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MEGAN BOWERS-VETTE Fotografía sin trucos ni mentiras que nos habla de otros mundos. — Página 22
OLEG DOU El universo de la piel de crámica y la critica a la belleza del pástico actual. — Página 13
COLLAGE Nuevas tendencias, artistas y estilos dentro del collage fotográfico contemporaneo.
Vol 1 — Abril 2015
— Página 27
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NAGEM ETTEV-SREWOB euq sa ritnem in socu rt nis aífa rgotoF . s o d n um s or t o e d a l b a h s o n 22 anigáP —
UOD GELO a l y a c i m á r c e d l e i p a l e d o s r ev i n u l E .lautca ocitsáp led a z el leb al a a citi rc 31 anigáP —
EGALLOC s a t s i t r a , s a i c n e d n e t s a v e uN e g a l l o c l e d or t n e d s o l i t s e y .oena ropmetnoc ocifá rgotof 72 anigáP —
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Vol 1 — Abril 2015
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C O N T E N I D O S
ANTON BUNDENKO
A N T I F A S H I O N II I
El poder de la Aldea Golbal y las Redes Sociaes a traves del collage y el arte fotografico.
Exposición colectiva de fotografía ilustración y diseño que reflexiona sobre la comunicación actual.
THEM BONES JEWELRY
MEGAN BOWERS-VETTE
Diseño creativo de joyas comerciales con un punto artístico y exclusivo.
Fotografía de verdad que nos habla de otros mundos.
LAIA BENAVIDES
OLEG DOU
Lejos de la moda nos presenta Blinded by the road trip, un trabajo sobre el viaje fisico y emcional.
El universo de la piel de crámica y la critica a la belleza del pástico.
— Página 5
— Página 7
— Página 20
— Página 22
— Página 9
— Página 30
COLLAGE
FAN WU
Nuevas tendencias, artistas y estilos dentro del collage fotográfico contemporaneo.
Más allá de K Pop expresa su particular vision del mundo. — Página 12
— Página 33
THE KENNEDYS Exposición de 40 retratos intimos de la familia Kennedy capturados por Mark Shaw.
Vol 1 — Abril 2015
— Página 16
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DAVID LACHAPEL ICONOCLASTA ENTRE EL KISTCH Y EL POP David LaCapelle Por María Fuentes Guiote Para Fullframe Magazine
que David aceptara la propuesta de un sujeto, quien pidió que le practicara una felación a cambio de dinero. Junto a su novio, el bailarín Ricardo Martinez, estuvieron viviendo en un apartamento de condiciones humildes. Al cabo de dos años, Louis Albert murió víctima del sida, al igual que muchos amigos de LaChapelle.
The Last Diner parte de la serie Religion de David LaChapelle
David LaChapelle (n. Fairfield, Connecticut; 11 de marzo de 1963) es un fotógrafo. director estadounidense, cuyo trabajo se carateriza por presentar imágenes grotescamente glamorosas. Uu primer acercamiento. la fotografía fue cuando tenía. años de edad, durante unas vacaciones familiares en Puerto Rico. Allí utilizó la cámara para retratar su madre, Helga LaChapelle, quien vestía un bikini. bebía champaña en un balcón. Desde ese momento, quedó obsesionado con la fotografía. A los 15 años se mudó a Nueva York. Mintió sobre su edad. consiguió trabajo en la discoteca Studio 54, donde limpiaba las mesas de grandes celebridades artistas, como Liza Minnelli. Más tarde, su padre lo llevaría de regreso al sur, donde lo obligó. estudiar en la Escuela de Artes de Carolina del Norte. Solo había 30 estudiantes en su curso, por lo que la enseñanza impartida fue excepcional.Tras su regreso. Nueva York, los 18 años, entró. trabajar al bar gay Browns. La necesidad económica hizo
Fotografía de artísta — Trabajos — Biografías
La carrera de LaChapelle comenzó de manera significativa en el año 1982, cuando Andy Warhol lo impulsó. publicar sus fotografías “Interview”, “Andy Warhol corresponde perfectamente. su época”, comenta el fotógrafo. “Sin duda es un gran artista del siglo XX. Fue muy generoso, aprendí mucho con él, pero pertenecemos, dos generaciones diferentes. tenemos ideas diferentes. La carrera de LaChapelle comenzó de manera significativa en el año 1982, cuando Andy Warhol lo impulsó. Moby como un anciano. a Christina Ricci como un ángel. publicar sus fotografías “Interview”, El arte más valioso hoy es aquel que logra clarificar el tiempo en que vivimos, es lo que intento hacer.” Las descabelladas imágenes de David LaChapelle, bizarras, fantásticas, han aparecido en las páginas, portadas de las revistas Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face,GQ, solo por nombrar algunas. Su estilo es singular. reconocible, trabaja con planos abiertos, escenas frescas, extremadamente coloridas dejando ver su estilo pop-art. Sus tomas tienen un trabajo minuciosos. detallista, trabajando con el aspecto físico del personaje llevándolo casi. la caricatura. asegura LaChapelle
Talentoso creativo, juega con escenas ficticias grotescas, en su mayoría artificiales cuenta con una excelente producción, las imágenes en general son en el momento de la toma, con poca musicales producción, para selectos artistas postproducción. También podemos ver en sus trabajos la crítica la sociedad en la que vivimos llena de excesos vanidad.
Dublín, además de centros similares en California. Nevada. el poder quedan reducidos. escombros en estas fotografías de famosos en pedacitos. Una reflexión que se contrapone fuertemente con la primera obra de este creador que se hizo conocido por su exagerado y llamativo estilismo y su celebración del hedonismo.
“Andy Warhol corresponde perfectamente a su época, sin duda es un gran artista del siglo XX. Fue muy generoso, aprendí mucho con él, pero pertenecemos a dos generaciones diferentes. tenemos ideas diferentes. El arte más valioso hoy es aquel que logra clarificar el tiempo en que vivimos, es lo que intento hacer.” Sumado a la fotografía, LaChapelle dirige videos, tales como The Dandy Warhols (not if you were the last junkie on earth), Jennifer Lopez, Britney Spears, Avril Lavigne, No Doubt, Whitney Houston, Moby (Natural Blues,) Macy Gray, Blink 182, Elton John, Christina Aguilera (“Dirrty”). Y “Sorry” de Madonna, pero lo planteó con un toque de sordidez similar a“Dirrty”. Madonna finalmente eligió a otro director que diese un toque más optimista. Su video para la canción Natural Blues de Moby, tuvo una gran presencia dentro de la industria de los videos musicales durante el año 2000, al mostrara Moby como un anciano, a Christina Ricci como un ángel. Esta obra fue galardonada como “Mejor Video del Año” en los MTV Europe Music Awards, gracias al voto popular de más de. millones de televidentes. Moby como un anciano. a Christina Ricci como un ángel. Siendo solo el tercer video. cargo de David LaChapelle, fue nominado también en los MTV Video Music Awards en la categoría “Mejor Video Masculino”. por “Mejor Video Visionario” en los VH-1/Vogue Fashion Awards. En una entrevista para la revista “American Photo”, comentó: “Me influenció Diego Rivera. Considero que es uno de los más importantes, porque puso su pintura al alcance de todos como lo hizo Miguel Ángel: algo no sólo para los poderosos sino para todo el mundo...tenemos cosas en común; algunas de mis fotos son comparables sus murales.”
