ANIME MI VECINO TOTORO Una película que ha marcado a todo el mundo
ZONE
Your Name ANIME #1 DE LA HISTORÍA
El Viaje de Chihiro EL VERDADERO Y OSCURO SIGNIFICADO
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ÍNDICE Una Voz Silenciosa
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El Viaje de Chihiro
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Mi vecino Totoro
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El Castillo Vagabundo
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Ponyo
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Nausincaä
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LA PRINCESA MONONOKE
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El Castillo en el Cielo
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Una Voz Silenciosa La nueva pelicula de Studio Ghibli
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Koe no Katachi es una montaña rusa de emociones. Gran animación y diseños, con excelentes interpretaciones en su idioma original. Koe no Katachi es un tremendo viaje emocional, y no enteramente de emociones “bonitas”. Pero esa no es en absoluto una razón para no recomendarla, ¡todo lo contrario! La adaptación del manga de Yoshitoki Oima a un anime de 129 minutos por Naoko Yamada (K-On!) y Kyoto Animation sin duda fue una labor muy complicada, no sólo por la estética y belleza de los trazos de escenarios y personajes, sino por la dificilísima tarea de comprimir una serie de 7 volúmenes. Aunque la hazaña no fue perfecta, resulta en una película indispensable, esta vez tanto para fans de la animación japonesa como para todo cinéfilo que guste de ver buenas historias en la pantalla grande. Una voz silenciosa trata sobre la infancia y adolescencia de Shoya Ishida, un chico a quien le gusta llamar la atención de sus compañeros de
clase hasta las últimas consecuencias, sin importar que eso incluya ofender y maltratar a compañeros… especialmente si tienen alguna capacidad diferente.Lo que pocas veces en la vida real, Ishida se topa con un cambio de circunstancias que lo ponen en el lugar del abusado, por lo que durante el resto de su escuela básica se convierte en un marginado, sin amigos. La chica sorda (Shoko Nishimiya) a quien tanto insulto regresa a su vida, y este ex-Bart Simpson arrepentido, busca su perdón… además de enamorarse eventualmente de ella. La narrativa de este filme no fluye de forma convencional, pero no por ello es ininteligible, aunque en el proceso deja algunos hoyos argumentales.
Tendrás que poner total atención en los saltos de tiempo a lo largo de la película, si no te quieres perder pistas y piezas importantes no sólo en la trama central, sino en la de personajes de soporte. El tema del suicidio definitivamente dista mucho de la polémica 13 Reasons Why de Netflix en tono y resolución, aunque lamentablemente –tras adaptarse del manga– adolece de perder parte de la esencia del mensaje original. Lamentable también (si leyeron el manga) que las historias de personajes secundarios se pierdan o carezcan de profundidad debido al tiempo del filme, aunque quien no conozca la obra original no lo percibirá como un defecto. Por ejemplo, existe un evento mayor en el clímax de la
sions (omitiendo a los actores que doblaron la serie por años). Hay que ser francos: al no haber voces «institucionales» en Koe (no se trata de una saga extensa), su servidor pensaba que no habría mayor problema con verla con doblaje. Estaba mal. El casting se siente fuera de lugar (hay personajes cuya voz no representa su edad) y tratándose de una película tan emocional, las actuaciones se quedan cortas, al grado de restar impacto a la historia. ¿Tendrá que ver que solamente detectamos a Gerardo Ortega y Ángela Villanueva como actores de renombre? No estamos en contra de jóvenes talentos, pero la interpretación de algunos fue pobre.
