Women Bridging Worlds by Ikastikos Kiklos Sianti

Women Bridging Worlds MINA PAPATHEODOROU VALYRAKI and Bâ&#x20AC;&#x2122;BETH WELDON

Κείμενα: Guiliano Serafini, Ντόρα Ηλιοπούλου-Ρογκάν, Μαργαρίτα Δρίλλια Texts: Guiliano Serafini, Dora Iliopoulou-Rogan, Margarita Drillia Μετάφραση: Λένα Θεοδωρίδου-Kirman, Αυγή Δεφέρμη Translation: Lena Theodoridou-Kirman, Avgi Defermi Φωτογραφίες - Photos: Studio Vaharidis, Yancey Leeth, Insight Concepts, Alec Thigpen, Thigpen Photography Σχεδιασμός Εντύπου & Επιμέλεια Παραγωγής: Easy dot ΟΕ Art Design & Production Management Easy dot SA

Τα έργα μου είναι εκείνο που προσλαμβάνουν όσοι τα κοιτούν και διεισδύουν σε αυτά. Γίνονται ένα με αυτά. Τότε ο κώδικας επικοινωνίας παίρνει σάρκα και οστά. Μίνα Παπαθεοδώρου-Βαλυράκη

ΜΕΤΑΞΥ ΕΚΦΡΑΣΗΣ ΚΑΙ ΑΦΑΙΡΕΣΗΣ Στην τέχνη αυτό που έχει σημασία δεν είναι το “τι” αλλά το “πως”. Αυτό είναι όλο. Ο Ferdinand de Saussure θα έλεγε ότι το σημαντικό είναι το σημαίνον, όχι το νόημα. Με άλλα λόγια, είναι η φόρμα για να κάνει το έργο τέχνης, όχι το περιεχόμενο. Με αυτή την έννοια, η δουλειά σου γίνεται το τέλειο παράδειγμα για να διευκρινίσει τυχόν παρανοήσεις. Αυτό ακριβώς είναι το θέμα. Το στιλ αυτό καθ εαυτό - αναφέρομαι στην όνο νεύρο, διακεκομμένη πινελιά, στην απόλυτη ελευθερία του συμβόλου (σημάδι) που απελευθερώνεται στην σχεδόν τυχαία ενστάλλαξη χρώματος ή dripping, μέχρι και τις βίαιες εκρήξεις του καθαρού χρώματος γίνεται, εν ολίγοις, ένα είδος ιδεογράμματος, “αναπαράσταση” και “περιεχόμενο” της δουλειάς της Μίνας Παπαθεοδώρου-Βαλυράκη. Και ακριβώς πάνω σε αυτό μπορούμε να αναγνωρίσουμε εκείνη την τέλεια αντιστοιχία μεταξύ σημαίνοντος και σημαινόμενου που κατά τον Ferdinand de Saussure αποτελούν τον αληθινό και αποκλειστικό σκοπό της τέχνης. Χωρίς να ξεχνάμε ότι μια τέτοια συνταύτιση θέτει υπό αμφισβήτηση την αρχή η οποία διακρίνει, στην τέχνη το εικονικό λεξιλόγιο από το ανεικονικό, αποκηρύττοντας έτσι ολόκληρη την θεωρητική του έλλειψη υπόστασης. Κατά βάθος η ρευστή, παχιά πινελιά της Mίνας αφήνει να τρέξει και να “κατακαθίσει” πάνω στον καμβά κάτι που μοιάζει με πρόκληση στο προφανές της όρασης. Η ζωγραφική της είναι χειρονομιακή και έχει πάντα μεγάλες διαστάσεις ακόμα κι όταν ο χώρος είναι περιορισμένος. Φαίνεται ότι στη δουλειά της η Μίνα “στοχάζεται” πάντα σε μεγάλη κλίμακα. Αυτό βλέπουμε στις σκελετωμένες σιλουέτες των γερανών που έχουν χαραχτεί και σκιτσαριστεί πάνω σε φόντα κίτρινα και ασημί, όπως επίσης και στα αυτοκίνητα αγώνων το πεταχτό σχέδιο των οποίων είναι σαν να διευρύνεται σε ένα είδος οπτικής έκρηξης όπου αποκαλύπτεται όλη η ένταση, το νεύρο και η εικονικότητα της κίνησης. Μια δυναμική που εμπλέκει και το χρώμα το οποίο η καλλιτέχνης χειρίζεται με επιθετική σχεδόν διαπεραστική προσέγγιση ένα χρώμα που πάντα “συνεργεί” με την εικόνα και με την έξαρση της. Δηλαδή η σημασιολογική εξίσωση του Ferdinand de Saussure βρίσκει την τελειότερη έκφρασή της στη δουλειά της Μίνας Παπαθεοδώρου-Βαλυράκη.

Guiliano Serafini

My works are what is retained by those who look at them and penetrate into them. They become one with them. Then the communication code really takes shape. Mina Papatheodorou-Valyraki

BETWEEN EXPRESSION AND ABSTRACTION In art what matters is not “what” but “how”. That’s all. Ferdinand de Saussure would say that what matters is the object of meaning, and not “that which means”. In other words, it is the form that makes a work of art, not the content. In that sense your work is the perfect example in order to clarify any misconceptions. The style itself – I am referring to the nervous and broken brushwork, to the extreme freedom of sign that trespasses in dripping up to the violent explosions of pure pigment - becomes, in short, just like in an ideographical alphabet , which is the “form” and “content” of Mina Papatheodorou-Valyraki’s work. This is where we can find the perfect equivalence between signifiant and signifié that Ferdinand de Saussure has recognized as the only and true aim of art. We shouldn’t forget that such overlapping puts in a situation of accusation the principle that in art discriminates figurative language from informal, disavowing its theoretical inconsistency. My approach to Mina Papatheodorou-Valyraki’s painting is based on this fundamental thought. The same thought that I could have had regarding her passions and her cultural debts, the influence of which, even if indirect, hidden or subconscious, has left its traces. This is the other important origin of her work. After all, it is as if the artist is challenging the evidence of vision, in what her fluid, wide brushwork allows running and “sedimenting” on the canvas surface. It is a pictorial gesture that is always seeking large dimensions, even when space is physically limited. Everything in Mina’s work is being “thought” on this large scale. This is what we see in the emaciated silhouettes of the cranes traced and sketched on a background of yellow and silver and also in the race cars whose darting design look as if it is dilating itself in a sort of visual deflagration, where the whole tension is revealed as well as the outburst and the virtual movement. It is a dynamism which involves also the colour that the artist handles in a audacious and often dissonant way, colour always becomes the “accomplice” of sign and its excitement. In other words the semiotic equation of Ferdinand de Saussure ends up by finding in Mina Papatheodorou Valyraki’s work it’s most perfect confirmation.

