferenciou dos modismos ao seu redor, tomando um rumo pessoal que costuma ser definido como abstração informal. A partir dos anos 70, passou a trabalhar com serigrafia, litogravura e gravura em metal. Nos anos 80, Tomie Ohtake passou a utilizar uma gama cromática mais intensa e contrastante. O rigor de suas composições e a maestria no uso das cores lhe rendeu o respeito dos estudiosos. Sempre foi uma pintora e escultora popular e suas obras se tornaram familiares na paisagem brasileira. A obra de Tomie Ohtake se destaca tanto pela pintura, como pela gravura e
também pela escultura. Entre diversas obras, criou painéis para o metrô de São Paulo e plantou numa avenida da cidade uma escultura em forma de ondas. Entre 2009 e 2010, suas esculturas chegaram aos jardins do Museu de Arte Contemporânea de Tóquio. Em 2012 produziu uma obra para o Muri Museum de Tóquio. Tomie Ohtake participou de diversas mostras nacionais e internacionais, participou de mais de 20 bienais e recebeu diversos prêmios, entre eles, o Prêmio Nacional de Artes Plásticas do Ministério da Cultura – Minc, em 1995 e o Prêmio Panorama da Pintura Brasileira do Museu de Arte Moderna de São Paulo. Em 2000 foi fundado em São Paulo, o Instituto Tomie Ohtake, criado por Ruy e gerido por Ricardo, seus dois filhos
arquitetos. O Instituto é um centro artístico localizado na capital paulista. Durante a comemoração de seus 97 anos, o Instituto realizou uma exposição com 25 pinturas de grandes dimensões produzidas pela pintora em 2010. Em 2013, na comemoração de 100 anos, foram realizadas 17 exposições pelo Brasil. Em 2014, a cineasta Tizuka Yamasaki lançou um documentário sobre o universo da artista. A pintora foi uma ponte entre o Japão de ontem e a arte nacional de hoje. Tomie Ohtake faleceu em São Paulo, no dia 12 de fevereiro de 2015, aos 101 anos.
Sem Título Tomie Ohtake
Sem Título Tomie Ohtake
Sem Título Tomie Ohtake
Sem Título Tomie Ohtake
Sem Título Tomie Ohtake
Sem Título Tomie Ohtake
Sem Título Tomie Ohtake
Sem Título Tomie Ohtake Sem Título Tomie Ohtake
Sem Título Tomie Ohtake
CHILE
ROSER BRU Pintora e gravurista chilena, nasceu em Barcelona, Espanha, em 15 de fevereiro de 1923. No ano seguinte mudou-se com os pais para Paris, onde viveu seu primeiro exílio em quatro anos. Em seguida, a família voltou para Barcelona, cidade onde ingressou na Escola Montessori. Em 1931 iniciou os seus estudos no InstitutoEscola da Generalitat, na mesma cidade. Em 1939, após a guerra civil espanhola, ela foi novamente para o exílio. Viajou para a França, onde embarcou no navio Winnipeg, chegando ao Chile em setembro, quando começou a Segunda Guerra Mundial. Nesse mesmo ano ingressou na Escola de Belas Artes de Santiago, onde estudou livremente até 1942 e foi discípula de Pablo Burchard e Israel Roa. Em 1947 integrou o Grupo de Estudantes Plásticos (GEP) que reunia artistas da Geração dos 50 como José Balmes, Gracia Barrios, entre outros. Em 1957 entrou no Taller 99, criado por Nemesio Antúnez. No ano seguinte, voltou a Barcelona pela primeira vez, após uma ausência de 18 anos. Entre os cargos que ocupou está o de professora de desenho e pintura da Escola de Artes da Universidade Católica de Santiago de 1964 a 1968, e foi professora
visitante na oficina de pintura da Escola de Arte da Universidade Católica de 1989. Elementos como a memória, sua fragilidade e sua incapacidade de se recompor completamente foram o fio condutor de sua produção. Nesse sentido, ela volta repetidamente ao passado e revisa constantemente sua memória. Nas obras dos últimos anos, ela aprofundou sua preocupação pelos conflitos sociais e acontecimentos históricos dramáticos, apresentando um discurso crítico de grande força diante da injustiça, do drama da guerra, da tortura, etc. Apresenta elementos como fitas pretas, fotografias intercaladas, frases e números que reforçam a sua temática e associam permanentemente o passado e o presente.
O trabalho de Roser Bru pode ser dividido em duas etapas; o primeiro (19601973) denominado por Adriana Valdés “Materias”, é influenciado pelo românico catalão, pela obra de Antoni Tàpies e pelas suas viagens a Barcelona; aqui as figuras humanas são dadas em alguns traços simples, são figuras monumentais e seres ausentes do olhar, geralmente fundos e estranhos. No segundo momento (1973-1988), “Desmaterializações”, as pinturas transformam-se ao contrário: de grandes corpos sem olhar tornamse corpos desfocados, ausentes e transparentes. Também passa a incorporar nomes, números e até incluir fotos de identidades, principalmente marcada pelos acontecimentos políticos do Chile na época.
A partir de 1988, seu trabalho passa a agregar os motivos de seus períodos anteriores, incorporando também novos temas e técnicas, tratando de retratos, notícias, documentos, fotografias, etc. Ela também usa certos elementos que se tornam recorrentes em sua obra, como pão e melancia (uma fruta que se racha, um símbolo da mulher, traçada no triângulo de seu corpo e fertilidade). Em 1992 ela viajou para o Egito. No Museu do Cairo estão as pinturas funerárias das múmias de Fayum. Seu trabalho começa a ser estruturado composicionalmente com figuras triangulares, toma temas de vidas passadas e agora, e também cria novas formas de retratos. Posteriormente trabalha na série “Gracias a Velásquez”, onde recolhe elementos da pintura da artista espanhola, como os retratos de “Las Meninas” que vai incorporar nas suas criações, interessada em personagens que estavam fatalmente destinados, como os anões da corte que cuidavam de princesas escondidas por suas roupas. Seu trabalho é finalmente a união de duas variáveis principais; por um lado o caráter figurativo e por outro o caráter temático, onde expõe sua preocupação com os problemas humanos, especialmente os das mulheres, onde o corpo feminino é matéria em situação extrema. Desde 1957 até hoje, com seus 98 anos de idade, tem participado em várias exposições individuais e colectivas e obtido importantes prêmios que a tornam digna de um lugar de destaque nas artes plásticas nacionais e internacionais.
Mujer, 1993 Roser Bru Acrílico sobre madeira
Las obsesiones de Frida, 1985 Roser Bru Acrílico
Oda a una lavandera nocturna, 1965 Roser Bru Gravura
Memoria (autorretrato), 1973 Roser Bru Acrílico sobre tela.
El niño de Vallecas, 1973 Roser Bru Acrílico sobre tela.
Serie Made in Spain, 1966 Roser Bru Gravura
Retrato de una desaparecida, 1993 Roser Bru Desenho, gravura
Retrato funerario, 1980 Roser Bru Acrílico sobre tela
Vallejo en la memoria, 1983 Roser Bru Acrílico sobre tela.
La delación, 2003 Roser Bru Acrílico sobre tela.
Cariatide, 1989 Roser Bru Acrílico sobre tela.
En la pre muerte, 1999 Roser Bru Acrílico sobre tela.
Memoria I, 1973 Roser Bru Acrílico sobre tela.
