in extenso

HOMENAJE A PETER ROEHR

areiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracion racionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiter onlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareitera areiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracion racionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiter reiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteraeracion onlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareitera areiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracion racionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiter la obra de arte en los entornos metafísicos, como hicieron en las décadas siguientes (sobre todo en pintura) algunos onlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareitera maestros del neoplasticismo, el arte cinético y, por supuesto, la mayoría de las derivas warholianas. Al margen, otros areiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracion autores independientes fundieron en otras disciplinas tales empeños. racionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiter racionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiter Ángel Antonio Rodríquez • sfsffsdfsdasfasdfsafsdfsfsadf Por ejemplo, el escritor austriaco Thomas Bernhard, uno de los grandes adalides de la repetición y la disciplina, que reiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteraeracion onlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareitera nació cinco años antes que Roerh y profundizó con teorías y con prácticas en las nuevas expresiones reiterativas. areiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracion Ambos partían de frases (o imágenes, en el caso de Roerh) encadenadas, sucesivas y complementarias, deteniéndose racionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiter La reiteración, como praxis, ha sido una constante en la historia y ha tomado un rumbo verdaderamente renovador a en los detalles con minuciosidad, avanzando unos pasos o retrocediendo, en un ciclo constante cuyo fin último era, onlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareitera lo largo del siglo XX, a través de diversas apuestas artísticas, literarias y filosóficas.

El caso del alemán Peter Roerh probablemente, conocerse a sí mismos. areiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracion es, sin duda, uno de los más singulares. Aunque falleció prematuramente, planteó de manera brillante y obsesiva la racionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiteracionlareiter

la reiteracion como identidad

repetición de imágenes como leitmotiv de sus collages, montajes de sonido, objetos, películas y juegos diversos que, entre la realidad y la abstracción, aportaron fructíferas experiencias. Su apego a la organización seriada llegó incluso a suprimir la percepción de las características específicas de cada objeto para, más allá de lo referencial, lo iconográfico o lo mimético, plantear una solución donde la simetría, la semejanza y las jerarquías son los elementos dominantes.

Antes, algunas vanguardias ya habían presentado como punto álgido de su expresión subjetiva esa mecha iniciática de la reiteración. La discontinuidad, la ruptura con la tradición, la experimentación, los nuevos lenguajes, la alternancia matérica… permitieron el desarrollo revolucionario de aquellos movimientos. No obstante, para algunos autores los signos del arte contemporáneo son siempre categóricos; y toda revolución puede fluir hacia un proceso laxo, a menudo abúlico, fruto de estructuras más mediáticas que creativas. Así, cierta posmodernidad también trivializó las formulas consagradas, con la reiteración de los contenidos y nefastas amalgamas estilísticas, lejos de cualquier hegemonía estética. En algunos casos, esa banallización llegó a recrear hasta límites absurdos el desgaste simbólico de sus representaciones múltiples, en un infierno dominado por la vulgaridad reiterativa.

Los defensores de la reiteración (me refiero a los auténticos) huyen del carácter gregario, siendo muy críticos con lo deleznable o lo escurridizo, y aprovechando los temas e imágenes recurrentes como un método de trabajo que aspira a denunciar la soledad. Hay en estos abanderados de la reiteración un loable deseo de superar la imposibilidad de comunicarse con su entorno, un saludable interés por superar esa incapacidad humana de sustraerse a las obcecaciones y limitaciones personales.

Ernst Gombrich, analizó con frecuencia las virtudes y los defectos de la reiteración en algunos ensayos. Para ello el ínclito historiador austriaco apuesta por el equilibrio entre lo subjetivo y lo objetivo. «La búsqueda de una actuación objetivamente correcta puede conducir a una conclusión mortalmente mecánica. Sería una conclusión desprovista de significado, al igual que un exceso de subjetividad puede borrar la creación a la que pretende servir». La repetición, como estado subjetivo, aborda también un aspecto patológico de sus actores, actuando como desencadenante de sus ritmos íntimos o colectivos. Esta original exposición del CMAE, como los artistas que en ella confluyen, son un buen ejemplo de que la pasión subjetiva se puede transmutar, mediante eclécticos ejercicios de transfiguración, en una necesidad de estilo o, quizás, una forma de vida.

No ocurre eso con muchos autores, como la mayor parte de los que pasaron por la Bauhaus, que en su ponderación al diseño concedió estatuto artístico y valor formal al artefacto industrial impulsando la revolución mecanicista y la reiteración objetual como ejes. También el futurismo se aprovechó de esa acción como exponente del progreso. Y el constructivismo, y el dadaísmo, que desde actitudes nihilistas o escépticas hallaron en la reiteración un magnífico instrumento para la transgresión. A la naturaleza utilitaria de los objetos se añadió luego la consideración potencial de

2

in extenso

3 HOMENAJE A PETER ROEHR

asociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elart ad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasoci telasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,el asociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elart ad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasoci ociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartel asociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elart ad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasoci telasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,el Lo mismo ocurre con otras formas de expresión artística. En este sistema de desmitificación global, la gente está asociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elart mediatizada y coopera en el sentido que le marcan, jamás comprarán una obra a un artista no reconocido por los medios ad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasoci de comunicación masivos, prefieren una mala réplica, por que si no es de un artista reconocido, no es digna de estar en la ociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartel sala, en su casa. Si la gente que tiene dinero, se cultivara un poco, tal vez al cabo de algunos años tendría un gran valor al ociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartel asociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elart haber invertido en verdaderas obras de arte, porque hay muchos artistas y buenos, solo hay que buscarlos. ad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasoci Jaime Rodríguez • www.kaosart.org/Curriculum.htm En la actualidad, la institución Arte, ha pergeñado dos modelos de artista; el de “náufrago” y el de “promotor turístico” telasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,el asociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elart remitiéndome a un link en el que se debate seriamente el papel que juega el artista en la actualidad según las tesis ad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasoci de Hobsbawm1. El éxito obtenido por la industria cinemática o por el diseño durante el siglo XX no ha gestado una ociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartel posmodernidad2, resultado del derrumbe de los valores de la vanguardia, pues lo que se ha derrumbado realmente, ha sido La figura del artista no es simplemente intérprete de una realidad, sino un mero actor más en un complejo proceso de ociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartel el armazón de las artes institucionales, los presupuestos formalistas que han inundado los discursos artísticos del siglo XX. interacción y experimentación social. ociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartelasociedad,elartel Harald Szeemann

al igual que la sociedad, el arte va cambiando segun los tiempos

Más que expresar mi opinión sobre el papel que tiene el artista en la actualidad, me interesa mostrar la opinión que tiene sobre este tema una serie de usuarios que ejemplifican muy bien el tipo de cánones tradicionales e ideas convencionales que se tienen, no solo del artista y su rol en la actualidad, sino que muestran el nivel generalizado y el ideario que la sociedad asigna como rol al artista. Creo que resultará evidente observar como se entiende el papel que tenemos en este contexto actual: Un fiel reflejo de la “ignorancia” Más que el papel del artista hoy, porque su papel es y será el de todas las épocas; se deberían preguntar como se puede cambiar el contexto. Aquella “masa desinformada” no sería tal si las políticas de nuestros países valoraran el arte tal como valora la historia, las matemáticas o la ciencia, y fuera una materia de estudio para todos. La mayoría de las personas desconoce el código del arte, por ende, no entiende. Estudiar historia del arte es entender la historia del pensamiento humano, mientas nosotros evolucionemos o involucionemos como sociedad, allí estará el arte para ser reflejo de ella. Hacia donde va el arte, es hacia donde va el hombre hoy. El papel del artista se reduce a ser un catalizador (y así ha sido siempre), en una sociedad cada vez más alejada de su trabajo por motivos educacionales (que son políticas de estado), entonces, el rol de artista hoy, se reduce a ser visto y apreciado por unos pocos entendidos que forman una cofradía alrededor de él. Esta situación es lamentable y hay que enfrentarse a ella.

