Interni Magazine 602 - June / Giugno 2010 by Interni Magazine

THe MaGazInE OF INTeRIors AND coNTeMPoraRY DesIGN N° 6 GIuGno/JUNE 2010 MensILe/monTHLY ITaLIa € 8,0

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THInK TanK 200 pagine di eventi e progetti INteriors&architecture Shigeru Ban e il Centre Pompidou Metz INcontro Giovanni Terzi

Insight Il metodo Castiglioni Il design degli odori Smart grids, l’evoluzione dell’energia

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EDiToriaLe

nche quest’anno dedichiamo il numero di giugno a quel fenomeno, unico nel suo genere al mondo, che si chiama FuoriSalone di Milano. Non solo perché ci piace tornare a raccontare un grande evento mediatico che Interni ha di fatto inventato 20 anni fa, ma anche perché l’appuntamento ha assunto un interesse sempre più allargato e trasversale, regalando ancora una volta alla città una visibilità e un’effervescenza creativa che non assume in nessun altro momento dell’anno. Dopo il periodo cupo della crisi, la voglia di riscatto era tanta, sia per le aziende e i progettisti che volevano tornare a proporsi con prodotti e messaggi concreti (ma anche con installazioni in grado di far sognare), sia per il pubblico che in questi anni ha conosciuto e apprezzato sempre più l’idea della grande festa urbana. Il numero dei marchi extra-settore che hanno preso parte alla kermesse dimostra il grande potere attrattivo di questo appuntamento: erano almeno una trentina le griffe della moda presenti con mostre che, per la prima volta, hanno rivelato un’attinenza e un certo interesse per la cultura del progetto, come parecchie erano le case automobilistiche che hanno approfittato dell’occasione per lanciare ufficialmente i loro nuovi modelli. La loro presenza dimostra come il FuoriSalone sia diventato un grande palcoscenico su cui tutti vogliono salire per godere di una visibilità davvero eccezionale. Tanti dicevano che con questo aprile sono ufficialmente iniziate le ‘prove’ per l’Expo 2015. Sicuramente, le energie creative ed economiche private messe in moto da questo appuntamento definiscono un modello a cui l’Amministrazione pubblica potrà guardare con attenzione, traendone spunti e indicazioni molto interessanti per il lavoro dei prossimi cinque anni. Gilda Bojardi L’installazione Big Bang di Federique Morrel in mostra allo Spazio Rossana Orlandi.

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Accanto: il foyer, una scatola d’acciaio e vetro caratterizzata dalla copertura di legno ad esagoni bianchi. Sotto: la copertura in teflon ondulato bianco del building richiama l’immagine del cappello di paglia tradizionale a cono utilizzato dai contadini giapponesi nei campi di riso. dettaglio dell’ intradosso, una membrana di fibra di vetro traslucida su rete strutturale di legno laminato.

Cielo di legno

il Centre Pompidou Metz in Svizzera, luogo di esposizione della più grande collezione D’arte contemporanea europea, ma anche di performance, ricerca e conferenze. una suggestiva architettura che mixa riferimenti iconici alla tradizione giapponese con tecnologie costruttive d’avanguardia.

progetto di Shigeru Ban - Jean de Gastines & Philip Gumuchdjian foto e testo di Sergio Pirrone

el cuore d’Europa, quella croce tra Parigi e Francoforte, Bruxelles e Zurigo, ha il suo centro proprio sui tetti spioventi di Metz. La capitale della Lorena, cinque Paesi europei nel raggio di 200 km, nella sua storia ha visto altre croci. Quelle del Terzo Reich, quelle d’altre guerre tra Francia e Gemania, che da sempre si sono contese questa cittadina diventata centro militare per sorte geografica. Bagnata dal fiume Mosella, ha mantenuto le sue torri e i suoi palazzi austeri ed eleganti, oggi sedi di università, centri culturali, tavoli su cui si continua a scommettere sulle potenzialità di questo territorio.

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Finanziato principalmente dalle 40 municipalità della Regione Metropolitana di Metz, il nuovo Centro Pompidou-Metz ha una vocazione locale ed una globale. Appendice irradiante il nome dell’omonimo parigino, esporrà principalmente opere del Museo Nazionale d’Arte Moderna (MNAM), la più grande collezione d’arte contemporanea europea, e ridisegnerà tessuto e speranze di una regione in crisi. Lanciato nel 2003, il concorso internazionale premiò la strana coppia Shigeru Ban e Jean de Gastines che, già temprati da precedenti collaborazioni in territorio francese, optarono per un quartetto assieme all’inglese Philip Gumuchdjian e all’onnipresente Arup. Perso per un soffio il concorso per il World Trade Center a New York, Shigeru capì quanto fosse importante scolpire col proprio nome i libri di storia, di una città, di una nazione, dell’arte contemporanea. Si costruì il Paper Tube Studio sui tetti d’acciaio del Pompidou parigino e cominciò a lavorare instancabilmente ad un enorme sugegasa bianco, cappello tradizionale a cono di paglia utilizzato dai contadini giapponesi nei campi di riso. Bianco come la neve che riposa sulle discese del telo in teflon ondulato e protegge dallo stridere dei binari della ferrovia. Bianco come la forza di un’idea pura, con il suo suono delicato, la luce di un foglio che protegge un complesso culturale di 12.000 mq, quasi metà dedicati a spazio espositivo. Il suo intradosso è una membrana di fibra di vetro traslucida che filtra i bagliori e isola dal gelo, sorretto da una rete

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strutturale di legno laminato che circonda una spirale metallica di 77 metri. Come in quel 1977 in cui Renzo Piano e Richard Rogers stivarono la nave d’acciaio nel cuore storico di Parigi. Quell’ineguagliabile sovra-scala trova in Metz l’espansione solitaria di due giardini ed una terrazza che si svela discretamente alle spalle della stazione centrale. Le sue fauci d’acciaio e ghisa, il suo volto di pietra, sono il sorriso della città su piazza General de Gaulle. Attraversata questa, dalla camera di uno dei tanti alberghi, si apre la finestra e ci si chiede dove sia il nuovo simbolo cittadino. Due parallelepipedi bianchi, poi un terzo, spuntano sospesi e bucano l’onda bianca. Lunghi 87 metri e larghi 15, puntano monumenti storici e orizzonti opposti, attraverso vetrate a tutta altezza che si perdono sulla città. Alloggiano collezioni permanenti d’arte contemporanea e sono livelle sospese su una scatola d’acciaio e vetro. Abbagliati dal sole, il foyer è un cielo di legno ad esagoni bianchi. Sotto Infissi proiettati sul piano orizzontale del primo livello, l’imponente ascensore innervato è il perno rotante dei livelli superiori che custodiscono sale per esibizioni dal vivo, auditorium da 144 posti, centro di ricerca, libreria, ristorante e caffetteria. Le tre stecche espositive s’incontrano per caso, oltre una ringhiera, poi un’altra, passeggiarci sul dorso è una sfida alla paura di volare. Da qui, dall’alto, tanto spazio che dà le vertigini, si potrebbe cadere giù o allungare il braccio e toccare il cielo con un dito.

l’auditorium capace di ospitare 144 convenuti sotto il suo ‘cielo’ ondulato di paper tubes. l’imponente ascensore innervato, il perno distributivo di accesso ai tre livelli dell’edificio. pagina a fianco. uno dei parallelepipedi bianchi che spunta sospeso sotto la copertura AD ONDA BIANCA CON VISTA SUl retro della stazione, davanti ai giardini terrazzati in via di completamento.

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INsight

L’Assessore alle Attività produttive ed Eventi (Moda e Design) del Comune di MILano, classe 1964, architetto, è un politico con uno sguardo speciale sulla città. Cosa pensa della capitale del design e della moda e quali sono i suoi progetti, anche in vista dell’appuntamento con Expo 2015.

foto di Santi Caleca a cura di Gilda Bojardi con Antonella Boisi

GIovannI TerzI

“A

mo follemente Milano”. Ma, assessore Terzi, anche se milanese nato alla Mangiagalli, la ‘maternità’ per antonomasia di chi nasceva sotto la Madonnina, nel 1964, non le sembra di esagerare? “Quando io dico di amare follemente questa città faccio un’affermazione dogmatica: restituirLe l’amore che ci ha concesso ricevendoci. Alla fine, ho scelto di vivere in questa città, quindi non posso che riconoscerLe delle doti che ogni giorno me la fanno scegliere. Come ho scelto Silvia che ora è mia moglie. Avrei potuto vivere in altre città. Mio padre era bergamasco (autorevole giornalista e scrittore, ndr), mia madre, laureata in filosofia, è di origine romana-abruzzese. Ho viaggiato in tutto il mondo. Dal 2001 al 2006 ho lavorato a Roma, nel Ministero dell’Ambiente Commissione VIA Speciale (Valutazione Impatto Ambientale). Ma non vedevo l’ora di ritornare a Milano durante il week end.

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Giovanni e silvia terzi ritratti nel living della loro abitazione milanese in zona brera. un angolo del living. appesa alla parete, un’opera luminosa di marco lodola che rappresenta miles davis “uno dei miei must” spiega terzi che si dichiara affascinato anche da fabio novembre, designer delle sedute HIM & HER in primo piano prodotte da casamania. “Sono un dono di fabio, una persona che si spende nei progetti e nell’ amicizia con una disponibilità fuori dal comune”.

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l’area d’ingresso. IL LIVING SI RIFLETTE NELLA PORTA A VETRI DAGLI INFISSI ORIGINALI CHE RESTITUISCE IL SAPORE ANNI TRENTA DELL’ ARCHITETTURA DELLA CASA. APPESE ALLe PARETi DUE CERAMICHE SPAGNOLE D’EPOCA e la stella con tanto di certificazione, “regalo di nozze di silvia, il pezzo al quale sono più legato emotivamente” spiega terzi.

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La considero una città generosa, accogliente, la città internazionale più piccola che ci sia al mondo. È una città di provincia, 1 milione e 200 mila abitanti, ma ha tutto: editoria, finanza, arte, design, storia, moda, artigianato. Addirittura, siamo il secondo territorio agricolo italiano con 120 cascine in città. Il design con la moda rappresenta il 50% del pil della città”. Sarà però d’accordo che la nostra città non è solo la capitale degli affari, della moda e del design, il quadrilatero delle vie intorno a Montenapoleone o la Triennale. Ci sono delle zone sensibili, periferie depresse, dove bisognerebbe lavorare parecchio per affermare convinti ‘Io amo follemente Milano’. Cosa può fare un architetto, giornalista-scrittore e politico in prima linea per proporre una qualità tangibile e solida di abitare non solo nelle zone nate meglio e più fortunate? Come si può essere portatori di valori e di una visione del mondo diversa? “Partiamo dagli strumenti disponibili: c’è una legge ministeriale la n.266, che attribuisce fondi a rotazione per il recupero di aree disagiate sul territorio e per sostenere l’avvio di attività legate a progetti, giovani, imprese. In primis, però, va riconosciuto che siamo in difficoltà. Iniziamo col riacquistare credibilità: quando facciamo un errore, ammettiamolo. Chi lavora sbaglia. Mi viene in mente il libro Ascoltiamo Milano (Kos Editore, 2000), frutto di un lavoro con i miei collaboratori di studio. Avevamo realizzato un gazebo in centro città con

scritto Ascoltiamo Milano e da lì raccolto una serie di idee, da parte di giovani, professionisti, gente comune. Da questa esperienza è poi nato un convegno cui ho partecipato con Massimiliano Fuksas e Vittorio Sgarbi che aveva come contraltare il tema Rottamiamo Milano, cosa buttiamo via. La provocazione. Ho maturato la convinzione che spesso costa meno avere il coraggio di demolire pezzi di città, piuttosto che ristrutturarli. Sono sempre stato dell’idea un po’ pesante, che l’Urbanistica abbia rovinato l’Architettura. Finché si parlava di architettura si parlava di bello e di commissioni d’Ornato; quando è arrivato ciò che doveva programmare i bisogni e i comportamenti futuri dell’uomo si è pensato sempre meno all’architettura e sempre più alla costruzione di spazi con elementi fuori scala, zonizzati con miopia, spesso terrificanti, senza controllo sulle ondate dei flussi migratori. La mia valutazione della città è di un’entità che spesso ha perso riscontri oggettivi con il bello. Sono d’accordo con l’amico Marco Romano quando afferma che non ci sono più i fronti della case, i cortili interni, i parametri di riferimento della città storica”. Considerato che Milano è riconosciuta come la capitale internazionale del design e della creatività questa frattura è deprecabile. Le risorse offerte dalle sue eccellenze non possono contribuire alla bonifica di zone depresse ? “Milano è riconosciuta come la capitale internazionale della creatività; il design made in Italy

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in un angolo del living, il basso hÖFNER “COME QUELLO DI PAUL MCCARTNEY, UN REGALO DI MARIO LAVEZZI CHE CONOSCE LA MIA PASSIONE PER LA MUSICA” SPIEGA TERZI CHE RICONOSCE ANCHE IL PERSONALE FASCINO PER “ennio morricone e cesaria evora, cantante della costa d’avorio, due personAGGI del mondo dello spettacolo che ho avuto modo di incontrare in questi anni”.

è un brand esportabile nel mondo. Anche la Triennale contribuisce a promuoverlo ed, andando all’estero, esporta modelli italiani. Ma resta una città brutta, anacronistica, dal punto di vista del disegno. Quando una persona arriva a Milano non percepisce di essere nella capitale del design. Conosce i designer, le aziende produttive, il polo della Brianza, ma non vede dei bei pali della luce, dei bei cestini, delle belle panche, edicole, fioriere…. Non c’è una qualità tangibile diffusa. A differenza di quanto succede in molte città europee. Cercare di ricomporre questa frattura, coinvolgendo le eccellenze del progetto, può essere strategico. Bisogna però avere più coraggio, promuovere concorsi internazionali di architettura e design, coltivare giovani talenti, curare il link tra scuole e aziende. Ci sono quartieri problematici che hanno potenzialità straordinarie riferibili a genius-loci precisi. Resta da capire come il design possa essere uno strumento di riconnessione di aree della città al cuore della città stessa. In questo senso l’abaco di un linguaggio, anche architettonico, che privilegia l’uniformità, non è un valore aggiunto. Mi piacerebbe, ad esempio, che un’edicola di via Padova fosse diversa da una di piazzale Baracca, per restituire la specificità del suo contesto”. Se politici illuminati possono influenzare il processo di trasformazione e innovazione della città, qual è secondo lei il ruolo degli imprenditori, degli architetti e dei designer? La

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particolarità del momento attuale sta determinando dei cambiamenti nel rapporto tra le parti ? “Registro una serie di mutamenti. Dai progetti per City Life, ex polo Fiera, a quelli per Porta Nuova, Garibaldi, ex Varesine, stiamo vivendo un momento di svolta: agli ‘interessi di bottega’ si affianca il desiderio di fare un passo in più. Trovo positivo che queste grandi operazioni immobiliari e d’immagine rivendichino l’innesto della cultura internazionale del progetto architettonico nella tradizione di Milano. Sono però altresì convinto che bisognerebbe far crescere anche gli architetti italiani. E inoltre mi chiedo: perché non riadattare vecchi spazi a nuove funzioni ? Non c’è bisogno di molto altro: soltanto ritrovare le cose che già abbiamo e riconoscerle. Una lacuna della città è non riuscire a far leggere le sue potenzialità e risorse. Quando dico che l’urbanistica può fare danni penso a un progetto come quello per l’area Garibaldi-Repubblica che, partito nel 1980, finirà nel 2015: sono 35 anni, dalla pianificazione all’attuazione, lo stacco di oltre una generazione, e i bisogni degli abitanti nel frattempo cambiano. È necessaria una semplificazione normativa per rendere più rapidi i piani attuativi, perché la corruzione sta dietro la burocrazia prima ancora che nella politica”. Se Terzi assessore fino a giugno 2011 dovesse scrivere un articolo intitolato “Il futuro di Milano è oggi”, quale sarebbe la sua scaletta di argomenti?

