MagaZinema #0 | Censura en Hollywood by Jaime Garzía Iglesias

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FLASHBACK

Impreso en España Printed in Spain

En portada tenemos una imagen de ‘Laura’ de 1944, película dirigida por Otto Preminger y protagonizada por Gene Tierney, Dana Andrews, Clifton Webb, Judith Anderson, Vincent Price y Dorothy Adams que nos cuenta como el detective Mark McPherson investiga el asesinato de Laura.

NOTA DEL DIRECTOR

Hemos tardado, pero hemos llegado. El mundo del cine siempre tiene historias que deben ser contadas y que escapan a ojos de los mortales que no se paran a observar como es debido. Por dicha razón nacimos, hasta llegar al punto de ser una plataforma para la comunicación libre sobre cine, y en la cual todos pueden participar y aportar su granito de arena. Pero hubo algo que siempre nos sedujo: el papel. Ese aroma a recién impreso por fin tiene el sello de MagaZinema, y por fin puede llegar a aquellos que prefieren el olor de antaño a tinta que el moderno a cable enrollado. Gracias por el apoyo, espero que disfrutes de estas páginas tanto como nosotros trabajando sobre ellas.

NOTA DE REDACCIÓN

Reservados todos los derechos: esta publicación no puede ser reproducida, ni total, ni parcialmente, como tampoco registrada en un sistema de recuperación de información, en ninguna forma ni por ningún medio, ya sea mecánico, fotoquímico, electrónico, magnético, electroóptico, por fotocopia o de cualquier otro, sin el permiso previo por escrito de la editorial.

NOTA DE REDACCIÓN 2

Los artículos aquí expuestos son obra de la imaginacion de sus autores, por lo que cualquier alusión a los mismos en otros medios, así como difusión sin firma deberán llevar por escrito el consentimiento de MagaZinema por un lado, y del autor por el otro. Las imágenes que no pretenezcan a ninguna productora y sean obra de MagaZinema se rigen por el mismo criterio que los textos nombrados. MAGAZINEMA | 3

#TEAMMAGAZINEMA

álvaroluquereca

diegorufohelguera

anamatellanesgarcia

marcseguraarasa

CEO&FOUNDER Es aquel que viene creyendo que manda, y al que nunca nadie hace caso. Escribe cosas, y algunas veces son hasta buenas. Siempre va en camisa.

REDACTORA JEFE La que viene poniéndo pegas y soluciones a todos los temas a tratar en la revista y es la experta mundial en series. Está en todo y más. Vamos... enganchada.

REDACTOR JEFE El que está en el equipo para arreglar los errores que a simple vista pasan desapercibidos. A veces hasta escribe. Pesadito por deporte, pero... se hace querer.

HACEDOR DE TODO SEO, redacta, arregla galerías y otras muchas cosas, y es la mejor mano derecha para todo el mundo. Da por saco a nivel profesional. Achuchable.

COMETA HALLEY Porque ella aparece cuando puede, pero siempre es un placer. Conocedora de las series impensables; amante de los Gifs; creadora de secciones. Semiasiática.

EL INTEMPESTIVO Experto en hacer críticas de estrenos y/o entrevistas. Además de enviando emails a eso de las 5 de la mañana. La leyenda cuenta que no duerme. Catalán majete.

Sus artículos están aquí:

#DAMOSLASGRACIASA

LOURDES LULÚ LOU con sus críticas a películas desconocidas y extrañas, DAVID DEL POZO y sus artículos sobre series diferentes o sobre aspectos ocultos del cine, LAURA RODRÍGUEZ HERNÁIZ y sus análisis de series o películas menos convencionales, DAVID CANTOR ROCHA y su mezcla de cine, política, historia y cultura en cada artículo o crítica Y ALBERT BERTRAN BAS enmarcándose en la revista como un especialista en lo relacionado a las series. Cracks en sus facetas y dispuestos a ayudar.