Como artista-creativo y comisario de esta exposición en la que se reinterpreta el término Reihung acuñado por Peter Roehr, puedo decir que en la actualidad se debe usar el Arte para expresar ideales, para protestar, para decirle al mundo lo que se siente haciendo uso de la hibridación de medios y la transdisciplinariedad3. Los prototipos de antes han desaparecido; ya que el Arte, al igual que la sociedad, va cambiando según los tiempos.

Hoy día, en la creación artística, los modos de expresar, de interpretar y entender el proceso creativo no se encuentran arraigados a una disciplina o técnica específica, aislada de las demás, como solía ocurrir anteriormente. Sino que, se interrelacionan propiciando el enriquecimiento en el proceso creativo, ampliando los horizontes artísticos.

La hibridación y la transdisciplinariedad originan áreas de coexistencia, de encuentros generadores de conexiones entre diferentes registros, tanto en lo que se refiere a las técnicas contemporáneas como a las tradicionales. Ambos conceptos propician préstamos, apropiaciones, contaminaciones y cruzamientos entre los procedimientos técnicos y las metodologías educativas a ser creadas y desarrolladas.

La función del artista en la sociedad actual es muy pobre. Se ha mercantilizado todo. Una obra de arte original se convierte en una basta cantidad de copias sin ningún valor, son burdas reproducciones o láminas detrás de un vidrio.

4

in extenso

(1) Artistas: entre náufragos y promotores turísticos. Marzo, Jorge Luis. 2004 - http://www.soymenos.net/naufragos.pdf (2) Globalización y posmodernidad: Encrucijada para las Políticas Sociales del nuevo milenio.

Barone y Raquel Martínez-Gómez. 2001. - http://www.ubiobio.cl/cps/ponencia/doc/p12.1.htm

(3) “En los procesos de ruptura de la creación como en el que nos encontramos en la actualidad, la hibridación es un concepto-clave, se refiere a las técnicas no como sistemas cerrados, sino como mecanismos preliminares para la creación mediante cruzamientos entre los distintos procesos de creación: grabado y los sistemas de estampación, dibujo, pintura, escultura, fotografía, arte digital, etc. Otro concepto-clave que camina en paralelo con el concepto de hibridación: es el de transdisciplinariedad. Modo de pensar, donde lo único se transforma en lo múltiple, lo uno es el todo”. Hibridación y transdisciplinariedad en las artes plásticas. Barbosa B. de Souza, Betania. Educatio Siglo XXI, Vol. 27.1 – 2009. - http://www.oei.es/noticias/spip.php?article5488

5

lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept toalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconc lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept nceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalc lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept toalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconc lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept nceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalc lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept toalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconc lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept nceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalc lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept toalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconc lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept María Castellanos Vicente • mariacastellanos.net nceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalc lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept toalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconc lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept Hoy en día acumulamos, almacenamos, guardamos por si puede servir, por si nos puede hacer falta en un futuro, porque nceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalc quizá es útil para alguien, en definitiva, por si acaso. Cuanto más espacio tenemos, más guardamos, siempre lo acabamos Peter Roehr: Ohne Titel, 1963. toalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconc

de la acumulacion al concepto: Peter Roehr

llenando, masificando. Por lo general, los creativos queremos un taller grande, cuanto más grande pueda ser, mejor. Para así acumular, guardar, almacenar y coleccionar objetos que, algún día, pensamos utilizar. O simplemente fetiches.

Las mudanzas y limpiezas ajenas son situaciones de alto riesgo, que debemos evitar. Estar presentes es una actividad complicada y embarazosa, debido a nuestra tendencia a encontrarle otro uso a esos objetos que los demás ya no quieren. Sin embargo, en nuestras propias reuniones con el orden es recomendable invitar a ese amigo o familiar que te anima a deshacerte de todo lo viejo, para que así te ayude a tirar una pequeña parte de los objetos acumulados, dejando de este modo hueco a otros nuevos.

La facilidad con la que los objetos me seducen me lleva, en muchas ocasiones –sumida en la preocupación de un inminente Síndrome de Diógenes– , a buscar cual hipocondríaca las patologías de esta enfermedad en Internet, para intentar ponerle remedio antes de que sea tarde. Pero si bien es cierto que la tendencia a la acumulación está más o menos extendida entre los creativos, también lo es que muchos de ellos han hecho de ésta un recurso a lo largo de la historia reciente del arte.

6

in extenso

Artistas como Andy Warhol con sus montones de cajas de Brillo, sus Marilyn repetidas una y otra vez o Arman y sus coches apilados y emparedados entre hormigón, son creadores que ejemplifican la aplicación de la acumulación al mundo del arte. Pero, sin embargo, fue un joven artista; Peter Roehr quien con una fugaz pero intensa vida, de tan solo veinticuatro años, acuñó el concepto de Reihung1 o repetición mecánica.

Roehr (1944-1968) nació un 1 de Enero en Lauenburg, Alemania, trasladándose más tarde a Leipzig, como aprendiz de rotulación. Una vez terminada la formación del oficio, ingresaría en la escuela de diseño Werkkunstschule en Wiesbaden.

Su periodo creativo abarcó desde 1962 a 1967, cinco intensos años en los que produjo un legado de más de 600 obras.

En 1965 fue rechazado por el prestigioso galerista de Düsseldorf Alfred Schmela, apelando éste a que el trabajo de Roehr era demasiado similar al de Warhol y Arman. De tal modo, que toda su obra fue venerada en un círculo limitado geográfica y mediáticamente, para no eclipsar a los artistas encumbrados por la política mercantil del arte del momento; impidiendo, su prematura muerte, llegar a un público más amplio.

Peter Roehr realizando uno de sus montajes.

Realizó collages, montajes de sonido e incluso películas, utilizando su estricto principio de de la repetición mecánica.

Recurriendo, para su realización, a fragmentos de fotografía publicitaria, clips de radio y textos escritos a máquina –los llamados typo-montages– que llegaron en ocasiones a ser confundidos con poesía.

7 HOMENAJE A PETER ROEHR

lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept toalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconc lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept nceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalc lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept toalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconc lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept nceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalc lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept Su técnica plástica consistía en la utilización de fragmentos idénticos toalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconc para mostrar el mismo concepto. Roehr afirmaba que la función original lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept de los objetos debe de ser totalmente olvidada. Es aquí donde se nceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalc diferencia de Andy Warhol, –con el que se le comparó en innumerables lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept toalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconc ocasiones –que proponía cambiar el material por la organización pero lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept sin cambiar su función. nceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalc lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept Roehr alineaba fotos, tipografías y sonidos e imágenes en movimiento toalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconc con una precisión matemática. Tratando, también, de evitar cualquier lconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconcept signo de individualidad que apareciera en sus obras y utilizando el nceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalc toalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconceptoalconc principio de mecánica de repetición estricta.