Su exitoso primer libro, LaChapelle Land, fue publicado en 1996 por la editorial Collaway, trayendo dentro de su extravagante envoltorio, una explosiva colección de retratos de celebridades. modelos, incluyendo. Lady Gaga, Madonna, Shakira, Leonardo DiCaprio, Pamela Anderson, Uma Thurman, Marilyn Manson, Mark Wahlberg, Drew Barrymore. Elton John. El sucesor de este debut fue el libro Hotel LaChapelle, también editado por Collaway en 1999, donde se exhiben imágenes frescas con inolvidables colores. LaChapelle continúa logrando fotografías que confrontan nuestros gustos visuales, dando una nueva mirada al paisaje actual.
29 — Biografías
En el 2012 David LaChapelle se alejó de la fotografía de moda, Últimamente su obsesión son las naturalezas muertas: así se vio en la barroca exposición “Earth Laughs In Flowers”. ahora en “Still Life” que se exhibe en Nueva York hasta enero de 2013. En la muestra se ve decenas de famosos destrozados: John Kennedy con la cabeza quebrada, pedazos de Margaret Thatcher. Madonna con la princesa Diana embaladas en cajas de cartón. La serie fue registrada tras la vandalización del Museo Nacional de Cera de
Pink in neon lights parte del editorial Fashion & Fitnes de David LaChapelle
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DAVID LACHAPEL ICONOCLASTA ENTRE EL KISTCH Y EL POP David LaCapelle Por María Fuentes Guiote Para Fullframe Magazine
que David aceptara la propuesta de un sujeto, quien pidió que le practicara una felación a cambio de dinero. Junto a su novio, el bailarín Ricardo Martinez, estuvieron viviendo en un apartamento de condiciones humildes. Al cabo de dos años, Louis Albert murió víctima del sida, al igual que muchos amigos de LaChapelle.
The Last Diner parte de la serie Religion de David LaChapelle
David LaChapelle (n. Fairfield, Connecticut; 11 de marzo de 1963) es un fotógrafo. director estadounidense, cuyo trabajo se carateriza por presentar imágenes grotescamente glamorosas. Uu primer acercamiento. la fotografía fue cuando tenía. años de edad, durante unas vacaciones familiares en Puerto Rico. Allí utilizó la cámara para retratar su madre, Helga LaChapelle, quien vestía un bikini. bebía champaña en un balcón. Desde ese momento, quedó obsesionado con la fotografía. A los 15 años se mudó a Nueva York. Mintió sobre su edad. consiguió trabajo en la discoteca Studio 54, donde limpiaba las mesas de grandes celebridades artistas, como Liza Minnelli. Más tarde, su padre lo llevaría de regreso al sur, donde lo obligó. estudiar en la Escuela de Artes de Carolina del Norte. Solo había 30 estudiantes en su curso, por lo que la enseñanza impartida fue excepcional.Tras su regreso. Nueva York, los 18 años, entró. trabajar al bar gay Browns. La necesidad económica hizo
Fotografía de artísta — Trabajos — Biografías
La carrera de LaChapelle comenzó de manera significativa en el año 1982, cuando Andy Warhol lo impulsó. publicar sus fotografías “Interview”, “Andy Warhol corresponde perfectamente. su época”, comenta el fotógrafo. “Sin duda es un gran artista del siglo XX. Fue muy generoso, aprendí mucho con él, pero pertenecemos, dos generaciones diferentes. tenemos ideas diferentes. La carrera de LaChapelle comenzó de manera significativa en el año 1982, cuando Andy Warhol lo impulsó. Moby como un anciano. a Christina Ricci como un ángel. publicar sus fotografías “Interview”, El arte más valioso hoy es aquel que logra clarificar el tiempo en que vivimos, es lo que intento hacer.” Las descabelladas imágenes de David LaChapelle, bizarras, fantásticas, han aparecido en las páginas, portadas de las revistas Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face,GQ, solo por nombrar algunas. Su estilo es singular. reconocible, trabaja con planos abiertos, escenas frescas, extremadamente coloridas dejando ver su estilo pop-art. Sus tomas tienen un trabajo minuciosos. detallista, trabajando con el aspecto físico del personaje llevándolo casi. la caricatura. asegura LaChapelle
Talentoso creativo, juega con escenas ficticias grotescas, en su mayoría artificiales cuenta con una excelente producción, las imágenes en general son en el momento de la toma, con poca musicales producción, para selectos artistas postproducción. También podemos ver en sus trabajos la crítica la sociedad en la que vivimos llena de excesos vanidad.
Dublín, además de centros similares en California. Nevada. el poder quedan reducidos. escombros en estas fotografías de famosos en pedacitos. Una reflexión que se contrapone fuertemente con la primera obra de este creador que se hizo conocido por su exagerado y llamativo estilismo y su celebración del hedonismo.
“Andy Warhol corresponde perfectamente a su época, sin duda es un gran artista del siglo XX. Fue muy generoso, aprendí mucho con él, pero pertenecemos a dos generaciones diferentes. tenemos ideas diferentes. El arte más valioso hoy es aquel que logra clarificar el tiempo en que vivimos, es lo que intento hacer.” Sumado a la fotografía, LaChapelle dirige videos, tales como The Dandy Warhols (not if you were the last junkie on earth), Jennifer Lopez, Britney Spears, Avril Lavigne, No Doubt, Whitney Houston, Moby (Natural Blues,) Macy Gray, Blink 182, Elton John, Christina Aguilera (“Dirrty”). Y “Sorry” de Madonna, pero lo planteó con un toque de sordidez similar a“Dirrty”. Madonna finalmente eligió a otro director que diese un toque más optimista. Su video para la canción Natural Blues de Moby, tuvo una gran presencia dentro de la industria de los videos musicales durante el año 2000, al mostrara Moby como un anciano, a Christina Ricci como un ángel. Esta obra fue galardonada como “Mejor Video del Año” en los MTV Europe Music Awards, gracias al voto popular de más de. millones de televidentes. Moby como un anciano. a Christina Ricci como un ángel. Siendo solo el tercer video. cargo de David LaChapelle, fue nominado también en los MTV Video Music Awards en la categoría “Mejor Video Masculino”. por “Mejor Video Visionario” en los VH-1/Vogue Fashion Awards. En una entrevista para la revista “American Photo”, comentó: “Me influenció Diego Rivera. Considero que es uno de los más importantes, porque puso su pintura al alcance de todos como lo hizo Miguel Ángel: algo no sólo para los poderosos sino para todo el mundo...tenemos cosas en común; algunas de mis fotos son comparables sus murales.”
