FILA SIETE Noviembre 2012 by ignacio Diez

revista mensual de crĂtica de cine & TV noviembre 2012

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149.

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Argo Affleck, tres de tres El molino y la cruz El profesor (Detachment) Breaking Bad

FilaSiete / noviembre 2012. nº 149. 5. Sala de máquinas / 6. Argo / 8. El molino y la cruz / 10. El profesor (Detachment) / 12. César debe morir / 13. Reality / 14. Invasor / 16. Hotel Transilvania / 18. En la casa / 20. La parte de los ángeles / 22. Fin / 24. Buscando a Eimish / 25. Ruby Sparks / 26. Todo es silencio / 28. Travelling / 29. Festival San Sebastián 2012 / 30. Cumple 60 años... Solo ante el peligro / 31. Cumple 79 años... Dama por un día / 32. Estuvimos con... Adrian Grunberg y Stacy Perskie, director y productor de Vacaciones en el infierno / 34. Estuvimos con... Eduard Cortés, director de ¡Atraco! / 35. Música de cine: Brave (Indomable) / 36. Cine y alrededores: El Edén de Fernando Trueba / 38. Estilo y Cine: Kaurismäki: hombres silentes, objetos parlantes / 40. Vender cine: Pretty woman, razones de un largo reinado / 42. Sujeto+verbo+predicado / 43. Dicen... / 44. En serie: Breaking Bad / 46. En serie: Gran Hotel / 48. Así se hizo: Con la muerte en los talones (I) / 50. Libros del mes: El cine negro de la RKO / Grace Kelly /

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Alberto Fijo Director

Sala de máquinas

Que estén, que acierten > El cine es más cine cuando se ve en las condiciones adecuadas. Esta proposición es fácilmente avalable. Pero... son muchos los peros, los matices y las distinciones que escuchas a personas muy distintas. Hoy quiero quedarme con las consideraciones que más me interesan: las de personas a las que gusta el cine, el cine bueno. Creo que en una revista como FILA SIETE no es necesario explicar a qué llamamos cine bueno.

coste de producción de la película que se va a ver. Que, como en otros establecimientos, si vas mucho es lógico que te den unos puntos... que el precio por ver una película es rígido cuando en el comercio actual todo apunta a lograr compradores con variadas estrategias de ofertas y tarjetas para fidelizar.

Hay personas que creen que el cine es caro, aunque reconocen que es más barato que el teatro, un concierto, una ópera, un partido de básket o de fútbol, o un menú del día. Aducen que, a efectos de pasar por la taquilla, no es lo mismo ser un profesional que un estudiante; estar casado y con hijos, que ser soltero. Ya metidos en harina, esas personas te dicen que es demencial pagar lo mismo por una entrada en una sala grande con un pantallón, un sonido espectacular y unas butacas grandes que en una salita donde todo (pantalla, sonido, butaca) acaba en “ita”.

Y puestos a pedir, piden bonos para ir con los niños al cine para no dejarte un ojo de la cara, precios reducidos en las salas reducidas, rebajas para gente joven en fines de semana porque son los jóvenes los que más van al cine, más sesiones incentivadas al estilo día del espectador...

Siguen diciendo que no es descabellado que el precio de la entrada fuera variable dependiendo del

El cine, guste o no, tiene unos clientes y si a los clientes no les convence el producto o la manera de vender el producto en las salas, lo consumirá de otras maneras. O no lo consumirán. Productores, distribuidores y exhibidores están en ello. Esperemos que, por el bien del cine bueno, estén. Y que acierten.

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Argo Affleck deja las calles de su querido Boston, para contar una historia real sobre la intrépida diplomacia norteamericana en Oriente Medio ARGO, 2012 País: EE.UU. Dirección: Ben Affleck Guión: Chris Terrio Fotografía: Rodrigo Prieto Montaje: William Goldenberg Música: Alexandre Desplat Intérpretes: Ben Affleck, Bryan Cranston, Alan Arkin, John Goodman, Michael Cassidy, Taylor Schilling, Clea DuVall 120 m. +16 años Distribuidora: Warner Estreno: 26.10.2012

De Boston a Teherán Lo aviso antes que nada: prohibido perderse los primeros minutos de la película. En un prólogo muy eficaz, Ben Affleck nos cuenta qué sucedió en Irán para que en 1979 las embajadas norteamericanas fuesen cercadas. Esta introducción nos mete de lleno en una historia que, si no fuese real, sería increíble. El plan que el Gobierno de los Estados Unidos ideó para entrar en la zona del conflicto parece sacado de La guerra de Charly Wilson. Esta vez no habría helicópteros bombardeando, sino un grupo de diplomáticos simulando buscar exteriores para el rodaje de una película de ciencia-ficción en pleno Oriente Medio. El cada vez mejor actor Ben Affleck sigue demostrando un enorme talento a la hora de dirigir. Después de mostrar una madurez envidiable en el thriller con dos películas (Adiós pequeña, adiós y The town), cambia de registro con un look setentero muy marcado en el maquillaje, el vestuario, la fotografía de Rodrigo Prieto y la música de Alexandre Desplat. Argo recuerda a películas como Chacal o Todos los hombres del presidente, procurando ser un filme testimonial sobre la importancia de la labor diplomática norteamericana. La relación con el mundo del cine de la época está muy lograda y supone la primera incursión de Affleck en el terreno de la comedia. La diver6 - Fila Siete

tida pareja Alan Arkin-John Goodman se lo pone fácil logrando gags metacinematográficos muy conseguidos. Quizás, en algún momento, se echa de menos algo más de emoción, pero la película es amena y se sigue bien de principio a fin. Se agradece mucho la huida de tópicos y la falta de prejuicios del director que no retrata a Irán y Estados Unidos como el Bien y el Mal absolutos. Ambos países tienen sus luces y sus sombras, las que fabula un cine inteligente y muy bien documentado que transmite veracidad en cada fotograma. Además, Argo llega en un momento muy oportuno con algunas embajadas norteamericanas otra vez cercadas e incluso asaltadas... y la declaración del gobierno iraní de no volver a presentar películas a la Academia de Hollywood, pocos meses después de que Nader y Simin, una separación se llevara el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa. Claudio Sánchez

El indispensable prólogo.

Bajones de tensión.

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El molino y la cruz Majewski recrea la génesis de una de las obras pictóricas más enigmáticas de la pintura ﬂamenca: Camino del calvario, de Bruegel el Viejo THE MILL AnD THE CROSS, 2011 País: Polonia/Suecia Dirección: Lech Majewski Guión: Michael Francis Gibson, L. Majewski Fotografía: L. Majewski, Adam Sikora Montaje: Eliot Ems, norbert Rudzik Música: L. Majewski, Józef Skrzek Intérpretes: Rutger Hauer, Charlotte Rampling, Michael York, Joanna Litwin, Dorota Lis 92 m. +16 años (V-X-) Distribuidora: Aquelarre Estreno: 30.11.2012

Una historia de muchas historias Esta película es la historia de la fascinación del polifacético artista Lech Majewski por los cuadros de Bruegel el Viejo, sobre todo Camino del calvario, por el que tantas veces “ha transitado” en el museo Kunsthistorisches de Viena; la historia que narra el cuadro: la pasión de Cristo ambientada en la ocupación española de Flandes, en 1564, y la vida de una docena de personajes que componen la escena, muchos de ellos escogidos de entre los propios condenados. Todas estas capas narrativas componen una creación fascinante, mitad pintura y mitad imagen en movimiento, que requiere una mirada contemplativa y paciente que se deje guiar por las explicaciones del propio Bruegel, interpretado por Rutger Hauer. no es una película fácilmente digerible por un público medio. Gustará a amantes del arte y del pintor holandés, a visitantes de museos, a sensibilidades exquisitas. Y, sin embargo, algo universal tiene cuando ha sido comprada por cuarenta países: que es en sí una obra de arte y un ejercicio técnico más que notable. “Mi pintura va a contar muchas historias -dice Bruegel a su amigo y coleccionista nicholas Jonghelinck-. Debe ser suﬁcientemente grande como para abarcarlas a todas. (...) Voy a trabajar como la araña que he visto esta mañana construyendo su tela. Primero debo encontrar un punto de anclaje. Aquí, el corazón de mi tela de araña... Mostraré a nuestro Salvador llevado al Gólgota por la milicia española de casacas rojas. Aunque está en el centro de mi cuadro, debo esconderlo al ojo (...) Porque es lo más importante”. Y eso mismo va haciendo Majewski con su película. Se adentra en ese mundo de inmensa vitalidad al que es in-

vitado y nos muestra aquí el árbol de la vida, allá el de la muerte, con la rueda donde yace uno de los condenados. En medio, Cristo con la Cruz, caído en el suelo y casi oculto, sello de las obras de Bruegel. Alrededor todos esos personajes, cada uno con su vida cotidiana. Detrás el gran molino que, como Dios, detiene y reanuda el curso de los acontecimientos alargando la escena del cuadro hasta la cruciﬁxión y muerte y descendimiento de Cristo. Majewski, poeta, escultor, pintor y videoartista de prestigio, además de cineasta, ha estudiado esta pintura de Bruegel y ha analizado hasta siete perspectivas existentes, lo que le he llevado a trabajar con una técnica muy compleja, “cortando los planos a capas, como si fueran rebanadas de pan”, según él mismo explica. Ha cuidado al detalle el colorido y la indumentaria de la pintura ﬂamenca del siglo XVI, la disposición exacta de los personajes, y los ha estampado en paisajes similares o ha utilizado técnicas digitales por ordenador para recrearlos, en un minucioso trabajo de posproducción, que llega al colmo en la escena de las escaleras interminables del interior del molino. La mezcla de técnica clásica y tecnología digital unida a un ritmo muy lento, casi meditativo, y a la ausencia de diálogos, obliga al espectador que se decide a contemplarla a zambullirse en la pintura. Cristina Abad Un vehículo del arte que es, en sí mismo, una obra de arte.

La morosidad y la falta de diálogos diﬁcultan el acceso a un público desprevenido.

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El profesor (Detachment) El director de American History X cuenta con un excelente Adrien Brody DETACHMEnT, 2011

podido, cosa que no me parece probable) pero cuando se pone es devastador. Aquí está al nivel de El pianista.

País: EE.UU. Dirección y Fotografía: Tony Kaye Guión: Carl Lund Montaje: Barry Alexander Brown Música: The newton Brothers Intérpretes: Adrien Brody, Christina Hendricks, Bryan Cranston, James Caan, Lucy Liu, Blythe Danner, Marcia Gay Harden 97 m. + 18 años (VXD) Distribuidora: Golem Estreno: 31.10.2012

Te apiadas de lo que ves, sufres entre pecios del naufragio de muchas familias, de muchos centros educativos, de tantos chicos jóvenes y no tan jóvenes, buena parte de la sociedad.

Cómo ser profesor... Henry Bathes, un profesor de literatura cercano a los 40, va haciendo sustituciones por los institutos más problemáticos de nueva York. Es un hombre cansado, abrumado por lo que ve, tanta ignorancia, perversidad y cinismo. Tiene a su abuelo con alzheimer en una residencia. Henry está cansado pero quiere seguir adelante porque de algún modo se cree esos libros que ama, como La caída de la casa Usher (una secuencia verdaderamente prodigiosa, por cierto). Dirige el autor de la tremenda American History X y, como en aquélla (con un memorable Edward Norton que nos dejó sin habla allá por 1998) sabe darte con la cámara entre los ojos. La película es dura, muy dura. Me ha conmovido mucho. Entiendo a Bathes, en buena medida por el trabajo de Adrien Brody que se pone poco (elige fatal o no le han dado opciones para elegir y ha hecho lo que ha 10 - Fila Siete

El británico Tony Kaye (Londres, 1952) ha usado un guionazo del debutante Carl Lund que sabe pautar el relato con unas declaraciones mirando a cámara que son arriesgadas, pero muy eﬁcaces para conservar el tono íntimo, de tragedia personal, a la vez que se retrata con un verismo desolador la podredumbre y el drama de muchos chicos y chicas que no son mejores porque no han tenido a quien les ayude, o lo han tenido y no se han dejado ayudar. Kaye no es un nihilista de salón y, como en American History X, mira con humanidad a sus personajes y no pisotea la esperanza del espectador. Para lograrlo, el personaje de la prostituta Erica es providencial. El casting de Jessica Kelly, Beth Melsky y Susanne Smith es inteligente hasta decir basta, en los papeles de alumnos y profesores (James Caan, Marcia Gay Harden, Christina Hendricks, Lucy Liu). Una clase ardua, áspera, terrible, hermosa la de este profesor, fotograﬁada por el propio director de una manera brillante. A mí, nunca mejor escrito, me ha merecido la pena. Alberto Fijo Enorme Brody.

Toca sufrir...

