Revista LetrArtes by jacqueline.895

LetrArtes El gran poema de Dorothea Tanning

Entrevista con Leonora Carrington La vida de Remedios Varo en MĂŠxico 1

El collage y la naturaleza para Alice Rahon

Editorial En la historia del arte y la literatura ha habido una gran cantidad de movimientos artísticos que han causado revuelo. Corrientes como el Dadaísmo, Expresionismo o Surrealismo proponen una forma distinta de concebir al mundo. Este último, le da valor a la locura y fantasía para que por medio de ellas el artista cree una reacción automática. Dicha reacción está basada en la subjetividad de la persona y en el cómo ve él todo aquello que lo rodea. Este movimiento fue adoptado por varios artistas en su mayoría de sexo masculino. No obstante, las mujeres tuvieron un papel fundamental para que el Surrealismo se diera a conocer. Entre las más destacadas por la originalidad de sus obras están Dorothea Tanning, Remedios Varo, Leonora Carrington y Alice Rahon. A ellas les dedicamos este número a manera de reconocimiento ya que lograron impactar con sus trabajos la conciencia de muchos y su forma de percibir la realidad. Mediante pinturas, esculturas, poemas o cuentos, estas mujeres trasgredieron lo establecido en su época y crearon una nueva. Una en la que el mundo es interpretado con una configuración distinta en la que lo ordinario se une para crear lo extraordinario. María Guadalupe Orozco Montaño

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Índice “El surrealismo se tiñe de rosa” Leonora Carrington Biografía Obras

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Biografía Obras

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Biografía Obras

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Biografía Obras

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Remedios Varo Dorothea Tanning Alice Rahon

Imagen: Dorothea Tanning. (1957). Midi et demi (Half Past Noon).

El surrealismo se tiñe de rosa Surrealismo: Reflejo del funcionamiento del subconsciente, que deja de lado cualquier tipo de control racional.

Imagen: Dorothea Tanning. (1941). The magic flower game.

El surrealismo fue una corriente de las artes de vanguardia europeas que surgió en Francia a principios del siglo XX originada como una reacción al racionalismo y al materialismo de la sociedad occidental. Movimiento influenciado fuertemente por Freud y por el marxismo, que enfatiza el papel del inconsciente en la actividad creativa. El poeta y crítico André Breton (1896-1966) es el principal líder y mentor de este movimiento. En el surrealismo, la expresión del pensamiento surge de forma espontánea y automática, y solo es regulado por los impulsos subconscientes, haciendo caso omiso de la lógica y la negación de las normas establecidas de orden moral y social. El origen del término “surrealismo” ocurrió en 1917, a través de G. Apollinaire, siendo una palabra con el significado de “lo que está por encima del realismo”. A pesar de ello, como movimiento artístico y literario, sólo

surgió en Francia en la década de 1920. Ocurrió en 1917, a través de G. Apollinaire, siendo una palabra con el significado de “lo que está por encima del realismo”. A pesar de ello, como movimiento artístico y literario, sólo surgió en Francia en la década de 1920. De entre sus características, el surrealismo propone la valorización de la fantasía, la locura y la utilización de la reacción automática. En esa perspectiva, el artista debe dejarse llevar por el impulso, registrando todo lo que le venga a la mente y sin preocuparse por la lógica. Por lo que este arte fue una combinación del representativo, del abstracto, del irreal y del inconsciente. Entre muchas de sus metodologías están el collage y la escritura automática. Así, para los surrealistas, el arte debe liberarse de las exigencias de la lógica y de la razón e ir más allá de la conciencia cotidiana, buscando para ello expresar al 8

mundo inconsciente y de los sueños y buscando además en una forma deliberada a lo bizarro e irracional para expresar verdades ocultas, inalcanzables por medio de la lógica. Fueron dos formas dentro del movimiento Joan Miró y Max Ernst, quienes practicaban el arte improvisado, distanciándose lo más posible del control consciente. Por su parte, otros, como Dalí, de Chirico y Magritte, usaban técnicas realistas para presentar escenas alucinatorias que desafiaban el sentido común. El surrealismo fue, por tanto, la corriente artística moderna de la representación del irracional y del subconsciente que se desarrolló de un arte que criticaba la cultura europea y la frágil condición humana ante un mundo cada vez más complejo que interfería de manera fantasiosa en la realidad.

