Tacres'10 by ivet torra serra

JUGAR-SE LA VIDA

TALLER DE CREACIÓ A CÀRREC DE DAVID BESTUÉ I MARC VIVES NAUESTRUCH 2010

4/ Introducció 6/ Jugar-se la vida al naixement de Nauestruch 8/ Jugar-se la vida: L’acció com a límit i el límit com a anacronisme

10/ JUGAR-SE LA VIDA, EL TALLER

12/ PROGRAMA Dotze propostes per al teatre

eNTREVISTES 16/ Alejandra Mizrahi 20/ Alex Reynolds 22/ Ana Garcia-Pineda 24/ Anibal Parada 26/ Daniel Jacoby 28/ Dario Reina 30/ David F. Mutiloa 33/ Gerard Ortín 36/ Helena Kotnik 38/ Laia Pineda-Iglesias 40/ Rasmus G. Nilausen 44/ Tamara Kuselman 47/ Xavier Ristol

50/ Ponències Andrés Jaque Agustín Fernández Mallo Nacho Vigalondo

52/ Recull d’imatges

T N

JUGAR-SE LA VIDA

TALLER DE CREACIÓ A CÀRREC DE DAVID BESTUÉ I MARC VIVES NAUESTRUCH 2010

INTRODUCCIÓ

INTRODUCCIÓ El Museu d’Art de Sabadell i l’Escola Illa iniciaren conjuntament, l’any 2001, els primers pensaments d’un “taller de creació” a la ciutat de Sabadell, que es faria a la Nau del carrer de Cellers, regentada en aquell moment pel Museu d’Art. El taller, d’una periodicitat anual i d’una durada de tres mesos, va sorgir en un principi com un complement a la formació que es donava als tallers d’art de l’Escola Illa, especialment per l’alumnat que ja havia fet quatre anys de formació al centre, però la iniciativa també volia incloure estudiants d’art de tota mena d’origen i condició curricular. La qualitat i la implicació dels artistes convidats que han tutoritzat el Taller de Creació aquests anys ha generat una dinàmica de treball positiva per a la ciutat. El fet de poder treballar sota la tutoria d’un autor en actiu i amb una trajectòria artística i professional destacada ha estat un reclam important a l’hora d’obrir-se com a alternativa als cursos més acadèmics, tant de l’Escola Illa, com d’altres escoles d’art del territori. El primer Taller de Creació es va iniciar l’any 2002 amb el pintor Joan Hernández Pijuan. Després vingueren els d’en Pep

Duran, Yamandú Canosa, Mireia Massó (taller que no es va poder realitzar per un canvi de dates que va perjudicar la matrícula), Ramiro Fernández Saus, Isidre Manils, Sabinne Finkenauer, Francesc Ruiz i David Bestué i Marc Vives. Totes han estat experiències valuoses que han reforçat els coneixements dels participants en l’activitat “professional” de la pràctica artística. Podem dir que aquest encreuament de sinergies ha donat lloc a una generació d’artistes novells a la ciutat i a la comarca, que han crescut gràcies a aquesta iniciativa. El curs 2007-08 el taller canvià de seu i passà del barri de Gràcia a formar part de l’equipament cultural de la Nau Sud del Centre de Creació de l’Estruch. Com a conseqüència d’aquest canvi, s’incorporen millores tant en l’equipament com en el format: tallers equipats, aparells de noves tecnologies a l’abast, una sala d’exposicions, així com les conferències organitzades a l’entorn del taller... La proximitat amb altres disciplines de la creació contemporània (dansa, teatre, música, arts escèniques) ha dotat el taller d’un nou context molt enriquidor dins el marc del centre de creació.

El recull digital Tacres ha estat una nova iniciativa que es va incorporar en el taller impartit per Francesc Ruiz. Tacres és una publicació digital dissenyada per alumnat de l’Escola Illa, en conveni de pràctiques professionals (FCT) i tutoritzats per un professor o per una professora del centre. En aquesta edició, el Tacres 02, recull les activitats que s’han dut a terme al taller de creació de David Bestué i Marc Vives, i creiem que és una eina eficaç per poder conformar i fixar un extraordinari recorregut, que any rere any va creixent amb renovada il·lusió. Escola Illa

JUGAR-SE LA VIDA AL NAIXEMENT DE NAUESTRUCH

JUGAR-SE LA VIDA AL NAIXEMENT DE NAUESTRUCH “Jugar-se la vida”, de David Bestué i Marc Vives, ha estat el primer taller Tacres de col·laboració amb Escola Illa dins ja de la nova etapa de NauEstruch com a Espai per a les Pràctiques Performàtiques. Des de gener de 2010, NauEstruch es planteja com un espai de trobada interdisciplinària per a als creadors interessats en les possibilitats operatives de la performance com àmbit d’investigació artística i de la performativitat com a metodologia social. La voluntat de començar aquesta nova etapa de la ma de David Bestué i de Marc Vives no es atzarosa. Bestué-Vives representan, actualment al nostre país, el més alt grau d’optimització i excel·lència dels recursos performàtics dins de l’art. En definitiva, un cas exemplar del potencial transgressor i disruptiu de l’acció aplicat al marc de les arts visuals. David Bestué i Marc Vives gaudeixen d’un notori prestigi dins l’àmbit de les arts visuals contemporànies al nostre país i, entre molts altres projectes desenvolupats durant una dècada, han exposat el seu treball als principals centres d’art del nostre país i a la Bienal de Venècia.

El fet de que Bestué-Vives acceptessin la invitació de realitzar el seu primer taller com a directors a Sabadell i a NauEstruch va ser la millor inauguració possible de l’espai com a un nou laboratori d’arts visuals especialitzat en les practiques performàtiques, un projecte únic a Catalunya i a l’estat espanyol. Per a mes, la naturalesa consubstancialment transgressora dels treball de Bestué-Vives es sinònima a la d’un projecte naixent com el de NauEstruch, en el qual la voluntat de recerca i posada en pràctica d’un model propi d’investigació i producció cultural contemporània es objectiu principal. Bestué-Vives van triar la categoria del límit com a eix temàtic del seu taller, el qual es va titular, de manera homònima a una de les seves accions, “Jugar-se la vida (L’acció com a límit i el límit com a anacronisme)”. Els artistes van plantejar el seu taller a NauEstruch com un exercici d’intensitat extrema. Un taller que va reflexionar, com deia la introducció al mateix, al voltant de la idea de límit, entès com a anacronisme, i a la necessitat de traspassarlos. Les sessions van abordar la qüestió des de diverses òptiques, des de les arts visuals, la música, el cinema, el teatre, la

pornografia o l’arquitectura i va comptar amb la col·laboració de diversos convidats especials. La presència al taller i a Sabadell de l’escriptor Agustín Fernandez Mallo, del cineasta Nacho Vigalondo o de l’arquitecte Andrés Jaque va permetre conèixer de primera ma les inquietuds i les reflexions d’aquests creadors al respecte del seu treball i de la idea de límit. Com no podia ser d’una altre manera, tenint em compte la excel·lència dels seus directors i el prestigi dels convidats, “Jugarse la vida” va ser un èxit de convocatòria i va crear un ampli grup de treball, dins del qual hi era amb una bona part d’alguns dels artistes visuals emergents mes prometedors a la Catalunya dels nostres dies. Com a projecte de taller, Bestué-Vives van proposar als artistes participants de dur a terme una peça escènica pel teatre de l’Estruch. L’esdeveniment es va titular “Dotze Propostes Pel Teatre” i va representar, per a la gran part d’ells, la oportunitat d’investigar amb un canvi de format en el seu treball. En definitiva, el taller “Jugar-se la vida” de David Bestué i Marc Vives va portar a l’Estruch i a Sabadell la experiència de

dos dels artistes més rellevants i disruptius del context artístic contemporani al nostre país i va possibilitar que una comunitat d’artistes emergents reflexionessin sobre el seu propi treball i els seus límits. Una tasca a la qual NauEstruch es deu i pretén continuar desenvolupant en el futur. Oscar Abril Ascaso, Curador de NauEstruch.

JUGAR-SE LA VIDA

JUGAR-SE LA VIDA: L’ACCIÓ COM A LÍMIT I EL LÍMIT COM A ANACRONISME Biografia dels artistes David Bestué (Barcelona, 1980) i Marc Vives (Barcelona, 1978) treballen junts desde l’any 2001. Des d’aleshores han realitzat un treball genèric anomentat Acciones, que comprèn quatre capítols: “Acciones en Mataró” (2002), “Acciones en casa” (2005), “Acciones en el cuerpo” (2006) i “Acciones en el universo” (2008); en aquests i altres treballs com “Historia del Alacrán enamorado”, “la Confirmación” o “Proteo” experimenten en diferents formats i investiguen la relació que hi ha entre allò mental i allò físic, entre el que es pensa i el que s’acaba fent. En aquesta tensió es on radica el seu interès, una tensió que acaba prenent una forma performàtica, mitjançant l’acció o, fins i tot, estructures mes teatrals. El seu treball es representat per la Galeria Estrany de la Mota a Barcelona i Maribel LopezGallery a Berlin. Han exposat al MNCARS, MUSAC, Centre d’Art Santa Mónica i CA2M, entre d’altres. Internacionalment es podria destacar el seu últim treball exposat a Fare Mondi, l’exposició central de la 53º Bienal de Venecia.