Guiliano Serafini

Cranes Silver II. Black background 150Χ200 εκ., ακρυλικό σε καμβά, 2018 150Χ200 cm, acrylic on canvas, 2018

Στις λεπτομέρειες των έργων της Μίνας υπάρχει ο σπόρος του συνολικού έργου, όπως και το ανθρώπινο κύτταρο περιέχει το DNA ολόκληρου του οργανισμού. Giuliano Serafini 6

The red dawn

50Χ120 εκ., ακρυλικό σε καμβά, 2015 50Χ120 cm, acrylic on canvas, 2015

The Shanghai view

50Χ140 εκ., ακρυλικό σε καμβά, 2013 50Χ140 cm, acrylic on canvas, 2013

The seed of the whole work exists in the details of Mina’s works, as the human cell contains the DNA of the entire organism. Giuliano Serafini 7

Θεωρώ τη ζωγραφική μου καθαρά χειρονομιακή, με τις κατά περιόδους υφέσεις της, να την καθιστούν ελαφρώς πιο ήρεμη. Αν απομονώσουμε κομματάκια από το έργο μου, θα δούμε ότι είναι και αυτά αυτόνομα, γιατί αντιπροσωπεύουν αυτό που είμαι εγώ: ενεργητική και υπερκινητική, ανήσυχη.

I consider my art purely gestural with some periods of “moderation” which render it slightly calmer. If we were to isolate little pieces from one of my works we would see that they too are autonomous, because they represent what I am: energetic and hyperactive, restless.

Πιστεύω πως δύο είναι οι συνιστώσες που μπορούν να χαρακτηρίσουν τη δουλειά μου: το σίγουρο σχέδιο που εξασφαλίζει τη δομή της σύνθεσης, και η ένταση του χρώματος, που ακολουθεί χειρονομιακά τη ροή της σύνθεσης. Τις περισσότερες φορές αυτή η διαδικασία ενσωματώνεται. Το σχέδιο προκύπτει από το χρώμα, δηλαδή η έντασή που ακολουθεί πιστεύω ότι οφείλεται σε αυτή την εσωτερική διάθεση και ενεργητικότητα και κινητικότητα που με διακρίνει. Άλλωστε, ψυχογράφημα είναι η ζωγραφική και η κάθε μορφή τέχνης.

I believe that there are two components which may be said to characterize my work: a definite draft that ensures the structure of the composition, and the intensity of the colour, which gesturally follows the flow of the composition. Most often this process is incorporated. The drawing arises from the colour; by that I mean I believe that the ensuing intensity is due to this inner mood, and to the energy and mobility that characterize me. Besides, painting, and every other form of art, is a psychograph.

Για μένα ο περιορισμός –του μικρού τελάρου- είναι αφόρητος. Στα μεγάλα έργα δεν έχω στενά όρια. Έτσι κι αλλιώς, εγώ πάντα θέλω να βγαίνω από το τελάρο. Σχεδόν όλα μου τα έργα είναι κομμένα. Το υπόλοιπο ‘είναι’ τους, το ιδεατό, υπάρχει εκτός τελάρου. Είναι αδύνατον μέσα από μια χειρονομιακή ζωγραφική να βγαίνουν μόνο μικρά και αξιόλογα έργα, εκτός αν πρόκειται για πολύπτυχο, όπου το ένα συμπληρώνει ή είναι συνέχεια του άλλου.

Personally I find the limitation –of the small frame- unbearable. In large works I don’t have restricted boundaries. I always want to go outside the frame anyway. Almost all my works are cut off. The remainder of their ‘being’, the imaginary, exists outside the frame. It is impossible in the case of gestural painting for only small and worthy works to come our, unless one is dealing with a polyptych, where one piece completes or is the continuation of the next.

Ο καλλιτέχνης δε γίνεται καλύτερος ή πιο ικανός με την πάροδο του χρόνου. Εξελίσσεται όμως με το ψάξιμο και με τον τρόπο με τον οποίο διεισδύει στην έρευνά του. Διαφοροποιείται στις εκφράσεις του και στις αναζητήσεις του. Είναι, βέβαια, και οι περίοδοι και η διάθεσή του και το πως βλέπει τα πράγματα που παίζουν ρόλο. Η γραφή μου και ο τρόπος έκφρασής μου υπήρξαν χειρονομιακά από τα γεννοφάσκια τους. Οι εποχές των γκρίζων και μπλε σκούρων είναι από τις πιο ουσιαστικές, σημαντικές και αγαπημένες μου. Δεν αποδίδω τη σκούρα γκάμα σε μία δυστυχή περίοδο, ας πούμε, της ζωής μου –το αντίθετο θα έλεγα. Αυτό που έχει αλλάξει είναι η διάθεσή μου για μεγάλες επιφάνειες και περισσότερο φως, ή μάλλον διαφοροποιημένο φως και έντονες φάσεις ελευθερίας.

Μίνα Παπαθεοδώρου-Βαλυράκη VC YellowBackground

200Χ70 εκ., ακρυλικό σε καμβά, 2012 200Χ70 cm, acrylic on canvas, 2012

The artist does not become better or more able with the passing of time. He evolves however by searching and by the way in which he penetrates into his exploration. He is differentiated in his expressions and in his quests. Of course also his phases, his mood and the way in which he sees things play a part. My painting style and my way of expression were gestural from birth. The times of the greys and dark blues are some of the most basic, important and beloved times for me. I do not attribute the dark range to an unhappy period, so to speak, of my life –quite the opposite, I might say. What has changed is my inclination towards large surfaces and more light, or perhaps differentiated light and strong phases of freedom.

Mina Papatheodorou-Valyraki VC Blue Background

200Χ70 εκ., ακρυλικό σε καμβά, 2012 200Χ70 cm, acrylic on canvas, 2012

Magenta view on Aluminium 200Χ100 εκ., ακρυλικό, 2015 200Χ100 cm, acrylic, 2015

The Runaway Bridge

100Χ200 εκ., ακρυλικό σε καμβά, 2014 100Χ200 cm, acrylic on canvas, 2014

Για την Μίνα το συναίσθημα δεν περιορίζεται στο ρόλο της πρόφασης και της απαρχής της δημιουργικότας του καλλιτέχνη. Αντιθέτως, τροφοδοτεί την καλλιτεχνική δημιουργία καθόλη την πορεία της, και την μπολιάζει με τους κραδασμούς και τις ρωγμές που επιφέρει ,ακόμα και με τις υπερβολές του, και κατ’ αυτόν τον τρόπο θα λέγαμε ότι μετατρέπεται σε συστατικό, σε “υλικό” ολόκληρης της ζωγραφικής διαδικασίας. Giuliano Serafini 12