película que no se explica con claridad, por lo que algunos espectadores quizás se sientan confundidos o se queden con una idea diferente a lo que se explica en el impreso original. PUBLICIDAD koe no katachi 2 Los escenarios foto realistas y los hermosos diseños de personajes son lo más destacable en Una voz silenciosa, manteniendo la calidad en todo momento, sin caer en vicios de animación reciclada o zoom outs con infame “efecto de trazo de niño”. La música es adecuada (especialmente los temas en piano), destacando por supuesto del tema musical principal “Koi wo Shita no wa” de Aiko (que ya forma parte de nuestro playlist musical). Sobre el doblaje, se trata del mismo estudio que realizó la polémica versión en español de Yu-Gi-Oh! The Dark Side of Dimen-
La calificación general de esta película no tiene nada que ver con la versión en español: si tienen oportunidad de verla en japonés con subtítulos (en la mayoría de las salas están ambas opciones), eviten la versión doblada. Nos emociona mucho esta creciente cantidad de buen anime en salas de cine, y más cuando se extienden no sólo a nivel nacional, sino Latinoamérica. Si los distribuidores y creativos detrás de estos estrenos suben y mantienen buen nivel de doblaje, seguramente habrá mayor éxito en taquilla y una propagación de la maravillosa cultura japonesa en nuestro país. No se pierdan Koe no Katachi, y sí: lleven una buena cantidad de pañuelos desechables. 5
EL VIAJE DE
CHIHIRO
El Viaje de Chihiro
El verdadero y oscuro significado de ‘El Viaje de Chihiro’ Algunos creen que descubrieron el significado de “El Viaje de Chihiro”, pero esas teorías no significan nada cuando la realidad es revelada. Es claro que las películas animadas japonesas están mil pasos adelante de las producciones occidentales. Su diferente cultura, tradiciones y manera de ver el mundo ha hecho que generen obras de alto impacto a pesar de estar dirigidas a niños. Studio Ghibli es el mejor ejemplo de esto. Su figura principal, Hayao Miyazaki, ha sido responsable de mezclar historias complejas con inocentes personajes para encantar a las audiencias y hacer críticas sobre distintas problemáticas sociales –elemento que nunca se ve en la animación estadounidense. Entre sus trabajos más reconocidos, “El viaje de Chihiro” ha sido reconocida internacionalmente como una de las historias más fantásticas desde “Las aventuras de Ali6
cia en el país de las maravillas” de Lewis Carroll, y es considerada el punto alto en las creaciones japonesas debido a su increíble historia sobre amistad y encontrar una identidad. Pero detrás de su fachada existen significados oscuros que revelan la genialidad del director y escritor. Te puede interesar: Las mejores películas de Hayao Miyazaki que todo amante del anime ya debió haber visto TOP ARTICLES 1/5 READ MORE 5 lugares que debes visitar para conocer el auténtico Quebec el viaje de chihiro “El viaje de Chihiro” fue lanzada hace más de 15 años y, hace un par, en Internet comenzó a circular una teoría extraña sobre la reconocida cinta. Unos cuantos usuarios afirmaban que la historia hablaba sobre prostitución infantil y que a lo largo del filme se encuentran elementos obvios que lo demuestran. PUBLICIDAD De acuerdo con sus deducciones, la llegada de la protagonista a la casa de baños es su inducción en un prostíbulo, Yubaba (la jefa) es una Madame que compra a la
heroína, Zeniba es una mujer que ya olvidó la vida normal y SinRostro es un cliente enamorado de la pequeña que busca quitarle su virginidad. Bajo ese contexto, la historia parece ser mucho más oscura y con un mensaje antimachista. significado de el viaje de chihiro hayao La teoría tiene lógica al pensarlo de manera superficial, pero Miyazaki no es tan obvio. Aunque es posible que haya sido intencional, el verdadero significado es muy diferente. El director afirmó que utilizó estos elementos para hablar de un problema cultural: el cambio de Japón durante su tiempo de prosperidad económica, hecho que lo convirtió, de ser un país orgulloso de sus tradiciones, en una parte más de un imperio capitalista. La historia comienza con la chica viajando con sus padres hacia un nuevo hogar. Los mayores se detienen en un pequeño restaurante y comienzan a comer como cerdos. De acuerdo con Miyazaki, representan la avaricia inmediata de los japoneses cuando llegó el comercio abierto y libre en los 80. Los individuos no se percatan de su estado y Chihiro tarda en darse cuenta de que su cambio es permanente. La comida infinita simboliza ese sinfín de productos que hacen estúpidos a los humanos y los distraen de sus pensamientos. significado de el viaje de chihiro anime PUBLICIDAD Yubaba, la bruja, está rodeada de elementos de la cultura europea. El escenario en el que se presenta es distinto a cualquier otro de la cinta, los cuales evocan a la época Meiji, cuando la cultura capitalista occidental se apoderaba de Japón lentamente. La decoración Meiji es presentada en gran parte de la película como un elemento melancólico. Por otro lado, la protagonista sirve como un ejemplo generacional; representa a aquellas mentes nacidas posterior a los 80 que miraron las consecuencias del sistema económico, las decisiones de las generaciones pasadas y los errores que cometieron y que aceptan que posiblemente el daño es irreversible. La niña ha sido vista como una representación de las mujeres y su cambio de pensamiento
después de los ataques nucleares en los años 40. significado de el viaje de chihiro animes Cuando Yubaba le quita el nombre a la protagonista y le añade el “sen”, su nombre cambia de significado literalmente a “mil” –la cantidad numérica–. La acción muestra la rápida madurez de la pequeña, quien renuncia a su niñez sin titubear. También revela que una vez que deja atrás los años de inocencia, se convierte en un producto con valor. Miyazaki expresa cómo, debido a los cambios sociales, a las personas se les asigna un precio y si no es alto, es como si no existieran. significado de el viaje de chihiro lago PUBLICIDAD Otro elemento importante dentro del significado es la manera en que Chihiro, desesperadamente, quiere regresar a ser como era antes de su aventura. El director afirmó que es el mismo sentimiento de añoranza que tiene Japón como sociedad. En cierto aspecto, extraña el pasado y quiere traerlo de vuelta, con sus tradiciones, costumbres y su identidad. Debido a su actitud, es tratada con hostilidad en la casa de baños. Sólo SinRostro no la ignora y la sigue. No lo hace por un deseo sexual, sino porque se da cuenta de que la mente de la niña es diferente y él no quiere sentirse vacío. Es una historia de amistad. significado de el viaje de chihiro espiritu El tema principal de la cinta es la identidad nacional de Japón y cómo el país se ha visto afectado y minimizado a lo largo de los años debido a su situación económica. Miyazaki aceptó una conexión con la prostitución, pero dejó claro que lo usó como el ejemplo ideal para hablar del capitalismo. Las pistas son claras y la congruencia de la historia es más contundente. “El viaje de Chihiro” es la prueba perfecta de que la animación asiática siempre estará un paso adelante y, aunque el mundo se pudre en dinero gracias a Estados Unidos, el país nipón aún nos hace soñar con fantásticas historias.