“Con una metafora, il primo ragionamento macro che farei è questo: Milano ha 1 milione e 200 mila soci: i suoi abitanti di tutte le estrazioni e provenienze. Deve aumentare il valore per ciascuno di loro in termini di quota sociale nella città. Il mio obiettivo oggi non è costruire una città da 5 milioni di abitanti, ma di costruire i servizi che consentano a 1 milione e 200 mila abitanti di stare meglio, di accrescere il valore della loro quota sociale. In un momento economico così particolare e critico, anche in termini di valori e di cultura, trovo sia complesso pensare all’edilizia come panacea di tutti i mali. Possono servire nuove case, ma bisogna lavorare soprattutto sui servizi per chi già vive a Milano. Forse tra dieci anni il quadro di riferimento sarà diverso e vivremo in un altro modo la città. Parliamo di una città viva, della civitas, non di un insieme di edifici”. Milano si sta preparando per l’EXPO 2015. Come si può concretamente mettere insieme cultura del saper fare, poter fare e dover fare? “Una premessa, doverosa: considero straordinaria l’intuizione del sindaco Moratti legata ad un’idea di Expo smaterializzato. Tutte le esposizioni universali del passato hanno restituito riferimenti iconici e fisici molto forti delle città. Dalla torre Eiffel a Parigi al ponte di Calatrava a Siviglia. Invece l’idea del sindaco Moratti è stata: connettiamo attraverso l’Expo quanto già c’è a Milano, recuperiamo le vie di terra, il progetto leonardesco delle vie d’acqua, costruiamo un sistema di connessione dei parchi di cintura della città con il centro storico, perfezioniamo il sistema delle metropolitane e quello delle acque di recupero, l’offerta di illuminazione urbana, aree verdi e isole pedonali…. In sintesi, prefiguriamo una nuova idea di città che vada oltre sei mesi, il periodo di durata dell’ esposizione. Ritengo inoltre positivo l’aver individuato un tema così fertile di declinazioni qual è Nutrire il pianeta, Energia per la vita. Anche piccoli passi possono diventare significativi in questo senso per cambiare sguardo. Milano ha forti contraddizioni, l’innesto di nuove etnie, innanzitutto. Penso a via Padova, via Lecco, via Paolo Sarpi, tutte zone molto calde. Immaginare che la loro riqualificazione non passi semplicemente attraverso un ridisegno legalitario, ma anche attraverso un sistema di rivalutazione delle specifiche vocazioni e di sperimentazione progettuale diventa propositivo. Una città che stimola il sorriso rende più felice l’esistenza. Diffondere la conoscenza del bello nel quotidiano, fin dai bambini delle elementari, un’azione terapeutica. Nello specifico via Padova, l’asse che va da piazzale Loreto a Crescenzago, è un modello eclatante di

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IL TAVOLO DA PRANZO ANNI QUARANTA CIRCONDATO DA ARREDI DI RECUPERO E SEDIE DI DESIGN contemporaneo. LA LIBRERIA è DE PADOVA, DESIGN dieter rams. dettagli di INTERESSI personali: libri e riviste di architettura degli anni trenta. “ma i miei libri di riferimento restano il piccolo principe di antoine de saint-exupéry e lezioni americane di italo calvino” DICE terzi.

tensioni etniche ed estetiche, una Babele vitale, multiforme, eterogenea: cinesi, maghrebini, filippini, latinos…50 nazionalità in quattro chilometri, un’energia incredibile, tra mercatini, kebab point, associazioni, un laboratorio di scrittura creativa, lo spazio Assab One di Elena Quarestani, il parco Trotter, l’abbazia romanica di Crescenzago, le belle ville primi Novecento lungo il naviglio della Martesana. Stiamo pensando di coinvolgerla, durante la settimana della moda del prossimo settembre, con l’iniziativa Milano loves fashion per farne un luogo di incontro e scambio tra soggetti, realtà e culture differenti. Promuoveremo eventi, mostre, incontri e chiameremo artisti, creativi, stilisti e progettisti alla condivisione del progetto con gli abitanti. La risorsa di questa community è proprio la ricchezza di melting pot, il plurilinguismo segnico, materico e oggettuale di forme e volumi, che sono parte di dna umani specifici. Ma, il tema del decoro della città passa anche attraverso operazioni di marketing meno territoriale. Mi spiego: durante la settimana del design dello scorso aprile ho lanciato il tema della divisa dei tassisti milanesi che detta così suona come una boutade ad effetto giornalistico. In realtà lo strumento taxi Milano può diventare il primo biglietto da visita per comunicare l’offerta di servizio pubblico di qualità della città. Mi immagino 4000 vetture circolanti caratterizzate dal segno di un colore iconico, attrezzate di televisori digitali per fornire in tempo reale, on line e in più lingue, tutte le

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informazioni su quanto accade in città e anche di dispositvi POS per il pagamento. Alla fine, è l’idea di un taxi come ente di turismo mobile-itinerante di respiro internazionale”. Abbiamo visto come l’assessore Terzi vive la sua città. Come vive invece la sua casa? “Come la città. All’interno di poche regole, ci devono essere il bello e il sentimento”. Quali sono le qualità spaziali-ambientali per le quali ha scelto questo interno al piano terra di un edificio anni Trenta nel cuore di Brera? “Mi hanno affascinato i suoi spazi e la luce, i soffitti molto alti che hanno consentito di creare dei soppalchi per la zona notte, il giardino che abbiamo costruito dal nulla”. In quale misura ritiene corretto che l’intervento dell’architetto venga riconosciuto come tale in una casa? “Non volevo fare l’architetto a casa mia e in generale non mi piace l’idea della casa patinata, autoreferenziale, definita. Ho soltanto giocato con i colori, diversi, nelle varie stanze. Questa è un’abitazione che si sta lentamente costruendo attorno ad una coppia con un bambino piccolo e ad un figlio adolescente. Vive del nostro divenire e di una quotidianità che ognuno di noi deve ritrovare in maniera assolutamente spontanea, ciascuno con i propri spazi privilegiati e personali”. Di quali oggetti ama circondarsi? “Non seguo una regia. Amo moltissimo i miei libri, la collezione di riviste di architettura degli anni

Trenta, le vignette che mi ha donato Forattini, i disegni dell’impresa Pater che ha costruito Casa Mussolini a Predappio e a Riccione. E poi il sofà Chester d’antan scovato in un negozio di antiquariato, i tronchi di quercia che mi ricordano le bricole veneziane, il tavolo anni Quaranta...”. Con quale architettura e architetto sente delle affinità? “Apprezzo le opere degli organicisti, di Oscar Niemeyer e di Frank L.Wright, che sono riusciti a costruire un sistema di relazione armonica tra artefatto e natura. Un altro progettista che amo è Massimiliano Fuksas, perché è un grande costruttore di scenografie”. Invece nel settore design a chi vanno le sue preferenze? “ Sul piano teorico, a Tomás Maldonado. Nella quotidianità, trovo che Fabio Novembre sia il designer vivente per eccellenza, perché ritrovo in lui quelle caratteristiche in cui mi riconosco: è leale, generoso, rigoroso, con una forte poetica; un grande uomo della contemporaneità”. Quali sono i suoi hobby? “Sono un fanatico della musica, tutta, da quella elettronica alla classica, da Bach a Vivaldi. Cerco poi di rimanere sportivo: un passato da pallavolista, un presente da maratoneta (ho fatto tre volte la New York City Marathon) e una quotidianità che nella giornatatipo ideale cerca di non perdere la sfida a ping pong con Silvia, dopo colazione”. Qual è l’ultimo film che ha visto ? “Come Dio comanda di Gabriele Salvatores”.

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L’ULTIMO SAGGIO DELL’ECONOMISTA RIFKIN (MONDADORI 2010) TRATTA DEGLI SVILUPPI SOCIOLOGICI E TECNOLOGICI DELLA SOCIETÀ CONTEMPORANEA. LO STUDIOSO ANNUNCIA L’ESPANSIONE DELLE SMART GRIDS COME CONDIZIONE IRRINUNCIABILE PER UN FUTURO SOSTENIBILE.

SmaRT GrIDS, L’evOLuzIOne DeLL’eNerGIa testo di Antonella Galli

SONO LE GRIGLIE INTELLIGENTI, RETI SENSIBILI PER LO scambio E IL controllo DELL’ENERGIA. PER Jeremy Rifkin RAPPRESENTANO IL ‘SISTEMA CIRCOLATORIO’ DELLA Terza Rivoluzione Industriale. PER Enel SONO GIÀ UNA REALTÀ.

IN BASSO A SINISTRA, JEREMY RIFKIN. CON LA FOUNDATION OF ECONOMIC TRENDS DA LUI CREATA, LO STUDIOSO STATUNITENSE PRESTA CONSULENZE AI PRINCIPALI GOVERNI EUROPEI SU TEMI SOCIO-ECONOMICI E AMBIENTALI. NELLA PAGINA ACCANTO, L’IMMAGINE CHE SUPPORTA LA CAMPAGNA DIVULGATIVA DI ENEL SULLE RETI INTELLIGENTI, AMBITO IN CUI L’AZIENDA STA CONDUCENDO IMPORTANTI PROGETTI INTERNAZIONALI.

ra le visioni più suggestive comparse tra i chiostri e i giardini della Statale di Milano lo scorso aprile durante l’evento Think Tank di Interni c’era certamente la Smart Grid Gallery di Jaime Hayon, installazione narrativa del designer madrileno realizzata in collaborazione con Enel, che rappresentava in chiave domestica le fonti rinnovabili e le reti intelligenti di energia: in una stanza dalle pareti a reticolo un tavolo con il piano a pannelli fotovoltaici trasmetteva energia a un mobile ricoperto di piccole eliche e a vasi rotanti, a loro volta generatori di energia. Produzione, controllo e trasmissione di energia pulita venivano in tal modo riportati all’interno della dimensione abitativa.

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Questo concetto forte emerso dal ‘serbatoio di pensiero’ di Interni scaturisce da un tema di grande attualità, relativo alle reti intelligenti di energia, tecnicamente definite ‘smart grids’, che costituiscono un nodo cruciale dello sviluppo tecnologico ed economico prossimo venturo. Tra i più autorevoli sostenitori dell’importanza decisiva delle smart grids c’è Jeremy Rifkin, economista e guru dello sviluppo sostenibile, scrittore di best sellers di tema socio-economico e consigliere di governi e amministrazioni. In un saggio pubblicato nel 2008 da European Energy Review Rifkin aveva presentato il nucleo di riflessioni sulla questione energetica, ampliato poi nel suo ultimo libro La civiltà dell’empatia, pubblicato a marzo da Mondadori. Nel saggio lo studioso sostiene che “nella storia mondiale sono avvenuti grandi cambiamenti essenziali quando si è verificata una convergenza tra nuovi regimi energetici e nuovi regimi di comunicazione”.

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All’inizio dell’era moderna il motore a vapore ha incrociato la stampa dando origine alla Prima Rivoluzione Industriale; nel XX secolo il motore a carburanti derivati dal petrolio ha sostenuto, insieme alla comunicazione elettrica di prima generazione (telefono, radio, tv), la Seconda Rivoluzione Industriale, ormai al tramonto. Infatti è innegabile, per Rifkin, che ci troviamo alle soglie della Terza Rivoluzione, di cui internet costituisce il regime innovativo dell’informazione; e il nuovo regime energetico da cosa è rappresentato? La prima, semplice risposta è: dalle fonti rinnovabili di energia. Certo, ma secondo Rifkin a cambiare non sarà solo la qualità dell’energia; la produzione, per essere davvero sostenibile, dovrà diventare diffusa e accessibile a tutti. Singoli edifici, addirittura singoli nuclei familiari dovranno poter produrre energia pulita e scambiarla con facilità, regolandone i flussi a seconda dei bisogni di tutta la rete nazionale, europea, infine mondiale. World wide web e smart grids rappresenteranno rispettivamente il sistema nervoso e quello circolatorio della civiltà che ci attende, che lo studioso statunitense non esita a definire dell’empatia, proprio per la capacità dell’uomo di quest’epoca di sentire e condividere i bisogni altrui. Rifkin, solitamente positivo nelle sue visioni, non è un idealista. Ritiene che la Terza Rivoluzione Industriale sia un percorso obbligato, generato da tre emergenze: la crisi finanziaria globale, la crisi energetica legata al petrolio, il cambiamento climatico. Tre fattori che pongono un’urgenza per il pianeta mai verificatasi in precedenza.