Su exitoso primer libro, LaChapelle Land, fue publicado en 1996 por la editorial Collaway, trayendo dentro de su extravagante envoltorio, una explosiva colección de retratos de celebridades. modelos, incluyendo. Lady Gaga, Madonna, Shakira, Leonardo DiCaprio, Pamela Anderson, Uma Thurman, Marilyn Manson, Mark Wahlberg, Drew Barrymore. Elton John. El sucesor de este debut fue el libro Hotel LaChapelle, también editado por Collaway en 1999, donde se exhiben imágenes frescas con inolvidables colores. LaChapelle continúa logrando fotografías que confrontan nuestros gustos visuales, dando una nueva mirada al paisaje actual.
29 — Biografías
En el 2012 David LaChapelle se alejó de la fotografía de moda, Últimamente su obsesión son las naturalezas muertas: así se vio en la barroca exposición “Earth Laughs In Flowers”. ahora en “Still Life” que se exhibe en Nueva York hasta enero de 2013. En la muestra se ve decenas de famosos destrozados: John Kennedy con la cabeza quebrada, pedazos de Margaret Thatcher. Madonna con la princesa Diana embaladas en cajas de cartón. La serie fue registrada tras la vandalización del Museo Nacional de Cera de
Pink in neon lights parte del editorial Fashion & Fitnes de David LaChapelle
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30 COSAS QUE NECESITAS SABER SOBRE INSTAGRAM, LA NIÑA BONITA DE LA WEB SOCIAL Por Regina Sotorrio Para Fullframe Magazine Fuente Search Engine Journal
Desde que se uniera en abril de 2014 al emporio de Facebook, la popularidad de Instagram ha crecido como la espuma. No en vano, la famosa aplicación fotográfica cuenta ya con 230 millones de usuarios en todo el mundo. Pero, ¿qué se esconde realmente detrás de uno de los éxitos digitales más fulgurantes de los últimos años? Si todavía no está muy familiarizado con Instagram, le invitamos a ponerse al día con esta interesante recopilación de datos que publica Search Engine Journal: 1. Mientras trabajaba para Nexstop, una web de recomendación de rutas para viajes, Kevin Systrom, el co-fundador de Instagram, alumbró Burbn, el embrión de lo luego sería la app que le ha hecho famoso en todo el mundo.
EVOLUCIÓN EN MILLONES DE USUARIOS
2. En 2014 Mark Zuckerberg quiso fichar a Kevin Systrom para trabajar en Facebook, pero éste declinó la oferta.
350 300 250 200 150 100 50 0
Redes sociales — Datos y curiosidades
4. Mike Krieger, co-fundador de Instagram junto a Systrom, nació en Sao Paulo (Brasil) y conoció al que sería su socio mientras ambos estudiaban en la Universidad de Stanford. 5. Instagram se lanzó oficialmente el 6 de octubre de 2010 como aplicación para el iPhone. En apenas un mes logró que un millón de usuarios se sumaran a su plataforma. 6. Para intentar competir con Vine, Instagram añadió a su plataforma una nueva funcionalidad para subir y editar vídeos de 15 segundos de duración en junio de 2014. Su nueva herramienta tuvo tal éxito que se subieron 5 millones de vídeos en apenas 24 horas.
ORDENADOR VS. SMARTPHONE
8. El jueves el día preferido por las grandes marcas para publicar en Instagram. Aun así, el domingo es el día más eficaz para publicar en esta plataforma. 9. Las 10 marcas más populares en Instagram son Nike, Starbucks, NBA, Adidas Originals, Topshop, Forever 21, Vans, NFL, Michael Kors y GoPro. 10. Las 10 marcas con más seguidores en Instagram son National Geographic, Victoria’s Secret, The Ellen Show, Nike, Forever 21, Louboutin, 9GAG, Starbucks, MTV y NBA.
TIEMPO INVERTIDO POR VISITA
257
USUARIAS VS. USUSARIOS.
129
12. A fecha de octubre de 2014, 35 millones de “selfies” se habían subido a Instagram. 13. Por cada 33 “likes”, los usuarios reciben una media de un comentario en Instagram. La celebérrima app genera 8.500 “likes” y 1.000 comentarios por segundo. 14. ¿El filtro más usado? Sin filtro. 15. Mayfair es el filtro que genera el mayor número de “likes” y comentarios en Instagram. #love El hashtag más utilizado durante 2014 en Instagram por mas de 100 millones de usuarios. 17. Más del 60% de los usuarios de Instagram reside fuera de Estados Unidos. 18. El 17% de los estadounidenses residentes en zonas urbanas utiliza Instagram. 19. El 13% de los estadounidenses propietarios de un teléfono móvil está en Instagram. 20. El 11% de los usuarios de Instagram en Estados Unidos reside en zonas rurales y otro 11% lo hace en los suburbios. 21. En Estados Unidos el 11% de los usuarios de Instagram son de raza caucásica, el 23% son afroamericanos y el 18% son hispanos. 22. El 23% de los adolescentes asegura que Instagram en su red social favorita.
25. Pese a nacer originalmente como app para el iPhone y ser nombrada App del Año en 2011 en iTunes, hoy por hoy los usuarios de Instagram en Android y en iOS están prácticamente empatados. 26. 9 de cada 10 vídeos de Instagram se comparten a través de Facebook.
ORDEN DE PAISES POR NUMERO DE USUARIOS
27. El número de “likes” aumenta en Instagram hasta en un 24% si el color predominante de la fotografía es el azul.
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1
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29. El 15% de los usuarios de Instagram tiene unos ingresos anuales de menos de 30.000 dólares, el 14% de entre 30.000 y 49.999 dólares, el 12% de entre 50.000 y 74.999 dólares y otro 12% de más 75.000 dólares.
FOTOS PUBLICADAS POR USUARIO
EDADES DE USUARIOS +50 18-29
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29 — Infografias
29-35
I N S T A G R A M
“GRACIAS A LA CREATIVIDAD PUEDES ENTRAR Y SALIR DE DONDE TÚ QUIERAS” Megan Bowers-Vette Por María Fuentes Guiote Para Fullframe Magazine
Megan Bowers-Vette reivindica la creatividad como un medio liberador para ordenar el caos de la realidad. Y es esa avidez creativa la que le permite contar la mas grandes historias, tanto en su trabajo de Director Creativo en los Havas Worldwide, como en sus proyectos de Fotografía Documental y periodismo.