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Mi vecino
Mi vecino Totoro
TOTORO
Mi vecino Totoro, una película que ha marcado Japón y a todo el mundo
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Con el anuncio del parque temático del Studio Ghibli que recreará el mundo de ‘My Neighbor Totoro’ o ‘Mi vecino Totoro’ habrá personas que no conozcan al entrañable personaje y su película que fue dirigida por Hayao Miyazaki en 1988. La película fue elegida como la mejor película de animación en la historia por la revista británica Time Out, también logró colocarse en el lugar número 41 de “The 100 Best Films Of World Cinema”. El personaje, Totoro, ha aparecido en cameos en varias cintas del estudio y otros medios, además forma parte del logotipo del Studio Ghibli. Studio Ghibli Logo El director artístico de ‘Mi vecino Totoro’ fue Kazuo Oga, quien dibujó y diseño al personaje cuando Hayao Miyazaki le dio la oportunidad. De hecho, gracias a esta película la carrera de Oga tuvo una mayor popularidad y prestigio. Hubo discusiones para ver cuál iba a ser la paleta tonalidades, el artista se decantó por colores tenues que recordaban a la prefectura de Akita mientras que Miyazaki quería tonos más cálidos que se ase-
mejaban a la prefectura de Kanto, sin embargo, al final fue una combinación de ambas. De qué trata ‘Mi vecino Totoro’ ‘Mi vecino Totoro’ cuenta la historia de dos niñas, Satsuki y Mei, que se mudan con su padre a una casa que se encuentra cerca del bosque, mientras su madre está recuperándose de tuberculosis en un sanatorio rural, al llegar a su nuevo hogar descubren a unas criaturas llamadas “conejos de polvo o duendes del ojin”. Un día Mei, mientras cortaba flores, se encuentra con dos pequeños seres que la llevarán directo a Totoro o como su padre lo llama, él ‘Rey del bosque’, sin embargo, solamente las personas de corazón puro son las que pueden verlas. Después Satsuki conocería a Totoro, en una escena que pasaría a ser de las más icónicas de toda la película, y al Gatobús. Conforme pasa el tiempo los encuentros con el rey del bosque se hacen más frecuentes, pero un día llega una carta de parte del sanatorio por lo que Satsuki sale corriendo, y debido a los problemas que se han suscitado, Mei se va de la casa por lo que su hermana va a buscarla, pero al no encontrarla recurrirá a pedir ayuda a Totoro para hacer que regrese sana y salva. Totoro ¿Es Totoro un Shinigami? Esta grandiosa producción, también
cuenta con sus clásicas leyendas urbanas, las cuales podrían arruinar la imagen del personaje para varios. Hay una que es la más prominente de todas, en la cual se dice que Totoro es el Dios de la Muerte o un Shinigami, dicha teoría proviene del sitio web cherrypistoru (vía website fellowof). La leyenda cuenta que las personas que pueden ver a Totoro es debido a que ya se encuentran cerca de la muerte o ya están muertas, por lo que cuando encuentran la sandalia de Mei en el estanque es debido a que ella realmente se ha ahogado. Pero Satsuki no es capaz de enfrentar la verdad y es por eso que miente cuando le preguntan si esa sandalia es de su hermana. Satsuki desesperada corre en busca de Totoro y al llamarlo en realidad está abriendo la puerta al reino de los muertos, gracias a él encuentran a su hermana muerta y ambas van al hospital donde está su madre, la cual es la única que se da cuenta que las dos niñas se encuentran ahí debido a que pronto morirá también. Sin embargo, dicha teoría no termina ahí, hay un caso llamado El Incidente Sayama o Sayama Incident, en el aparecieron dos hermanas muertas, la historia cuenta que una de las chicas vio una aparición de un gato antes de suicidarse, pero la conexión que hay no es del todo correcta. Tiempo después el Byoukan Domingo señalo que el Studio Ghibli desmintió estas teorías comentando que ninguna es verdad y que Totoro no es el Dios de la muerte o que Mei está muerta. Algunas curiosidades de Mi vecino Totoro Entre algunas curiosidades, algunas que no han podido ser confirmadas, podremos encontrar que la película es autobiográfica, debido a que Hayao Miyazaki vivió una experiencia similar a la de la película cuando era niño. Otra curiosidad es que originalmente Satsuki era la suma de dos personalidades, pero después se añadiría a Mei para darle más fuerza al film. Además los nombres de las protagonistas juegan con la lingüística del