VOLUSPA JARPA Nascida em 1971 em Rancagua, Chile, vive e trabalha em Santiago, também no Chile. Trabalha com as questões voltadas para a história e suas representações na arte, tendo interesse particular na experiência individual em tensão com discursos públicos. Desde 1991, observa e procura os traços materiais entre fatos históricos e a cidade. Para este desenvolvimento, desenvolve uma série de pinturas, fotografias e técnicas gráficas, que trata de terrenos baldios localizados no centro de Santiago. Desde 1994, comecei a se relacionar, conceitualmente, a dois sistemas criados com a finalidade de narrativa antagônica, eles são: o relato histórico do discurso público como uma convenção de eventos traumáticos coletivos e o caso subjetivo da fala, através da “doença” que dá origem a psicanálise: histeria. A partir disso, sua pesquisa se concentra em criar uma sobreposição entre Histeria e História, suas linguagens, mecanismos e imagens que a permitem torná-las visíveis. Hoje, seu interesse está focado na noção de trauma, que entende como um evento que possibilita a invenção de uma linguagem - se torna a produção de choque difícil de assimilar os fatos, tanto no sentido individual quanto coletivo. Sua pesquisa em torno disso refere-se à busca de estratégias materiais e conceituais para perceber o evento traumático como uma anomalia na própria linguagem,
seja texto ou imagem. A construção dessas noções de história coletiva (discursos e documentos históricos, emblemas da cidade e patrióticos) e sua junção com a somatização subjetiva (imagem, cruz, rasuras) permite à artista encontrar e trabalhar em uma fronteira entre texto e imagem. Jarpa realizou várias obras a partir de arquivos sobre o Chile e outros países latinoamericanos revelados pelos Estados Unidos. Em todos os casos, analisa o que foi apagado e chama a atenção para a imagem resultante do documento que sofreu intervenção: uma imagem que expressa tanto a construção de visibilidades quanto a potência poética e política dos usos do arquivo, e que cria sombras no presente. Para Jarpa, é sintomático o fato de que, antes da liberação desses documentos ao acesso
público, em todos eles haja trechos que foram riscados. Isso pode ser interpretado como o comportamento histérico que, na psicanálise freudiana, designa a impossibilidade de lidar com o trauma. Para Sigmund Freud, o trauma é um relato arquivado e negado, e o sintoma, um arquivo cifrado. Aos riscos dos documentos originais, a artista soma a estrutura da instalação, que impede que o espectador tenha acesso aos documentos que estão diante dele, podendo apenas vislumbrar os que estão em segundo e terceiro planos. Dessa maneira, experimenta-se uma possibilidade como impossibilidade, o que remete a uma promessa de revelação que, na verdade, se concretiza como repressão.
Tensao de Superficie, 2012 Voluspa Jarpa Instalação incluindo impressões em mylar, fios de náilon e pesos de chumbo
Miradas Alteradas, 2020 Voluspa Jarpa Exposição
Zoo (Paris), 2019 Voluspa Jarpa Modelo de papelão impresso
Historias de Aprendizagem, 2014 Voluspa Jarba Instalação
Galeria de Retratos Subaltern (Human Zoos III), 2019 Voluspa Jarpa Óleo sobre tela
Monumental, 2018 Voluspa Jarpa Instalação
De las ruinas y letras II, 2019 Voluspa Jarpa Instalação de gesso e placas de resina de poliéster com impressoras de aço
COLÔMBIA
DORIS SALCEDO Nascida em Bogotá, em 1958, Doris Salcedo talvez seja a artista colombiana de maior reconhecimento internacional. Após concluir o bacharelado em Belas Artes na Universidade de Bogotá, em 1980, viajou para Nova York, onde concluiu seu mestrado na Universidade de Nova York. Em seguida, retornou a Bogotá e tornouse professora na Universidade Nacional da Colômbia. Em suas instalações são frequentes os objetos cotidianos, como móveis de madeira e peças de vestuário. A obra de Doris Salcedo parte da memória da violência política. Dá forma à dor, ao trauma e à perda, criando um espaço para o luto individual e coletivo. Esses temas poderiam relacionar-se à sua história pessoal, já que membros de sua família estavam entre os muitos desaparecidos no conflito colombiano, mas restringir a significação de seu trabalho às circunstâncias específicas de seu país seria mero reducionismo. Segundo a própria Doris Salcedo: “Centrei toda minha obra na violência política. No início de cada trabalho há um testemunho. Então todas as obras, todas as instalações que faço estão relacionadas a isso. Parto sempre de um testemunho
real e em cima disso vou construindo algo que já não é tão precisamente sobre essa vítima, mas que leva a uma memória que é algo um pouco mais amplo sobre esse tipo de eventos.” Doris Salcedo foi a oitava artista convidada a ocupar a Turbine Hall da Tate Modern, em Londres. Nela, apresentou a instalação “Shibboleth” (2007), uma rachadura de 167 metros de extensão no piso da galeria. Para Salcedo, essa rachadura’ representa fronteiras, a experiência dos imigrantes, da segregação, do ódio racial. É a experiência de uma pessoa do terceiro mundo, vindo para o coração da Europa”. Ela vive e trabalha em sua cidade natal, Bogotá. Salcedo aborda o esquecimento e a memória em suas instalações. Em obras
como “Unland: A túnica do órfão” (1997) ou a série “Casa viúva” (1990), Salcedo transforma itens corriqueiros, como cadeira e mesa, em memoriais para as vítimas da guerra civil na Colômbia. Durante uma conversa com Carlos Basualdo, Salcedo discute sua própria abordagem para a produção de arte: “A forma como uma obra de arte reúne os materiais é incrivelmente poderosa. A escultura é sua materialidade. Trabalho com materiais que já estão carregados de significado, denotações da prática da vida cotidiana… então, eu trabalho até o ponto em que aquilo se torna outra coisa, em que a metamorfose é alcançada”. Salcedo utiliza objetos do passado, imbuídos de um importante sentido da história e, por meio dessas esculturas da
memória contemporânea, ilustra o fluxo do tempo. Ela une o passado e o presente, promovendo uma reparação do que vê como incompleto. Salcedo utiliza o espaço da galeria ou de lugares públicos para criar arte e ambientes que são politicamente e historicamente carregados. A obra “6 e 7 de novembro” (2002) foi realizada 17 anos após a violenta tomada do Palácio de Justiça, em Bogotá, que ocorreu ao longo dos dias 6 e 7 de novembro de 1985. Ao longo de 53 horas (a duração do cerco original), cadeiras de madeira desciam em movimento lento, quase imperceptível, pela fachada do edifício. Foi a criação de “um ato de memória”. Salcedo expôs internacionalmente em mostras coletivas, incluindo Carnegie Internacional (1995), XXIV Bienal de São Paulo (1998), Bienal Liverpool de Arte Contemporânea (1999), XI Documenta de Kassel (2002), 8ª Bienal de Estambul (2003), ‘NeoHooDoo’, PS1 Centro de Arte Contemporânea, Nova York e Menil Collection, Houston (2008) e “The New Décor’, Hayward Gallery, Londres (2010). Exposições individuais incluem New Museum of Contemporary Art, de Nova York (1998), San Francisco Museum of Modern Art (1999 e 2005), Tate Britain, Londres (1999), Camden Arts Centre, em Londres (2001), Tate Modern, Londres (2007), Os anos 80: Uma Topologia (2007), Inhotim, Centro de Arte Contemporânea, Brumadinho, (2008).
