Evolución de los efectos especiales en el cine Yasmina Beltran Pérez Ingrid Lara Pacheco Rudz Laura Jaramillo Leo Grado en Diseño Universitat de Barcelona Facultat de Belles Arts
Índice Introducción
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1. Definición
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2. Evolución
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3. Tipos de efectos especiales
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4. Análisis
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Conclusiones
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Introducción La producción cinematográfica implica, generalmente, el esfuerzo combinado de muchas personas, desde iluminadores, maquinistas, constructores de decorados, actores, directores, músicos, diseñadores de sonido, especialistas en efectos, maquilladores, etc. Este esfuerzo es especialmente notorio durante el proceso de rodaje de la película. El trabajo de estos grupos de profesionales durante la producción viene acompañado por diversas herramientas tecnológicas como cámaras especializadas. Pero no solo esto forma una película, una vez obtenidas las imágenes tiene lugar el proceso de post-producción. En esta fase se ordenan las grabaciones dándole una narrativa a la historia y se le añaden efectos visuales, de sonido, músicas o locuciones1. Como en muchos procesos artísticos e industriales, la irrupción de la informática en el cine, especialmente en el campo de los efectos visuales ha devenido una necesidad. Esto se debe a que cada vez es necesario crear productos más caros, espectaculares e impactantes. Es a partir de la saga de Star Wars (1977) de George Lucas, que se comienza a desarrollar este campo en busca de la máxima calidad en efectos especiales2. En este trabajo se tratarán algunas técnicas que crean los efectos especiales que se pueden apreciar en diversas películas, con la finalidad de comprender un poco más este campo.
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QUIROGA, ELIO (2004): La materia de los sueños. Barcelona. Ed. Deusto. ISBN: 84-234-3495-8. (Pág. 17) 2
QUIROGA, ELIO (2004): La materia de los sueños. Barcelona. Ed. Deusto. ISBN: 84-234-3495-8. (Pág. 16) 2
1. Definición Los efectos especiales se refieren a aquellos artificios a los que se recurre en el rodaje de una película para dar apariencia de realidad a ciertas escenas. “Se definen, también, como el grupo de técnicas que permiten modificar la apariencia de la imagen o el sonido”. Esto clarifica y delimita un poco más el concepto, y es debido a esta concepción que se pueden clasificar en efectos de sonido y en efectos visuales. Generalmente el público hace referencia a la idea de “truco”, cuando se refiere a ambos. Actualmente los efectos especiales constituyen una actividad especializada dentro de la poderosa industria del cine, que se nutre de la ciencia y desarrolla a la par de los avances tecnológicos.
2. Evolución A principios del siglo XX, el cine se convirtió en una de las más grandes atracciones de todos los tiempos. Fue el 28 de diciembre de 1895 en París, cuando los hermanos Lumière, gracias a la invención del cinematógrafo, abrieron las puertas del primer cine-teatro de todo el mundo, presentando la película: Salida de la fábricas Lumière en Lyon-Montplaisir3. El mundo quedó fascinado e intrigado ante tal invención. Es a partir de este momento que empieza el desarrollo de una de las industrias más poderosas de todos los tiempos: El Cine. Georges Méliès, fue, sin duda, el precursor del cine actual. Este pionero francés, cuando realizaba uno de sus primeros trabajos con una cámara de cine, descubrió, fruto de un error con la cinta de video, que un trolebús pasaba a ser un coche fúnebre de golpe (escamoteo). Éste es el primer truco descubierto en el cine. Desde entonces, Méliès comienza a desarrollar diversos efectos en todas sus películas, todos ellos realizados en cámara y sobre el mismo negativo4.
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QUIROGA, ELIO (2004): La materia de los sueños. Barcelona. Ed. Deusto. ISBN: 84-234-3495-8. (Pág. 20) 4
QUIROGA, ELIO (2004): La materia de los sueños. Barcelona. Ed. Deusto. ISBN: 84-234-3495-8. (Pág. 20) 3
A partir de los descubrimientos de Méliès, diversos productores introducen efectos especiales en sus películas, de manera que éstos comienzan a desarrollarse empezando por las técnicas matte y back projection, hasta la utilización del stopmotion en los años 305. Émile Chol y Winsor McClay, a principios del s.XX comienzan a realizar animaciones. Este hecho significó un gran avance en el cine ya que fue el nacimiento de un nuevo método de hacer películas6. A partir de finales de la década del 1920, con la creación de los impresores ópticos y el empeño de la compañía Disney por desarrollar el campo de la animación, teniendo en cuenta los avances técnicos de sus antecesores, se puede decir que yacen los cimientos de los efectos especiales tal y como los conocemos hoy en día.