Por todo ello, este movimiento artístico surge cada vez que la imaginación se manifiesta libremente, sin el freno del espíritu crítico y teniendo únicamente validez el impulso psíquico. Esto es, dejar al mundo real para penetrar en lo irreal y aproximarse a lo fantástico para que la razón humana pierda el control. El surrealismo presenta relaciones con el Futurismo y el Dadaísmo. Sin embargo, si los dadaístas proponían sólo la destrucción, los surrealistas predicaban la destrucción de la sociedad en que vivían y la creación de una nueva, a ser organizada en otras bases. De esa forma, los surrealistas buscaban alcanzar otra realidad, situada en el plano del subconsciente y del inconsciente y utilizando a la fantasía, a los estados de tristeza y a la melancolía como un medio ideal para expresar la fusión de sueño y de realidad, en una especie de realidad absoluta llamada surrealidad. 9

Importante es señalar que, a través de la pintura, las ideas del surrealismo fueron mejor expresadas, pues a través de la pantalla y de las pinturas, los artistas plásticos ponían sus emociones, su inconsciente y la hábil representación del mundo concreto que se anhelaba exponer y representar. El movimiento artístico del surrealismo se dividió en dos corrientes. La primera, representada principalmente por Salvador Dalí, trabaja con la distorsión y la yuxtaposición de imágenes conocidas. Su obra más conocida en este estilo es La Persistencia de la Memoria, obra en la que aparecen relojes diseñados de tal forma que parecen estar derritiéndose. Los artistas de la segunda corriente, por su parte, liberan a la mente y dan flujo al inconsciente, sin ningún control de la razón; Joan Miró y Max Ernst son sus principales representantes y en sus obras vemos, por ejemplo, a las pantallas

que salen con formas curvas, líneas fluidas y con muchos colores: El Carnaval de Arlequim y La Cantante Melancólica son dos pinturas de Miró que representan muy bien esta vertiente del surrealismo. El surrealismo, más allá de su dimensión artística, tuvo un objetivo último, y en cierto modo trascendente: alcanzar una radical renovación de la humanidad, a través de la transformación de sus esquemas culturales, pues según André Breton: “el hombre ha guardado en su propio pensamiento, realidad desconocida de la que depende, sin duda, la organización futura del mundo”. Cabe destacar que, en sus inicios, el surrealismo era un proyecto esencialmente literario, pero poco a poco fue infectando a las demás disciplinas artísticas. De esta consolidación hallamos dos líneas de arte que aparecen en todas las formas artísticas: una figurativa propia

automática, espontánea y fluida y una naturalista que muestra con hiperrealismo al mundo de los sueños y al inconsciente. El arte surrealista suele ser incongruente, onírico y muy original, en el sentido que el artista muestra su faceta más individual, aunque es curioso, pues el arte surrealista tiene algo universal que todos podemos entender y que hasta los niños pueden captar. Con el movimiento ya establecido en los años 30, y con los más extraordinarios artistas apoyándolo, Breton se convirtió en una especie de Papa: tan celoso era de la pureza de su teoría que realizaría purgas a todo aquel que cuestionara sus postulados; esto hizo que fueran expulsados del movimiento figuras tan brillantes como Dalí o Artaud.

«El hombre que no puede visualizar un caballo al galope sobre un tomate es un idiota» (André Breton)

Imagen: Leonora Carrington. (1965) N/A

Leonora Carrington

Leonora Carrington en su estudio en la ciudad de México.

Nació en 1917 en Inglaterra y murió en la ciudad de México en 2012 a los 94 años de edad. En 1936 ingresó en la academia de arte Ozenfant en Londres. Un año después conocería a quien a introdujera directamente al mundo de lo surrealista: Max Ernst. Con él mantuvo una relación sentimental a pesar de ella era veintisiete Nació en 1917 en Inglaterra y murió en la ciudad de México en 2012 a los 94 años de edad. En 1936 ingresó en la academia de arte Ozenfant en Londres. Un año después conocería a quien a introdujera directamente al mundo de lo surrealista: Max Ernst. Con él mantuvo una relación sentimental a pesar de ella era veintisiete años menor y él estaba casado. Motivos por el cuales Carrington no contaba con la aprobación de su

13Imagen: Leonora Carrington.(1998) How Doth the Little Crocodile.