Shibboleth, 2007 Doris Salcedo Exposição
Instalação feita para Bienal de Instambul, com 1550 cadeiras, 2003 Doris Salcedo
Sem Título, 1995 Doris Salcedo
Sem Título, 2002 Doris Salcedo
Neither, 2004 Doris Salcedo Instalação
Sem Título (Homenaje Jaime Garzón), 1999 Doris Salcedo
LUCY TEJADA Conhecida como “A Pintora da Ternura”, Lucy Tejada Sáenz nasceu em 9 de outubro de 1920, na cidade colombiana de Pereira. Ela era a segunda de cinco irmãos e toda a família sofreu as consequências da crise econômica com mudanças de local de residência e também de trabalho do pai. Em 1941, aos 21 anos, Lucy concluiu o ensino médio no Liceo Benalcázar e se tornou, junto com dois companheiros, a primeira a se formar no ensino médio no Vale do Cauca. A morte de sua mãe, porém, marcou a existência da jovem, que viajou a Bogotá para estudar Arte e Decoração na Universidade Javeriana após ter concluído um curso de artes plásticas com seu irmão um ano antes. A perseverança também é uma boa estratégia para descobrir talentos, e é o que Lucy Tejada fazia antes de se dedicar à arte de forma profissional. Ela sempre teve orgulho de poder viver da venda de seus quadros, mas antes disso recebeu noções de pintura de sua mãe, percebeu como seu irmão, o também pintor Hernando Tejada, trabalhava e visitava regularmente as exposições de Alejandro Obregón. , que um dia perguntou por que ela ia tanto às exposições dele e a incentivou a estudar Belas Artes .
A artista colombiana é referência em arte contemporânea na América do Sul , além de pioneira na adoção da arte como profissão na Colômbia, já que nunca recebeu bolsa ou auxílio do Estado. Seus trabalhos expressionistas com figuração poética contêm um mundo ideal, habitado por personagens que são em sua maioria mulheres e crianças.
“Minha arte sempre foi mais imaginativa. Pensei na composição e captei as cores que surgem de acordo com o meu estado de espírito ”, garantiu Tejada em entrevista. A artista faleceu em 2 de novembro de 2011.
Pasajeros, 1976 Lucy Tejada
Amistad, 1990 Lucy Tejada
Jardines prohibidos, 1978 Lucy Tejada
El sembrador, 1958 Lucy Tejada
Atados, 1977 Lucy Tejada
Mujeres Sin Hacer Nada, s.d Lucy Tejada
Sem Título 1989 Lucy Tejada
Colibries, 1977 Lucy Tejada
Las Veloces, s.d Lucy Tejada
Sueño del Árbol, s.d Lucy Tejada
CUBA
AMÉLIA PELÁEZ Amélia Peláez nasceu em 1896 em Yaguajay , na antiga província cubana de Las Villas (hoje Província de Sancti Spíritus). Ela foi a quinta nascida de onze irmãos em uma família que pertencia à classe média cubano-crioula. Seu pai era médico, Manuel Pelaez y Laredo, e sua mãe, Maria del Carmen del Casal y Lastra, ficava em casa com os filhos. O tio de Amelia era Julian del Casal , que era um poeta e incluía sua família nos círculos intelectuais de Cuba. Em 1917, sua família mudou-se para Havana , no distrito de La Víbora, o que lhe deu a oportunidade de ingressar na Escuela Nacional de Bellas Artes “San Alejandro” com a idade bastante avançada de 20 anos (os alunos desta academia geralmente começam aos 12 –13 anos de idade). Ela estava entre os alunos favoritos de Leopoldo Romañach . Em 1924 ela se formou em San Alejandro e expôs suas pinturas pela primeira vez, junto com outra pintora cubana, María Pepa Lamarque, na Associação de Pintores e Escultores de Havana. Recebendo um pequeno subsídio do governo, ela viajou para a cidade de Nova York no verão de 1924 e começou seis meses de estudos na Art Students ‘League. Em 1927, depois de
receber uma bolsa maior, ela começou a estudar na França, enquanto fazia breves visitas à Espanha , Itália e outros países. Sobrinha do poeta Julián del Casal, Amelia Peláez é uma das artistas cubanas mais respeitadas do século XX. Graduouse na Escola Nacional de San Alejandro, onde aprendeu o impressionismo acadêmico, mas continuou a modificar seu estilo ao longo de toda a vida. Peláez estudou em Paris, sob a influência da cubista russa Alexandra Exter, e depois experimentou pintura modernista e trabalhos com cerâmica e vidro. A pintora manteve-se firme à Revolução de 1959, permanecendo em Cuba até sua morte. Entre seus trabalhos mais famosos estão Gudinga (1931), uma ilustração para o poema A agonia de Petronius, de Julián del Casal, Las dos hermanas (1943) e Las muchachas (1943). Em 1934, após uma exibição no Salon des Independants , Pelaez voltou a morar na casa de estilo colonial de sua mãe em Cuba. O Cuba para onde Pelaez voltou estava em um estado de incerteza econômica e agitação política. A partir do final da década de 1920, Cuba buscou uma nova arte que refletisse a identidade nacional. Em resposta, Pelaez partiu de estratégias de vanguarda anteriores e se voltou para novas abordagens que envolviam representações de assuntos afro-cubanos e guajiro (camponeses), enquanto os representava na adoção do modernismo europeu. De acordo com Ingrid Williams Elliot, as cores vibrantes
de Pelaez, bem como as linhas grossas, são derivadas da arquitetura colonial espanhola “integrando objetos domésticos com decorações arquitetônicas”. Peláez usa “ornamentação barroca em seu uso de interiores coloniais domésticos para envolver e mesclar várias histórias e estilos variados - passado e presente - para chegar a um idioma cubano contemporâneo”. Em 1935, Pelaez fez uma exposição individual em um clube feminino de Havana chamado Lyceum, que ajudou a divulgar seu novo estilo cubano modernista. Nessa época, em meados dos anos 30, Peláez experimentava “padrões, formas e relações geométricas de toalhas de mesa e pratos de frutas, lançando as bases para as construções geométricas e padrões rítmicos que foram associados à sua ornamentação arquitetônica em seus trabalhos no anos quarenta ”, também mostra sua consciência do cubismo. Suas pinturas de naturezas mortas de assinatura foram elogiadas pelo uso de frutas e flora nativas fazendo referência a suas raízes cubanas. Em 1935-1936, Pelaez concentrou grande parte de suas pinturas e desenhos no uso de tinta e lápis. O tratamento desses desenhos difere de suas obras anteriores a óleo, por distorcer e exagerar a figura com “linhas sinuosas e sombras claras” que fazem referência ao cubismo e ao modernismo europeu. Peláez foi premiado na Exposição Nacional de Pintores e Escultores em 1938,
e colaborou em várias revistas de arte em Cuba, como Orígenes , Nadie Parecía e Espuela de Plata . Em 1950 abriu uma oficina em San Antonio de los Baños, uma pequena cidade perto de Havana, onde se dedicou, até 1962, ao seu passatempo preferido da olaria . Envia suas pinturas para a Bienal de Arte de São Paulo em 1951 e 1957 e participa da Bienal de Veneza de 1952 . Em 1958 foi convidada de honra e membro do júri da Primeira Bienal Interamericana de Pintura e Gravura na Cidade do México, embora ela tenha se retirado das discussões estridentes e controversas do júri com base no que ela relatou ser “um viés abertamente comunista nas decisões”. Além da pintura e cerâmica, ela se dedicava aos murais , localizados principalmente em diferentes escolas de Cuba. Suas obras mais importantes desse tipo são um mural de cerâmica no Tribunal de Cuentas em Havana (1953) e a fachada do hotel Habana Hilton (1957). Ela teve dificuldade em vender suas pinturas como uma artista viva - ela e suas pinturas, mais tarde chamadas de Amélias, alcançaram fama muito mais tarde na vida.Peláez morreu em Havana em 1968. Peláez morreu em Havana em 1968.