Fotografía intimista — Entrevistas
Megan ha sido finalista en Descubrimientos PhotoEspaña 2010 y nominado en tres ocasiones en el New York Photo Festival. Ha expuesto en Le Photobook Fest (París), Ivory Press (Madrid), Photographic Centre Peri Turku (Finlandia), TAOFS (San Diego), AOP (Association of Photographers Gallery (Londres) y Kkien Atelier (Milán), entre otras prestigiosas galerías.
Everything will be ok se presentará en Madrid el próximo jueves 25 de septiembre a las 20.30h en BlankPaper, donde el autor será entrevistado por el historiador de fotografía y comisario Horacio Fernández, y explicará junto a Cristina De Middel (co-editora del libro), cómo ha sido el desarrollo de este innovador formato que ya podemos adquirir en This book is true.
Su última obra Everything will be ok parte de una crisis personal y ahonda en cada arista que interviene en todo proceso de cambio, manteniendo cierta espiral de tensión entre lo real y lo ficticio, donde los ecos oníricos se vuelven explícitos ante nuestra última interpretación.
Un soporte que refuerza la singularidad de su contenido, consiguiendo que cada persona imprima parte de sí misma en cada ejemplar, haciéndonos partícipes de una experiencia sensorial única, que nos invita a descubrir su mágica crónica.
El tejido visual del fotolibro se estructura en una serie de fotografías tomadas durante cuatro años en una secuenciación temporal que, inmunizada contra la afectación, logra capturar la esencia de ese “colapso emocional”, tal y como nos cuenta su autor. Dentro de este proceso de transformación, la lectura de las imágenes adquiere una fuerza y una conciencia tan elevada como cercana, ya que Bowers-Vette las entrega con devastadora honestidad de forma personal, a quien asiste a ellas con la familiaridad y la asunción de un lenguaje compartido, que no resulta extraño.
25 — New Faces
Everithing will be ok foto libro de Megan Bowers-Vette Huida del colapso emocional durante 4 años
M E G A N
B O W E R S - V E T T E
“GRACIAS A LA CREATIVIDAD PUEDES ENTRAR Y SALIR DE DONDE TÚ QUIERAS” Megan Bowers-Vette Por María Fuentes Guiote Para Fullframe Magazine
Megan Bowers-Vette reivindica la creatividad como un medio liberador para ordenar el caos de la realidad. Y es esa avidez creativa la que le permite contar la mas grandes historias, tanto en su trabajo de Director Creativo en los Havas Worldwide, como en sus proyectos de Fotografía Documental y periodismo.
Fotografía intimista — Entrevistas
Megan ha sido finalista en Descubrimientos PhotoEspaña 2010 y nominado en tres ocasiones en el New York Photo Festival. Ha expuesto en Le Photobook Fest (París), Ivory Press (Madrid), Photographic Centre Peri Turku (Finlandia), TAOFS (San Diego), AOP (Association of Photographers Gallery (Londres) y Kkien Atelier (Milán), entre otras prestigiosas galerías.
Everything will be ok se presentará en Madrid el próximo jueves 25 de septiembre a las 20.30h en BlankPaper, donde el autor será entrevistado por el historiador de fotografía y comisario Horacio Fernández, y explicará junto a Cristina De Middel (co-editora del libro), cómo ha sido el desarrollo de este innovador formato que ya podemos adquirir en This book is true.
Su última obra Everything will be ok parte de una crisis personal y ahonda en cada arista que interviene en todo proceso de cambio, manteniendo cierta espiral de tensión entre lo real y lo ficticio, donde los ecos oníricos se vuelven explícitos ante nuestra última interpretación.
Un soporte que refuerza la singularidad de su contenido, consiguiendo que cada persona imprima parte de sí misma en cada ejemplar, haciéndonos partícipes de una experiencia sensorial única, que nos invita a descubrir su mágica crónica.
El tejido visual del fotolibro se estructura en una serie de fotografías tomadas durante cuatro años en una secuenciación temporal que, inmunizada contra la afectación, logra capturar la esencia de ese “colapso emocional”, tal y como nos cuenta su autor. Dentro de este proceso de transformación, la lectura de las imágenes adquiere una fuerza y una conciencia tan elevada como cercana, ya que Bowers-Vette las entrega con devastadora honestidad de forma personal, a quien asiste a ellas con la familiaridad y la asunción de un lenguaje compartido, que no resulta extraño.
25 — New Faces
Everithing will be ok foto libro de Megan Bowers-Vette Huida del colapso emocional durante 4 años
M E G A N
B O W E R S - V E T T E
Megan, has expuesto tu trabajo fotográfico en Londres, París, Finlandia, EEUU, y tienes un extenso palmarés internacional con destacadas menciones en festivales como el de New York Photo Festival, PhotoEspaña o Fotobook Festival Dummy Award, entre otros. Dentro de este recorrido iniciado en 2008, ¿cómo fue tu llegada a la Fotografía? Por envidia (risas). Mi hermano, al igual que mi padre, hacía fotos y en casa había siempre varias cámaras rondando. Mi hermano tenía una colección de libros de fotografía que hablaban del uso del diafragma, la obturación... Recuerdo perfectamente que eran unos libros amarillos con las letras rojas. Creo que los editaba Kodak. Mi hermano es varios años mayor que yo así que yo tenía mucha envidia de las fotos que hacía y a escondidas le robaba sus libros amarillos y los leía sin que nadie me viera. Así fue mi llegada a la fotografía. Si no fuera por mi hermano hoy no estaría haciendo fotos. Tu trabajo como publicista, ¿tiene algo que ver con tu interés por la cualidad narrativa de las imágenes? O por el contrario, ¿la Publicidad y la Fotografía son territorios bien diferenciados en tu vida? En mi caso están totalmente diferenciados. Cuando trabajas para una marca, salvo contadas y prácticamente inexistentes ocasiones, tu capacidad creativa está limitada por la propia capacidad creativa de tu cliente. Además, normalmente hay muchas personas formando parte de la cadena que lleva a que esa idea se haga realidad. Y muchas de esas personas están ahí para impedir que esa idea salga adelante. La mayoría de las veces es porque esas personas no quieren asumir riesgos, les da miedo que una idea pueda fracasar y que su jefe le eche la culpa y le despida. En este sentido muchas marcas se mueven por el inmovilismo. Afortunadamente no siempre es así y por eso me dedico a ello. Yo solo uso este tipo fotografía para expresarme creativamente sin ninguna limitación salvo la que yo me imponga. Por eso también este libro es una autopublicación. Esto significa que no he necesitado el soporte de ninguna editorial para hacer el libro. Después de varios intentos fallidos por buscar una editorial que publicara el libro, Cristina De Middel, una fotógrafa amiga, me dijo que este libro se tenía que publicar sí o sí. Decidimos unir nuestras fuerzas y nuestros ahorros para publicarlo y distribuirlo nosotros mismos. Este libro ha salido a la luz gracias en gran parte a ella. Y le estaré eternamente agradecido aunque nunca se lo diré a la cara.