In other words for Mina Papatheodorou-Valyraki, emotion is not limited to the role of pretext or the very origin of the creative act. On the contrary, it feeds the latter along its course, and it “infects” it with all its vibrations and snaps, even with its excesses, becoming a sort of ingredient, the “material” of the whole painting procedure. Giuliano Serafini

The Blue Horizon Bridge

100Χ240 εκ., ακρυλικό σε καμβά, 2014 100Χ240 cm, acrylic on canvas, 2014

Bridge Sunset

100Χ150 εκ., ακρυλικό σε καμβά, 2012 100Χ150 cm, acrylic on canvas, 2012

Στο έργο της Μίνας, είναι η κίνηση, η δυναμική του θέματος που αιχμαλωτίζει αυτό που δεν μπορεί να διορθώσει στο χώρο-χρόνο του τελάρου. Giuliano Serafini 14

The huge red “Cantiere”

200Χ325εκ., ακρυλικό σε καμβά, 2018 200Χ325 cm, acrylic on canvas, 2018

In Mina’s work, it is the motion, the dynamics of the matter, captivating that which she can’t correct in the space-time of the frame. Giuliano Serafini

Η Μίνα Παπαθεοδώρου-Βαλυράκη είναι απόφοιτος της Ανώτατης Σχολής Καλών Τεχνών της Αθήνας (ΕΜΠ) με έπαινο και καθηγητή τον Γιάννη Μόραλη καθώς και Διδάκτωρ του πανεπιστημίου της Φλωρεντίας. Έχει στο ενεργητικό της περισσότερες από 60 ατομικές εκθέσεις και σημαντικές συμμετοχές σε ομαδικές καλλιτεχνικές παρουσιάσεις και διεθνή art fairs στην Ελλάδα, την Ιταλία, τις ΗΠΑ, το Βέλγιο, την Ισπανία, τη Γαλλία, τα ΗΑΕ από το 1983 έως σήμερα.

Mina Papatheodorou-Valyraki, born in Athens, Greece, graduated with distinction in painting and theoretical studies -Supreme School of Fine Arts of the National Technical University of Athens under Professor Yiannis Moralis and attained a PHD diploma awarded by the University of Florence, Italy. She has presented her work in more than 60 one woman shows in Greece, Italy, USA, Belgium, Spain, China, UAE, France, etc, as well as group exhibitions from 1983 till now.

Αναδείχθηκε SPORT ARTIST OF THE YEAR 2002-2004 από την Αμερικανική Ακαδημία των Σπορ και είναι επίτιμο μέλος του Δ.Σ. της Art Committee for the United States Sports Academy. Είναι κάτοχος των Βραβείων “GUIRLANDE D’HONNEUR” και “MENTION D’HONNEUR” από το Διεθνές Φεστιβάλ του Μιλάνου και του Βραβείου “ART AND SPORTS” της IOC – ΔΙΕΘΝΗΣ ΟΛΥΜΠΙΑΚΗ ΕΠΙΤΡΟΠΗ.

SPORT ARTIST OF THE YEAR 2002 awarded by the United States Sports Academy. She serves on the Art Committee Board for the United States Sports Academy. Winner of the “GUIRLANDE D’HONNEUR” and “MENTION D’HONNEUR” awards by Milano Festival FICTS and “ART AND SPORTS” award by IOC by the International Olympic Committee.

Ζει και εργάζεται στην Αθήνα και στη Φλωρεντία.

She lives and works in Athens, GREECE and Florence, ITALY.

1983, Galleria Vittoria, Reggio Calabria - Foire Internationale d’ Art Contemporain (FIAC) - Expo Arte Internazionale ’83, Galleria Morabito, ΦΛΩΡΕΝΤΙΑ.

1983, Galleria Vittoria, Reggio Calabria - Foire Internationale d’ Art Contemporain (FIAC) - Expo Arte Internazionale ’83, Galleria Morabito, FIRENZE.

1992, Βαρκελώνη, Biennale.

1992, Barcelona Biennale.

1993, Γκαλερί Ca D’ Oro, ΡΩΜΗ.

1993, Galleria Ca D’ Oro, ROME.

1998, Συνεργασία με την εταιρεία AUTOMOBILI LAMBORGHINI, δημιουργία μνημειώδους έργου 18 τ.μ., ΙΤΑΛΙΑ.

1998, AUTOMOBILI LAMBORGHINI official artist by her com memorative work of art “LA STORIA DELLA LAMBORGHINI, 35 years anniversary” - painting of 18 m.sq.

1999, Cart Art Gallery, ΦΛΩΡΕΝΤΙΑ.

1999, Cart Art Gallery, FIRENZE.

2000, Bla-bla en Gallery, ΒΡΥΞΕΛΛΕΣ.

2000, Bla-bla en Gallery, BRUSSELS.

Monte Carlo, VILLA LES AIGLES, ατομική έκθεση, “58th Grand Prix”, ΜΟΝΑΚΟ.

Monte Carlo MONACO, VILLA LES AIGLES, personal exhibition, “58th Grand Prix”.

2001, NATIONAL MUSEUM OF WOMEN IN THE ARTS: αποκτά το έργο της “Still Life in Yellow” για τη μόνιμη συλλογή του. ΗΠΑ.

2001, Washington, USA, “NATIONAL MUSEUM OF WOMEN IN THE ARTS”, acquisition of the painting “Still Life in Yellow”.

2002, Florida, Miami, ατομική έκθεση, JOANNE COIA’S GALLERY.

2002, Florida, Miami, One woman show, JOANNE COIA’S GALLERY.

UNITED STATES SPORTS ACADEMY, ΗΠΑ: SPORT ARTIST OF THE YEAR 2002, μεταξύ 60 υποψηφίων.

Alabama, USA, SPORT ARTIST OF THE YEAR 2002 award among 60 candidatures, by the UNITED STATES SPORTS ACADEMY.

Ατομική έκθεση και επίσημη αφίσα των Χειμερινών Ολυμπιακών Αγώνων του Salt Lake City, ΗΠΑ. 2003, Βρυξέλες, Ευρωπαϊκό Κοινοβούλιο, “ΑΘΗΝΑ 2004” Αφιέρωμα στον Pietro Mennea. 16

Winter Olympics, one woman show Salt Lake City. Official poster of the winter Olympic Games “The downhill skier”. 2003, Brussels, European Parliament, “Athens 2004” Feature in Pietro Mennea.

2004, Βραβείο “GUIRLANDE D’ HONEUR” στο FESTIVAL ARTS SPORT MOVIES and TV, ΜΙΛΑΝΟ.

2004, Milano, ITALY, “Guirlande d’ Honeur” award “Art for Sports” MILANO Festival FICTS.

Ημερολόγιο και επίσημες αφίσες των Ολυμπιακών Αγώνων “ΑΘΗΝΑ 2004”.