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Se la rete informatica è già una realtà, le reti energetiche sono in divenire. Enel si colloca tra i capofila di questa trasformazione, guidando sulle smart grids progetti di importanza internazionale, come spiega Livio Gallo, direttore della divisione Infrastrutture e Reti di Enel: “Stiamo agendo a tutto campo grazie alla leadership tecnologica a livello mondiale, acquisita in base al nostro progetto telegestore che ha visto l’installazione, solo in Italia, di 32 milioni di contatori elettronici. Tra le iniziative più rilevanti, abbiamo avviato Energy@Home con Electrolux, Indesit e Telecom Italia, per lo studio e lo sviluppo di servizi basati sulla comunicazione tra gli elettrodomestici di Electrolux e Indesit, l’infrastruttura del nostro telegestore e quella di telecomunicazioni su rete broadband fissa e mobile di Telecom Italia. Si tratta di un passo avanti verso lo sviluppo delle smart grids, che consentiranno l’invio di informazioni agli elettrodomestici che potranno autoprogrammarsi in base alla disponibilità e al prezzo dell’energia, entrando in funzione nelle ore non di picco dei consumi e a minor costo, evitando che il contatore si stacchi per sovraccarico, bilanciandone automaticamente il consumo senza compromettere la corretta esecuzione dei cicli”. L’evoluzione delle reti intelligenti per l’energia comporterà un coinvolgimento attivo dell’utente nella generazione e nella gestione. Come conferma Livio Gallo: “Le smart grids rivoluzioneranno il rapporto tra il consumatore e la rete elettrica, che diventerà bidirezionale. Il cliente infatti, può ora divenire anche produttore; la rete deve quindi essere in grado

Sopra, Una visualizzazione schematica delle reti intelligenti, con i nuovi strumenti di accumulo, monitoraggio e distribuzione di energia ricavata in modo diffuso e da fonti rinnovabili. accanto, L’installazione Smart Grid Gallery di Jaime Hayon con Enel all’Università Statale di Milano, per l’evento Think Tank, aprile 2010 (foto A. Otero).

non solo di distribuire energia agli utenti, ma anche di ritirare l’energia generata in casa. Il risultato sarà una rete elettrica in qualche modo simile a Internet, in cui gli utilizzatori, interrogandosi e scambiando le opportune informazioni, potranno definire localmente i flussi di energia. La rete dovrà quindi offrire la possibilità di conoscere il prezzo dell’energia, dando modo ai clienti-produttori di decidere se consumare in quel momento oppure spostare i propri consumi in ore di minore carico, valutare l’opportunità di generare loro stessi l’energia, quanta e quando”. Le smart grids prospettano un nuovo ruolo delle abitazioni come piccole centrali di energia e una posizione inedita di gestore diffuso che spetterà a ciascun nucleo familiare e privato. Quindi una democratizzazione del potere, sino ad ora centralizzato, della produzione di energia. E una nuova assunzione di responsabilità da parte dei privati nella partita decisiva dello sviluppo sostenibile.

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Il senso dellâ&#x20AC;&#x2122;odore

di Cristina Morozzi

Ci sono migliaia di odori al mondo, ma mancano le parole per definirli. Sissel Tolaas, nel suo laboratorio di Berlino, ne ha raccolti 6730 e con la sua attivitĂ scientifica e artistica cerca di allenare le persone a percepire quelli della realtĂ quotidiana.

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Sopra: Talking nose a Mexico City, 2007, un progetto sugli odori come informazioni, sistema di comunicazione e come strumento per l’orientamento. Nella pagina accanto: Un corpo nudo femminile come metafora dell’odore corporeo (foto Guido Papa). Ogni persona ha il proprio odore. Il sudore è un segnale di riconoscimento; Ha il potere di attrarre o repellere. Sissel Toolas ha sintetizzato le molecole del proprio sudore per ‘profumarsi’ con il suo vero odore. un ritratto di Sissel Tolaas. Le bottiglie EA (East) e SO ( South) con odori che identificano il Mitte e Neuklon, due aree geografiche di Berlino, e la bottiglia SOEA che combina i due odori. Un progetto proposto alla Biennale di Berlino del 2004. (foto archivio Sissel Tolaas)

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“Q

uando dissi ai miei amici che i panini alla cannella che avevamo comprato dal fornaio avevano perso il loro profumo, mi presero in giro... Mi spiegarono che quel meraviglioso odore di cannella è in realtà un aroma artificiale che viene spruzzato nel locale. Ingannati dal profumo, i clienti non vedono l’ora di toccare con mano questi panini, mentre sul retro non c’è nemmeno il forno... Si potrebbe chiamare tutto questo una illusione perduta. Ma si potrebbe anche dire che il negozio si è trasformato in una impostura” (Orhan Pamuk, Altri colori, 2008, Einaudi). Sissel Tolaas, norvegese, un esplosivo concentrato di energia vitale, cresciuta in Islanda, studi in Polonia e Russia, residente a Berlino, nove lingue parlate correntemente, scienziata, chimica, linguista, e artista (l’arte è la professione che le consente di

usare tutte le sue competenze), si occupa di odori per smascherare le imposture. Nel suo laboratorio olfattivo di Berlino, fondato nel 2004, ha archiviato 6730 odori, raccolti in oltre venti anni di ricerca. “Colleziono odori invece di scrivere un diario”, dichiara sulla copertina del numero odoroso (le pagine, basta sfregarle, sprigionano 12 essenze) Mono-Kultur (Berlino, Spring 2010) a lei dedicato.“Non profumi, (le imposture), ma gli odori cattivi”, come dice ridendo, “cioè quelli della vita reale, dei luoghi, delle persone, delle sensazioni”. Anche le emozioni hanno un odore. La paura, ad esempio, modifica radicalmente la composizione chimica del sudore. L’odore naturale è difficile da controllare, racconta la verità delle persone e dei luoghi. “Un tempo”, sostiene Sissel, “le città e le persone offrivano un vario e intenso mix di odori che disegnava una mappa olfattiva

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Kurdistan iracheno, Il mercato delle spezie: Odori piccanti ed eccitanti. Kurdistan iracheno, Una macelleria: odore di sangue e carne putrida. (foto Guido Papa)

utile all’orientamento. Con l’avvento della civiltà ‘pulita e deodorata’ stiamo perdendo l’uso dell’olfatto (oggi le fragranze rappresentano un giro d’affari da 5 bilioni di dollari). Per orientarci ci rimane solo la vista, il senso ormai dominante cui viene affidata la conoscenza e l’esperienza”. È l’olfatto, invece, il nostro senso primario, il più primitivo e il più potente. Chi perde l’olfatto cade in depressione e può arrivare, persino, al suicidio, come è accaduto al cantante degli INXS Michael Hutchence. I neonati odorano la madre, prima ancora di riuscire a distinguerla. “Si dice che il denaro”, prosegue Tolaas, “non abbia odore. Invece c’è l’ha. È un odore secco, molto simile a quello del rame”. Con l’aiuto di tecnologie avanzate, nel suo laboratorio Sissel l’ha riprodotto e l’ha utilizzato per una nuova carta di credito, sostituendolo al consueto odore di plastica. Non solo. Ha distillato l’essenza odorosa della ‘svedesità’ su incarico della Volvo: i luoghi e, persino, le nazioni hanno un proprio odore, bisogna imparare a riconoscerlo, rieducando il senso dell’olfatto. “La modernità e la ricchezza”, continua,” non hanno odore; la povertà, invece, puzza. Anche i musei d’arte contemporanea ne sono privi”. È nei musei che Sissel porta i suoi campioni di odori quotidiani: della paura, della povertà, delle varie umanità, e fa in modo che trasudino dai muri per risvegliare nei visitatori, attraverso il naso, la coscienza delle diversità, delle emozioni, delle alterazioni di coscienza. “George Orwell”, aggiunge, “sosteneva che l’intolleranza e i pregiudizi iniziano dal naso”. L’odore ha un’importante valenza politica: la tolleranza presuppone l’accettazione degli afrori altrui. Il razzismo è, prima di tutto, olfattivo. Alla vista si può mentire, non all’olfatto, il più autentico dei sensi. Sissel potrebbe essere definita un’attivista degli odori. Attraverso la sua ricerca scientifica cerca di reintrodurre nella società gli odori veri, delle razze, del pulito, dello sporco, della paura, della violenza... per esaltare le diversità e l’autenticità, contro l’omologazione e l’impostura prodotte dalla deodorazione. “Gli odori reali provocano”, afferma, “se riescono ancora ad essere provocatori, significa che c’è una speranza di verità”.

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Sopra: un’immagine dell’archivio di Sissel Tolaas dove sono conservati 6730 odori. (foto archivio Sissel Tolaas)

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Il suo laboratorio di Berlino è sponsorizzato dall’ IFF, uno dei più importanti produttori di fragranze artificiali per i grandi marchi. A prima vista un nonsenso, dato l’ attivismo di Sissel a favore dei ‘cattivi odori’. L’IFF ha compreso come il suo lavoro scientifico e artistico, che la porta in giro per il mondo a tenere conferenze (l’ultima HeadSpace nell’aprile 2010 al MoMA di New York, organizzata dal Moma, dalla Parson School in collaborazione con la rivista Seed e con il New York Times) e ad allestire performance e mostre (tra le più recenti, The world is yours, collettiva al Louisiana Museum of Modern Art, autunno 2009), serva alla comunicazione, all’educazione, alla salute, all’architettura, al design. Gli odori hanno la capacità di allenare e resuscitare la memoria. “In quanto stimolatori”, sostiene Sissel, “possono essere impiegati nelle terapie psichiatriche. Utilizzare alcuni odori che hanno significati molto personali può persino risvegliare i pazienti dal coma”. Gli odori sono un linguaggio preverbale molto persuasivo, talvolta aggressivo, come dimostra la Puzzola che si difende secernendo il suo speciale fetore. Possono attrarre o respingere le persone. “Se vuoi essere lasciata sola ad un evento mondano, basta indossare un cattivo odore, come quello della

In alto: Installazione North Est West South alla Kunsthalle di MalmÖ, 1998. Con l’aiuto di uno speciale software sono stati collegati gli odori di 200 diverse città. le bottigliette contenenti gli odori erano sospese su un tavolo rivestito con uno speciale tessuto creato dalla Nasa per neutralizzare gli odori corporei nelle uniformi degli astronauti. La mappa degli odori del centro di Colonia. un’Installazione alla Stazione di Amburgo, gennaio 2004: Il muro sfregandolo restituisce l’odore sintetizzato in molecole. (foto archivio Sissel Tolaas)

Puzzola” conclude Sissel, che l’ha sperimentato personalmente. Tra i progetti futuri, la creazione, con l’aiuto di linguisti e antropologi, di una nuova lingua, il ‘Nasalo’, per dare un nome agli oltre 15.000 odori che percepiamo, ma non sappiamo come nominare. La tenace lezione di Sissel sta facendo proseliti anche tra i classici nasi (i profumieri) L’ultima creazione di Serge Lutens, ad esempio, è un’antifragranza: un odore di pulito, non un profumo, che, per l’appunto, non ha nome. Si chiama solo acqua.

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Il Metodo Castiglioni

di Matteo Vercelloni

A destra: un ritratto di Achille, Livio e Pier Giacomo Castiglioni, 1952, Foto di Walter Laeuber.

pagina accanto: in alto, un particolare Una mostra Nella di modelli di allestimenti del radioricevitore Phonola 547, 1940, di Livio e Pier Giacomo Castiglioni Caccia e architetture di Achillecon e Luigi Pier Giacomo Dominioni; in basso, Domus Ecclesiae, 1955, modello Castiglioni, organizzata da De Padova lo scorso in legno con disegni su cartoncino e stampe, di Achille e Pier Giacomo Castiglioni. aprile, ha permesso di osservare e conoscere un aspetto meno noto della produzione progettuale dei due fratelli: un metodo di lavoro pensato come strumento di ricerca, dal design allâ&#x20AC;&#x2122;architettura.

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urata da Didi Gnocchi, con un lineare progetto di allestimento di Paolo Di Benedetto, Effetto Castiglioni è stata una delle mostre di maggior spicco di quelle svoltesi durante l’ultimo FuoriSalone, che ha permesso di apprezzare ancora una volta la produzione progettuale dello studio dei fratelli Castiglioni e il loro formidabile metodo di lavoro. Per comprenderne gli sviluppi occorre partire dalla VII edizione della Triennale milanese (1940), da assumersi come un utile ‘sismografo’ per cogliere la crescita del design industriale in rapporto alla cultura architettonica e a margine di quella artistico figurativa. L’evento

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sancisce infatti l’ingresso ufficiale del design nel mondo del progetto italiano, dove si affianca all’architettura e alle arti decorative. Il tema del rapporto tra arredo e produzione industriale è affrontato in modo diretto da Giuseppe Pagano, curatore della Mostra internazionale della produzione di serie, all’interno della quale si documenta la trasformazione dei laboratori artigianali in industrie per la produzione in serie di modelli ripetibili per tutti. Come scrive Vittorio Gregotti lo standard diventa “il principio progettuale, capace di stringere in unità metodologica e ideale, in una forma di comune moralità sociale, ogni atto della costruzione dell’ambiente: ‘dal cucchiaio alla città’ secondo lo slogan di Ernesto N. Rogers con il quale la cultura di quegli anni attraverserà il periodo di guerra”. È in questa edizione che, nella sezione dedicata alla radio, i fratelli Livio e Pier Giacomo Castiglioni, insieme a Luigi Caccia Dominioni, presentano il ‘radioricevitore 547 a cinque valvole’ disegnato per Phonola, che rappresenta in nuce il valore e l’invenzione del design italiano, il particolare e fortunato rapporto tra progetto e industria.

L’apparecchio dei Castiglioni non si nasconde in mimesi d’arredo, piuttosto cerca assonanze con le nuove soluzioni di oggetti tecnologici. Più che un ‘comodino’ (come i modelli a lui coevi) il radioricevitore 547 sembra un telefono e il diffusore sonoro centrale e inclinato verso l’alto, un microfono per parlare. Si rielaborano qui in chiave ‘integrale’, e cioè in stretto rapporto con le possibilità produttive e la razionalità della disposizione delle componenti, le modalità e le qualità d’uso dell’oggetto. Già in questo primo exploit progettuale si delineano alcune vettorialità di riferimento che rimarranno delle costanti nel lavoro dei Castiglioni (anche del solo Achille) per gli anni successivi. Si assiste ad un procedimento che stempera il rigore iconoclasta del razionalismo del decennio precedente a favore di un approccio al progetto più libero e non più ingabbiato in verità precostituite e ideologiche. Forse un po’ in disparte dai temi della ricostruzione fisica e civile del secondo dopoguerra, i Castiglioni affinano un metodo di lavoro e di ricerca che, se da un lato si riconduce alle matrici del funzionalismo, dall’altro si lega al

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pragmatismo del periodo, unito ad una buona dose di ironia e d’invenzione, di osservazione delle tipologie povere e tradizionali, della ‘riscoperta’ dell’oggetto anonimo scomposto per categorie materiche, per componenti e possibilità costruttive. Un’ironia che si ritrova anche in alcuni dei modelli presentati nella mostra organizzata da De Padova, come in quello composto da fette di formaggio per il complesso del Gruppo Rionale Fascista (1940) o nella ‘magica valigetta’ lignea in grado di racchiudere tre soluzioni alternative per la Domus Ecclesia (1955). Insieme a un interesse per l’architettura, declinata, come ha evidenziato la mostra, anche in modo fecondo nel territorio dell’allestimento assunto come terreno di sperimentazione e verifica, i Castiglioni proseguono la loro ricerca nel campo dell’arredo. La sezione del mobile in serie alla VIII Triennale del 1947, dove i Castiglioni sono presenti nello stesso anno anche con l’allestimento della XIV mostra nazionale della radio, denuncia la loro convinzione che alcune sedie tradizionali di autore anonimo, al di là di un interesse di rinnovamento stilistico, possiedano una modernità intrinseca che andava ‘semplicemente’ portata in evidenza, per verificarne le possibilità di inserimento nelle nuove condizioni della produzione seriale. È l’abbozzo del concetto di redesign, di ascolto degli oggetti del quotidiano, dell’indagine sulla ‘forma

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dell’utile’, che porterà i Castiglioni a delineare un procedimento codificato nelle sue necessarie diversità per spingersi sino alla pratica del ready-made con il sedile Mezzadro (1957). Emerge in modo chiaro l’ambito ‘parallelo’ al progetto architettonico e all’industrial design, il terreno di sperimentazione e verifica che i fratelli Castiglioni e poi il solo Achille, svilupperanno con convinzione: l’allestimento. I grandi dischi sospesi, schermi retroilluminati di grande effetto che segnavano la sala della sezione Industrial Design alla X Triennale (1954), diventano ad esempio occasione per pensare alla luce come ‘materiale compositivo’. É forse nel settore dell’allestimento che i Castiglioni coglieranno, più che nel disegno degli oggetti, la

Padiglione RAI, tensostruttura viaggiante, 1967, Achille e Pier Giacomo Castiglioni. Foto notturna e modello di legno e materiale plastico.