Peter Roehr: Ohne Titel (FO-15), 1964.

La adquisición de material para sus obras era un problema diario; Roehr necesitaba alrededor de cuarenta piezas idénticas de material industrial para llevar a cabo cada uno de sus montajes. Instalaciones que marcaron precedente en la historia del arte. Debido a su prematura desaparición de la escena de la creación y a la relevancia mediática de algunos de sus contemporáneos, se le restó la importancia y el lugar histórico que se merece en el panorama artístico contemporáneo.

Sureda, Joan y Guash, Ana María. La trama de lo moderno. Ed Akal. Barcelona, 1998.

Garrels, Gary. Photography in contemporary German art: 1960 to the present. Ed. Walker Art Center, Minnesota, 1992.

Cherix, Christophe. In & out of Amsterdam: travels in conceptual art, 1960-1976. Ed Museum of Modern Art, New York, 2009.

8

in extenso

Anamaría Briede Westermeyer • Valparaíso, 1971 Peter Roehr, (1944-1968) es el padre teórico de esta exposición colectiva donde la repetición, que él mismo defendía, se convierte en la gran

Semíramis González Fernández semiramisenbabilonia.blogspot.com

protagonista.

Pese a ser un artista casi desconocido en los circuitos actuales de arte, lo cierto es que Roehr, que murió de forma prematura a los 24 años, llegó a realizar más de 600 obras en diferentes formatos y soportes en casi cinco

La artista chilena, licenciada en Artes Plásticas por la Universidad de Chile, ha expuesto sus obras en un gran número de exposiciones colectivas (Museo de Bellas Artes de Valparaíso, Facultad de Ciencias de la Universidad de Chile, entre otras) así como en exposiciones individuales (Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, Galería Modigliani de Viña del Mar, por citar algunas).

años, el período más fructífero en su producción, entre 1963 y 1967.

En esta ocasión ha realizado una obra titulada “Escritura ciega” constituida por 25 láminas

A menudo, se le ha comparado con Warhol o con Arman: con el primero

A4 donde una repetición de puntos integran un conjunto en el que la ecuación vacío-

por su utilización de elementos propios del mundo de la publicidad y

lleno integra cada lámina; basándose en la escritura Braille, donde el sentido táctil de

con el segundo por sus acumulaciones y repeticiones del mismo motivo;

las palabras confieren sentido a las mismas, Anamaría reproduce una serie de puntos

pese a esto, cabe distinguir de estos dos que Roehr no buscaba una

a modos de frases, que en relieve, y a través del contacto con la yema de los dedos,

ironía pop en sus trabajos como Warhol ni tampoco una acumulación de objetos desechados con un fin estético; por el contrario, el artista alemán utilizaba una dimensión conceptual que plasmara una perpetuidad casi de tipo emocional.

nos muestran un significado oculto a los ojos. Estos puntos, además, configuran una repetición seriada y ordenada de la imagen, a modo de las obras de Peter Roehr, donde la alineación de los puntos muestra ese reihung, una secuencia expresiva cargada de significado y donde el concepto de repetición transmite un valor implícito en ellos: las

ESCRITURA CIEGA

palabras captadas por quien no puede ver.

Técnica mixta / 21 x 29,7 cm

De esta forma, los artistas que muestran sus trabajos ahora en el CMAE,

Es interesante este uso del sentido material y fenomenológico de los sentidos corporales;

en esta exposición en homenaje a Roehr, reflexionan sobre su versión

es peculiar que el protagonista sea el sentido del tacto, el más olvidado en la mayor parte

conceptual y estética basada en la repetición como un modelo casi ma-

de las obras actuales de arte, donde prima el oído o la vista. Esta pieza de Anamaría le

temático y perfecto de alcanzar un estado superior.

confiere un muy especial sentido perceptivo a la propia apariencia y calidad de la obra.

A pesar de la aparente abstracción de las láminas, lo cierto es que los protagonistas de la composición son los códigos escritos a través del lenguaje Braille.

10

in extenso

HOMENAJE A PETER ROEHR

11

Tal y como el propio Roehr hacía, la repetición adquiere aquí un sentido trascendental, donde la supuesta no figuración

Encarnación Domingo • Salinas, 1949

muestra un vacío entre cada punto, siendo la propia página el fondo, y los puntos los protagonistas y figuras de la imagen, ordenados de manera seriada.

Existe, por tanto, un componente más allá de lo simplemente visual, que paradójicamente nos invita a cerrar los ojos y probar el sentido táctil de la pieza para entender la dimensión conceptual del reihung que plantea.

Encarnación ha recibido un gran número de premios (entre ellos el 1º Premio Museo Casa de la Moneda “25 aniversario de la Constitución” en Madrid en 2003), ha expuesto individualmente en la Sala de exposiciones BBVA en Oviedo o en la IV Feria de Arte Contemporáneo de Madrid y albergan obra suya el Davis Museum de Barcelona o Duran Colección particular de Madrid, entre otras.

Para esta exposición, Encarnación Domingo presenta “Unendlichkeit” (Infinito): una serie UNENDLICHKEIT Aluminio y pintura industrial / 30 x 40 cm

de 13 obras en soporte de aluminio donde utiliza pintura industrial para realizar una sucesión de líneas, que, como su título indica, se repiten al infinito.

ESCRITURA CIEGA Técnica mixta / 21 x 29,7 cm

12

in extenso

HOMENAJE A PETER ROEHR

13

Basándose en la concepción que Roehr tenía de su trabajo, e influido por la filosofía Zen (algo que también tomó Yves Klein para sus pinturas monocromas1), la sucesión de un

María Álvarez Morán • Luanco, 1971

mismo motivo tenía en las obras un significado casi espiritual y trascendental, que trataba de conseguir un estado inmaterial superior.

En esta serie de obras de Encarnación Domingo, la línea y el color son los dos elementos

Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y Graduada en

fundamentales que constituyen las obras: por un lado, la seriación repetida de las líneas

Dibujo Publicitario por la Escuela de Artes Aplicadas de Oviedo; ha realizado un

rectas y por otro, la importancia del color, que secuencialmente da forma a estas líneas,

gran número de exposiciones colectivas (Galería Vértice, Galería Texu, Museum of

alternándose tonos más claros con otros más oscuros.

modern and contemporary Art en Lieja, Bélgica, entre otras) además de exposiciones individuales (Museo Nicanor Piñole, Galería Guillermina Caicoya, Museo Evaristo

En general, las obras están formadas por tonos metálicos, grises y negros, aunque el

Valle, por citar algunas).

blanco aparece también de forma reiterada y particularmente en una obra de la serie, el Nos presenta una serie de obras en acuarela y acrílico de distinto tamaño donde el prota-

color granate es el dominante en la composición.

gonismo lo tiene la línea, aplicada en horizontal y en vertical y acompañada de colores. El formato dominante es el cuadrado, aunque también encontramos el formato rectangular.

Son, por tanto, la línea y el color los dos componentes principales de la serie, articulándose de forma casi matemática y repitiéndose una y otra vez.

UNENDLICHKEIT

SIN TÍTULO

Aluminio y pintura industrial / 30 x 40 cm

Acuarela y acrílico sobre madera / Medidas

Las medidas de las obras, todas del mismo tamaño (35x45 cm.) son también un interesante mecanismo para aunar todas las imágenes.