“L’acció com a limit i el límit com a anacronisme” a la Nau Sud de L’Estruch a Sabadell, és el primer taller que imparteixen David Bestué i Marc Vives dins la seva trajectòría artística. Plantejament del taller David Bestué i Marc Vives van plantejar el seu taller a l’Estruch com un exercici d’intensitat extrema. En aquest sentit, el taller va reflexionarar al voltant de la idea que avui treballar els límits (de la representació i de la moral) s’ha tornat un anacronisme però alhora transitar-los i tendir-hi és una activitat d’exigencia constant i rica en conclusions. Desenvolupament del taller Per desenvolupar aquestes objectiu, el taller es va articular en base a partir de dues línies d’actuació paral·leles durant tres mesos: Primer, la producció en règim de residència a Nau Sud dels diversos projectes sel. leccionats de la convocatòria per part dels seus responsables. David Bestué i Marc Vives van tutoritzar el procés de producció dels projectes en residència.

La Nau Sud de L’Estruch va oferir taller d’artista, buc d’assaig, medialab informàtic i audiovisual o oficina per a la producció dels projectes seleccionats des de l’11 de gener fins al 16 d’abril.

El cicle de sessions ca comptar, igualment, amb la aportació de diversos especialistes convidats; el cineasta Nacho Vigalondo, l’escriptor Agustín Fernández Mallo o l’arquitecte Andrés Jaque.

Paral·lelament, el taller es va complementar amb un cicle de sessions de debat en què Marc Vives i David Bestué van abordar la reflexió a l’entorn del tema del límit des d’una òptica diferent cada setmana.

Objectiu del taller Durant el període de producció dels seus respectius projectes, els seleccionats van preparar la seva participació en un esdeveniment de presentació de projectes que va coincidir amb la conclusió del taller de tres mesos.

David Bestué i Marc Vives van exposar els seus interessos en el camp de l’art contemporani però també en altres disciplines, com la música, el cinema, el teatre o l’arquitectura, incidint sempre en aquells moments en què aquestes disciplines han entrat en conflicte amb les altres. Uns conflictes que, moltes vegades, han tendit cap al fet performàtic. En aquest sentit, es va reflexionar sobre l’arquitectura des del punt de vista de les experiències que genera al transitar-la, del teatre quan intenta sortir de l’escenari, dels escriptors que parlen en comptes d’escriure o dels cineastes que plasmen una realitat tan propera que acaben barrejant-se amb ella.

Aquest esdeveniment es va estrenar al teatre de L’Estruch i cada participant va tenir quinze minuts com a màxim per a mostrar la seva proposta de la manera més adient (performance, concert, conferencia, etc…). El desenvolupament de les propostes del participants per aquest esdeveniment van servir per parlar del concepte d’intensitat, de l’ecologia de mitjans, de l’acte directe i comunicatiu del fet performàtic i, en definitiva, de la condensació del temps i l’espai en un lloc i moment determinat.

Nota: L’existencia d’aquest esdeveniment de cloenda de taller no exclou la posibilitat per part de la organització de propossar altres formats d’exposició (mostra, concert, actuació, etc) per a donar visibilitat als projectes produïts pels participants amb posterioritat.

JUGAR-SE LA VIDA - EL TALLER

JUGAR-SE LA VIDA (TALLER PER NAUESTRUCH) 1er dia (divendres, 15-01-2010) Presentació Presentació de la NauEstruch de l’Estruch Breu resum i intencions del taller. Presentació dels projectes per part dels participants. 2n dia (divendres, 22-01-2010) Límits de la ment A la primera sessió es vol traçar un resum del que nosaltres entenem com a “Límit” a la pràctica artística dels últims anys. Una noció que travessa el treball d’una sèrie de creadors des de perspectives diferents. 3er dia (dimecres, 27-01-2010) Realitat y acció En aquesta sessió es vol abordar l’auge del fet performàtic i molt especialment del cas de la conferencia. Un gir cap a practiques del públic directe i amb formats més econòmics, d’acord amb el moment actual. L’objectiu d’aquesta sessió també és plantejar alguns dels exemples de com presentar un treball en directe, pensant en la sessió final. 4t dia (divendres, 5-02-2010) Estratègies narratives en arquitectura: Enric Miralles En aquesta sessió s’analitza el treball de l’arquitecte Enric Miralles com a exemple

d’un treball que, ubicat dins del territori de l’arquitectura, beu de múltiples disciplines com el Land Art o la literatura. També serveix per analitzar la tensió entre projecció mental i realització física, així com exemples de dispositius narratius en el camp arquitectònic. 5è dia (dimecres, 10-02-2010) Conferencia d’Andrés Jaque En aquesta sessió ens visita Andrés Jaque (Madrid, 1971), un dels arquitectes espanyols actuals més actiu en el camp teòric i constructiu (com certifica la seva col·laboració amb el diari El País o la revista El Croquis). La seva feina en el territori de l’arquitectura no només es basa en el disseny d’edificis (casa sacerdotal de Plasència, Tupperhome, Casa Never Never Land...), sinó també en l’anàlisi i les estratègies d’interrelació social en l’espai públic (andresjaque.net/wordpress). 6è dia (dimecres, 24-02-2010) Realitat/ficció i la seva relació amb l’espectador Per aquesta sessió es volen plantejar diferents estratègies que des de l’audiovisual s’han fet servir per arribar a l’espectador, ja sigui mitjançant la narrativa, la versemblança o factors aliens com poden ser la promoció del film.

Com a tema d’estudi es vol posar l’accent en la figura de Joaquim Jordà, cineasta que amb la seva producció travessa els últims temps del cinema espanyol i com ha creat escola en cineastes i creadors contemporanis. 7è dia (divendres, 26-02-2010) La ciència ficció com excusa/ conferència de Nacho Vigalondo Per a aquesta sessió comptarem amb la participació de Nacho Vigalondo, (1977, Cabezón de la Sal, Cantàbria), que és director, actor i guionista espanyol. Es va donar a conèixer amb el curt 7:35 de la mañana, que va ser nominat als Oscars en el 2004. El 2008 va estrenar el seu primer llargmetratge, Los Cronocrímenes. Són diversos els seus coqueteigs amb altres persones, com és el cas del curtmetratge musical Regreso al futuro IV junt amb Muchachada Nuil, l’organització un ultraxou de Miquel Noguera rodat a la manera antiga o diferents cameos en les propostes de Vengamonjas <http:// vengamonjas.blogspot.com/>, per citar alguns. Nacho Vigalondo ha sigut guionista de programes de televisió com Gran Hermano.

8è dia (divendres, 05-03-2010) El cos, el desig i el sexe En aquesta sessió presentem un resum del nostre arxiu de material pornogràfic. Això ens serveix d’excusa per relacionar el cos amb el desig i com algunes pràctiques sexuals busquen tensar la relació entre ambdós. 9è dia (divendres, 12-03-2010) Posada en comú de les propostes dels participants al taller 10è dia (divendres, 19-03-2010) Conferència d’Agustín Fernández Mallo En aquesta sessió rebem la visita de l’escriptor Agustín Fernández Mallo (la Corunya, 1967), que està considerat un dels escriptors més rellevants de la literatura espanyola amb la seva trilogia Nocilla. En aquests llibres, com en altres treballs (Postpoesía, carne de píxel..), l’escriptor aborda l’estat de la narrativa actual i la necessitat de contaminar-se d’altres disciplines com l’art contemporani o la ciència per reactualitzar-se (www. alfaguara.santillana.es/blogs/elhombre). 11è dia (divendres, 26-03-2010) Posada en comú de les propostes dels participants Punt final (dimarts, 27-04-2010)

PROGRAMA

DOTZE PROPOSTES PER AL TEATRE

Dimarts, 27 d’abril a les 19,30 h al Teatre de l’Estruch Jugar-se la vida ha estat dirigit per David Bestué i Marc Vives entre gener i abril de 2010, per a la nova etapa de NauEstruch com a espai especialitzat en pràctiques performàtiques a l’Estruch. L’eix vertebrador de l’obra ha estat la idea de límit, reflexionant al voltant de la vigència del concepte en la producció artística contemporània. Com a exercici, es va proposar a cada participant que

pensés una proposta que tingués lloc al teatre i en un temps molt limitat. Per desenvolupar aquesta proposta al taller s’han posat sobre la taula materials molt diversos i s’han compartit processos de treball, tenint en compte els diferents àmbits de creació de les persones que hi han participat (àmbits que abracen des de la creació artística fins a la música, la interpretació o la dansa).

Primera Part Gerard Ortín - Sin Título (Quijada) Ana Garcia-Pineda - Caminar sobre posavasos (fragmento) Xavier Ristol - El Falso Pulgar Aníbal Parada - Gimnasio Mediterrani Helena Kotnik - I’m perform Laia Pineda-Iglesias - Entre nosaltres Descans David F. Mutiloa - Descans 15 min. Alejandra Mizrahi - 290 tomates print * Segona Part Dario Reina - Sobre columnas, cartón y otras historias Daniel Jacoby - Untitled Story (Vol. 1) Rasmus G. Nilausen - La pintura perfecta Tamara Kuselman - Encontrarse con otro (versión para teatro) Alex Reynolds - Una chica, una pistola, un coche

* Performance realitzada al taller de l’artista al llarg del descans.