mes de mayo, Satsuki es la pronunciación tradicional y Mai es la lectura japonesa del mes en su origen inglés. Originalmente “Mi vecino Totoro” se emitía junto a “La tumba de las luciérnagas” debido a que se creía que el film no funcionaría y la película no obtendría ganancias sino hasta dos años después de su estreno con la distribución del merchandising. Totoro proviene de la pronunciación errónea de Mei “Tororu” (duende en japonés). Mi Vecino Totoro Sí Pixar ha sido influido por Studio Ghibli y Mi vecino Totoro Las películas del Studio Ghibli tienen muchos fanáticos alrededor del mundo y el director creativo de Pixar, John Lasseter, es uno de ellos y que mejor manera de demostrarlo que rendir un pequeño homenaje a Hayao Miyazaki durante una aparición especial en la inauguración del Festival Internacional de Cine de Tokio. Lasseter comenta que cada vez que necesitan inspiración ponen alguna secuencia de las películas de Miyazaki. El equipo de Lasseter recibió la visita de un grupo de animadores de un estudio con sede en Tokio, llamado TMS donde tendrían una reunión con Miyazaki quien les mostraría un breve clip de The Castle of Cagliostro con el cual Lasseter quedaría impresionado debido a que sentía que era la primera película de animación hecha para entretener a todas las edades, inspirando así al director y hacerlo decir que eso es lo que deseaba crear. Fue tanta su inspiración que se quedó con una copia de la película e insistió en ponérsela a su esposa, comentando que la conquistó con la primera película de Miyazaki. Lasseter también supervisó los primeros doblajes al inglés de Ghibli, pero no podía dejar su amor por el estudio atrás y en Toy Story 3, Pixar realizó un pequeño guiño a Totoro con uno de los juguetes de Molly. Pixar La marca la dejó en la cultura japonesa Ghibli tiene muchos éxitos y logros, debido a que tiene una forma muy especial de plasmar sus ideas y creencias, además de ofrecer historias muy emotivas y en ocasiones muy apegadas a la realidad, este tipo de tendencia lo podemos ver reflejado en muchas películas y animes actuales. En la actualidad podremos ver mucho merchandising de Totoro en Japón, mochilas, peluches y hasta medias, y eso sin contar los productos oficiales que se venden en la tienda del estudio.
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El castillo Vagabundo
El Castillo Vagabundo
El castillo vagabundo’, otra maravilla de Hayao Miyazaki.
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La última película de animación de Hayao Miyazaki que, a pesar de tratarse de dibujos animados, no es en absoluto una película para niños, llega a nuestro país con casi dos años de retraso. Aunque data de 2004, se estrenará aquí el 3 de marzo de 2006. También a los Oscar llega tarde, lo cual es una pena porque otro año la habría apoyado fervientemente, pero me cuesta elegir si compite contra ‘La novia cadáver’ y ‘Wallace y Gromit’. ‘El castillo ambulante de Howl’ (Hauru no ugoku shiro) sigue la línea de
otras producciones del Estudio Ghibli, como ‘El viaje de Chihiro’ que le valió un Oscar al ilustrador, o ‘Laputa: El castillo en el cielo’. Con ésta última tiene muchos puntos en común, pues se trata de un castillo que, en lugar de volar, esta vez, camina. Es una película llena de fantasía desbordante y de temas recurrentes en Miyazaki, como los fantasmas y los personajes que no se sabe si son buenos o malos. Hay momentos maravillosos, escenas increíbles, personajes muy entrañables, de entre los que el espantapájaros mudo (en la parte central del cartel) quizá sea el más simpático. La inocencia y capacidad de sentir sorpresa e ilusión de Sophie, la niña protagonista, su relación con los demás seres, como el demonio del fuego, la vieja bruja o el propio Howl (en la parte alta del cartel), un personaje lleno de matices, son otros de los logros del filme. Y…
¿qué decir de los dibujos? La estética es de cuento, fascinante, los colores son suaves y variados en la ciudad y el campo, y oscuros y tétricos en otras partes donde rugen las batallas y la devastación. Miyazaki es un indudable genio para crear ambientes y cualquiera que haya visto ya alguna de sus películas sabrá de lo que estoy hablando. Lo más sensacional es un hallazgo de imaginación insuperable que consiste en que, según se gira una rueda de cuatro colores que hay en la puerta del castillo, al abrirla se encuentran en un lugar o en otro del mundo. ¿A quién no le gustaría hacer eso en su propia casa? La agilidad del castillo en sí, que es como un ser vivo más, las imágenes de semejante armatoste moviéndose por las montañas (en la parte baja del cartel), o su capacidad para transformarse por dentro y convertirse, en un momento concreto, en la casa donde vivía antes Sophie, son también conceptos geniales. Por culpa quizá de aglutinar tantas visiones de ensueño, ‘El castillo ambulante’ se le va ligeramente de las manos a Miyazaki. Suele ocurrirle a este autor que las películas se le desarman y pierden un poco la cohesión hacia el final. Las conclusiones se alargan, los filmes acaban varias veces y cuesta entender cómo terminan. Aquí ocurre más aún que en sus anteriores animes. El visionado se hace un poco largo y pesado hacia la última parte. Es posible que el japonés se recree demasiado en sus personajes y en sus universos, y todo lo plantee de forma tan pausada, que la acumulación de tanta lentitud se note hacia el final con una sensación de cansancio en el espectador. También puede deberse a que no sepa bien cómo terminar unas historias
