Trabajo 1 by Jahzeel Hernandez

Ă?ndice

Andy Warhol (1928/08/06 - 1987/02/22)

Nació el 6 de Agosto de 198 en Pittsburgh,Pennsylvania, en el seno de una familia de origen Checo. Estudió la especialidad de pintura y escultura en el”Carnegie Institute of Tecnology” y tras terminar la carrera en 1949 se trasladó a Nueva York, donde fue rápidamente reconocido como ilustrador publicitario y Diseñador Gráfico.

Estudió la especialidad de pintura y escultura en el "Carnegie Institute of Technology" y tras terminar la carrera en 1949 se trasladó a Nueva York, donde fue rápidamente reconocido como ilustrador publicitario y diseñador gráfico. Habitual del mundo dislocado del Nueva York de los 70, de los happenings, las fiestas privadas, la psicodelia, el alcohol y las drogas. Maestro del mass-media, pirata del arte, andrógino provocador, homosexual y tímido, paranoide con delirios de grandeza. Admirado, envidiado, odiado hasta el punto de haber sobrevivido en 1968 a un episodio ocurrido en la propia Factory, oscuro en lo personal y en lo artístico, cuando Valerie Solanis le disparó tres veces sobrevive de milagro. El cambio de apellido (de Warhola a Warhol) se debió a un error; la revista Glamour Magazine publicó un dibujo suyo titulado Success is a Jobz en agosto de 1949, pero por una equivocación su apellido apareció como Warhol, en lugar de Warhola. Desde entonces decidió utilizar el nuevo apellido.

Lata De Sopa Campbells

es una obra de arte producida en 1962 por Andy Warhol. Consiste en treinta y dos lienzos, cada uno de 50,8 cm de alto por 40,6 cm de ancho (20 x 16 pulgadas) y con una pintura de una lata de sopa Campbell —cada una de las variedades de sopa enlatada que la compañía ofrecía en aquella época—.2 Las pinturas individuales fueron realizadas con un proceso semimecanizado de serigrafía. El apoyo de Campbell’s Soup Cans en temas de cultura popular ayudó al arte pop a instalarse como un movimiento artístico de trascendencia. 6

Marilyn Monroe Andy Warhol. Artista plástico, pintor y cineasta estadounidense, líder del movimiento Pop Art, hijo de emigrantes checos. Utilizó en 1962 como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea. Fue uno de los primeros creadores en explotar conscientemente su imagen con objetivos autopromocionales. Incursionó también en el cine con cintas como Empire, Kiss, Chelsea girls. Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra. Muchos le consideran como el artista americano más influyente de la segunda mitad del siglo XX. Aun vivo ya era una leyenda por obra, su extravagancia, el número de los escándalos que suscitó, sus 200 pelucas y su vestuario sin olvidar sus decenas de Rolex. El propio Warhol se había convertido por derecho propio en una imagen de marca registrada. En 1994 abrió sus puertas en Pennsylvania el museo Andy Warhol, el museo más grande de Estados Unidos dedicado a un sólo artista.

Roy Lichtenstein (1923–1997) Nació el 27 de octubre de 1923, en Nueva York en el seno una familia judía de clase media alta. Fue el primero de los dos hijos de Milton y Beatrice Werner Lichtenstein. Milton Lichtenstein (1893-1946) fue un corredor inmobiliario exitoso y Beatrice Lichtenstein (1896-1991), una ama de casa que había estudiado como pianista. Ella expuso a Roy y su hermana Rénee a museos, conciertos y otros aspectos de la cultura de Nueva York. Roy demostró capacidad artística y musical desde el principio: él dibujó, pintó y esculpió siendo adolescente y pasó muchas horas en el Museo Americano de Historia Natural y el Museo de arte moderno. Tocó piano y clarinete y desarrolló un amor perdurable al jazz, frecuentando los locales nocturnos en Midtown para oírlo. Lichtenstein asistió a la escuela de Franklin para los niños, una secundaria privada y se graduó en 1940. Ese verano él estudió pintura y dibujo con Reginald Marsh. En septiembre entró en Universidad de estado de Ohio (OSU). Sus primeros ídolos artísticos fueron Rembrandt, Daumier y Picasso, y él dijo a menudo que Guernica (1937; Museo Reina Sofía, Madrid) fue su cuadro favorito. 8

Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1958 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles de menta, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederic Remington. A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva. Brushstroke (Pincelada), escultura en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, España. Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de los artistas Henri Matisse y Pablo Picasso.

Woman with Flowered Hat

Roy Lichtenstein (1923-1997) signed and dated ‘rf Lichtenstein ‘63’ (on the reverse) Magna on canvas 50 1/8 x 40¼ in. (127.3 x 102.2 cm.) Painted in 1963. 10

M-MAYBE

1965 Style: Pop Art Genre: portrait Media: magna, oil, canvas Dimensions: 152.4 x 152.4 cm Location: Museum Ludwig, Cologne, Germany 11

keith haring (Kutztown, Pensilvania, 1958 - Nueva York, 1990) Artista estadounidense, el más importante de los pintores de graffiti de los años ochenta. Desde muy pequeño Keith Haring empezó a dibujar inspirándose en los dibujos animados que veía en la televisión. Estudió arte en la Ivy School of Art de Pittsburg, donde comenzó a hacer serigrafías para imprimir en camisetas. Prosiguió sus estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, durante 1978 y 1979, bajo la dirección de Keith Sonnier y Joseph Kosuth. En el verano de 1979 presentó una performance titulada Poetry-Word-Things en el Club 57 de Manhattan; al año siguiente, sin embargo, se volcó en los graffiti, dibujando imágenes como las de los dibujos animados, hechas con un rotulador directamente sobre anuncios en el metro de Nueva York.

Keith Haring hizo su primera exposición individual en la galería Tony Shafrazi de Nueva York en 1982 y, a mediados de los años ochenta, sus grandes esculturas de acero pintado se expusieron en la galería Leo Castelli; en estos años hizo pinturas más abstractas, con las siluetas típicas de los puzzles. En 1986 abrió una boutique, la Pop Shop, en la que vendía sus productos; su populismo iba también dirigido a los niños y adolescentes, cuyos monopatines adornaba. Haring era el nexo de unión, gracias a su formación, entre los artistas del graffiti autodidactas y la corriente principal de artistas jóvenes responsable de una forma abrasiva de expresión popular. Su actividad frenética de graffitista le llevó a hacer pinturas en prácticamente todas las estaciones de metro de Nueva York, con el correspondiente riesgo de ser detenido por atacar a la propiedad pública; le gustaba este elemento de peligro y le parecía que era un ingrediente esencial del contenido del arte de los graffiti. En 1986 pintó un trozo del muro de Berlín. En 1989 creó la Fundación Keith Haring para ayudar a remediar problemas sociales. Murió víctima del sida el 16 de febrero de 1990 en Nueva York.