En todo el conjunto se percibe la influencia de Roehr en el sentido insistente de los elementos que conforman las piezas, pero no se hace aquí uso del reihung de una forma arbitraria o caprichosa, sino que se reinterpreta la idea de eternidad, marcada en esa repetición expresiva.

Las líneas y los colores forman un conjunto que muestra un significado intrínseco y que conceptualmente está vinculado a la idea de continuidad espacial y mental de Roehr, desvinculando a los objetos de su función cotidiana y su interpretación individualista para darles un nuevo sentido.

14

in extenso

(1) Arnaldo, Javier: Yves Klein. Editorial Nerea, Guipúzcoa, 2000.

HOMENAJE A PETER ROEHR

15

La línea, protagonista esencial de las piezas, se muestra como un elemento secuencial y reiterativo, y esta retícula nos remite a las obras realizadas por Agnes Martin, donde la meditación personal y el abandono del Yo en pos de dar a conocer una verdad revelada se convierten en el tema principal. Esto enlaza con las retículas del arte tántrico, convertidas en objeto para la conciencia interna y que expresan las emociones del espíritu.

La estructura holista, que adquiere el conjunto de las piezas, supone que las partes se supediten al conjunto y que el orden compositivo pase a un segundo plano, siendo el todo

La retícula, ya usada por las Vanguardias, da sentido de comienzo a toda obra, es el grado cero en el arte2, muestra la perpetuidad de lo eterno y el espíritu del creador, pero al mismo tiempo transmite sosiego al espectador.

Esta obra es, de todas las expuestas, quizá la más inmaterial e interior, tomando de Roehr un sentido más trascendental y metafísico, casi utópico podríamos decir, y se aleja del esteticismo de la repetición, en su sentido más mordaz, para darle un carácter enérgico y emocional.

más importante que la parte. Precisamente esto es lo que María Álvarez Morán toma de la estética del reihung de Roehr, la repetición continuada que genera una intencionada SIN TÍTULO Acuarela y acrílico sobre madera / 27 x 27 cm

inestabilidad en la jerarquía de las partes, que potencia la visión continua y totalizadora del conjunto de las piezas.

Angélica García • Oviedo, 1972

Sin embargo, y pese a este desequilibrio, el resultado es una superficie armónica, estable y plena, que, a través del rielado de la retícula lineal, transfiere un temblor sereno y perfecto, casi anímico, que consolida la sensación de estructura ordenada y holística de las piezas.

Licenciada en pintura y grabado por la Facultad de Bellas Artes de Madrid. Es la directora de la Galería de arte Amaga de Avilés desde el año 2000 y ha expuesto de manera colectiva en la Escuela de Arte de Oviedo o en la “Casa Duro” de Mieres, así como individual en galerías como el Centro de Arte Revillagigedo o la Sala Borrón.

La obra escogida para exponer en el CMAE, “en homenaje a Peter Roehr”, es un conjunto de 11 bastidores montados de forma superpuesta y generando una pieza individual (110x198 cm.). Cada bastidor es idéntico a otro, pero se sitúan en posiciones diferentes, algunos en horizontal, otros volteados y apoyados sobre el contiguo, otros superpuestos…de manera que todos, en conjunto, forman una pieza donde la pintura y la escultura se solicitan mutuamente, y donde la profundidad se muestra a través de

16

SIN TÍTULO (DETALLE)

bastidores que sostienen a otros. Algunos componentes son muy interesantes en este

HOMENAJE A PETER ROEHR (DETALLE)

Acuarela y acrílico sobre madera / 27 x 27 cm

trabajo de Angélica. Por un lado aparecen colores complementarios en cada arista

Técnica / 110 x 198 cm

in extenso

(2) Krauus, Rosalind: La originalidad de la Vanguardia y otros mitos modernos, Alianza Forma.

HOMENAJE A PETER ROEHR

17

del bastidor (naranjas-azules) y por otro, aparece el color violeta, color presente en

Benjamín Menéndez • Avilés, 1963

muchos de sus trabajos de forma reiterada, y que aparece, al igual que el azul, intensamente marcado, saturado hasta

Ha expuesto en varias exposiciones colectivas (Sala Borrón, Universidad de Oviedo, Galería Texu, entre otras) así como en exposiciones individuales (Galería Altamira, Museo Barjola, Galería Vértice…).

adquirir casi una autonomía y un protagonismo frente a los otros.

En esta pieza son varias las influencias de

Para esta ocasión, nos propone “Inventario de la materia”, una obra que pertenece al proyecto “Caja de herramientas”. Se trata de una pieza donde aparecen 270 frascos de vidrio que contienen diversos materiales. Todos ellos se mantienen sobre varias estanterías, y aparecen cubiertos por un gran marco de madera y cristal en el frente y en el reverso.

Roehr: no sólo es el bastidor el que aparece repetido, sino que también los colores permanecen duplicados en cada uno de estos, aunque su posición cambie según la disposición del soporte.

Lo particular de esta obra es que interpela directamente al público y le obliga a moverse en torno a ella, ya que es este movimiento una parte esencial que hace que la visión del conjunto cambie según la posición desde

HOMENAJE A PETER ROEHR

donde se observe. Esta idea del espectador como elemento fundamental para completar el

Técnica / 110 x 198 cm

significado de la obra nos remite a las teorías de Merleau-Ponty3, donde el Ser Humano no

Cada vidrio contiene diferentes materiales enfrentados conceptualmente y que plantean una reflexión en torno a la creación contemporánea y a la ecuación creación artesanalcreación industrial. En algunos de ellos, se recogen restos de fundición, además de otros materiales de procedencia fabril, es decir, creados por el hombre desde el principio del siglo XIX. Por el contrario, estos elementos se contraponen a restos naturales recogidos por el artista, tanto orgánicos como inorgánicos (plantas, animales y minerales), que él mismo ha convertido en inventario de la naturaleza.

conoce sólo con la vista, sino que es imprescindible el cuerpo y su simetría, su axialidad: el “Inventario de la materia” propone una reflexión acerca de la dialéctica entre materia natural e industrial, algo que desemboca en naturaleza vs. artificio, una cuestión tratada ya desde la filosofía platónica y aristotélica, donde se planteaba si la naturaleza era, o no, el modelo a seguir en el arte, y por tanto, la mímesis como proceso creativo idóneo.

cuerpo es primordial para interpretar el entorno y la obra, el espectador es un ser “activo” en cuanto a la pieza, algo que, para comprender el trabajo de Angélica, resulta esencial.

INVENTARIO DE LA MATERIA Técnica / Medidas

18

in extenso

(3) Merleau-Ponty, Maurice: Fenomenología de la percepción.

HOMENAJE A PETER ROEHR

19

En el arte contemporáneo y actual, desde la Revolución Industrial, algo que se plasma

1963 y 1967; además del uso de objetos cotidianos que adquieren un nuevo significado

en esta pieza de Benjamín Menéndez, se ha planteado la disyuntiva entre lo original y

a través del reihung, con una nueva dimensión estética y conceptual.

lo procesado mecánicamente, estando, a veces, ambos procesos enfrentados, lo que ya planteaba Walter Benjamin al referirse a que la autenticidad pierde su significado conceptual cuando nos acercamos a aquellos métodos que son substancialmente múltiples4.