3. Tipo de efectos especiales Efectos ópticos Los efectos ópticos, también llamados visuales o fotográficos, son los más antiguos, como: •
Stop motion: Es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas. Películas famosas en las que se utilizó esta técnica son, por ejemplo, King Kong (de 1933, con efectos especiales de Willis O'Brien). A finales de los años 1970 Phil Tippett inventó para la película El Imperio contraataca una técnica avanzada de stop motion: el go motion.
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QUIROGA, ELIO (2004): La materia de los sueños. Barcelona. Ed. Deusto. ISBN: 84-234-3495-8. (Pág. 21-23) 6
QUIROGA, ELIO (2004): La materia de los sueños. Barcelona. Ed. Deusto. ISBN: 84-234-3495-8. (Pág. 24) 4
King Kong (1933), Stop Motion •
Star Wars (1980), Go motion
La retroproyección o transparencia: Técnica en la que actores reales son filmados simultáneamente a una proyección sobre una pantalla que se encuentra detrás de ellos. Esta técnica fue utilizada por ejemplo para rodar una escena de la película Con la muerte en los talones.
Con la muerte en los talones (1959)
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Zoptic: En 1978, para la película Superman, Zoran Perisic ideó la técnica zoptic, que consiste en dotar al proyector de un zoom sincronizado con otro zoom, situado a su vez en la cámara que filma el plano. De este modo cuando la cámara se acerca a Superman mientras se supone que éste está en vuelo, el plano proyectado detrás (en el que puede verse desfilar el paisaje) aumenta de tamaño en la misma proporción, creando la ilusión de que la cámara está filmando a un hombre en su entorno inmediato y que éste está realmente volando.
Superman (1978)
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La inserción croma: consiste en extraer un color de la imagen (usualmente el verde o el azul) y reemplazar el área que ocupaba ese color por otra imagen, con la ayuda de un equipo especializado o un ordenador.
Avatar (2009)
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La rotoscopia: Una técnica en la que sobre una mesa transparente son proyectados simultáneamente dos planos mientras un animador pinta o dibuja un objeto sobre uno de los dos planos. Esta técnica fue utilizada en 1977 para el brillo de los sables láser de la película La guerra de las galaxias.
Star Wars (1977)
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Matte painting: También llamada «técnica de la pintura sobre vidrio». En esta técnica se pinta un decorado sobre una placa de vidrio, dejando libre de pintura (y por tanto transparente) la zona del plano donde deberá verse a los actores. Cuando se proyecta la filmación de los actores detrás de la placa de vidrio la cámara puede filmar el conjunto, dando la sensación de que los actores están insertados en el decorado pintado. Cuanto más realista sea la pintura sobre vidrio mejor conseguida estará la sensación de realidad.
Piratas del caribe: La maldición de la perla negra (2003)
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Técnica de la maqueta colgante: En la que se interpone una maqueta entre la cámara y un fondo verdadero, a menudo un decorado, lo que permite tener un fondo de tres dimensiones.
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Titanic (1997) •
Motion control photography: En este tipo de filmación es la cámara la que se mueve mientras la maqueta está fija e inmóvil. Fue John Dykstra, quien la perfeccionó en 1976 para la película La guerra de las galaxias (1977). Dykstra inventó una cámara a la que llamó Dykstraflex y que le permitía sincronizar la filmación de las maquetas de las naves espaciales con la memoria de un ordenador, de modo que la simultaneidad de los diferentes elementos que componen un único plano (el fondo estrellado del espacio, astros y planetas, otras naves y vehículos, etc.) podía ser lograda con mayor sincronización y realismo.
Star Wars (1977)
Efectos mecánicos Los efectos mecánicos (denominados también efectos prácticos o físicos) son los que se realizan durante el rodaje en vivo de la película. Estos incluyen marionetas mecánicas, escenografía y pirotecnia. Además de ser aquellos con los que se crean escenas como la lluvia, disparos, destrucción de murallas etc. Los efectos mecánicos más elaborados son los utilizados en la técnica llamada animatrónica.