Marañones, 1939-1940 Amélia Peláez
Interior, 1958 Amélia Peláez Óleo sobre tela
Naturaleza Muerta, 1947 Amélia Peláez
Sem Título (Olimpia), 1955 Amélia Peláez
Peces, 1943 Amélia Peláez Óleo sobre tela
Dos Hermanas, 1946 Amélia Peláez Guache sobre papel
Marpacifico (Hibiscus), 1936 Amélia Peláez Óleo sobre tela
Bandeja con Frutas, 1941 Amélia Peláez Óleo sobre tela
BELKIS AYÓN Nascida em Havana em 23 de janeiro de 1967, foi uma gravurista, desenhista, curadora e professora, criando uma obra imprescindível quando se fala de artes visuais cubanas. Parte da criação da artista gira em torno da princesa Sikán, personagem de uma lenda Abakuá que narra a história da violação de um segredo por parte de uma mulher. Tema instigante na obra da artista, a Sociedade Abakuá teve origem no antigo Calabar africano, entre o grupo étnicolinguístico efik. Estruturada em base ao fundamento religioso de adoração aos espíritos e com caráter de ajuda mutua, é integrada somente por homens. Nas Américas, unicamente se tem reproduzido em Cuba, e aí tão só nos portos das cidades de Havana e Matanzas. Essa personagem e seu conhecimento do mundo Abakuá servem a Ayón como veículo para questionar a realidade. Vencedora de diversos prêmios e bolsas, ela participou de Bienais como a de Havana de 1991, a de Veneza de 1993, Maastricht 1993 e Kwangju 1997. E deu aulas na Academia San Alejandro em Havana e no Instituto Superior de Artes. Em artigo que escreveu para “La Jiribilla”, publicação digital cubana, Ayón esclareceu: “Ao abordar esta temática desconhecida e hermética para muitos,
ao não ser popular como outro dos componentes do acervo cultural cubano por tratar determinados aspectos que ainda não tem sido esclarecidos, pretendo ante tudo dar a conhecer minha visão a partir de seus entretecidos lembrados sagrados desbordantes de imaginação religiosa, apresentando-lhes de uma forma sintética o aspecto estético plástico e poético que tenho descoberto em Abakuá. De igual amplitude, outra simbologia constantemente retratada por Ayón é Tansé, o peixe que para os religiosos abakuá tem especial distinção mitológica. Em muitas de suas produções a sua imagem é retratada com um tratamento de especial relevância. Associando-o tanto ao sacrifício quanto ao nascimento, Ayón o coloca às vezes nas mãos de Sikán, às vezes o situando como observador da ordem humana. Ainda entre os aspectos notórios da obra da artista estão as representações de corpos brancos e negros compartilhando espaço ou de corpos com várias cores, encenação que é analisada como reflexo de seu antirracismo, e as figuras que carecem de rasgos faciais ou de boca, o que para a historiadora da arte Cristina Figueroa é uma alusão ao segredo abakuá. Seu curto ciclo vital não lhe impediu transcender profissional e socialmente. Até o momento de sua morte tinha participado em 19 exposições pessoais em Cuba e no estrangeiro. A artista faleceu em 11 de setembro de 1999 em Havana, Cuba.
Emilio Ichikawa Belkis Ayón
Sem Título, 1999 Belkis Ayón
A própria Belkis Ayón está representada em Sikán, 1991 Belkis Ayón
Mokongo, 1991 Belkis Ayón
¡¡¡Ekwé será mío!!! 1986 Belkis Ayón
Sálvanos Abasí, 1989 Belkis Ayón
A Família, Belkis Ayón
A Família, Belkis Ayón
Ressurreição, Belkis Ayón
A Ceia,, 1991 Belkis Ayón
Sem Título (Sikan with goat) Belkis Ayón
Pescando, 1989 Belkis Ayón
Sem Título (A Challenge), 1996 Belkis Ayón
Oh, Tanzé Belkis Ayón
Nazako Começou, Belkis Ayón
Treachery, Belkis Ayón
GUATEMALA
IRENE CARLOS Destacada artista guatemalteca, nascida na Cidade da Guatemala em 1955, com méritos artísticos em grande parte autodidata, ela é uma artista intuitiva com criatividade muito espontânea e um manuseio fantástico de cores, luzes e sombras. Sua arte impressiona os olhos e os sentidos de quem a observa, ao nos imergir em seu universo simbólico e quase metafísico, com formas e matizes que vêm de sua energia feminina. Um dos aspectos que mais chama a atenção de quem observa as suas obras, é a grande habilidade em utilizar as múltiplas técnicas que utiliza para exteriorizar a sua arte, desde o desenho, a pintura, à cerâmica e aos trabalhos com fibras têxteis, sem esquecer que também que realiza a arte da fotografia e, apesar do trabalho multifacetado de Irene Carlos, é possível distinguir claramente a sua própria mão e estilo, o que a torna e a define como uma artista consistente. Irene Carlos já fez mais de 20 exposições individuais e coletivas em sua carreira plástica, o que a torna uma artista com carreira reconhecida nacional e internacionalmente. O seu desenvolvimento artístico ao longo da vida a levou à Europa, América do Sul e América Central, conhecendo assim múltiplas culturas que influenciaram
a sua expressão artística e nós, como espectadores, podemos admirar o seu trabalho. Ela define arte como “Liberdade, puro estado criativo e livre, incondicional, um autêntico ato de expressão” Irene Carlos tem uma carreira ampla e reconhecida na área das artes visuais; Com mais de 20 exposições individuais, esta artista plástica tem dedicado a sua vida à fotografia, pintura, escultura e tecelagem. A sua vida deu-lhe a oportunidade de viajar pela Europa, Afeganistão, Bolívia e Brasil, culturas que influenciaram a sua obra e que se reflectem na sua obra, principalmente na pintura e na fotografia. A sua obra é intuitiva, responde espontaneamente à cor, à luz e contato com seres vivos. É inspirado pela experiência direta com seu entorno. Ele tem uma forte conexão com os símbolos, especialmente aquelas formas e formas derivadas da energia feminina e as usa como parte de sua linguagem criativa.
Percepción es Realidad Irene Carlos
Sem Título, Irene Carlos
Sem Título, 1995-1998 Irene Carlos
Sem Título, 1995-1998 Irene Carlos
Camiño Medio, 2020 Irene Carlos
Ofrenda, 2009 Irene Carlos
Sem Título, 2009 Irene Carlos
Ave Celestial, 2009 Irene Carlos
KARLA HIGUEROS Autodidata em pintura, a artista guatemalteca Karla Higueros, nascida em 1970, combina várias técnicas com sua habilidade natural em seu trabalho artístico, usando materiais diferentes, ela consegue texturas, movimentos e muito mais através da abstração. Participou de inúmeras exposições individuais e coletivas, tanto na Guatemala quanto na cidade de Nova York. Seu trabalho pertence a coleções particulares no México, República Dominicana, Brasil, EUA, Canadá, Alemanha e Guatemala. Sua apreciação natural da arte, seus estudos e sua experiência de trabalhar dez anos em publicidade combinada com viver e ter um estúdio em La Antigua Guatemala influenciaram sua inspiração e trabalho artístico. Segundo a artista, sua pintura “é de cor, expressão, força, sensualidade, luz, sentimentos, transformação, vida, sonhos, espiritualidade, cada uma refletida na tela com uma luz circundante própria e única.” Suas obras de arte são como janelas retangulares para paisagens densas e sobrenaturais, cheias de vento e cada uma com sua luz única e abrangente. Ela consegue essas imagens principalmente por meio da mistura de acrílico e areia.