César debe morir Los hermanos Taviani hacen una lectura sabia y exigente del Julio César de William Shakespeare CESARE DEVE MORIRE, 2012 País: Italia Dirección y Guión: Paolo y Vittorio Taviani Fotografía: Simone Zampagni Montaje: Roberto Perpignani Música: Giuliano Taviani, Carmelo Travia Intérpretes: Cosimo Rega, Salvatore Striano, Giovanni Arcuri, Antonio Frasca, Juan Dario Bonetti 76 m. +16 años Distribuidora: Golem Estreno: 23.11.2012

Shakespeare debe vivir Con 80 años cumplidos, los hermanos Taviani no han dejado de recibir premios por esta breve y original película. Oso de Oro en Berlín y ganadora de 5 premios Donatello, César debe morir será la representante italiana en los Oscar. La película cuenta la preparación de la obra de Shakespeare en una cárcel de máxima seguridad en Italia. En un contrastado blanco y negro vemos los ensayos en los que los presos aprenden el texto y añaden notas personales, actualizando así la traición trágica y el carisma de la obra original. Se nota la madurez de estos dos hermanos formados en el neorrealismo italiano de Roberto Ro-

ssellini y en el cine documental. La película no es fácil de ver porque tiene un ritmo entrecortado y denso. El paso en los ensayos de una escena a otra sin seguir el orden de la obra, y los saltos entre la realidad y la ficción, pueden resultar algo arduos para el espectador, pero tiene un sentido muy claro: mostrar la universalidad y atemporalidad de los clásicos. Conforme la película avanza, el espectador acaba olvidando que no hay decorado ni vestuario. Sólo queda la interpretación sobre un fondo gris y vacío, filmada habitualmente en blanco y negro. Queda la esencia de las palabras y la dicción, el fundamento del teatro. El paso del blanco y negro al color y la música de Giuliano Taviani y Carmelo Travia (claramente influenciada por el maestro Nino Rota) son dos notas necesarias que aportan emoción y estilo a un relato que refleja, a veces con un tono demasiado seco y realista, la capacidad catártica del arte escénico. C. Sánchez

El poder de la palabra.

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Exige más paciencia que la obra de Shakespeare.

Reality Matteo Garrone construye una lúcida y dolorosa sátira sobre un buen hombre obsesionado por concursar en Gran Hermano REALITY, 2012 País: Italia/Francia Dirección: Matteo Garrone Guión: M. Garrone, Maurizio Braucci, Ugo Chiti, Massimo Gaudioso Fotografía: Marco Onorato Montaje: Marco Spoletini Música: Alexandre Desplat Intérpretes: Aniello Arena, Loredana Simioli, nando Paone, Raffele Ferrante 115 m. +16 años (X-) Distribuidora: Wanda Estreno: 9.11.2012

Dejadme entrar El italiano Matteo Garrone deslumbró hace cuatro años con Gomorra, la adaptación de la novela de Roberto Saviano sobre la mafia napolitana. Además de ganar el premio del Jurado en el festival de Cannes, Gomorra consiguió el favor de la crítica que valoró la fuerza y el realismo de una cinta que, con un tratamiento cuasi documental, se acercaba más a la realidad que otras visiones cinematográficas sobre la mafia. Garrone afirma que con Reality quería cambiar de registro -y lo hace- y escribir algo más ligero, y esto no lo consigue del todo porque, como ha señalado algún crítico, Reality da más miedo que Gomorra. Y eso, a pesar de su aparentemente liviano argumento. Luciano es un buen hombre que vive en nápoles con su mujer, sus tres hijos y un montón de folclóricos primos y tíos. Tiene una pescadería y gana un dinerillo vendiendo termomix. Además, alegra las fiestas de sus amigos haciendo de modesto showman. La vida de Luciano dará un vuelco el día que se presente al casting de Gran Hermano y se obsesione con la idea de que su existencia cambiará cuando participe en el concurso. La cinta volvió a convencer en Cannes donde se alzó con el premio del Jurado. Y se entiende el premio. La idea que desarrolla Garrone es tan dolorosa como lúcida y el proceso que relata -la

descomposición de una persona buena por un motivo tan absurdo- pone la piel de gallina. Hay momentos -como las escenas en las que Luciano mira embelesado una pantalla que lo único que refleja es la estupidez del ser humano- que dibujan una brutal radiografía de toda una sociedad. Una sociedad que, por cierto, es la nuestra. El problema de Reality es, precisamente, que da la impresión de que el divertimento ligero que Garrone pretendía, al no ser tan ligero, se le ha ido de las manos. Bajo un envoltorio cómico, el cineasta italiano tiene una bomba pero, en lugar de hacerla estallar, se dedica a pasearla durante todo el metraje. Y al final queda una sensación de haber asistido a una idea interesantísima pero alargada, estirada, poco concluida. Una crítica perfectamente interpretada y sabiamente ambientada (con un tono que conecta directamente con el neorrealismo italiano en el que Garrone confiesa haber bebido), pero simplemente apuntada. Y cuando alguien hace un diagnóstico tan certero lo menos que se le pide es... que remate la faena. Ana Sánchez de la nieta La certera idea que plantea la película.

Que esta idea no tenga un mayor recorrido y un ﬁnal más acabado.

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Invasor Daniel Calparsoro rueda un vigoroso e interesante thriller político en el que se echa de menos un dibujo más perﬁlado de los antagonistas InVASOR, 2012 País: España Dirección: Daniel Calparsoro Guión: Javier Gullón, Jorge Arenillas Fotografía: Daniel Aranyó Montaje: David Pinillos Música: Lucas Vidal Intérpretes: Alberto Ammann, Antonio de la Torre, Inma Cuesta, Karra Elejalde 99 m. +18 años (V) Distribuidora: Buena Vista Estreno: 30.11.2012

Irak-La Couña Pablo es un médico militar que se recupera de un grave accidente sufrido en una misión humanitaria durante la guerra de Irak. Su búsqueda por conocer la verdad de lo que pasó le llevará a enfrentarse a un difícil problema de conciencia y a un complejo conflicto político. Daniel Calparsoro, 44 años, no rodaba un largo desde 2005. Desde Ausentes ha estado haciendo series de televisión. Hace diez años estrenó Guerreros, ambientada en la participación española en la guerra de Kosovo. Invasor es probablemente su mejor película, un thriller político que merodea además en el terreno del cine policiaco, del bélico y del drama de toda la vida. Una película, parcialmente rodada en La Coruña, que demuestra que el cine español tiene músculo suficiente para salirse de los estrechos géneros en los que ha estado encasillado mucho tiempo. Entre los aciertos de Invasor está el ritmo agilísimo de la acción -marca de la casa Calparsoro-, la calidad de la producción, el modo de rodar algunas escenas de acción -esas persecuciones rodadas en una Coruña que podría ser Manhattan- y una estupenda dirección de actores. Como en Celda 211 (el mismo equipo de producción está detrás de esta película y se nota para bien), Alberto Ammann vuelve a demostrar su valía para interpretar personajes con conflictos morales que quieren mantener la dignidad. Antonio de la Torre le da una réplica perfecta, como hombre más curtido que

ha decidido hace tiempo, con la ayuda del alcohol, vestirse con la capa del cinismo. El tour de force entre estos dos personajes es, junto con el ritmo y la calidad del envoltorio visual, lo más valioso de la cinta. Una cinta en la que se echa de menos un dibujo más perfilado de los antagonistas. La película entra de lleno en un género, muy trillado por los americanos, del “individuo contra el sistema”, hasta aquí todo perfecto, máxime cuando el conflicto resulta interesante y cuando durante gran parte del metraje se intenta equilibrar para no caer en el maniqueísmo y la generalización, algunos de los grandes riesgos del género. El problema es que este equilibrio se rompe al final con un estallido de violencia -también muy de Calparsoro- en dos pasajes que restan credibilidad a la historia y que pueden ahuyentar a una parte del público que vea en la película una crítica directa a una determinada gestión política. Esa crítica la hay, por supuesto, pero no sería justo reducir a un eslogan -tanto los creadores como los espectadores- una cinta tan potente, con un dilema tan interesante. A. Sánchez de la nieta

La producción, el reparto, el ritmo.

El tramo ﬁnal.

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Hotel Transilvania Amable y entretenida película de vuelta de tuerca que no acaba de explotar su potencial HOTEL TRAnSYLVAnIA, 2012 País: EE.UU. Dirección: Genndy Tartakovsky Guión: Peter Banyham, Robert Smigel Música: Mark Mothersbaugh Voces originales: Adam Sandler, Selena Gomez, Kevin James, Steve Buscemi, David Spade, Andy Samberg, Fran Drescher, Molly Shannon 91 m. +7 años Distribuidora: Sony Estreno: 26.10.2012

Papá Drácula El conde Drácula se ha retirado a los confines de Transilvania con su hijita Mavis, allí dedica toda su energía a protegerla de los humanos. En el lujoso hotel donde viven, los monstruos son siempre bien recibidos, Hotel Transilvania es un lugar donde todos pueden descansar, sin que los humanos molesten. Pero el día en que Mavis llega a la mayoría de edad y su padre ha organizado una gran fiesta, por accidente, aparece un joven humano de su edad. Los vampiros, y los monstruos en general, ya no son lo que eran. Tal vez sea para bien, han pasado muchos años desde aquel Nosferatu y ahora dan miedo... otras cosas. Como un regalo del viejo baúl de la Hammer vienen un puñado de monstruos clásicos,

decididos a hacernos pasar un buen rato y a reconciliarse con la humanidad. El nuevo relato habla de un conde Drácula, padre amoroso, cuidando de su hijita y protegiéndola, a pesar suyo. La trama principal se convierte en una historia de padre protector-hija adolescente de corte clásico, ambientada en un castillo donde los pobres y buenos monstruos deben ocultarse de los malvados humanos. La presentación es excelente, personajes diversos y muy divertidos se pasean por el castillo, pero en seguida se convierten en figuras decorativas muy poco utilizadas porque la historia se centra en el afán de libertad de la niña obligada a permanecer -por su bien- entre cuatro paredes, con el joven humano luchando por sobrevivir... ni los personajes ni las situaciones están bien aprovechados. El recurso al 3D, tampoco. Hotel Transilvania es una amable y entretenida película familiar del ruso Tartakovsky, corta de historia (escrita por el autor de Arthur Christmas), larga de buenas intenciones, que explota los gags que surgen espontáneamente, pero que no aprovecha su potencial. Fernando Gil-Delgado

Amaga…

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no da…

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En la casa Concha de Oro en el último Festival de San Sebastián para un divertimento tan entretenido como superﬁcialmente enfermizo DAnS LA MAISOn, 2012 País: Francia Dirección y Guión: François Ozon Fotografía: Jérôme Alméras Montaje: Laure Gardette Música: Philippe Rombi Intérpretes: Fabrice Luchini, Ernst Umhauer, Kristin Scott Thomas, Emmanuelle Seigner, Catherine Davenier 105 m. + 18 años (X) Distribuidora: Golem Estreno: 9.11.2012

El arte que envenena tu vida Germain es un profesor de literatura en un colegio privado y Jeanne, su mujer, trabaja en una galería de arte moderno. Ambos comparten frustración profesional. nadie entiende ni quiere comprar arte moderno; ningún alumno muestra verdadero interés por leer y escribir. Hasta que llega Claude, un alumno que redacta de maravilla y que, asumiendo la sugerencia de su profesor, escribirá cada día una entrega folletinesca sobre sus estancias “en la casa” de la familia de su mejor amigo. El director francés dejó bastante indiferente a la crítica con su última película, Potiche. Con esta adaptación libre de una obra de teatro del madrileño Juan Mayorga logra su mejor obra. A lo largo de la película, la realidad y la ﬁcción se confunden con bastante acierto, punteando con sorna epigramática el hermetismo del arte moderno, la atracción del espectador por las novelas por entregas, el poder de inﬂuencia de un maestro sobre su discípulo y viceversa.

El gran acierto es que el espectador, de algún modo, se convierte en un co-autor de la historia, ya que durante toda la película se activa su imaginación pensando qué giro le dará el joven, qué le sugerirá el profesor, qué es inventado y qué es real de cada uno de los relatos. El ritmo llega a ser trepidante en una narración ágil de diálogos irónicos interpretados por un trío protagonista soberbio. Ozon ha insistido en sus declaraciones en la libertad con la que quiere que el espectador interprete la obra, aunque este juego no es tan inocente y neutral como parece. Sin ánimo de destripar ninguno de los giros de la historia, está claro que el argumento navega en una única dirección folletinesca y, como tal, unívoca. El punto de vista con el que se cuenta la historia no es aséptico ni imparcial, sino rotundamente cínico y superficial, en línea con la filmografía de Ozon. Sorprende la ligereza con la que el director francés juega con asuntos muy delicados. Es llamativo que la casi totalidad de las relaciones afectivas que se establecen sean enfermizas. Esta frivolidad hace que la película brille mientras se ve pero tenga dificultades para asentarse en la estantería de la memoria que guarda las grandes obras. Basta comparar la película de Ozon con la capacidad de sugerencia y la hondura humanista de otras que no se han contentado con ser un divertimento ingenioso sobre las relaciones entre el arte y la vida (La rosa púrpura del Cairo, Big Fish, Más extraño que la ficción o Verbo), entre el maestro y el discípulo (El hombre sin rostro, Hoy empieza todo, Ser y tener, Polisse, Sólo es el principio, Profesor Lazhar). C. Sánchez El ajustado divertimento.

La desconexión arte-vida.