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Parque Jurásico (1993)
Efectos de sonido Los efectos de sonido son todos aquellos obtenidos con sonidos pregrabados, con o s i n m e z c l a e n t r e e l l o s . Po r e j e m p l o , p a r a l o s g r u ñ i d o s y r u g i d o s del wookiee Chewbacca, Ben Burtt utilizó mezclas de sonidos emitidos por osos, perros, morsas y leones. También se incluyen en los efectos de sonido aquellos que son grabados en estudio para ser añadidos al fondo sonoro de la película, como dos cáscaras de coco entrechocadas para simular los cascos de los caballos.
Efectos de maquillaje En todas las películas siempre está el elemento del maquillaje, ya sea un drama, una película de acción, de ciencia ficción, etc. Hay diferentes tipos de maquillaje, desde el más natural, por ejemplo el que se utiliza para que los actores simplemente tengan buen aspecto, hasta para crear heridas... En este último caso se puede conseguir desde un simple arañazo hasta una gran prótesis espectacularmente sangrienta. También se utiliza este recurso para crear personajes fantásticos, por ejemplo un zombie, un fauno o un alien... Todo tipo de maquillaje tiene un gran trabajo de diseño detrás, así como de investigación. Un maquillaje con prótesis requiere sacar moldes del actor que los va a llevar, depende del tipo de caracterización que se le vaya a realizar, se pueden sacar moldes de la cara, la cabeza, los dientes y hasta del cuerpo entero. Estos moldes se crean a base de alginato y vendas de escayola para luego sacar un molde positivo en yeso donde se trabaja con plastilina o arcilla para crear la prótesis. El material protésico puede ser de espuma de látex, gelatina, silicona u otros materiales similares, los bordes de la prótesis deben ser lo más finos posible para poder camuflarlos bien con la piel del actor a la hora de ser maquillado.
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El señor de los anillos: El retorno del rey (2003)
Efectos digitales Los efectos digitales (también designados como infografías o imágenes generadas por computadora) son todas aquellas imágenes digitales que se crean por ordenador aunque también pueden ser imágenes reales retocadas por ordenador, con composición o proceso de integración de todas ellas juntas. En los años 70 ya empezaron a ser utilizados en algunos planos, sobre todo para representar pantallas de computadoras, como por ejemplo el sistema de puntería a bordo de los cazas XWing durante la Batalla de Yavin, en la película La guerra de las galaxias (1977). Más tarde los efectos digitales fueron utilizados para la creación de planos enteros, sobre todo a partir de la película Tron (1982). Con el tiempo estos efectos se han ido perfeccionando y hoy en día existen diferentes tipos: •
Morphing: Una técnica que consistente en la metamorfosis de un elemento fotográfico en otro, mediante la selección de puntos comunes u origen y destino. El primer morphing de la historia es la transformación de la hechicera Fin Raziel en una serie de animales (en la pel·lícula Willow, de 1988).
Willow (1988)
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Creación de imágenes por ordenador: Técnica cada vez más utilizada (sobre todo para la animación de imágenes digitales) y en la que no se usa ningún elemento fotográfico, la imagen es creada enteramente a partir de la herramienta informática. Las primeras películas que usaron por primera vez imágenes enteramente generadas por computadora fueron Tron (1982) y Young Sherlock Holmes (en español El secreto de la pirámide, 1985). Esta técnica consta de varias fases:
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Diseño de los personajes o elementos a crear (mediante técnicas tradicionales de dibujo como el boceto).
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Creación de modelo, desarrollo en 3D de los volúmenes.
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Creación de materiales, es decir el comportamiento de la luz con respecto al objeto. Creación de setup, estructura interna que facilita la animación.
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Animación y, finalmente, el acabado de los detalles (designado a veces con el término inglés rendering).
Tron (1982)
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Tron (2010)
Captura de movimiento: Una técnica en la que se digitalizan una serie de puntos situados en un objeto real en movimiento. Así registrados en la memoria de la computadora, estos puntos sirven para hacer coincidir en ellos los puntos homólogos de una imagen generada más tarde por un artista gracias a la computadora. Un ejemplo de la aplicación de esta técnica lo proporcionan las películas Las dos torres (2002) y El retorno del Rey (2003), en las que el actor Andy Serkis actuó delante de pantallas verdes vestido con un traje sobre el
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que se señalaban los puntos necesarios para que más tarde un artista digital creara al personaje ficticio de Gollum.