tan complicadas y fantásticas. O puede tratarse de una simple diferencia cultural: que en occidente seamos más cerrados y cuadrados y, por lo tanto, nos resulte difícil comprender lo que para los japoneses es evidente. Pues, aunque el filme está basado en la novela de la escritora británica Diana Wynne Jones, probablemente Miyazaki ha transformado todos los elementos a su gusto. La prueba está en que, como ya he apuntado, vemos en esta película ingredientes comunes con muchas otras del autor. Lo que está claro es que aquí no tenemos la imaginería y la tradición fantástica tan rica que tienen en oriente. Las historias de espíritus, seres que se transforman, movimientos de energía, son allí la sal común de todos los días, mientras aquí nos siguen sorprendiendo. Gracias al cine, los manga y la literatura, las culturas se mezclan y se intercambian y ahora podemos acceder a esos mundos maravillosos que hasta hace poco eran desconocidos para nosotros.
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LA PRINCESA MONONOKE
Mucho más que una simple película de animacion
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ste mes traemos a colación “La Princesa Mononoke” (1997), una película japonesa de animación que trata sobre temas bastante complejos. Y lo hacemos porque uno de los aspectos principales que trata es la cada vez más complicada relación entre el ser humano y la Naturaleza. Su autor, el cineasta nipón Hayao Miyazaki sitúa la acción en el Japón de entre los siglos XIII y XIV, azotado por las guerras entre distintos jefes feudales y en los que todavía imperaban los grandes bosques primigenios. A través del protagonista principal Ashitaka, el príncipe templado y pacífico de una antigua tribu casi extinguida que se ve forzado a partir a la parte occidental del país y adentrarse en las profundidades de su bosque, conocemos la existencia de las fuerzas de la Naturaleza, representada por los diferentes
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dioses del bosque que la protegen, y la ambición de los seres humanos por destruir dicho bosque y a sus habitantes para explotar sus recursos minerales (en este caso, el hierro). El odio se apodera de todas las partes implicada y la guerra entre unos y otros se antoja inminente. Ashitaka hará lo posible por evitarla mientras persigue su propio objetivo, que no desvelaremos y que está íntimamente ligado a este conflicto. Por lo tanto, tenemos las guerras entre los seres humanos, por un lado, y la guerra del hombre contra la Naturaleza, por el otro. Y en medio, todo un mundo encantado de dioses y legendarias criaturas. ashitaka Ashitaka, a lomos de su fiel ciervo rojo Yakkul. Miyazaki deja aflorar a través de una preciosa animación y una banda sonora fantástica un claro mensaje ecologista que discretamente nos traslada la necesidad de detener el frenético ritmo actual de degradación del Medio Ambiente y de explotación de nuestros recursos naturales si de verdad quere-
LA PRINCESA
MONONOKE mos tener un futuro a medio y largo plazo. Un equilibrio y armonía entre la civilización humana y Naturaleza es posible y todos debemos reflexionar sobre ello. De hecho, en algún momento el ser humano convivió en paz con su medio natural y todavía hoy mucha gente lo hace o está comprometida por conseguirlo. A modo informativo, sepamos que para la recreación de los bellísimos paisajes naturales de la película se tomaron como modelo bosques actuales japoneses calificados hoy día como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. shishi_gami Shishi Gami, el Espíritu del Bosque. En cualquier caso, “La Princesa Mononoke” no es la clásica película con marcados buenos y malos. No todo es blanco o negro sino que son muchos los matices que modelan a los principales protagonistas. Además, el film también aborda cuestiones de indudable interés didáctico para el debate en clase como el valor de la lealtad y la amistad o la inutilidad y lo pernicioso de la gue-
rra, el odio, la violencia y la sed de venganza. Pero también se toca de forma bastante directa temas tan de actualidad como la igualdad entre hombres y mujeres o la situación de colectivos desfavorecidos de la sociedad. Sobre estos asuntos y muchos más de “La Princesa Mononoke” esperamos que compartáis vuestras reflexiones y críticas constructivas en clase, por lo que os invitamos a que veáis esta compleja película -no recomendada para menores de 7 años, aunque bien podrían ser unos pocos más-. 13
Ponyo en el acantilado