Además, esta pieza conecta también con los cambios sociales y especialmente en el medio ambiente que ha sufrido la naturaleza desde el auge de la industrialización, con la destrucción completa de ecosistemas o la extinción de especies animales. “Inventario INVENTARIO DE LA MATERIA (DETALLE)

de la materia” nos propone reflexionar sobre cómo se ha utilizado de forma incorrecta

Técnica / Medidas

el avance tecnológico a favor del beneficio económico humano. Esta obra nos muestra, no solo un contraste evidente de la realidad, sino también la posible viabilidad de la convivencia entre ambas.

Durante el desarrollo de su trabajo y reflexión creativa, Naves comenzó a buscar esos objetos en lo cotidiano, consiguiendo en primer lugar una fotografía que evolucionó hacia 7 piezas de infografía a las que añadió acompañamiento sonoro, generando una composición videoartística donde la protagonista, en todos los formatos y soportes, es la repetición.

Con un fondo negro y una sucesión de líneas en colores cálidos que descienden vertical pero ligeramente oblicuas, César Naves aplica la disposición en serie de Roehr, proporcionándole, a su vez , un carácter crítico, denunciando las sociedades donde la colectividad se impone por encima del individuo, censurando sus rasgos particulares. Esta reflexión es el resultado de observar cómo en este proceso creativo se parte de una única fotografía original para desembocar en varias piezas automatizadas, y que, sin embargo, adquieren mayor relevancia en la colectividad.

Esta idea de aplicar las teorías de Roehr a lo social nos muestra cómo puede interpretarse desde distintos enfoques unas obras que, a simple vista, sólo representan una clonación

César Naves • Oviedo, 1966

esteticista, pero por el contrario, están cargadas de una base analítica y crítica. Precisamente Roehr buscaba con sus repeticiones generar sensaciones emocionales e inesperadas en el espectador que contemplara su obra, consiguiendo, con esas reincidencias

César Naves (Oviedo, 1966) es técnico de Edición y Fotografía digital y Diplomado en

del mismo sonido o imagen, manifestar parte de la crueldad que alimentaba el sistema

Enfermería por la Universidad de Oviedo. Ha participado en la exposición “Converxencies

capitalista (por ello utilizaba elementos banales como una mujer secándose el cabello, o

– Konbergentziak” de intercambio artístico Asturias-Euskadi, así como en las Primeras

la repetición de un sonido estridente de un spot publicitario). César Naves se inspira en

Jornadas de Arte y Reciclaje, organizadas por el Colectivo Interferencias y es miembro

esta dimensión más juiciosa y analítica de Roehr con la sociedad de masas para plasmar

TÍTULO

fundador de AXIAL junto a Jaime Rodríguez. Actualmente se forma artísticamente en la

igualmente un reihung crítico con el sistema.

Técnica / Medida

Asociación Artística MARBAS. Para este homenaje, el propio César Naves, manifiesta que le sorprendió de Roehr la profusión de obras que realizó en tan poco tiempo, durante su período más creativo, entre

20

in extenso

(4) Benjamin, Walter: La obra de arte en la época de su reproductividad técnica.

HOMENAJE A PETER ROEHR

21

Jaime Rodríguez • Oviedo, 1968

Este artista multidisciplinar, además de ser el comisario de esta exposición, participa como artista y performer; está Doctorado en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo y además de realizar un importante número de exposiciones colectivas (Museo Barjola, LABoral Centro de Arte, Galería Vértice, entre otras) también ha expuesto de manera individual (Sala LAi, Universidad de Oviedo o la Sala Leonidas Emilfork de Chile).

En este homenaje a Peter Roehr en el CMAE, Jaime expone un políptico “Im neuen design” y un díptico Bewärhrte Qualität.

espectador quién es la protagonista de la imagen, el vínculo que se establece entre ésta

Técnica / medidas

y el propio artista, y además, acompañada la pieza de “ma-ma” de la obra “original”, se

Jaime Rodríguez nos presenta su conjunto codec series “Im neuen design”, un polípti-

cuestiona y se plantea una reflexión en torno a la idea de singularidad que adquiere cual-

co de cinco piezas de tinta sobre tela y bastidor de 30x42 cm. En ellas, sobre un fondo

quier madre para cualquier hijo, el paradigma constante de madre no hay más que una.

blanco se repiten secuencialmente una serie de palabras y números ondulantes en co-

Jaime también expone “pa-pa”, donde hace uso de una fotografía de su padre tomada

lor negro, organizados compositivamente en tres columnas. Estos signos son tomados de la propia red, donde se utilizan para demostrar que el usuario es una persona y no

en 1953, durante la realización de una performance para convertirla, a través de la se-

una máquina. En este caso las imágenes se han extrapolado, de manera reflexiva, de

rigrafía, en una obra conectada personal y artísticamente con la herencia creativa de su

su función original y se han colocado sobre un soporte clásico (tela y bastidor), alcan-

padre y el reihung de Peter Roehr.

zando la categoría de obras de arte actuales que manifiestan el uso presente y tratan

En esta pieza el protagonista de la escena es el personaje masculino, que destaca por

de recordarse y perpetuarse por encima de los cambios (especialmente frecuentes en

aparecer cubierto con un manto blanco y llevar la cabeza también envuelta en una tela

la red) hacia el futuro.

blanca, mientras permanece estático en el centro de un pasillo, con dos personajes

El díptico Bewärhrte Qualität está formado por dos piezas: por un lado, una imagen de la

más al fondo. Jaime Rodríguez ha añadido a la fotografía original, ampliada a través

madre del artista que se repite continuamente y manifiesta su condición sentimental a

de la serigrafía, la repetición en impresión digital de la sílaba “pa” en la parte inferior de la imagen. Esta reiteración que da nombre a la pieza comunica directamente con el

través de la reiteración de las sílabas “ma-ma” en la obra, y junto a esta, una pieza que

22

BEWÄRHRTE QUALITÄT (DETALLES)

repite insistentemente la palabra “original”. Estos aspectos unidos, estas dos obras en

IM NEUEN DESIGN (DETALLE)

sentido afectivo de la relación paterno filial, siendo el padre la influencia primordial para

conjunto, adquieren un valor específico y conceptual único, que es capaz de mostrar al

Impresión digital y tinta sobre tela y bastidor / 30 x 42 cm

el desarrollo artístico del hijo; además, esta sílaba “pa” es particularmente interesante

in extenso

HOMENAJE A PETER ROEHR

23

al ser la primera que pronuncia un niño en su desarrollo cognoscitivo y al comienzo del

metacrilato con estampaciones en su interior; Elisa Torreira expondrá también otra instala-

uso del lenguaje, convirtiéndose entonces, en una repetición “involuntaria” del niño, pero

ción, en la que incluye una serie de poemas creados especialmente para esta exposición.

cargada de significado conceptual y sentimental (podríamos casi considerarla un mot trouvé, como un “readymade lingüístico” natural e inocente).