! El señor de los anillos (2001-2003)
4. Análisis Star Wars (1977-2005)7 Star Wars fue una saga de 6 películas creadas por el cineasta George Lucas. Él mismo decidió llevar a cabo la producción de su gran proyecto con la ayuda de Gary Kurtz. Entre las partes más importantes de la producción se encontraban los efectos especiales. Para conseguir los resultados deseados, Lucas y Jim Nelson, montaron la empresa de efectos visuales Industrial Light and Magic (ILM) en 1974. Para la cual contrataron al experto en efectos especiales John Dykstra. Para la realización de la primera película, A New Hope, se necesitaban nuevas técnicas. Tras más de un año y millones de dólares gastados en el desarrollo de un aparato llamado Dykstraflex, en un principio parecía no dar resultado. Pero es alrededor de 1975 donde ILM pudo realizar los primeros bocetos en blanco y negro con esta máquina, que a pesar de ser bocetos, mostraban que de a poco se alcanzarían los objetivos: filmar con miniaturas unos espectaculares movimientos en el espacio jamás conseguidos.
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STAR WARS (YouTube Channel): Star Wars Visual Effects, from AT-ATs to Tauntauns. [En línea]. Link: https://www.youtube.com/watch?v=mIlYk7KQe-s
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Debido a la falta de presupuesto, tanto el rodaje de la película como la postproducción no fueron como era esperado. Tanto era el problema, que el número reducido de 30 profesionales que trabajaban en la postproducción trabajaban 7 horas al día, sin descanso y algunos sin siquiera cobrar. En 1977 se estrena la primera película de la saga consiguiendo un gran éxito y fue reconocida con la entrega del Óscar a los Efectos Visuales. Para la filmación de la segunda película, The Empire Strikes Back, volvieron los problemas económicos para George Lucas, pero esto no impidió seguir estudiando nuevos tipos de efectos especiales. Para la suerte de Lucas, la empresa Triple-I lo contactó y se ofrecieron a crear una prueba animada de los famosos X-Wings fighters volando en formación. Aunque el experimento de Triple-I se consiguió, por problemas a la hora de cerrar presupuestos, en esta película se decidió mantener el uso de las miniaturas reales filmadas con cámaras de motion control. Éste experimento no fue en vano ya que Lucas descubrió los efectos que pueden ser generados a través de ordenadores. Para esta película, la gran novedad fue la creación de una nueva cámara llamada Empireflex, una nueva cámara de motion control.
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La tercera película de la saga, Return of the Jedi, ofrece la novedad de la imagen holográfica animada. Esta animación fue realizada en la Computer Division creada años atrás por George Lucas.
Para Return of the Jedi se volvió a crear una cámara de motion control, llamada Vista Visión. No sólo esto fue necesario para la película, sino que se crearon y utilizaron centenares de maquetas, diferentes equipos de motion control y la creación de una nueva cámara multiplano para los 900 planos de efectos visuales necesarios. The phantom menace8, la cuarta película de la saga, contó con la mezcla de técnicas punteras como decorados virtuales generados en 3D, y creación de escenarios y muchedumbres mediante las técnicas depuradas en Star Wars/Special Edition. Esta película cuenta con 66 personajes digitales integrados en la acción real, esto se puede apreciar por ejemplo en los drones de la batalla final. The phantom menace está repleta de efectos especiales, de los cuales los especialistas estaban plenamente orgullosos de éstos, pocas eran las escenas que no contaban con ellos. Ésto le atribuyó en el año 2000 un Óscar a mejores efectos especiales.
Para la quinta película de la saga, Attack of the Clones, se reutilizó material utilizado en The phantom menace como los matte paintings digitales que fueron mínimamente modificados para conseguir nuevas perspectivas, pero con un mínimo
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STAR WARS (YouTube Channel): The Beginning: Making Star Wars: Episode I The Phantom Menace (Full Version). [En línea]. Link: https://www.youtube.com/watch? v=da8s9m4zEpo&spfreload=10 14
trabajo extra. Para esta película se empezaron a utilizar personajes modelados en 3D para las escenas más complicadas de filmar. Como resultado de esta técnica, uno de los personajes en la que en todas las escenas es un modelado 3D digital es Yoda. Anteriormente era grabado a partir de una marioneta, pero no es hasta Attack of the Clones, donde todas sus escenas son a partir de un modelado digital.
