Fall 2009 - Winter 2010 Illustrated Books by HBG International

Simon’s Cat by Simon Tofield

JUST Added!

The feline Internet phenomenon makes his way onto the page in this first-ever book based on the popular animated series. Based on Simon Tofield’s animations that have taken YouTube by storm, SIMON’S CAT depicts and exaggerates the hilarious relationship between a man and his cat. The daily escapades of this adorable pet, which always involve demanding more food, and his exasperated but doting owner, come to life through simple black-and-white line drawings. With a huge fan following that is growing even larger by the day, SIMON’S CAT is set to become a major new comic creation.

• Simon Tofield’s three short Simon’s Cat animations have received 21.9 million hits on YouTube in less than a year! • As seen by the success of the # 1 New York Times bestseller Dewey (GCP 2008), books about cats and their relationships with their owners are hugely popular with readers. • SIMON’S CAT will appeal to fans of I Can Has Cheezburger?, a feline-focused Web site that became a New York Times bestselling book (Gotham, 2008). • Simon’s Cat has won a number of awards, including YouTube’s Blockbuster Award and Best Comedy at the British Animation Awards.

SEPTEMBER 2009 TRADE PAPERBACK 978-0-446-56066-1 • $12.99 / NCR 240 pages • 8 1/2 x 6 • 200 b/w images and cartoon strips • Humor/Pets • Rights: U.S., Philippines, Nonexclusive Open Market

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Artists included in Surrealist Paintersby Sarane Alexandrian Jean Arp Enrico Baj Balthus Maurice Baskine Hans Bellmer Jean Benoît Victor Brauner André Breton Alexander Calder Jorge Camacho Leonora Carrington Giorgio de Chirico Joseph Cornell Artur do Cruzeiro Seixas Salvador Dali Frédéric Delanglade Paul Delvaux Robert Desnos Oscar Dominguez Enrico Donati Marcel Duchamp Aube Elleouët Paul Eluard Max Ernst Leonor Fini Wilhelm Freddie Alberto Giacometti Arshile Gorky George Grosz Stanley H. Hayter Jindrich Heisler Maurice Henry Jacques Hérold Georges Hugnet Valentine Hugo Marcel Jean Edgar Jené Frida Kahlo Konrad Klapheck Paul Klee Félix Labisse Yves Laloy Wifredo Lam Jacqueline Lamba Jacques Le Maréchal Stanislao Lepri

Popovich Ljuba Gherasim Luca Dora Maar René Magritte Man Ray Georges Malkine André Masson Roberto Matta Mayo E.L.T. Mesens Joan Miro Pierre Molinier Richard Oelze Meret Oppenheim Wolfgang Paalen Mimi Parent Roland Penrose Jules Perahim Francis Picabia Pablo Picasso Remedios Georges Ribemont-Dessaignes Hans Richter Pierre Roy Endre Rozsda Kay Sage Alberto Savinio Kurt Seligmann Jean-Claude Silbermann Joseph Sima Jindrich Styrsky Walter Svanberg Rufino Tamayo Yves Tanguy Dorothea Tanning Hervé Télémaque Toyen Clovis Trouille Raoul Ubac Gérard Vulliamy Franz Wols Unica Zürn

Sarane Alexandrian

Peintres

LES PEINTRES

SURRÉALISTES

Maurice BASKINE Né en 1901 à Kharkov Russie), mort en 1968 à Paris.