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In alto: il Padiglione RAI alla XXXV Fiera di Milano del 1957. Sopra a destra: l’Allestimento della Mostra dell’industrial design alla X Triennale di Milano, 1954, e il Padiglione RAI alla XXXVI Fiera di Milano 1958. Tutti di Achille e Pier Giacomo Castiglioni.

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condizione sperimentale più libera che troverà nei pezzi di design la sua traduzione di scala. Se i ‘pirotecnici’ allestimenti del padiglione della RAI alla Fiera di Milano (dal 1956 al 1963) possono essere letti come ‘esercizi di stile’, i successivi progetti temporanei, dopo la demolizione del padiglione originario, diventano occasioni ambientali oltre che ‘semplici luoghi’ di esposizione del prodotto, pensati come spazi di interazione tra pubblico e operatori messi in relazione attraverso la soluzione architettonica e le scelte di comunicazione. Diversamente, la tensostruttura per la mostra itinerante RAI del 1967 si propone come una sorta di disco volante in materiale traslucido, in parte gonfiabile, in grado di diventare, una volta illuminato

internamente, un segnale architettonico temporaneo nel paesaggio urbano. Quello del progetto dell’allestimento è un percorso che si sviluppa negli anni e che approderà ai progetti di Achille Castiglioni per BTicino (1985-1997) pensati in chiave ‘microurbanistica’ e flessibile. Accanto all’industrial design e all’allestimento, permane così quale tema centrale, non solo in Triennale, quello dell’abitazione e dell’arredo, legando in un’unica e sinergica azione il progetto dell’oggetto e del mobile a quello, se non di uno specifico spazio, di un’idea di spazio d’abitare. Nel luglio del 1957 si inaugura a Como a Villa Olmo la mostra Colori e forme nella casa d’oggi, dove Achille e Pier Giacomo Castiglioni, con la loro stanza arredata,

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modello in formaggio per l’edificio del Gruppo Rionale Fascista, 1940, di Achille e Pier Giacomo Castiglioni.

Nel settore degli allestimenti i Castiglioni colgono, forse più che nel disegno degli oggetti, la condizione sperimentale più libera

annunciano il programma di commistione tra storia e attualità che spiazza le verità razionaliste per sostituire al rigore geometrico di ‘spazi astratti’ una modernità di tipo complesso, definita, più che da preconcetti architettonici, da valori come la libertà di scelta, la provvisorietà, l’accidentalità. I Castiglioni, più che per lo ‘stile’, rimangono un riferimento del progetto italiano per la loro opera complessiva e per il loro ‘metodo’. Il formidabile sodalizio progettuale, estetico e creativo dei due fratelli ha prodotto una sterminata serie di allestimenti, interni, architetture, arredi e oggetti d’uso, percorrendo e sviscerando ogni tipologia, inventandone a volte alcune, anticipando idee e oggetti d’uso, sottolineando lo spessore di una progettualità complessa, trasversale e poliedrica. Si tratta di un ‘gioco sapiente’ che i fratelli Castiglioni (“due corpi una testa sola”, diceva di loro Dino Buzzati), e poi il solo Achille dopo la scomparsa di Pier Giacomo, hanno condotto nel migliore dei modi possibili. Il loro percorso parte dal 1938 per proseguire insieme sino alla fine degli anni ’60 e arrivare a scavalcare il millennio

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con l’opera di Achille, che appare strettamente legata all’insegnamento e alla definizione di un ‘metodo’, esprimendo la continuità di una sensibilità preziosa e fuori dal comune. I risultati progettuali, sia nell’ambito dell’allestimento, sia in quello del design, ancora oggi stupiscono per invenzione e incisività, eleganza e perfezione formale, rimanendo dei punti fermi per ogni progettista e per chiunque si avvicini alla storia del design e dell’allestimento italiani del dopoguerra.

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Sopra: modello per lâ&#x20AC;&#x2122;allestimento della mostra itinerante Achille Castiglioni Designer, 1984-1986, di Achille Castiglioni con Paolo Ferrari. A sinistra: modello per Casa Craglia a Corvino San Quirico (Pavia), 1974, di Achille castigloni.

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Gaetano Pesce, la poetica del “mescolare” c_In602_R_26_35_Pesce.indd 26

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Gaetano Pesce ritratto nel suo studio newyorkese, ubicato nella zona di Broadway, tra prototipi, maquette, modelli dei suoi pezzi di design, che comprendono elementi d’arredo, complementi e oggetti di memoria affettiva. (foto di Simone Barberis)

progetti di Gaetano Pesce testo di Cristina Morozzi

Teorizzatore dell’incoerenza fin dagli anni ’60 e sostenitore di una visione radicale del progetto che accetta l’errore per produrre diversità, L’architetto-designer-artista afferma che le industrie devono essere pluraliste per accogliere le diverse testimonianze del tempo. Come dimostrano i suoi ultimi lavori per Meritalia, Le Fablier e Cassina.

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er parlare di presente con Gaetano Pesce bisogna cominciare dal passato. Lui stesso, del resto, afferma che il contemporaneo diventa rapidamente storia. Non per tracciare la sua biografia, ma per stabilire alcuni punti fermi, che danno conto delle convinzioni che ispirano il suo lavoro, rendendolo anticipatore ed ecumenico. Nel 1965 pubblica, in occasione del congresso La società nell’architettura a Jyväskylä in Finlandia, il primo manifesto “Per un’architettura elastica”, in cui teorizza l’incoerenza. Nel 1968 diventa uno dei leader del radical design.

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Collocati con cura su piani e mensole, oggetti e libri formano il ‘laboratorio creativo’ di Gaetano Pesce. Nella pagina accanto: la zona di intrattenimento degli ospiti, dove Lo studio assume un’aria più domestica. In primo piano, la poltrona Feltri disegnata nel 1987 per Cassina e realizzata interamente in spesso feltro di lana. Nella parte inferiore, il feltro è impregnato di resina termoindurente; il sedile è fissato alla struttura mediante legacci di canapa che contornano anche la parte superiore morbida della seduta. I divani sono una reinterpretazione del modello Colorado progettato da Pesce per Meritalia. (foto di Simone Barberis)

Nel 1971 fonda Braccio di ferro, laboratorio ideologico per la produzione di oggetti sperimentali. Nel 1972 partecipa alla mostra al MoMA di New York Italy the new domestic landscape e realizza un allestimento che include una serie di documenti archeologici per un insediamento immaginario nell’era delle grandi contaminazioni. Nel 1973 afferma che architettura e design devono essere una rappresentazione della realtà. Nel 1975 espone una personale al Musée des Arts décoratifs di Parigi, Le futur est peut-etre passé, dove aleggia un forte odore di muffa (i custodi dovevano spruzzare in continuazione l’allestimento). Nel 1996 la sua retrospettiva al Beaubourg, accompagnata dal catalogo Le temps des questions, è pervasa da un afrore di minestrone casalingo.

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I temi urgenti del presente sono già tutti annunciati: la necessità di sperimentare, l’importanza del realismo e di una visione radicale, l’esigenza di contaminare e di mutare per dare alle cose le diversità che contraddistinguono gli umani, l’importanza dei sensi, odori compresi, per rendere emozionale la comunicazione, la voglia di porsi sempre domande per introdurre anche nell’industria la contraddizione, il senso pacificante della storia. Parliamo dell’oggi e dei prodotti nuovi. “La signora Michela Barona, titolare di Le Fablier”, esordisce Gaetano, “mi manda una mail in cui mi chiede di disegnarle una collezione. Ho guardato i cataloghi dell’azienda, molto ben fatti.

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Alcuni pezzi della collezione L’abbraccio, il nuovo capitolo contemporaneo di Le Fablier realizzato su progetto di Gaetano Pesce. sopra, Armadio in legno raffigurante un lui e una lei. Per la realizzazione dei fianchi dell’armadio Le Fablier ha adottato una soluzione tipica dell’architettura, fino ad ora mai usata nella produzione di arredi. Per seguire le linee sinuose disegnate da Gaetano Pesce sono stati affiancati e incastrati l’uno nell’altro, come avviene nella perlinatura, una serie di listelli di legno sagomati (foto Giacomo Giannini). In alto a destra: Credenze in legno rivestite di resina policroma. Al centro A destra: Sedie in legno e resina rinforzate in metallo; Consolle in resina, il cui profilo riproduce quello di un volto umano stilizzato (foto Giacomo Giannini). In basso: Tavolo rotondo con piano in resina multicolore e gambe in legno. Sulla gamba è riportata la firma di Gaetano Pesce. Nella pagina accanto: la presentazione della collezione L’Abbraccio di Le Fablier presso la Triennale di Milano, avvenuta durante la settimana milanese del design dello scorso aprile. Appoggiata alle finestre prospicienti il parco, la libreria con montati in metallo e ripiani in resina policroma stampata manualmente. Appese le sedie in resina rosse e blu della medesima collezione (foto David Zanardi).

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La produzione classica non mi spaventa, ho sempre spinto il mescolamento. Se hai qualcosa da dire lo devi pronunciare in un contesto nuovo. Accettare di lavorare per le Fablier è una sfida che appartiene al mio DNA. Sin dal 1965, ho sempre predicato l’incoerenza. Con le Fablier sto facendo cose estreme: introduco nuovi materiali, umanizzo gli arredi, esalto la manualità, sperimento tecniche innovative, portando nella produzione industriale la casualità per dare agli oggetti il sapore dell’errore che appartiene all’umano. Credo che oggi non si debba più lavorare sull’astrazione: l’armadio raffigura due persone che si abbracciano. Se si creano degli oggetti-persona, amichevoli, si propone una nuova idea di tradizione”. Michela Barona, convinta e serena, afferma che “nel

tornare alle origini del rapporto con gli oggetti c’è il senso del classico”. “Dicono”, sostiene, “che con i nostri mobili raccontiamo favole. Ho pensato che Gaetano Pesce potesse far sognare. Possiede lo stupore infantile, un modo magico di guardare alle cose e la voglia di continuare a cambiare. Nel suo canto c’è una melodia che s’innesta nelle nostre origini. Mi piacciono le ‘carezze’ di un mobile classico. Mi pare che la sua creatività assomigli alle ‘carezze’. Assieme abbiamo scritto una nuova favola che si chiama Abbracci. In autunno Le Fablier pubblicherà anche un libro di favole scritte da autori, tra i quali Gaetano Pesce, che normalmente non si cimentano in questo genere”. “Con Meritalia”, prosegue Gaetano, “ho realizzato una seduta, simile a un segno

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A sinistra: Poltrona ‘Senza fine’ per Meritalia, 2010, in poliuretano estruso a caldo, disponibile nei colori rosso, blu, giallo, verde e nero. La poltrona ‘Senza Fine’ rappresenta la conclusione di una ricerca iniziata da Getano Pesce con Meritalia nel 1996 con una seduta chiamata Kim che da allora è parte della collezione Aiber a Miami. Questa serie sperimentale è originata dall’estrusione in continuo di un cordolo di silicone, che in modo aleatorio si dispone su uno stampo, fino a che la persona che la realizza considera sufficiente la forma raggiunta. Il processo dà origine a pezzi unici e irripetibili. Grazie alla resistenza agli agenti atmosferici del silicone, ‘Senza fine’ può essere utilizzata anche in esterni. È inoltre dotata di pouf. Sotto: Edizioni del Pesce, serie di 16 lampade, da tavolo, da muro, sospese e da terra, prodotte in resine poliuretaniche e silicone da Meritalia, 2010. con queste Edizioni, che comprendono modelli degli anni novanta e altri più recenti, Meritalia eredita l’esperienza della piccola produttrice di lampade Open Sky, creata da Gaetano Pesce nel 1996. Nella pagina accanto: Divano della collezione La Fiorita, 2010, realizzata da Meritalia con struttura in legno e acciaio, imbottitura in poliuretano espanso a diverse densità e rivestimento in tessuto che ricorda l’erba verde. Il divano, che Gaetano Pesce ha dedicato alla primavera, può essere corredato di grandi cuscini a fiore (foto Giacomo Giannini).

estemporaneo, che appare quasi casuale: una sorpresa, come la nascita. Il nostro rapporto, iniziato nel 2002, quando l’azienda faceva solo forniture, in occasione della mostra GrandHotelSalone organizzata dal Cosmit e curata da Adam D. Thiany, è sempre stato nel segno della ricerca. Con la ricerca s’introduce il futuro nel presente. I miei prodotti hanno aperto all’azienda le porte della distribuzione”. Giulio e Vanna Meroni, che di buon grado si fanno contagiare dal suo fervore creativo e che ce la mettono tutta per realizzare i suoi esperimenti, sostengono che Pesce ha consentito loro di “entrare in un mondo sorprendente e di fare prodotti in grado di mostrare la loro anima”. Prosegue il designer: “Con Cassina, invece, ho rilanciato progetti interrotti vari anni fa: Notturno a New York, una evoluzione del famoso Tramonto a New York, racconta del tempo che

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scorre in una città che amo molto. Il progetto più importante, che rappresenta un’evoluzione del tavolo Sansone del 1980 (non più in produzione), uno dei primi prodotti a porre la questione dello standard, ha un sapore politico. Vuole essere un omaggio all’Unità d’Italia. Sessantuna è un’opera costituita da 61 tavoli tricolori, come il 1861 anno dell’Unità d’Italia, tutti somiglianti ma tutti diversi, che rappresentano la frastagliata geografia dell’Italia. Destinati a disperdersi nel mondo, resteranno idealmente vicini per celebrare l’unicità creativa dell’Italia”. Per Gaetano ricominciare a lavorare alla Cassina, ritrovare gli operai esperti e appassionati che gli consentono di raccontare le sue storie straordinarie, è un po’ come ritornare alle origini. Anche per Cassina riallacciare il rapporto con Pesce è un ritorno alle radici. Gianluca Armento, brand manager del marchio, sostiene che in tempi

difficili bisogna “cercare di aprire finestre sugli orizzonti di un tempo”. “Autenticità”, afferma, “è il nostro mantra. Gaetano Pesce è l’unico che può illuminare il contesto afflitto da troppa seriosità con una provocazione colorita. L’unico capace di creare prodotti portatori di messaggi di speranza. Sessantuna è la concettualizzazione delle diversità che fanno la forza dell’Italia. Con la sua desinenza in ‘a’ è anche un omaggio alla femminilità, la forza di coesione in grado di tenere insieme le diversità”. La creatività italiana è un argomento controverso. “Prima di parlare e criticare”, risponde con enfasi Gaetano, “facciamo dei gesti che l’aiutino. Con Sessantuna, ad esempio, racconto una bella storia politica. È naturale che i giovani stranieri vengano in Italia: abbiamo aziende creative. Un tempo i giovani andavano a bottega. George La Tour, per esempio, imparò dal Caravaggio. Dissento dal pessimismo.