Revenge of the Sith cuenta con más de 2.200 tomas de efectos visuales. Algunos de los escenarios utilizados se tuvieron que crear digitalmente por completo debido a la inexistencia de lugares tan remotos en el planeta. En películas anteriores no fue necesario esto ya que en sitios como Sevilla o Túnez encontraron lo espacios adecuados para la escenografía necesaria. Durante el proceso de postproducción de la película se fueron mejorando diverses técnicas que se había utilizado anteriormente, como es el caso del modelado 3D 15
digital de algunos personajes. Pero esta no es sólo una característica de Revenge of the Sith, sinó que es un proceso que se mantuvo desde 1977 hasta 2005. La Venganza de los Sith tiene más de 2.200 tomas de efectos visuales
Matrix (1999-2003) The Matrix, de Andy Wachowski, es uno de los grandes éxitos del año 1999. El uso de los efectos visuales en la película no es tan intenso como puede parecer, exceptuando los famosos momentos donde la imagen se congela en un momento cuando tiene lugar una acción física y giramos a su alrededor a alta velocidad. Los hermanos Wachowski tomaron la idea del Bullet Time a partir de los métodos utilizados por la empresa BUF Compagnie y el artista norteamericano Dayton Taylor. La empresa BUF Compagnie, en 1998, fue la encargada de realizar el efecto visual presente en una campaña de ropa de la empresa The Gap. Este efecto consistía en congelar un objeto en movimiento y girar alrededor de ella. Para conseguirlo, BUF utilizaba 2 cámaras colocadas en un triángulo imaginario, del cual ambas son vértices, siendo el tercero el motivo a filmar. Con el resultado de la filmación, dos equipos de técnicos trabajaron sobre las imágenes. El primero se ocupó de los cálculos del Bullet Time y el segundo de los mattes, para así una vez obtenido esto, integrar las dos imágenes en un mismo plano obteniendo el film final. Por otra parte, el artista norteamericano Dayton Taylor, fragmentaba el espacio y el tiempo mediante su método llamado TimeTrack Camera, patentado en 1994. Para la realización de sus filmaciones utilizaba 80 o más cámaras fotográficas en línea alrededor del motivo a congelar, utilizando tan solo un único rollo de película que pasaba por todas las cámaras. Teniendo en cuenta las referencias anteriores, en el caso de The Matrix, las escenas creadas a partir del Bullet Time9, fueron creadas por la empresa Manex. Se utilizó un sistema basado en 122 cámaras Canon de 35 mm disparando a un tiempo 1/1.000 de segundo, fue construido por Innovation Arts siguiendo las posiciones ideadas por Manex. El uso del elevado número de cámaras produjo que el trabajo de postproducción sea mucho mayor, ya que las pequeñas diferencias entre las cámaras (defectos ópticos de fábrica, alineaciones milimétricas, etc.) se hacían muy notorias a gran resolución.
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MOVIECLIPS, EXTRAS (YouTube Channel): The Matrix Behind The Scenes Rooftop (1999) - Keanu Reeves Movie HD. [En línea]. Link: https://www.youtube.com/ watch?v=Kjcv-JtUOgA&spfreload=10 16
El proceso de grabación de la escena en Bullet Time se hizo sobre una pantalla verde. Para que el decorado siga el movimiento de los actores de forma coherente, se creó un método de renderizado llamado The Berkeley Tower Flyover. La importancia de estas escenas no sólo yace en el efecto del Bullet Time, sino que en ello y la integración del decorado 3D con tanta coherencia.
El maquillaje también jugó un papel importante en la película, por ejemplo en la escena en la que Neo despierta al mundo real, se aprecia un extraño aspecto en el personaje. Esto se consiguió mediante una sesión de maquillaje de 6 horas. Además para esta escena, se creó gran parte del decorado mediante la técnica de Matte Digital.
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! El efecto del Matrix Code fue creado por la empresa Animal Logic, se realizó modelando el corredor donde sucede la escena con Softimage y utilizando programas creados para mapear el flujo del Matrix Code como textura sobre el lugar.
! Toda la producción de efectos especiales que tuvo The Matrix, le hizo merecer a esta película un óscar a los Efectos Visuales.