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La parte de los ángeles Un Loach social, como siempre, pero optimista como casi nunca en una buena película digna de la Ealing THE AnGELS’ SHARE, 2012 País: Reino Unido Dirección: Ken Loach Guión: Paul Laverty Fotografía: Robbie Ryan Montaje: Jonathan Morris Música: George Fenton Intérpretes: Paul Bannigan, John Henshaw, Gary Maitland, Jasmin Riggins, William Ruane, Roger Allam, Siobhan Reilly 106 m. +16 años (SD) Distribuidora: Alta Estreno: 16.11.2012

Otra cara de Loach La cinta arranca presentando rápidamente a un grupo de jóvenes parias a los que están juzgando por diversos delitos leves que van del vandalismo puro a los pequeños hurtos en una tienda. ninguno va a la cárcel, las sentencias son horas de trabajo comunitario.

dura, marginal, cruel y estúpida; el nuevo Loach, que ya demostró su talento para la comedia en Buscando a Eric, encuentra soluciones, ve posibilidades de reformarse, de salir adelante, si se está motivado, si se cuenta con alguien dispuesto a ayudar... ¡Loach, optimista!

Robbie, hombre violento y con un largo historial delictivo, evita la cárcel porque su abogado asegura que se va a enmendar en vista de su inminente paternidad. Robbie y sus compañeros trabajan bajo la amable vigilancia de Harry, hombre afable, aficionado al buen whisky, que decide confiar en Robbie y ayudarle porque ha visto la persecución que sufre por parte de antiguos compañeros, y porque le ha oído jurar que su hijo no tendrá la misma vida que él.

La película está rodada por el equipo técnico habitual de Loach, que vuelve a confiar en actores desconocidos. Paul Bannigan da vida a Robbie, y nos aseguran que es igual al personaje que encarna, incluida la cicatriz que le cruza la mejilla, conseguida en una pelea. Con él se estrenan también Gary Maitland (Albert) y Jasmin Riggins (Mo); junto a ellos están William Ruane y John Henshaw, que ya habían actuado a las órdenes del director británico.

Juntos descubrirán lo difícil que es encontrar trabajo con un historial como el suyo, lo difícil que es cambiar si no cambias de aires: “aunque tú quieras, ellos no te dejarán” dice uno de los protagonistas mirando a la vieja banda de Robbie...

Un veterano realizador tan social como siempre, pero esperanzado, que aprovecha para hacer un vídeo publicitario para Escocia.

Loach (y su guionista habitual Paul Laverty) nos vuelve a sorprender, esta vez gratamente, con una película que los estudios Ealing no dudarían en considerar suya. Se trata de una comedia con un toque disparatado y una base profundamente realista, relacionada con aquella extraordinaria cinta Whisky galore. El viejo Loach de 76 años retrata una sociedad 20 - Fila Siete

F. Gil-Delgado

El sorprendente optimismo de Loach.

Algún exceso publicitario.

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Fin Jorge Torregrossa dirige un ambicioso thriller apocalíptico bien rodado y peor escrito FIn, 2012 País: España Dirección: Jorge Torregrossa Guión: Jorge Guerricaechevarría, Sergio G. Sánchez; basado en la novela de David Monteagudo Fotografía: José David Montero Montaje: Carolina Martínez Música: Lucio Godoy Intérpretes: Maribel Verdú, Daniel Grao, Clara Lago, Blanca Romero, Antonio Garrido, Carmen Ruiz, Miquel Fernández, Andrés Velencoso 95 m. +16 años (V) Distribuidora: Sony Estreno: 23.11.2012

Tan elogiable como fallido Hay películas que sirven como ejemplo; de lo que hay que hacer... y de lo que no. O mejor: sirven para demostrar que cocinar cine de género tiene su receta, y que la falta o el exceso de ingredientes puede echar a perder el más suculento plato. Fin es una de esas películas. Jorge Torregrossa dirige un elogiable -pero fallido- intento de thriller apocalíptico. Elogiable porque se trata de un género complejo y apenas abordado en nuestra filmografía, bien rodado y con un buen nivel de producción; y fallido porque solo un tercio de la cinta tiene interés, y ese tercio, para colmo de males, llega al final. Sin ánimo de dar lecciones, el fallo de Fin es bastante evidente, se llama déficit de escritura y, en concreto, insuficiente perfilado de personajes. Cuando tienes una historia grande -y la de un thriller apocalíptico tiene que serlo- la línea que separa lo convencional de la maestría se llama dibujo de personajes (de esto Spielberg sabe un rato). Como crítica, soy consciente de que es mucho más sencillo analizar desde mi ordenador que escribir y rodar una película como Fin, que cuenta -ni más ni menos- el fin del mundo a través de la pesadilla que vive una pandilla de amigos que rondan los 40 y que se reúnen después de 20 años.

podría ser escalofriante pero no lo es, o lo es en escasa medida, entre otras cosas porque los personajes son tan huecos, están tan vacíos, que al espectador le importa bastante poco lo que les ocurra, aunque sea el fin del mundo. Para colmo, en ese tramo de la cinta, el protagonismo, en cierto modo, recae en los intérpretes más flojos, por lo que tenemos la ecuación cerrada. Y la demostración es que, en el último tercio, y apoyándose en los personajes -mejor dibujados e interpretados con más solvencia- de Daniel Grao, Maribel Verdú y Clara Lago, la cinta se transforma. Estamos ante otra película. El nervio y la intensidad sustituyen al tedio. Hay clímax. notas el estómago y ya no te da igual lo que les pase a los personajes. Junto con eso... sientes la decepción de haber visto un producto pasable que podría haber sido mucho más grande. A. Sánchez de la nieta

El tercio ﬁnal.

El escaso dibujo de los personajes.

Como no se trata de desvelar el argumento, sólo diré que lo que ocurre en los dos primeros tercios Fila Siete - 23

Buscando a Eimish Rodríguez Rosell debuta en el cine con una película sobre la comunicación en la pareja que denota inexperiencia y personalidad a partes iguales BUSCAnDO A EIMISH, 2012 País: España Dirección y Guión: Ana Rodríguez Rosell Fotografía: Pau Mirabet Montaje: Cristina Pastor Música: Antonio Escobar Intérpretes: Óscar Jaenada, Manuela Vellés, Jan Cornet, Emma Suárez, Carlos Leal, Clara Würnell, Birol Ünel 85 m. +16 años (S) Distribuidora: European Dreams Estreno: 9.11.2012

Silencios que matan Lucas y Eimish forman una pareja joven y aparentemente compenetrada. Un día Eimish desaparece y Lucas va a buscarla, emprendiendo un largo viaje para entender las razones de la huida. Es muy fácil arremeter contra esta película, la opera prima intimista de una joven directora que roza la cursilería y se presenta excesivamente bienintencionada. Se nota la falta de experiencia en una historia muy pequeña que trata de crecer con subrayados emocionales. Falta ritmo y fuerza. Con todo, la película tiene algo y quizás ese algo sea una voz propia. Tengo una manía especial a la denominación cine para mujeres, y si esa etiqueta engloba títulos como

Sexo en Nueva York esa manía se transforma directamente en alergia. Pero, es cierto, que en esta película es fácil distinguir una voz femenina 100%. Por la protagonista, por el modo de narrar -más reflexivo-, por el tempo más lento y por los conflictos que aborda. Y, en este sentido, sin ser, ni de lejos, una película lograda, Buscando a Eimish tiene una originalidad difícil de encontrar en gran parte del cine español. Especialmente ese cine que trata de ahondar en las diferencias hombre-mujer y que, en el caso de la filmografía hispana, suele terminar por derroteros de comedia desinhibida. La película tiene un aire indie que -un acierto de casting- encaja muy bien con el físico y el modo de interpretar de Manuela Vellés. Frente a la vacuidad y el mutismo de ella, Óscar Jaenada está un poco sobreactuado -también en su línea- pero funciona como contrapunto. Al final, lo que parecía pretencioso durante toda la película -ese pesado silencio- se entiende y, por encima del nivel de acierto fílmico, la cinta contiene una interesante lección sobre la comunicación dentro de la pareja. A. Sánchez de la nieta

Interesante mirada sobre la relación.

24 - Fila Siete

La inexperiencia de la directora se aprecia en el guión y en el ritmo.

Ruby Sparks La segunda película de los directores de Pequeña Miss Sunshine intenta reeditar su gracejo y profundidad, pero no lo consigue RUBY SPARKS, 2012 País: EE.UU. Dirección: Jonathan Dayton, Valerie Faris Guión: Zoe Kazan Fotografía: Matthew Libatique Montaje: Pamela Martin Música: nick Urata Intérpretes: Paul Dano, Zoe Kazan, Antonio Banderas, Annette Bening, Steve Coogan, Elliott Gould, Chris Messina 104 m. +18 años (XD) Distribuidora: Fox Estreno: 26.10.2012

Pudiendo ser... Sin parecerme una película excelente, le reconozco valía a Pequeña Miss Sunshine, el primer largo de Jonathan Dayton y Valerie Faris, una película de carretera bastante hábil aunque para mi gusto demasiado televisiva, excesivamente situacional. Algunos apelaron a su condición de película extraordinariamente rentable para ponerla como ejemplo de buen cine independiente. Vale, pero vale hasta cierto punto, porque más bien es fruto de la legítima e inteligente estrategia de una major para tunear una película de estudio grande con presupuesto pequeño. De cualquier manera, la segunda película de Dayton & Faris empieza bien, muy bien, evoluciona regular y acaba como buenamente puede. Me comentaba una colega, que se pasó toda la película repitiendo a modo de mantra: “pudiendo ser Lars y una chica de verdad, no lo es, ni de broma”. Y es que la cinta podría volar y no vuela. no vuela porque Paul Dano está encantado de conocerse a sí mismo y los directores permiten que repita un papel que nos sabemos de memoria. no vuela porque si haces un planteamiento audaz (la muñeca hinchable de Lars, Ruby personaje de papel) debes ser coherente hasta el ﬁnal y Dayton & Faris no lo son. no despega la historia y da tumbos por la pista, algunos graciosos y bien rodados ciertamente. Luego tenemos ese absurdo virus que hace estragos entre los modernetes de Hollywood y alrededores: incluir secundarios que, en vez de ayudar a la propia

historia, la frenan como si fuesen un ancla amarrada a la cola del avión. Pienso en ese hermano absolutamente grotesco e inconsistente que, entre otras sandeces tópicas y sin sentido, dice cosas de su mujer como si su esposa fuera una furcia alquilada por horas; esos hiperventilados Annette Bening y Antonio Banderas, empotrados de cualquier manera, que solo verlos dan dentera. Ruby Sparks tiene elecciones interesantes, pero hay demasiado remedo de personas y ambientes de otras películas (baste pensar en Ruby como un clon físico y mental de la April de 500 días...). Lo que funcionaba en Pequeña Miss Sunshine, incluyendo una amable pero muy profunda colmillada sobre temas de gran calado, aquí se queda en grado de tentativa. Y para colmo con un metraje disparatado de 104 minutos. La cosa, si hubiese salido bien, da para 85-90 minutos, como casi toda buena comedia que se precie. El primer guión de Zoe Kazan, nieta del gran Elia, deja que desear. A. Fijo

Secuencias muy bien resueltas.

Un guión ﬂojo de la debutante nieta de Kazan.

Fila Siete - 25

Todo es silencio José Luis Cuerda vuelve a adaptar una novela del gallego Manuel Rivas, que se encarga del guión TODO ES SILEnCIO, 2012 País: España Dirección: José Luis Cuerda Guión: Manuel Rivas Fotografía: Hans Burmann Montaje: nacho Ruiz Capillas Música: Sergio Moure Intérpretes: Quim Gutiérrez, Miguel Ángel Silvestre, Juan Diego, Celia Freijeiro, Axel Fernández, Luis Zahera 119 m. +18 años (X) Distribuidora: Filmax Estreno: 6.11.2012

Poca historia, mal contada Años 60. Fins y Brinco son dos adolescentes de noitía, un pueblo de la costa atlántica gallega. Aunque amigos, tienen un motivo de rivalidad llamado Leda, una chica que se inclina por Fins. Éste debe irse del pueblo repentinamente. Cuando vuelve, 20 años después, encuentra todo cambiado. La trama amorosa se inserta en una historia de corrupción y narcotráﬁco que afecta a todo el pueblo, con Mariscal, el omnipresente y poderoso capo. José Luis Cuerda ya llevó al cine una novela del escritor gallego Manuel Rivas, La lengua de las mariposas (1999); una película correcta y maniquea, por la que se llevó el premio al Guión Adaptado en la correspondiente edición de los Goya. Con estos antecedentes, a sus 65 años Cuerda vuelve a Rivas, que se encarga de adaptar su propia novela... y no lo hace bien. Ha pasado el tiempo y las cosas han cambiado. Corren aires nuevos en el cine español. Vivimos un momento apasionante, con la emergencia de directores que lanzan al mercado películas rompedoras, diferentes: aunque sea rápidamente recordemos títulos recientes, de géneros tan dispares como Blancanieves, de Pablo Berger, Lo imposible, de Juan Antonio Bayona (ya es la película con estreno más taquillero de la historia del cine en nuestro país), y el logro en animación de Enrique Gato con Las aventuras de Tadeo Jones. En este contexto, Todo es silencio se queda descolocada, fuera de lugar en la carrera por el éxito comercial y de crítica. Es una película de un realizador experimentado anclado en el pasado... su cine es sencillamente antiguo. 2626 - Fila Siete

Cuando escribes de una película que está bien rodada, malo. El montaje de Nacho Ruiz Capillas, siempre correcto, deja aún más claro que el problema no es técnico. La película no “suena” real. En primer lugar porque hay fallos en la construcción y la caracterización de los personajes: no quedan claras algunas motivaciones fundamentales de Leda y Fins (dos de los tres protagonistas) y a lo largo del metraje los dos sufren una evolución muy poco convincente. Cuerda descuida la dirección de actores, algo en lo que, por lo general, el cine español ha mejorado. Destaca en positivo Luis Zahera, en su corta intervención como padre de Fins, único personaje realmente atractivo y auténtico de la historia. Las secuencias de Cuerda son de cartón-piedra, trasnochadas, con diálogos tópicos y planos. Se agradecen algunos apuntes de humor, escaso en la historia. Y, aunque la película no se mete por vericuetos políticos e ideológicos, el contrabandista que encarna Juan Diego se marca un anticlericalismo muy propio, es decir, de contrabando. Al no funcionar las subtramas hay poco donde agarrarse. Todo es silencio inauguró la 57º edición de la Seminci el pasado 20 de octubre. Sofía López Un secundario, Luis Zahera.