La serie de frascos de vidrio destacan por llevar grabados unos versos y en su interior un pétalo rojo, y los metacrilatos, al igual que el vidrio, hacen que contraste la pulida

Esta pieza funciona no sólo como homenaje con doble vertiente (al padre y a Roehr,

transparencia con las palabras escritas encima. En ambos casos, se trata de obras que

en la repetición seriada de la misma sílaba) sino que además se acompaña de una

se exponen en parejas, repitiendo, en algunas, un mismo par de sílabas, “tic-tac”, y

performance que Jaime Rodríguez realizará durante la inauguración de la exposición.

reiterando, en todos los casos, la serie numérica “dos, dos, dos…”. Esto genera un orden

La concepción emotiva de esta pieza, junto a la de “ma-ma” la convierte en una de

ante el aparente desconcierto de reunir piezas en distintos formatos.

las más interesantes, precisamente al combinar perfectamente ambas ideas y estando acorde a la noción de reihung de Roehr a la vez que manifiesta una esfera más privada de la propia creación y desarrollo artístico de Jaime. Una reflexión donde se mezclan los

COUPLE Técnica / Medidas

sentimientos que han influido no sólo en lo personal sino en lo artístico al propio artista, conjugando la sensibilidad familiar y privada con la estética de la repetición de Roehr; al PA-PA Técnica mixta / 110 x 198 cm

fin y al cabo, es otra muestra de cómo interpretar el reihung con un sentido más allá de lo puramente exterior y material, dándole un significado sustancial e íntimo.

Elisa Torreira • Avilés, 1961

Ha expuesto en diversas exposiciones colectivas (Galería Amaga, Museo Barjola, Galeria de Antiga Casa da Capitania en Portugal…) así como individuales (Sala de Arte Alfara en Oviedo, Museo Antón en Candás o la “Casa Duro” de Mieres, entre otros).

En esta ocasión, ha escogido dos instalaciones para exponer en este homenaje a Peter Roehr: por un lado, utiliza recipientes de vidrio en parejas, con poemas, y por otro, piezas en

24

in extenso

HOMENAJE A PETER ROEHR

25

En sus trabajos, y esto enlaza con la serie de poemas que expondrá, Elisa Torreira busca

Javier Valles propone varias piezas: 4 cajas de aluminio con papel, plástico e hilo en su interior, con medidas 250x250x150 cm. y 15 hierbas de gres cerámico en diferentes tamaños hasta un máximo de 90x8 Ø mm.

verbalizar el objeto artístico: aunando su labor como poeta y artista, tratar de combinar ambas manifestaciones, obteniendo como resultado piezas en las que están presentes la poesía, que ella misma crea, y la plástica, en un ut pictura poesis actual.

Como ocurre con otros trabajos suyos, vuelve a fijarse en el postminimalismo, que trata de enfatizar en sus trabajos: percibir aquello que pasa inadvertido a los ojos del espectador y que, sin embargo, está cargado de un simbolismo particular y especial; es precisamente esto lo que inspiró a Javier del artista homenajeado: la impresión inicial y personal de cada espectador hacia cada objeto descontextualizado, y que, repetido de forma continuada, se convierte en el interés principal y se registra estéticamente en la mente del público.

El concepto acuñado por Roehr se aplica aquí con una intención objetual, dando énfasis a la repetición, como idea con la que se concibe todo el conjunto.

En el caso de las piezas de metacrilato, es evidente la insistencia de las sílabas “tic-tac”, definidos por la artista como juegos verbales. En algunas de las obras, aparecen frases que señalan el componente más visual de una poesía de carácter conceptual, que Elisa vincula a su creación plástica.

Podríamos decir que estas obras son la parte más sensorial del término reihung acuñado por Roehr. No hay aquí una crítica social o económica, no hay una ironía ácida hacia la

LLUEVE (DETALLE)

publicidad y el consumo: se toma la parte más lírica de su estética con un fin artístico.

Técnica / 230 x 130 cm

Esto genera una sensación particular que, a los ojos de cada uno, y según el filtro personal, transmite emociones distintas; el elemento concreto y singular que configura el contexto, convierte al todo en algo cargado conceptualmente de significado y fuerza, que conserva, sin embargo, la importancia del objeto individual.

MUNDOS SILENTES (CAJA) Técnica / 250 x 250 x 150 cm

En el interior de las cajas de aluminio, encontramos la superposición de varias formas en papel y de distintos colores, todos con un fondo negro; estos colores contrastan unos con otros, apareciendo el naranja frente al azul, y bajo el azul, el blanco. Junto a las cajas de aluminio se sitúan, de forma perpendicular a la pared e invadiendo parte del espacio del espectador, las hierbas de cerámica, de diferentes tamaños, y que aportan, en relación al

Javier Valles • Oviedo, 1970

Técnico en Artes Plásticas y Diseño en la especialidad de Arquitectura de Interiores.Ha participado en varias exposiciones colectivas (Campus de Humanidades de la Universidad de Oviedo o la Casa de Cultura de Pola de Siero), e individuales (Sala Borrón, Escuela de

26

Arte de Oviedo, Galería Texu o la Casa de Cultura de Langreo) así como proyectos de inves-

MUNDOS SILENTES (DETALLES)

tigación de escultura desarrollados en Nueva York e Irlanda.

Técnica / 250 x 250 x 150 cm

in extenso

HOMENAJE A PETER ROEHR

27

frío aluminio, una sensación de calidez y delicadeza, una naturaleza inherente pero al mismo tiempo viva, que nace y crece de la propia obra, como un ente lleno de vida.

premiado con el Primer premio en la XI Mostra Internacional Gas Natural Fenosa, Museo de

Esta impresión ilusoria es, no obstante, una percepción cercana a las reflexiones que el autor realiza desde el comienzo de su trayectoria creativa en 1998: diversidad de materiales que transmitan la importancia de aquello que consideramos insignificante pero que conectan al Ser Humano con la Naturaleza, Javier Valles imagina estos mundos silentes para vincular lo onírico y lo real a través de piezas donde ambos elementos se confunden.

Para esta exposición ha elegido una videoescultura, “Sintonización repetitiva”, donde

La influencia de Roehr se manifiesta en la seriación que busca descontextualizar los objetos a través de la reiteración, darles un protagonismo y un significado particular constante e imperecedero, que no sólo no se pierde en el todo, sino que ayuda a reforzar el conjunto.

pero todos similares aparentemente, y que se disponen en un simulado caos; en el interior

Arte Contemporaneo Unión Fenosa (MACUF).

reflexiona conceptualmente sobre la noción caos-orden, basándose en la relación entre comunicación digital y analógica, muy presente en la sociedad tecnológica actual.

En un tarro de vidrio encontramos la acumulación de tornillos de distintas formas y tamaños, también se sitúa el vídeo, donde se reproduce insistentemente la imagen de una tuerca, complemento de los propios tornillos.

MUNDOS SILENTES (DETALLE) Técnica / 250 x 250 x 150 cm

Más allá de esta relación plástica entre los objetos, Alberto Valverde profundiza en la teoría

SINTONIZACIÓN REPETITIVA

acerca del orden y el caos, considerando a este último no un estado negativo y contrario

Video instalación / 40 x 40 x 40 cm

al primero, sino una variación de éste: esta interesante reflexión nos retrotrae a las teorías

Alberto Valverde • Madrid, 1967

clásicas de la antigua Grecia, donde el Orden y el Caos eran dos elementos extremos pero indispensables en la organización y creación del mundo (el Demiurgo de Platón5 y la idea aristotélica de que el caos dependía del orden, y viceversa).

28

Profesor en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, ha expuesto individualmente en

En esta obra de Alberto Valverde se utilizan las dos imágenes actuales de un objeto: el

la Galería Texu de Oviedo, así como colectivamente en Laboral Centro de Arte y Creación

propio objeto físico y una representación en formato digital, medios ambos muy presentes

Industrial, en la Sala LAi de Gijón, en XXXI Bienal de Pontevedra, entre otras, y ha sido

en la realidad tecnológica actual.

in extenso

(5) Platón: Timeo.