PROGRAMA

Alejandra Mizrahi 290 tomates print 290 tomates print, consiste en una acción duracional que se desarrolla en el ámbito de talleres de NauEstruch. El emplazamiento resalta el carácter procesual de la performance en dos niveles; por un lado, como una maquinaria mecánica de estampación, y por otro, la acción encandenada a otros trabajos que desarrolle durante la residencia en el taller. Alex Reynolds - Una chica, un coche, una pistola Una manera de retrasar la muerte. Amb la participació de Merche Blasco i Tuixén Benet. Ana Garcia-Pineda - Caminar sobre posavasos (fragmento) Proyecto en proceso donde explico sistemas y trucos muy útiles. A veces las soluciones no son perfectas. Si lo fueran viviríamos en un planeta rosa y perfecto; y no en uno azul y marrón. Pero confiad en mí, el color marrón puede ser muy útil (sin él los troncos no podrían ser de madera). La Fundació Guasch Coranty ha financiado parte de esta investigación. Y se lo agradezco.

Anibal Parada Gimnasio Mediterrani Gimnasio Mediterrani procura con una puesta en escena subjetiva mostrarnos uno de los recursos que plantea salud pública ABD (Agencia de Bienestar y Desarrollo) para la recuperación de pacientes con estados alterados y en proceso de reintegro a la comunidad: un gimnasio físico. A modo performático Jose y Sonia, paciente y doctora, se exponen al público durante 8 minutos, tiempo total del pase de un video que proyecta imágenes del Club Esportiu Mediterrani. Daniel Jacoby Untitled Story (Vol. 1) Untitled Story es un cadena de adaptaciones a partir de una novela. Para esta parte, la primera de las cinco que conformarán el proyecto, Javi Jiménez escribe un guión y dirige la lectura dramatizada del mismo. Dario Reina - Sobre columnas, cartón y otras historias Amb la col·laboració d’Adrià Sunyol

David F. Mutiloa Descans 15 min. Gerard Ortín Sin Título (Quijada) Entre el colapso aparece la opción de detenerse durante un tiempo largamente dilatado en un mismo lugar. Se despliega un suspense más o menos intenso dependiendo del grado de extrañación o de afinidad con el objeto. La narración se subordina a lo sugestivo del vídeo donde imagen y sonido conducen al espectador hacia entornos sin referencias claras. Es analítico y plástico de manera ambivalente. Helena Kotnik - I’m perform Què en sabem de la llengua catalana? una contradicció. una llengua sense nació però amb nacionalitat Laia Pineda-Iglesias Entre Nosaltres Entre nosaltres, entre tu i jo, entre vosaltres i jo, entre vosaltres i nosaltres, passen coses. Experiències que més valdria oblidar, però que et fan forta, t’ensenyen i et demostren que la lluita és l’únic camí. Gràcies per demostrar-me que a la vida se li ha de plantar cara si no vols que et deixi plantada.

Rasmus G. Nilausen La pintura perfecta Sé que este proyecto va de pintura. Lo sé porqué es mío. Y yo voy de pintor. Voy de pintor obsesionado. Amb la col·laboració de Pep Carpena. Tamara Kuselman - Encontrarse con otro (versión para teatro) Encontrarse con otro es un trabajo en el que dos actrices se hacían pasar por otra persona a la que habían entrevistado anteriormente. Encontrarse con otro (versión para teatro) es una actuación guionada por fragmentos de esas primeras entrevistas. Amb la col·laboració de Severio Longo i Josep M Roviralta. Xavier Ristol - El falso pulgar (El fals polze) Se trata de una aproximación a las estrategias narrativas que utilizaba mi abuelo para hacer trucos .

ENTREVISTES

ALEJANDRA MIZRAHI ¿Nos puedes explicar brevemente tu trayectoria, aquellas cosas que consideras relevantes de tu recorrido curricular? Soy Licenciada en Artes Plásticas por la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán (especialidades pintura y grabado). Realicé estudios de Diseño de indumentaria. Actualmente vivo y trabaja entre Barcelona y Tucumán. Soy becaria del departamento de Filosofía de la Universidad Autónoma de Barcelona, en donde realizo estudios doctorales en el área de Estética y Teoría del Arte. El trabajo de investigación gira en torno a la presencia de la indumentaria en el arte contemporáneo como constructora de identidad. Realicé exposiciones colectivas tanto a nivel provincial, nacional e internacional. Mi trabajo se constituye en un ida y vuelta permanente entre la práctica artística y la teoría. Este tránsito se produce en el terrenos de la indumentaria, desde el cual realizo los trabajos y sobre el cual investigo desde la Estética y la Teoría del Arte. A través de diferentes medios como la performance, la fotografía, el video y la instalación, expongo la indumentaria que produzco, en una búsqueda inagotable

AL MI de tensión entre las posibilidades de confección de identidad de una prenda y los modos en los que se performativiza dicha identidad. De esta manera, la indumentaria se convierte en el medio desde el cual el cuerpo se expresa y crea vínculos, entendiéndose como una forma simbólica. La indumentaria deviene primer lugar que habitar y segunda piel desde la cual elaboramos discursos sobre nosotros mismos.

¿Nos puedes explicar en qué intereses se basan tu trabajos o cuáles son los signos representativos de tu obra y, después, cómo los relacionas con la idea de límite planteada en el taller? Céntrate en 3 trabajos como mucho. La indumentaria en el terreno del arte es hoy abordada como un medio más como la pintura, el video o la performance. El trabajo con la indumentaria se constituye como un medio complejo que presenta, entre muchas otras especificidades, una de carácter determinante a la hora de su experiencia estética, esta es: la posibilidad a ponernos en el lugar del otro. Desde la teoría me encuentro trabajando fundamentalmente en este punto, y además

LEJ IZR 17

en los modos en los que esta confecciona identidad y se conforma como lenguaje performativo. A partir de la indumentaria pretendo reflexionar sobre el limite de lo corporal. La indumentaria como una segunda piel superpuesta a la piel articula nuestro cuerpo con el medio. En esta articulación el limite corporal es clave para determinar los modos en los que esta vinculación se produce. La indumentaria como lugar de la ficción tiene una contrapartida en lo real, tanto si nos referimos a los estampados como a los efectos de estos sobre el propio cuerpo vestido. La acciones que he ido realizando a lo largo del taller plantean la migración como acción de traslado y de búsqueda del sitio correcto. Pero aquí las migraciones son ejecutadas por estampados que en este caso operan como bisagras entre el cuerpo y el medio. Las imágenes que adjunto son registros fotográficos de los procesos y de la acción final que realicé durante el taller y la residencia en la NauEstruch. En ellas se puede ver como la migración del vestido al espacio esta supeditada a un patrón tanto de color como del lugar usual, o ideal. La primera migración fue la que realicé desde una camiseta a cuadros roja

y negra al suelo y a una silla negra del taller. Los cuadros negros de la camiseta migraron hacia el suelo y la silla, buscando su agrupación por color. La segunda acción consistió en la migración de las flores del vestido al terreno. Y la tercera, y última, que fue mi propuesta para mi “no” intervención en el teatro, tomates reales se estampaban en un vestido blanco, para luego quitarme los tomates estampados que yo llevaba en mi vestido.

¿De qué se trata tu intervención para el teatro? ¿Cómo se va a formalizar? ¿Cuáles son los puntos de riesgo de la propuesta o qué elementos se están poniendo en juego en esta propuesta que no hubieras experimentado con anterioridad? Los tejidos estampados que venden en las casas de telas se ofrecen como vestimentas en potencia; podríamos vestir cada uno de esos textiles. Estos mismos presentan estampados que tienen algún vinculo con la realidad, algunos mas que otros, de modo que existen telas que se estampan a partir de una realidad y operan como una ficción de esa realidad. En este caso, una tela de tomates vendría a ser la ficción de vestir

NDRA HI ENTREVISTES

tomates reales. El estampado de tomates en la tela funciona como la apertura a la posibilidad de vestir algo que es extraído de la realidad. Esta ficción posibilita llevar lo real al cuerpo. Aquí existe una primera migración, del tomate real a la tela. Lo que migra es la imagen del tomate real. Mi acción consistió en llevar al vestido los tomates, realizar la misma operación de migración, pero en este caso desde los tomates reales, no desde su imagen. Construir el mismo vestido pero no ya desde una estructura ficcional, sino real. Los tomates que colorean el otro vestido son tomates reales que son estampados literalmente sobre él. La acción oscila entre la construcción de un vestido de tomates fingido y otro real, para que exista uno debe de existir el otro, el real sólo es real en contraste con el que finge. Un vestido -el de ficciónse va deshaciendo mientras el real va apareciendo. Pero para que este pueda aparecer debe ser construido a través de un proceso de estampación que tendrá su paralelo a una maquina estampadora. Cuando se estampa algo siempre hay un original del cual se extraen las imágenes a estampar, en este caso el original proviene de mi vestido, del cual voy quitando

-literalmente- la imagen para que luego se estampe el tomate real en el vestido. Esta acción se concibe como un modo de intentar llevar lo real al vestido y de aparentar lo que realmente es, y no una mera imagen de lo que es. 290 tomates print, consistió en una acción duracional que se desarrollo en el ámbito de talleres de nauestruch. El emplazamiento resalta el carácter procesual de la performance en dos niveles; por un lado, como una maquinaria mecánica de estampación, y por otro, la acción encandenada a otros trabajos que desarrolle durante la residencia en el taller.