Searching for One´s Soul Karla Higuelos Acrílica e areia sobre tela.
Sem Título, Karla Higuelos Acrílica e areia sobre tela.
Sem Título, Karla Higuelos Acrílica e areia sobre tela.
Sem Título, Karla Higuelos Acrílica e areia sobre tela.
Sem Título, Karla Higuelos Acrílica e areia sobre tela.
Feminina Virque, 2011 Karla Higuelos Acrílica e areia sobre tela.
Sem Título, Karla Higuelos Acrílica e areia sobre tela.
Mil Ventanas al Cambio Karla Higuelos Acrílica e areia sobre tela.
Abstracto 707, 2011 Karla Higuelos
Visões Enigmaticas, 2011 Karla Higuelos
RINA LAZO Rina Lazo Wasen, nascida na cidade de Guatemala (capital e maior cidade da República da Guatemala), em 23 de outubro de 1923 e faleceu na Cidade do México, em primeiro de novembro de 2019, foi uma pintora muralista guatemalteca. Ela iniciou sua jornada no mundo da arte como aprendiz do renomado artista mexicano Diego Rivera, com quem trabalhou entre os anos de 1947 a 1957, desenvolvendo projetos tanto no México como na Guatemala. Rina Lazo estudou no colégio alemão até o segundo grau. Quando criança viveu em Cobán, onde manteve contato com o povo maia. Lazo iniciou seus estudos de maneira profissional em arte na Escola Nacional de Artes Plásticas “Rafael Rodríguez Padilla” - Academia Nacional de Belas Artes – (hoje, Escola Nacional de Belas Artes), ainda nos anos de 1940. Já em 1945, Rina Lazo conseguiu uma bolsa de estudos ofertada pelo então presidente Juan José Arévalo para estudar no México na Escola Nacional de Pintura, Escultura e Gravura, “A Esmeralda”. No México, estudou ao lado de Carlos Orozco Romero, Jesús Guerrero Galván, Alfredo Zalce, Frederico Cantu e Manuel Rodríguez Lozano, mas acabou virando a pupila de Diego Rivera.
Foi na casa dos Rivera Kahlo que ela conheceu Frida Kahlo. Foi por meio de sua relação com os Rivera-Kahlo que Rina Lazo conheceu o seu marido, Arturo García Bustos. García Bustos era um dos alunos de Frida e recebia a alcunha de “Os Fridos (Los fridos)”. Se destacou pela pintura, impressão e gravura (que estudou com o artista coreano Wan Jon Ja em Pyongyang). Ele e Lazo casaramse em 1949, e permaneceram juntos por 60 anos, até que Bustos morreu. Eles viviam no bairro Coyoacán da Cidade do México em uma casa colonial chamada Casa Colorada. Rina Lazo também foi professora de artes em várias instituições, como a Escola de Restauro do Instituto Nacional de Belas Artes e a escola de Belas Artes em Oaxaca. Além de universidades, também ofertou cursos na Casa do Lago, em Chapultepec, deu seminários e workshops no Museu Nacional de Antropologia na Cidade do México, A casa da Cultura de Oaxaca, assim como em cidades como Guatemala, Leipzig e Pyong Yang. É impossível dissociar o início da carreira de Rina lazo à do artista mexicano Diego Rivera. Rivera, que tinha origem judaica (e que foi casado com a artista Frida Kahlo), foi um dos maiores pintores mexicanos. Sua grande contribuição para a arte são os murais. Segundo ele, a pintura tradicional de quadros feita em cavaletes estava extremamente relacionada à burguesia, pois em grande parte dos casos, aquelas pinturas acabavam fazendo
parte de coleções particulares, sem que a população pudesse ter acesso a elas. Por isso, apenas os murais poderiam reconectar o povo mexicano às suas origens pré-colombianas (ao período anterior à ocupação espanhola). Essas considerações tiveram bastante influência nos trabalhos de Rina Lazo, que teve sua reputação também ligada aos murais e a causas sociais. A embaixada mexicana na Guatemala prestou-lhe homenagem com uma exposição de painéis do mural de Bonampak, no Centro Cultural Luis Cardoza y Aragón em 2010. Em 2011, ela e seu marido foram convidados para ir aos EUA para falar de sua trajetória com Diego Rivera. A partir de 1964, foi também membro do Salão da Plástica Mexicana. Rina Lazo faleceu em 2019, de parada cardíaca, aos 96 anos de idade, no México, onde viveu desde a sua juventude.
Venceremos, 1954 Rina Lazo Óleo sobre tela.
Detalle de la reproducción de los murales de Bonampak, Rina Lazo Mural
Mural Terra Fertil Rina Lazo
Los Hijos de Santiago Tol, 1953 Rina Lazo Óleo sobre tela
Paisaje orientalista, s.d Rina Lazo Aquarela
Príncipe ataviándose, s.d Rina Lazo Aquarela
MÉXICO
FRIDA KAHLO Frida Kahlo, nome artístico de Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón, nasceu na vila de Coyoacán, no México, no dia 6 de julho de 1907. Filha de pai alemão e mãe espanhola desde pequena teve uma saúde debilitada. Com seis anos contraiu poliomielite que lhe deixou uma sequela no pé. Com 18 anos, sofreu um grave acidente de ônibus que a deixou um longo período no hospital. Apesar de deprimida e incapacitada de andar, Frida passou a pintar sua imagem, com um espelho pendurado na sua frente e um cavalete adaptado para que pudesse pintar deitada. Dizia: “Para que preciso de pés quando tenho asas para voar”. Sua primeira pintura foi “Autorretrato em um Vestido de Veludo”, dedicado a Alejandro Gómez Arias, seu ex-noivo. Recuperada, Frida passa a estudar desenho e modelagem na Escola Nacional Preparatória do Distrito Federal do México. Em 1928, filiou-se ao Partido Comunista Mexicano, onde conheceu Diego Rivera, um importante pintor do “Muralismo Mexicano”. Em 1929, com 22 anos, Frida Kahlo casou-se com Diego Rivera e vão morar na “Casa Azul”, onde Frida nasceu. Em 1930, Frida engravida, mas sofre um aborto espontâneo. Nesse mesmo ano, foi
com o marido para os Estados Unidos, onde ele realizava exposições. Moraram nas cidades de Detroit, São Francisco e Nova Iorque. Nesse período, sofre um segundo aborto. Dedica à pintura, realiza um grande número de autorretratos – de inspiração surrealista, apesar de negar dizendo: “Nunca pintei sonhos e sim minha própria realidade”. Ficou nos Estados Unidos até 1934. Em 1934, o casal retorna ao México. Frida sofre mais um aborto. Nessa época, teve seus dedos do pé direito amputados. Em 1935, Frida e Rivera se separaram. Rivera se relaciona com a irmã de Frida, Cristina. Logo depois, Frida e Rivera voltam a viver juntos. Em 1936, Frida passa por nova cirurgia no pé e sofre com fortes dores na coluna. Mesmo debilitada, continua pintando. Em 1937, Frida conhece Leon Trotski, que se refugiou em sua casa em Coyoacán, no México, junto com sua esposa Natália Sedova. Em 1939, Frida e Rivera se separam definitivamente e, Frida declarou: “Diego, houve dois grandes acidentes na minha vida: o ônibus e você. Você sem dúvida foi o pior deles”. Em 1939, já separada do marido, Frida expôs em Nova Iorque e em Paris. Nessa época, entra em contato com Pablo Picasso e Wassily Kandinsky. O Museu do Louvre adquire um de seus autorretratos. Apesar de passar por diversas cirurgias e usar um colete de gesso em consequência do acidente, Frida não parava de pintar. Sua obra recebia influência da arte