Official calendar of Olympic Games “ATHENS 2004” as well as some of the official posters of the Games.

2005, Εθνικό Μουσείο & Shakhir Towel 2ο Grand Prix F1, ΜΠΑΧΡΕΙΝ.

2005, National Museum and Shakhir Towel, 2nd Grand Prix F1 BAHRAIN.

2006, Θεσσαλονίκη, Παλαιό Αρχαιολογικό Μουσείο“The City under Construction – Harbors – Cranes”. και Μακεδονικό Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης.

2006, “The City under Construction – Harbors – Cranes”, Old Archeological Museum and Macedonian Museum of Modern Arts Of Thessaloniki.

2008, MOCA (Museum of Contemporary Arts), ΣΑΝΓΚΑΗ.

2008, MOCA, SHANGHAI MUSEUM OF CONTEMPORARY ART.

JINTAI ART MUSEUM, ατομική έκθεση “Τhe Mind and the Body”, ΠΕΚΙΝΟ, ΚΙΝΑ.

RETROSPECTIVE “THE MIND AND THE BODY”, JINTAI ART MUSEUM, Beijing, CHINA.

2009, “Μεταλλικές Αντανακλάσεις”, ΕΙΚΑΣΤΙΚΟΣ ΚΥΚΛΟΣ, ΑΘΗΝΑ.

2009, “Metallic Reflections”, EIKASTIKOS KYKLOS ART GALLERY., ATHENS.

2010, FRASCIONE ART GALLERY-“Football Portraits”. ΦΛΩΡΕΝΤΙΑ.

2010, FRASCIONE ART GALLERY-“Football Portraits”., FIRENZE.

2012, “Speed and Motion: Racing to the Finish Line” NATIONAL ART MUSEUM OF SPORTS -NAMOS- ΗΠΑ.

2012, Indianapolis, USA, NATIONAL ART MUSEUM OF SPORTSNAMOS- “Speed and Motion: Racing to the Finish Line”.

2013, ART ATHINA: “Suns in the Sunset”.

2013, ART ATHINA - International Contemporary Art Fair , “Suns in the Sunset”.

BOB FORSTNER-PAGANI, Parklane, Mayfair, ΛΟΝΔΙΝΟ.

BOB FORSTNER-PAGANI, Parklane, Mayfair, LONDON.

Ατομική έκθεση FRASCIONE ART GALLERY. ΦΛΩΡΕΝΤΙΑ.

FRASCIONE ART GALLERY, FIRENZE.

2015, “IOC Trophy 2014 – Art and Sport” Βράβευση από τη Διεθνή Ολυμπιακή Επιτροπή . “TDS+MINA P.V.”, μεταξωτά φουλάρια με θεματολογία των αυτοκινήτων F1. 2016, SPORT MOVIES and TV 2016 – 34th Milano International FICTS Fest στο Palazzo Giureconsulti, ΜΙΛΑΝΟ. Old Brompton Gallery σε συνεργασία με Kapopoulos Fine Arts., ΛΟΝΔΙΝΟ. “Endless Speed”, ΣΤΟart ΚΟΡΑΗ - Εθνική Ασφαλιστική, ΑΘΗΝΑ. Έργα της εκτίθενται σε συλλογές και μουσεία διεθνώς:

2015, “IOC Trophy 2014 – Art and Sport” Award by the Inter national Olympic Committee in HOC. “TDS+MINA P.V.”, silk scarves featuring F1 vehicle thematology. 2016, SPORT MOVIES and TV 2016 – 34th Milano International FICTS Fest” at Palazzo Giureconsulti, MILANO. London, Old Brompton Gallery in collaboration with Kapopoulos Fine Arts. “Endless Speed”, “SΤΟart KORAI” - Ethniki General Insurance Company, ATHENS. Her Artworks can be found in the permanent collections of Museums and private collections internationally:

The OLYMPIC MUSEUM OF LAUSANNE, the UNITED NATIONS HEADQUARTERS, the NATIONAL MUSEUM OF WOMEN IN THE ARTS, Washington D.C., the LAMBORGHINI AUTOMOBILI HEADQUARTERS and MUSEUM in Sant’ Agata Bolognese, the OLYMPIC MUSEUM OF BARCELONA, the JEAN TODT-FERRARI MUSEUM, the JINTAI ART MUSEUM of Beijing, the NATIONAL ART MUSEUM of SPORTS [USA], the ASAMA MUSEUM of the UNITED STATES SPORT ACADEMY, the SAKHIR TOWER, Kingdom of Bahrain, the TRIDENT CARS LTD, Maserati-Lamborghini S.p.A., the NATIONAL GALLERY, Athens, the NATIONAL BANK of GREECE, the PIREAUS BANK, MUSEUM OF CERAMICS, Volos, VORRES MUSEUM, AVEROF MUSEUM, Metsovo, FLORINA CONTEMPORARY ART MUSEUM. 17