El encanto de la niña pez ‘Ponyo en el acantilado’, el encanto de la niña pez Hayao Miyazaki dirige ‘Ponyo en el acantilado’ (‘Gake no ue no Ponyo’, 2008), un film de animación tradicional en el que Sosuke, un niño que vive con su madre en una casa de un acantilado, encuentra a un pez rojo, con cara de niña, a quien pone el nombre de Ponyo. Ponyo tiene poderes mágicos, así que las ancianas del asilo en el que trabaja la madre de Sosuke se alegran de verla, pero una de ellas teme que provoque un tsunami, pues eso presagia la tradición sobre los peces con cara. A pesar de la advertencia, Sosuke decide quedarse con ella. A diferencia de otras películas del japonés, ‘Ponyo en el acantilado’ sólo tiene la intención de enternecernos y de hacernos disfrutar. Por ese motivo, no presenta conflictos graves, sino que, muy al contrario, el devenir
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de los hechos se desarrolla sin apenas importunar a los protagonistas, quienes rápidamente encuentran soluciones para lo que está ocurriendo. Todo esto que, en otros film sería una carencia, en la presente es perfectamente válido, pues lo único que queremos mientras vemos la película es ver a Ponyo y sentirnos bien con los maravillosos dibujos que estamos contemplando. Por este motivo, se trata de una película que gustará a quienes tengan un espíritu capaz de emocionarse con las cosas lindas y de disfrutar como en la niñez. Cuando se dice que un film es infantil o juvenil, se suele hacer alusión a historias tontas, poco trabajadas y con contenido insuficiente, pero en este caso no es para exigir menos en cuanto al argumento para lo que tenemos que retrotraernos a la infancia, sino para ser capaces de vivir en una emoción constante, dejándonos llevar por la preciosidad de Ponyo. Pero esto también significa que es la película de Miyazaki que con más comodidad podrían ver los niños y niñas, pues es la que tiene una
progresión de los acontecimientos más ordenada y más clara. Las intenciones del autor de crear nada más que ternura se demuestran sin disimulo en esa canción final semejante a los karaokes que incluyen todas las series de anime. Eso no significa que no existan, como en todas las películas de Miyazaki padre, momentos que nos dejan con el ceño fruncido de extrañeza. Me refiero a esas escenas que de repente parecen inexplicables o que se ven como una salida de tono. Lo curioso es que la secuencia que más sorprende en este sentido –la escena sobre un bebé lactante y sus padres que aparece en la imagen superior— fue añadida a posteriori por el autor con la intención de hacer ver que la protagonista era capaz de comportarse en sociedad y de pensar en los demás. Mantiene Miyazaki esa imaginación desbordada –y en este film el término se aplica incluso literalmente— que suele mostrar en otros films. Los componentes oníricos que siempre le acompañan están aquí presentes creando, de nuevo, sueños más bellos que los que nuestra mente jamás nos pueda proporcionar. Los juegos visuales que le permiten estos despliegues del subconsciente, como la diosa de los mares, las olas creadas con bancos de peces o las hermanitas de Ponyo, son increíblemente arrebatadores. El estilo del dibujo y la suavidad de la animación convencional
completan el milagro. Las mitologías que confluyen en la historia de Ponyo son varias, aunque la más clara es la de las sirenas y Poseidón. En el inicio de la película, la trama central presenta similitudes con el manga de Osamu Tezuka, ‘Tritón’, que también echa mano de la figura de las sirenas y los tritones y del antagonista rey de los mares, para crear una historia ecologista y llena de momentos apasionantes. Ponyo presenta varios estados diferentes: pez con cara, anfibia y niña. En todos ellos, es un personaje con un inmenso encanto y una forma de comportarse simpática y traviesa. El personaje que más destaca por detrás de Ponyo es el de la madre de Sosuke, una mujer de armas tomar,
que conduce su coche como Takuma Sato y que se comporta con toda la naturalidad cuando su hijo le dice lindezas como: “había una niña corriendo encima de las olas”. La escena en la que hace Morse a su marido, marino, para regañarle por no venir a pasar la noche es inmensa, así como aquella en la que le comunica por radio que están en casa “Sosuke, Ponyo y yo”, como si el hombre conociese de sobra a la pequeña invitada. Ponyo niña Como se ha podido apreciar, esta crítica es una visión encendida y muy poco objetiva sobre una película que me ha emocionado sobremanera. Es posible que los fans de Miyazaki más adultos e intelectuales consideren ‘Ponyo’ una obra inferior a otras más oscuras, pero si yo me quedo únicamente con los sentimientos que me ha producido, tendría que decir que es la mejor, aunque sepa que existen algunas más adultas, rompedoras y susceptibles de ser llamadas obras maestras.