Successivement employé de banque, comptable,

représentant de commerce, il découvrit l’alchimie en 1937 dans la Lettre du Cosmopolite d’Alexandre Séthon, et commença à chercher la pierre philosophale dans la villa de Fontenay-sous-Bois qu’il habitait avec sa femme. En s’inspirant du symbolisme des alchimistes, il fabriqua aussi des images peintes et des objets en plâtre coloré de façon à imiter la matière du Grand Œuvre. En 1945, il exposa à la galerie Katia Granoff Le Temple du Mas, qui attira l’attention de Jean Dubuffet. Lors de l’Exposition Internationale du Surréalisme de 1947, il présenta chez Maeght Le Mas goth, figurant à la fois une double tête de Janus et une mandragore. André Breton lui demanda d’illustrer de trois eaux-fortes l’édition de luxe d’Arcane 17 (édition de 1947). Maurice Baskine inventa la « fantasophie », système de pensée comparable à une philosophie de la fantaisie (ou du fantasme). Se qualifiant de « dernier des Alchimistes, premier Fantasophe », Maurice Baskine était effarouché par le public : il demeura sans voix au début d’une conférence contre les prophéties de Nostradamus que ses amis surréalistes lui avaient demandé de faire à l’Hôtel Lutétia. Sa femme s’étant séparée de lui, il s’installa en 1951 dans la mansarde d’un immeuble du boulevard Edgar Quinet. Simone Collinet le soutint en lui organisant deux expositions à la galerie Furstenberg (en 1952 et en 1957), et une présentation d’un seul jour (le 6 octobre 1954) de son retable La Mère folle (Paris, Musée d’Art moderne). En 1964, Baskine exposa son triptyque Fantasophopolis (2 x 5m) à la rétrospective du Surréalisme de la galerie Charpentier, et en 1968, Le Conquérant de l’espace au Salon de Mai. Il a peint en technique mixte des séries : Androgynes, Les Travaux, Personnages aux sceaux, Ogives, Prophètes. Son principal collectionneur, Jean Saucet, montra en 1990 tout ce qu’il possédait de lui au Grenier du Chapitre de Cahors. Depuis lors, la plupart des œuvres de Mau-

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rice Basquine – y compris son album d’encres Bacchanales, ses suites Les Treize Heures de ma Mère l’Oye (36 planches), Cris de lumière captés dans l’Un-fini (33 planches) – sont conservées par le musée d’Art moderne de Cordes-sur-Ciel, dans le Tarn. Cette petite cité médiévale du temps des Cathares possède une Maison des Surréalistes où l’on peut se renseigner sur la fantasophie et voir le film Maurice Baskine de Jean Desvilles, commenté par Paul Sanda.

Hans BELLMER Né en 1902 à Katowice, Silésie, mort en 1975 à Paris.

Pour obéir à la volonté de son père qui était ingé-

nieur et voulait lui imposer ce métier, Bellmer dut travailler dans une mine de charbon, puis dans une aciérie, avant de s’inscrire en 1923 à la Technische Hochschule de Berlin. Il ne tarda pas à abandonner ses études, afin de se livrer tout entier à sa passion du dessin. Il s’initia à cet art auprès de George Grosz, et travailla comme typographe aux éditions Malik, réalisant aussi des illustrations et des couvertures de livres. En 1927, devenu dessinateur en publicité industrielle, il se maria et ouvrit une agence à Berlin-Karlshorst. Diverses circonstances – la découverte d’une caisse contenant ses jouets d’enfant, une représentation des Contes d’Hoffmann mis en scène par Max Reinhardt – l’incitèrent à inventer une « fille artificielle ». En 1933, décidant d’interrompre toute activité utile à l’État pour protester contre le nazisme, il entreprit la construction de cette poupée, avec l’aide de sa femme, de son frère et d’une petite cousine ; quelques manches à balais assemblés et articulés composèrent son squelette. Il la photographia en différentes positions, développa à son sujet une mythologie qu’il exprima dans un livre publié à compte d’auteur. Ces photos enthousiasmèrent les surréalistes, qui présentèrent sa Poupée en 1935 dans Minotaure. Bellmer poursuivit ses recherches, dans le but de recréer l’anatomie de la femme, fabriqua en 1937 une seconde Poupée com-