Andy Mouse

1986 Editions Silkscreen 38 x 38 inches 96.5 x 96.5 cm with Andy Warhol Andy Mouse from the portfolio Andy Mouse 14

Flowers IV

1990 Editions Silkscreen 36 x 50 inches 91.44 x 127 cm Edition of 100 15

René Magritte (1898/11/21 - 1967/08/15)

Pintor belga. Durante un primer período la obra de Magritte estuvo fuertemente influida por la figura de De Chirico y por la atmósfera misteriosa de sus pinturas. Más tarde entró en contacto con la vanguardia parisina del momento, presidida por André Breton, y comenzó a desarrollar un surrealismo que iría evolucionando con los años hacia un estilo muy personal, cuyos símbolos giran con frecuencia alrededor de la relación entre el lenguaje y sus objetos. Contrario ya al automatismo, su pintura se hizo reflexiva y minuciosa, y se caracterizó sobre todo por la asociación de elementos disímiles entre los que establece ingeniosas analogías o nexos insólitos y disparatados, pero convincentes dentro de la realidad pictórica. Así, sus referencias se van haciendo cada vez más intelectualizadas, hasta el punto de que muchas de sus obras deben leerse en relación con las tesis del estructuralismo. Son habituales en sus cuadros los juegos de duplicaciones, ausencias y representaciones dentro de representaciones. 16

Los cuadros de Magritte no son revelaciones oníricas ni jeroglíficos cuyo sentido hay que descifrar. Obras como Tiempo pasado (1939, Art Institute, Chicago) no ilustran nada en concreto, en ellas no hay nada más que la magia de una locomotora suspendida en una chimenea que actúa como túnel. Igualmente fantástica es la noche de oscuridad impenetrable que rodea una casa recortada contra un misteriosamente luminoso cielo en El imperio de la luz (1953-1954, Colección Peggy Guggenheim, Venecia). No hay otro enigma en Los amantes (1928, Colección privada, Nueva York) que el de sus rostros desconocidos aludiendo quizá a la imposibilidad de saber quién es el otro. Magritte manipula imágenes cotidianas como un juego con el que quiere devolvernos la frescura de la mirada. En cuadros como Esto no es una pipa (1928) muestra el equívoco que subyace en la formulación de la pintura como representación de la realidad, y evidencia el décalage entre el lenguaje y la cosa que designa poniendo en cuestión la equivalencia entre la palabra y la imagen, y entre ésta y el objeto. La breve emoción de este descubrimiento es lo que Magritte nos ofrece como maravilloso, porque para la construcción de lo fantástico no hacen falta grandes alardes imaginativos, basta con la violación de las leyes que rigen el orden común poético de las cosas, con cuestionar la solidez de los principios, siempre convencionales y estereotipados, sobre los que construimos nuestra existencia cotidiana.

Esto no es una Pipa

Artista: René Magritte Ubicación: Museo de Arte del Condado de Los Ángeles Período: Surrealismo Fecha de creación: 1928–1929 Medios: Pintura al aceite

Los Misterios del Horizonte

Artista: René Magritte Período: Surrealismo Medios: Pintura al aceite Fecha de creación: 1955 19

Joan Miró (Barcelona, 1893 - Palma, 1983) Joan Miró nace en Barcelona en 1893, pero sus paisajes emocionales, los que lo formarán como persona y artista, son esencialmente Mont-roig, París, Mallorca y más adelante Nueva York y Japón. Mont-roig, una pequeña población de la comarca del Baix Camp, será el contrapunto a la agitación intelectual que vive en París en los años veinte junto a los poetas surrealistas, y al estímulo del expresionismo abstracto que descubre en Nueva York en los años cuarenta. Más tarde, en plena Segunda Guerra Mundial, Joan Miró abandonará su exilio en Francia y se instalará en Palma de Mallorca, espacio de refugio y de trabajo, donde su amigo Josep Lluís Sert diseñará el taller que siempre había soñado.

De regreso a Barcelona, ingresó en la Academia de Arte dirigida por Francisco Galí, en la que conoció las últimas tendencias artísticas europeas. Hasta 1919, su pintura estuvo dominada por un expresionismo formal con influencias fauvistas y cubistas, centrada en los paisajes, retratos y desnudos. Ese mismo año viajó a París y conoció a Picasso, Max Jacob y algunos miembros de la corriente dadaísta, como Tristan Tzara. Alternó nuevas estancias en la capital francesa con veranos en Mont-roig y su pintura empezó a evolucionar hacia una mayor definición de la forma, ahora cincelada por una fuerte luz que elimina los contrastes. En lo temático destacan los primeros atisbos de un lenguaje entre onírico y fantasmagórico, muy personal aunque de raíces populares, que marcaría toda su trayectoria posterior. En 1928, el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus telas, lo que supuso un primer reconocimiento internacional de su obra; un año después, contrajo matrimonio con Pilar Juncosa. Durante estos años el artista se cuestionó el sentido de la pintura, conflicto que se refleja claramente en su obra.

Mayo 1698

Artista: Joan Miró Género: Arte abstracto Fecha de creación: 1973 Técnica Acrílico y óleo sobre tela Dimensiones 200 x 200 cm

Pájaro lunar

Fecha: 1966 Materia: Bronce Técnica: Fundición Dimensiones: 234 x 210 x 150 cm Categoría: Escultura Año de ingreso: 1992 Nº de registro: DE00041 Expuesto en: Jardín Sabatini 23

Man Ray (1890/08/27 - 1976/11/18) Su verdadero nombre era Emmanuel Radnitzky. Nació en 1890 en Filadelfia (Estados Unidos) de familia judía, su padre era de Kiev, Ucrania y su madre de Minsk, Bielorrusia. Su familia se traslada a Nueva York en 1897. Man Ray estudia en la High School y en La Escuela de Bellas Artes del Francisco Social Center de NY. En 1913 pinta su primer cuadro cubista, un retrato de Alfred Stieglitz. En 1915 hizo el primer one-man-show, con el que se hizo famoso su nombre por América, como uno de los primeros pintores abstractos. Adquiere su primera cámara para hacer reproducciones de sus cuadros. Con Duchamp participa en experimentos fotográficos y cinematográficos y en la publicación del número único de New York Dadá. Impulsado por Duchamp. 24

Captó la atención con sus primeras fotos abstractas, a las que bautizó como rayogramas. Erróneamente se consideró inventor de la técnica aplicada para ello, que ya la habían experimentado otros artistas anteriormente, entre otros Talbot (hacia 1840) y Schad (1918). Publicó 12 de sus rayogramas bajo el título “Champs delicieux”. Poseedor de una gran imaginación, y siempre al frente de las vanguardias, trabajó con todos los medios posibles: pintura, escultura, fotografía y películas. Adquiere su primera cámara para hacer reproducciones de sus cuadros. Con Duchamp participa en experimentos fotográficos y cinematográficos y en la publicación del número único de New York Dadá. Impulsado por Duchamp.