#NOSAPOYABAN...

martapedrazarodríguez

#SUELENAPARECER

jaimegarziaiglesias

Gracias por haber estado con MagaZinema en algún momento desde su creación hasta el día de la primera impresión de este número. Una porción de MagaZinema os pertenece y ha crecido gracias a vosotros: Rafael Fco. Lozano, Miguel Ángel Pizarro da Costa, Diego Pizarro da Costa, Borja Gascón, Riky López, Nacho Vega, José Chamorro, Juan Pedro Rubio Ruiz, Jesús García Grima, Juan Pérez Herrera, Lara Alonso, Nicole Torres Tamayo, Pablo Rodríguez Pinto, “Weis” Guerrero...

Mi gratitud está repleta de nombres que van en aumento conforme envejezco: mis padres, por ser las columnas de mi templo; mi hermana, por ser calor y abrigo; mis hermanos sin mi sangre, por saber de que pie cojeo; Ella, por compartir conmigo la manzana del pecado. También entran Raúl González Blanco por abrir la lata de la novena; Kobe Bean Bryant por los 81 a los Raptors; ‘Jimi’ Hendrix por ‘Purple Haze’; aquel que alguna vez me negó lo que sea, por lo que sea que me negó; Robin S. Sharma y hacer que un monje venda su Ferrari y Joaquín Sabina, por cualquier cosa que su boca escupía. Mi gratitud está llena de nombres, pero me los guardaré; por que al fin y al cabo, todo aquel que empezó conmigo el arduo camino de esta valiente epopeya sabe que en mi memoria siempre estará tatuado su buen hacer. Gracias a todos los que formáis parte, no solo de MagaZinema, si no de mi camino por esta vida de una u otra manera. De corazón. A los que no os las merecéis, no.

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ENTREVISTA A YOHAN FAURE Y VIANNEY GRIFFON

GUIONES DE ESCRITORES FAMOSOS

EL CINE O EL HOMBRE IMAGINARIO

TOP 10: ALIENS

CENSURA EN HOLLYWOOD. EL CÓDIGO HAYS MAGAZINEMA | 5

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DITORIAL

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PRESIENTO QUE ESTE ES EL COMIENZO DE UNA GRAN AMISTAD.

amas y caballeros, este mundo en que vivimos está lleno de encantos para aquellos que tienen ojos para verlos. No; ni yo soy Andrew Garfield ni creo que por mucho que busquemos encontremos el espejo de Parnassus, pero sí que tenemos algo poderoso que convierte en cierta la primera frase con la cual hemos querido comenzar esta aventura. Y es que en realidad, no conozco a la mitad de vosotros ni la mitad de lo que desearía, y lo que deseo es menos de la mitad de lo que la mitad merecéis, pero todo primer paso de un viaje comienza con la idea fija del lugar al que quiero ir, y con la imperiosa necesidad de encontrar algún compañero de viaje... ¡Qué importante es poder contar en la vida con buenos amigos…! Bien es cierto que dicho viaje se modifica a raíz de los pasos que vas realizando, pero es ineludible que la idea del destino perfecto se mantiene intacta en la cabeza, al fin y al cabo... donde el huargo aúlla, el orco ronda.

Entrar en el mundo del cine es entrar de lleno en un sitio al que no perteneces, pero el cual harás tuyo durante los minutos de metraje que quieras recorrer; es adentrarte en historias en movimiento que consiguen materializar lo irreal hasta hacerte poseedor de las llaves para todos los cofres del tesoro que puedas encontrar. Aun así, esto es una especie de forma de enviar el mensaje que habla