padre. Pero Leonora hizo caso omiso y se fue a vivir con Ernst. Pero sólo estuvieron juntos un año pues en 1939 Ernst fue declarado enemigo del régimen de Vichy y mandado a un campo de concentración. A causa de esto, Leonora tuvo un desequilibrio emocional y su padre la envió a un psiquiátrico en Santander. Tiempo después escapó del sanatorio y al retomar su trabajo como artista plasmó todo lo vivido en una obra autobiográfica. Gracias a dicha obra, Carrington llamó la atención de André Bretón quien la vio como una embajadora de vuelta del “otro lado”. Posteriormente, tuvo contacto con otros autores representativos de la corriente como fueron Pablo Picasso y Salvador Dalí. Leonora llegó en 1941 a la ciudad de Lisboa donde encontró apoyo en la embajada de México. Ahí, Renato Leduc le ayudó a emigrar a México donde se estableció. Se casó con él ese mismo año pero posteriormente se separaron. Pero

la autora aprovechó su permanencia en México para hacer amistad con artistas como Benjamín Péret, Alice Rahon, Wolfgant Paalen y Remedios Varo entre otros. En los ochenta Carrington comenzó a fundir esculturas en bronce en los que el tema era las realidades que confronta la realidad de la vejez.

Obra Otros temas recurrentes en su obra eran la alquimia y los cuentos de hadas que pueden verse reflejados en parte de sus creaciones. Gracias a su trabajo fue ganadora del Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes en 2005. Entre sus trabajos más importantes en prosa están La casa del miedo, Una camisa de dormir de franela. Entre sus cuadros destaca The Temptation of Saint Anthony. Y en cuanto a esculturas, El brujo es la más popular.

Fragmentos de la entrevista a Leonora Carrington Por Cristina Carrillo de Albornoz -XL. Usted tiene más fe en los animales, una constante en su obra, que en las personas. ¿Tan terribles somos?

-L.C. Como sabe, no hago una separación entre humanos y animales. Tenemos un alma humana, pero también de animal. No creo que los seres humanos sean una raza muy divertida. Se está creando un mundo horrible, lleno de guerras absurdas, odios feroces e injusticias. Todo ello habla de la calidad de los animales humanos. Estoy convencida de que la raza humana no es superior a la de otros animales. Creo que el mundo animal es universal, pero su potencial no ha

sido explorado. Mis pinturas preferidas son las de las cuevas de Altamira. -XL. ¿Tiene algún sueño? -L.C. El máximo es saber qué pasara después de la muerte. Es lo que más me gustaría conocer. Los sueños son lugares y la muerte, también. Cada ser humano se convierte en una personalidad diferente al dormir, y lo mismo sucede al morir. Son lugares en los que la tercera dimensión desaparece, de la misma forma que se evapora el consciente. -XL. ¿Qué expectativas tenía cuando empezó a pintar? -L.C. Nunca las tuve. Yo no decidí ser pintora. La pintura lo decidió por mí. Me escogió y me inventó y yo simplemente lo he hecho lo mejor que he podido. Estudié mucho en Londres, en París, en Italia. Necesitaba la técnica, no ideas,

porque cada uno tiene las suyas. Continúo estudiando. Me considero una eterna estudiante. -XL. La pintura es un arte solitario. ¿Es usted de las personas que disfruta de la soledad? -L.C. No, no me gusta. Trato de entenderla, porque uno no puede aceptar algo que no entiende. Y cuando digo entender, me refiero a con todo el ser, con los centros vitales que tenemos, las sensaciones, las emociones. -XL. ¿Qué concepción de la pintura tiene? ¿Qué ritmo de trabajo lleva en la actualidad?

-L.C. Este arte es como un centro donde todos los lugares invisibles de la mente se vuelven visibles. Sólo pinto cuando siento energía, pero continúo viviendo cada día por y para mi trabajo. Pintar

es para mí un oficio artesanal, como el de los carpinteros que usan las manos y el cuerpo para crear una visión. Es algo artesanal y ese procedimiento está desapareciendo. Los surrealistas eran muy buenos en ese sentido. Picasso, que venía a visitarnos a Max y a mí, era ante todo un gran artesano. -XL. Los surrealistas tenían una concepción de la mujer que no le va nada a usted. La consideraban un adorno. La mujer era la musa. -L.C. Completamente. La tumbaban desnuda y con una sonrisa en un diván, y allí la dejaban. Pero Max era distinto. Nos veíamos con ellos en el campo, en Saint Martín D’Ardèche. Fue uno de los periodos más fecundos de mi vida. Lo que yo nunca fui es la mujer-niña que Breton quería ver en las mujeres, ni consentía que me trataran como tal. Pero tampoco ambicioné cambiar al resto. Simple-

mente aterricé en el surrealismo; nunca pregunté si tenía derecho a entrar. En el fondo, siempre he trabajado muy aislada, en mi mundo. -XL. ¿Qué le gustaba de Breton? -L.C. Lo admiraba profundamente. Era muy inteligente, pero muy dominante.