Objeto Indestructible

Artista: Man Ray Tamaño: 22 cm x 11 cm x 12 cm Ubicación: Moma Período: Dadaísmo Fecha de creación: 1964–1923 Medios: Metronome 26

El enigma de Isidore Ducasse

Artista: Man Ray Ubicación: National Portrait Gallery Período: Dadaísmo Fecha de creación: 1920 Género: Arte cinético 27

Chema Madoz Nace en Madrid, en 1958. Fue discípulo de Javier Valhonrat en los talleres de fotografía del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Estudia Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid, carrera que simultanea con los cursos de fotografía del Centro de Enseñanza de la Imagen. En 1983 realiza su primera muestra individual en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. Desde 1990 comienza a desarrollar el concepto de objetos, tema que será una constante en su fotografía hasta la fecha. La obra de Madoz se acerca a la variante de las esculturas perecederas; caracterizadas por una sencillez total, siempre en blanco y negro con una cuidadosa iluminación y primorosa simplicidad en la fabricación de los objetos que fotografía.

Nace en Madrid, en 1958. Fue discípulo de Javier Valhonrat en los talleres de fotografía del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Estudia Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid, carrera que simultanea con los cursos de fotografía del Centro de Enseñanza de la Imagen. En 1983 realiza su primera muestra individual en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. Desde 1990 comienza a desarrollar el concepto de objetos, tema que será una constante en su fotografía hasta la fecha. La obra de Madoz se acerca a la variante de las esculturas perecederas; caracterizadas por una sencillez total, siempre en blanco y negro con una cuidadosa iluminación y primorosa simplicidad en la fabricación de los objetos que fotografía. En 1991, uno de los años más importantes en la carrera profesional de este artista, presentó su obra en Sidney, Australia, y recibió el prestigioso Premio Kodak de Fotografía Europea, que se otorga a jóvenes creadores del ámbito fotográfico. En 1993 la Fundación Banesto le concedió la Beca de Creación Artística; ese mismo año participó en la Foto Biennale Eschende, en Holanda. En 1994 se presentó en ARCO de la mano de la galería Moriarty de Madrid y en el 2000 expuso su obra en el CARS. Desde hace años Madoz trabaja en la sierra madrileña, en un antiguo establo habilitado como estudio. Allí construye sus imágenes de objetos en los que lo real se funde con la imaginación, para demostrar cómo la apariencia cotidiana puede ser cuestionada. Es uno de los fotógrafos más relevantes de la escena artística española. Se adscribe a una de las tendencias fotográficas predominantes en la segunda mitad de los años 70, que consiste en la representación de realidades “construidas” o fingidas. Este movimiento está integrado por artistas que trabajan a partir de escenificaciones efímeras, creadas por ellos únicamente para ser fotografiadas.

1985. © Chema Madoz.

La obra de Chema Madoz (Madrid, 1958), considerado como uno de los fotógrafos españoles contemporáneos más destacados, consiste en un conjunto de imágenes en blanco y negro de objetos que combinan lo cotidiano con una percepción ilusoria de la realidad.

1998. © Chema Madoz.

Las fotografías de Chema Madoz formaran parte de una exposición especial junto a las exposiciones “Anselm Kiefer (Paintings and Sculpture 19862006)”; “Arte Povera. Calzolari, Kounellis, Pistoletto”; o “Song dong, Wisdom of the Poor: A Communal Courtyard, 2013”.

Henri Matisse (Cateau Cambrésis, 1869 - Niza, 1954) Pintor francés, máximo representante del fauvismo. El 20 de marzo de 1906 se inauguraba en los grandes invernaderos de Cours-la-Reine, en París, una nueva edición del Salón de la Sociedad de Artistas Independientes. Aquella exposición supuso el primer gran éxito de Matisse y su consagración como pintor y como cabeza visible de un nuevo movimiento. Los lienzos del artista causaron sensación: de gesto espontáneo y color puro, su obra daba las pautas de un estilo nuevo, lleno de vigor expresivo y que se negaba a ser una mera imitación de la naturaleza. Destacaba entre sus pinturas la ensoñación simbolista Lujo, calma y voluptuosidad, cuadro adquirido por el también pintor francés Paul Signac, y cuyas gruesas y cortas pinceladas de intenso color recuerdan precisamente la técnica divisionista propia del mismo Signac; la tela estaba inspirada en los cuadros del que había sido uno de los maestros de Matisse, Gustave Moreau. 32

Junto a los demás expositores, Matisse formaba parte de un movimiento pictórico bautizado como fauves (fieras). El nombre del movimiento se debe a Louis Vauxcelles, que en una de sus críticas al Salón de Otoño de 1905 había definido una escultura de Albert Marquet como “Donatello entre las fieras”. La reacción de los fauvistas fue la más violenta que se producía contra el arte académico desde los impresionistas. Influidos por Gauguin y Van Gogh, concibieron los cuadros de un modo muy distinto del tradicional, tal como hicieron ya los impresionistas. Mediante el empleo agresivo de los colores puros querían poner de manifiesto que la superficie de tela impregnada de pintura es una realidad autónoma e independiente. Henri Matisse cursó estudios de jurisprudencia entre 1887 y 1888 en la Universidad de París, que se vieron interrumpidos por una larga y grave enfermedad que lo retuvo en cama hacia 1890. Durante su convalecencia empezó a pintar, y en 1891, ya recuperado, venció la oposición de sus padres y abandonó la carrera de leyes para entrar en la Escuela Julian, donde se formó bajo la dirección de Bouguereau. En 1892 ingresó en el estudio de Gustave Moreau, en la Escuela de Bellas Artes, en el que permanecería cinco años y donde conoció a Georges Rouault y a Henri Manguin. Asistió también a los cursos nocturnos de la Escuela de Artes Decorativas, en la que entabló amistad con Albert Marquet.

La alegría de vivir

Artista: Henri Matisse Ubicación: Barnes Foundation Período: Fovismo Medios: Pintura al aceite Fecha de creación: 1905–1906 Género: Pintura de historia 34

Lujo, calma y voluptuosidad

Artista: Henri Matisse Medios: Pintura al aceite Período: Puntillismo Autor: Henri Matisse, 1904 Fecha de creación: 1904 Género: Pintura de historia 35

Sigmar Polke (1941/02/13 - 2010/06/10) Nació el 13 de febrero de 1941 en Oels, Baja Silesia. Emigró a Alemania Occidental en 1953, primero a Berlín Oeste y después a Düsseldorf. Aprendiz de pintura sobre cristal en la fábrica Düsseldorf Kaiserswerth. Desde 1961 hasta 1967 cursó estudios en la Academia de Arte de Düsseldorf.