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Divano ‘Notturno a New York’ per Cassina, 2010, con struttura costituita da telai cinghiati in legno multistrato e massello di faggio e imbottitura in poliuretano. Il rivestimento tessile, che intreccia ben 14.000 punti tra trama e ordito, genera immagini ad altissima definizione. ‘Notturno a New York’ rappresenta il secondo capitolo del racconto iniziato da Pesce nel 1980 con ‘Tramonto a New York’, sempre per Cassina (foto Paolo Veclani).

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Sessantuna, collezione di 61 tavoli ideata da Gaetano Pesce e Cassina per celebrare i 150 anni dell’Unità di’Italia. Realizzati in resina bianca rossa e verde e declinati nelle forme delle regioni d’Italia, isole comprese, i tavoli sono utilizzabili separati o aggregati a formare lo stivale. Sono inoltre personalizzabili con una frase, scelta dal cliente, serigrafata sulla gamba dallo stesso Gaetano Pesce. saranno venduti presso i rivenditori Cassina di tutto il mondo, oppure on line tramite offerte sottoscritte e vidimate, visibili da tutti gli acquirenti.

Di grandi creatori ogni secolo ne produce al massimo cinque o sei. Verranno fuori anche gli italiani. Non dimentichiamo che il design è fatto anche dalle industrie: non ci sono al mondo imprese che abbiano la curiosità e la competenza di quelle italiane. Bisogna investire per creare scuole di primissimo ordine. Le strutture pubbliche devono imparare a comunicare la creatività italiana e, prima ancora, a produrre la materia del comunicare, offrendo opportunità. Devono agire. Per fortuna esistono gli industriali che sono interessati a fare cose! L’unicità è una sorta di magnifica ossessione: gli oggetti devono essere compagni, quindi unici… Esiste, però una contraddizione: l’unicità appartiene all’arte; al design, invece, la serie”. “L’arte è sempre stata un prodotto”, ribadisce. “Isabella, sposa diciassettenne del duca D’Este, rifiutò il suo ritratto dipinto dal Mantegna perché

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non le assomigliava. L’arte era una cosa pratica. Aveva uno scopo. Il duca di Milano mandò al re di Francia il ritratto di una donna con le gambe aperte per eccitarlo sessualmente. Tra arte e design non c’è gran differenza. Il design è arte se ci dà prodotti funzionali che ci aiutano nel quotidiano: oggetti che ci danno l’impressione di non essere soli, che sono capaci di trasferire stati d’animo, che portano sensualità nella vita, che sono testimonianze, come la mia lampada Chador (2004), che illumina e ricorda il dramma delle donne islamiche. Anche i futuristi praticavano arte con funzione. Giacomo Balla disegnò gli arredi per la cameretta di sua figlia e, persino, dei gilet… I futuristi hanno gettato le basi per un’idea di arte legata al mondo della produzione. Movimento, macchina, progresso prefigurano l’idea dell’industria. L’Italia ha dato vita al design industriale quando ha chiuso con il Futurismo”.

L’esposizione Il rumore del tempo alla Triennale di Milano (2005) era suddivisa in nove capitoli. Uno riguardava il tema ‘Femminilità e mascolinità come motori de progetto’. “Oggi”, conclude Pesce, “mi interessa la femminilità. Progresso significa dare al femminino la possibilità di esprimersi. Le cose fatte con la testa del femminino possono essere innovative, pur essendo morbide, sensuali, profumate e mutevoli. Nel progetto non bisogna cercare coerenza, monolitismo, ma piuttosto pluralismo e mutevolezza. La sensualità innesca i rapporti. Anche per comunicare bisogna usare i sensi”.

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iù di 450 eventi distribuiti nella città, in zone e spazi oramai identificati come brani urbani ad ‘alto grado di design’, che nella settimana del FuoriSalone si trasformano in attrattivi per il popolo internazionale del progetto e volani per la sperimentazione in senso lato, hanno confermato la validità e la crescita di un evento dove Milano è protagonista. La città ancora una volta è diventata un magico, colorato e luminoso laboratorio-museo en plein air; nuove zone anche lontane dal centro come Lambrate e Isola hanno dato primi segni di vitalità per attivarsi nei prossimi anni come possibili distretti del FuoriSalone, la cui azione sembra a tutti gli effetti irreversibile e in continua espansione.

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Ma alla quantità, a nostro avviso, deve corrispondere la qualità, non solo degli eventi e delle iniziative – che dato il loro carattere spontaneo e autoprodotto sono da questo punto di vista di difficile programmazione e il cui livello è sancito solo in un secondo tempo da critica e pubblico – ma anche dei servizi e della fruizione dello spazio pubblico. Da questo punto di vista appare necessario un coinvolgimento dell’Amministrazione Pubblica perché la lettura del fenomeno non si riduca a quella di una sagra strapaesana. Si tratta di pensare al rapporto tra design e città e non solo in funzione della settimana del FuoriSalone, in modo che agli eventi ospitati all’interno di fabbriche dismesse,

gallerie, spazi di ogni tipo trasformati in luoghi espositivi temporanei, corrisponda, o perlomeno si affianchi, una gestione dello spazio pubblico appropriato. È la città di fatto che diventa il composito e mutevole contenitore delle centinaia di eventi del FuoriSalone. La sua immagine, la sua gestione e, perché no, il suo possibile ‘allestimento urbano’, andrebbe a questo punto affrontato in un sinergico confronto tra pubblico e privato, tra un’Amministrazione che sembra capire la validità e la qualità di un evento preso a modello nel mondo, e la realtà multilineare e complessa del FuoriSalone, fatta di designer e imprenditori, riviste e operatori culturali. (M.V.)

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Classicocontemporaneo foto di Simone Barberis testo di Antonella Boisi

in via manzoni e dintorni, con qualche incursione fuori porta. alla scoperta di case e spazi di ieri e design di oggi, luoghi densi di storia e nuove stanze delle meraviglie, tra sfavilliO di luci, materiali reinventati, alto artigianato e prodigi tecnologici del nuovo millennio.

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effetti speciali allo spazio krizia con ingo maurer e la sua ultima creazione illuminotecnica bangboom! zettelâ&#x20AC;&#x2122;z (nuova edizione limitata di Zettelâ&#x20AC;&#x2DC;z 5) in Carta giapponese, acciaio inossidabile, vetro satinato termoresistente, 80 fogli prestampati DIN A5, disegni di Thilo Rothacker.

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Museo poldi pezzoli, nella sala dei trecenteschi (sopra) come un fondale morbido, i moduli tessili componibili clouds disegnati da ronan & erwan bouroullec per kvadrat nel 2009 riprendevano i colori del dipinto di biagio dâ&#x20AC;&#x2122;antonio. nella sala nera (accanto) câ&#x20AC;&#x2122;erano invece i vasi fast di CĂŠdric ragot per rosenthal studio-line (2007). tutti ospiti inaspettati della mostra omonima organizzata da cosmit in collaborazione con il comune di milano e curata da beppe finessi, con immagine grafica di italo lupi, che ha coinvolto quattro case museo di milano: museo poldi pezzoli, museo bagatti valsecchi, casa museo boschi di stefano, villa necchi campiglio.

Nel salone di museo bagatti valsecchi, altri protagonisti: le poltrone binta (sopra) di philippe bestenheider per moroso (2009) e, nella pagina a fianco, il lampadario-scultura arnolfini di venini (2010) realizzato in collaborazione con studio job, che campeggiava maestoso nellâ&#x20AC;&#x2122;atrio del primo piano.

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Da kartell, il concept creativo dell’installazione snowflake di tokujin yoshioka, un paesaggio innevato fluttuante e irreale, disegnato con l’incastro di 50.000 bastoncini in plastica trasparente, formava un tutt’uno con la speciale collezione invisibles, serie di pezzi unici (poltrone, divani, tavoli, tavolini) leggeri, trasparenti e monolitici.

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linea, piano, massa, volume e spazio restano parametri di riferimento imperdibili per l’ architetto Daniel Libeskind ritratto riflesso nella seduta altair (in acciaio inox piegato) all’interno dello showroom Sawaya & Moroni dove ha presentato il tavolo e la seduta Torq (sviluppati a partire dagli studi per il Museo d’Arte Contemporanea di Milano) e la collezione Tea Set in argento.

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la galleria assab one, situata all’interno dell’ex stabilimento gea-grafiche editoriali ambrosiane ha ospitato la mostra charles kaisin: design in motion, una retrospettiva di dieci anni di lavoro e ricerca del designer belga, in tema di movimento e materiali riciclati. a destra: newspaper K-bench (2001), panca in carta di giornale riciclata, con struttura a nido d’ape e sviluppo a nastro. sotto: hairy chair (2004), poltrona fatta di strisce di carta di riviste riciclata.

pagina a fianco, ambientato nello scenario di driade, il nuovo nato della collezione charlie disegnato da peter emrys-roberts reinterpreta in chiave contemporanea con curve morbide e lievi impunture, il mito del classico divano in pelle chesterfield e del suo fitto capitonné.

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due delle 23 maquette di effetto castiglioni in mostra al primo piano dello spazio de padova, un percorso nel progetto espositivo di achille castiglioni dagli anni cinquanta al duemila corredato da proiezioni e ritratti. sotto: il modello in legno e cartoncino messo a punto per l’allestimento dello stand bticino 1987, intel, fiera di milano. a destra: nuove pelli, modello in poliplat e carta per l’allestimento nel 1991 dello showroom cassina di via durini 18.

allestita nello showroom di via manzoni, la versione a sospensione della lampada copernico disegnata da carlotta de bevilacqua e paolo dell’elce per artemide si compone di nove ellissi concentriche ricavate da un’unica lastra di alluminio che supportano un circuito di 384 led bianchi. le ellissi ruotano su due diversi assi che orientano l’emissione luminosa e consentono diverse configurazioni. chiuso l’apparecchio si presenta completamente piatto.

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Pensieri Personaggi oGGetti

Andrea Branzi architetto designer teorico storico design

“Da questa settimana emerge un dato complessivo molto importante: il numero delle mostre FuoriSalone, più di 450. Ha superato ampiamente il numeri precedenti, quindi il design continua a espandersi, a crescere. Anche in qualità”.

Ugo Alciati chef

“Il binomio food e design è in crescita. Nella cucina dove una volta bastava che il cibo fosse solo buono oggi invece deve essere anche bello da vedere”.

Antonio Callegari direttore marketing e vendite di Diners Club International

Aquili-Alberg designer

“È tra gli eventi del settore più importanti di Milano e forse di tutta Italia”.

“Salone un po’ pacato ma sempre coinvolgente, le aziende dovrebbero osare di più e credere con tutte le loro forze nella via che vogliono percorre nei prossimi dieci anni. Manca la voglia di assumersi dei rischi”.

vassoio LOrd per skitsch

Yves Behar designer

Alessandra Baldereschi designer

“Il FuoriSalone mi permette di scoprire angoli nascosti e speciali”.

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“Milano è importante per un designer, è un mondo di ispirazione, pensieri e riflessioni e oggi se ne ha bisogno. Servono nuovi oggetti e nuove idee di sostenibilità per creare nuove esperienze” .

Mario Bellini designer

“Mi aspetto che continui a svilupparsi questo clima in cui Milano diventa il centro del mondo. Se ci fosse soltanto Rho Pero non sarebbe sufficiente a far sì che Milano diventi cerniera della creatività internazionale, centrata sulla capacità imprenditoriale italiana” .

Paolo Castelli presidente e art director di Domodinamica

“Al FuoriSalone sicuramente cercherei di dare più contenuto. Premiare chi veramente lo merita chi, in questo momento, ha buone idee. Uscendo dal Salone mi trovo a dover scegliere. Dove vado? È sempre difficile capire qual è la cosa migliore, tutta questa parcellizzazione mi distrae molto e mi dispiace”.

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Barbara de Boni responsabile progetto Dea-Design e Ceip Trentino

“Il FuoriSalone in Zona Tortona ha un’identità molto forte, molto sentita, è una zona ideale”.

“Penso la casa rivolta al consumatore finale, che ama mixare stili e tendenze diverse, un casa che vede insieme oggetti basici…‘supernormali’, come direbbe Jasper Morrison, con oggetti più gridati”.

Ottaviano Ciabatti designer

“FuoriSalone? Credo faccia bene a tutta la città”.

Antonio Citterio architetto designer

Franco Cologni art director Richemont

“Nella storia dei mestieri d’arte il designer, l’artista e il maestro erano la stessa cosa. Questo salone prova che il connubio tra designer e mestiere arte è di fondamentale importanza per il futuro di questa attività. Trovare eredi giovani è difficile, l’inserimento del designer come colui che porta idee e creatività è fondamentale per riqualificare il mestiere d’arte”.

my chair ed. limitata per guzzini

Giulio Cappellini art director Cappellini

“Il Salone è sempre una sorpresa; il design è diventato veramente un fenomeno di costume e Milano è il centro del mondo del furniture design. Ma spero non sia un fenomeno epidermico perché il design è comunque una realtà Carlo Colombo industriale, non bisogna dimenticarselo designer è parte dell’humus industriale”. “I progetti più belli nascono un po’ per caso, per gioco attraverso l’ironia, come insegnava Achille Castiglioni”.

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Odile Decq architetto

“È formidabile che a Milano ci sia tutto questo”.