«El inconveniente de las mujeres –como decía Breton, obsesionado por el cuerpo femenino– es que son el más maravilloso y perturbador problema del mundo.»

-XL. ¿Ha leído El amor loco, de Breton? -L.C. No leí nada de él, pero sé que en ese libro ofrecía una visión muy romántica del amor y de su mujer, Nadja. La realidad es que cuando ella se volvió loca, la dejó sola. -XL. Los surrealistas eran en el fondo unos románticos. ¿Usted lo es? -L.C. El romanticismo ayuda. ... 17

-XL. Fue amiga de muchas mujeres.

Max Ernst, Leonora Carrington, Marcel Duchamp y André Breton

Fragmentos del cuento Los conejos blancos … El edificio que había frente a mi ventana, con unas cuantas volutas de enredadera, tenía el aspecto negro y vacío de una morada azotada por la peste y lamida por las llamas y el humo. No era así como yo me había imaginado Nueva York. Una tarde me lavé el pelo y me senté afuera, en el diminuto arco de piedra que hacía de balcón, para que se me secara. Apoyé la cabeza entre las rodillas, y me puse a observar una moscarda que chupaba el cadáver de una araña, a mis pies. Alcé los ojos, miré a través de mis cabellos largos, y vi algo negro en el cielo, inquietantemente silencioso para que fuera un aeroplano… ellas fugaces. Imagen: Leonora Carrington. The Candle game

Mi curiosidad por la casa y su ocupante me impulsó a comprar un gran trozo de carne a la mañana siguiente. Lo puse en mi balcón sobre un periódico y esperé. Seguidamente, un movimiento en uno de los rincones atrajo mi atención, entonces me di cuenta de que había una tercera persona en la habitación…

20 Remedios Varo. (1956)Tres destino. Imagen:

Remedios Varo «Llegué a México buscando la paz que no había encontrado ni en España (la de la Revolución), ni en Europa (la de la terrible contienda), para mí era imposible pintar entre tanta inquietud»

Remedios Varo en su estudio

Fue pintora surrealista, escritora y artista gráfica española exiliada política en México primero y más tarde naturalizada mexicana. Fue una de las primeras mujeres que estudiaron en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. . En 1937 viajó a París junto al poeta surrealista francés Benjamin Péret y en 1941 con la llegada de los nazis a la capital francesa, se exilió a México. Nunca regresó a España. En 1935 compartió el estudio con el también pintor surrealista Esteban Francés, quien la introdujo al círculo surrealista de André Breton. La vida de Remedios se vio rodeada de misticismo, sus temas de interés iban desde la teoría psicoanalítica hasta la alquimia, tal como se expresa en múltiples cuadros suyos. Hasta el final de su vida no consiguió vivir de la pintura. Siempre realizó trabajos artísticos de supervivencia, sobre todo como ilustradora publicitaria. 22

También pintó instrumentos musicales y muebles; realizó los decorados de la película “La aldea maldita”, de Florián Rey; falsificó por encargo cuadros de Giorgio de Chirico y diseñó trajes y tocados para teatro y ballet junto a Leonora Carrington y Marc Chagall. Falleció el 8 de octubre de 1963 en la Ciudad de México de un infarto de miocardio. En su estudio se encontraba la última obra que pintó: Naturaleza muerta resucitando, y el boceto del que sería su siguiente cuadro: Música del bosque. A su muerte, André Breton escribió:

“El surrealismo reclama toda la obra de una hechicera que se fue demasiado pronto”

Obra

Imagen: Remedios Varo. (1960) Ramo floral con pájaros.