HOMENAJE A PETER ROEHR

29

A través de la acumulación de objetos similares descubrimos una conexión con la obra de Arman, intentando a través de la acumulación de objetos generar emociones en el espectador y conceptualmente establecer un orden nuevo que convirtiese a cada objeto individual en algo único y adquiriera así la condición de arte.

Esta conjunción entre lo plástico, ayudándose se la repetición propia de Roehr, y la reflexión en torno al caos como un sector integrante del orden, muestra en la obra de Alberto Valverde una idea conectada con la sociedad actual, donde la tecnología define activamente la configuración visual de los objetos reales, especialmente a través del medio digital.

En “Sintonización repetitiva” el dispositivo digital sustituye a los objetos reales pero ausentes, en este caso la tuerca, complemento de los elementos físicos de la obra, los tornillos. En esta representación digital todos los fotogramas repiten la misma imagen sin cambios aparentes. La repetición se convierte en la estética central que configura tanto la fotografía digital como los objetos físicos utilizados en esta pieza.

Luis Suárez Lanzas • Oviedo, 1954

de bailarín que gira, un derviche que se mueve en torno a la plaza, acompañado de una melodía hipnótica que parece transportarle fuera del espacio expositivo.

Al igual que los derviches giróvagos musulmanes el movimiento de la imagen convierte al observador en el protagonista de una acción mística y espiritual. Esta práctica, al igual que la oriental, adquiere un significado ascético, que a través del movimiento nos impide centrar la vista en un único objeto individual: el todo adquiere protagonismo frente a la parte.

La repetición y la estética del reihung de Roehr se manifiestan aquí a través de la saturación de un mismo motivo, reiterado, que consigue abstraernos hasta el punto de generarnos duda de dónde estamos y qué estamos viendo: la multiplicación es un preámbulo a la pérdida. Las fotografías se superponen como un puzzle en el que todas incitan a que el conjunto sea el protagonista, consiguiendo que ningún motivo individual tenga mayor intensidad que otro.

El color amarillento, la silueta oscura de los edificios…todo el conjunto nos parece una utópica ciudad renacentista perfecta y matemática, al modo de las que realizaban Il Perugino o Giorgio de Chirico en el arte contemporáneo, donde la perspectiva sirve para acentuar la sensación de confusión y casi hipnosis, que refuerza el acompañamiento musical de la imagen.

Los edificios y el fondo arquitectónico son los elementos integrantes de un paisaje metafísico y trascendental, cargado de un simbolismo onírico.

LA PLAZA Video - animación / Medidas

Ha realizado varias exposiciones colectivas en la Chapelle des Francisçains de Saint Nazaire en Francia, en la Sala de exposiciones del Banco Herrero de Oviedo o en la Galería Texu, entre otras. De manera individual también ha expuesto en la Sala Dasto en Oviedo, en el Centro de Arte Cajastur Teatro Campoamor y en la Galería Octógono de Avilés.

Nos presenta aquí una obra muy especial: en “La plaza” Luis muestra una pieza de videoanimación con la Plaza de la Revolución de La Habana como escenario central y repetido.

El movimiento de cámara, en continuo giro rotatorio, convierte al espectador en una especie

30

in extenso

HOMENAJE A PETER ROEHR

31

Para esta ocasión y en homenaje a Peter Roehr, presentan una pieza, “The End”, que toma de este su interés por lo publicitario y lo televisivo, en especial el apropiacionismo

Fiumfoto

de elementos sonoros y visuales tanto de noticias como de publicidad o programas de televisión que extraía de su contexto y recomponía después, dándoles un sentido nuevo e incluso crítico, con un significado totalmente alejado de su función original.

Las imágenes utilizadas por Fiumfoto, al igual que el procedimiento creativo de Roehr, muestran diferentes fotogramas de películas donde se superponen unos y otros en una aparente aleatoriedad, pero que contienen un profundo sentido en su configuración.

Destacan los primerísimos planos de varios personajes y sus miradas, acompañados de subtítulos con un tono íntimo y entrañable.

Esto nos recuerda también a las creaciones de videoarte que ya trabajaron otros artistas como Bill Viola, cuando planteaba que la manipulación de los elementos audiovisuales es parte del proceso perceptivo humano, al igual que ocurre en nuestro pensamiento, y que su recolocación y reintegración supone un cambio trascendente en la propia obra de video, que se transforma en una obra cargada de un significado simbólico, una experiencia interior y una conexión con el subconsciente. Al igual que Viola, Dara Birnbaum toma elementos audiovisuales propios del mundo de la televisión pero con un sentido más analítico, utilizando sus iconos como un manifiesto de los contenidos sexistas implícitos en muchas películas y anuncios publicitarios, consiguiendo a través de la deconstrucción de

THE END Videocreación / Medidas

Fiumfoto es un colectivo centrado en la videocreación que además comisarían y producen

estos fragmentos unas piezas cargadas de argumentos críticos.

festivales como Arenas Movedizas y el L.E.V Festival (desde el Colectivo Datatrón). Entre Al igual que ellos, Roehr tomaba también la imagen televisiva y cinematográfica como

algunas de sus creaciones podemos destacar “Cabina de transformación 3”, una video-

un elemento más con el que desafiar el propio medio plástico y conseguir un nuevo

creación que ha sido Ganadora del Premio Astragal 2003, su participación en ARCO en su

32

in extenso

inauguración en 2006, la instalación “Biladuna” en Espacio Líquido (Gijón) o “Y entre sus

THE END (DETALLE)

pies y la tierra se abre un abismo”, una exposición individual en la Galería Texu de Oviedo.

Videocreación / Medidas

sentido más trascendental y estético, con un sentido conceptual que derivase en nuevas percepciones por parte del espectador.

HOMENAJE A PETER ROEHR

33

En este homenaje a Peter Roehr, “In extenso”, Isabel nos propone “Tránsitos”, una pieza realizada

Isabel Cuadrado • Oviedo, 1965

con serigrafía sobre papel, encolado a la pared, y lana, donde reflexiona sobre el concepto de seriación. Ella misma argumenta que las series siempre han estado presentes en su vida, en relación a su trabajo en las artes gráficas, pero que, sin embargo, busca con la repetición continuada de un mismo motivo extraer algo particular e individual que adquiera entidad propia

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Además de un gran

y se considere autónomo del objeto madre.

número de exposiciones colectivas (30 Aniversario Frans Masereel Centrum en Bélgica en

TRÁNSITO Serigrafía sobre papel japonés y lana / Dimensiones variables

2003, en la Galería Ángeles Baños en ARTESANTANDER en 2007, o más recientemente

Para ella, la estética del reihung de Roehr se manifiesta en la serie casi bidimensional de pe-

en Arte contemporáneo asturiano en los fondos del Museo de Bellas Artes de Asturias:

queño hilos de lana sobre el papel, que transmiten una sensación de planitud que, no obstante,

Artistas nacidos en las décadas de 1960, 1970 y 1980 en el Museo Barjola de Gijón en

contrasta con los ovillos de lana en donde desembocan, que se encuentran perfectamente

2011), también ha expuesto de manera individual en la Galería Vértice de Oviedo o en

delimitados y generan una sensación de tres dimensiones.

Espacio Líquido en Gijón.