El señor de los anillos (2001-2003) La trilogía cinematográfica de El Señor de los Anillos, basada en la novela homónima del escritor británico J. R. R. Tolkien, comprende tres películas épicas de fantasía, acción y aventuras: El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo (2001), El Señor de los Anillos: las dos torres (2002) y El Señor de los Anillos: el retorno del Rey (2003). Cada una de las tres películas tuvo un año completo de postproducción antes de sus respectivos estrenos. Tras ello, el equipo se ponía a trabajar inmediatamente en la
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siguiente película. En los últimos meses de cada uno de esos periodos, Jackson se mudaba a Londres para supervisar la grabación de la banda sonora y continuar el montaje. Las tres versiones extendidas también tuvieron una apretada agenda de postproducción para completar los efectos especiales y la música al principio de cada año. Para la trilogía se utilizaron innovadoras técnicas y efectos visuales digitales. La primera película cuenta con alrededor de 540 efectos, la segunda 799 y la tercera 1488 (2730 en total). El total se incrementa hasta 3420 en las versiones extendidas. 260 artistas de efectos visuales trabajaron en la trilogía, y el número se duplicó para Las dos torres. La producción presentó complicaciones tras el uso de dobles a escala, al igual que con la perspectiva forzada a un nivel nunca antes visto en la industria del cine.
Con esto, se utilizaron grandes y pequeños dobles a escala en ciertas escenas, mientras que se construyeron duplicados de algunos escenarios (incluyendo Bolsón Cerrado en Hobbiton) en dos escalas distintas, con el propósito de que los diferentes personajes se apropien a su respectivo tamaño. Igualmente se empleó la perspectiva forzada para que se notara que los hobbits (cuyo tamaño es relativamente pequeño) estaban interactuando con los humanos y los elfos, que poseen una altura superior. Weta acuñó el término «maxitura» para las 72 miniaturas producidas, en referencia a su enorme tamaño. Dichas miniaturas albergan la escala 1:4 del Abismo de Helm, que acompañada y Moria y Osgiliath, fue una de las primeras que se creó. La mayoría de los sets se edificaron para dar lugar a la composición de modelos y pinturas mate.
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Muchas de las criaturas de la Tierra Media, ya sean los trolls, los Balrogs, los ents, los huargos, entre otros, fueron creados por ordenador en su totalidad. Los creadores dedicaron meses a la creación y modificación de las criaturas, en el instante en el que los diseños de los bocetos fueran previamente esculpidos en maquetas y escaneados en ordenador. Fue entonces cuando los animadores ajustaron los esqueletos y músculos de cada cuerpo sin animar y posteriormente los entintaron a partir de maquetas pintadas y previamente escaneadas.
Weta comenzó a animar a Gollum al término de 1998, utilizando un sistema de músculo humano genérico, con el objetivo de convencer a New Line que el efecto que podía lograrse. El personaje generado por ordenador se creó a partir de las características faciales de Andy Serkis, así como de su voz y actuación. Serkis basó su voz en sonidos que solía emitir su gato. En un principio el equipo de animación pensó en usar dos técnicas para elaborar al personaje de Gollum: la captura de movimientos y la manipulación de marionetas. El equipo de rodaje había grabado dos tomas de cada escena en la que aparecía Gollum, una con Serkis como referencia
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para el resto de actores y otra sin él para que los animadores pudieran introducir más tarde al Gollum digital. Sin embargo, cuando el equipo de Weta vio las tomas, observaron que los actores interpretaban mejor en las que aparecía Serkis, así que decidieron usar la técnica del rotoscopio para Gollum10.
Avatar (2009) Avatar, de James Cameron fue considerada como una de las mejores por sus innovadores efectos visuales. Para el rodaje se utilizó un sistema de grabación en tres dimensiones, así como una utilización de programas especiales de diseño virtual que permitieron generar y capturar las secuencias de movimiento de manera sincronizada y realista. El desarrollo de las texturas de la piel en cuanto a los Navi’s, la animación de las estructuras tecnológicas que allí se presentaban e incluso la presentación de los escenarios con efecto de un documental, requirieron de un sistema avanzado de selección electrónica y expertos tecnológicos en materia de animación digital para lograr que el mundo se viera lo más real posible y su historia nos atrapara. En esta película hay alrededor de 2700 efectos especiales generados por ordenador. El equipo de Cameron desarrolló un nuevo sistema de “captura de interpretación facial basado en imágenes”11, por medio de una cámara sujeta en la cabeza que grabara con precisión los detalles más pequeños de las interpretaciones faciales de los actores. En lugar de utilizar la técnica de captura de movimiento colocando marcadores reflectantes en la cara de los actores para capturar sus expresiones, los actores llevaban un casco al que se le aplicó una pequeña cámara. La cámara grababa las expresiones faciales y los movimientos de los músculos en un grado imposible hasta entonces. Lo que es más importante, la cámara grababa el movimiento de los ojos, lo que no había sido el caso con los sistemas anteriores.