indígena mexicana. Pintava paisagens mortas e cenas imaginárias. Usava cores fortes e vivas, explorando principalmente os autorretratos. Frida Kahlo era também aficionada por fotografia, hábito que herdou de seu pai e do seu avô materno, ambos fotógrafos profissionais. Frida Kahlo lecionou artes na Escola Nacional de Pintura e Escultura, recémfundada na cidade do México. Foi uma defensora dos direitos das mulheres, tornando-se um símbolo do feminismo. Em agosto de 1953, Frida teve uma perna amputada na altura do joelho devido a uma gangrena. Deprimida, viveu os últimos anos de sua vida na Casa Azul, no México, que em 1958, passou a abrigar um museu em homenagem à pintora. Frida Kahlo faleceu em Coyoacán, no México, no dia 13 de julho de 1954
As duas Fridas, 1939 Frida Kahlo
A Coluna Partida, 1944 Frida Kahlo
Autorretrado em vestido de veludo, 1926 Frida Kahlo
O Veado Ferido, 1946 Frida Kahlo
“El abrazo de amor de El Universo, la tierra (México), Yo, Diego y el señor Xólotl”, 1949 Frida Kahlo
REMEDIOS VARO Remedios Varo, cujo nome completo era María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga - nasceu em 16 de dezembro de 1908 em Angles, Girona, Espanha. De família abastada, seu primeiro contato com a arte foi graças ao pai, engenheiro hidráulico, que lhe ensinou desenho técnico desde pequena. A profissão de seu pai levou a família a viajar extensivamente por toda a Espanha e norte de Marrocos, mas a família finalmente se estabeleceu em Madrid em 1917. Impulsionado por seu interesse e habilidade nas artes, Varo ingressou na Royal Academy of Fine Arts de San Fernando, onde ingressou formouse em 1930 com uma licenciatura que lhe permitiu dar aulas de desenho. Na década de 1930, Varo instalou-se em Barcelona, onde passou a interagir com a cena surrealista e integrou um grupo de artistas de vanguarda que se autodenominavam “ logicofobistas “, que perseguiam a síntese do espiritualismo e do surrealismo. Em maio de 1936 participou da mostra Logicofobista, que pretendia dar visibilidade ao surrealismo espanhol. “Este movimento teve como objetivo reunir arte e metafísica de uma
forma que desafiasse a lógica e a razão”, diz a jornalista Kate Hodges . Remedios Varo participou com três trabalhos. Nesse mesmo ano conheceu o poeta Benjamin Péret, com quem fugiu para Paris antes do início da Guerra Civil Espanhola. Ambos se casaram um ano depois, e Varo mergulhou no cenário surreal da capital francesa, onde entrou no círculo exclusivo do pioneiro surrealista André Bretón . Remedios Varo participou de várias exposições dos surrealistas, como a Exposition Internationale du Surréalisme , em 1938, e Le Revé dans l’Art , em 1939, embora sempre tenha marcado um certo distanciamento do próprio movimento. Depois de alguns anos na capital francesa, Varo teve que fugir novamente após a eclosão da Segunda Guerra Mundial. Desta vez, a pintora instalou-se no México, onde passaria o resto da vida. A mudança foi muito difícil para a artista: ao chegar ela parou de pintar e visitou poucas pessoas, sendo a pintora Leonora Carrington uma de suas poucas amigas. Em um novo país, Remedios Varo usou seu talento artístico para ganhar a vida, o que a levou a se aventurar na ilustração publicitária - dando origem a uma de suas peças mais famosas, Insônia , parte de uma campanha da Bayer -, design de interiores e restauração de cerâmicas précolombianas. No entanto, foram esses trabalhos que a levaram a desenvolver seu estilo próprio.No final da década de 1940, Varo separou-se de Péret. O auge da carreira de Varo ocorreu na
década de 1950. Em 1953, ela se casou com Walter Gruen , que Varo conhecia praticamente desde sua chegada ao México. “Muitas pessoas acreditam que eu fui um patrocinador e que Remedios foi meu artista escolhido [...] Eu tinha um emprego mal pago, mas era o suficiente para sobreviver”, disse Gruen em 1994. No entanto, ele tem o crédito de persuadir Varo a deixar a arte comercial , bem como ter proporcionado as condições para que a artista se pudesse dedicar integralmente à pintura. Sua primeira exposição individual, realizada em 1956 na Galeria Diana da Cidade do México, foi muito bem recebida. Esta época marcou o período mais prolífico de sua carreira. Na última década de sua vida, a obra de Remedios Varo passou a ser cobiçada por colecionadores. “Mas, na verdade, o dinheiro não a impressionou, porque tinha valor limitado para ela”, lembra o marido. “Da primeira à última pintura no México, Remedios manteve o mesmo nível de qualidade e perfeição. Ela não se importava se eu trabalhasse em uma pintura por um mês ou mais.” Remedios Varo morreu de ataque cardíaco em 1963, aos 54 anos.
Creación de las aves, 1957 Remedios Varoo
Bordando el manto terrestre, 1961 Remedios Varoo Nacer de nuevo, 1960 Remedios Varoo
“Les Feuilles Mortes”, 1956 Remedios Varo
Ruptura, 1955 Remedios Varo
Mujer saliendo del psicoanalista, 1960 Remedios Varo
La Llamada, 1961 Remedios Varo
NICARÁGUA
MARINA ORTEGA Marina Ortega nasceu em Solentiname - Rio San Juan, Nicarágua, em 1950. Ela é a principal pintora de paisagem naturalista da Nicarágua. Ela é autodidata e alcançou fama por suas pinturas intrincadas e detalhadas da floresta tropical e da fauna na ilha de Solentiname. Já expôs na Europa, América Latina, Japão e Rússia. Destacada como pintora da ilha de Solentiname, Granada, seu primitivismo se detalha na figuração e manejo da paisagem e de suas árvores. Sua arte foi publicada em muitas revistas e livros, e tem sido reconhecida. “Ver suas obras ingênuas e detalhadas, com seus animais e pássaros e cores das ilhas, refresca minha visão; ela é uma das iniciadoras do primitivismo em Solentiname ”, comenta Julie Aguirre.
“BANANALES”, 1991 Marina Ortega
Sem Titulo 1991 Marina Ortega
Bellezas de Nicaragua 1999 Marina Ortega
YELBA UBAU Yelba Ubau nasceu em Los Guatusos, zona indígena anteriormente denominada El Papaturro na Nicarágua. Trabalhou como professora rural em uma escola pluvial em El Papaturro, tendo desenvolvido seu gosto por artes visuais a partir do contato com pintores de Solentiname. Em 1977, ela pintou sua primeira pintura: La escolita, El papaturro con fiesta de toros. Posteriormente, outras seis pinturas foram exibidas na Sala Rodrigo Peñalba, na sede da OEA, em Manágua e na Sala de Artes Plásticas do Ministério da Cultura, publicada em um catálogo de arte. Então sua expressão plástica resgatou os costumes das ilhas e seu ambiente, sua religiosidade e sua paisagem de flora e fauna selvagens, não realistas da vida cotidiana, simples e idealizados do mundo, adoradores da natureza perdida, concebidos como idílicos desde a infância. Participou de várias exposições coletivas, como as competições nacionais de pintura, nas quais recebeu uma menção honrosa em 1984 pelo ASTC e um prêmio especial Armando Morales, no VIII Concurso Nacional de Artes Plásticas, em 1988.