Diego della Valle imprenditore

“Sono un amante dei mobili, sopratutto di quelli italiani. Con il design ho un rapporto stretto perché è simile a quello che facciamo noi. C’è senso dell’estetica, delle proporzioni, della modernità” .

Michele De Lucchi architetto designer

“Penso al Salone del mobile di quest’anno che è stato bello, soprattutto quando non si parlava di mobili, di divani, tavoli, sedie… Per disintossicarsi bisogna imparare a disegnare i gatti…disegnare i gatti è molto difficile ma, quando si riesce, vengono fuori degli animali bellissimi con degli occhi grandi e le orecchie a punta. Disegnare è ottimo per rilassarsi e vedere le vere proporzioni delle cose”.

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Milano La cittĂ del glamour, tutta scintillii e bagliori, glitterata e lussureggiante. E quella del lavoro di gomito, orgogliosamente memore del passato industriale: ruvida ma non meno affascinante. Il Fuori Salone come occasione per scoprire due volti meneghini, dal Centro a Ventura-Lambrate. Come dire, dalle stelle alle stalle. Dove perĂ˛ alloggiano anche purosangue.

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È apparsa all’improvviso. Niente rivendicazioni né marchi, solo una scritta: ilfuturostaarrivando.it (sito rivelatosi poi inesistente). Senza sportelli né parabrezza, aerodinamica fino all’assurdo, nera come una pantera pronta a compiere il balzo, la Batmobil del FuoriSalone era parcheggiata, quasi a simbolo della vita nel fast track, in via durini. Da dove è poi scomparsa senza lasciare traccia. Una vecchia autofficina trasformata in showroom da sei designer olandesi. È l’emblema dell’area espositiva di Ventura-Lambrate, per la prima volta razionalmente organizzata da Margriet Vollenberg e Margo Konings con Mariano Pircher.

doppia corsia foto di Giacomo Giannini - testo di Laura Traldi

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Tanti box diversissimi tra loro e carichi di colore, ma un solo protagonista: il sistema di contenitori, piani d’appoggio e mensole Modern di Piero Lissoni. Con l’installazione Still Life, Moving Life nel suo showroom in Via Durini, Porro ha messo l’accento sulla flessibilità e sulla libertà creativa domestica offerta da Modern.

Cromie a confronto: il total look di Porro in via durini e gli schizzi di colore nello spazio ex industriale occupato dagli studenti del rca.

NELLA PAGINA ACCANTO: UNO SCORCIO DELL’ENORME SPAZIO EX INDUSTRIALE IN VIA CLETTO ARRIGHI IN VENTURA-LAMBRATE, CHE GLI STUDENTI DEL ROYAL COLLEGE OF ART GUIDATI DA TORD BOONTJE E GERRETH WILLIAMS HANNO ALLESTITO COME UN ALBERGO, L’HOTEL RCA. NON PROPRIO A 4 STELLE MA DI SICURO IMPATTO EMOZIONALE!

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1. L’installazione Beta Space dello studio berlinese Beta Tank, alla mostra Design Vertigo da Fendi: uno studio spaziale sulla percezione, fatto di pattern ottici e personaggi veri e irreali.

L’eleganza del black & white del mondo fashion e gli interior ruvidi dei designer battitori liberi.

2. UNO SCORCIO INTERNO DELL’AUTOFFICINA IN VIA VENTURA, CON IL TAPPETO IN FELTRO ASSEMBLABILE A PIECE OF CARPET DI VIJ5, LA LAMPADA IN ALLUMINIO, LEGNO E TESSUTO DI ONTWERPDUO CON VIJ5 E IL PIANO D’APPOGGIO SIAMESE TWIN IN NICKEL E ACCIAIO DI STUDIO VRAAY. 3. L’AZIENDA DELLA LORO FAMIGLIA DA SEMPRE FA PARALUMI TRADIZIONALI. E LORO LI REINTERPRETANO OGGI CON MOTIVI CONTEMPORANEI. SI CHIAMANO SERVOMUTO E SONO ITALIANI, MA PER IL FUORI SALONE HANNO ESPOSTO TRA GLI OLANDESI, IN VENTURA-LAMBRATE. 4. Una vista d’insieme della mostra Ten Small Atlases curata da Marco Rainò e Barbara Brondi per in Residence: dieci modi di progettare raccontati attraverso altrettante installazioni. Allo spazio Undai in Via Ventura. 5. LA VASCA DA ESTERNI ALIMENTATA A LEGNA DI FLORIS SCHOONDERBEEK E PRODOTTA DA WELTEVREE ALL’INTERNO DELL’INSTALLAZIONE D’ERBA REALIZZATA DAL DESIGNER.

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GIOCHI SOSPESI. IN UN CAROSELLO DI cristalli O IN UN INTERIOR VESTITO DI plastica nera.

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PALLONI NERI COME SOSPESI NEL VUOTO: UN’INSTALLAZIONE DEGLI STUDENTI DELLA SCUOLA POLITECNICA DI DESIGN IN VIA VENTURA. NELLA PAGINA ACCANTO: CENTINAIA DI FOGLIETTI DI CARTA MOSSI DAL VENTO IN UN TUNNEL NERO. UN’IDEA SEMPLICE MA DI GRANDE IMPATTO EMOZIONALE QUELLA DI CISOTTI E LAUBE STUDIO PER L’INSTALLAZIONE DI RCR CRISTALLERIA ITALIANA IN VIA DURINI. IN PRIMO PIANO, LA SERIE ARIA DI MANOLA DEL TESTA.

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1. Recupero e trasformazione sono gli ingredienti dell’espressione stilistica di Maison Martin Margiela. Per Cerruti-Baleri, il marchio belga ha firmato Emmanuelle, una poltrona che nasce dall’accostamento di elementi trovati IN DISCARICA rimessi a nuovo e coperti da una housse. 2. UNO SPAZIO DOMINATO DAL ROSSO, SPEZZATO DALLA LUCE GIALLA DI UNA LAMPADINA IMMERSA IN UNA SFERA RIEMPITA D’ACQUA. GIoCANDO CON COLORI, MATERIALI E TECNOLOGIA, ROLF SACHS HA TRASFORMATO LO STUDIO VISCONTI IN CORSO MONFORTE IN UN LUOGO ALCHEMICO CONTEMPORANEO. 3. Il tavolo Lisca – Anima Mobile dello studio One Piece, realizzato da Cutsystem, con prezioso legno riciclato dallo smantellamento delle sedute di uno stadio in Argentina e rivestito con lamina di piombo. L’installazione con volti di plastica è di Sandro Mazzucato, l’allestimento degli artisti Giulio Menossi e Eugenio Galli.

Contrasti e contrari: L’arte del riciclo invade il centro, Mentre in periferia si punta sul pezzo in limited edition. Per uomini e polli. 4. Breed Retreat di Frederik Roijé: anche per i polli una casa ‘progettata’ e firmata, con tanto di spazi notte e living e illuminazione a led. 5. Arredi a cavallo tra la rigidità del legno e la morbidezza del tessuto, specchi della duplicità della vita. Sono le Domestic Creatures dell’italiana Francesca Lanzavecchia e di Hunn Wai di Sing apore. Educati ad Eindhoven, hanno esposto allo spazio Undai in Ventura-Lambrate.

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In macchina si guida, certo, ma anche si legge, si mangia, si dorme, si gioca… Patricia Urquiola e Giulio Ridolfo hanno rimesso mano all’abitacolo di una BMW Serie 5 Gran Turismo, utilizzando tessuti di Kvadrat e lampade di Flos. Il risultato è una vettura tutta da vivere. Come una casa in movimento.

Slow life: Patricia urquiola propone interior d’auto a misura d’uomo (ma anche donna e bambino!) E la collettiva re.Rurban gli orti mobili.

Nella pagina accanto: L’orto in movimento di Re.rurban, un soggetto multiforme composto da studenti e neolaureati impegnati in una politica di riattivazione degli spazi pubblici milanesi abbandonati, in particolare le cascine.

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Pensieri Personaggi oGGetti

etch per tom dixon

Lapo Elkann creativo

Nicola de Ponti architetto e designer

Tom Dixon designer

“Puoi farlo da te, non devi aspettare la grande azienda italiana, tedesca o giapponese… tu puoi fare la tua propria azienda”.

brooks per minotti

“Mi aspetto di vedere tante novità rispetto alle edizioni precedenti”.

Rodolfo Dordoni designer

Valerio Di Bussolo

“…una buona continuità nel lavoro di tutti.”

responsabile relazioni esterne Ikea

“Mi sembra ci siano basi solide: materiali innovativi, riciclo e attenzione all’ambiente”.

“La creatività è di tutti e non solo di maestri o professori la creatività può appartenere a un dodicenne come a un trentenne, ognuno ha una sua visione, l’importante è dare spazio ai creativi giovani o non, che facciano parte di gruppi che fanno tanta pubblicità o meno, bisogna essere liberi, indipendenti, bisogna essere veri”.

Alessandro Dubini designer architetto

“FuoriSalone iniziativa fantastica anche per l’interazione con la moda. Creare sinergie è essenziale.”

Alexandre Fedotov presidente di Art Trading Group

“Aprile a Milano per gli imprenditori che lavorano nel mobile e nel design, è come il capodanno, è il punto di partenza per gli altri 364 giorni”.

Stefano Ferro managing director di B&B Italia “Usciamo da anni orribili e difficili e

il Salone rappresenta un punto importante per tutti noi. Innovazione e qualità sono per noi elementi fondamentali, per un prodotto veramente nuovo e accessibile. Crediamo nei giovani, sensibili al design”.

Carlo Ducci capo redattore Vogue Italia e Casa Vogue

“Siamo arrivati all’inquinamento per i troppi eventi e così diventa difficile selezionare. Da purista preferirei che accogliesse chi veramente si occupa di design e non chi vuol solo lanciare dei marchi.”

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Stefano Giovannoni

Federico Franchi

“Nutrizione è un tema molto importante perché è un aspetto fondamentale della nostra cultura, in Italia abbiamo riscoperto certe eccellenze; Slow food e Eataly hanno dato un apporto decisivo a questo contesto”.

James Irvine designer

“È stato positivo per molte aziende chiedersi ‘quali sono i bisogni reali della gente?’ invece di pensare al proprio ego”.

Adolfo Guzzini presidente Guzzini illuminazione

“Il design inizia con l’arredamento ed è grazie all’arredamento che l’Italia si è fatta conoscere nel mondo. Attraverso questa manifestazione”.

foto giacomo giannini

arena di luca trazzi

designer

amministratore delegato Schönhuber Franchi

“Il Salone è una delle manifestazioni più ecitanti e più importanti a livello mondiale: combina l’artigianalità e la genialità italiana con il design”.

Maria Luisa Frisa curatrice e docente di moda

“Il design dà una forma di qualità a tutto il mondo con l’eating design, il food design, il sound design”.

Harry & Camila designer

“Al FuoriSalone non aggiungerei niente, ma toglierei almeno l’80%. È troppo grosso, impegnativo e la qualità è bassa”.

Margo Konings fondatrice di Organisation in Design

“La zona Ventura-Lambrate è una nuova opportunità. Abbiamo scoperto questa area dove molte cose sono possibili e abbiamo deciso di essere qui”.

Roberto Gavazzi amministratore delegato di Boffi

“Con il Salone arriva la speranza della fine di una crisi importante. Si capirà quali aziende sanno andare avanti in maniera intelligente”.

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Piero Lissoni architetto e designer

“Abbiamo dato un’ immagine straordinaria a livello internazionale perché le aziende si sono spese, si sono vendute l’anima per esserci dopo un 2009 “sanguinolento”… e poi trovi una città che è totalmente distante, non è nemmeno capace di governare il traffico e l’unica cosa che hanno saputo fare è stato di mettere chioschi di wurstel e altre schifezze in giro ovunque. Chapeau a tutte le aziende, dalle più grandi alle più piccole, che si sono spese con energia, forza e voglia quasi commoventi; poi, giusto o sbagliato, non voglio entrare nel merito. C’è questo duplice binario: da una parte il mondo che produce, il mondo che pensa, il mondo che si fa vedere, che si spende fino all’osso, dall’altra parte l’appartenenza alla pura copertina”.

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In mostra presso la Galleria Suzy Shammah, la nuova collezione Karimoku New Standard disegnata da giovani designer internazionali con la supervisione di Teruhiro Yanagihara di Isolation Unit. Gli arredi – tra cui la sedia Torii, in primo piano – sono realizzati soltanto con legno di scarto proveniente dallo sfoltimento delle foreste giapponesi. Nella pagina accanto: Le lampadine ‘liquefatte’ di Pieke Bergmans sono abbinate a sette oggetti in bronzo dello Studio Job. Nascono così i sette oggetti luminosi e scultorei che compongono la collezione Wonderlamp, presentata e allestita da Dilmos.

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CONCORSI

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1. uno dei tre progetti vincitori del concorso dressed stone, organizzato da antoniolupi con carrara marmotec: il lavabo mira, di claudia danelon. 2. claudia danelon, laureata in disegno industriale presso il politecnico di milano, con il lavabo mira. 3. schizzi di progetto relativi a mira, il lavabo connotato da piani inclinati e realizzato accostando lastre di vetro e marmo.

Dressed Stone Marmo bianco di Carrara e vetro. A partire dall’accostamento di questi materiali, un gruppo di giovani creativi ha dato vita a dei progetti sviluppati per declinare in maniera originale il tema dell’acqua.

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Lo scorso aprile, in concomitanza con il Salone Internazionale del Bagno, presso lo stand antoniolupi ha avuto luogo la premiazione di Dressed Stone, il concorso rivolto a giovani designer e creativi di età compresa tra i 19 e i 37 anni — organizzato dall’azienda toscana con Carrara Marmotec — ideato per identificare, attraverso l’unione del marmo bianco di Carrara con il vetro, nuovi prodotti destinati ai mondi del bagno e del wellness. Alla competizione hanno partecipato oltre 1000 progetti provenienti da tutto il mondo e a selezionare i migliori progetti ha provveduto una giuria composta da: Luisa Bocchietto (presidente ADI); Paolo Armenise e

Silvia Nerbi (architetti e designer); Riccardo Fattori (designer); Domenico De Palo (designer); Mauro Carlesi (designer); Paris Mozzanti (direttore di Carrara Fiere – Marmotec) e Andrea Lupi (guida creativa di antoniolupi) nelle vesti di presidente di giuria. L’unicità di questo concorso risiede nel premio riservato ai vincitori, che prevede la realizzazione e la produzione del progetto, con tanto di firma del contratto di royalty. L’azienda antoniolupi, infatti, produrrà e metterà in vendita gli oggetti selezionati, come sancito dal contratto fatto firmare ai giovani progettisti vincitori nel corso della premiazione, e che li vede dunque designer a tutti gli effetti dei

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Mobili di frange, sedie fatte di libri, luci che si sciolgono come cera al fuoco. In mostra in zona Brera, lâ&#x20AC;&#x2122;anima piĂš onirica del progetto: quella che si affida alla libera immaginazione per svelare la poesia nascosta della quotidianitĂ , ma anche per tracciare un percorso alternativo di ricerca ed espressione.