En el año 1963 funda junto a Richter y Lueg, el Kapitalistischen Realismus (Realismo Capitalista), tendencia pictórica dentro del pop art que basándose en la publicidad busca caricaturizar distintos aspectos de la sociedad de posguerra. Se le llamó “el gran alquimista del arte” por experimentar hasta lograr por ejemplo que sus cuadros cambiasen de color al reaccionar a la contaminación medioambiental. Casi todas sus obras estuvieron marcadas por temas políticos e históricos y en ellas intentó denunciar la manipulación de los medios de comunicación. Viajó por todo el mundo fotografiando Pakistán, París, Nueva York, Afganistán, y Brasil. Es profesor en la Escuela de Bellas Artes de Hamburgo en 1970-1971 y desde 1977 hasta 1991). Participó en la documenta de Kassel V-VII (años 1972-1982). En 1978 se establece en Colonia, donde siguió viviendo y trabajando hasta su fallecimiento en su casa el 10 de junio de 2010 a los 69 años de edad por complicaciones derivadas de un cáncer.

Watch Flower With Geese

Sigmar Polke German, 1941–2010 Watchtower with Geese (Hochsitz mit Gänsen), 1987/88 Resin and acrylic paint on various fabrics 290 x 290 cm (114 1/4 x 114 1/4 in.)

Ohne titel (Quadrat 2)

ORIGINAL TITLE Ohne titel (Quadrat 2) MEDIUM Gold paint, oil paint and acrylic paint on canvas DIMENSIONS Support: 2003 x 1904 x 20 mm COLLECTION Tate 39

Gustav Klimt (1862/07/14 - 1918/02/06)

Nació el 14 de julio de 1862 en Baumgarten, Viena. Cursó estudios en la Escuela de Artes y Oficios empezando a ganarse la vida a base de encargos mientras estaba todavía en la Escuela. Formó una sociedad con su hermano Ernst y otro estudiante, Franz Matsch: Klimt-Matsch y Cía. y consiguieron hacerse ricos con los encargos de los nuevos edificios en construcción.

Fue co-fundador y primer presidente de Sezession, un grupo de arquitectos y de artistas modernistas que fundaron su propia sociedad para exponer y dieron lugar al MOVIMIENTO SEZESSION, o versión vienesa del Art Nouveau. Es también un frecuente colaborador de Ver Sacrum, el periódico del grupo. Fue llamado el pintor de la mujer. En el periodo 1886-92, crea las decoraciones murales para las escaleras del Burgtheater y el museo de Kunsthistorisches en Viena. Desde 1898, su pintura se vuelve más imaginativa asumiendo un aspecto más decorativo y simbólico, las obras más conocidas son sus últimos retratos, como el de Frau Fritsa Reidler (1906, Galería Osterreichische de Viena) y las series de murales de mosaico (1905-1909) para el Palacio Stoclet, en Bruselas. El 11 de enero de 1918 sufrió un ataque de apoplejía. Gustav Klimt falleció el 6 de Febrero de 1918 en Viena.

La Joven

Artista: Gustav Klimt Tamaño: 2 m x 1.9 m Género: Alegoría Autor: Gustav Klimt, 1912-1913 Localización: Museo Nacional de Praga, Praga, República Checa Período: Modernismo 42

Danae

Artista: Gustav Klimt Tamaño: 77 cm x 83 cm Ubicación: Galerie Wurthle Medios: Pintura al aceite Género: Pintura de historia Tema: Dánae 43

Robert Rauchenberg (1925/10/22 - 2008/05/12) Nació el 22 de octubre de 1925 en Port Arthur, Texas (Estados Unidos). Cursó estudios de arte en París y en diferentes escuelas de Estados Unidos, como el Black Mountain College. Entre sus primeros trabajos destacan unas cajas que contienen cianotipos, pinturas en blanco y negro y algunos objetos.

A principios de 1950 realizó obras expresionistas cubiertas con fragmentos textiles, fotografías y recortes de periódicos rasgados. En 1955 hizo sus primeras Asociaciones, ensamblajes tridimensionales en los que las pinturas se combinaron con imágenes encontradas, como señales de tráfico, bombillas, botellas de Coca-Cola o aparatos de radio. El más conocido de ellos, Monograma (1955-1959, Museo Moderno de Estocolmo), presenta una cabra disecada con un neumático a modo de imposible flotador. 44

Estos trabajos tuvieron una fuerte influencia en el arte pop de la década de 1960. Desde 1962, experimentó con la estampación por serigrafía, primero en blanco y negro y más tarde en color. En 1964, un año después de pintar ‘Express’ -obra que refleja sus más importantes innovaciones y técnicas- Rauschenberg se convirtió en el primer artista norteamericano en obtener el primer Premio de Pintura de la Bienal de Venecia, contribuyendo así de manera decisiva a que el movimiento se diera a conocer internacionalmente. La mayor parte de su obra artística de las décadas de 1970 y 1980 la dedicó a los collages, las litografías y otras formas de las artes gráficas, incluyendo la fotografía. En 1981 aparecieron las Fotografías Rauschenberg. Robert Rauschenberg falleció el 12 de mayo de 2008 en Tampa (Florida).

White Painting [three panel]

Nombre del artista Robert Rauschenberg Fecha de creacion 1951 Clasificaciรณn pintura Medio Pintura de lรกtex sobre lienzo Dimensiones 72 pulgadas x 108 pulgadas (182,88 cm x 274,32 cm)

First Landing Jump

Nombre del artista Robert Rauschenberg Medium Cloth, metal, leather, electric fixture, cable, and oil paint on composition board, with automobile tire and wood plank Dimensions 7’ 5 1/8” x 6’ x 8 7/8” (226.3 x 182.8 x 22.5 cm) 47

Salvador Dali (Figueres, Gerona, 1904 - 1989) Pintor español. Si bien parte del inmenso prestigio y popularidad de que gozó ya en vida se debió a sus estrafalarias e impostadas excentricidades, Salvador Dalí acertó a insuflar nueva vida al surrealismo europeo hasta convertirse en su más conocido representante; sus confusas ideas estéticas (el llamado método paranoico-crítico) fueron mucho menos decisivas que sus impactantes composiciones, a las que trasladó con magistral precisión técnica un personalísimo universo onírico y simbólico, tan nítido y luminoso como profundamente inquietante y perturbador.