La obra de Varo evoca un mundo surgido de su imaginación donde se mezcla lo científico, lo místico, lo esotérico y lo mágico; está considerada una artista de la alquimia dedicada a hacer revivir mundos que en su pintura surgen de los cuentos de hadas del inconsciente destaca en la recuperación de su memoria la periodista cultural e investigadora española Mercè Ibartz. La obra de la pintora es vasta y compleja con un estilo característico y fácilmente reconocible. En su obra aparecen con frecuencia figuras humanas estilizadas realizando tareas simbólicas, en las cuales se tienen a la vez elementos oníricos y arquetípicos. Su obra completa está teñida de una atmósfera de misticismo, plasmado en las figuras representativas del mundo secular moderno. Su pintura está puntualizada

por un marcado interés por la iconografía científica, por ello años después las obras de la pintora han sido retomadas cada vez con más frecuencia en la literatura de divulgación. De su obra, Ascensión al monte análogo de 1960 la artista comenta:

“Como veis, ese personaje está remontando la corriente, solo, sobre fragilísimo trocito de madera y sus propios vestidos le sirven de vela. Es el esfuerzo de aquellos que tratan de subir a otro nivel espiritual”

Imagen: Remedios Varo. Ascensión al monte análogo.

(1960)

Sus lienzos están realizados con la minuciosidad de un orfebre y reflejan la unidad cósmica y las interconexiones entre diferentes planos de la realidad: la materia y el espíritu, el mundo animal, el humano y el vegetal. Otro de sus grandes temas, que fascinó a los surrealistas, es el de la mujer maga, más ligada al inconsciente que los hombres y dotada de poderes superiores. Su originalidad reside en que nos las emplaza en el en ocasiones tan denostado ámbito doméstico. Remedios Varo es de las primeras mujeres artistas en introducir y popularizar su trabajo en México, gracias a sus relaciones personales con otras artistas que radicaban allí, como la pintora británica Leonora Carrington, con quien conservó una buena amistad, y otros miembros de la élite artística e intelectual mexicana de mediados del siglo XX.

Sus cuadros, muchos de los cuales están conservados en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, han sido expuestos en numerosas ocasiones como exposiciones temporales. Junto con la obra de otras mujeres surrealistas se presentaron cuadros populares de Varo en In Wonderland, llevada a cabo en el Museo de Arte Moderno a finales del 2012 y principios del 2013. Su obra ha tenido un gran impacto en el mundo del arte especialmente en México, el país que la acogió y donde la imagen de Remedios Varo se ha popularizado. En España a pesar de algunos homenajes en Barcelona en el 2008 su obra es todavía poco conocida.

«Una vida inocente, nada de temor, ni de dolor, ni de culpabilidad, el metro cuadrado alrededor es completamente seguro, pero… tantas abejas han entrado y se han puesto a fabricar miel, que ya hay casi un metro y me llega a más de medio cuerpo. No sé que hacer, si siguen quedaré enterrada en miel… Adorable manera de morir»

Un pequeño fragmento de una entrevista «¿En qué piensa usted que el surrealismo ha contribuido al arte en general? - En la misma medida en que el psicoanálisis ha contribuido a explorar el subconsciente».

«Esta señora sale del psicoanalista arrojando a un pozo la cabeza de su padre —como es correcto al salir del psicoanalista—. En el cesto lleva desperdicios psicológicos: un reloj, símbolo del temor de llegar tarde, etcétera. El doctor se llama Dr. FJA (Freud, Jung, Adler)» Imagen: Remedios Varo. (1960) Mujer saliendo del psicoanalista.

Dorothea Tanning

Dorothea Tanning en su estudio

Fue una pintora, escultora, ilustradora y escritora estadounidense que nació en 1910 y murió en 2012. Vivió en París durante 28 años y estuvo casada con Max Ernst quien la introdujo en el grupo de los surrealistas. Su obra más conocida, Pequeña serenata nocturna (una oscura pintura llena de simbolismo, irónicamente llamada igual que la alegre serenata de Mozart), muestra sus vínculos con el grupo, aunque más tarde su estilo artístico pasó a ser impresionista. En 1946 se casó con Max Ernst en una doble boda junto con Man Ray (fotógrafo) y su novia, Juliette Browner. En 1937 la joven Dorothea Tanning, vivió un acontecimiento que tuvo una importancia radical en su vida: la