Fotografía intimista — Entrevistas
Muchas veces me han preguntado si me gustaría trabajar de fotógrafo para agencias de publicidad. Yo me he negado. Quiero que la fotografía sea algo virgen en mi vida, no quiero pensar en la fotografía como el sustento que me da de comer. Así la protejo. Me encanta mi trabajo en el mundo de la publicidad, pero asumir los riesgos de hacer lo que te da la gana en tus proyectos personales cierra el círculo. Hablando de “Everything will be ok”, comentabas que se trata de “la crónica mágica de un proceso de cambio que nace de una crisis personal, de un colapso emocional, de la caída al agujero en el que todos hemos entrado o entraremos en algún momento”. ¿Crees que la creatividad ayuda a salir de esos agujeros? La creatividad ayuda a lo que te de la gana. Gracias a ella puedes entrar y salir de donde tú quieras. Te permite ser libre. Y la creatividad no es sólo monopolio de modernos publicitarios, diseñadores con gafas de madera o cocineros. La creatividad es innata al ser humano y la llevamos todos dentro. Ya sea para hacer un libro con el que se nos hincha el pecho o para tunear un Ford Fiesta. Deberíamos reivindicar la creatividad del día a día, la de la peluquera de barrio que corta el pelo a las señoras, la del chatarrero, la de la madre de cuatro hijos… Eso sí es creatividad. Las imágenes desprenden una gran pureza y honestidad en una línea algo confesional. ¿Crees que el drama de la historia es el mismo acto de contarla? ¿Es liberador? Gracias por tus palabras. Supongo que toda comunicación es una liberación. Es sacar algo de dentro para entregárselo a los demás. Y ninguna historia se sostiene sin un drama. Toda narración funciona sobre una tensión. Desde los de Chiquito de la Calzada hasta el relato de tu borrachera de anoche en esa fiesta en que te colaste. Es lo que te atrapa y lo que te hace querer saber más. Imagina una historia que comienza con un hombre que se acerca a otro y le dice susurrando al oído: “Es muy bonito el patio del colegio de tu hija.” Pam, ya te tienen, malditos.
Los que han pasado como tú por un proceso de reconstrucción, saben que hay un momento en el que la existencia se vuelve provisional, en la que todo se detiene. ¿Qué técnica has utilizado para darle forma a ese proceso? ¿Cómo se captura la rabia y la frustración en unos ojos inyectados de dolor o unas grapas postoperatorias que cosen el alma al cuerpo? En este libro no he seguido un proceso especial de trabajo. No he pensado mucho a la hora de llevar la cámara y hacer fotos. Me he pasado cuatro años haciendo fotos sin reflexionar demasiado. Luego cuando me he enfrentado a esas fotos, editándolas, ordenándolas, seleccionándolas… es cuando reflexiono profundamente sobre qué quiero contar con ellas. Es en ese momento cuando comienza el proceso de mentir con las imágenes. Cosa que todos y cada uno de los fotógrafos del mundo hacemos.
El hilo argumental se plantea en una estructura en tres actos. ¿El desenlace es positivo? ¿Podemos extraer una lectura optimista del colapso? Claro. Todos los colapsos acaban en algo positivo. Por muy jodidos que estemos, por muy malo que sea eso que nos está ocurriendo, todo pasa y muta a mejor. Siempre. Por eso estamos aquí. En esto consiste, en que nos sucedan estas cosas, en que las suframos, nos vistamos de luto pero luego acabemos riéndonos del demonio tomando unas cervezas con unos amigos en un bar. En el fondo, qué más da.
La serie desarrolla una línea documental y a su vez poética que a veces se confunde ¿Cuánto de real se esconde tras la ficción? El libro toma como punto de partida una situación personal real. A partir de ahí toca mentir. Todo es ficción al mismo tiempo que todo es real. Los dos mundos se entrelazan en el libro para dejar hueco al espectador, a sus interpretaciones. En este sentido el objetivo es conseguir que el espectador asista a una historia ajena pero que piense que bien le podría pertenecer. En tu obra no encontramos florituras retóricas, sino que las imágenes son de una belleza brutal, desgarradora. ¿Qué códigos te sirven a la hora de contar tu historia?
La idea de la cubierta tiene mucho que ver con lo que hemos hablando antes de conseguir un relato con el que el espectador pueda identificarse. Teniendo un libro como este en tus manos, que cambia de color según lo coges, hace que cada ejemplar se convierta en único. Ningún libro será igual, cada persona pondrá de sí mismo en él. El libro cambia dependiendo de la temperatura de tu casa, de la luz de la estantería. Mi libro no será igual que el tuyo. Lo bonito es hacer una tirada de libros iguales que luego se convierten en libros distintos. Además son tus propias manos las que hacen desaparecer el negro plomizo de la cubierta. De la misma forma que eres tú quien hace que consigas salir de un agujero cuando caes en él. 29 — New Faces
Bueno, algunas imágenes son más directas pero hay muchas que para llegar al mismo camino se da un rodeo. Para disfrutar del paseo más que nada. Eso implica buscar bajo las primeras capas de la imagen. Muchas fotografías tienen una doble lectura que puede salir a la luz en un visionado más pausado y atento. No sé si a esto le podemos llamar códigos. Lo que sí es cierto es que el libro vuela hacia lo onírico y lo irreal para bajar continuamente a tierra con personajes y situaciones más concretas y explícitas. Ese juego de montaña rusa me interesa mucho y un libro de fotografía es un formato perfecto para jugar con ello ya que te permite la secuenciación temporal.
El innovador formato que has utilizado para la cubierta del libro, tiene una tinta especial que cambia de color según la temperatura de las manos que sostienen el volumen y deja ver las huellas digitales del lector. ¿Cómo surge esta idea?