Salvador Dalí nació en una madrugada de la primavera de 1904 en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario bienpensante y de una sensible dama aficionada a los pájaros. Muchos años más tarde escribiría en su autobiografía La vida secreta de Salvador Dalí (1942): “A los tres años quería ser cocinero. A los cinco quería ser Napoleón. Mi ambición no ha hecho más que crecer y ahora es la de llegar a ser Salvador Dalí y nada más. Por otra parte, esto es muy difícil, ya que, a medida que me acerco a Salvador Dalí, él se aleja de mí”. Puesto que la persecución sería incesante y el objetivo no habría de alcanzarse nunca, y dado que en ningún recodo de su biografía estaba previsto que hallara el equilibrio y la paz, Dalí decidió ser excesivo en todo, interpretar numerosos personajes y sublimar su angustia en una pluralidad de delirios humorísticos y sórdidos. Se definió a sí mismo como “perverso polimorfo, rezagado y anarquizante”, o “blando, débil y repulsivo”, aunque para conquistar esta laboriosa imagen publicitaria antes hubo de salvar algunas pruebas iniciáticas, y si el juego favorito de su primera infancia era vestir el traje de rey, ya a los diez años, cuando se autorretrata como El niño enfermo, explora las ventajas de aparentar una constitución frágil y nerviosa. Su precocidad es sorprendente: a los doce años descubre el estilo de los impresionistas franceses y se hace impresionista; a los catorce ya ha trabado conocimiento con el arte de Picasso y se ha hecho cubista, y a los quince se ha convertido en editor de la revista Studium, donde dibuja brillantes pastiches para la sección titulada “Los grandes maestros de la Pintura”.

La persistencia de la memoria

Artista: Salvador Dalí Tamaño: 24 cm x 33 cm Ubicación: MoMA (desde 1934) Autor: Salvador Dalí, 1931 Períodos: Surrealismo, Vanguardismo Medios: Bronce, Pintura al aceite 50

El torero alucinógeno

Autor: Salvador Dalí Domènech Fecha: 1968-70 Museo: The Salvador Dalí Museum (San Petersburgo) Características: 398´8 x 299´7 cm. Estilo: Material: Oleo sobre lienzo 51

Jackson Pollock (1912/01/28 - 1956/08/11) Nació el 28 de enero de 1912 en Cody (Wyoming). Estudiante de pintura en la Art Students League de Nueva York junto a Thomas Hart Benton. Se entusiasma por el muralismo mexicano al conocer una obra que realizan José Clemente Orozco y Benton en Nueva York. Durante años se dedicó únicamente a viajar por el país y a dibujar. Entre 1935 y 1941, trabaja en el Proyecto Federal de Arte, programa de subsidios creado por el Gobierno Roosevelt. En 1943, hace su primera muestra en la galería neoyorquina Art of this Century. Sus primeras obras, todas realistas, representan escenas. Influido por el surrealismo, pinta cuadros como La loba (1943, Museo de Arte Moderno, Nueva York).

En 1947, elimina de sus obras todo símbolo reconocible y empieza a pintar composiciones absolutamente abstractas por medio de una técnica que ha de convertirse en leyenda junto con el propio artista: el dripping o chorreado. Consiste en gotear y salpicar la pintura sobre una tela sin tensar colocada en el suelo en lugar de los tradicionales pinceles. Estrella fugaz pertenece al comienzo de este ciclo central de Pollock que termina en 1953. Mediante este método creo obras como Full fathom five y Lucifer (1947, Museo de Arte Moderno, Nueva York), Marrón y plata I (1951, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid). Tres años después, su estilo se transformó al retomar la figuración en blanco y negro, dentro de un estilo muy virtuosista. De este último periodo es Ocean grayness (1953, Museo Salomon R. Guggenheim, Nueva York). Contrajo matrimonio con la pintora Lee Krasner en 1945. Peggy Guggenheim se convirtió en su mecenas. ackson Pollock falleció en Springs, Nueva York, el 11 de agosto de 1956 al sufrir un grave accidente de automóvil cuando conducía su Oldsmobile convertible bajo la influencia del alcohol. Uno de los pasajeros, Edith Metzger, también murió en el accidente, que se produjo menos de una milla de la casa de Pollock. La otra pasajera, Ruth Kligman, artista y amante de Pollock, sobrevivió al accidente.

Autumn Rhythm (Number 30)

Artista: Jackson Pollock Ubicación: Museo Metropolitano de Arte Género: Arte abstracto Fecha de creación: 1950 54

Easter and the Totem

Artista: Jackson Pollock Tamaño: 2.09 m x 1.47 m Medios: Pintura al aceite Período: Expresionismo abstracto Fecha de creación: 1953–1953 Género: Arte abstracto 55

Jeff Koons (1955/01/21 - Unknown) ació el 21 de enero de 1955, en York, Pensilvania. Hijo de Henry y Gloria Koons. Su progenitor fue un comerciante de muebles y decorador de interiores, su madre costurera. Siendo un adolescente fue fan de Salvador Dalí, al que llegó a conocer en la ciudad de Nueva York cuando su madre convenció al tímido muchacho para que llamara al hotel St. Regis y preguntara por la habitación del artista español.

Cursó estudios de pintura en el Instituto de Arte de Chicago y en el Maryland College of Art. Mientras era estudiante visitante en el Instituto de Arte, conoció al artista Ed Paschke, que le descubrió la obra de Duchamp y el mundo cotidiano como fuente, y para quien trabajó como asistente de estudio a finales de 1970. Después de la universidad se mudó a Nueva York en 1977 y fue empleado en el Museo de Arte Moderno. Por entonces se teñía el pelo de rojo y llevaba un bigote como Dalí.

Para recuperarse de su primer fracaso profesional: La exposición en 1980 de su serie The New, en el que colocó aspiradoras industriales en vitrinas de metacrilato iluminadas desde abajo por fluorescentes, le condenó a la ruina, por lo que en ese mismo año comenzó a trabajar en First Investors Corporation como corredor de bolsa en Wall Street. Después regresó a casa de sus padres, quienes se habían mudado a Florida, y de vuelta en Nueva York, acudió al mercado de futuros para financiar sus aventuras en el arte pop trabajando para Clayton Brokerage Company y luego en Smith Barney. Ganó reconocimiento en la década de 1980 formando parte de una generación de artistas que exploraban el sentido del arte en una era saturada por los medios de comunicación. Utilizando el lenguaje visual de la publicidad, el marketing y la industria del ocio, procurando de “comunicarse con las masas”, situó su producción entre los límites de la cultura popular y la elitista presentando el arte como un producto de consumo que no se puede jerarquizar. En la esquina de Houston Street y Broadway en Nueva York, abrió un taller con 30 ayudantes para trabajar como se hacía en The Factory, el estudio de Andy Warhol aunque él sostiene que, pese a las recurrentes comparaciones, su factoría no tiene mucho que ver con la de Warhol, sino más bien con talleres de artistas como Tiziano. Contrató a una agencia de publicidad para promover su imagen. En su factoría trabajan más de160 personas tratando hacer realidad los sueños salvajes del considerado como creador vivo más cotizado del mercado. Uno de sus Balloon Dog, una escultura de tres metros de acero pulido pintado de naranja, que se inspira en uno de esos perritos que arman con globos los animadores de las fiestas de cumpleaños infantiles, se convirtió en la pieza más cara de un artista vivo al ser adjudicada en subasta por más de 50 millones de euros; su trabajo se sitúa en la órbita de los marchantes más poderosos (Gagosian, Zwirner) y los coleccionistas más pudientes (Pinault, Geffen, Cohen, Broad).