sobre este mundo...yo sólo puedo mostrarte la puerta, tú eres quien la tiene que atravesar. Por tanto no buscamos con fiereza dicho destino; al menos nosotros. No pretendemos imponer el camino a andar, ni las pautas a seguir; pretendemos hacerte valer el mapa del tesoro, para complementar la búsqueda de una verdad que sólo encontrarás si crees en el mensaje de la galletita de la fortuna. Tranquilo, no es un problema grave si no lo conviertes en un problema grave; me estoy refiriendo a que queremos llegar a dicho destino, claro está, pero también queremos allanar el camino y conseguir que la compañía durante el trayecto sea la idónea, la mejor. Para eso hemos crecido hasta llegar a este punto; hasta comenzar esta aventura. Y por el camino nos encontraremos enemigos, rivales, invasiones, zombis, dragones, insectos gigantes, monstruos ingentemente grandes, robots, asesinos, aliens, y multitud de cosas que lo harán difícil y peligroso; ¡J****, si puede que hasta encontremos tornados que escupen tiburones!...Pero no hay nada mejor en una aventura que poder contarla. Un hombre cuenta sus historias tantas veces que al final él mismo se convierte en esas historias. Siguen viviendo cuando él ya no está. De esta forma, el hombre se hace inmortal. Queremos quedarnos contigo; queremos servirte y esperamos hacerlo. Ya lo dijeron en ‘Fitzcarraldo’: Sólo los soñadores mueven montañas.• MAGAZINEMA | 7

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HOY OPINA...jaimegarziaiglesias

uando ‘Juego de Tronos’ irrumpió en las retinas de todo el mundo, una especie de repentina fiebre absorbió al universo, y focalizó las conversaciones de los bares hacia una única temática. Lejos de ser pesada en sus comienzos, lanzaba al aire nombres y frases como: “Que cuerpazo tiene Khal Drogo”, “Madre mía con la rubita pequeñaja” y/o “Jon Nieve en verdad es un cobarde”, y olvidaba todo lo que aconteciese al mundo en general. INCONVENIENTES DE UN MARGINADO. Yo, sin embargo, me quedaba observando a la Coronita, el cortado o la copa de Ballantine’s que tenía en mi mano, intentando pillar la conversación en algún punto, o cambiarla por un tema que se centrase más en algo que a mi me interesase; ejemplo: "¿Habéis visto ‘Los Mercenarios 3’ y como la lía Antonio Banderas?” o recurriendo a cosas más primarias como “¡Vaya pivón tenemos enfrente, gente!”.

NO, NO HE VISTO JUEGO DE TRONOS Las conversaciones entre amigos ahora transcurren entre muros, inviernos y dragones... ¡Yo sigo queriéndo hablar de los goles de mi equipo!

En vano. George R.R. Martin se había adueñado de las conversaciones entre amigos. Y, claro, ante el silencio que se montaba en torno a la conversación, la pregunta no tardaba en llegar, con su fría y despiadada cuchilla de desaprobación general y cierto retintín de pena: "¿Pero, no has visto ‘Juego de Tronos’?". Y ahí estaba el tío; frente a cuatro amigos que no hacían otra cosa que hablar del Muro y de un invierno más largo que cualquier domingo sin fútbol y, cuyos compañeros, conocedores de mi desconocimiento, centraban la conversación entre ellos con detalles tan minúsculos y desapercibidos para el resto de los mortales como acercar su silla a los demás, o apoyar la cabeza frente al brazo que tenía yo delante. Había que poner remedio a semejante despropósito. Iba a ponerme a ver ‘Juego de Tronos’. COMIENZO. TEMPORADA 1. FINAL. No puedo más. No había manera; yo no iba a acabar enganchado a una serie de la que tanto me hablaron, y de la que tanto me esperaba. Y lejos de ser mala, que no lo es, es que no le encontraba el mejunje necesario para que yo arañase horas de reloj como lo hacía con ‘Perdidos’ con el fin de poder ver un capítulo más. Mis amigos llegaron a presentarme en discotecas a mujeres como: “Este es Jaime. Por muy mono que lo veas, no ha visto ‘Juego de Tronos’ jamás”; y lo raro no era que los (insertar insulto y/o improperio aquí) de