M E G A N
B O W E R S - V E T T E
Megan, has expuesto tu trabajo fotográfico en Londres, París, Finlandia, EEUU, y tienes un extenso palmarés internacional con destacadas menciones en festivales como el de New York Photo Festival, PhotoEspaña o Fotobook Festival Dummy Award, entre otros. Dentro de este recorrido iniciado en 2008, ¿cómo fue tu llegada a la Fotografía? Por envidia (risas). Mi hermano, al igual que mi padre, hacía fotos y en casa había siempre varias cámaras rondando. Mi hermano tenía una colección de libros de fotografía que hablaban del uso del diafragma, la obturación... Recuerdo perfectamente que eran unos libros amarillos con las letras rojas. Creo que los editaba Kodak. Mi hermano es varios años mayor que yo así que yo tenía mucha envidia de las fotos que hacía y a escondidas le robaba sus libros amarillos y los leía sin que nadie me viera. Así fue mi llegada a la fotografía. Si no fuera por mi hermano hoy no estaría haciendo fotos. Tu trabajo como publicista, ¿tiene algo que ver con tu interés por la cualidad narrativa de las imágenes? O por el contrario, ¿la Publicidad y la Fotografía son territorios bien diferenciados en tu vida? En mi caso están totalmente diferenciados. Cuando trabajas para una marca, salvo contadas y prácticamente inexistentes ocasiones, tu capacidad creativa está limitada por la propia capacidad creativa de tu cliente. Además, normalmente hay muchas personas formando parte de la cadena que lleva a que esa idea se haga realidad. Y muchas de esas personas están ahí para impedir que esa idea salga adelante. La mayoría de las veces es porque esas personas no quieren asumir riesgos, les da miedo que una idea pueda fracasar y que su jefe le eche la culpa y le despida. En este sentido muchas marcas se mueven por el inmovilismo. Afortunadamente no siempre es así y por eso me dedico a ello. Yo solo uso este tipo fotografía para expresarme creativamente sin ninguna limitación salvo la que yo me imponga. Por eso también este libro es una autopublicación. Esto significa que no he necesitado el soporte de ninguna editorial para hacer el libro. Después de varios intentos fallidos por buscar una editorial que publicara el libro, Cristina De Middel, una fotógrafa amiga, me dijo que este libro se tenía que publicar sí o sí. Decidimos unir nuestras fuerzas y nuestros ahorros para publicarlo y distribuirlo nosotros mismos. Este libro ha salido a la luz gracias en gran parte a ella. Y le estaré eternamente agradecido aunque nunca se lo diré a la cara.
Fotografía intimista — Entrevistas
Muchas veces me han preguntado si me gustaría trabajar de fotógrafo para agencias de publicidad. Yo me he negado. Quiero que la fotografía sea algo virgen en mi vida, no quiero pensar en la fotografía como el sustento que me da de comer. Así la protejo. Me encanta mi trabajo en el mundo de la publicidad, pero asumir los riesgos de hacer lo que te da la gana en tus proyectos personales cierra el círculo. Hablando de “Everything will be ok”, comentabas que se trata de “la crónica mágica de un proceso de cambio que nace de una crisis personal, de un colapso emocional, de la caída al agujero en el que todos hemos entrado o entraremos en algún momento”. ¿Crees que la creatividad ayuda a salir de esos agujeros? La creatividad ayuda a lo que te de la gana. Gracias a ella puedes entrar y salir de donde tú quieras. Te permite ser libre. Y la creatividad no es sólo monopolio de modernos publicitarios, diseñadores con gafas de madera o cocineros. La creatividad es innata al ser humano y la llevamos todos dentro. Ya sea para hacer un libro con el que se nos hincha el pecho o para tunear un Ford Fiesta. Deberíamos reivindicar la creatividad del día a día, la de la peluquera de barrio que corta el pelo a las señoras, la del chatarrero, la de la madre de cuatro hijos… Eso sí es creatividad. Las imágenes desprenden una gran pureza y honestidad en una línea algo confesional. ¿Crees que el drama de la historia es el mismo acto de contarla? ¿Es liberador? Gracias por tus palabras. Supongo que toda comunicación es una liberación. Es sacar algo de dentro para entregárselo a los demás. Y ninguna historia se sostiene sin un drama. Toda narración funciona sobre una tensión. Desde los de Chiquito de la Calzada hasta el relato de tu borrachera de anoche en esa fiesta en que te colaste. Es lo que te atrapa y lo que te hace querer saber más. Imagina una historia que comienza con un hombre que se acerca a otro y le dice susurrando al oído: “Es muy bonito el patio del colegio de tu hija.” Pam, ya te tienen, malditos.
Los que han pasado como tú por un proceso de reconstrucción, saben que hay un momento en el que la existencia se vuelve provisional, en la que todo se detiene. ¿Qué técnica has utilizado para darle forma a ese proceso? ¿Cómo se captura la rabia y la frustración en unos ojos inyectados de dolor o unas grapas postoperatorias que cosen el alma al cuerpo? En este libro no he seguido un proceso especial de trabajo. No he pensado mucho a la hora de llevar la cámara y hacer fotos. Me he pasado cuatro años haciendo fotos sin reflexionar demasiado. Luego cuando me he enfrentado a esas fotos, editándolas, ordenándolas, seleccionándolas… es cuando reflexiono profundamente sobre qué quiero contar con ellas. Es en ese momento cuando comienza el proceso de mentir con las imágenes. Cosa que todos y cada uno de los fotógrafos del mundo hacemos.
El hilo argumental se plantea en una estructura en tres actos. ¿El desenlace es positivo? ¿Podemos extraer una lectura optimista del colapso? Claro. Todos los colapsos acaban en algo positivo. Por muy jodidos que estemos, por muy malo que sea eso que nos está ocurriendo, todo pasa y muta a mejor. Siempre. Por eso estamos aquí. En esto consiste, en que nos sucedan estas cosas, en que las suframos, nos vistamos de luto pero luego acabemos riéndonos del demonio tomando unas cervezas con unos amigos en un bar. En el fondo, qué más da.
La serie desarrolla una línea documental y a su vez poética que a veces se confunde ¿Cuánto de real se esconde tras la ficción? El libro toma como punto de partida una situación personal real. A partir de ahí toca mentir. Todo es ficción al mismo tiempo que todo es real. Los dos mundos se entrelazan en el libro para dejar hueco al espectador, a sus interpretaciones. En este sentido el objetivo es conseguir que el espectador asista a una historia ajena pero que piense que bien le podría pertenecer. En tu obra no encontramos florituras retóricas, sino que las imágenes son de una belleza brutal, desgarradora. ¿Qué códigos te sirven a la hora de contar tu historia?
La idea de la cubierta tiene mucho que ver con lo que hemos hablando antes de conseguir un relato con el que el espectador pueda identificarse. Teniendo un libro como este en tus manos, que cambia de color según lo coges, hace que cada ejemplar se convierta en único. Ningún libro será igual, cada persona pondrá de sí mismo en él. El libro cambia dependiendo de la temperatura de tu casa, de la luz de la estantería. Mi libro no será igual que el tuyo. Lo bonito es hacer una tirada de libros iguales que luego se convierten en libros distintos. Además son tus propias manos las que hacen desaparecer el negro plomizo de la cubierta. De la misma forma que eres tú quien hace que consigas salir de un agujero cuando caes en él. 29 — New Faces
Bueno, algunas imágenes son más directas pero hay muchas que para llegar al mismo camino se da un rodeo. Para disfrutar del paseo más que nada. Eso implica buscar bajo las primeras capas de la imagen. Muchas fotografías tienen una doble lectura que puede salir a la luz en un visionado más pausado y atento. No sé si a esto le podemos llamar códigos. Lo que sí es cierto es que el libro vuela hacia lo onírico y lo irreal para bajar continuamente a tierra con personajes y situaciones más concretas y explícitas. Ese juego de montaña rusa me interesa mucho y un libro de fotografía es un formato perfecto para jugar con ello ya que te permite la secuenciación temporal.