Balloon Dog

Acero inoxidable pulido espejo con revestimiento de color transparente 121 x 143 x 45 pulgadas 307,3 x 363,2 x 114,3 cm ÂŠ Jeff Koons 5 versiones Ăşnicas (Azul, Magenta, Amarillo, Naranja, Rojo) 58

Michael Jackson and Bubbles

Michael Jackson y las burbujas 1988 porcelana 42 x 70 1/2 x 32 1/2 pulgadas (106,68 x 179,07 x 82,55 cm) A la vista Fecha de adhesiรณn: 04/03/1995 59

David Lachapelle (11 de Marzo de 1963) Nacido en Fairfield, Connecticut; 11 de marzo de 1963) es un fotógrafo y director estadounidense, cuyo trabajo se carateriza por presentar imágenes grotescamente glamurosas. Su primer acercamiento a la fotografía fue cuando tenía 6 años de edad, durante unas vacaciones familiares en Puerto Rico. Allí utilizó la cámara para retratar a su madre. Desde ese momento, quedó obsesionado con la fotografía. A los 15 años se mudó a Nueva York. Mintió sobre su edad y consiguió trabajo en la discoteca “Studio 54”, donde se codeaba con celebridades y artistas, como Liza Minnelli. Más tarde, su padre lo llevaría de regreso al sur, donde lo obligó a estudiar en la Escuela de Artes de Carolina del Norte.

La carrera de LaChapelle comenzó de manera significativa en el año 1982, cuando Andy Warhol lo impulsó a publicar sus fotografías “Interview”. Las descabelladas imágenes de David LaChapelle, bizarras y fantásticas, han aparecido en las páginas y portadas de las revistas Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face y GQ, entre otros. Sus fotografías han sido exhibidas en las galerías Staley-Wise and Toni Shafrazi Galleries en Nueva York y Fahey-Klein en California, así como en Art Trend en Austria, Camerawork en Alemania, Sozzani and Palazzo delle Esposizioni en Italia, en el Barbican Museum en Londres y más recientemente en ciudad de México y el MALBA en Argentina. Sumado a la fotografía, LaChapelle dirige videos musicales para selectos artistas, tales como The Dandy Warhols, Jennifer Lopez, Britney Spears, Avril Lavigne, No Doubt, Whitney Houston, Macy Gray, Blink 182, Elton John, y Christina Aguilera, entre otros.

Heaven To Hell

Publicacion: 2010 Format “11”x “14.5” 345 Pages,Full color,Hard cover book/Boxed set Lenguaje: Ingles 62

Lachapelle Artist & Prostitutes

Autor: David LaChapelle Formato / binding: Tapa dura Estado de conservaciรณn: Good Ediciรณn limitada Encuadernaciรณn: Hardcover ISBN 10: 3822816175 ISBN 13: 9783822816172 Editorial: Taschen Fecha de publicaciรณn: 2004 Pรกginas: 600 63

Cindy Sherman (Nacida en Nueva Jersey en 1954) Cyntia Morris Sherman no manifestó su vocación artística hasta que llegó a la Universidad de Buffalo. Allí comenzó pintando, pero pronto se dio cuenta de que no era lo suyo; de la pintura reconoce: «... no había nada más que decir. Estaba meticulosamente copiando otro arte y entonces me di cuenta de que sólo podía usar la cámara y desarrollar mis ideas con ella». Y ciertamente, fue en la fotografía donde encontró su medio de expresión, llegando a convertirse en una de las fotógrafas más relevantes. Las imágenes de sus comienzos, quizá las más representativas de su obra, pronto llamaron la atención del público. Entre 1977 y 1980 realiza la serie Untitled Film Stills en la que se retrata a sí misma adoptando multitud de clichés femeninos típicos de la sociedad machista (prostituta, ama de casa, drogadicta, despechada, bailarina).

Sus imágenes, realizadas en blanco y negro, se asemejan a fotogramas de películas de los años 40-50. Al verlas, no es posible dejar de recordar a Hitchcock, Visconti o Truffaut, de pensar en lo familiares que resultan, si no estarán sacadas de algún filme de cine negro o del hiperrealismo italiano. Desde un principio, no ha querido dar título a sus obras, que son conocidas por su número de inventario… es el espectador a quien corresponde atribuir un significado a la imagen. La artista no duda en recurrir al artificio, en la expresión y en la preparación, para narrar una historia valiéndose de una sola imagen, para incitar a la imaginación a que invente la historia que hay detrás. Y, al parecer, todo comenzó por la afición a disfrazarse que tenía desde que era niña; reconoce que no sabe si por aburrimiento, como terapia o por su fascinación por el maquillaje. El caso es que comenzó jugando con disfraces y maquillaje en la intimidad de su casa, pero, alentada por Robert Longo, a quien conoció en la universidad, se decidió a inmortalizar sus “performances” ante la cámara. Sin considerar que su trabajo sea feminista, en todas las series que ha realizado a los largo de sus casi 40 años de trabajo ha explorado los innumerables estereotipos de la mujer. Con el inicio de la década de los 80 quiso llamar la atención hacia su utilización como símbolo sexual que fomentan las revistas y la televisión, y realizó la serie Centerfolds, representándose como las modelos de los desplegables en las revistas masculinas. Todos sus trabajos esconden un mensaje, aunque tenga que recurrir a imágenes que son como un puñetazo en el estómago… Disasters, Fairy Tales y Disgust pictures son trabajos en los que, por medio de lo abyecto, representando vísceras, vómitos, mutaciones y personajes de terror, alerta del cambio que está sufriendo la sociedad, cayendo en un consumismo feroz.