Alejandra Mizrahi - 290 tomates print; teatre de lâ&#x20AC;&#x2122;Estruch.

EX YNOL ENTREVISTES

ALEX REYNOLDS

¿Nos puedes explicar brevemente tu trayectoria, aquellas cosas que consideras relevantes de tu recorrido curricular? Ha cursado estudios de bellas artes en Central Saint Martins College of Art, Londres. Actualmente vive y trabaja en Barcelona. Exposiciones recientes incluyen “La historia no es más que pequeñas cosas en cierto desorden”, Instituto Cervantes (Estocolmo) y Espai Zero1 (Olot), Prehistorique, Jeu de Paume (París), Julio#2, www.thisisjulio.com, Building Societies, La Panera (Lleida), y Generación 09, La casa encendida (Madrid). Su obra ha sido premiada en la convocatoria Generación 08. Ha recibido becas de residencia en Hangar, Barcelona, y Duende Studios, Rotterdam. Ha comisariado programaciones de vídeo como Home Is Where The Heart Is, presentado en un piso, el CASM, Barcelona, y el CCA, San Francisco, o Pixapins, para PhotoEspaña, Madrid. En la actualidad también forma parte del colectivo Vena (Por la), responsable de un ciclo de conferencias de artistas en La Central, Barcelona.

¿Nos puedes explicar en qué intereses se basan tu trabajos o cuáles son los signos representativos de tu obra y, después, cómo los relacionas con la idea de límite planteada en el taller? Céntrate en 3 trabajos como mucho. “…el trabajo de Alex Reynolds [...] recrea pequeños momentos de distanciamiento individual; la imposibilidad de hallar sincronía entre cuerpos diferentes, el momento álgido de un salto, el desmembramiento de una pequeña comunidad familiar en una urbanización socialista de París, o un montón de gente que hace una torre humana para bajar a una niña de su limbo. Sus piezas plantean el vacío y la inseguridad de un sujeto en constante obligación de responder a la incertidumbre en unos tiempos hostiles para la utopía. Su pregunta fundamental es qué hacer con la distancia que nos separa. ¿Qué hacer? Con esta pregunta convierte el sueño colectivo en objeto de deseo pero lo destruye al mismo tiempo. “ Rubén Grilo, “I Want to Believe”, Laia, Tarragona, Museu de Valls, 2008.

¿De qué se trata tu intervención para el teatro? ¿Cómo se va a formalizar? ¿Cuáles son los puntos de riesgo de la propuesta o qué elementos se están poniendo en juego en esta propuesta que no hubieras experimentado con anterioridad? Como presentación de final de taller, se nos ofreció la posibilidad de hacer una presentación en un teatro, en el teatro L’Estruch de Sabadell. La pieza se tituló Una chica, un coche, una pistola. En Una chica, un coche, una pistola, se abrió la puerta que se encontraba al fondo del escenario y que daba a la calle, utilizando ésta como escenografía. 3 elementos básicos se utilizaron para crear una narrativa, jugando con la voz en off, la banda sonora y el desdoblamiento, tanto de espacios como de personaje.

LDS Alex Reynolds - Una chica, un coche, una pistola; teatre de l’Estruch.

A RCIA ENTREVISTES

ANA GARCIA-PINEDA

¿Nos puedes explicar brevemente tu trayectoria, aquellas cosas que consideras relevantes de tu recorrido curricular? Vive y trabaja en Barcelona. Estudió Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y Postgrado en Comisariado por la Goldsmiths College en Londres. Ha participado en exposiciones individuales como Espacio Abisal de Bilbao, Museu Abelló en Mollet del Vallès, la Sala Soler i Palet en Terrassa, o el Espacio Cultural Caja Madrid de Barcelona entre otras. De sus participaciones colectivas se podrían destacar: Le Carré - Musée Bonnat en Bayona, Bòlit Museu d’Art de Girona, Form & Content Space de Londres o Dia Art Foundation de Nueva York. Ha residido en Hangar durante los años 2007-2008. Ha sido premiada en diversas ocasiones de las que subraya el 1r. Premio Injuve’09, la Beca Artes Visuales de Olot, Beca Guasch Coranty, o Beca Bcn Producció’08.

¿Nos puedes explicar en qué intereses se basan tu trabajos o cuáles son los signos representativos de tu obra y, después, cómo los relacionas con la idea de límite

planteada en el taller? Céntrate en 3 trabajos como mucho. Mi trabajo va de trazar planes, montar estrategias e investigar para entender el mundo y salvarlo. Pero claro, fracaso. Y el fracaso está siempre en mis planes. Se trata precisamente de cagarla e intentar algo sabiendo que no lo voy a conseguir. No por el placer de equivocarme sino por la urgencia de que lo imposible sea cierto. Todo bastante utópico, un poquito chalado pero casi todo el rato en serio. ¿De qué se trata tu intervención para el teatro? ¿Cómo se va a formalizar? ¿Cuáles son los puntos de riesgo de la propuesta o qué elementos se están poniendo en juego en esta propuesta que no hubieras experimentado con anterioridad? Presenté un fragmento de “Caminar sobre posavasos”. Un proyecto en proceso donde explico sistemas y trucos muy útiles. A veces las soluciones no son perfectas. Si lo fueran viviríamos en un planeta rosa y perfecto; y no en uno azul y marrón. Pero confiad en mí, el color marrón puede ser muy útil (sin él los troncos no podrían ser de madera).

El riesgo es conseguir caminar sobre posavasos (parece sencillo pero hay que ser muy cuidadoso). Si lo logras no resbalas. No dejas rastro. No goteas. Sigues un camino seguro. Y además, eres muy educado. La Fundació Guasch Coranty ha financiado parte de esta investigación. Y se lo agradezco.

A-P Ana Garcia-Pineda - Caminar sobre posavasos (fragmento); teatre de l’Estruch.

ANÍB PARA ENTREVISTES

ANÍBAL PARADA

¿Nos puedes explicar brevemente tu trayectoria, aquellas cosas que consideras relevantes de tu recorrido curricular? Fui artista residente de Can Xalant, Centro de Producción y Creación Contemporánea de Mataró (2007-09). Participé, entre otros; galería Swallow, Barcelona (2010), Can Felipa (2009), Roca Umbert, Granollers (2009), Bienal de Valls (2009), galería “Espacio Cero”, Thessaloniki, Grecia (2009), Museo l´Empordà Girona (2009), galería “ScalaMata”, Venecia, (2009), finalista del Premio Miquel Casblacas 09 (proyecto), “Disruption”, taller a cargo de Rikrit Tiravanija, Martí Perán y Jopep María Martín (2009), “taller con Santiago Sierra”, Marco, museo de arte contemporáneo de Vigo, “Maçart” (2008), “Biennial of young artists from Europe and the Mediterranean”, Bari, Italia (2008), taller con Alicia Framis, Can Xalant (2008), “Loop 10, 09, 08 y 07”, Auditori, Hotel Catalonia Ramblas, “In the dark, for those who can´t see art”, Thessaloniki, Barcelona, Milán, Venecia y Arezzo (2007), “Se Busca”, Centre d’Art Santa Mónica (2007).

Actualmente estoy en proceso de dos individuales para septiembre y octubre en “Homsession” y “Espai Cub de BCN Producció”.

¿Nos puedes explicar en qué intereses se basan tu trabajos o cuáles son los signos representativos de tu obra y, después, cómo los relacionas con la idea de límite planteada en el taller? Céntrate en 3 trabajos como mucho. Me interesa particularmente trabajar con personajes reales en situaciones de realidad provocada. Al meramente desplazar y descontextualizar la acción, se crea una situación de documento de ficción, realidad “alterada”, cuyo tangencial punto de fuga respecto a la realidad me sirve como modelo de trabajo y espacio de acción política desde la interacción con el fenómeno que abordo y sus implicados. En el taller se ha planteado la idea de límite desde varias perspectivas, tanto mental, del cuerpo, del tiempo, de la dominación, de lo espacial, de lo real y hasta de lo Psicológico. Sería prácticamente imposible que mi trabajo quede exento de intento de búsqueda de alguno de ellos, como también tratar de

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centrar todos en uno, así que me atrevería a presentarte los tres trabajos como; “Police Disruption” Límite Del Cuerpo, “Reflexión De Una Exposición” de lo real y “Sala Miro” de lo espacial. ¿De qué se trata tu intervención para el teatro? ¿Cómo se va a formalizar? ¿Cuáles son los puntos de riesgo de la propuesta o qué elementos se están poniendo en juego en esta propuesta que no hubieras experimentado con anterioridad? Gimnasio Mediterrani procura con una puesta en escena subjetiva mostrarnos uno de los recursos que plantea salud pública ABD (Agencia de Bienestar y Desarrollo) para la recuperación de pacientes con estados alterados y en proceso de reintegro a la comunidad: un gimnasio físico. A modo performático Jose y Sonia, paciente y doctora, se exponen al público durante 8 minutos, tiempo total del pase de un video que proyecta imágenes del Club Esportiv Mediterrani. El riesgo mas evidente es utilizar el teatro desconociendo sus códigos, situándome solamente en mi experiencia como espectador y desde la butaca.