La historia, el guión.

TRAVELLING

DOS DÍAS En nUEVA YORK /

EL DOBLE DEL DIABLO /

En CAMPAñA TODO VALE /

Julie Delpy

Lee Tamahori

Jay Roach

+18 años (XD)

+18 años (V+X)

+18 años (X-D)

no ha innovado Julie Delpy demasiado en esta secuela de Dos días en París. Otra vez una pareja en crisis -esta vez más soterrada-, una familia alrededor dispuesta a amargar la vida y mucha verborrea desinhibida sobre sexo. La diferencia es que, si la primera vez a la cinta se le perdonaban muchas cosas por ser una visión fresca, ahora esa frescura tiene más pinta de ser incapacidad para contar algo más consistente.

Una película basada en las memorias del doble del hijo de Sadam Hussein, Uday. Dominic Cooper hace un notable esfuerzo, pero su personaje es muy plano y la historia está contada sin ingenio ni emoción por el guionista de Lady Halcon y Backbeat. La insistencia en mostrar que Uday era un playboy es agotadora. Y la labor de Tamahori detrás de la cámara es torpe como en sus anteriores películas (Next, Muere otro día, xXx 2).

Roach, autor de una serie de comedias de humor fácil que van de lo discreto a lo pésimo, ha sido elegido por Will Ferrell, productor y protagonista, para dirigir este disparate. En teoría se trata de una parodia de la corrupción política norteamericana. Podría ser un Idus de marzo en clave de humor, pero con el tándem Ferrell-Roach, solo hay alguna risa ocasional, palabrotas, irreverencias, humor guarro y estupidez sin límites.

En LA MEnTE DEL ASESInO /

HOLY MOTORS /

SUBMARInE /

Rob Cohen

Leos Carax

Richard Ayoade

+18 años (V+XD) Adaptación de una novela titulada Alex Cross (el nombre de un inspector de policía, licenciado en Psicología), esta película con desafortunado título español tiene un grave problema porque el malo le roba el protagonismo al bueno. Ustedes pensarán que en fin, que no hay que ser rígido, que el malo puede ser más interesante... pero no, el malo es patético, un asesino a sueldo que es un psicópata de opereta. 2828 - Fila Siete

+18 años (VXD)

+18 años (SD)

Afortunadamente el director de Los amantes del Pont-Neuf se prodiga poco. Esta película es un ejercicio de corta-pega cinematográfico, con ínfulas de “voy a reinventar el cine” o de “voy a ver si pican”, realizado con la limusina de un amigo y alguna cara conocida que se presta a aparecer en un delirio inane y agotador. En Sitges solo les faltó regalarle el mono y las llaves de oro de la ciudad.

Opera prima independiente y británica que tiene como protagonista a un adolescente solitario y reflexivo, hijo de un matrimonio surrealista. Se ven claramente la influencia de Los cuatrocientos golpes y de los personajes de Wes Anderson. Y muchas ganas (ineficaces), de llegar al nivel creativo de otros directores jóvenes. Pero los actores y las canciones de Alex Turner, solista de los Arctic Monkeys, están muy bien.

Festival San Sebastián 2012 Tres guiños generosos al cine francés en un año de glamour y blanco y negro español El Festival de San Sebastián llevaba años en ese estado clásico de los certámenes cinematográficos: cada vez más cerca de la crítica erudita, cada vez más lejos del gran público. Y qué mejor que un aniversario redondo (el 60º en concreto) para dar un volantazo a tiempo, reducir la cuota de cine hermético y traer estrellas de Hollywood que acerquen el Festival a los telediarios y al gran público. Hasta 5 premios especiales se otorgaron a las carreras cinematográficas de Ewan McGregor, John Travolta, Oliver Stone, Dustin Hoffman y Tommy Lee Jones. Un derroche que puede resultar eficaz pero que evidentemente devalúa el, hasta ahora, prestigioso Premio Donostia. Sin embargo Hollywood, que sí estuvo presente en la Sección Oficial con películas tan interesantes como Argo, la tercera de Ben Affleck, o Lo imposible, del español Juan Antonio Bayona, no tuvo reconocimiento en el Palmarés del festival donde hubo mucho cine español y unos cuantos guiños al cine francés. Blancanieves, de Pablo Berger, que finalmente representará a España en la carrera de los Oscar, obtuvo dos premios importantes en San Sebastián: premio del público y Concha de plata a la mejor actriz para Macarena García (que suena a un cantado Goya a actriz revelación). La emocionada y primeriza actriz española recibió el premio ex aequo con Katie Coseni, la protagonista de la interesante película americana del francés Lauren Cantet: Foxfire. La versión taurino-flamenca del cuento de Blancanieves es una película muy original y enormemente expresiva en la que su director llevaba trabajando 8 años. Probablemente después del tsunami The artist no se valore tanto su audacia para hacer una película muda y en blanco y negro, pero el poema visual de Berger es de los que engrandece una Sección oficial de un Festival tan importante como San Sebastián.

La Concha de plata al mejor director fue para Fernando Trueba por El artista y la modelo. El director madrileño nunca había ganado en Donosti y era el momento de saldar esa deuda. Pocos dudan que su película es la más sugerente, la mejor filmada, interpretada y escrita de su filmografía. La doble pareja Aida FolchJean Rochefort y Chus Lampreave-Claudia Cardinale funciona a la perfección en un homenaje al arte sutil y reflexivo, pero no pedante. El premio a la mejor película y guión se lo llevó Dans la maison, del francés Françoise Ozon. Una obra que él mismo presentó como un divertimento sobre la realidad y la ficción literaria. Y realmente eso es lo que hizo la crítica: divertirse de lo lindo con un guión hábil que aprovecha un trío de actores muy entonado. Otra cosa es que la película sea la mejor del Festival, algo que evidentemente no esperaba ni el propio Ozon. El tiempo dirá si su juego cinematográfico tiene suficiente calado o estamos ante una frivolité efímera de escasa repercusión artística. Desde luego teniendo películas como las de Berger y Trueba, el guiño a nuestros amigos franceses es de un altruismo y generosidad realmente conmovedores. Como no podía faltar, la cuota de cine extravagante y vanguardista se tenía que llevar un premio y así fue. José Sacristán ganó la Concha de Plata al mejor actor por hacer todo lo que puede para que El muerto y ser feliz no resulte otra tomadura de pelo metacinematográfica y pedante de director Javier Rebollo. Por último, la mejor fotografía fue para Touraj Aslani por Rhino season, la película del iraní Bahman Ghobadi, dos veces ganador de la Concha de Oro. A. Sánchez de la nieta C. Sánchez Fila Siete - 29

Cumple 60 años...\\\\\\\\\

Solo ante el peligro La mítica película de Fred Zinnemann fue candidata a siete Oscar (consiguió cuatro: actor principal, montaje, música y canción original). La cinta supuso un segundo despegue en la carrera de Gary Cooper, ahora convertido en un galán maduro. También marcó el inicio de los grandes éxitos de Fred Zinnemann y de la carrera cinematográfica de Grace Kelly. El sheriff Will Kane se acaba de casar y renuncia a su cargo para abrir un pequeño negocio en otra localidad. En ese momento, llega la noticia de que un criminal llamado Frank Miller, a quien Kane había detenido, ha sido liberado y viene a vengarse. La historia del sheriff abandonado por los suyos y enfrentándose en solitario a sus enemigos trasciende la anécdota del western y se convierte en una alegoría política: el guionista y productor Foreman enfrentado al Comité Parlamentario sobre Actividades Antiamericanas, la caza de brujas

30 - Fila Siete

HIGH nOOn, 1952 País: EE.UU. Dirección: Fred Zinnemann Guión: Carl Foreman Fotografía: Floyd Crosby Montaje: Elmo Williams Música: Dimitri Tiomkin Intérpretes: Gary Cooper, Grace Kelly, Thomas Mitchell, Lloyd Bridges, Otto Kruger, Katy Jurado, Lon Chaney Jr., Henry Morgan, Lee Van Cleef Distribuidora DVD: Vellavisión 85 min. +12 años

de McCarthy. Foreman tuvo que comparecer ante el senador durante el rodaje de esta cinta y terminó en las listas negras. La secuencia de apertura es un alarde: mientras duran la canción y los títulos de crédito se presenta toda la situación. La segunda parte transcurre en tiempo real. Es notable la dolorida expresión de Gary Cooper: Zinnemann aprovechó una úlcera que sufría el actor para trascender la molestia física y convertirlo en sufrimiento moral. Un prodigio de concisión, 85 minutos. F. Gil-Delgado

Cumple 79 años...\\\\\\\\\

Dama por un día

Hay que celebrar la aparición del DVD -nunca salió en vídeo- cuando se van a cumplir los ochenta años de esta película, una de las grandes y más olvidadas de Frank Capra. Dama por un día es un largometraje especial en la carrera del italonorteamericano; con esta cinta optó por primera vez al Oscar como mejor director, y a partir de ella todo fueron triunfos, hasta su última película, Un gánster para un milagro, remake de Dama por un día, muy inferior al original y un fracaso comercial. Dama por un día cuenta la historia de Annie, la vendedora de manzanas de Times Square, una pobre anciana a quien un mafioso compra una manzana cada día porque, dice, le dan suerte. Annie tiene una hija, a la que no ha visto desde que nació: la mandó a educarse en Europa y, por carta, le ha hecho creer que

LADY FOR A DAY, 1933 País: EE.UU. Dirección: Frank Capra Guión: Robert Riskin Fotografía: Joseph Walker Montaje: Gene Havlick Música: W. Franke Harling Intérpretes: Glenda Farrell, Guy Kibbee, Jean Parker, May Robson, ned Sparks Distribuidora DVD: Regia 88 min. Todos

pertenece a la mejor sociedad neoyorquina. La historia comienza cuando Annie recibe una carta anunciando la inminente llegada de su hija, con su prometido y el padre de éste, un acaudalado noble español, que vienen expresamente para conocerla antes de la boda. El gánster acude en su ayuda e intenta hacerla pasar por una dama en tan sólo veinticuatro horas. Esta película contiene las esencias del mejor cine de Capra: realismo social, ironía, pura fantasía, solidaridad y humor, agilidad. Tiene un extraordinario plantel de actores de época, entre los que destaca la australiana May Robson, célebres en su momento y ahora casi desconocidos. F. Gil-Delgado

Fila Siete - 31

Estuvimos con… Adrian Grunberg y Stacy Perskie, director y productor de Vacaciones en el infierno Como es lógico, cuando haces una entrevista, has visto la película. Incluso, te ha podido dar tiempo a pensarla. Vacaciones en el infierno es algo más que una película de acción (ver la crítica en el nº148 de FILA SIETE) y me parece que es una cinta de mucha calidad. Cuando me siento a charlar con el director y el productor-guionista es algo que tengo en la cabeza, y es lo primero que les digo. Asienten y me lo agradecen. Les pregunto por la idea de la película y rápidamente mencionan a Mel Gibson, productor, guionista y actor principal de la historia. Grunberg y Perskie me cuentan que “todo empezó con una idea de Mel después de leer algunas informaciones sobre la situación de las prisiones en México. Le pareció que el cine no había contado una historia con ese telón de fondo y a esa escala. La premisa era simple: un americano en una prisión mexicana. A raíz de esa premisa empezamos a investigar y dimos con la prisión conocida como El Pueblito, en Tijuana, que se clausuró en 2002. Vimos que era un microcosmos con hombres, mujeres, niños, corrupción, comercios, casas dentro de la prisión, etc.” no hace mucho que varios periódicos hablaban de los problemas de prisiones mexicanas que están en manos de los presos. Y les pregunto si piensan que han exagerado en su retrato. “no hemos exagerado, pero entendemos que haya gente que cuando vea la película piense que lo hemos hecho. Ves la cinta y cuesta creerlo, pero no, no exageramos. Lo difícil fue decidir lo que no íbamos a poner en el cuadro después de todo lo que documentamos, porque se trataba de contar una historia, no de hacer un documental”. Le recuerdo a Grunberg que Master and commander (fue primer ayudante de producción de Peter Weir) me parece una película extraordinariamente verosímil en su retrato de un buque de la Armada

en el siglo XIX. En Vacaciones en el infierno se cuentan muchas cosas y siendo la película muy ágil, no hay sensación de prisa y transmite autenticidad... “La historia nació con nosotros, la arropamos, le dimos de comer, le cambiamos el pañal... eso ayuda. De la idea al estreno hubo cuatro años de trabajo y en ese tiempo puedes pensar, teorizar, probar, depurar. nos dimos cuenta de que había que quitar la paja del guión y del montaje. Hubo cosas que no llegamos a ﬁlmar y otras que se quedaron en el suelo de la sala de montaje”. Habiendo trabajado con Alejandro González Iñárritu, Oliver Stone, Peter Weir y Mel Gibson, es obligado referirse a inﬂuencias en un director nobel como Grunberg, que no lo parece... “Considero un privilegio haber trabajado con todos esos directores. Sinceramente no sé decirte en qué, pero estoy convencido de que aprendí de Stone, de Tony Scott, de Mel, por supuesto. Si no lo hubiera hecho, para qué...”.