Storie di design foto di Matteo Cirenei - testo di Maddalena Padovani

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Sopra: Ospitata nei suggestivi spazi della Fonderia Napoleonica Eugenia, la mostra Voice in Itinere presenta per la prima volta in Italia 12 designer e artisti del Sol Levante, chiamati per l’occasione a esprimersi sul tema del contrasto luce/ombra che anima la tradizionale casa giapponese. In alto a destra: cMnemòsyne è il progetto presentato da Erastudio apartment-gallery. Le stanze di questo spazio non finito accolgono le ricerche espressive e materiche di alcuni artisti e designer: Riccardo Goti, Ernst Gamperl, Sergia Avveduti. Presentano inoltre i complementi d’arredo nati dal progetto Fragile Memory Box di Erastudio e Plumeria, realizzati da Caneschi Arredamento.

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Nella pagina accanto: Allude al villaggio tribale l’allestimento creato da Edra per presentare la collezione Barbarians. Al piano terra dello showroom di via Ciovassino, i contenitori Cabana e il tavolo Cotto, entrambi di Fernando e Humberto Campana, presentano un nuovo capitolo della ricerca sulle materie prime e sui colori naturali sviluppata dai designer brasiliani.

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Sopra: Porta il nome di Progetto Non Finito la collezione di arredi pensata e prodotta da Emiliano Salci e Britt Moran. Una serie di sedute, tavoli, contenitori, librerie e lampade che si ispirano ai primi mobili industriali per comunità disegnati dai grandi Maestri. In mostra nelle stanze di Dimore Studio. In alto a destra: Realizzata dalla Gianfranco Ferré in collaborazione con la Galleria Rossana Orlandi, la mostra Diversity ha presentato gli ultimi lavori di Nacho Carbonell: 20 pezzi unici, come sempre ispirati al mondo naturale e animale ma realizzati con materiali inediti, che per la prima volta hanno aperto le porte dello Spazio Gianfranco Ferré al pubblico del design.

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Nella pagina accanto. Un allestimento tutto speciale, realizzato all’interno dell’Accademia di Belle Arti di Brera, per festeggiare i 40 anni di Anfibio, la seduta-letto progettata da Alessandro Becchi che rappresenta un ‘classico’ del design italiano e uno dei prodotti più conosciuti e longevi della collezione Giovannetti.

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Sopra: Dalla collaborazione tra la designer olandese Kiki Van Eijk e Claudia Pignatale, direttore della galleria Secondome, nasce Cut & Paste, una collezione di sette pezzi interamente realizzati a mano che con poesia e ironia rimescolano le forme e le funzioni della quotidianità. In mostra allo spazio Exits. In alto a destra: Presso Edizioni Galleria Colombari, sette paralumi della lampada Plywood Chandelier di Steven Holl per Horm diventano, grazie a un ‘divertissement’ di Mario Bellini, oggetti nuovi e insoliti: un cachepot, un tavolino, un ‘caminetto’ virtuale, delle lampade scultoree.

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Nella pagina accanto: Le sedute della collezione Moroso diventano spunto di partenza e luogo di osservazione del paesaggio grafico ideato da Francesco Simeti e Andrea Sala, i due giovani artisti di origine italiana ma attivi a New York e Montreal a cui Patrizia Moroso ha affidato l’allestimento dello showroom di via Pontaccio.

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Sopra: Una tenda e poi lampade, sedie, arredi e accessori vari realizzati tutti restaurando e assemblando oggetti di recupero: è l’installazione From this day forward con cui il duo di designer inglesi Jamesplumb si è per la prima volta presentato, presso lo spazio Zona K, al pubblico italiano.

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Sotto: Il Piccolo presenta la seconda collezione di Nodus, tappeti unici annodati a mano che combinano le antiche tecniche della tessitura con le visioni del design contemporaneo. Da sinistra: il tappeto Eros di Sofie Lachaert e Luc D’Hanis; il tappeto Campari Soda di Matteo Ragni; il tappeto Circus di Fernando e Humberto Campana.

Nella pagina accanto. la Book Chair fatta di libri e resina e il tappeto Playing With Tradition, due progetti di Richard Hutten. Facevano parte della mostra 3 Spirits allestita da Emmanuel Babled, Paolo Giordano e Richard Hutten presso Arredamenti Stadio.

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Sopra: Il cedro, lâ&#x20AC;&#x2122;abete, la betulla, il castagno, il larice e il faggio. Sono i primi sei alberi della collezione Bosco disegnata da Michele De Lucchi per Produzione Privata. A queste riproduzioni fedeli in scala 1:100 si affiancano le nuove lampade Spettra e Spettrina (sospese in primo piano e nella versione da tavolo sullo sfondo).

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Sotto: Una veduta del roof garden di 10 Corso Como, con opere e arredi di Kris Ruhs.

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Sopra: Chair Garden, l’installazione dei Nendo nel cortile della Galleria Antonia Jannone. La forma archetipica di uno sgabello si evolve e diventa una panca, un letto, una poltrona... Una ricerca sull’idea dell’arredo che ‘cresce’ in modo naturale e organico.

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Sotto: La mostra Epigrammi di Andrea Branzi presso la Galleria Clio Calvi Rudy Volpi. Piccole figure in ceramica, poggiate su sottili telai in ferro, accolgono fiori, frutta o candele e tracciano brevi racconti sospesi nel vuoto.

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Pensieri Personaggi oGGetti Francesco Lucchese architetto designer

bang boom lÜster per Ingo maurer

“La buona presenza dall’estero è il dato dominante che ha confortato un po’ tutti”.

Italo Lupi grafico

“Le cose più belle a VenturaLambrate. La bella atmosfera che accompagna la straordinaria follia degli olandesi”.

Vittorio Livi presidente Fiam Italia

“Il Salone è un punto di riferimento per ridare slancio al mercato. La qualità di questo salone è indiscutibilmente la più alta che esista a livello mondiale”.

Gerardo Marì designer

“Più positivo rispetto all’anno scorso, non c’è la paura della crisi ed è una bella cosa”.

Ingo Maurer designer

“Dopo tanti anni mi diverto ancora, è una settimana fantastica”.

Andreina Longhi amministratore delegato studio Attila

“In questa settimana la città è bella, c’è in giro gente positiva, anche chi non è addetto ai lavori partecipa in modo intenso, c’è animazione. Non tutto è bello ma non importa. Si è vista buona volontà”.

Jean Marie Massaud designer

“Questo è un buon anno; cominciano a ri-fiorire idee fresche, con la ricerca di vivere meglio, in modo un po’ più responsabile”.

Ross Lovegrove designer

“Improvvisamente c’è un nuovo livello di creativi, tra il design e l’industria, determinati a partecipare. Io lavoro a livello professionale, progetto, comunico… ma i giovani che iniziano, come possono connettersi con le aziende?” .

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Mario Mazzer architetto designer

“Ho cominciato a visitare il FuoriSalone e sta diventando sempre più una kermesse fine a se stessa dove le proposte sono costruite sempre più per stupire e basta, senza una grande logica, solo per stupire”.

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cotto di fernando e umberto campana

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Massimo Morozzi designer e art director Edra

Alberto Meda

“Le idee stanno fuori e quindi bisogna andare a cercarsele fuori. Non bisogna osservare la casa, bisogna osservare quello che succede fuori casa, perché è quello che succede fuori che prima o poi finirà per cambiare la casa”.

Jonathan Olivares designer

“Interessante è stato vedere come, in questo anno di ‘mantenimento’, alcune aziende abbiano mostrato progetti molto interessanti”.

designer ingegnere

Lorenzo Palmeri designer

“FuoriSalone oltre che divertimento è un momento di lavoro, è il risultato di un anno di lavoro”. sparkling chair di marcel wanders

Giuliano Mosconi “Ho visto alcune aziende che hanno investito le loro energie in contro tendenza art director di Tecno “È necessario saper portare rispetto a una situazione di crisi, le capacità e i meccanismi di creatività con volontà di reagire”. italiana nel mondo. È un investimento che indica grande ottimismo in questo momento”. Marco Merendi progettista “L’emozione e la cura del dettaglio fanno la differenza nei progetti. Giampiero Mughini Per coinvolgere le persone e convincerle scrittore e opinionista ad acquistare, la soluzione è proprio “Sono felice quando trovo un piccolo il coinvolgimento emozionale”. oggetto, che premi, si accende ed è una lampada, non dico che si possono fare o si debbano fare le lampade come le faceva Vico Magistretti: una forma perfetta e basta, però devono essere delle lampade! Non ghirigori, pretesti, cose farraginose, barocche, inutili...”. Mario Nanni progettista

Fabio Mondini responsabile vendite Italia Modular lighting instruments

“Il mercato italiano è importantissimo per l’illuminazione. Il design è il gancio di traino per essere competittivi sul mercato”.

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“Credo che sia sempre più importante per i progettisti pensare a delle soluzioni che possono essere utili. Vedo sempre più cose che assomigliano ad altre, vedo sempre più cose che hanno solo nella forma la loro vera identità. Le cose devono essere gioco, divertimento ed esprimere passione”.

Eugenio Perazza presidente Magis

“Sembra di assistere a una gara tra le aziende per diventare sempre più simili, fare tutte le stesse cose. La peculiarità che ci appartiene è di cercare di conquistare delle differenze”.

Gaetano Pesce designer

“Non mi pare facciano molta ricerca… ho suggerito a Meritalia di fare ricerca…”

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HeLLzaPoPPIn’

foto di Sergio Anelli a cura di Olivia Cremascoli

MUSICAL E FILM CULT AMERICANO, RICCO DI colpi di scena E DI nonsense, CITATO PERSINO DA UMBERTO ECO, PUÒ ESSERE IL RIFERIMENTO IDEALE PER QUESTA TRANCHE DI FUORISALONE, UN PO’ fou, CHE TRAVALICA TUTTI I CONFINI, MISCHIANDO design, arte, artigianato, E SOPRATTUTTO idee originali. ANZI, peregrine.

IN QUESTE PAGINE: ALLO SPAZIO ROSSANA ORLANDI, CERVO A PRIMAVERA E UN MAGGIOLINO TUTTO MATTO, OVVERO (DA SINISTRA) L’INSTALLAZIONE BIG BANG DEL FRANCESE FEDERIQUE MORREL E, DIRETTAMENTE DA BEIRUT, LA VW BEETLE COMPLETAMENTE RIVISITATA DA BOKJA DESIGN, CIOÈ HODA BAROUDI E MARIA HUBRI, DUO FEMMINILE CHE AMA GLI ARREDI VINTAGE E I TESSUTI ANTICHI E ARTIGIANALI, PER COMPORRE PEZZI UNICI.

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in alto: al pac, padiglione d’arte contemporanea di milano, la mostra armando testa. il design delle idee, curata da Gemma De Angelis Testa e Giorgio Verzotti; nella foto, sedia antropomorfa, 1976. titolo: saved by droog. IN pratica: Ogni mese, in olanda falliscono 500 aziende: Che fine fanno i loro prodotti? 5.135 li hanno salvati i droog design affidandoli a 14 designer che li hanno re-interpretati E resi seducenti a fine mercantile. nella foto, XX chair, di Luc d’Hanis & Sofie Lachaert. Nella pagina accanto, in alto: il nuovo showroom di C&C, alias emanuele e piero castellini, quest’ultimo progettista del suo allestimento, anche estemporaneo (passerella sull’acqua, barchette d’argento, nuvole di vapore), in occasione del fuorisalone 2010. presso la corte del centre culturel franÇais, tre serre custodivano decine di preziosissime rose in candido bisquit di porcellana, una differente dall’altra, realizzate a mano all’interno della Manufacture nationale de Sèvres (Parigi) che alle stelline presentava la mostra antologica disco sÈvres.

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uno scorcio dell’ esteso e bucolico atelier forte (in via Corelli), che ha presentato una dichiarazione di guerra all’industria per ristabilire il primato del bello e dell’arte nella vita.di duilio forte c’era inoltre, allo spazio orlandi, un’arzigogolata scrivania (con seduta) in ferro verniciato rosso.

in basso: la Facoltà di Design e Arti di UNIbz ha presentato, nel giardino di danese MILANO, Dream Excursion Module (DEM), modulo abitativo per viaggi fantastici, cioè la tesi di laurea di Joachim Falser, materializzatasi in legno di cirmolo delle Dolomiti e ripartita in tre zone: notte, giorno e toilette.

Nella pagina accanto: presso l’articolata sede di danese milano, lampada a sospensione Odaiba, oggetto tridimensionale scaturito dall’unione di due pezzi identici, progettato da modoloco design workshop (claudio larcher e flavio mazzoni), e cocoa, poltrona in vetroresina e multistrato marino (con verniciatura da esterno), progettata da marc Sadler, che ne ha previsto il posizionamento in tre diverse modalità (seduta,chaise longue o letto).

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matali crasset alla galleria luisa delle piane (via Giusti) si è inventata Volte-face, che propone la coNpresenza di due identità in uno stesso oggetto: girandolo, cioè voltandone la faccia, si passa da una funzione a un’altra. quello simbolico, appeso al muro, ha forma convessa, mentre l’oggetto domestico, di forma concava, diventa elemento d’uso quotidiano: un contenitore o una coppetta.

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NELLA PAGINA ACCANTO: UNO DEI QUATTRO PERMANENT HOSPITALITY SPACES CHE COSTITUISCONO IL TOWN@HOUSE STREET (VIA GOLDONI) PROGETTATO DA SIMONE MICHELI SU CONCEPT DI ALESSANDRO ROSSO. VALE A DIRE: QUATTRO NEGOZI SFITTI TRASFORMATI E RIQUALIFICATI IN QUATTRO SPAZI HOTELLERIE; IN PRATICA, UN APPARTAMENTO CON I PLUS DI UN ALBERGO E UN INNOVATIVO MODO DI URBAN LIVING, DESTINATO A DIFFONDERSI IN VARIE CITTA’ DEL MONDO.

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MIILANO-cina, ossia una settantina di vetrine di negozi di via paolo sarpi, la chinatown milanese, appositamente allestite per il fuorisalone da studenti della NUOVA ACCADEMIA DI BELLE ARTI e da rappresentanti di fama del design italiano. Un’apposita e qualificata giuria che ha visionato tutte le vetrine, ha decretato che la vincitrice È Maria Pecchioli per l’allestimento-vetrina del colorificio sarpi.