Atardecer en el bosque 1989 Yelba Ubau
Laguna 1975 Yelba Ubau
PERU
TEREZA BURGA María Teresa Burga Ruiz foi uma artista multimídia cujas obras de arte conceitual durante o final dos anos 1960 e 1970 a posicionaram como uma precursora da arte midiática, arte baseada em tecnologia e arte de instalação. Burga nasceu em Iquitos, Peru, em 1935. Estudou pintura na Pontifícia Universidade Católica do Peru em Lima, onde se formou em 1965. Após a formatura, ingressou no grupo Arte Nuevo (1966-8) com Arias Vera, Gloria Gómez-Sánchez e Jaime Dávila. Foi um catalisador que acelerou a redefinição das práticas artísticas no Peru no final dos anos 1960. Como Fulbright Fellow , ela frequentou a School of the Art Institute of Chicago entre 1968 e 1970. Ela recebeu um diploma de MFA em 1970. Na década de 1960, Burga fazia parte do grupo Arte Nuevo (1966–1968), junto com Luis Arias Vera , Gloria Gómez-Sánchez , Jaime Dávila, Víctor Delfín, Emilio Hernández Saavedra, José Tang, Armando Varela e Luis Zevallos Hetzel . O grupo é amplamente creditado com a introdução das novas tendências de vanguarda no contexto peruano, como a Pop art , Op art e acontecimentos. Nessa época, expôs no Peru e na Argentina, incluindo
duas mostras individuais de sua série de gravuras Lima imaginada em Lima, na galeria Cultura y Libertad em 1965, e em Buenos Aires, na galeria Siglo XXI em 1966. Quando Burga retornou ao Peru após seus estudos em Chicago, o país estava sob o governo militar do general Juan Velasco Alvarado . Sob as políticas populistas do regime, as propostas experimentais de Burga foram consideradas como não possuindo “caráter peruano” suficiente e as possibilidades de exibição do artista - severamente limitadas. Mesmo assim, ela realizou duas ambiciosas instalações multimídia de grande escala na galeria do Instituto Cultural Peruano Norteamericano em Lima: Autorretrato. Estructura-Informe 9.6.72 em 1972, e Cuatro mensajes, em 1974. Burga morreu em 11 de fevereiro de 2021, em Lima. Sua morte foi anunciada pelo Ministro da Cultura do Peru.
De la serie Máquinas Inútiles (Florero), 1974/2019, detalle Teresa Burga
Mano mal dibujada Teresa Burga
de la serie Máquinas Inútiles (Lámpara) Teresa Burga Insomnia (10), Dibujo de pared Teresa Burga
Sin título (Acqua Alta VI), 2019 Teresa Burga
Sin título (Narizones), 2019 Teresa Burga
Insomnia Drawing (8), 1981 Teresa Burga
TILSA TSUCHIYA Maria Tilsa Tsuchiya Castillho, ou Tilsa Tsuchiya, foi uma pintora peruana nascida no ano de 1932 e falecida em 1984. Filha de pai japonês e mãe chino-peruana, Tsuchiya começou a desenhar e pintar na infância, tendo aprendido com Wilfredo, um de seus sete irmãos. Desde bem cedo, o que a motivava a pintar era a vontade de retratar o belo, como descreveu mais tarde. Em 1954 começa a frequentar a Escuela Nacional de Belas Artes de Lima onde teve influências do expressionismo abstrato, realismo social e do indigenismo, movimento que procurava valorizar a cultura e história dos povos originais latino americanos. Durante a década de 50 seu trabalho se concentrou mais nas naturezas-mortas, porém na década seguinte, após uma viagem a Paris onde entrou em contato com o movimento surrealista, suas pinturas se concentraram mais em mitos e lendas andinos e começaram a ter um caráter mais surrealista. A pintora se utilizava de técnicas orientais de desenho junto às referencias quéchua, unindo suas duas matrizes de ancestralidade. O resultado dessa mistura são paisagens e personagens muito
particulares e com diversas nuances, que apresentam um pouco do universo interior dessa artista. O trabalho com as cores é bastante minucioso e contribui para a criação de uma atmosfera mais etérea.
Mujer y mono (1979) Tilsa Tsuchiya
Sin título, 1971 Tilsa Tsuchiya
Pelícano, 1972 Tilsa Tsuchiya
Bodegón, Tilsa Tsuchiya
Noe delirante Tilsa Tsuchiya
Cementerio (1957) Tilsa Tsuchiya
Paraíso (1971) Tilsa Tsuchiya
Mito del guerrero rojo (1976) Tilsa Tsuchiya
Mito de la mujer y el viento. Tilsa Tsuchiya
URUGUAI
HILDA LÓPEZ Hilda López foi uma artista uruguaia que se destacou por suas pinturas e seu compromisso com a cultura e a expressão artística de seu país. Nasceu em Montevidéu em 1922 e nesse mesmo ano sua família se instalou em Mataojo, Departamento de Lavalleja , para cuidar dos negócios de seu pai naquela cidade. Em 1941 ingressou na Escola de Artes Plásticas da Universidad del Trabajo de Montevidéu, onde recebeu aulas de pintura com Manuel Rosé e gravura com Guillermo Rodríguez . Em 1952 ingressou na oficina de Vicente Martín e em 1958 começou a trabalhar com Lino Dinetto, consolidando a sua formação artística. Em 1946 ela se casou com Alberto Angenscheidt, com quem teve dois filhos, Eduardo e Virginia. Em 1960 realizou sua primeira exposição individual na Galeria Zaffaroni. A partir daí participou de inúmeras exposições e recebeu prêmios oficiais por suas obras, que passaram a fazer parte do acervo público do país. Hilda López, centro, rodeada por Ricardo Casas, Katusha Sánchez, Linda Kohen e Eva Olivetti . Galeria Cinemateca, 1993.
Autorretrato (1977) Hilda López
A presença em Montevidéu do escultor espanhol Jorge Oteiza teve grande influência
em sua obra. Suas teorias sobre a estética do vazio e o informalismo de Romero Brest, levaram Hilda a alcançar um universo plástico próprio. Sua série “Ruas e enseadas de Montevidéu”, exibida em Washington em 1961, recebeu ótimas críticas de Frank Getlein no The Sunday Star .
Calle nº9 (1960) Hilda López
Em 1964 viajou para Portugal acompanhando uma exposição de artistas uruguaios, onde permaneceu por algum tempo e teve uma relação tempestuosa com o pintor português Henriques Tavares. Quando o relacionamento acabou, ele voltou para Montevidéu.
Em 1965 ingressou na consignação uruguaia na Bienal de São Paulo . A sua actividade social e política foi intensa, participou na ocupação do Metro Municipal em protesto contra a nomeação de representantes da Câmara Municipal de Artes Visuais e em 1972 interveio na reconstrução do Troço 20 do Partido Comunista no bairro Paso Molino . Em 1973, quando os cursos oficiais de formação artística foram encerrados pelo governo de facto , passou a lecionar. Suas oficinas, assim como as de Guillermo Fernández , Nelson Ramos e Hugo Longa , resistiram em tempos difíceis e foram decisivas na formação da próxima geração de artistas uruguaios, conseguindo a continuidade do processo artístico nacional durante o período ditatorial . Em 1986 fez um mural em pedra e cimento em homenagem às vítimas da ditadura na Sede Central do Partido Comunista do Uruguai. López faleceu em 02 de junho de 1996, aos 73 anos, em Montevidéu, Uruguai.