Women Bridging Worlds Δύο καταξιωµένες γυναίκες εικαστικοί, εκάστη µε τη δική της µοναδική καλλιτεχνική ταυτότητα, ξεκινούν η κάθε µία από την πλευρά της για να βρεθούν στη συνδετική στιγµή που ενώνει τους εσωτερικούς κόσµους και τις ζωγραφικές διαδροµές τους· στιγµή που υπάρχει πέρα από το ορατό. Πώς επιτυγχάνεται η προσέγγιση και πού γεφυρώνεται η απόλυτη µοναδικότητα δύο καλλιτεχνών των οποίων οι κόσµοι ορίζονται από διαφορετικές συντεταγµένες και το έργο µοιάζει ασύµβατο; Μα φυσικά στην αρχή της δηµιουργίας, στην Ιδέα που και οι δύο καλλιτέχνιδες εξωτερικεύουν µε αυθεντικότητα και με απόλυτα αναγνωρίσιµο, προσωπικό ζωγραφικό ύφος. Αρπάζουν, τόσο η Μίνα όσο και η B΄Beth, την Ιδέα του αρχικού ερεθίσµατός τους και τη µεταφέρουν στον καµβά δίχως καµία διάθεση µίµησης, παρά µόνο µε τη δύναµη της προσωπικής τους έκφρασης. Αφαιρούν όσα στοιχεία θεωρούν περιττά και ακολουθούν τη δική τους προσωπική Ιδεολογία της σύνθεσης, κατορθώνοντας να µεταδώσουν την αίσθηση που προκύπτει από την ατοµική τους παρατήρηση και να αγγίξουν συγχρόνως τις υποκειµενικές διαδροµές του θεατή. Τόσο η Μίνα όσο και η B΄Beth μετατρέπουν την τέχνη τους σε έκφραση χειρονοµίας και δράσης, τονίζοντας τη φυσική πράξη της ζωγραφικής µε αισθαντική ακρίβεια. Η βασική πραγµατικότητα του χρώµατος είναι εγγενής και για τις δύο καλλιτέχνιδες, όπως και οι πολύπλοκες κινήσεις της δηµιουργίας που ορίζουν την ιδιωµατική, αναγνωρίσιµη γραφή τους. Τα έργα της Μίνας εκφράζουν την παθιασµένη ιδιοσυγκρασία της και το απόλυτο δόσιµό της στη βαθιά ουσία του εκάστοτε ερεθίσµατός της, και διαπιστώνουµε σε αυτά την ύπαρξη της λεπτοµέρειας-µικρόκοσµου κατ’ εικόνα και καθ’ οµοίωσιν του συνόλου. Η σχεδόν επιθετική πινελιά της αποτυπώνει τα εκρηκτικά, µα συνάµα µε µία καθαρότητα χρώµατα –από τις λείες επιστρώσεις και τη ρευστότητα έως την παχιά πάστα που δουλεύεται ανάγλυφα– τα οποία ξεπερνούν τη φόρµα, υπερβαίνουν το περίγραμμα και αποκτούν τη δική τους αυτοτελή υπόσταση. Τα έργα της B΄Beth κινούνται ανάµεσα στο αφηρηµένο και το παραστατικό και µεταφέρουν την πραγµατική έννοια του θέµατος µε όχηµα την ιδιαίτερη, προσωπική αφαιρετική γραφή. Η ακραιφνής εικαστική συµπεριφορά οδηγεί στην αυθεντικότητα µέσα από τους απόλυτα προσωπικούς, αλλά χαρακτηριστικούς, χειρισµούς του χρώµατος, με ολοφάνερη τη µεγάλη φροντίδα µε την οποία καλλιεργούνται οι ποιοτικές του αξίες. Το χρώµα είναι οργανικό στοιχείο και για τις δύο, και το σύνολο της δουλειάς τους µεταπίπτει σε µία σύνθεση µε καταφανή την υπεροχή του. Αποτελεί γενεσιουργό αφορµή των έργων τους και δίνει, µαζί µε το φως, τον παλµό και την αίσθηση της κίνησης. Τόσο η Μίνα όσο και η B΄Beth δηµιουργούν έργα που εκτείνονται στο χώρο και στο χρόνο: η Μίνα µε την ταχύτητα που εκπέμπουν η ζωγραφική γλώσσα της και η θεµατολογία της –η ταχύτητα ορίζεται από το διάστηµα που διανύει ένα σώµα στη µονάδα χρόνου– και η B΄Beth µε τις υπερβατικές εικόνες της που καταργούν κάθε αίσθηση δεδομένης στιγμής. Έτσι, η εκφραστική πράξη τους αποτυπώνει εικόνες που δεν καθηλώνουν στο παρόν, αλλά αφηγούνται, διαφεύγοντας στο χρόνο.

Μαργαρίτα Δρίλλια

Women Bridging Worlds Two accomplished visual artists, each of her own distinguished, artistic identity, embark on a journey leading to a meeting which entangles their inner worlds and artistic paths, in an instance transcending visual reality. How could such an approach be possible? On what grounds could these two unique artists, whose worlds and work seem so different, be bridged? Where else, if not on the very beginning of artistic creation, on the Idea both artists wish to express through their genuine and characteristic, personal styles? Both Mina and B’ Beth cling on that initial Idea, transferring it on the canvas without any kind of imitation, using only their own, personal expressive power. Dismissing anything which they deem unnecessary, they follow their personal compositional ideology, communicating their individual view, while touching the viewer’s inner world. Both Mina and B’ Beth turn their art into an act of expression, promoting Painting’s physical dimension with a kind of sensual accuracy. The basic reality of color is inherent in their work – along with the complex creative flow which is so indicative of their idiomatic, distinctive styles. Mina’s works express her passionate personality and consuming devotion to her incentive’s deeper meaning, while promoting microcosmic detail in absolute likeness to the greater whole. Her almost aggressive brushstrokes - whether in the form of smooth, liquid layers, or rich, textured paste - use explosive, yet clear colors which transcend both form and contour, gaining their own, self-contained essence. B’ Beth’s works linger between abstract and figurative art, bringing out the theme’s true nature through the use of an abstract, yet distinctive visual style. Her constant visual performance unveils an undeniable originality, emerging from her characteristic handling of color which reveals the outmost care for its qualitative values. Both artists regard color as an intrinsic element which dominate their compositions. It is their art’s generating power, along with light, pulse and a sense of movement. Both Mina and B’ Beth create works extending into time and space: Mina through her themes and artistic language producing a feeling of speed - in the sense of the distance an object travels at a given time - and B’ Beth through her transcendental images which dismiss any sense of instantaneousness.

Margarita Drillia

Women Bridging Worlds Bâ&#x20AC;&#x2122;BETH WELDON and MINA PAPATHEODOROU VALYRAKI

Texts: Guiliano Serafini, Dora Iliopoulou-Rogan, Margarita Drillia Κείμενα: Guiliano Serafini, Ντόρα Ηλιοπούλου-Ρογκάν, Μαργαρίτα Δρίλλια Translation: Lena Theodoridou-Kirman, Avgi Defermi Μετάφραση: Λένα Θεοδωρίδου-Kirman, Αυγή Δεφέρμη Photos - Φωτογραφίες: Studio Vaharidis, Yancey Leeth, Insight Concepts, Alec Thigpen, Thigpen Photography Art Design & Production Management Easy dot SA Σχεδιασμός Εντύπου & Επιμέλεια Παραγωγής: Easy dot ΟΕ

I am inspired by color, light and the energy that makes things work. I enjoy creating work that ‘Captures the Essence of the Moment’ and invites the viewer to join in this celebration. As I create, I draw upon my experiences and inspiration from nature and sport. Whether using brush, pallette knife or drawing with pen, I combine the use of gestural marks, free-flowing movementand exuberant colors to bring my subjects and abstracts to life. B’Beth Weldon

WHEN LIGHT BECOMES POETRY The paintings of the important American artist, B’Beth Weldon, pulse with life via her use of color and light. Her responsiveness to this is so great that even in works where color is barely there, for example her “Urban Series”, she creates the illusion of more colors due to her sensitivity to the fluid nature of things. This innate pulse, present during all her distinct periods, adds a unique rhythm to the composition, banishing any sense of decorativeness while bringing the composition to life from within. Her works move in front of our eyes, whether they are semirepresentational, abstract, or works in which a unique realism prevails via color and light - creating a sense of transcendence that bridges the natural and the supernatural. In this way, Weldon manages to create visual and spiritual impressions on the audience, as her work encourages viewers to go on a personal journey dictated by their own experiences and past. The perfect balance between the experience that triggered the work and the way the artist visually rendered it with her use of color and light applies to the triptych “Awakening” -a work poetically conceived and executed with a cosmogonic dimension. Intensely atmospheric, this triptych takes us on endless journeys of the mind and soul; journeys infused with the aura of the ultimate energy that permeates the universe. The color in this triptych flows and clings inside of us due to the bursts of light that bestow a mesmerizing pulsation. This expands outside the canvas with fluidity making the viewers feel they become privy to the energy of the universe. The painter’s most recent landscapes involving -wetlands- are a pleasure to the eye with the constant juxtaposition of reflections of natural scenery on standing waters. These works constitute a climax in the artist’s career, while providing the ability to reinvent from within,honoring the main characteristics of her art. Here we find an unrivaled appeal that defies prosaic description. These works are an “ode to Mother Nature’s transcendence”. With her sensitivity to light and color, she maintains contact with her original inspiration. Thus, proving through her art Plato’s definition of original art as a representation of an Idea and not an imitation. Hence, establishing Weldon as an artist of great importance.