“No hemos exagerado pero entendemos que haya gente que piense que lo hemos hecho” 32 - Fila Siete

Aunque se noten inﬂuencias, la película me parece muy personal y le digo a los dos que era muy fácil haber perdido el tono, porque si algo tiene la cinta es un tono logradísimo... Me cuentan que las tres cabezas pensantes (ellos dos y Mel Gibson) eran conscientes de lo que querían contar. no estaban haciendo Un profeta, que les parece una película estupenda. Dentro del mundo sórdido en el que se mueve la historia, querían que el espectador respirase, se riese, tomase conciencia de que le contaban algo real pero, a la vez, que pasase un rato divertido... Les digo que Mel Gibson está sensacional y el resto del reparto también. Cuando piropeo a Grunberg por el casting y la dirección de actores, me dice con modestia que se dirigen solos. Como no doy mi brazo a torcer, me cuenta: “nos ayudó mucho haber escrito los personajes teniendo ya en la cabeza a los actores que iban a interpretarlos. Además, pudimos conversar con ellos para que se sintiesen cómodos. El ambiente fue relajado porque los actores se conocían entre sí y se logró un aire familiar agradable para el trabajo”. Sobre la apariencia de la película, que tiene unos planos aéreos de la prisión y unas secuencias de acción exteriores muy espectaculares, les digo que es una pena que los americanos se la hayan perdido en pantalla grande porque en ese formato luce muy bien... (la película pasó directamente a TV y luego a DVD, quizás por un evidente complejo anti-Gibson que hay en Estados Unidos y que me parece rídiculo e injusto). Se ríen y dicen que sí, que es una pena (las dos cosas)... La película es una película grande con un

presupuesto ajustado, por eso sorprende la secuencia impresionante del asalto y la escala con la que habéis trabajado... “Dimos -comenta Perskie- con una cárcel que se iba a cerrar en Veracruz, porque no reunía las mínimas condiciones. Fuimos a verla cuando estaba aún activa y nos encantó, era justo lo que habíamos documentado. El gobierno facilitó mucho el proceso y pudimos trabajar. Evidentemente nos ayudó haber rodado cinco películas previas en ese estado que es el que más rodajes acoge en México. Indudablemente el nombre de Mel abrió muchas puertas, no hay que olvidar que allí se hizo Apocalypto. En cuanto a lo que dices de escala, bueno, procuramos arreglar los sets y las localizaciones, y creo que lo más que juntamos fueron 700 extras...” [se ríen, cuando les digo, que ese número para España es una barbaridad, igual es que ellos están acostumbrados a trabajar con los norteamericanos...]. no banalizan la violencia, no la coreograﬁan como otros directores, la película es espectacular y, a la vez, sobria. Podría ser mucho más sórdida... Hay veces que sugiere en vez de mostrar... ¿Es una decisión consciente? “Sí, lo es -dice Grunberg-. Hay cosas que hay que mostrar y otras que no. Mel decía que la gente cuando sale del cine se hace la película en su cabeza y pueden comentar cosas que creen haber visto, pero que tú no has mostrado. La sugerencia da alas y permite que la imaginación del espectador tome como visto lo que solo se ha sugerido. Si eres muy gráﬁco te limitas. La sugerencia te da más libertad”. A. Fijo

Fila Siete - 33

Estuvimos con… Eduard Cortés, director de ¡Atraco! ¡Atraco! se presentó, fuera de concurso, en el 60º Festival de San Sebastián, una edición con una muy digna participación de cine español. La coproducción hispano-argentina, dirigida por Eduard Cortés, cuenta una historia basada en hechos reales. Cortés nos confirmó que “todo parte de un hecho histórico, donde hay varias capas: unas oficiales y otras oficiosas. Cuando Pedro [Pedro Costa, productor y guionista] me habló de la historia, la recibí tal cual. Me entusiasmó la cantidad de giros dramáticos que tenía. no paraba de girar, casi veía cuatro películas. Al principio, veía una casi de aventuras con el maletín para arriba y para abajo, después veía la propia idiosincrasia del atraco, la investigación posterior de film noir y luego la parte final. Sentía vértigo cuando pensábamos en cómo conseguir que todo se juntase. Era un reto que no sé en qué medida se ha conseguido, pero para mí era un estímulo”. Una vez más, el director catalán recurre a hechos reales, por los que no esconde su predilección: “en mi caso me parece que no he hecho otra cosa aparte de hechos reales. Me llaman mucho la atención, sobre todo con este grado de estridencia. Siempre trato de entender qué tipo de personajes pueden llevarlos a cabo. Ese ejercicio de encontrar a los personajes con los guionistas hace que una historia que, en principio es como un episodio, vaya cogiendo cuerpo. Es una experiencia muy estimulante”. Toda esta labor de construir fielmente la historia tiene, según el propio Cortés, un protagonista entre todo el equipo de guionistas, Marcelo Figueras, que “fue una garantía para poder pisar fuerte en un terreno que conocía pero no con la profundidad que necesitaba. El peronismo tiene también en la película

diferentes miradas como la del personaje que hace Francella, que es de una gran lealtad”. Al argentino Guillermo Francella le acompañan dos jóvenes actores españoles, Óscar Jaenada y Amaia Salamanca. El director catalán habla así de la importancia de su trabajo: “si conseguíamos unos personajes que tuvieran verdad -las interpretaciones de estos magníficos actores han dotado de esa verdad a los personajes-, el espectador vencería las pequeñas resistencias a todos los cambios de tono. Así es como la película fluye de una fase a otra y se van sintiendo esas emociones. A fin de cuentas, se agradece que en un momento determinado te hayan hecho reír o estar más en tensión y, en algún momento, incluso te hagan llorar. Hace que te sientas vivo, y yo, no como director sino como espectador, lo agradezco muchísimo”. no sólo el equipo de guionistas y el reparto aportan calidad a la película, la ambientación y la música dan como resultado una gran puesta en escena. “Cuando me hablaron de los años cincuenta en Madrid -dice Cortés- pensé en esa época más sórdida y gris de la posguerra. Pero estuve investigando y me di cuenta de que en las capas más burguesas la influencia americana estaba entrando de manera evidente e intenté ir a ese tipo de ambientes mucho más coloristas. Me apetecía llevar la película a ese terreno y todo ha ido en ese sentido, hacia algo más cinematográfico”. Álvaro Flórez

“La historia no para de girar, casi veía cuatro películas” 34 - Fila Siete

MÚSICA DE CINE >>>>>>>>>>>>>>>>> Brave (Indomable)

\\ Patrick Doyle y otros autores supone no centrar la trama en una convencional historia de amor entre príncipe azul y joven heredera al trono. Y sabe que se la juega en la riqueza de matices de la relación madre-hija. En ese ámbito hay fuerza melódica en temas como In her heart (dominada por el violín y la flauta) o Remember to smile (con la gaita celta como estrella). Brave es la película más Disney de Pixar. Salvo en casos excepcionales, como en la divertida versión flamenca de Hay un amigo en mí, de Gipsy Kings, con la que se cerraba Toy story 3, no era frecuente ver a personajes de Pixar ponerse a cantar en medio de una película. En Brave sucede varias veces enriqueciendo la narración y los personajes.

Compañía: EMI Music Duración: 63 min. Precio: 17,99 € Brave partía con un importante condicionante para el compositor de la música. no era sencillo asumir, manteniendo a salvo la originalidad, la herencia de brillantes composiciones celtas como las que James Horner, John Powell o Carter Burwell crearon para películas como Braveheart, Cómo entrenar a tu dragón y Rob Roy.

En esta ocasión hay que reconocer que la versión española que Russian Red hace de las canciones Touch the sky y Into the air de la escocesa Julie Fowlis (traducidas como Volaré y A la luz del sol) no desmerece la versión original. Es un acierto respetar asimismo la versión original del lamento gaélico Noble maiden fair, interpretado magistralmente por Emma Thompson y la pequeña Peigi Barker. El tema final, Learn me right, está interpretado por la revelación británica Birdy acompañada por la banda de folk&rock Mumford & Sons. Es una canción compuesta por Birdy, acreedora del Disco de Oro y luego de Platino por el álbum que la contiene, primero en el Reino Unido y luego en buena parte de Europa. C. Sánchez

Además, el sello Pixar estaba en una situación de relativa crisis después de convencer muy poco con la segunda entrega de Cars. Hacía falta volver a romper esquemas y para eso se eligió un argumento distinto centrado en una época medieval, poco transitada por el cine de animación. Esta vez, el compositor no sería ninguno de los habituales de Pixar (Michael Giacchino y Randy Newman), sino el maestro escocés Patrick Doyle (dos veces aspirante al Oscar por Sentido y sensibilidad, de Ang Lee, y Hamlet, de Kenneth Branagh). El carisma de la música de Doyle consiste en ir más allá de los tradicionales instrumentos celtas como el arpa y la gaita. El compositor escocés añade colores al dar entrada al fiddle, las flautas y el bodhran. Hay sonido electrónico, dulcimer y címbalos. Doyle es consciente de la audacia argumental que Fila Siete - 35

Cine y alrededores

Juan José Muñoz(*)

El Edén de Fernando Trueba “Hay dos pruebas de la existencia de Dios. La primera de ellas, y la más importante, es el cuerpo de la mujer.” De esta guisa, Trueba nos introduce en El artista y la modelo, su personal homenaje a la creación artística y a la belleza.

Berlín), pues permite exponer lo esencial del cuerpo humano, sin distraerse con elementos accesorios que tienden a presentarlo como un simple objeto de deseo, un producto comercial, o como declaró el propio Trueba, caer en la vulgaridad o el esteticismo.

La referencia a la divinidad es pertinente, pues si nos remontamos al bíblico Cantar de los cantares, y seguimos nuestro viaje por el mundo del arte, religioso o no, desde la Antigüedad hasta nuestros días, ese festival de la belleza como esplendor de la forma y armonía del cuerpo humano, y en último término como reflejo del creador, no dejan de ser un argumento omnipresente.

Una apuesta muy necesaria que permitiría recuperar el valor personal y simbólico del cuerpo. Es cierto que en gran parte de la cultura occidental, debido al abuso de la técnica y el mercantilismo, nos hemos vuelto insensibles para descifrar otros valores y otras dimensiones que no sean las empíricas. Por todo ello, en nuestro imaginario colectivo la figura humana está desprovista, en ocasiones, de su peculiar grandeza: es el desnudo de la pura corporeidad, el cuerpo como algo meramente funcional, al que fácilmente la mirada humana puede despojar de nobleza y dignidad.