Cindy sherman untitled film still #18

Untitled 96

Cindy Sherman (B. 1954) Untitled #96 signed, numbered and dated â&#x20AC;&#x2DC;Cindy Sherman 7/10 1981â&#x20AC;&#x2122; (on the reverse) color coupler print 24 x 48 in. (61 x 121.9 cm.) Executed in 1981. This work is number seven from an edition of ten. 67

Frida Kahlo (1907/07/06 - 1954/07/13) Pintora mexicana “Me retrato a mí misma porque paso mucho tiempo sola y porque soy el motivo que mejor conozco” Frida Kahlo. Nació el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, al sur de Ciudad de México. Fue la tercera de las cuatro hijas de Matilde Calderón y del fotógrafo judío-alemán Guillermo Kahlo. En 1913 sufrió un ataque de poliomielitis que afectó permanentemente el uso de su pierna derecha. Siendo una joven de 16 años, cuando realizaba estudios en la Escuela Nacional Preparatoria de esta ciudad conoció a Diego Rivera, que estaba pintando su mural La Creación en la escuela. Resultó fatalmente herida en un accidente de tranvía. En su recuperación, es cuando Frida inicia su pintura. Tres años más tarde presentó a Diego Rivera algunos de sus primeros trabajos y éste la animó a continuar pintando. En el 21 de agosto del año 1929 contrajeron matrimonio. Ella tenía 21 años y el tenía 46. 68

Su dolor ante la incapacidad de la maternidad lo plasma en Hospital Henry Ford(1932, colección Dolores Olmedo), en la que se aprecia a un bebé y varios objetos, como un hueso pélvico y una máquina, esparcidos en una cama de hospital donde yace mientras sufre un aborto. Unos cuantos piquetitos lo pinta en (1935, colección Dolores Olmedo). En 1939 Se divorcia de Diego Rivera (aunque volvieron a casarse en 1940) año en que ejecuta su obra Las dos Fridas (1939, Museo de Arte Modernos de México) otra pintura reseñable es Sin esperanza (1945, Dolores Olmedo). Organizó las exposiciones de Nueva York de 1938 y de París de 1939 a través de sus contactos con el poeta surrealista francés André Breton. En abril de 1953 expuso por primera vez en la galería de Arte Contemporáneo de Ciudad de México. En la noche del 13 de julio de 1954 falleció en Coyoacán a los cuarenta y siete años. El día de su entierro, el féretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista. El matrimonio Kahlo-Rivera fue miembro del Partido Comunista Mexicano. La casa que la pintora habitó durante su vida conyugal con el célebre pintor, fue donada por éste a la nación y transformada en el Museo que lleva el nombre de Frida Kahlo.

La columna rota

Óleo sobre lienzo Montado en masonita 17 “x 13” Colección de Dolores Olmedo Patiño Ciudad de México, México Óleo sobre lienzo Montado sobre fibra dura 43 x 33 cm. Colección de Dolores Olmedo Patiño Ciudad de México, Méxic 70

The Wounded Deer

Artista: Frida Kahlo Tamaño: 30 m x 23 m Medios: Pintura al aceite Período: Arte naíf Fecha de creación: 1946 Géneros: Retrato, Autorretrato 71

Stan Brakhage (1933-2003) Stan Brakhage, una de las principales figuras del cine experimental estadounidense, murió la pasada semana en Victoria, Columbia Británica, a los 70 años, víctima del cáncer. En una carrera que comenzó a comienzos de la década de 1950 y continuó hasta las últimas semanas de su vida, Brakhage realizó unas cuatrocientas películas. También escribió y enseñó extensamente sobre cine. Como la obra de muchos radicales artísticos, la suya se describe a menudo como lo que no es: trabajando en un medio fotográfico más comúnmente definido por la narración de historias y la reproducción de objetos y acontecimientos del mundo real, Brakhage realizó películas que normalmente carecían de argumento, a menudo no eran figurativas y a veces prescindían incluso por completo de la fotografía. Con pocas excepciones, sus películas estaban hechas también sin sonido, ya que consideraba que éste podría disminuir la intensidad de la experiencia visual. Admirador de Ezra Pound y estrechamente relacionado con poetas como Kenneth Rexroth, Robert Creeley y Robert Duncan, Brakhage prefería considerar sus películas como algo metafórico, abstracto y altamente subjetivo, como una especie de poesía escrita con la 72 luz.

La obra de Brakhage es tan notable por su variedad como por su cantidad: algunas de sus películas duran sólo unos segundos, mientras que otras son de un alcance y duración épicos; incluyen meditaciones sobre la sexualidad y la vida doméstica, así como composiciones completamente abstractas realizadas mediante el rayado, el tintado y otros tipos de alteraciones del propio celuloide. En Window water baby moving (1959) documentó estoicamente el nacimiento de uno de sus hijos mucho antes de que las cámaras se convirtiesen en accesorios comunes en los paritorios. En Mothlight (1963) introdujo hojas, pétalos y porciones de insectos entre bandas de cinta perforada, y después transfirió sus imágenes al cine. La idea de que el acto físico de ver pudiese apartarse de la forma y de la naturaleza de las cosas vistas, y de nuestras ideas preconcebidas sobre ellas, constituía la base de buena parte del arte de Brakhage. Stan Brakhage nació con el nombre de Robert Sanders en un orfanato de Kansas City, Misuri, el 14 de enero de 1933, y fue adoptado dos semanas más tarde por Ludwig y Clara Brakhage, que le dieron el nombre de James Stanley. Actuó en la radio como niño soprano, cursó la enseñanza secundaria en Denver y dejó los estudios en Darmouth a los dos meses de empezar. En 1952 realizó su primera película, Interim. Al principio se dejó influir por Jean Cocteau y los neorrealistas italianos, pero, tras su llegada a Nueva York, en 1954, evolucionó hacia la floreciente escena cinematográfica de vanguardia, inspirándose en artistas y cineastas como Maya Deren, Marie Menken y Joseph Cornell, con quien colaboró en diversas ocasiones.

Black Ice (1994) La poética en Brakhage funciona por indistinción e inestabilidad, turbulencia e intensidad. Plantea una búsqueda sensible que se aleja y resulta extraña al lenguaje, fundada en la visualidad. Exige un esfuerzo por desarrollar la potencia óptica y colocar a la percepción como pilar originario. El organismo debe realizar un reajuste, demoler sus capacidades aprendidas, olvidar sus referencias y convertirse en uno con el medio.

Texts of Light

Light (1974)–. Las películas englobadas bajo los títulos Thought Process and Visual Music (1991 – 1997) y Late Hand-painted films — Elements / Seasons (1993 – 2002) se presentarán el jueves 3 y el sábado 5 de mayo de 2012.