Dora Iliopoulou-Rogan

Dr. Historian of Art/Art Critic Officier des Arts et Lettres 4

Με εμπνέει το χρώμα, το φως και η ενέργεια που κινεί τα πράγματα. Μου αρέσει να δημιουργώ έργα που ‘συλλαμβάνουν την ουσία της στιγμής’, καλώντας τον θεατή να λάβει μέρος σε αυτήν τη γιορτή. Όταν δημιουργώ, ανατρέχω στις εμπειρίες μου και την έμπνευση που μου προσφέρουν η φύση και ο αθλητισμός. Είτε χρησιμοποιώ πινέλο, μαχαίρι, ή μολύβι, εισάγω τα στοιχεία των χαρακτηριστικών γραμμών, της ελευθερίας της κίνησης και των πλούσιων χρωμάτων ώστε να δώσω ζωή τόσο στα θέματα, όσο και στις αφηρημένες φόρμες. B’Beth Weldon

ΟΤΑΝ ΤΟ ΦΩΣ ΓΙΝΕΤΑΙ ΠΟΙΗΣΗ Τα ζωγραφικά έργα της σημαντικής Αμερικανίδας καλλιτέχνιδας, B’Beth Weldon, είναι κατεξοχήν παλμικά μεσ’ από το χρώμα/φως. H ευαισθητοποίηση της δημιουργού είναι τόσο μεγάλη ώστε ακόμη και σε ενότητες όπως π.χ. η “Urban Series” όπου το χρώμα κάνει μια σεμνή μόνο παρουσία, μας υποβάλλει, χάρη στον τρόπο που βιώνει την ιδιαίτερα κινητική σύνθεση, την εντύπωση από πολλά περισσότερα χρώματα. Ανεξάρτητα από τη φάση που διανύει κάθε φορά η Weldon, σε όλα της τα έργα ενυπάρχει ένας ενστικτώδης παλμός που, καθώς ζωντανεύει εκ των ένδον τη σύνθεση, της χαρίζει έναν ιδιωματικό ρυθμό αποκλείοντας κάθε διακοσμητικότητα. Τα έργα της κινούνται μπροστά στα μάτια μας είτε πρόκειται για ημι-παραστατική –μέχρι και αφηρημένη– γραφή είτε για δημιουργίες όπου κυριαρχεί ένας ιδιωματικός, μες από το χρώμα/φως, ρεαλισμός. Κατορθώνει έτσι πάντοτε η Weldon να υποβάλλει στον θεατή και ψυχολογικές εντυπώσεις πέρα από τις οπτικές καθώς ο τελευταίος ενθαρρύνεται μες από τα έργα της να διανύσει τις δικές του προσωπικές διαδρομές ανάλογα με τις εμπειρίες και τα βιώματα του. Κατεξοχήν ποιητικό σε σύλληψη και σε εκτέλεση, το τρίπτυχο “Awakening” αποτελεί ευρηματική χρυσή τομή ανάμεσα στο βιωμένο από τη δημιουργό ερέθισμα και στην εικαστική του απόδοση μεσ’ από το χρώμα/φως, χαρίζοντας στο έργο μια κοσμογονική διάσταση. Χαρακτηρισμένο από μια έντονη ατμοσφαιρικότητα, μας οδηγεί σε ατέρμονες διαδρομές του νου και της ψυχής, χρισμένες με την αύρα της υπέρτατης ενέργειας που διέπει το σύμπαν. Ρέει το χρώμα και αγκιστρώνεται μέσα μας χάρη στις φωτεινές αναλαμπές που χαρίζουν έναν καθηλωτικό παλμό στη σύνθεση. Μια ιδιωματική κινητικότητα προεκτείνει τη σύνθεση και πέρα από τα όρια του τελάρου υποβάλλοντας στον θεατή την αίσθηση ότι γίνεται κοινωνός της ενέργειας του σύμπαντος. Χάρμα οφθαλμών τα πρόσφατα τοπία -υγρότοποι– της ζωγράφου με τη συνεχή αντιπαραβολή αντανακλάσεων του φυσικού τοπίου στα λιμνάζοντα νερά, αποτελούν μια κορύφωση στη πορεία της καλλιτέχνιδος. Αποδεικνύουν την ικανότητα της να ανανεώνεται εκ των ένδον δίχως να απειθεί στα κύρια γνωρίσματα της τέχνης της. Ασκείται εδώ μια απαράμιλλη γητειά, αντιδραστική σε κάθε πεζή περιγραφή. Πρόκειται για έναν ύμνο στη Μητέρα Φύση. Η Weldon κατορθώνει με την ευαισθησία της στο χρώμα/φως να διεισδύει στα θεμελιακά συστατικά της φύσης. Κυρίως, όμως, δράττει κάθε φορά αυτήν καθαυτή την Ιδέα του αρχικού ερεθίσματος της επαληθεύοντας τον ορισμό του Πλάτωνα για την αυθεντική τέχνη: ότι πρέπει να εκπροσωπεί μια Ιδέα και όχι να αποτελεί μια μίμηση. Επαλήθευση που συγχρόνως την κατοχυρώνει σαν πολύ σημαντική καλλιτέχνιδα.