Anibal Parada - Gimnasio Mediterrani; teatre de l’Estruch.

ENTREVISTES

DANIEL JACOBY ¿Nos puedes explicar brevemente tu trayectoria, aquellas cosas que consideras relevantes de tu recorrido curricular? Vive y trabaja en Barcelona. Es licenciado en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona, donde ha cursado igualmente estudios de Máster. Su formación ha sido complementada por workshops con creadores como Thomas Vinterwerg, Antonio Ortega, Martí Anson, Joan Morey y Bestué/Vives. Su trabajo ha sido mostrado individualmente, entre otros, en el Museu de l’Empordà (Figueres), Square Studio (Barcelona) y L’Aparador (Mollet del Vallès). De entre las exposiciones colectivas en las que ha participado destacan la Biennal d’Art Leandre Cristòfol (Centre d’Art La Panera, Lleida), El mal de escritura (Centre d’Estudis i Documentació del MACBA, Barcelona) y Re/apropiaciones (MEIAC, Extremadura). Sus proyectos más recientes han sido producidos gracias a subvenciones como la internacional Beca Cajasol para Proyectos de Artes Visuales (Sevilla), las Beques a la Creació Agita (Figueres) y la ayuda otorgada por la Fundació Guasch Coranty (Barcelona). También ha recibido premios entre los que cabe resaltar el primer premio

de la Fundación José García Jiménez (Murcia), el Premi Miquel Casablancas (Barcelona) y el accésit del Premio Injuve (Madrid). ¿Nos puedes explicar en qué intereses se basan tu trabajos o cuáles son los signos representativos de tu obra y, después, cómo los relacionas con la idea de límite planteada en el taller? Céntrate en 3 trabajos como mucho. Con una voluntad tan lúdica como obsesiva, Jacoby se recrea en esfuerzos improductivos, en conocimientos fútiles. Define sistemas y metodologías, construye taxonomías e identifica un orden en sistemas amorfos. En Pronóstico del tiempo del 20 de Febrero para los próximos 100 años contó con la colaboración del Departamento de Astronomía y Meteorología de la Universidad de Barcelona para elaborar un pronóstico

para el día 20 de febrero (fecha que coincidía con su inauguración en Mollet del Vallés) de los próximos 100 años. Siguiendo esta idea de creación de orden basado en criterios que no se ajustan a los estándares, en un trabajo reciente, Für Elise de Ludwig van Beethoven en orden de tono, las notas de la pieza de piano compuesta por Beethoven son ordenadas a partir de parámetros diferentes a los de la composición original: en este caso, ya no se trata de transmitir y evocar emociones mediante una melodía como hizo su autor, sino de reordenar las notas empezando por el tono más bajo para progresivamente llegar a la nota más alta. La misión del proyecto Un Toblerone de exactamente 50 g y 491 Toblerones de aproximadamente 50 g era encontrar un Toblerone que pesara los 50 gramos exactos que se anuncian en su envoltorio. No tanto para poner en duda la aclamada precisión suiza sino para celebrar el

hallazgo, el momento en el que las cosas son exactamente como se prometen. (Montse Badia, Cosas que a veces no conducen a nada..., 2009) ¿De qué se trata tu intervención para el teatro? ¿Cómo se va a formalizar? ¿Cuáles son los puntos de riesgo de la propuesta o qué elementos se están poniendo en juego en esta propuesta que no hubieras experimentado con anterioridad? Untitled Story es una historia de cinco volúmenes en la que cada capítulo, en lugar de ser la continuación del anterior, es la adaptación de éste a un nuevo formato y dirigido por un autor diferente. Una novela es guionizada; ese guión es convertido en animación; esa animación es interpretada a manera de monólogo y así sucesivamente. Finalmente, un escritor, sin saber que es el autor de la obra original, se encarga del último paso de la cadena: adaptar el penúltimo capítulo a su formato original, un texto literario. Para esta primera parte, el Vol. 1, Javi Jiménez hace la adaptación de la novela a guión teatral y dirige la lectura dramatizada del mismo en el Teatre de

Daniel Jacoby - Untitled Story (Vol. 1); teatre de l’Estruch.

DAR NA ENTREVISTES

DARIO REINA GONZÁLEZ

Ens pots explicar breument la teva trajectòria, aquelles coses que consideres rellevants del teu recorregut curricular? Ha estudiat a l’Escola d’Art i Superior de Disseny Pau Gargallo, Badalona. Actualment esta cursant la llicenciatura de Belles Arts a la Universitat de Barcelona. Ha exposat a Nauestruch, Sabadell, el projecte “Què fer a Sabadell”, maig 2010. Va ser seleccionat pel taller “Jugar-se la vida” a càrrec de Marc Vives i David Bestué, 2010. Va participar a l’exposició “A títol propi” a cura de Pablo Fanego i Joana Hurtado, Barcelona 2009/10. Va ser comissari de l’exposició “El model absent, obres de la col·lecció del MACBA”, Sant L1uc, Barcelona 2009. Va formar part del “col·loqui amb els comissaris i Ignasi Aballí”, Activitats al voltant de l’exposició. Sant L1uc, Barcelona 2009 i ha participat en diverses exposicions col·lectives a Vilassar de Dalt, entre d’altres. Ens pots explicar en quins interessos es basen el teu treballs o quins són els signes representatius de la teva obra i, després, com els relaciones amb la idea de límit plantejada en el taller?

Centra’t en 3 treballs com a molt. El meu treball proposa provocar la relectura de situacions, espais i actituds aparentment preestablertes mitjançant les petites accions. Accions sobre elements i espais comuns que ens envolten i que, sovint, passen desapercebuts. Hi ha una voluntat de fer visible allò que resta ocult per la costum, sovint traduïda a una preocupació lligada a la idea de personificar aquests espais. Una espècie de tenir cura de... Una breu crida d’atenció fent servir gestos mínims i accessibles utilitzant alhora el contrast de llenguatges freds i humorístics. Molts dels meus treballs juguen amb el límit del visible, de la realitat i la ficció. De què es tracta la teva intervenció per al teatre? Com es va a formalitzar? Quins són els punts de risc de la proposta o quins elements s’estan posant en joc en aquesta proposta que no haguessis experimentat amb anterioritat? Sobre Columnas, Cartón Y Otras Historias 7 minuts Actor.: Adrià Sunyol Aquesta proposta respon a la finalització del taller Jugar-se La Vida de Marc

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Vives i David Bestué, l’Estruch, Sabadell. 27/04/2010. Consisteix en l’actuació d’un personatge explicant al públic una obra teatral que es volia representar. La proposta es basava en l’aparició d’un actor, que aparentment era jo, explicant de manera neutra amb llum general, una peca de teatre que havia pensat de representar en aquell mateix moment al teatre. És la meva primera obra en format escènic i planteja diversos punts que m’interessen en el meu treball adequats al format. Es pretenia jugar amb el fet de la norepresentació i no actuació, però fent servir un actor per a dur-ho a terme.

Dario Reina - Sobre columnas, cartón y otras historias; teatre de l’Estruch.

ID ILOA ENTREVISTES

DAVID F. MUTILOA

¿Nos puedes explicar brevemente tu trayectoria, aquellas cosas que consideras relevantes de tu recorrido curricular? Inicié mi carrera como diseñador gráfico y actualmente me encuentro finalizando la licenciatura en Bellas Artes en la Universitat de Barcelona. Entre mis exposiciones, destaco la reciente “La noia que somiava un llumí i un bidó de gasolina” (Sala d´Art Jove, Barcelona) y entre los últimos premios recibidos los obtenidos en la convocatoria de proyectos de creación Sala d’Art Jove 2010, mi preselección para BCN Producció’10 Espai Cub de LaCapella o la Mención Honorífica obtenida en la 9a Mostra d’Art Jove de Mataró. Así mismo, también he disfrutado de diferentes becas y residencias en centros de producción artística, como la desarrollada actualmente en el Centre de Creació d’Arts Visuals i Pensament Contemporani de Mataró, Can Xalant.

¿Nos puedes explicar en qué intereses se basan tu trabajos o cuáles son los signos representativos de tu obra y, después, cómo los relacionas con la idea de límite planteada en el taller?