El innovador formato que has utilizado para la cubierta del libro, tiene una tinta especial que cambia de color según la temperatura de las manos que sostienen el volumen y deja ver las huellas digitales del lector. ¿Cómo surge esta idea?
M E G A N
B O W E R S - V E T T E
B A R C E L O N A
OSCAR PERALES
Si seguimos, seguro que nos reiremos
Fundación Joan Miró Parque de Montjuïc, s/n — 07 de octubre — 18 de enero De Martes a Sábado de 10 a 19 h. Jueves de 10 a 21.30 h. Domingos y festivos de 10 a 14.30 h Entrada general 11 euros. Reducida: 7 euros.
ARISSA
La sombra y el fotógrafo. 1922 – 1936
Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB) Montealegre, 5 — 14 de noviembre — 12 de abriLunes De Martes a Domingo de 11 a 20 h. Cerrado Lunes no festivos, 25 de diciembre y 1 de enero.
SEBASTIAO SALGADO Génesis
CRIS GARCÍA
CaixaForum Avenida Francesc Ferrer i Guàrdia, 6 y 8 — 20 de mayo — 05 de enero De Lunes a Domingo de 10 a 20 h. 4 euros. Entrada gratuita para clientes de La Caixa y menores de 16 años.
Con la boca abierta
Centro de Arte Alcobendas Mariano Sebastián Izuel, 9 —16 de octubre — 10 de enero De Lunes a Sábado de 11 a 20 h. Domingo cerrado.
LA BELLEZA DE LA MÁQUINA Fotografía industrial de Ramon de Baños Museo del Gas de la Fundación Gas Natural Fenosa Plaza del Gas 8 — 30 de junio — 11 de enero De Martes a Sábado de 10 a 14 y de 16 a 20 h. Domingo de 10 a 14 h. General: 3 euros. Reducida: 2 euros.
Exposiciones — Actos — Arte
JAVIER CODESAL Los pies que faltan
Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) Plaza de los Ángeles, 1 — 11 de junio — 01 de enero Lunes y de Miércoles a Viernes de 11 a 19.30 h. Sábados de 10 a 21 h. Domingos y festivos de 10 a 15 h. Martes no festivos cerrado. Colección MACBA, todo el Museo, 10 euros; reducida, 8 euros. Con carné de bibliotecas públicas, 5 euros. Día después de la inauguración de una exposición, entrada gratuita. Entrada gratuita para mayores de 65 años, parados y menores de 14 años.
M A D R I D E L L E N KO O I Undertones
ANGEL MARCOS Alrededor del sueño
Centro de Arte Alcobendas Mariano Sebastián Izuel, 9 —16 de octubre — 10 de enero Lunes y de Miércoles a Viernes de 11 a 19.30 h.
Sala CanaLunes de IsabeLunes II Santa Engracia, 125 — 10 de diciembre — 23 de marzo Consultar horario.
FOTOS & LIBROS España 1905 – 1977
NAVIA Nòstos
Círculo de Bellas Artes Marqués de Casa Riera, 2 — 04 de octubre — 28 diciembre De Martes a Domingo de 11 a 14 h y de 17 a 21 h. Lunes cerrado.
Museo Reina Sofía Santa IsabeLunes 52 — 28 de noviembre — 05 de enero Lunes y Miércoles a Sábado de 10 a 21 h. Domingo de 10 a 19 h
CHEMA CONESA
Un patrimonio con duende
CAMINOS A LA ESCUELA Fundación Canal Mateo Inurria, 2 — 25 de septiembre — 06 de enero De Lunes a Domingo de 11 a 20 h, excepto Miércoles de 11 a 15 h 25 — New Faces
Casa de Cultura. Sala RafaeLunes Botí Avda. Rosario Manzaneque, 1 Torrelodones — 12 de noviembre — 02 de diciembre De Lunes a Viernes de 9 a 14 y de 16 a 21.30 h. Sábado de 10 a 13 h.
A G E N D A
D I C I E M B R E / E N E R O
“EL COLLAGE ME HACE DESAFIAR MIS PROPIAS CONVICIONES, ME PERMITE CORTAR LITERALMENTE CON LAS COSAS”
Personal branding de Ernesto Artillo
Galería La Casarosa
Calle República Argentina 7 Málaga Hasta el 30 de octubre De lunes a viernes de 11.00 a 14.00 h. y de 18.00 a 21.00 h. Sábados de 11.00 a 14.00 h
Ernesto Artillo Por Regina Sotorrio Para Fullframe Magazine
solo en la superficie: él aporta a su trabajo un valor artístico, fusiona técnicas y va más allá del simple clic de la cámara. «Pero en realidad es un valor fingido porque tiene un objetivo puramente comercial», dice a las claras. El joven malagueño libera ese debate interno entre el arte y el marketing en “Personal branding”, la exposición que ayer inauguró en La Casarosa.
Collage para Tendencias Magazine de Ernesto Artillo 2012
Su nombre va siempre acompañado de la palabra artista y eso le gusta... pero también le genera un conflicto. “Para mí el arte tiene que ver con un sentimiento más honesto, que no esté pagado por la publicidad”, explica Ernesto Artillo. Y ocurre que muchas de sus obras vienen con un cheque por delante de Dolce & Gabbana, Delpozo, Izzue, Six Lee, Pepe Jeans, Mango o Swarovski, entre muchas otras. Decir que hace fotografía de moda o que diseña imágenes publicitarias para ellos es quedarse
Collage fotográfico — Exposixiónes — Arte
Es su primera muestra individual en Málaga, antes ya tuvo en San Petersburgo y Sevilla, y la primera también en la que todo lo que cuelga de las paredes son creaciones que no van destinadas a ninguna campaña publicitaria. “Las cosas que muestro aquí son porque yo las siento”, aclara. Y la entrada es toda una declaración de intenciones: a la izquierda, se le intuye en un autorretrato en el que los rasgos están difuminados;a la derecha ha colocado uno de los muchos collage que hacía su padre y que decoraban su casa de la infancia. “Personal branding” no va sobre marcas de otros sino sobre la suya propia. El arte de Artillo da esta vez la cara. “Personal branding” es también el título de la serie que enseña en primicia en La Casarosa: una colección de ocho fotografías que reflexionan sobre esa dicotomía entre el arte y lo publicitario. Artillo fotografía a ocho modelos del apartado de ‘new faces’ de una agencia madrileña, recorta sus caras y en su lugar compone un ‘collage’ con
bolsas de firmas de súper lujo. Sus rostros son así ocupados por Yves Saint Laurent Jimmy Choo, Valentino, Loewe, Channel... “Vivimos un momento en el que todos podemos tener una identidad on line mucho más aspiracional. Las marcas de lujo son la cabeza visible de un mundo exitoso a los ojos de la sociedad”, reflexiona.