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27 août 1938, en voulant séparer deux camarades prêts à en venir aux mains, Brauner perdit un œil en recevant une bouteille lancée par Dominguez. On s’aperçut alors qu’il avait prédit cet accident dans sa peinture : sept ans plus tôt, il avait fait son autoportrait avec un œil énucléé, et depuis, il avait peint toutes sortes de tableaux évoquant des scènes d’éborgnement. Le Dr Pierre Mabille, qui le soigna, a donné une interprétation psychanalytique de ces prémonitions dans L’Œil du peintre, article paru en 1939 dans Minotaure. Dès que Brauner put se remettre à peindre, il changea radicalement de manière ; il entra dans ce qu’on appelle sa « période des Chimères » ou « période des crépuscules », comportant des apparitions de créatures hallucinantes dans des lieux envahis par la pénombre. Pendant la guerre, réfugié dans un village des Basses-Alpes, il évolua vers une période magique, avec des scènes hiératiques, construites selon le symbolisme des hermètes (Stable Instable, 1942, Paris, Musée d’Art moderne), faisant des tableaux à la cire sur carton (Strigoï la somnambule, 1946 ; Progression pantaculaire, 1948, New York, Museum of Modern Art). Après avoir joué un rôle actif dans l’organisation de l’Exposition internationale du Surréalisme de 1947 chez Maeght, il rompit en 1948 avec le groupe surréaliste, et fit une importante rétrospective à la galerie Drouin. Il se lança dans un cycle de peintures autobiographiques, exprimant une mythologie égocentrique, débutant par son grand tableau La Rencontre avec moi-même. En 1951, il commença la série des Rétractés, visions d’angoisse extrêmement puissantes, puis son esprit se rassérénant, il aborda la période des Outils spirituels. Dans ses deux dernières expositions à la galerie Iolas à Paris, en 1964 et 1966, il avait réussi à renouveler complètement la technique et le contenu de son inspiration. Sa rétrospective itinérante, organisée en 1965 par le Museum des 20. Jahrhunderts de Vienne, accrut son prestige européen. Entre son atelier de Montmartre et sa propriété de Varengeville, il se livra à des

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spéculations philosophico-lyriques sur la nature et l’homme qui allèrent souvent plus loin que le surréalisme proprement dit. L’État français étant devenu l’héritier de la plupart des œuvres de Victor Brauner grâce à la donation de sa veuve Jacqueline, le centre Georges-Pompidou a réalisé en 1996 l’exposition « Victor Brauner dans les collections du MNAM-CCI (accompagné d’un catalogue dirigé par Didier Semin), et a publié en 2005 l’énorme livre Victor Brauner, Écrits et correspondances 1938-1948, révélant une partie des archives de l’artiste qui y sont conservées.

André BRETON Né en 1896 à Tinchebray, mort en 1966 à Paris.

En 1913, il commença à Paris ses études de médecine qu’il continua pendant la guerre, où il fut affecté à un centre neurologique de Nantes, puis au service psychiatrique de la IIe Armée à Saint-Dizier. En relation avec Apollinaire et de jeunes poètes, il voulut d’emblée dégager les formes d’une poésie nouvelle, qui ne serait plus soumise au contrôle de la raison, mais se présenterait comme un message de l’inconscient. Il fonda en 1919 la revue Littérature avec Louis Aragon et Philippe Soupault, et en fit son premier organe de combat. Accueillant à Paris Tzara, le responsable du dadaïsme, il prit la tête du mouvement Dada parisien de 1920 à 1922, contribuant à lui donner toute sa violence polémique. Il condamna ensuite Dada, qu’il jugeait insuffisant en regard des nécessités modernes, et se lança avec ses amis dans l’aventure surréaliste. En 1924, il publia le Manifeste du surréalisme et fonda la Révolution surréaliste ; une suite de manifestations, de scandales, de tracts, appuya les revendications de tous ces créateurs. Dans le Surréalisme et la Peinture (1929), livre annonciateur d’un autre art de vision, il demanda aux peintres de ne plus chercher leur modèle audehors, mais exclusivement au-dedans d’eux-mêmes. Affirmant ses conceptions par des conférences à Bruxelles, à Prague et à Mexico, par des ouvrages de