Céntrate en 3 trabajos como mucho. Digamos que la idea de límite siempre ha estado bastante presente en mi trabajo. Siempre insertándome en contextos específicos, mi trabajo trata de generar situaciones y reacciones que obligan al espectador a posicionarse y tomar en cierto modo una actitud política frente a algo inesperado que le ataca de manera directa. Entiendo que si el trabajo del artista tiene una finalidad, ésta es la de ponerse de ejemplo de anarquía e intento apostar por el papel político del arte y su potencial como generador de debate y reflexión. Pongo tres trabajos como ejemplo: Sense títol Acción: Participar en un certamen de manera autoexcluyente. Tras haber sido acordadas las piezas con las que se va a participar en la muestra Sense Títol 09, exposición organizada por la Universitat de Barcelona, y momentos antes de la inauguración de la misma, el autor procede a tapar con un plástico negro, todas sus piezas expuestas, así como a tachar toda la información relacionada con su persona o sus obras tanto en carteles, folletos o fichas informativas. La acción se desarrolla durante todo el

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transcurso del evento, sirviéndose del mismo para generar un debate en torno a los mecanismos de poder que operan en torno a la visibilidad del artista, la obra y su mensaje, y a lo que significa exponerseen-público.

Transacción En colaboración con: Álvaro Icaza, Gloria Fdez. Macias, Joaquín Reyes Lettieri. Transacción.(Del lat. transactio, -onis). 1.f. Acción y efecto de transigir. 2.f. Trato, convenio, negocio. En esta definición, que da título al proyecto, queda patente el doble sentido que toda transacción conlleva: de un lado, viene a ser un trato en el que ambas partes están conformes, y de otro, el consentimiento en parte con lo que no se cree justo, razonable o verdadero, a fin de acabar con una diferencia. La dotación económica que otorgó la Sala d’Art Jove al proyecto “transacción” fue convertida íntegramente en monedas de curso legal. El espacio expositivo fue invadido por aproximadamente 72.000 monedas, en su gran mayoría de un céntimo de euro, 162 kilogramos, ofreciendo a los asistentes a la exposición la posibilidad de quedarse con parte del

premio recibido desde la Generalitat. La incomodidad surge al sopesar algunos factores: el peso y el volumen que las monedas ocupan, su distribución dispersa por la sala, el ínfimo valor de cambio que éstas poseen y el hecho de que el espectador se encuentra expuesto en todo momento a la mirada del otro.

Interferencia I · II · III Acción: Interferir en el desarrollo de un acto expositivo mediante intervenciones en el espacio arquitectónico. Tres intrusiones en el espacio arquitectónico interfieren simultáneamente en el correcto desarrollo de una presentación artística. Interferencia I: La pintura gris que cubre el suelo de la sala ha sido eliminada, revelando el suelo de terrazo original que se esconde debajo. Interferencia II: Un tubo fluorescente parpadea durante todo el acto, contaminando con su luz intermitente a las obras que se exponen a su alrededor. Interferencia III: Aparece una textura anómala en una de las paredes.

F. ENTREVISTES

¿De qué se trata tu intervención para el teatro? ¿Cómo se va a formalizar? ¿Cuáles son los puntos de riesgo de la propuesta o qué elementos se están poniendo en juego en esta propuesta que no hubieras experimentado con anterioridad? Mi propuesta, The Glory & The Hole, está constituida por un entramado de acciones, situaciones y documentos que se inscriben en el transcurso de la presentación del evento teatral. Rechazando la propuesta de participación de una manera activa en dicho evento; me sirvo de las infraestructuras y del equipamiento público para desarrollar mi trabajo al margen de lo reglamentado, creando un dispositivo que, infiltrándose de manera imprevista en cierto orden establecido, decide instalarse en la realidad antes que trabajar del lado del simulacro y genera toda una trama de relaciones de empatía o conflicto entre los usuarios que se sirven del mismo.

David F. Mutiloa - Descanso 15min.; teatre de l’Estruch.

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GERARD ORTÍN CASTELLVÍ

¿Nos puedes explicar brevemente tu trayectoria, aquellas cosas que consideras relevantes de tu recorrido curricular? Siempre complementé el colegio con clases en una academia de arte. Luego cursé el Bachillerato Artístico y mas tarde entré en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Desde pequeño estudio música y ahora estoy realizando un «programa profesional» de batería en el Aula de música moderna y jazz. Recientemente estoy impartiendo talleres de aproximación al sonido en centros de secundaria con el grupo Sons de Barcelona (MTG, UPF), dentro de las asignaturas de música de 3º y 4º de la ESO. Supongo que todo ello me ha influenciado en la manera de trabajar aunque a veces creo que aquello que pensamos que puede contribuir menos a nuestra formación termina siendo lo más relevante.

Trabajo desde un entorno muy próximo, el jardín de mi casa. Esto acota un espacio a representar, a mediar, aunque las posibilidades son infinitas. Se trata de un jardín silvestre, una zona de gradación entre el núcleo ordenado del hogar y el bosque. Creo que el límite está muy presente en mi trabajo. No es solo un límite espacial, es un límite comunicativo, un límite de reconocimiento de la imagen. Por ello partir de lo extraño resulta, cuanto menos, una estrategia eficaz. Lo extraño no es más que algo que no terminamos de reconocer pero que actúa como incentivo para nuestra atención. Esto es un pretexto ideal para el suspense. Un trabajo anterior, Llimacs, muestra dos babosas enroscándose y desenroscándose encima de un tablón de madera. Es la recreación de una pequeña escena nocturna del jardín. Algo que aparenta una cierta premeditación, aunque no hay nada calculado más que la edición posterior. Es esta la tergiversación que propongo, solo muestro fragmentos para ir acumulando un total. En otro vídeo, Serp {diumenge}, muestro un primer plano de una serpiente con los ojos abiertos; una imagen agresiva, llamativa, impactante, etc., y en un segundo plano las hojas se mueven con el viento atendiendo

ORT ELL ENTREVISTES

a unos sutiles cambios luz (lo normal de un domingo, lo jovial, lo plácido del jardín). Se dan ahí distintos tiempos de reconocimiento de la imagen, se oscila entre lo familiar y lo desconocido. Esa es la clase de transición que quiero que el espectador experimente. Luego tengo una serie de trabajos más cómicos en los que el protagonista es mi gato. Le hago actuar o le genero situaciones. En El truco, realizo una pequeña acción que consiste en despertar a mi gato de la siesta con un toque de bocina. El humor aparece cuando el espectador comprende y el animal no; es un guión hecho sin querer.

¿De qué se trata tu intervención para el teatro? ¿Cómo se va a formalizar? ¿Cuáles son los puntos de riesgo de la propuesta o qué elementos se están poniendo en juego en esta propuesta que no hubieras experimentado con anterioridad? Mi intervención para el teatro es una proyección. Convierto el teatro en cine durante unos minutos. En el vídeo aparecen dos objetos del jardín. El primero genera un espacio a partir de un juego de

luz. Es algo muy sensacional: se trata de desplazar la imagen original hacia algo plástico y sin referencias, dirigiendo la atención mediante el sonido. El segundo objeto que aparece es una quijada de jabalí. Juego con la rotación y con la luz para crear una suerte de narración. La extrañación con el objeto genera el suspense. Todo resulta ser muy teatral y cinematográfico (la iluminación, los fundidos a negro, el silencio, etc). Los posibles puntos de riesgo son la direccionalidad y la imposición que adquiere una pieza en un espacio escénico como el teatro. Es difícil pasar esto por alto en un lugar que separa de manera tan clara la audiencia del escenario. He jugado a emplear este punto a favor mío, apostando por esos siete minutos de imposición al público como una oportunidad para generar un espacio hipnótico y de contemplación.

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Gerard Ortín - Sin Título (Quijada); teatre de l’Estruch.

KO RCAD ENTREVISTES

HELENA KOTNIK MERCADÉ

Ens pots explicar breument la teva trajectòria, aquelles coses que consideres rellevants del teu recorregut curricular? La meva trajectòria gira al voltant de les llengües: principalment el català i l’alemany. Dues llengües que confeccionen la meva identitat. Aquestes són preses a partir d’elles mateixes, és a dir a partir de la façana que els hi dóna identitat, o a partir d’alguna altra llengua utilitzant com a mitjà la traducció. Considero cada llengua un mecanisme de pensament, coneixement i sentiment, fascinant de descobrir.

Ens pots explicar en quins interessos es basen el teu treballs o quins són els signes representatius de la teva obra i, després, com els relaciones amb la idea de límit plantejada en el taller? Centra’t en 3 treballs com a molt. Die Übersetzung Liveperformance, 9min. Rundgang Akademie der Bildenden Künste, Viena Amb un mix de coreografia i discurs, aclareixo quatre punts destacables de la gramàtica alemanya. El simple aclariment el faig amb alemany, la qual cosa significa

que a la mesura que aclareixo, tradueixo El límit es troba en mostrar una gramàtica estructurada dins d’una lògica acceptada, pròpia de la llengua alemanya. Eine Gespräch Mit Einer Auländerin Liveperformance, 10 min. P.A.F. Performing Arts Forum. França Faig visible al moment, el procés mental de traducció visible en l’acció. En una taula rodona, s’estableix una conversació al voltant meu amb alemany. Llengua mare per a molts dels presents i llengua estrangera per a mi. El límit es troba en el procés de traducció visible i directa

Supercalifragilistig Liveperformance, 6 min. organitza el grup Spaziergang, Kassel. Alemanya La idea va ser cantar amb alemany i català, evitant posar molt d’èmfasi al to de veu, la tornada de la màgica cançó supercalifragilistiguespialiguetix. El seu dir, fa visible l’aparença tan diferent, i el so en conseqüència, d’ambdues. El límit es troba en la carcassa de cadascuna, en la seva aparença. Una aparença que apreciem alhora d’escoltarles *en aquest cas com es tracta de treball

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de so us passo el text. Si ho voleu escoltar: http://helenakotnik.wordpress.com/ dieorbitale-kassel09/ supercalifragilistigexpialigetisch. Dieses Wort klingt durch und durch furchtbar rein synthetisch. Wer es laut genug aufsagt klingt klug und fast prophetisch, supercalifragilistigexpialigetisch upercalifragilisticoespialidós. Malgrat sonar contundent, rar i espantós. Si ho diu amb deseiximent sonarà harmoniós supercalifragilisticoespialidós.