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NATURE VIDEO (YouTube Channel): Creating Gollum. [En Línea]. Link: https:// www.youtube.com/watch?v=w_Z7YUyCEGE&spfreload=10 11
MEDIA MAGIK ENTERTAINMENT (YouTube Channel): Avatar Exclusive -Behind The Scenes (The Art of Performance Capture). [En Línea]. Link: https:// www.youtube.com/watch?v=P2_vB7zx_SQ&spfreload=10 21
El sistema de ajuste en la cabeza permitía que las interpretaciones faciales de los actores fueran capturadas una claridad y precisión sin precedentes. Y, puesto que el sistema de sujeción en la cabeza no dependía de las cámaras de captura de movimientos del pasado, esas cámaras ahora se podían utilizar sólo para capturar el movimiento corporal, por lo que podían moverse mucho más lejos de los actores. Esto permitió al equipo de AVATAR utilizar un ambiente de captura mucho más grande, o “Volumen” (plató virtual), de lo que nunca se había utilizado antes. Con seis veces el tamaño de volúmenes de captura anteriores, el Volumen de AVATAR se empleó para capturar caballos al galope, escenas de especialistas que requerían una elaborada utilización de cableados, e incluso peleas aéreas entre naves y criaturas voladoras. De este modo, el revolucionario sistema de sujeción en la cabeza fue la clave, no sólo de los detalles más sutiles en las emociones de los personajes, sino también en el espectáculo más grande de la película. Otra innovación creada especialmente para AVATAR fue la Cámara Virtual, que permitió a Cameron rodar escenas dentro de su mundo generado por ordenador, exactamente igual que si estuviera rodando en un escenario de Hollywood. Por medio de esta cámara virtual, el director podría ver no sólo a Zoë Zaldana, sino a su personaje de piel azul de tres metros de altura, Neytiri, simultáneamente. En vez de ver a Sam Worthington y a Sigourney Weaver, vería sus avatares azules gigantes, al completo con sus colas y enormes ojos dorados. Y, en lugar del austero espacio gris de El Volumen, iba a ver la selva de Pandora. Además de toda esta complejidad, AVATAR se hizo en 3D estereoscópico. Por lo que WETA no sólo necesitó trabajar en 3D en la creación de sus escenas generadas por ordenador (como lo hicieron las otras empresas de efectos visuales, como ILM), sino que las escenas de acción en vivo también debían rodarse en 3D. Para ello, Cameron utilizó el Sistema de Fusión de Cámaras, que él había desarrollado a medias con Vince Pace. Les llevó siete de años de desarrollo crear el sistema de Fusión, que es el
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sistema de cámara estereoscópica más avanzado del mundo. Las cámaras funcionaron de modo impecable en el plató de AVATAR, permitiendo que las escenas de acción en vivo se combinaran con las escenas creadas por ordenador para unificarlo todo.
Alicia en el País de las maravillas (2010)12 Alice in Wonderland, de Tim Burton fue rodada en un tiempo exprés, el rodaje duró apenas cuarenta días y tuvo un largo trabajo de postproducción para incluir efectos visuales en más de 1.700 secuencias con combinaciones técnicas y de desarrollo estereográfico, ya que la película se rodó originalmente en 2D. La postproducción se prolongó durante casi un año desarrollando avanzadas técnicas de composición y efectos visuales, con gran peso de entornos, personajes y animales desarrollados completamente por ordenador, con la complicación añadida de la estereoscopía. El 85-90% del rodaje de la película se llevó a cabo ante un chroma.
En un primer momento el equipo estudió la posibilidad de utilizar captura de movimiento, de hecho comenzaron a rodarse algunas tomas con esta técnica, finalmente Tim Burton decidió no utilizar esta técnica para sacar la máxima expresividad a los personajes reales. Muchas escenas combinaron actores, elementos y personajes generados por ordenador en una atmósfera surrealista. Incluso, muchas secuencias están rodadas utilizando sólo elementos reales sobre chromas y encajadas sobre las imágenes rodadas con actores de carne y hueso meses antes.