Ντόρα Ηλιοπούλου-Ρογκάν

Δρ. Ιστορικός της Τέχνης/Τεχνοκριτικός Officier des Arts et Lettres 5

Urban Scapes ΙΙΙ

Total 12 paintings 25x25 cm each, oil on canvas, 2018 Σύνολο 12 έργων 25x25 εκ. το καθένα, λάδι σε καμβά, 2018

Prismatic Series: Burst of Color ΙΙΙ 91x91 cm, oil on canvas, 2018 91x91 εκ., λάδι σε καμβά, 2018

Prismatic Series: Burst of Color I 91x91 cm, oil on canvas, 2018 91x91 εκ., λάδι σε καμβά, 2018

Prismatic Series: Burst of Color II 91x91 cm, oil on canvas, 2018 91x91 εκ., λάδι σε καμβά, 2018

Η ευαισθησία που έχει η καλλιτέχνιδα ως προς το χρώμα/φως αποτελεί το μοχλό της σύνθεσης γύρω από τον οποίο επικεντρώνεται το κάθε έργο. Στην ενότητα “Prismatic Series” υποβάλλει, χάρη στον παλμό του χρώματος, την αίσθηση από την τρίτη διάσταση. Τα έργα αυτά εμπεριέχουν την υπόσταση μιας “εν δυνάμει” κινητικής κατασκευής στο όριο μιας συνεχούς αναδιάρθρωσης με εργαλείο το αυτοδύναμο χρώμα. Ντόρα Ηλιοπούλου-Ρογκάν 8

Prismatic Series: Burst of Green I 46x46 cm, oil on canvas, 2018 46x46 εκ., λάδι σε καμβά, 2018

Prismatic Series: Burst of Green II 46x46 cm, oil on canvas, 2018 46x46 εκ., λάδι σε καμβά, 2018

The composition and execution of each of her works results from the artist’s response to color and light. Her unique style becomes apparent in her “Prismatic Series”. She creates the sense of a third dimension via the pulsing of color where it becomes the fuel for the composition’s infinite fluidity.” Dora Iliopoulou-Rogan 9

Prismatic XI

102x78 cm, oil on canvas, 2018 102x78 εκ., λάδι σε καμβά, 2018

Prismatic XII

78x102 cm, oil on canvas, 2018 78x102 εκ., λάδι σε καμβά, 2018

Fall for the Delta

A: 102x76 cm, B: 121x91 cm, C: 102x76 cm, oil on canvas, 2015 A: 102x76 εκ., B: 121x91 εκ., C: 102x76 εκ., λάδι σε καμβά, 2015

Awakening

A: 76x61 cm, B: 102x76 cm, C: 76x61cm, oil on canvas, 2015 A: 76x61 εκ., B: 102x76 εκ., C: 76x61 εκ., λάδι σε καμβά, 2015

The inexhaustible suggestive power of this composition invites as many readings of the work as are our viewings of it. Dora Iliopoulou-Rogan

Ανεξάντλητη σε δύναμη υποβολής αυτή η σύνθεση μας εγκαλεί σε πολλές αναγνώσεις όσες φορές και αν την κοιτάξουμε. Ντόρα Ηλιοπούλου-Ρογκάν 14

Clarity

A: 81x81 cm, B: 112x81cm, C: 81x81cm, oil on canvas, 2015 A: 81x81 εκ., B: 112x81 εκ., C: 81x81 εκ., λάδι σε καμβά, 2015

Like “Awakening”, this triptych defines the environment, as a unique horizon between earth and sky, between the natural and the supernatural. “Clarity” is one in which blue prevails, using minuscule nuances of shading, this work is equally imposing in its charm and are invited to become one with it. Dora Iliopoulou-Rogan

Στο μεταίχμιο ανάμεσα στη γη και στον ουρανό, στο φυσικό και στο μεταφυσικό, το τρίπτυχο “Clarity” όπως και το “Awakening”, διαμορφώνει και ορίζει ένα ολόκληρο περιβάλλον. Το μπλε χρώμα κυριαρχεί ακόμη και μεσ’ από απειροελάχιστες διαφοροποιήσεις στις αποχρώσεις. Βυθιζόμαστε, τόσο νοητικά όσο και ψυχικά στο έργο αυτό που μας καλεί δυναμικά να ταυτισθούμε μαζί του. Ντόρα Ηλιοπούλου-Ρογκάν 15

B’Beth Weldon, born in Mobile, Alabama, is an internationally exhibited and collected artist [B.A. Arts and Humanities and B.A. Business Administration, Mount Vernon College, Washington, DC] currently residing in Fairhope, Alabama where she has her studio. Solo Exhibitions 2018 Two Person Exhibition, Ikastikos Kiklos Sianti, Athens, Greece (with artist, Mina Papatheodorou-Valyraki). 2017 Spring Event,Chapel Farm Collection, Fairhope, AL. 2016 National Survivor’s Day: Official Artist, USA Mitchell Cancer Institute, Mobile, AL. 2014 KISS: Keep It Simple Sweetheart, Eastern Shore Art Center, Fairhope, AL. 2013 Polo At The Point: Official Artist, Point Clear Charities, Point Clear, AL.

Η Β’ Beth Weldon γεννήθηκε στο Mobile της Αλαμπάμα. Είναι απόφοιτος του Κολλεγίου Mount Vernon, Ουάσιγκτον, ΗΠΑ, με πτυχία στις Τέχνες και τις Ανθρωπιστικές Σπουδές καθώς και στη Διοίκηση Επιχειρήσεων. Τα έργα της βρίσκονται σε μουσεία, διεθνείς και ιδιωτικές συλλογές. Ζει και εργάζεται στο Fairhope της Αλαμπάμα. Προσωπικές Εκθέσεις 2018 Διπλή Έκθεση, Εικαστικός Κύκλος Sianti, Αθήνα, Ελλάδα με τη Μίνα Παπαθεοδώρου-Βαλυράκη. 2017 Εαρινή Έκθεση, Chapel Farm Collection, Fairhope, AL. 2016 Εθνική Ημέρα Επιζώντων: Επίσημη Καλλιτέχνης, ΗΠΑ, Mitchell Cancer Institute, Mobile, Αλαμπάμα. 2014 ΦΙΛΙ: “Ας το διατηρήσουμε απλό, αγαπημένε”, Eastern Shore Art Center, Fairhope, Αλαμπάμα. 2013 Polo At The Point: Επίσημη Καλλιτέχνης, Point Clear Charities, Point Clear, Αλαμπάμα.

Festival of Flowers: Official Artist, Providence Hospital, Mobile, AL.

Γιορτή Λουλουδιών: Επίσημη Καλλιτέχνης, Providence Hospital, Mobile, Αλαμπάμα.

Celebrating Life,Marriott’s Grand Hotel, Point Clear, AL.

Γιορτή της Ζωής, Marriott’s Grand Hotel, Point Clear, Αλαμπάμα.

Grand Event, Chapel Farm Collection, Fairhope, AL.

2011 Polo At The Point: Official Artist, Point Clear Charities, Point Clear, AL.

Κεντρική Έκθεση, Chapel Farm Collection, Fairhope, Αλαμπάμα. 2011 Polo At The Point: Επίσημη Καλλιτέχνης, Point Clear Charities, Point Clear, Αλαμπάμα.

Through the Years, Marriott’s Grand Hotel, Point Clear, AL.