Sem Título, s.d Hilda López Carvão sobre papel.
Sem T[itulo, 1967 Hilda López Têmpera
Sem T[itulo, Hilda López Tinta sobre papel
Gesto Hilda López Nanquim sobre cartolina
Gesto gráfico Hilda López Nanquim sobre cartolina
LEONILDA GONZÁLEZ Leonilda González, nascida em 2 de fevereiro de 1923, na cidade de Minuano, Departamento de Colônia no Uruguai, foi uma famosa pintora e gravadora, fundadora do Clube de Gravura de Montevidéu. Sua obra está representada no Museu Juan Manuel Blanes e no Museu Nacional de Artes Visuais , bem como em coleções particulares no Uruguai e em outros países. Em 2006 foi reconhecida com o Prêmio Figari por sua carreira. Em 1943, Leonilda González ingressou no Instituto Nacional de Belas Artes, onde estudou com Miguel Ángel Pareja, Ricardo Aguerre e José María Pagani. Em 1949 foi enviada à Europa em missão oficial para continuar a sua formação em Paris, com André Lhote e Fernand Léger. Foi casada com Carlos Fossatti , também gravador e sócio do Clube de Gravura, durante seis anos. González também participou frequentemente dos salões do Clube de Gravura de Montevidéu e das exposições coletivas do Sindicato dos Artistas Plásticos Contemporâneos. Ela expôs seu trabalho individualmente tanto nacional quanto internacionalmente, em Buenos Aires , Havana , Panamá , Porto Rico ,
Brasil e em outros lugares. Ela contatou artistas gráficos de países socialistas e foi delegada no Simpósio de Artes Gráficas da Intergrafik em Berlim em 1967. Durante sua carreira recebeu diversos reconhecimentos e distinções, entre eles: Prêmio Aquisição do Município de Montevidéu em 1957 e 1967, Prêmio “El Mundo” do primeiro concurso de xilogravura latino-americana na Galeria de Plásticos de Buenos Aires, Primeiro Prêmio de Xilogravura concedido pela Casa de las Américas em Havana, Prêmio El Galpón (teatro) pela xilogravura Novias revolucionarias, III , entre outros. Em 2006 ela recebeu o Prêmio Figari como um reconhecimento integral de sua carreira, expondo na Sala Figari na Ciudad Vieja e editando um catálogo da exposição. González destacou-se no desenho, pintura e xilogravura, técnica na qual realizou inúmeros cursos e workshops, embora por problemas de visão tenha se dedicado posteriormente à técnica do pastel, mas sem deixar de ensinar a técnica da xilogravura em sua oficina particular em Montevidéu. A sua obra é sobretudo figurativa, muitas vezes costumbrista , desenvolvendo vários temas em forma de série, como as “Novias revolucionarias”. Isso começou em 1968 como um manifesto de protesto irônico contra o casamento concebido como uma perda de liberdade e, na era da ditadura, tornou-se um símbolo de protesto em nome dos entes queridos de prisioneiros, exilados e desaparecidos.
Suas xilogravuras estão compiladas no livro Títeres, e no livro Esta soy yo, de 1994, ela publicou sua autobiografia. Mais tarde, em 2011, publicou um segundo livro autobiográfico, “La carpeta negra”, onde recontou a sua vida durante o exílio. Leonilda González morreu em Montevidéu em 4 de janeiro de 2017 aos 93 anos.
Novias revolucionarias I Leonilda González
Novias revolucionarias III Leonilda González
Novias revolucionarias IV Leonilda González
Novias revolucionarias XI Leonilda González
Niños y caballo Leonilda González
Niños y caballo II Leonilda González
Del miedo al orgullo. Leonilda González
Retrato de la artista Leonilda González
VENEZUELA
LUISA RITCHER Louise Kaelble, mais conhecida como Luisa Richter foi ilustradora, retratista, ilustradora, escritora, artista de colagem e proeminente pintora venezuelana nascida em Besigheim, na Alemanha. Aluna dos mestres Hans Fähnle, Rudolf Müller, Fritz Dähn e Willi Baumeister, chegou à Venezuela em 1955 com o marido, o engenheiro Joachim Richter, e realizou sua primeira exposição individual no Museu de Belas Artes em Em 1959, nesta ocasião, a artista foi elogiada pelas características de suas tendências artísticas do pós-guerra. A pintura dos primeiros anos em Caracas está associada ao informalismo. Nessa época pintou suas ‘ Cortes de Tierra, inspirado nas imagens dos cortes que encontrou nas montanhas durante sua primeira subida a Caracas de La Guaira, como resultado da construção da rodovia que liga as duas cidades. Em 1960 começa seus desenhos expressionistas ‘Cruzes e conexões’, e em 1963 retorna temporariamente. Em 1966 participou da exposição The Emergent Decade: Latin American Painters and Painting na década de 1960, na qual o Museu Guggenheim de Nova York apresentou o trabalho de numerosos
artistas de oito países latino-americanos, sendo uma das mais reveladoras amostras da arte latino-americana. no mundo. década 4 . Em 1967 seu trabalho foi reconhecido na Venezuela com o Prêmio Nacional de Desenho e Gravura e em 1981 com o Prêmio Nacional de Artes Plásticas. Em 1978 representou a Venezuela na XXXVIII Bienal de Veneza com uma exposição
que incluiu doze pinturas a óleo e trinta colagens. A sua atividade docente decorreu entre 1969 e 1987, quando era professora de Desenho Analítico e Composição no Neumann Institute of Design 3. Seus alunos na época incluíam artistas venezuelanos de destaque como Pancho Quilici, Patricia Van Dalen, Jorge Pizzani e Felipe Márquez.
Mergulhar na obra de Luisa Richter é mergulhar nas próprias reflexões, obras que a artista repetidamente examinou e interveio. Suas obras faziam parte dela mesma, uma parte muito pessoal de seus próprios desenhos e afetos, formando toda uma intimidade entre a artista e a obra. Seu trabalho foi exposto extensivamente na América e na Europa, e seu trabalho participou de leilões de arte latinoamericanos na Sothebys, Nova York. Luisa Richter faleceu em Caracas, no dia 29 de outubro de 2015, aos 87 anos.
Desejos Compartilhados, 2005 Luisa Ritcher
Utopía e Imagen | 1987 Luisa Ritcher
MARISOL ESCOBAR Maria Sol Escobar , conhecida como Marisol Escobar, nasceu em 22 de maio de 1930, em Paris, de pais venezuelanos. Estudou na Ecole de Beaux Arts, Paris. Continuou sua formação na The Art Student League of New York e New School for Social Research. Durante seus dez anos iniciais estudo pintura e desenho, Sob a influência de Hans Hofmann aprofundou-se em aquarela. Mais adiante, sofreu influência da arte mexicana pré colombiana, o que a levou para a escultura. Ligou-se ao grupo da Pop Arte e foi a única mulher nesse movimento. Recebeu o prêmio Gabriela Mistral por sua contribuição para a arte latino americana e foi eleita membro da American Academy of Arts and Letters. Obteve grande sucesso comercial e teve reconhecimento com obras nos grandes museus americanos. Viveu e trabalhou em Nova York até sua morte em 30 de abril de 2016. Pintura, desenho, gravura, escultura e assemblages são os meios utilizados em seus trabalhos.
The Death of Head and Leg 1969 Marisol Escobar
Pnom Penh, Two 1970 Marisol Escobar
Self-Portrait 1973 Marisol Escobar
Budding, 1980 Marisol Escobar
Blackbird Love, 1980 Marisol Escobar
Five Hands and One Finger 1971 Marisol Escobar