Incluso un artista provocador y agnóstico como Óscar Tusquets, tiene la osadía de aventurar que resulta casi imposible entender la historia del arte, con todo su bagaje de refinamiento y filigrana estética, sin tener la impresión de que los autores de dichas obras trabajan para el Creador; por eso titula uno de sus ensayos: Dios lo ve. De los múltiples ejemplos que refiere en su libro me quedo con dos: los detalles perfeccionistas de algunas obras arquitectónicas situados en lugares recónditos, que casi nadie podrá divisar, y la elegancia al representar el cuerpo femenino en la Venus del espejo de Velázquez. Algo de esto hay en El artista y la modelo. La decisión de Fernando Trueba de rodar su película en blanco y negro me parece acertadísima (y trae a la memoria la mirada del ángel a la trapecista en Cielo sobre

La magia de la experiencia estética, del encuentro con la belleza terrenal, recuerda el filósofo alemán Pieper, constituye un formidable antídoto contra este virus de la tosquedad, pues nos conduce a una especie de locura divina, a un éxtasis que nos llena de nostalgia por la verdadera belleza. Así, Marc, el escultor protagonista de El artista y la modelo, recupera las ganas de trabajar cuando su mujer le presenta a Mercé, una joven exiliada española que posará como modelo para el viejo escultor. Recupera las ganas de vivir al entrar en un mundo extraordinario que logra sacarle de la rutina y despegarle de lo cotidiano, hasta el punto de que Marc no parece

“La experiencia estética es diversa del deseo, pues es más propensa a la serenidad, debido a la distancia de contemplación que se mantiene ante el objeto artístico (obra o modelo natural)” 36 - Fila Siete

prestar atención al entorno bélico que le rodea. Otra batalla será la que le corresponda librar al escultor: un combate sin tregua, una lucha hecha a base de inspiración y transpiración, y que hace justicia a la sentencia de Platón: “Lo bello es difícil”. De este modo lo confiesan algunos artistas: “Tengo una pequeña sensación, mas no consigo expresarme (...)”. El tiempo y la reflexión, por lo demás, van modificando paulatinamente nuestra visión hasta que, por último, llegamos a comprender.” (Paul Cezanne). “Todo es gestar y luego parir. Dejar cumplirse toda impresión y todo germen de un sentir totalmente en sí, en lo oscuro, en lo indecible, en lo inconsciente, en lo inaccesible al propio entendimiento, y aguardar con honda humildad y paciencia la hora del descenso de una nueva claridad: solamente esto se llama vivir como artista”. (R.M. Rilke). Laborioso como pretender atrapar la luz, pero cuando se consigue, cuando se vislumbra la figura ideal de algo, se nos manifiesta su verdadera esencia, su plenitud de sentido. En un bello plano de la película, Marc observa el cuerpo de Mercé bañado en luz y obtiene la inspiración que llevaba tiempo buscando. Una innegable atmósfera de elegancia envuelve esta cinta minoritaria de Trueba. Pero también conviene señalar, como recuerda Román Gubern, que el desnudo artístico puede resultar “seductor para quien lo contempla, lo que implica que no puede ser eróticamente neutro.” Y la película de Trueba lo apunta en una escena, dando a entender que el artista no puede mantenerse siempre imperturbable ante el cuerpo de la modelo. Resultaría comprensible cierta incomodidad como espectadores de la película, que lleve a apartar la mirada de la pantalla. no por mojigatería, sino por amor, como Orfeo con Eurídice, por veneración al misterio humano reflejado en el cuerpo. Una actitud que también han hecho suya algunos cineastas. De hecho, François Truffaut, al que no se le puede tachar de puritano pero sí de persona sensible, según cuentan sus biógrafos, apartaba la vista de la pantalla ante escenas eróticas de alguna de sus películas. El mismo Trueba hace decir a uno de sus personajes: “Solo pueden ver a una mujer desnuda -responde la esposa del escultor a su criada, escandalizada de que la chica pose- los médicos y los artistas: los médicos para curar y los artistas para reflejar la belleza del cuerpo humano”. Y es que la experiencia estética es diversa del deseo, pues es más propensa a la serenidad, debido a la distancia de contemplación que se mantiene ante el objeto artístico (obra o modelo natural). Ante lo bello, el deseo descansa no en la posesión o dominio del objeto, sino en su contemplación, por eso apuntaba André Bazin, hablando del erotismo en el cine, que “si queremos permanecer en el nivel del arte, debemos mantenernos en lo imaginario. Debo poder considerar lo que pasa sobre la pantalla como un

simple relato, una evocación que no llega jamás al plano de la realidad, o en caso contrario me hago el cómplice diferido de un acto, o al menos de una emoción, cuya realización exige la intimidad”. También descubrimos en El artista y la modelo una referencia a uno de esos relatos que, junto con muchas otras narraciones históricas y literarias, son como la semilla inmortal de la que se alimenta la gran pantalla: Adán y Eva en el jardín del Edén. Da la impresión, por tanto, de que el guión escrito por Trueba y JeanClaude Carrière quisiera ir más allá del discurso habitual sobre estos temas de la belleza, la mujer y la religión. Sin embargo, lo cierto es que Trueba no ha recorrido esa vía hasta el final, más bien se ha quedado a mitad de camino. El director de El artista y la modelo ha hecho referencias al panteísmo de Renoir como punto de referencia de su película, una filosofía que confunde al Creador con su creación, lo que en el fondo conduce al naturalismo. De hecho Marc Cros, el escultor protagonista, pretende crear una imagen de mujer que fuera “como una roca. Como una planta surgida de la tierra, como un árbol. Como el mar. Una emanación directa de la naturaleza”, pero no un ser espiritual o personal. Obviamente, ni Trueba ni Marc Cros son Dios, a lo más son una especie de demiurgos, unos artesanos trágicos, y así lo indica el desenlace de la película. Una resolución contradictoria, por cierto, con la experiencia de plenitud que supone la creación artística, y que el guión del filme no anticipa en ningún momento. Parafraseando la metáfora de otro director, Terrence Malick, en El árbol de la vida, se podría señalar que Trueba, después de vislumbrar el camino de lo divino, se ha detenido ante su umbral y sólo ha recorrido la vía de la naturaleza, y por eso “encuentra razones para ser infeliz cuando todo el mundo que la rodea resplandece, y el Amor sonríe a través de todas las cosas”. *Filósofo. Escritor. Profesor universitario de Antropología y Cine.

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Kaurismäki: hombres silentes, objetos parlantes El arco de transformación del director ﬁnlandés Aki Kaurismäki (Orimattila, 1957) culmina en una película llamada El Havre, donde se mantienen animadas conversaciones en los bares y los personajes toman decisiones valientes y generosas. Una novedad en una ﬁlmografía poblada de personajes silenciosos y taciturnos sobre espacios de rojo gastado y azules eléctricos.

ESTILO & CINE

Los personajes apenas hablan pero los espacios donde viven tienen una poderosa capacidad para expresar su mundo interior. El director de Un hombre sin pasado preﬁere guiarse por la máxima cinematográﬁca de mostrar antes que narrar. Con frecuencia, Kaurismäki invierte el orden natural de las tareas cuando adelanta la búsqueda de localizaciones a la escritura del guión. Como un sabueso, investiga y olfatea lugares auténticos, desgastados y reales, ricos en matices, con una fuerte carga existencial. Y, una vez allí, imagina los seres y las tramas que poblarán estos recodos. Es la sabiduría adquirida “sumergiéndose en la vida de las cosas creadas”, como escribió Walter Benjamin. A esto se añade el universo kitsch. El propio director lo admite: “Me gustan los objetos”. Y Kati Outinen, su actriz predilecta: “Preferimos cosas viejas, objetos con cierto feeling. nos parece terrible tirar cosas viejas sólo porque tienen una grieta. Intentamos ser europeos modernos, pero en el fondo de nuestros corazones somos gente taciturna”. 38 - Fila Siete

En este sentido nuestro país no es muy diferente. Los españoles, según encuesta, tardamos una media de veinte años en deshacernos de los enseres que han sido recluidos en el trastero. “Los objetos y los lugares adquieren una realidad material autónoma que los hace valer por sí mismos”, señaló Deleuze sobre el cine de Visconti. Lo trivial, lo transitorio, lo retirado de la circulación. Cacharros obsoletos, anticuados, feos. no la belleza, sino solamente un cierto aura de lo que fueron las cosas. Objetos con una fuerte carga afectiva. Y ya está construido el paisaje donde enmarcar las vidas de los protagonistas. Más que paisaje, ruina. “necesito ruinas para poder encuadrar”, nos dice el director de Luces al atardecer. Cuando estudiábamos arquitectura hablaban nuestros maestros de la capacidad de los entornos para modelar a sus habitantes. Y no les creíamos del todo. Pero qué gran verdad. Un espacio puede ser opresivo, o puede resultar oxigenante. En el cine como en la vida las decisiones son, deberían ser, producto de la libertad personal, pero el entorno también hace su trabajo: constriñe o expansiona el ánimo. El cineasta mexicano Iñárritu admite conceder muy poca libertad de movimiento a sus criaturas. Sucede lo contrario en cintas como Cadena perpetua, de Frank Darabont, donde el personaje de Tim Robbins sale adelante gracias a su fuerza interior. La secuencia inicial de La chica de la fábrica de cerillas es una sucesión implacable y repetitiva de montaje industrial.

“Me han gustado siempre los motores -dice el director ﬁnlandés-, las verdaderas máquinas mecánicas con rodamientos y, a ser posible, sistemas hidráulicos. Las verdaderas máquinas son de metal”. Es el entorno deshumanizado del proletariado, que empuja a unos a cometer actos terribles sin pestañear, y a otros a recibir la injusticia sin opción a defenderse. La alienación del hombre moderno.

es más irónico que reivindicativo. A veces, incluso, tierno. Y además, la gente cambia. Ya lo hemos visto en El Havre. “no quisiera que mis películas fueran tomadas por algo que no son. En ellas todo está en la superﬁcie, no hay signiﬁcados ocultos”. Palabra de Kaurismäki. Una excelente brújula para navegar por su cine. Arturo Peris

Aunque tampoco hay que exagerar. El cine de Aki

La clásica atmósfera azul donde conviven personajes y objetos.

Después de trabajar en la fábrica, Iris continúa la tarea para su padrastro.

La cocina donde la mujer del limpiabotas, extranjera y enferma, trabaja.

El frutero de barrio le oculta información al detective.

Un jarrón solitario observa la mirada perdida.

El inadaptado vigilante de seguridad conoce una mujer que le hace caso.

Un jukebox y un billar enormes contrastan con la pequeña protagonista.

neones, teatrales efectos de luz y tipografías anticuadas.

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Tono Irisarri_________

“El mito empieza a forjarse con su estreno en televisión (TVE) en 1994, con una cuota de pantalla del 55.6% y 9.223.000 espectadores”

Vender cine________________ Pretty woman, razones de un largo reinado Pretty woman se estrenó en 1990. 4.301.943 españoles acudieron a verla en sala, situándose en el puesto 21 del ranking de las películas más taquilleras de la historia. Muy lejos de Titanic (10.841.850) y de E.T. (7.570.179). El mito empieza a forjarse con su estreno en televisión. El 2 de enero de 1994, La Primera de TVE programa la película y consigue una cuota de pantalla del 55.6%, con 9.223.000 espectadores. Ese mismo año, TVE la emite por segunda vez. En abril, en prime time, consigue el 41.3% de cuota de pantalla y 6.298.000 seguidores. El pase de enero la convirtió en la película más vista del año. El fenómeno se repite en 1996, en navidades, el 22 de diciembre, cuando TVE hace el tercer pase: 44.3% de share y 7.098.000 televidentes. Otra vez la película más vista del año. El cuarto pase es de 1997, con cambio de cadena. Telecinco se hace con los derechos para televisión y en el pase de aquel año consigue un 43% de share y 6.267.000 seguidores. La cadena de Mediaset la vuelve

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a programar en 1998. También en esta ocasión bate récords: 46.4% y 5.750.000 espectadores. no nos consta ninguna nueva emisión hasta 2001. En el primer pase del nuevo siglo, Pretty woman tiene unos números envidiables: 38.2% de share y 4.927.000 espectadores. En el siguiente pase, ya en 2002, los espectadores son 4.234.000 y el share 29.5%, lo que tiene especial mérito porque se programó contra un capítulo del poderoso Cuéntame. El último pase en Telecinco, hasta ahora, fue en 2005 (29.3% y 3.905.000). Es, a partir de ahí, cuando comienza a bajar (aunque sigue liderando en todos sus pases y nunca baja de los 3.4 millones y 22% de share), hasta recuperarse en la penúltima emisión de La 1 (en 2008), con 26.1% y 4.267.000. Por su parte, Canal+ ha programado la película un mínimo de 23 veces. El último pase, el domingo 14 de octubre de 2012, en una de las franjas más reñidas de este día, por fin perdió su liderato, aunque consiguió una audiencia

“Seguro que alguno ha soñado con hacer alguna de las cosas que se ven en la película. Es algo parecido a lo que ha ocurrido con Intocable, donde uno de los factores de éxito es que todos hemos ayudado a alguien alguna vez en la vida”