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Nausincaä del Valle del Viento Nausincaä del Valle del Viento
Critica de la película de Hayao Miyazaki La relación del hombre con la naturaleza, el miedo irracional ante lo desconocido y el odio hacia lo nuevo son algunas cosas que se muestran en Nausicaä del Valle del Viento. Argumento: Mil años han pasado desde la catástrofe nuclear conocida como los Siete Días de Fuego durante los cuales la mayor parte de la vida fue destruida. Los supervivientes del desastre viven con miedo debido al crecimiento de una selva en cuyo interior habitan enormes insectos y plantas que emanan esporas venenosas que podría matarles en unos pocos minutos. Lejos de dicho lugar existe un pacífico reino conocido como el Valle del Viento cuya localización les permite vivir libres de las esporas venenosas de las plantas. Allí viva Nausicaä, una princesa joven y valiente que ve cómo su reino cae presa de la guerra cuando una nave del reino de Tolmekia se estrella. Y es que los gobernantes de dicho lugar quieren encontrar un arma nacida de los Siete Días de Fuego para destruir la selva. Nausicaä tendrá que luchar para pararles los pies de inmediato. Finalizamos nuestro ciclo de películas clásicas del anime con una cinta que nunca pasará de moda debido a todos los temas que toca. Hablamos de Nausicaä del Valle del Viento (Kaze no Tani no Nausicaä), largometraje dirigido por Hayao Miyazaki. El filme se estrenó el 11 de marzo de 1984, antes de que el Studio Ghibli fuera fundado, 16
aunque siempre se le ha considerado como el primer proyecto de dicho estudio. Un proyecto que logró una gran acogida tanto de crítica como de público. Dos años antes del estreno, en febrero de 1982, Miyazaki lanzó el primer episodio del manga Nausicaä del Valle del Viento, el cual llegó a su fin en marzo de 1994. La base de la trama es la misma que la de la película, pero en esta ocasión hay algunos cambios para mostrar algunos sucesos y tramas diferentes y que hacen que el lector tenga una visión más amplia de lo que está sucediendo. Asimismo, el mundo de los videojuegos también se dejó cautivar por Nausicaä del Valle del Viento. El primero do de los tres juegos de la franquicia, todos desarrollados por Technopolis Soft y Tokuma Shoten, es un shoot ‘em up para NEC PC-6001 titulado Naushika Kiki Ippatsu or Nausicaä Kiki Ippatsu. Kaze no Tani no Nausicaä vio la luz para NEC PC-8801 y, finalmente, Wasure ji no Nausicaä Game, para MSX, es el más conocido de todos. Naturaleza, ¿amiga o enemiga? Nausicaä del Valle del Viento es una oda a la naturaleza y a todo lo bueno que puede venir de ella. Bien es cierto que en la película, al principio, se nos muestra a una naturaleza muy agresiva con el ser humano, pero si observamos un poco más podemos caer en la conclusión de que en la Tierra también debe haber otro tipo de vida más allá de la humana y que dicha vida debe abrirse paso como sea. Asimismo, a medida que avanza la historia vamos comprendiendo mucho más el porqué ese lugar es como es y que nunca
debería desaparecer de ahí por mucho que le moleste a la gente de Tolmekia. Nausicaä del Valle del Viento La protagonista, Nausicaä, es quien nos guía en esta historia donde se nos muestra que ni los buenos son tan buenos ni los malos tan malos. Junto a ella vemos las bondades de un mundo post-apocalíptico y en el que el ser humano ha tenido que adaptarse durante los últimos mil años. Ella bien podría ser la abanderada de la cordura y la razón en esta historia, pues otro de los puntos clave que muestra Nausicaä del Valle del Viento es el miedo irracional del ser humano hacia aquello que desconoce, queriendo destruirlo por completo antes de conocerlo y comprenderlo por completo. Al venir directamente de un manga en el que la trama es mucho más extensa y en el que se muestran varios puntos de vista para conocer la historia, la película se deja muchas cosas en el tintero, pero eso no impide que se pueda disfrutar de principio a fin. Miyazaki sabe perfectamente qué quiere mostrar en pantalla y cómo hacerlo, ofreciendo una narración directa y fácil de seguir para todo tipo de público que quiera conocer la historia de Nausicaä. Nausicaä del Valle del Viento En lo que respecta a la animación, esta está un punto por debajo de otras historias de Miyazaki, pues, tal y como hemos mencionado, Nausicaä del Valle del Viento se creó antes de que el Studio Ghibli fuera fundando oficialmente. No obstante, el colorido mundo que nos presenta el director rezuma vida a través de la pantalla, además de que la fluidez de los movimientos de los personajes, en especial cuando Nausicaä se encuentra vo-