Pina Bausch (Solingen, 1940-Wuppertal, 2009) Tras formarse con Jurt Jooss en Alemania y pasar una temporada en la Juilliard School de Nueva York, vuelve a su país y comienza a trabajar en el hoy mítico Tanztheater de Wuppertal, que dirige desde 1973. Allí, muy pronto se convertirá en la creadora de ese rico y extremadamente complejo territorio que se ha denominado Teatro-Danza. Observadora nata desde niña, actúa impulsada por un afán de contar lo que sucede a su alrededor y, para ello, como otros artistas de diferentes campos, comienza por rechazar el concepto de “cuerpo ideal” para mostrar una realidad heterogénea en la que el movimiento adquiere un enorme poder trasgresor. De su mano y del trabajo de sus bailarines han surgido piezas tan emblemáticas como Ifigenia en Táuride, Café Müller, Arien, 1980, Kontakthofy muchas otras, tan discutidas como admiradas en todo el mundo.

Pina Bausch (Alemania 1940 -) Philippine Bausch, llamada Pina, nace en Solingen (Alemania) en 1940. Tras formarse con Jurt Jooss en Alemania y pasar una temporada en la Juilliard School de Nueva York, vuelve a su país y comienza a trabajar en el hoy mítico Tanztheater de Wuppertal, que dirige desde 1973. Allí, muy pronto se convertirá en la creadora de ese rico y extremadamente complejo territorio que se ha denominado Teatro-Danza. Observadora nata desde niña, actúa impulsada por un afán de contar lo que sucede a su alrededor y, para ello, como otros artistas de diferentes campos, comienza por rechazar el concepto de “cuerpo ideal” para mostrar una realidad heterogénea en la que el movimiento adquiere un enorme poder trasgresor. De su mano y del trabajo de sus bailarines han surgido piezas tan emblemáticas como Ifigenia en Táuride, Café Müller, Arien, 1980, Kontakthofy muchas otras, tan discutidas como admiradas en todo el mundo. Del mismo modo, su carácter trashumante y su enorme curiosidad por las diferentes formas de vida la han llevado, desde los años 80, a realizar distintas “residencias” en algunas de las grandes capitales del mundo actual. Tras una estancia de dos meses con todos sus bailarines en la ciudad elegida, siempre surge un nuevo espectáculo que no tiene por qué estar directamente relacionado con la ciudad pero que, sin duda, sale a la luz empapado de todas sus esencias. Roma, Palermo, Madrid, Lisboa, Estambul o Hong Kong han sido algunas de sus sedes. Todas sus obras han sido realizadas casi siempre con la ayuda de más de veinte bailarines y bailarinas, de diferentes razas y países, que, siguiendo el peculiar método de trabajo de la

Dimencion Desconocida

Fecha de estreno inicial: 17 de febrero de 1990 Director: Pina Bausch Guion: Pina Bausch Productor: Herbert Rach CinematografĂa: Martin SchĂ¤fer Reparto: Ed Kortlandt

Expreccion de La Danza

Philipina Bausch mas bien conocida como Pina a de nacer en plena segunda guerra mundial en el estado de Renamia en Alemania , comenzó con la danza a edad tardía con 15 años, sin embargo con gran capacidad física su agilidad y flexibilidad. Su maestro un icono de la nueva danza Kurt Joos quien enseño a Pina a bailar y pensar, es en este instante cuando Kurt enseña que el movimiento es también: Pensamiento, emoción, acción y expresión.

Anish Kapoor (1954) Para este escultor nacido en Bombay (1954) y residente en el Reino Unido, el origen o las raíces nada tienen que ver con la obra de un artista: «No creo en la idea del origen étnico (...). Para mí, ser un artista español, americano o inglés viene a ser igual. Lo importante es la obra». Esto sorprende sobremanera cuando Anish Kapoor es hijo de padre hindú y de madre judía, criado en la India y formado en Gran Bretaña, sin embargo, nunca ha querido reducir su obra a las peculiaridades de sus orígenes porque, para él, lo realmente importante son las cualidades símbolicas y formales de su trabajo. Pero lo cierto es que no ha podido desvincularse de los colores brillantes de su tierra natal.

Sus primeros años los pasó estudiando en la Doon School de Bombai y, más tarde, en 1973, se trasladó a Londres para estudiar en la Chelsea School of Arts and Design. Siendo todavía estudiante, participó en diferentes concursos y muestras como la exposición Art into landscape, en 1974, en la Serpentine Gallery de Londres. Se fraguaba ya la figura de uno de los máximos representantes de la denominada nueva escultura británica, junto a otros artistas como Richard Deacon y Toni Cragg. Son los años en los que el artista experimenta con los pigmentos y también cuando empieza a crear esculturas abstractas hechas con materiales naturales como el granito, la piedra caliza, el mármol o el yeso: «Soy escultor, no tengo elección, me interesan los objetos». Surgen así obras como 1000 Nombres (1, 000 Names) que luego expondría en la Galerie Patrice Alexandre de París, en 1980, en su primera exposición individual. Aquí empezó su éxito, engrandecido después por otros logros obtenidos en diferentes exposiciones en Gran Bretaña y Estados Unidos, en las que, en ocasiones, sus obras se vendían incluso antes de la inauguración, como fue el caso de la que realizó en la Barbara Gladstone Gallery de Nueva York. Después llegaron los premios y reconocimientos como el Premio Duemila al Mejor Artista Joven, por su participación en la 44 Bienal de Venecia, en 1990, en representación del Reino Unido y, años más tarde, (1991), el prestigioso Premio Turner. Sus trabajos continuaron exponiéndose en museos de todo el mundo como la Tate Gallery o la Hayward Gallery de Londres, el Deutsche Guggenheim de Berlín, el Reina Sofía de Madrid, o el Kunsthalle de Basilea, y en todos ellos iba evolucionando e innovando. Durante estos años, Kapoor realiza algunas de sus obras más representativas como En el centro de las cosas (At the Hub of Things), que se considera obra cumbre de los conocidos como «vacíos» y que da paso también a la serie de esculturas que realizaría después en piedra, entre las que destaca Adam (1988), considerada una de sus obras más fundamentales ya que supone la plasmación de sus estudios e ideas sobre el espacio, una de las constantes preocupaciones de su trabajo. Para él, una obra no debe guardar marcas de su manofactura o de su proceso de creación; debe ocupar su propio lugar y tener su propio valor, más allá del artista que la ha hecho, porque lo que importa es su contemplación.

Cloud Gate

Artista: Anish Kapoor Direcciรณn: Chicago, Illinois 60601, EE. UU. Inicio de la construcciรณn: febrero de 2004 Medios: Acero inoxidable

Dirty Corner

Cor-Ten Steel, earth and mixed media 8.9Ă&#x2014;6.55Ă&#x2014;60m Installation: Fabbrica del Vapore, Milan 83