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más que razonable para un producto que lleva más de 20 años en las pantallas de TV. ¿Por qué funciona siempre Pretty woman, a pesar de haberse emitido tantas veces? Pretty woman es una película de diseño. Un producto fabricado para lograr éxito y taquilla. Y la verdad es que ha conseguido las dos cosas. Porque a pesar de que tanto la crítica como los propios espectadores no la calificaron muy bien, digamos que con un poco más de un aprobado (6.3 según IMDB, que la coloca por debajo de las 500 mejores películas en su ranking), cada vez que la vuelven a emitir la califican con 2,5 o 3 sobre 5. Entonces, ¿por qué tiene tanto éxito? En mi opinión, desde un punto de vista totalmente marketiniano, es por las siguientes razones: La primera y para mí fundamental. El efecto identificación. ¿A quién no le gustaría, si es hombre, tener una aventura romántica con una mujer como Julia Roberts? Llevarla en “mi avión privado” a San Francisco a ver una ópera, ser el tío más duro del barrio y encima ser inmensamente rico. Y si es una mujer... un tipo que te saca de los barrios bajos de Los Angeles y te eleva a ser una mujer espectacular, admirada, en una habitación del mejor hotel de Beverly Hills. Además, me compro toda la ropa que quiero y me “hacen la pelota”. Seguro que alguno ha soñado con hacer alguna de las cosas que se ven en la película. Es algo parecido a lo que ha ocurrido con Intocable (ver el nº143 de FILA SIETE), donde se explicaba que uno de los factores de éxito de la película es que todo el mundo ha ayudado a alguien alguna vez en su vida. En segundo lugar, es una película que no “echa a nadie”. no es totalmente blanca, pero casi. no tiene ninguna escena escabrosa sino sólo románticas con un puntito, en algún momento, de erotismo elegante. Creo que muy poca gente puede sentirse ofendida por esta cinta. Por franjas de edad no hay grandes diferencias en cuanto a la audiencia, gusta a todos los públicos de todas las edades, aunque es fundamentalmente una audiencia femenina, que es la que maneja el mando a distancia. El tema, como tercer punto. Sin lugar a dudas una de las grandes claves. Junta Cenicienta con My fair lady y además añade al cóctel todos los tópicos de las

películas románticas de la historia. no hay sorpresas, todo es previsible. Pero es lo que queremos ver y lo que nos engancha, que las cosas que pasan en el film pasen así. Ella cada vez más guapa, él cada vez mejor persona. El socio perverso acaba cayendo en un acto de amor de Gere hacia Roberts. También los secundarios juegan un papel importante. A quién no le gustaría tener un mentor como el director del hotel, o hacer tratos con un hombre maduro tan encantador y con un hijo tan guaperas que pone celoso hasta al mismo protagonista. La amiga alocada y divertida, las dependientes de la tienda, etc., etc. Otros factores. Sin lugar a dudas la banda sonora con el archiconocido tema de Roxette, It must have been love, y Fallen, de Lauren Wood, además de Natalie Cole, David Bowie, y, por supuesto, el tema que da título a la película, interpretado por Roy Orbison. Un clásico actualizado y que es muy comercial. Audiencias de todas las emisiones de Pretty woman en las TV en abierto (Fecha de emisión, cadena, cuota pantalla -share- y total audiencia) 02/01/1994 - La 1: 55.6% y 9.223.000 22/04/1994 - La 1: 41.3% y 6.298.000 22/12/1996 - La 1: 44.3% y 7.098.000 17/10/1997 - T5: 43% y 6.267.000 06/11/1998 - T5: 46.4% y 5.750.000 01/06/2001 - T5: 38.2% y 4.927.000 07/02/2002 - T5: 29.5% y 4.234.000 07/11/2003 - T5: 32% y 4.378.000 20/05/2005 - T5: 29.3% y 3.905.000 09/04/2006 - A3: 26.6% y 3.926.000 22/04/2007 - La 1: 22.4% y 3.678.000 09/04/2008 - La 1: 26.1% y 4.267.000 19/06/2009 - La 1: 22.5% y 3.405.000 06/06/2010 - La 1: 20.8% y 3.601.000 29/05/2011- La 1: 19% y 3.526.000 02/01/2012- La 1: 15.2% y 2.889.000 14/10/2012 – T5: 14.5% y 2.003.000 Fila Siete - 41

Sujeto+verbo+predicado

Cameron Díaz ficha por los Coen

Chapero-Jackson, de Cervantes a Machado

James Cameron quiso el Parque...

Una de las reinas de la comedia americana ficha por los hermanos Coen. La película se titula Ladrona por amor y, en este caso, Joel y Ethan son sólo guionistas. Cameron interpreta a una conservadora de cuadros que, para vengarse de su jefe, decide engañarle para que compre un falso Monet.

El director de la reciente Verbo ha finalizado el documental Los mundos sutiles, realizado en el marco del centenario de la publicación de la obra de Antonio Machado. “En los mundos sutiles conviven la indagación documental biográfica y la búsqueda de la experiencia vital de su poemario. no es un viaje al pasado, en intento de conexión entre el poeta y nuestro tiempo”, ha dicho el director.

Cameron ha reconocido abiertamente que en su día intentó comprar los derechos de la novela de Michael Crichton: Parque Jurásico. Pero Steven Spielberg se adelantó... También afirmó que su versión de la novela habría sido más cercana a la primera parte de Alien que rodó Ridley Scott.

Del Toro, cada vez más productor Después de su ruptura con el proyecto El Hobbit, Guillermo del Toro no para de producir. Tres minutos del corto original de terror Mamá fueron suficientes para convencerle de un nuevo proyecto protagonizado por Jessica Chastain, Nicolas Coster-Waldau y Megan Charpientier. El largometraje será dirigido por el mismo que realizó el corto original. El guión lo escriben a cuatro manos el propio Del Toro y Neil Cross (el creador de la serie Luther).

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Hopkins & Hitchcock en busca del Oscar La esperada película Hitchcock se estrenará el próximo 23 de noviembre para empezar con tiempo la carrera de los Oscar. El argumento del filme es el rodaje de la película Psicosis. Anthony Hopkins interpreta al cineasta y ya suena como un firme candidato a las nominaciones. Acompañan al actor inglés la también británica Helen Mirren, que interpretará a la inseparable esposa de Hitchcock, Alma Reville. Scarlett Johansson y Jessica Biel serán Janet Leigh y Vera Miles.

Dicen... Monica Bellucci: “Trabajar con niños pone las cosas en su sitio. Me hace mucha gracia cuando los actores hablan de su ‘profesión’ como si fuera una misión especial porque hacemos un trabajo que puede hacer igual de bien un niño de nueve años. Es una lección de humildad”.

Matt Reeves: “Lo que a mí me llamó la atención es que esta historia de vampiros era diferente a las que tú me comentas y también diferente a las clásicas, porque aquí se utiliza la historia de vampiros para explicar la adolescencia de los protagonistas, no tanto en términos de terror clásico como las que había en su adolescencia, sino un género más de fantasía pero con elementos muy realistas, que es lo que intentamos con la historia”.

Naomi Watts: “Las audiciones son humillantes y degradantes. Uno consigue cinco minutos para un papel que se ha pasado más de seis horas estudiando, y termina metiéndose en una de estas habitaciones llenas de personas que apenas hacen contacto visual entre ellas. Están aburridas y frustradas porque no pueden encontrar a la persona ideal; con esa energía, que es aplastante, es muy difícil brillar en ese breve momento. Atravesar ese proceso una y otra vez, uno queda tan herido y en guardia que es imposible dar lo mejor de sí”.

Jackie Earle Haley: “Creo que Rorschach es definitivamente uno de mis personajes favoritos, el que rodé para la película Watchmen. De todas formas, para mí siempre ha sido un gran privilegio como actor poder tocar diferentes géneros como una adaptación a un cómic, una película dramática, algo de comedia... pero en cierto modo Tim Burton encierra un poco de todos estos géneros juntos y tiene su propio género”.

Shirley MacLaine: “En el rodaje de la tercera temporada de Downton Abbey hemos trabajado en exteriores con viento y lluvia. Pero adoro el reparto y me encanta el humor británico, su temperamento y funcionalidad. Maggie Smith es sutil y divertida, ella y yo nos pasábamos horas sentadas hablando. A ninguna de las dos le gustaba levantarse y sentarse una y otra vez porque somos viejas. Luego, en la serie, hay una cierta tensión entre nosotras, pero tampoco esperen el tiroteo en el OK Corral. Ésta es una serie más sofisticada”.

James Wan: “¿Quiero hacer una película de ciencia-ficción? Lo deseo. Pero también querría hacer una comedia romántica, cosa aún más difícil... En Hollywood suelen empaquetar a las personas, clasificarte por el cine que haces. Hasta ahora soy el tipo de las películas de terror, todos los proyectos que me llegan son relacionados con ello”.

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EN SERIE ///////////////////////////// Breaking Bad \\ Vince Gilligan La química del mal Hay series que tardan un tiempo en conectar con el espectador. Muchos piensan que las claves tienen que estar en el episodio piloto, pero van pasando los años y muchas de las mejores series se caracterizan por no apabullar en el primer capítulo. The wire, El ala oeste de la Casa Blanca, Mad Men, The Walking Dead o Breaking Bad son series que van definiendo lentamente a cada uno de los personajes y los conflictos. Si se tiene algo de paciencia dan mucho de sí, demostrando que la ficción televisiva está a la altura del mejor cine actual.

País: EE.UU. Intérpretes: Bryan Cranston, Anna Gunn, Aaron Paul, Dean norris, RJ Mitte, Giancarlo Esposito Duración: 5 temporadas (54 episodios de 45 minutos) Producción: Sony Pictures Televisión Emisión en EE.UU.: AMC (20.1.2008 - 2013) Emisión en España: Paramount Comedy (5ª temporada) +18 años (V+XD)

Breaking Bad ha sido galardonada con 6 Emmys (optó a 16) y 2 Globos de Oro, repartidos fundamentalmente entre los actores Bryan Cranston y Aaron Paul, y el creador de la serie Vincent Gilligan. La serie ﬁnalizará con esta 5ª temporada que se divide en dos partes de 8 capítulos que concluirán en 2013. no deja de ser curioso que, en España, la cadena que transmite la serie sea Paramount Comedy (un canal evidentemente dedicado a la comedia). Es verdad que Breaking Bad tiene algunos momentos de humor al estilo de los hermanos Coen, pero no se caracteriza por ser precisamente divertida. Walter White o la supervivencia autodestructiva Hace unas semanas aparecía una noticia curiosa en el periódico. El fugitivo más buscado del condado de Tuscaloosa (Alabama, EE.UU.) se llamaba igual que el protagonista de Breaking Bad: Walter White (interpretado por el también productor de la serie Bryan Cranston). Y por supuesto estaba acusado de fabricar metanfetamina. Lo que no sabemos es si se trata de un profesor de Química, enfermo de cáncer de pulmón, que se dedica a este negocio ilegal para dejar la vida resuelta económicamente a su familia: una mujer embarazada de semanas y un hijo discapacitado. Ésta es la premisa argumental de la serie. Un hombre honesto que va perdiéndose poco a poco con la ayuda de un antiguo alumno: el drogadicto Jesse Pinkman (Aaron Paul). Esta degeneración va mostrando el poder de la codicia que va relativizando todos los pilares morales de un padre de familia corriente. no es una temática muy novedosa, pero el estilo de la serie es lo que hace que sea verdaderamente grande. Con detalles visuales mínimos, diálogos secos y sugerentes

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y miradas que reflejan infiernos personales, Breaking Bad no deja de sorprender en cada una de las temporadas. Es verdad que hay partes que pueden resultar más arduas ya que no hay concesiones fáciles: persecuciones, giros eficaces pero inverosímiles, etc. Lo que hay es un guión muy inteligentemente medido con explosiones controladas de dramatismo tumbativo. Las flores del mal crecen lentamente La deconstrucción del mal que propone Vince Gilligan (Expediente X, Hancock) destaca por la creatividad visual y narrativa con la que está contada. Hay comienzos de algunos capítulos muy desconcertantes pero que acaban teniendo un valor simbólico muy enriquecedor. El peluche tuerto de color rosa que flota en la piscina, los mejicanos arrastrándose en medio de un desierto solitario, el salto en el tiempo en el que se recuerda cómo Walter White y su mujer compraron su primera casa con las ilusión de un matrimonio feliz y estable... Todos estos detalles construyen un paisaje en el que el mal no está reflejado con cinismo y superficialidad, sino con una veracidad muy matizada. En ningún momento dejamos de ver el instinto de supervivencia de la felicidad de seres humanos que toman malas decisiones para huir de la jungla. Esto hace que la serie nunca deje de conectar con el espectador, ya que en medio de la barbarie no deja de mostrar destellos de ternura,

preguntas y respuestas que hacen tambalearse a los personajes sobre su perversa conducta. Pocas series muestran tanto las consecuencias de cada una de las decisiones en la vida de los demás. Detrás de cada delito, de cada asesinato, no hay una recompensa, sino un nuevo túnel, cada vez más oscuro y profundo. Contando una historia tan tremenda, la serie no se excede en mostrar escenas morbosas. La historia es durísima pero no innecesariamente detallista en la recreación de la violencia. Es verdad que hay escenas desagradables (especialmente en los inicios de la primera temporada), pero no son el motor de la serie. Sirve como ejemplo la definición de uno de los personajes principales: el narcotraficante Gustav Fring (Giancarlo Esposito). Su perversidad se muestra poco a poco, con largas miradas silenciosas y frases cortas definitivas. “Walter es simplemente un hombre que provee a su familia”, dice sobre su mejor colaborador. La música de Dave Porter aparece de manera esporádica pero contribuye a dar un toque de western crepuscular a la serie. Breaking Bad también bebe del cine negro y de directores como los hermanos Coen o Tarantino. Pero puede presumir de tener voz propia, unos cuantos grados de profundidad y constantes muestras de ingenio. no será fácil acabar la serie como merece. El final de la cuarta temporada dejó el nivel muy alto. Pero hasta ahora no ha defraudado las expectativas cada vez más altas de los espectadores. C. Sánchez Fila Siete - 45

EN SERIE ///////////////////////////// Gran Hotel

\\ Carlos Sedes

País: España Intérpretes: Adriana Ozores, Amaia Salamanca, Yon González, Pedro Alonso, Eloy Azorín, Fele Martínez Duración: Dos temporadas (9 capítulos la primera, la segunda lleva 5. 60 minutos) Producción: Bambú Emisión en España: Antena 3 (4.10.2011- en emisión) +16 años (X-)

Si las paredes hablasen... Por cierta coincidencia de argumento y fecha de emisión, muchos presentaron Gran Hotel como una versión española de Downton Abbey. En realidad poco tienen que ver tanto en la temática como en la calidad técnica (que en el caso de la ﬁcción inglesa es sobresaliente). Gran Hotel es una serie más centrada en una trama policíaca con los típicos componentes del culebrón: traiciones, desengaños, romances prohibidos, embarazos imprevistos... La serie está rodada en el Palacio de la Magdalena de Santander y cuenta la historia de un hotel de lujo a principios del siglo XX. Julio Olmedo (Yon González) llega a este lugar para trabajar como mayordomo y poder investigar la misteriosa desaparición de su hermana Cristina (Paula Prendes), que llevaba meses siendo encargada de planta. Julio conocerá a Alicia (Amaia Salamanca), la hija de la perversa propietaria del hotel (Adriana Ozores), que pretende casarla con el futuro gerente D. Diego (Pedro Alonso). 46 - Fila Siete

El proyecto de Gran Hotel es muy ambicioso. La serie desprende elegancia con una dirección artística y un vestuario cuidadísimos, que obedecen a una recreación histórica asesorada por el conservador jefe del Museo del Prado, Juan Luna. Un elenco de actores muy consolidados (Concha Velasco, Juan Luis Galiardo, Kiti Manver, Asunción Balaguer o Adriana Ozores) se complementan con prometedores actores jóvenes (Amaia Salamanca, Yon González o Eloy Azorín). El creador de la serie es el gallego Carlos Sedes, uno de los nombres más importantes de la televisión actual de nuestro país. Imperium, Gran reserva, Hispania, Guante blanco o Padre Casares son los últimos títulos en los que ha trabajado. En todos ellos ha sabido conectar con el público, pero con Gran Hotel ha conseguido una mayor consideración artística logrando el Premio Alma a la mejor serie del año otorgado por el sindicato de guionistas.