Imagen: Dorothea Tanning. PequeĂąa serenata nocturna

(1943)

visita a la mítica exposición del Museo de Arte Moderno de Nueva York Arte fantástico, dadá y surrealista le causó un impacto tal que decidió trasladarse a París después de haber conseguido cartas de presentación para destacados miembros de las vanguardias artísticas, como Max Ernst, Yves Tanguy y Chaïm Soutine, entre otros. Sin embargo, ironías del destino, encontraría París vacío. Era el año 1939 y muchos intelectuales europeos habían huido de un continente a punto de estallar hacia Estados Unidos. Tras llamar a varias puertas sin éxito, se trasladó a casa de su familia paterna en Suecia, donde permanecería haciendo retratos de la familia hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial. De hecho, en 1942 pintó uno de sus cuadros más conocidos, Cumpleaños, un curioso autorretrato en el cual, vestida con un atuendo teatral que deja parte de su cuerpo al descubierto, aparece en un espacio de ensueño, puertas que se

Imagen: Dorothea Tanning. (1950). Bateau bleu (The Grotto)

Imagen: Dorothea Tanning (1946). Pocketbook

abren al infinito. Acurrucado a sus pies, un animal con significaciones teosóficas nos recuerda el interés de la artista por lo inasible: "Mis sueños", escribía años después, "surgen de objetos que no tienen equivalentes en el diccionario". Se trataba de su segundo o tercer cuadro bajo la influencia del surrealismo, y se expondría en la muestra de mujeres en la galería de la marchante y coleccionista de arte Peggy Guggenheim, Art of this Century. Ese mismo año, Max Ernst, al que había buscado en vano en París, amante de Gala Dalí y durante algún tiempo pareja de la propia Guggenheim, visitaba a Tanning en su estudio y se quedaba fascinado frente a Cumpleaños. Jugaron una partida de ajedrez -según cuenta en el relato que más circula- y decidieron pasar juntos el resto de sus vidas; decisión que cumplieron, porque su matrimonio duró hasta 1976, fecha en la que murió Ernst.

Mujer saludando a los árboles

Lo normal es que nadie se dé cuenta al principio. Me ha dado por maravillarme de los árboles del parque. Algo puedo deciros: son hermosos y lo saben.

Cuando estoy a sus pies sienten que los observo, miran cómo agito mi necia mano, y envidian la alegría de ser un blanco móvil.

También están exhaustos, cientos de años atascados en el mismo lugar: hermosos paralíticos.

Los ociosos que pueblan los bancos empiezan a fijarse. «Hay gente para todo…», se oye decir.

Muchos tienen los ojos perdidos en el suelo, como si de verdad no hubiera nada que mirar, hasta que ahí va esa mujer saludando a las ramas de estos viejos árboles. Alzad la frente, amigos, mirad arriba, puede que veáis más de lo que nunca os pareció posible, justo ahí donde algo la saluda tal vez para decirle que ha visto lo maravilloso.

Imagen: Dorothea Tanning. (1943) Daphne

Imagen: Alice Rahon. (1956-1966) La balada de Frida Kahlo

Alice Rahon Fue una poeta y pintora surrealista francesa que radicó una buena parte de su vida en México, en donde sería una precursora del expresionismo abstracto. Su periodo de mayor actividad pictórica se dio entre las décadas de los cuarenta y los sesenta. En 1931 se mudó a París al lado de su hermana y se vio inmersa en la escena bohemia de esta ciudad. Fue ahí que conoció a Wolfang Paalen, un pintor austriaco, con quien se casó en 1934. Para la artista su estancia en París sería su entrada al Surrealismo y su comienzo en la poesía. En su poesía, Rahon continuamente se refería a su infancia, a su padecimiento y a la nostalgia. 35

Alice Rahon en su estudio

A su llegada a México comenzó a pintar, lo hacía principalmente con óleo; sin embargo, también hizo dibujo, collage y otros objetos. Sus principales influencias fueron el surrealismo, la poesía y sus viajes. Su temática consistía en paisajes, fiestas populares, naturaleza, mitología, leyendas y homenajes a artistas que admiraba, como Frida Kahlo, Giorgio de Chirico, Pablo Neruda, Diego Rivera y Joan Miró. En la pintura de Rahon hay una dominante presencia de la naturaleza plantas, animales, el agua, el cielo, las montañas se dan cita en sus cuadros para cobrar una significación diferente. Rahón, no deja caer sobre la tela o el papel el peso de pinceles, lápices o polvos, sino que establece contactos fugaces, estrictamente indispensables La movilidad de los instrumentos libera las voces de los materiales. 36