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nella pagina accanto: all’interno della wallpaper factory, l’articolata sede di jannelli & volpi, l’installazione progettata da maria cristina hamel doppio senso - my secret room, vale a dire una ‘camera’ che gioca sul concetto di ambiguità, nascosta fra simboli femminili ed erotici. Nell’installazione sono presenti anche arredi, firmati sempre dall’artista-designer.

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Pensieri Personaggi oGGetti

Stefano Ronchetti industriale

“Tutti hanno fatto qualcosa per il Salone, tanti giovani… l’offerta è superiore alla domanda”. horizon platform bed DELLA COLLEZIONE successful living

Maurizio Ribotti amministratore delegato Design Partners zona Tortona

Matteo Ragni designer

“Il mondo è tutto qui, a Milano. Infatti girando per la città ho incontrato imprenditori che finalmente hanno uno spirito nuovo, sono agguerriti, sono ottimisti”.

“Dopo 9 anni, non soltanto grazie a noi, la città è un vero teatro. Zona Tortona è diventato un modello di urban design che in tante città nel mondo ora tentano di copiare. Associamo creatività e innovazione”.

Renzo Rosso imprenditore fondatore Diesel

“È una settimana bellissima… più bella rispetto a quella della moda”.

Marco Rainò architetto e vicepresidente di Turn

“Nella zona Ventura-Lambrate sono riusciti a coaugulare il meglio delle energie positive nell’ambito della ricerca e della sperimentazione del design”.

Carlo Rivetti presidente di Sportswear Company

Nicola Rapetti direttore creativo Dedon

i’m hungry di marry design

“Ci sono cose più valide e meno valide. È importante concentrarsi su prodotti nuovi, spero di essere sorpreso di trovare idee nuove, anche migliori delle nostre”.

Andrea Ribaldone chef

“Qualsiasi piatto servito ha una componente estetica, il piatto sarà più bello e più facile da mangiare, perché una cosa bella è quasi sempre anche buona”.

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“Non so cosa Milano possa dare al design non ho molte aspettative. Io so quello che Milano riceve dal design: aperture, idee, culture diverse. Questa è una città che non è molto capace ad aprirsi e non è in grado di produrre cultura. Questa settimana porta cultura da fuori speriamo di essere capaci di masticarla, sarebbe veramente molto bello. Negli anni ho visto cose interessanti, a differenza della settimana della moda si dà la possibilità anche ai giovani di emergere mentre nel mio settore non siamo capaci. Anche nell’intero Paese non siamo capaci di dare spazio ai giovani. Diciamo che la gerontocrazia è al Alessandro Sartori comando”. direttore creativo di ZetaZegna “Ho visto progetti di giovani realizzati con originalità e con materiali poveri. Una forma nuova di pensare in modo artistico, mentalmente intelligente, al design di interni ed esterni. Quasi come entrare in una città del futuro. Ho avuto quella sensazione di sorpresa che sempre mi accompagna quando vedo qualcosa di completamente nuovo: questo è il mio ideale del FuoriSalone” .

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Vittorio Sun Qun direttore RCS Cina

“Per le aziende cinesi il design è ancora disegno come forma e non è ancora design come strategia”.

Rudi Von Wedel consulente design management

Brigitte Silvera Maxalto Paris

telegiornalista

lazy di michel boucquillon

“Sono emozionata quando vedo Milano così viva, così piena di gente. Sono innamorata di questo momento oltre che per le meravigliose installazioni che ci sono in città, per gli eventi FuoriSalone che rendono tutto estremamente moderno, dinamico. Sembra di stare in una capitale internazionale, dovrebbe durare così tutto l’anno” .

Marco Serralunga amministratore delegato Serralunga

“Forse l’unico problema del FuoriSalone è la logistica e bisognerebbe concentrare le varie aree per temi. Per esempio la zona Tortona è stupenda ma dispersiva. L’imprenditore che lavora in fiera tutto il giorno non ha tempo. Se fosse divisa per aree e argomento sarebbe meglio”.

gianLuca Sghedoni amministratore delegato di Kerakoll

“Il FuoriSalone è un punto di riferimento a livello internazionale. Credo vada dato merito a chi lo ha organizzato, a chi ha avuto l’idea e a chi l’ha portato avanti con perseveranza e con capacità”.

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“Adoro girare per Milano perché ci sono tante idee e tante cose molto interessanti. Preferisco il FuoriSalone alla Fiera”.

Adriana Spazzoli

Studio Pagani Perversi Associati

direttore marketing Mapei

architetti designer

“Il salone è un bagno di creatività”.

“Il FuoriSalone è un aspetto che ci colpisce sempre molto ed è il nucleo centrale di questo momento internazionale”.

Philippe Starck designer

“Coltivo la priorità ecologica che è una necessità: continuare a produrre prodotti per produrre energia. Noi abbiamo bisogno di creativi in tutto, la creatività deve essere in tutto quello che facciamo. Un idraulico deve essere creativo, un giornalista deve essere creativo, tutti devono essere creativi. Siamo in una società in cui non si parla d’altro che di creatività ma se si fa attenzione se ne parla solo a livello di applicazione. Si parla di architettura, di design, di musica, di moda, di tutto quello che volete ma questa non è creatività, ma l’applicazione. È come se si leggesse un libro a partire dal secondo capitolo o se si guardasse un film dalla metà. Non si parlerebbe che della fine invece che delle cause che l’hanno generata. E oggi la creatività è quello che mi appassiona”.

memory per moroso

Francesca Senette

“Ho visto parecchie settimane milanesi del design, questa è la più triste ma con punte straordinarie come l’installazione di Kengo Kuma e John Pawson all’evento Think Tank perché sono poetiche; brutta la Zona Tortona, concreta la Zona Centro”.

Tokujin Yoshiyoka designer

“Il design inteso come sensazione. Quello che le persone provano quando vengono in contatto con l’oggetto”.

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Collaborazioni imprevedibili

foto di Paolo Veclani - testo di Katharina Horstmann

Antichi mestieri e nuove tecnologie: il design contemporaneo esplora le potenzialitĂ di entrambi per trovarne i punti di incontro e le possibili contaminazioni. Nascono cosĂŹ progetti che escono dalle definizioni tradizionali, innovativi e affascinanti nella loro diversitĂ .

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Superstudio Più: le tonalità del blu del vetro di Murano creano la magia dell’installazione IDEATA da Paola Navone per Barovier & Toso. Protagonisti gli chandeliers e le creazioni luminose dell’azienda muranese, tra cui il nuovo lampadario Exagon (in questa pagina).

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Sopra, Via Savona 50: Ideata da Philippe Starck, l’installazione Play with dedon presenta la nuova collezione firmata per Dedon dal designer francese in collaborazione con EUGENI Quitllet. È composta da SEDUTE da esternI, TAVOLI e UNA SERIE DI LAMPADE REALIZZATE IN COLLABORAZIONE CON FLOS. A sinistra, Superstudio Più: versione contemporanea di un bersò Da giardino, La Gloriette di Fernando e Humberto Campana, progettata per la degustazione en plein air, fa parte dell’installazione Clicquotsphere voluta da Veuve Clicquot. Nella pagina accanto, Superstudio Più: la lampada wallpiercing del designer israeliano Ron Gilad, progettata per ridurre al minimo l’impatto visivo, si inserisce nel progetto Soft-architecture studiato da Flos per MOSTRAre come i LED potrebbero sostituire luci individuali venendo integrati in pareti e soffitti.

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Officina: presentato all’interno della mostra Made in Berlin – Open Process, Il progetto STITCHING FURNITURE di Werner Aisslinger, combina tecnologie avanzate e tecniche tradizionali di cucitura per creare una collezione Di oggetti pop-up, tridimensionali, estremamente leggeri. La mostra ha offerto una preview dell’edizione 2010 del Dmy International Design Festival Berlin che si svolgerà dal 9 al 13 giugno.

Nella pagina a destra in senso orario, Superstudio Più: Per Alcantara Design Museum, Matteo Thun e Antonio rodriguez hanno creato Nenufar, installazione composta da quattro enormi ninfee che, oltre a trasmettere l’estetica del fiore, richiama il rispetto per la natura proprio di alcantara. Fondazione Arnaldo Pomodoro: nell’ambito di Inside Art 2010, Laboratorio voluto da Saporiti Italia, i designer Marti Guixé, Mauro Lipparini, Ministry of Design, UdA e Carlos Zapata COLLABORANO ALLA CREAZIONE di un’unica grande panca, divisa in cinque segmenti che si articolano su una superficie di oltre 100 metri. Spazio Vuoto: Mindcraft 10, mostra dedicata all’artigianato danese organizzata da Danish Crafts, presenta tra gli altri il progetto Closet Knitter di Isabel Berglund, un maglione che diventa sedia e una lampada che sembra una parrucca lavorate a maglia. spazio closed: In mostra la collezione United Crystal Woods di Marcel Wanders, ispirata dall’incontro del designer con l’expertise di Baccarat: maestosi candelabri, vasi scultorei in edizione limitata, bicchieri da degustazione e caraffe.

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Via Savona 56: Attraverso la creazione del Milano Design Village il Gruppo Poltrona Frau racconta la versatilitĂ dei suoi marchi, poltrona frau, cassina e cappellini. In un grande spazio convivono armoniosamente i diversi allestimenti che propongono progetti, stili e punti di vista dei numerosi designer presenti con le loro creazioni. Sopra, due vedute dellâ&#x20AC;&#x2122;allestimento creato da Giulio Cappellini per Cappellini.

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Via Tortona 32: Swarovski Crystal Palace propone diverse interpretazioni del famoso cristallo elaborate da cinque designer internazionali, tra cui vincent van duysen che presenta frost, una barra luminosa, incastonata di cristalli swarovski, che puĂ˛ essere usata da sola o come elemento modulare per creare decorazioni architettoniche di grande effetto.

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a destra, Superstudio Più: L’allestimento Dreamscape riproduce un paesaggio da sogno per presentare la nuova collezione casa Successful Living from Diesel. tra i vari prodotti, anche alcune linee nate da una collaborazione tra diesel e Foscarini, come Perf, lampade perforate, che si ispirano alla tradizione nordafricana con una tecnologia del tutto contemporanea. Galvanotecnica Bugatti: Per la mostra Surprising Ingenuity: Austrian Design, Marie Rahm e Monica Singer dello studio viennese POLKA hanno messo in scena nel vecchio laboratorio la cultura conviviale austriaca.

Nella pagina a sinistra, Superstudio Più: l’installazione flash factory illustra il processo industriale della nuova collezione industry di tom dixon, che comprende anche La serie Void Light. caratterizzate da un doppio spessore del paralume, che riflette e ammorbidisce la luce, queste lampade si rifanno alle medaglie olimpiche e sono declinate nella versione oro, argento e bronzo.

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A sinistra, Superstudio Più: Gas ha presentato 25 Days – A project of real life, un libro-manifesto nato, in occasione di un workshop con dieci giovani creativi, per celebrare il 25° anniversario dell’azienda. Sotto a sinistra, Magna Pars: Il designer francese Ora-Ïto ritratto tra i riflessi del candelabro ‘HO’ di Cristofle, uno dei progetti, da lui realizzati, esposti alla mostra di presentazione del suo omonimo brand.

Nella pagina accanto, Officine Stendhal: Contemplating Monolithic Design, installazione concettuale voluta da sony per presentare l’ultimo lavoro di Edward Barber e Jay Osgerby. I designer esplorano, in una visione sperimentale, come il suono possa essere integrato in oggetti, mobili e architetture contemporanee.

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Il bello racconta

foto di David Zanardi testo di Clara Mantica

Comunicare il design al grande pubblico è compito della Triennale di Milano che, in tempi di salone, ospita allestimenti scenografici e tante declinazioni del progetto: Dalle materie prime – resine, gomme, ceramica, cristalli, plastiche – alle storie nuovissime, o già affermate, di designer internazionali. Grande protagonista la luce che veicola contenuti e atmosfere, fra tecnologie innovative e installazioni a metà strada tra arte e design.

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Nuova edizione di Neoreal, allestita da Canon per esplorare le infinite possibilità dell’immagine digitale. L’installazione è affidata a Kyota Takahashi, artista che ha creato le luci, e Akihisa Hirata, architetto che ha disegnato la struttura poliedrica di grandi dimensioni. L’effetto, in continua trasformazione, sottolinea la vitalità della luce e del colore.

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Sopra: la nuova collezione Mondo di superfici in gomma basate sul Sistema HML che integra cromatismi a decori, a cura di Aldo Bottoli e Giulio Bertagna. I decori sono disegnati da Cibicworkshop, autore anche dellâ&#x20AC;&#x2122;allestimento.

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Sotto: Resin solutions, superfici in resina flessibili, elastiche, con colorazioni e consistenze luminose, prodotte da Gobbetto per festeggiare i cinquantâ&#x20AC;&#x2122;anni dellâ&#x20AC;&#x2122;azienda.

Nella pagina accanto: Young Creative Poland, Collettiva di giovani designer e architetti polacchi a cura di Miska Miller-Lovegrove. Nella foto, Plopp stool di Oskar Zieta.

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A sinistra: una scorcio dellâ&#x20AC;&#x2122;installazione Swarovski elements at work. Una serie unica di oggetti per mostrare nuovi modi di utilizzare i cristalli Swarovski, risultato di una partnership fra dieci industrial designer e nove aziende internazionali. Nella pagina accanto: ancora una veduta della mostra Luce tra le dita presso la Fonderia Artistica Battaglia. La mostra di Mario Nanni e Marcello Chiarenza si focalizzava sul riflesso della luce inteso in senso fisico ed emozionale e si sviluppava in un percorso in penombra che intrecciava le opere dei due artisti.

A destra: Luce tra le dita, mostra presso la Fonderia Artistica Battaglia di opere scaturite dal dialogo sulla luce di Mario Nanni e Marcello Chiarenza. Nelle immagini, un Ritratto di Marcello Chiarenza e una delle opere esposte: sculture e libri di luce di Mario Nanni; sculture di metallo, di specchi e libri di luce di Marcello Chiarenza.

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A destra: la mostra di presentazione del nuovo marchio Yii (che significa ‘trasformazione’ e si collega al ciclo della natura), voluto dal TCRI, istituto di ricerca sull’artigianato di Taiwan, per rilanciare i mestieri tradizionali locali con l’aiuto del design. Allestimento di Gijs Bakker. Sotto: Timeless Future, mostra dedicata all’attività decennale di Toshiyuki Kita e alla ricerca del designer focalizzata sull’innovazione tecnologica e, nello stesso tempo, sulla valorizzazione della tradizione artigianale del Giappone. Nella pagina accanto: Ceramic Tiles of Italy Playground, Collettiva di designer e imprese sul tema ‘La ceramica a misura di bambino’, a cura di Aldo Colonnetti. Nella foto Crystal Tile, design Giacomo Sanna per Ceramiche Coem.

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