Helena Kotnik - I’m perform; teatre de l’Estruch.

De què es tracta la teva intervenció per al teatre? Com es va a formalitzar? Quins són els punts de risc de la proposta o quins elements s’estan posant en joc en aquesta proposta que no haguessis experimentat amb anterioritat? Parlo sobre la llengua catalana. Per dir-ne quatre coses parteixo de la seva identitat, i del’experiència personal i el feedback que hi mantinc (llengua catalana, llengua mare). Es formalitza com un discurs amb aparença de discurs polític, sense ser-ho. Parlar clar i català són els punts de risc i els elements que per primer cop poso en risc i joc en la proposta.

ENTREVISTES

LAIA PINEDA Ens pots explicar breument la teva trajectòria, aquelles coses que consideres rellevants del teu recorregut curricular? Vaig néixer a Barcelona l’any 1982. Em vaig formar com actriu, inicialment a l’Aula de Teatre de l’Ateneu de Cerdanyola i més tard em vaig graduar al Centre de Formació i Investigació Teatral “La Casona” (direcció de Fernando Griffell). Posteriorment he anat completant la meva formació en diverses disciplines com ara clown, mim i teatre gestual, dansa contemporània i jazz. En els últims anys m’he format com a dinamitzadora teatral amb tècniques de teatre social i teatre de l’oprimit. Des del 2002 em dedico a la creació d’espectacles i a la interpretació com a actriu professional. Del 2003 al 2008 vaig formar part de la companyia cerdanyolenca Teatralatac en diverses produccions de teatre i animacions de carrer. També he actuat en diversos teatres de Barcelona com el Teatre Llantiol, Sala Sebastià Gash i Teatre Tantaranta en diferents produccions professionals. Des de l’any 2008 treballo com a clown d’hospital amb Pallapupas (Pallassos

d’Hospital), on també hi treballo com a dinamitzadora de teatre social. Al 2008, juntament amb la Lourdes Alegret, creem la companyia d’espectacles Kinateca Teatre, on treballem en la creació d’espectacles de petit format. Actualment, hem incorporat a la Rosa Turbau i ens dediquem a la creació d’espectacles amb clown, tant infantils com per adults. Al 2009, la companyia Teatralatac es professionalitza i passa a dir-se Soterrània Companyia d’Espectacles, on hi participo en diverses creacions per al teatre. Ens pots explicar en quins interessos es basen el teu treballs o quins són els signes representatius de la teva obra i, després, com els

relaciones amb la idea de límit plantejada en el taller? Centra’t en 3 treballs com a molt. La majoria de les meves creacions tenen a veure amb les inquietuts socials. Treballo al teatre per a poder reivindicar i fer concients als públics de les desigualtats socials, les dificultats de la vida i la sensibilitat que tenim vers els conflictes. En l’espectacle “S.L. Societat al Límit”, que vaig exposar a la NauEstrcuh durant el cicle d’accions del curs passat, intento fer conscient al públic de la càrrega que tenen moltes dones amb la feina domèstica (no remunerada, i a vegades invisible) i la feina laboral (injustament remunerada, i potser l’única visible). En l’espectacle “Amb un parell de colors”, espectacle clown infantil, intentem reflexar les dificultats que pateixen moltes persones immigrants quan arriben a un país amb un sistema capitalista i autoritari. Pel que fa a la meva feina com a clown d’hospital amb Pallapupas, són un conjunt d’accions i improvitzacions on compartim el dolor, la sensibilitat i la il·lusió dels nens i nenes malalts i malaltes. Intentem transformar l’entorn hospitalari en un entorn imaginari on tot sigui possible i on les emocions estan per sobre de totes les coses.

En tots els casos, el límit és la pròpia realitat. De què es tracta la teva intervenció per al teatre? Com es va a formalitzar? Quins són els punts de risc de la proposta o quins elements s’estan posant en joc en aquesta proposta que no haguessis experimentat amb anterioritat? La meva intervenció al teatre és una descripció d’un dels moments més durs de la meva vida; el càncer que ha patit la meva mare. Descriure el procés, els sentiments i sensacions, la relació amb ella, amb la família, com ha afectat a la meva vida i a la meva manera de pensar. Dins el procés de creació he fet unes sessions fotogràfiques a la meva mare, on he vist de més a prop tots els canvis físics que ha patit i on ens ha servit mutuament per tenir un espai de reflexió sobre el que ens estava passant. El risc més gran era parlar d’una cosa tan personal i no caure en la morbositat. Mai abans havia sortit en un teatre amb una proposta personal, des de mi com a persona, sense amagar-me darrera cap personatge. Ha sigut un homentage a la meva mare. Ha sigut una batalla entre mi mateixa, entre la persona i l’actriu.

US AUSE ENTREVISTES

RASMUS G. NILAUSEN

¿Nos puedes explicar brevemente tu trayectoria, aquellas cosas que consideras relevantes de tu recorrido curricular? Actualmente está cursando el segundo ciclo de la licenciatura de Belles Arts en la Universitat de Barcelona. En el 2011, cursará el Master of Fine Art en la Chelsea College of Art and Design, Londres, Reino Unido. Entre el 2003 y el 2009 realizó cinco exposiciones en solitario entre Copenhague y Barcelona. Ha sido seleccionado para representar la UB en la feria Ikas-art en junio 2010. Residente en la Nau Estruch, Fàbrica de Creació de les Arts En Viu. L’Estruch, Sabadell. Workshop con Bestué/Vives (enero abril, 2010). Expuso en solitario en “Projeccions” a cura de Àlex Mitrani, en la Cambra de la Propietat Urbana, Barcelona, 2009 - 2010. Organizado por la Universitat de Barcelona. Fue escogido para realizar un encargo para el Rectorado de la UB en noviembre del 2009. Realizó la pintura monumental (300x400cm/oleo s. lino) “Vivan los uniformes!” en el CCCB de Barcelona durante noviembre y diciembre del 2008. Ha sido seleccionado para la portada de

la revista ODAS (Revista electrónica del Observatorio sobre la Didáctica de las Artes) publicada por diversas universidades estatales. 2009. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas y premios de pintura en Cataluña y España. Tiene obra en las colecciones publicas de la “Copenhagen Business School” en Copenhague, la Universitat de Barcelona, ayuntamiento de la ciudad de Koge, Dinamarca y en la Cambra de la Propietat Urbana, Barcelona. Tiene aproximadamente unos 60 obras en colecciones privadas entre España, EEUU y Dinamarca

¿Nos puedes explicar en qué intereses se basan tu trabajos o cuáles son los signos representativos de tu obra y, después, cómo los relacionas con la idea de límite planteada en el taller? Céntrate en 3 trabajos como mucho. Siempre veo imágenes. Mediante mi trabajo analizo el significado de este fenómeno. ¿Cuál es la relación entre realidad y ficción y cómo afecta a la interpretación de imágenes? Mi método consiste en

reorganizar y seleccionar. Analizo lo que me atrae. Luego intento aproximarme mediante imágenes encontradas o propias. La consecuencia de ver todas esas imágenes es, pues, una selección, una priorización. En este sentido, quizás mi trabajo sea una respuesta al cortar y pegar como fenómeno social. Se trata de la dificultad de tomar decisiones cuando la oferta, y por tanto, las posibilidades son infinitas. El tiempo es un factor importante. Me refiero al tiempo que se toma el espectador para observar el trabajo, pero también al tiempo que yo aplico a realizar la pintura. La apropiación como acto solidario, entendido como la idea de Teamwork, de trabajar en equipo.

La serie es realizada en inglés, dado que me encuentro más cómodo con ese idioma. Paradójicamente no se ve. No podría entender la pintura sin la escritura y viceversa. Me gusta la idea del statement como resumen de intenciones. Me gusta la escritura como idea representativa de la idea en sí. Realizar una serie de statements, una serie de cuadros de texto, sin texto, es pues, un statement en sí.

EN Pieza 1: 6 Statements 2010 Dim. variables (30 x 30 cm. c/u) Óleo sobre lino Instalación La serie “Statements”, explora mi relación con la escritura y la pintura. Las pinturas mantienen el formato 1:1, el de una página din A4. Valoro la pintura y la escritura como géneros, pero sobre todo como lenguajes.