lando, es realmente sorprendente. Joe Hisaishi es quien firma una banda sonora que consigue meternos en situación en todo momento, intercalando melodías más épicas para los momentos de lucha como temas mucho más melancólicos y directos para esas escenas que logran llegar al corazón. Dichas melodías beben de los estándares musicales de la década de los ochenta, por lo que también encontramos temas con toques electrónicos y movidos. Nausicaä del Valle del Viento En España, Nausicaä del Valle del Viento contó con dos doblajes. En el primero se cambiaron el nombre a algunos personajes, como a la propia protagonista, la cual pasó de llamarse Nausicaä a Sandra. Posteriormente, para la versión sin censura que vio la luz tiempo después se realizó un nuevo doblaje que respetaba los nombres originales. Posteriormente, en junio de 2010 se puso a la venta en formato DVD y dos años después lo hizo en Blu-ray. En mayo de 2014 se relanzó de nuevo la película tanto en DVD como en Blu-ray en una Edición Deluxe que incluye un libreto con información sobre la cinta. Dicha Edición Deluxe recibirá una segunda edición en noviembre de este año. Por último, pero no menos importante, Planeta Cómic nos traje en octubre de 2013 la edición integral de Nausicaä del Valle del Viento en la que se recoge la historia completa en dos volúmenes de edición especial, limitada y numerada. Su precio es de 99€. Nausicaä del Valle del Viento Todavía nos quedan muchas otras por disfrutar en nuestro ciclo de clásicos del anime.
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n filme recomienda sobre una serie de intensas nubes, se desplaza una isla flotante que es atacada por un grupo de piratas; el objetivo de éstos es localizar a una joven llamada Sheeta. El bullicio de la persecución no provoca más que el escape de la joven, que termina cayendo de la aeronave y se hunde en el vacío hacia el suelo. Sin embargo, ella no termina estrellándose contra la tierra debido a que, sobre su cuello, lleva una misteriosa piedra mágica que emite una intensa luz azul y la ayuda a levitar delicadamente. Al encontrarse en el plano terrenal, Sheeta conoce a un joven humilde y astuto, llamado Pazu, quien la ayuda a descifrar el secreto de la piedra mágica, al mismo tiempo que intentan escapar de todos aquellos que desean apoderarse del objeto. En 1984, Studio Ghibli –la casa que pron-
to convertiría a Hayao Miyazaki en un prestigioso exponente de la animación japonesa en todo el mundo– todavía no se había establecido bajo ese nombre pero ya había desarrollado Nausicaä: Guerreros del viento, una propuesta de ciencia ficción postapocalíptica llena de criaturas fantásticas, aviones estilizados y asombrosos diseños arquitectónicos, había sido un éxito crítico y financiero ese mismo año, y Miyazaki buscaba una idea que pudiera servir como un seguimiento digno. El director realizó un viaje a un pueblo minero en Gales; ahí vio, de primera mano, los últimos días de una industria
EL CASTILLO EN EL CIELO El Castillo en el Cielo
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moribunda, y del efecto que tuvo su colapso en la aldea y sus habitantes. La expedición al país europeo le proporcionó la inspiración suficiente para crear El castillo en el cielo (1986), en sentido estricto, el primer título en nacer bajo la etiqueta de Ghibli. El filme es una historia de aventuras, con pinceladas de las fábulas clásicas y elementos de ciencia ficción steampunk, que se desarrolla en un lugar a medio camino entre la tierra y el cielo. Al interior de este detallado mundo de fantasía (que incluye una oscura ciudad minera de principios del siglo XX, deslumbrantes máquinas humanoides
y bicicletas espaciales futuristas de colores llamativos) se presentan todos los temas que Miyazaki ha explorado a lo largo de los años. Desde sus preocupaciones ambientales hasta los mundos fantásticos, pasando por personajes jóvenes, ingenuos, valientes y emprendedores que buscan nuevas maneras de resolver conflictos, al mismo tiempo que utilizan la creatividad y la imaginación como principales aliados. El aire y las nubes son elementos cruciales que emplea el director para reflexionar, en un tono melancólico y sutil, sobre la guerra, la paz, la muerte, la vida, el sacrificio, la amistad, (tal vez) el amor y la naturaleza. Apreciar los primeros pasos de Ghibli permite redescubrir las intenciones iniciales de Miyazaki: navegar por las nubes es el camino indicado para llegar a la cumbre.
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