Sin proponérselo, sus mecanismos cons cientes o inconscientes son los del arte surrealista. «No podría, no sabría actuar de otra manera. Entre las texturas y los se establecen líneas divisorias. Al pegar plumitas, hojitas secas, papelitos recogidos en la calle, alitas de mariposas, algodoncitos quemados, realiza un conjuro con la más inocente, necesaria y profunda convicción de que el todo, la inmensidad, no serán idénticos a como eran antes de esa minúscula manipulación. Siempre hago el collage sobre fondo de óleo. El collage añade otra dimensión. Al pegar las plumitas logré darle homogeneidad a los colores ácidos. Un cuadro nace como un ser vivo, en una operación mágica se inicia su propia vida espiritual. Ellos tienen su propia presencia, por eso cuando me adquieren una obra les pido que no la vayan a guardar en el clóset; es como si encarcelaran algo que necesita de una

constante comunicación. Un cuadro oculto deja de vivir junto poco a poco las cosas y ellas al fin se encuentran entre sí, por eso el collage es un medio de expresión bastante distinto al óleo ... Las cosas saben encontrarse; ésa es la única realidad del collage: el encuentro mágico. Para mí la pintura es un modo de decir cosas que siento con mucha fuerza, con mucha intensidad. Cuando digo que mi cuadro se llama En busca de identidad es porque reconozco que tengo que volver siempre a la naturaleza para comprender la transformación de los seres. Hay un momento en que un ser no sabe si habrá de ser pájaro o será mujer. El camino a Arauca se lo dediqué a Neruda Con distintas arenas hice los caminos y marqué los pasos con alas de mariposas. Cuando uno recoge una cosa debe tener paciencia porque no sabe si a de encontrar a su pareja» 37

«La técnica es muy suave, la forma corresponde a esa necesidad humana de explicar un fenómeno que uno no ha esperado encontrar. Si todavía hay en mi manera elementos que recuerdan las pinturas de Wolfgang Paalen, es porque como pintora a él se lo debo todo, era un sabio. Pinté morada de pigmeos para protegerlos porque oí que los estaban cazando. Es como jugar con la fragilidad de lo efímero en las cosas bellas. Siempre me fascinó la idea de pintar el aire » Lo que Alice Rahon decía en palabras, en gestos, en modales muy delicados, lo representó con mejores voces en sus pinturas Después de seis años, en 1975 había vuelto a exponer en su estudio y tuvo que sacarlas a pasear, puesto que nos les gustaba estar encerradas. Alice Rahon: Tenue y melancólica POR LA REDACCIÓN , 14 JUNIO, 2009 CULTURA EN LA MIRA, EDICION MEXICO

«La naturaleza me ha hecho vivir y sobrevivir, de pequeña pasé tres años enyesada desde el cuello hasta los tobillos. Para que me distrajera me dejaban en el jardín durante mucho tiempo. Aprendí a conocer a los pájaros y los colores del día. Esa comunicación muy íntima con la naturaleza se aprecia en mi poema Muttra»

Imagen: Alice Rahon. Le Blé (Corn festival)

De A Méme La Terre En la noche del principio la bruma dejó su sangre entre los labios salados más allá de los ojos de sol . La sonrisa de la muerte recostada en el camino inesperada como el rostro del pasado . Para estos destinos paralelos no hay línea en el horizonte en donde reunirse o descansar o huir de los peces crueles de la angustia y la preocupación 39

Estos nada en las orillas de los oscuros ríos que separan a los amantes . La sombra baja una escalera de sol hasta el fondo de mi corazón . La sombra baja una escalera de sol Hasta el fondo de mi corazón . Pienso en los amores castos y pensativos de esos animales que se unen como dándose la mano Traducción de Beatriz Urías Horcasitas .

De Noir Animal

Encuentro de río agua que viene de las nubes y de los manantiales agua que me une a tu destino agua libre que nunca vuelve a sus orígenes último ropaje para mi miedo atraída hacia ti con una argolla en la nariz hasta esta muerte como una gota de agua la noche llamando hasta que nos levantemos trampa del fuego para quemarlo todo Traducción de Beatriz Urías Horcasitas Imagen: Alice Rahon (1960) Principio del paleolítico.