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JUNEBURGREVIEW (YouTube Channel): Alice In Wonderland-Behind the Scenes. [En Línea]. Link: https://www.youtube.com/watch?v=aYDTT7iRzuY&spfreload=10 23
Elementos de atrezzo e incluso vestuario fueron generados por ordenador, un trabajo encargado a la empresa CafeFX que colaboró en supervisar hasta el mínimo detalle, pero vital en el desarrollo final del proyecto, como es la iluminación. Se construyeron muy pocos platós para el País de las Maravillas. De hecho, los únicos platós fueron las tres versiones de La Sala Circular (donde acaba Alicia tras caer por la madriguera del conejo) y la mazmorra de la Reina Roja. El resto se creó digitalmente. Para representar a los personajes digitales en el plató, el equipo de producción utilizó recortes de cartón, maquetas a tamaño natural o también recurrió a los
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hombres de verde con ojos clavados en varias partes de la anatomía para ayudar a los actores a encontrar la línea de visión correcta interactuando con personajes reales. Junto a todo este desarrollo tan complejo de producción hay que sumar la dificultad técnica de la estereoscopía. El resultado es más que satisfactorio debido en gran parte al trabajo conjunto desarrollado por Imageworks, InThree y Legend3D apostando principalmente por una conversión en postproducción del rodaje en 2D a 3D, resultando así una estereoscopía muy poco agresiva que ayuda a sostener una atmósfera fantástica realmente envolvente, aunque mucho menos espectacular que la que percibimos en Avatar. Con respecto a la estereoscopía, Tim Burton, quién ya utilizó la técnica de pasar de 2D a 3D en Pesadilla antes de Navidad, llegó a comentar que “lo divertido es la parte artística, sentir que haces una película y no enamorarse demasiado de la tecnología”, añadiendo que para él no tenía sentido “rodar en 3D cuando no había nada que grabar”. “Hay buen 3D y mal 3D como hay malas conversiones y buenas. Siempre supimos que iba a ser en 3D así que hicimos el plan adecuado para que cuando llegase ese momento fuese simplemente otra parte del proceso tecnológico”, añadió el director. Complementando el gran trabajo de efectos visuales, nos encontramos también con un gran y cuidado trabajo de maquillaje y vestuario, como es habitual en todas las películas de Burton. La diseñadora de vestuario Colleen Atwood tuvo que emplearse a fondo para crear los trajes que viste la cambiante Alicia. El personaje lleva una gran variedad de prendas, incluyendo una supuestamente hecha con las cortinas de la Reina Roja y también de la armadura. Atwood tuvo que encontrar telas en varias escalas, y elaborar trajes para Mia que ayudaran a ilustrar sus cambios de tamaño. Helena Bonham Carter se sometía todas las mañanas a tres horas de maquillaje para transformarse en la malvada Reina Roja. El equipo de efectos especiales agrandó la cabeza de Bonham Carter en la fase de postproducción creando el aspecto final de la Reina cabezuda. Gracias al gran trabajo obtuvo varios premios y nominaciones: •
2 Oscars: Mejor dirección artística y mejor vestuario. Nominada también por mejores efectos visuales.
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Globos de Oro: 3 nominaciones, incluyendo Mejor película comedia o musical
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2 Premios BAFTA: Mejor vestuario y maquillaje y peluquería. 5 nominaciones
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2 Critics' Choice Awards: Mejor vestuario y maquillaje. 4 nominaciones
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Conclusiones Durante este trabajo se puede comprobar que los efectos especiales van muy unidos a las tecnologías, es por eso que a medida que van avanzando las tecnologías también lo hacen los efectos especiales que somos capaces de producir. Antiguamente los efectos eran más mecánicos y/o manuales pero con el paso del tiempo parte de ellos han cambiado y muchos utilizan programas de ordenador, o algún tipo de material que les permita luego tratarlo con ello. También con estos avances cada vez aparecen otros tipos de efectos, mejoras de los anteriores y muchas versiones o aplicaciones de estos en diferentes contextos. Esto permite a los espectadores sumergirse cada vez más en las películas y creer que lo que están viendo pueda suceder.
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