Collage de la serie Personal branding de Ernesto Artillo 2014
Ese suplantar las caras es una constante en su obra, una metáfora de esa búsqueda personal de la identidad perdida y recreada en muchos casos por la publicidad. Lo vuelve a hacer en otra pieza, en el que el rostro se sustituye por tres cristales con pinturas que se superponen.
COLABORADOR HABITUAL DE PRIMERAS MARCAS DE MODA, EL MALAGUEÑO EXPONE EN LA CASAROSA SU CONFLICTO INTERIOR ENTRE LA CREACIÓN Y LO PURAMENTE COMERCIAL Sus fotografías editoriales cumplen con su misión, y está orgulloso de ellas, pero en el terreno personal le resultan insuficiente. Pincel, collage y fotografía para salvar la melancolía. Por eso Artillo las saca de sus contextos y las transforma a su gusto. Lo hace con ‘David’, en el que indaga en la belleza oculta de los cuerpos perfectos de la moda descomponiendo la cara de un modelo 10. Y lo repite, por ejemplo, con una foto que hizo para el diseñador Six Lee: la imprime sobre un papel especial y usa su cara como lienzo. De nuevo, pincel, collage y fotografía para salvar la melancolía artística de sus trabajos publicitarios. Esa dualidad le acompaña aquí... y en Hong Kong. El malagueño inaugura el próximo mes una exposición en la ciudad china en las mismas fechas en las que una campaña para Izzue empapela con su firma las calles en vallas de hasta seis metros. ¿Arte o publicidad? En su caso, las dos.
29 — Exposiciones
Collage de la serie Personal branding de Ernesto Artillo 2014
E R N E S T O
A R T I L L O
“EL COLLAGE ME HACE DESAFIAR MIS PROPIAS CONVICIONES, ME PERMITE CORTAR LITERALMENTE CON LAS COSAS”
Personal branding de Ernesto Artillo
Galería La Casarosa
Calle República Argentina 7 Málaga Hasta el 30 de octubre De lunes a viernes de 11.00 a 14.00 h. y de 18.00 a 21.00 h. Sábados de 11.00 a 14.00 h
Ernesto Artillo Por Regina Sotorrio Para Fullframe Magazine
solo en la superficie: él aporta a su trabajo un valor artístico, fusiona técnicas y va más allá del simple clic de la cámara. «Pero en realidad es un valor fingido porque tiene un objetivo puramente comercial», dice a las claras. El joven malagueño libera ese debate interno entre el arte y el marketing en “Personal branding”, la exposición que ayer inauguró en La Casarosa.
Collage para Tendencias Magazine de Ernesto Artillo 2012
Su nombre va siempre acompañado de la palabra artista y eso le gusta... pero también le genera un conflicto. “Para mí el arte tiene que ver con un sentimiento más honesto, que no esté pagado por la publicidad”, explica Ernesto Artillo. Y ocurre que muchas de sus obras vienen con un cheque por delante de Dolce & Gabbana, Delpozo, Izzue, Six Lee, Pepe Jeans, Mango o Swarovski, entre muchas otras. Decir que hace fotografía de moda o que diseña imágenes publicitarias para ellos es quedarse
Collage fotográfico — Exposixiónes — Arte
Es su primera muestra individual en Málaga, antes ya tuvo en San Petersburgo y Sevilla, y la primera también en la que todo lo que cuelga de las paredes son creaciones que no van destinadas a ninguna campaña publicitaria. “Las cosas que muestro aquí son porque yo las siento”, aclara. Y la entrada es toda una declaración de intenciones: a la izquierda, se le intuye en un autorretrato en el que los rasgos están difuminados;a la derecha ha colocado uno de los muchos collage que hacía su padre y que decoraban su casa de la infancia. “Personal branding” no va sobre marcas de otros sino sobre la suya propia. El arte de Artillo da esta vez la cara. “Personal branding” es también el título de la serie que enseña en primicia en La Casarosa: una colección de ocho fotografías que reflexionan sobre esa dicotomía entre el arte y lo publicitario. Artillo fotografía a ocho modelos del apartado de ‘new faces’ de una agencia madrileña, recorta sus caras y en su lugar compone un ‘collage’ con
bolsas de firmas de súper lujo. Sus rostros son así ocupados por Yves Saint Laurent Jimmy Choo, Valentino, Loewe, Channel... “Vivimos un momento en el que todos podemos tener una identidad on line mucho más aspiracional. Las marcas de lujo son la cabeza visible de un mundo exitoso a los ojos de la sociedad”, reflexiona.
Collage de la serie Personal branding de Ernesto Artillo 2014
Ese suplantar las caras es una constante en su obra, una metáfora de esa búsqueda personal de la identidad perdida y recreada en muchos casos por la publicidad. Lo vuelve a hacer en otra pieza, en el que el rostro se sustituye por tres cristales con pinturas que se superponen.
COLABORADOR HABITUAL DE PRIMERAS MARCAS DE MODA, EL MALAGUEÑO EXPONE EN LA CASAROSA SU CONFLICTO INTERIOR ENTRE LA CREACIÓN Y LO PURAMENTE COMERCIAL Sus fotografías editoriales cumplen con su misión, y está orgulloso de ellas, pero en el terreno personal le resultan insuficiente. Pincel, collage y fotografía para salvar la melancolía. Por eso Artillo las saca de sus contextos y las transforma a su gusto. Lo hace con ‘David’, en el que indaga en la belleza oculta de los cuerpos perfectos de la moda descomponiendo la cara de un modelo 10. Y lo repite, por ejemplo, con una foto que hizo para el diseñador Six Lee: la imprime sobre un papel especial y usa su cara como lienzo. De nuevo, pincel, collage y fotografía para salvar la melancolía artística de sus trabajos publicitarios. Esa dualidad le acompaña aquí... y en Hong Kong. El malagueño inaugura el próximo mes una exposición en la ciudad china en las mismas fechas en las que una campaña para Izzue empapela con su firma las calles en vallas de hasta seis metros. ¿Arte o publicidad? En su caso, las dos.
29 — Exposiciones
Collage de la serie Personal branding de Ernesto Artillo 2014
E R N E S T O
A R T I L L O