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lui dicta ses tableaux, comme Six apparition de Lénine sur un piano (1931, Paris, Musée d’Art moderne), ses livres, comme La Femme visible (1931) et La Conquête de l’Irrationnel (1935), et même tous ses actes. C’est au nom de la « paranoïa critique » que Dalí apparaîtra dans un scaphandre, tenant en laisse deux lévriers blancs, à l’Exposition surréaliste de Londres en 1936, ou qu’il débarquera à New York en brandissant un pain de 2,50 m fabriqué pour la circonstance. De 1940 à 1945, réfugié aux Etats-Unis et vivant près de Hollywood, il poursuivit son entreprise frénétique : c’est là qu’il reçut l’anathème d’André Breton le surnommant « Avida Dollars » et le rejetant du surréalisme à cause de sa vénalité. À son retour en Europe, Dalí appliqua l’activité « paranoïaque-critique » à l’exaltation de thèmes monarchistes et religieux. Sa « période mystique » débuta avec La Madone de Port Lligat (1950), où il représenta Gala en Madone, et avec la publication en latin de son Manifeste mystique (1951). Elle fut doublée d’une « période nucléaire » qui s’amorça avec Tête raphaélesque éclatée (1951). Ensuite, il n’a cessé de faire succéder des manifestations diverses – conférence en décembre 1955 à la Sorbonne sur l’analogie entre le rhinocéros et le chou-fleur, organisation à l’hôtel Meurice, en 1967, d’une exposition de « peintres-pompiers », etc. –, des œuvres originales – illustration de Don Quichotte en se servant d’une arquebuse aux balles remplies d’encre –, et des autobiographies du genre de Journal d’un génie. Ses créations ultérieures, comme les quarante-deux gravures de son Hommage à Dürer (1971) ou son livre de cuisine illustré de collage Les Dîners de Gala (1971), témoignent encore d’un curieux alliage de tradition académique et de sens inné de l’avant-garde. Sa virtuosité se déploya également dans une huile sur toile, Dalí de dos peignant Gala de dos éternisée par six cornées virtuelles provisoirement réfléchies par six miroirs (1972-1973, Figueras, fondation GalaSalvador Dalí), œuvre stéréoscopique en deux panneaux, l’un pour l’œil droit, l’autre pour l’œil gauche.

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Nommé marquis de Pubol par le roi Juan Carlos, Dalí prépara son musée de Figueras en résidant dans sa maison de Port Lligat. Le 10 juin 1982, la mort de Gala, âgée de quatre-vingt-huit ans, lui provoqua un choc terrible. Il n’arriva plus à peindre et, après avoir été gravement brûlé dans l’incendie de sa chambre le 30 avril 1984, termina sa vie en se claustrant dans la Tour Galatea de son musée.

Frédéric DELANGLADE Né en 1907 à Bordeaux, mort en 1970 à Montfavet.

Fils du chansonnier Jean Marsac, directeur du cabaret La Lune rousse, il se consacra à la peinture dès 1928 à Paris. Sa première exposition à la galerie Esperanza, en 1932, fit dire de lui : "Il peint comme il rêve". Il suivit pendant quatre ans l’enseignement psychiatrique de l’hôpital Sainte-Anne, où il exécuta en 1936 une fresque pour les murs de la salle de garde. En présentant au Salon des Surindépendants son Appareil à liquider les complexes, il intéressa André Breton qui l’accueillit aussitôt dans le groupe surréaliste. En 1939, Delanglade fut l’organisateur de l’exposition Le Rêve dans l’art et la littérature, à la Galerie contemporaine, 36 rue de Seine, où il montra beaucoup de dessins d’aliénés. Pendant la guerre, fait prisonnier par les Allemands, il se servit d’une bougie allumée pour dessiner au noir de fumée, en déclarant : « Ni les tortures, ni les prisons ne contraindront la marche irrésistible de mes rêves. » Il s’évada du camp de Bar-le-Duc, résida en 1941 à Marseille et y participa à la réalisation du jeu de cartes des surréalistes. Ce fut d’ailleurs lui, quand André Dimanche les édita, qui unifia le trait de tous les dessins afin d’harmoniser l’ensemble. En 1942, il se cacha dans l’asile de Rodez dirigé par son ami le docteur Gaston Ferdière, et eut une bonne influence sur Antonin Artaud, qu’il incita à dessiner : « Je l’entraînai dans l’atelier où je peignais en dehors de toute contrainte, pour “l’amuser” avec des couleurs. C’est là qu’il esquissa avec un grand soin mon portrait au fusain, qu’il effaça et recommença plusieurs fois. »