Gran Hotel busca entretener y lo consigue en muchos momentos a base de constantes giros, asesinatos y misterios que se esconden detrás de las paredes. Si uno no exige demasiado, el truco es vistoso y, a ratos, incluso inteligente. Probablemente estemos ante la serie española actual de más calidad junto con Isabel, que emite La 1 de TVE. Bien pero... Sin embargo, la serie tiene demasiado artificio para ser algo más que un entretenimiento eficaz. Se nota el exceso de enredo, la aceleración de las tramas y el maniqueísmo de los personajes. Por poner un ejemplo, es una pena ver a una actriz maravillosa como Adriana Ozores con un personaje con tan poco matiz. El guión define de manera muy exagerada algunos caracteres. Resulta ridículo el personaje del detective Ayala, una especie de Sherlock demasiado altivo y superficialmente retórico, con una dicción muy poco creíble. Por otro lado, los múltiples misterios tienden a ser resueltos con demasiada evidencia, haciendo que en algunas ocasiones los personajes resulten incomprensiblemente ingenuos. La música de Lucía Godoy (Rabia, Blackthorn, Un

cuento chino) está muy bien compenetrada con la acción, pero termina siendo excesiva. Incluso la fotografía, que debería ser bellísima, acaba resultando saturada con un exceso de luz y color que da un tono de casa de muñecas bastante irreal. Los jóvenes Yon González y Amaia Salamanca son bastante competentes y no se limitan a interpretar pasivamente la historia de amor de guapo conoce a guapa. Pero hay detalles en sus personajes que son poco verosímiles. El peinado de los dos resulta demasiado anacrónico (especialmente el de Yon González a lo Orlando Bloom), y el aspecto que este mismo personaje tiene, después de un durísimo combate de boxeo, resulta involuntariamente cómico. Al no haber apenas contrastes y matices, la serie acaba siendo técnica y argumentalmente bastante limitada. Queda un entretenimiento que aprovecha un lugar magníﬁco y unos actores que salvan algunas deﬁciencias del guión con indudable talento. Con más de tres millones de espectadores de media por capítulo, la serie acaba de empezar la segunda temporada. C. Sánchez

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Alfonso Méndiz

Así se hizo <<<<<<<<<<<<<< COn LA MUERTE En LOS TALOnES (1959)// Alfred Hitchcock PARTE I: DESARROLLO DE LA HISTORIA A comienzos de 1957, Alfred Hitchcock había logrado en Hollywood una notable independencia como cineasta. Tras la fama alcanzada en Inglaterra con filmes como Los 39 escalones (1935), Sabotaje (1937) o Alarma en el expreso (1938), el joven director inglés había aterrizado en Estados Unidos en 1939, y había sido absorbido literalmente por David O’Selznick mediante un férreo contrato que le había impedido trabajar para nadie más durante casi dos décadas. Ahora, su popularidad y su proyección internacional le sitúan en una posición bien distinta: pese a tener un contrato en exclusiva con la Paramount, Hitchcock puede rodar una película a las órdenes de otra major. Y va a ser la M.G.M. -la que pugnó por él veinte años atrás, en dura competencia con Selznick- quien finalmente se haga con esta opción. Es el momento que todos esperan para ver qué nuevo proyecto acometerá el mago del suspense, quien ha empezado ya la pre-producción de Vértigo. Consciente de esa creciente expectativa, Hitchcock lee con fruición todo tipo de originales mientras convalece de una operación de poca monta. Sin mucha convicción, se decide por una historia de Hammond Ines titulada The wreck of the Mary Deana, cuyo argumento resumía el propio Hitchcock de esta manera: “Un carguero atraviesa el canal de la Mancha con un único hombre a bordo que alimenta las calderas con carbón. Dos marinos consiguen subir a bordo del barco... En una palabra, esto es lo extraordinario: un navío misterioso con un solo hombre a bordo”. Con el libro bajo el brazo, su agente no tarda en firmar un ventajoso acuerdo con la M.G.M., que deseaba a toda costa contar con un título suyo en la lista de filmes de la próxima temporada. La Metro sugiere el nombre de James Stewart para el papel protagonista, y Hitchcock aprovecha también esa primera reunión de trabajo para solicitar los servicios del escritor Ernest Lehman, bajo contrato con la casa, que había sido nominado por el guión de Sabrina (1954) y era conocido por su versatilidad para adaptar distintas historias.

A la búsqueda del guión. Lehman acogió la oferta con entusiasmo, pero enseguida se desencantó: “Cuando Hitchcock pidió a la M.G.M. que me encargara de escribir The wreck of the Mary Deana, me sentí muy halagado, pero 48 - Fila Siete // www.filasiete.com

muy pronto rechacé el proyecto. Con Hitchcock o sin Hitchcock no creía que fuera un proyecto viable para una película”. Así lo comunica al cineasta inglés, pero éste anda muy ocupado con el casting de su próxima película: Vértigo. Anda buscando a una actriz que pueda sustituir a la embarazada Vera Miles y a un guionista que pueda lograr una cierta coherencia con el libreto que ha concebido Alec Coppel a partir de la novela de Boileau-Narcenaj. Así que no presta mucha atención a las quejas de Lehman, que vuelve a encerrarse entre las paredes del Irving Thalberg Building de la M.G.M. sin conseguir escribir una sola línea. Director y guionista vuelven a citarse en agosto de 1957. Los problemas con la historia han aumentado con el paso de las semanas; y, ante la sorpresa de Lehman, Hitch confiesa que la historia no le hace ninguna ilusión y que ve poco interés dramático en el argumento. Propone abandonar el libro y trabajar sobre un relato original, sin advertir a la Metro del nuevo rumbo del filme. Así lo cuenta Lehman: “Hablamos y hablamos, y lo único claro que salió de todo aquello era que el filme empezaría en la ciudad de nueva York, y que ocurriría algo en la ciudad de nueva York, y luego la historia se dirigiría hacia el noroeste hasta el Monte Rushmore, en Dakota del Sur, y luego quizás seguiría hasta Alaska”.

Los problemas con la historia aumentan con el paso de las semanas y Hitchcock confiesa que no le ilusiona y que ve poco interés dramático en el argumento Antes de que el escritor tuviera lista la primera sinopsis, otra vieja idea del director salía a flote de entre sus recuerdos y se convertía en el motor de un argumento todavía sin título: “Un día me llamó Hitch y me dijo que ya tenía el núcleo de la historia: Una agencia del gobierno ha creado un falso agente inexistente para apartar a algunos enemigos del gobierno del rastro del agente verdadero”. A partir de esa premisa, ambos acuerdan que un personaje inocente sea confundido con el inexistente agente hasta llevar el equívoco a una situación límite. Con ello, el hilo argumental queda ya prácticamente definido. Solo queda pendiente un pequeño detalle: comunicar a la Metro que no hay nada hecho sobre la adaptación de Hammond, que han estado pagando en balde el sueldo del guionista, y que la novela sobre la que adquirieron los derechos cinematográficos no va a ser llevada a la pantalla en absoluto.

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LIBROS DEL MES EL CInE nEGRO DE LA RKO / Gonzalo Pavés Borges

GRACE KELLY / Donald Spoto

T&B Editores Madrid, 2010 478 páginas 21,50 €.

Lumen Madrid, 2011 334 páginas 21 €.

Si existe algún hecho fílmico que haya suscitado mayor atención entre los especialistas y estudiosos del Séptimo Arte, éste es, sin lugar a dudas, el conjunto de películas que se ha venido agrupando bajo el término film noir o cine negro. Fue en el verano de 1946 cuando el crítico francés nino Frank escribió el artículo en el que utilizó la expresión film noir, sin imaginar la importancia y difusión que aquel concepto iba a alcanzar con los años. La RKO fue la compañía que más películas de cine negro produjo durante los años 40 y primeros 50, muchas de las cuales constituyen los mejores ejemplos de lo que hoy se entiende por film noir. Historia de un detective, Encrucijada de odios, Retorno al pasado, Los amantes de la noche o La escalera de caracol fueron productos RKO. Lo que no está claro es que la compañía se propusiera realizar film noir o que tuviera una estructura prevista para este fin. Gonzalo M. Pavés ha tenido acceso a un material inédito y ha realizado un extraordinario trabajo de investigación, su tesis doctoral, con objeto de averiguar qué motivó la realización de este cine negro. El trabajo se desarrolla en cuatro partes: una breve historia de cómo se formó la RKO, otras dos dedicadas a los condicionantes externos e internos, finalmente el cine negro de la RKO. La abundancia de datos refleja la minuciosidad de la investigación y la calidad del archivo que encontró a su disposición, pero su exceso, justificado en una tesis doctoral, resulta muy farragoso para el lector no interesado en excesivos detalles. Al mismo tiempo el autor aboceta diversos temas que serían interesantes en otro trabajo, o justificarían una monografía entera, pero que en el contexto particular son nuevas fuentes de dispersión. Un ejemplo, el apartado destinado a la oficina Brenn, tratado con justicia sin el maniqueísmo al uso, resulta interesantísimo pero aporta poco al tema central del trabajo. Una obra imprescindible para los interesados en el tema. T&B ha editado una versión más breve, ligera y visual de esta misma obra, para no especialistas. F. Gil-Delgado 50 - Fila Siete

Se cumplen 30 años de la muerte de Grace Kelly, y Oliver Dahan (La vida en rosa) rueda una película sobre su vida tras abandonar el cine. Donald Spoto es célebre gracias a sus biografías sobre Hitchcock, Marilyn Monroe o Ingrid Bergman. no es un gran escritor pero sabe hacer obras divulgativas, que prestan excesiva atención a la vida sentimental del artista. En esta biografía, el peligro rosa era especial. La actriz nacida en una familia católica de Filadelfia el 12 de noviembre de 1929, apenas dedicó 5 años de su vida al cine (1951-1956) y es de agradecer que Spoto dedique varios capítulos a este trabajo. En esas páginas se muestra cómo Kelly no fue simplemente la cara más guapa y perfecta del cine norteamericano, sino una actriz versátil, capaz de hacer drama, comedia o musical con elegancia y talento. Se nota que el autor escribió una biografía sobre Hitchcock: dedica muchas páginas a la relación entre el director y su musa, a la que nunca perdonó que abandonase el cine. Tres películas (Crimen perfecto, La ventana indiscreta y Atrapa a un ladrón) fueron suficientes para que Hitch la considerara su actriz perfecta. Su técnica interpretativa sutil y minimalista era la idónea para un director que aborrecía a los “exagerados” artistas del Actor’s Studio. Según el director británico, estas actuaciones despistaban al espectador de lo verdaderamente importante: el montaje cinematográfico. Kelly fue muy hábil a la hora de saber tratar con Hitchcock y un sistema de producción que en el fondo aborrecía. Quizás esta faceta es la menos conocida y la más interesante del libro. Con tan sólo 20 años logró controlar una carrera muy equilibrada trabajando con grandes directores como Fred Zinnemann (Solo ante el peligro) o John Ford (Mogambo). Solo rodó, por obligación de contrato, una mala película, Fuego verde. En 1954 logró el Oscar por La angustia de vivir, de George Seaton, donde interpretó a la afeada y sufridora esposa de un músico alcohólico (Bing Crosby). Era su segunda nominación tras Mogambo, pero Kelly no estaba disfrutando de su carrera fulminante en Hollywood. “Para qué ganar un Oscar si no tienes con quién compartirlo”. Según Spoto, esta independencia fue la que le llevó a Mónaco y a romper un importante contrato con una de las majors. C. Sánchez