Existe, en estas formas onduladas y lineales de Isabel García, un trasfondo mucho más profundo, yo diría que casi místico, una especie de laberinto donde más que perderse, uno debe encontrar.

El valor decorativo, que adquieren, igualmente, estas formas sinuosas, supone un sentido plástico y visual que nos recuerda al entramado de algunas obras del movimiento Support-Surface de finales de los 60, en los que el color y la forma se convierten en los protagonistas; en este trabajo de Isabel García, por el contrario, sí que existe un sentido más expresivo y con un valor comunicativo, pero en su manifestación plástica, la forma es un elemento protagonista también. La especificidad de la pieza y la materialidad del soporte se combinan para crear una relación dinámica con el espacio; tanto los ovillos de lana como las formas ondulantes mantienen un diálogo entre sí y con el entorno, contrastando el color del propio material con el fondo blanco del espacio.

Esta pieza de Isabel García utiliza la estética del reihung de Roehr con un sentido más plástico y euclidiano, geométrico, laberíntico…combinando una materialidad y color propios, es decir, pura fenomenología perceptiva con un sentido sustancial interno, no sabiendo si el hilo de lana sale del ovillo o es éste quien recoge la hebra de lana.

34

in extenso

HOMENAJE A PETER ROEHR

35

Conceptualmente, están cargadas de un sentido sentimental, siendo la memoria uno de los temas más interesantes en la historia del arte precisamente por su capacidad de constituirnos

Marta Fermín • Oviedo, 1973 / Oliver Montesinos • Oviedo, 1973

como personas o de vaciarnos de significado.

La memoria, que tanto interesó a Dalí, a Bill Viola, o que incluso en la actualidad se ha cargado

Marta Fermín es graduada superior en grabado, técnicas de estampación y edición de arte. Como exposiciones colectivas podemos señalar las realizadas en la Galería Vértice de Oviedo, en la Galería Texu o en el Palacio Revillagigedo de Gijón. Colectivamente, ha expuesto en la Escuela de Arte de Oviedo, en la Galería Remele de Giesen en Alemania o en la Galería Vértice.

de un significado político, tiene en todos los casos, por muy dispares que sean las situaciones,

Oliver Montesinos, licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, ha expuesto colectivamente en la sala Spai de Barcelona, en el Antiguo Instituto de Gijón o en la Galería Alfara de Oviedo. Como artista individual también ha expuesto en la “Casa Duro” de Mieres y albergan obra suya instituciones como Bilboarte, la Galería Texu o la Facultad de Bellas Artes de Salamanca.

Este sentido de la importancia y el valor del

Juntos exponen, en esta ocasión, varias piezas que se inspiran directamente en la versión del reihung de Roehr basada en la memoria y su permanencia.

Todas las obras recogen, en un motivo seriado y repetido, distintos momentos de la creación de estas mismas por ambos artistas en su estudio. La finalidad de estas piezas es mostrar que la función de almacenaje y retención de recuerdos en la memoria puede verse alterada por cualquier cambio, ya sea físico o mental.

el valor de instituir a los pueblos y a las personas, de convertirlas en algo integrado por su pasado y sus recuerdos, o dejar un vacío existencial completo.

recuerdo, del conocimiento de uno mismo y de su pasado, se plasma aquí a través de TÍTULO (DETALLE)

una repetición seriada en varias fotografías,

Técnica / 150 x 150 cm

con los propios artistas como protagonistas de las mismas, ¿buscan descontextualizar y exponer el hecho de haber creado esa teatralidad en cada imagen, o acaso son ellos los que tratan de perpetuarse en el recuerdo de todos los espectadores?

A través de distintos espacios y momentos, los propios artistas retratan escenas diferentes que, repetidas y descontextualizadas, congelan el momento de la ejecución pero quedan vacías de su sentido original, no permitiendo al espectador reconocer uno u otro espacio ambiental.

El resultado material de las obras son imágenes cargadas de un simbolismo casi onírico, donde se confunden unas figuras con otras o incluso generan nuevas siluetas sin forma definida.

36

in extenso

TÍTULO Técnica / 150 x 150 cm

HOMENAJE A PETER ROEHR

37

nextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextens ensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinex xtensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoin nextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextens ensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinex xtensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoin nextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextens ensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinex xtensoinextensinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoin nextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextens HOMENAJE A PETER ROEHR ensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinex xtensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoin nextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextens ensoinextensinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinex xtensoinextensinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoin nextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextens ensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinextensoinex artistas Exposición colectiva en homenaje al artista Peter Roehr (1944/1968) utilizando su término Reihung como planteamiento xt e n s oi ne xt e n i ne xt e n s o s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi n ne xt e n s oi n i ne xt e nconceptual. s o e xt e El n sproyecto oi ne expositivo xt e n s oi xt etítulo n s oi xt e n oi ne xta elaninfluencia s oi ne técnica xt e n que s oielne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s llevane como “in ne Extenso”; ensreferencia término Lanzas Alvarez e n s oi ne xt e n i ne xt e n s o s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n sMaría oi ne xt eMorán n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi Luis ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne x mariaamoran@terra.es www.galeriaoctogono.com/mostrarcuadros.php?id_exposicion=3& id_artista=9 xt e n s oi ne x i ne xt e n sacuñado ot e n spor oielne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi ne xt e n s oi n artista alemán ha tenido en el resto de las manifestaciones artísticas cohetáneas y posteriores, durante luissuarezlanzas@hotmail.com las Segundas Vanguardias e incluso, en el Arte Actual.

Anamaría Briede Westermeyer

Benjamín Menéndez

www.arte.ucv.cl/profesores/briede.htm anamariabriede@gmail.com

www.benjaminmenendez.com s985773250@telefonica.net

En este proyecto expositivo se han seleccionado un conjunto relativo de creativos muy concretos del Arte Actual, que

Encarnación Domingo

César Naves

utilizando unas nuevas formas de expresión y otros instrumentos tecnológicos, presentan desde diferentes enfoques la

www.encarnaciondomingo.es edomingom@gmail.com

noterustas.blogspot.com noterustas@hotmail.com

reiteración como praxis de creatividad, independientemente o no, del resultado formal objetual-material o inmaterial.

Marta Fermín y Oliver Montesinos

Jaime Rguez

www.galeriavertice.com/artistas/marta-fermin marnatal@hotmail.com

www.kaosart.org jaimerguez1968@hotmail.com

Un proyecto comisariado por Jaime Rguez, en homenaje a Peter Roehr © 2010

Fiumfoto

Elisa Torreira

www.fiumfoto.com

www.alfaragrafica.com/artistas.php?id_artista=53 torreira@telecable.es

Angélica García

Javier Valles

www.galeriaamaga.com amaga@galeriaamaga.com

www.nuevasimagenes.com/trabajos/diseno/mundos-de-silencio vallescultura@gmail.com

Isabel Cuadrado

Alberto Valverde

isabelcuadrado.blogspot.com isabelcuadrado35@hotmail.com

www.reinventa.info www.255pixel.com

coordinacion César Menéndez Naves • Jorge Iván Argiz • Jaime Rodríguez

38

in extenso

39 HOMENAJE A PETER ROEHR

Edita Ayto. de Avilés

Coordina Jorge Iván Argiz

Diseno SIGNUM

Imprime Gráficas Covadonga

Deposito Legal AS-0000-2011

I.S.B.N. ES 978-84-15201-35-9

40

in extenso