Pieza 2: The Sancy 2009. 81 x 65 cm. Óleo sobre lino The Sancy es un diamante que ha estado en propiedad de varios personajes a lo largo de la historia. Hoy en día se encuentra en el Louvre en Paris. Durante un tiempo había tenido las ganas y la urgencia de pintar un diamante, para así representar un algo que para muchos es considerado como lo más bello/caro del mundo. La pintura tenia la obligación de funcionar a un nivel estético, pero al mismo tiempo cuestionar esa experiencia generalizada de

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qué es realmente un diamante. Haciendo recerca de material fotográfico, me encontré con eso párrafo cortito y patético: “The Sancy: This diamond got its name after French ambassador de Sancy that owned him in the 16th Century. This diamond is considered to be One of the smallest of the world’s biggest diamonds.” De los diamantes más grandes del mundo, es uno de los más pequeños.

Pieza 3: The Atropa Belladonna Incident/ Perception of the beholder 2010. 81 x 65 cm. Óleo sobre lino La percepción de quien mira: Con la única excepción de la fruta, la entera Atropa Belladona planta está cargada de los serios venenos; alcaloides atropine y scopolamine. En viejos tiempos, el jugo de la planta fue empleado por las doncellas. Con cuentagotas se aplicaba a los ojos con el fin de dilatar las pupilas, para parecer más atractiva. Las pupilas dilatadas normalmente es señal

de excitación, lo cual significa sentirse atraído por lo que uno está mirando. Las doncellas utilizaban el aceite de la Belladonna para parecer estar atraídas por los hombres que estaban dando conversación. Este hecho normalmente seria capturado por el subconsciente de éste, cargándole con autoestima y la probable atracción mutual hacia la mujer. Paradójicamente el uso continuo de dicha técnica causa la perdida temporal o permanente de la vista. ¿De qué se trata tu intervención para el teatro? ¿Cómo se va a formalizar? ¿Cuáles son los puntos de riesgo de la propuesta o qué elementos se están poniendo en juego en esta propuesta que no hubieras experimentado con anterioridad? Mi proyecto se llama “La pintura perfecta”. Básicamente es un texto, escrito por mi y leído por Pep Carpena. Dura aproximadamente unos diez minutos. El teatro está a oscuras y al escenario sólo se ve una silla con un foco de luz muy tenue. La silla fija la mirada, para que el público se puede concentrar mejor sobre lo que

G. explica la voz. El texto es en primera persona, hablo directamente al publico. Se trata de mi primera intervención en un teatro, dado que básicamente mi trabajo se centra en la pintura desde hace diez años. El texto habla de la parte más artesana de la pintura y el gusto por los materiales. Al mismo tiempo intenta explicar el papel de la pintura en el mundo del arte contemporáneo. La pintura perfecta se puede leer al completo en www.rasmusnilausen.dk que hi mantinc (llengua catalana, llengua mare). Es formalitza com un discurs amb aparença de discurs polític, sense ser-ho Parlar clar i català són els punts de risc i els elements que per primer cop poso en risc i joc en la proposta.

Rasmus G. Nilausen - La pintura perfecta; teatre de l’Estruch.

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TAMARA KUSELMAN

¿Nos puedes explicar brevemente tu trayectoria, aquellas cosas que consideras relevantes de tu recorrido curricular? Comencé mis estudios en Argentina y desde el 2001 vivo en Barcelona, realicé el Cicle Formatiu de Grau Superior en escultura en la Escola Massana y estoy acabando la licenciatura en la Facultat de Belles Arts de Barcelona, He participado en exposiciones colectivas como 7 songs, KKKB, Barcelona. FAX, premi Miquel Casablanques ‘10. ENTES. Exposición autougestionada por 31 artistas en un piso de 40m2. ‘09. ...tègia para después del colapso ante de la estra…Centre Cívic Can Felipa, Convocatoria ’09 entre otras e individuales como Encontrarse con otro, NauEstruch. Sabadell y en la galería Crimson en Bs. As. durante 2008. He realizado workshops como Poéticas y políticas de la deconstrucción: en torno a Jacques Derrida. MACBA 09. Peut-être un jour… El pensar intempestivo en Michel Foucault. Miguel Morey. MACBA 09. Idees rebudes. Un vocabulari per a la cultura artística contemporània. MACBA 08 entre otros.

¿Nos puedes explicar en qué intereses se basan tu trabajos o cuáles son los signos representativos de tu obra y, después, cómo los relacionas con la idea de límite planteada en el taller? Céntrate en 3 trabajos como mucho. Mi trabajo tiene como eje los distancias que se establecen en las relaciones, utilizando la narrativa y su vínculo con la imagen. Este conjunto de trabajos se desarrollan en formatos que van desde el vídeo, la fotografía y la instalación hasta intervenciones mínimas que pueden pasar desapercibidas para la mayoría de los espectadores. El interés por lo narrativo es, sin embargo, una constante en todos ellos. Varios de estos proyectos responden a una manera de trabajar: utilizar imágenes simples y sobre ellas una serie de historias van aumentando, alterando o contradiciendo el significado inicial, para así generar lecturas no estables. Mantener la tensión es una de las características de estos trabajos. Muchas de estas obras no tienen un comienzo y un final sino una narración indefinida que genera falsas expectativas, jugando con la

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importancia de los significados, el deseo, la manipulación y el absurdo. Ten in a line Un grupo de personas se mantienen de pie sin hablar en un espacio vacío. Un narrador relata historias que se refieren a ellos y a sus supuestas relaciones. Describiéndolos, afirmando y proyectando sus pensamientos y emociones.

Me llamo Claudio En un evento en un espacio expositivo, dos colaboradores (un hombre y una mujer) se infiltran entre las personas que acuden a la misma el día de la inauguración. Comienzan a decir frases al oído de éstas y se apartan. La elección de los receptores es aleatoria. Las frases han sido extraídas de páginas de contactos y se dirigen al que las escucha de forma directa, son propuestas, interrogantes, y afirmaciones.

Encontrarse con otro Dos chicas son grabadas mientras se encuentran por primera vez. Mantienen una conversación de media hora. Ambas son actrices interpretando un papel, al mismo tiempo, ninguna de ellas sabe que la otra está actuando también. Los personajes que interpretan son construidos a partir

de la información que recibieron en una entrevista privada con una “persona real” dos días antes. Están condicionadas a no agregar información que no hayan recibido de la fuente “real” forzándolas a buscar estrategias para evitar “mentir”. ¿De qué se trata tu intervención para el teatro? ¿Cómo se va a formalizar? ¿Cuáles son los puntos de riesgo de la propuesta o qué elementos se están poniendo en juego en esta propuesta que no hubieras experimentado con anterioridad? Encontrarse con otro (versión para teatro) Encontrarse con otro es un trabajo en el que dos actrices se hacían pasar por otra persona a la que habían entrevistado anteriormente. Encontrarse con otro (versión para teatro) es una actuación guionada por fragmentos de esas primeras entrevistas.

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Tamara Kuselman - Encontrarse con otro (versión para teatro); teatre de l’Estruch.

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XAVIER RISTOL ¿Nos puedes explicar brevemente tu trayectoria, aquellas cosas que consideras relevantes de tu recorrido curricular? Si tengo que escoger, pues creo que el proyecto que estoy llevando a cabo ahora, con la colaboración de la Fundació Guach Coranty, que tiene que ver con un paisaje sonoro peculiar. También puedo destacar mi ultima exposición individual en La Capella “Geòrgia & altres qüestions” en febrero del 2010 y “Les estances” SIS Galeria en el 2008,en este marco (L’Estruch) la intervención en el teatro “El Falso Pulgar” y la individual “Sense ficció” que hice en diciembre del 2009. ¿Nos puedes explicar en qué intereses se basan tu trabajos o cuáles son los signos representativos de tu obra y, después, cómo los relacionas con la idea de límite planteada en el taller? Céntrate en 3 trabajos como mucho. Los intereses de mi trabajo últimamente giran entorno a la narrativa, no lineal, de ciertos hechos aparentemente reales, que llevan implícito alguna cuestión, mito o banalidad que me interesa. Algunas veces trato de reflexionar en torno la naturaleza

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Xavier Ristol - El falso pulgar (El fals polze); teatre de lâ&#x20AC;&#x2122;Estruch.

de los hechos, para generar algo, otras simplemente observo y registro el proceso. La idea de límite que puedo relacionar con el trabajo que presento en el teatro, se basa en el hecho de narra el origen del trabajo de otro para saber donde inicia uno el suyo. Claro que, en otros trabajos... “Geòrgia & altres qüestions” y “la naturalesa de l’engany” ya hablaba de ello. ¿De qué se trata tu intervención para el teatro? ¿Cómo se va a formalizar? ¿Cuáles son los puntos de riesgo de la propuesta o qué elementos se están poniendo en juego en esta propuesta que no hubieras experimentado con anterioridad? Se trata de un texto, una lectura dramatizada. Un actor, una mesa de juego, y un texto... o un truco? El riesgo es utilizar el teatro como marco, la propuesta corre el riesgo de ser un texto escrito por mi y, he puesto en juego a mi abuelo.

PONÈNCIES

Fotografies realitzades a NauEstruch

T N

Organitza

Col路labora

Amb la col路laboraci贸 de Vena, Por la

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