“Στη διάρκεια των χρόνων”, Marriott’s Grand Hotel, Point Clear, Αλαμπάμα.

Selected Group Exhibitions 2018 Water for Life International Art Exhibition, Niagara Falls History Museum, Niagara Falls, Ontario, Canada. 2016 Spring Event, Chapel Farm Collection, Fairhope, AL.

Επιλεγμένες Ομαδικές Εκθέσεις 2018 “Νερό για τη Ζωή”, Διεθνής Έκθεση Τέχνης, Μουσείο Ιστορίας Niagara Falls, Οντάριο, Καναδάς. 2016 Εαρινή Έκθεση, Chapel Farm Collection, Fairhope, Αλαμπάμα.

Grand Event, Chapel Farm Collection, Fairhope, AL.

2015 Art and the Polis, X Florence Biennale - International Contemporary Artists, Florence, Italy. 2014 Grand Event, Chapel Farm Collection, Fairhope, AL.

Juried Show, Mobile Council of the Arts, Mobile, AL.

Arts 2014: Juried Exhibition, Montgomery Museum of Fine Arts, Montgomery, AL. 2013 Front and Center, Mobile Museum of Art, Mobile, AL. Art of Making Miracles, Children’s Miracle Network, Fairhope. 16

Κεντρική Έκθεση, Chapel Farm Collection, Fairhope, Αλαμπάμα. 2015 “Τέχνη και Πόλη”, 10η Biennale Φλωρεντίας - International Contemporary Artists, Φλωρεντία, Ιταλία. 2014 Κεντρική Έκθεση, Chapel Farm Collection, Fairhope, Αλαμπάμα. Διαγωνιστική Έκθεση, Mobile Council of the Arts, Mobile. Τέχνες 2014: Διαγωνιστική Έκθεση, Montgomery Museum of Fine Arts, Montgomery, Αλαμπάμα. 2013 “Μπροστά και Κέντρο”, Mobile Museum of Art, Mobile. “Η Τέχνη των Θαυμάτων”, Children’s Miracle Network, Fairhope, Αλαμπάμα.

Awards & Honors 2017 U SA Mitchell Cancer Center Kilborn Clinic, Fall for the Delta, joins Permanent Collection.

Βραβεία και Τιμητικές Διακρίσεις 2017 Η ΠΑ Mitchell Cancer Center Kilborn Clinic, ο πίνακας “Fall in Delta” εντάσσεται στη μόνιμη συλλογή.

Community Foundation of South Alabama, 2017 Beacon Award - Official Artist, Mobile, AL.

2014 B eijing Sport University, Global Expansion of Gifted Masterpieces in China, Beijing, China. 2013 A merican Sport Art Museum and Archives, “Off Back Shot” Joins Permanent Collection, Daphne, AL.

2014 Πανεπιστήμιο Αθλητισμού του Πεκίνο, Διεθνής Έκθεση, Διεθνής Προβολή του Gifted Masterpieces στην Κίνα, Πεκίνο, Κίνα. 2013 Αμερικανικό Μουσείο και Αρχείο Αθλητικής Τέχνης, ο πίνακας “Off Back Shot” εντάσσεται στη μόνιμη συλλογή, Daphne, Αλαμπάμα.

Films Houston, Diane, Director. Gingi Rochelle, Producer. Runaway Island. Runaway Island, TV One Original Movie, 2015. Glassman Media, production company. The Cowboy Way: Alabama, INSP Docuseries, 2017. Contributions China Research Center on Sports for People with Disabilities (CRCSPD), International Faculty Member. United States Sports Academy, Art Committee Board Member, Daphne, AL. United States Sports Academy, National Faculty Member, Daphne, AL. Gifted Masterpieces Workshops, Founder and Facilitator of Global Painting Workshops, est. 2010. Providence Hospital’s Festival of Flowers, Painting and Photography Show 2013 - Judge, Mobile, AL. Eastern Shore Art Center (ESAC), Outdoor Art Show-Judge, Fairhope, AL. Coastal Art Center of Orange Beach, Orange Beach Festival of Art-Judge, Orange Beach, AL.

Her Artworks can be found in the permanent collections of Museums and public collections internationally:

ommunity Foundation of South Alabama, Βραβείο C Beacon 2017 - Επίσημη Καλλιτέχνις, Mobile, Αλαμπάμα.

Ταινίες Houston, Diane, Σκηνοθέτης. Gingi Rochelle, Παραγωγός. Runaway Island. Νήσος Ράναγουέι, TV One, Πρωτότυπη ταινία, 2015. Glassman Media, εταιρεία παραγωγής. Ο τρόπος των καουμπόηδων: Αλαμπάμα, INSP Σειρά Ντοκιμαντέρ, 2017. Κοινωνική Δράση Αθλητικό Ερευνητικό Κέντρο της Κίνας για Άτομα με Ειδικές Ανάγκες (CRCSPD), Διδάσκουσα στη Διεθνή Σχολή. Αθλητική Ακαδημία των ΗΠΑ, Μέλος της Καλλιτεχνικής Επιτροπής, Daphne, Αλαμπάμα. Αθλητική Ακαδημία των ΗΠΑ, Μέλος της Εθνικής Σχολής, Daphne, Αλαμπάμα. Εργαστήρια Gifted Masterpieces, Ιδρύτρια και Συνεργάτιδα των Εργαστηρίων Global Painting από το 2010. Γιορτή Λουλουδιών στο Providence Hospital, Έκθεση Ζωγραφικής και φωτογραφίας 2013- Κριτής, Mobile, Αλαμπάμα. Κέντρο Τεχνών Eastern Shore(ESAC), Υπαίθρια Έκθεση - Κριτής, Fairhope, Αλαμπάμα. Coastal Art Center of Orange Beach, Καλλιτεχνικό Φεστιβάλ Orange Beach - Κριτής, Orange Beach, Αλαμπάμα.

Έργα της εκτίθενται σε δημόσιες συλλογές και μουσεία διεθνώς:

AMERICAN SPORT ART MUSEUM and ARCHIVES, Daphne, AL, BAPTIST MEDICAL CENTER EAST, Montgomery, AL, Baptist Medical Center South, Montgomery, AL, Beijing Sport University, Beijing, China, Camp ASCCA, Jacksons Gap, AL, Haidian Special School, Beijing, China, Memorial Sloan Kettering Cancer Center, Monmouth, NJ, Mercy Life Center, Mobile, AL, Infirmary Health: Thomas Hospital, Fairhope, AL, Providence Hospital, Mobile, AL, RCA Records, Nashville, TN, Renaissance Hotel, Montgomery, AL, Sloan Kettering, Comack, Monmouth, NJ, USA Mitchell Cancer Institute, Kilborn Clinic, Fairhope, AL, USA Mitchell Cancer Institute, Mobile, AL 17