mis amigos me presentasen así; lo extraño era que la mujer en cuestión se acercaba, te daba dos besos y te decía: “¿En serio?, pero si pareces un tío genial...”. El problema era sencillo: a todo el mundo le gustaba ‘Juego de Tronos’. Pero, como si cualquier Jack Nicholson me hiciese de terapeuta, tomé como opción el hecho de quererme tal y como era, y olvidar que las conversaciones se focalizasen tanto. Las películas que nadie veía las veía yo –tengo la creencia de haber salvado a ciertas productoras yo solito-, empecé a correr, e incluso aprendí a tocar la guitarra; todo por el hecho de no ponerme a ver una serie que no me gustaba, y de no gritar una afirmación que no podía decir en público. HAY QUE QUERERSE A UNO MISMO. Su originalidad es latente e innegable, obra del grandísimo autor, y su montaje resulta ser una muy digna obra y ejemplo para el resto; pero, no todo el mundo posee los mismos gustos; aquí hay un servidor que prefiere ‘Cómo conocí a vuestra madre’, y dejar los Drogo, Khaleesi, Lannister y compañía para la selecta multitud que se sienta en los bares a no dejarnos al resto hablar de cosas tan importantísimas para el devenir del país como “Vaya pepino de Ronaldo”; “lo mejor que tiene esa camarera es el arte al echar las cañas” o “como reparte Statham en ‘Transporter’, chicos”. Por que, al fin y al cabo, lo que menos importa de salir a tomar algo es lo que tomas.• MAGAZINEMA | 9

“

El gran número de trabajos y tareas que hice surgieron debido a que no tenía dinero, no había presupuesto, no lo había en absoluto [...] Literalmente terminé en la película, interpretando un papel en el filme, porque me quedé sin amigos. 10 | MAGAZINEMA

la primera de...

PETER JACKSON

Bad Taste | 1987 | 91minutos | Nueva Zelanda

pesar de hacer como director en ‘The Valley’, cinta de 1976, la primera toma de contacto completa con el mundo del cine por parte del conocidísimo director neozelandés fue ‘Mal Gusto’ (Bad taste). Si, comedia de gore. Una película de culto de 1987, dirigida, escrita y producida por este cineasta. Es el primer largometraje de Jackson, quien la filmó con la ayuda de sus amigos durante su tiempo libre. La trama gira en torno a un grupo de extraterrestres que llegan a Nueva Zelanda para secuestrar personas y convertirlas en comida. Peter Jackson comenzó a rodar la película principalmente durante los domingos, dado que debía trabajar los demás días de la semana. El rodaje de la cinta duró cuatro años, lo cual se debió a las dificultades para que todos los involucrados en la cinta coincidieran en sus ratos libres. Los actores de la película eran amigos y vecinos del director. Aunque la idea original era hacer un cortometraje, Jackson se dio cuenta que el material utilizable abarcaba aproximadamente 75 minutos, lo suficiente para hacer un largometraje. Tras el rodaje, el director recibió ayuda de la New Zealand Film Commission, que ayudó a financiar la película, permitiendo que Jackson se dedicara a tiempo completo a terminarla. Una vez finalizada, la cinta fue exhibida en el Festival de Cine de Cannes, donde fue comprada por distribuidores de diversos países.•

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CRÍTI

hablando del cine de...1987

El cumpleaños de mi mejor amigo

La primera de Tarantino

n el año 87, a finales de la década de la licra, la ropa ajustada y los peinados estrambóticos, Tarantino tenía sobre la mesa una historia que escribió junto a su amigo Craig Hamann, y 5000 dólares americanos para hacerla realidad. La historia era sencilla; la fiesta de cumpleaños de Mickey, por todo lo alto, al que su novia le acaba de dar la patada.

Así pues, se pusieron a trabajar, y grabaron un film de 69 minutos de duración –que arrasaron un incendio, pudiéndose recuperar únicamente 35 de ellos.-, una comedia que, aunque no termina siendo la esencia propia de lo que a posteriori representará para el cine Quentin, se empiezan a atisbar reflejos de su lenguaje y manera de dirigir. Más tarde llegarán esos planos picados y el placer por sacar los pies de las actrices siempre que le sea posible. My Best Friend’s Y, aunque se tome como Birthday | 35 min | 1987. punto de partida ‘ReserDirigida por Quentin Tarantino y protagonizada por voir Dogs’, es cierto que Craig Hamann, Quentin Tarantino, Crysta Shaw, ‘El cumpleaños de mi Allen Garfield, Al Harrell, Linda Kaye y Stevo Polyi. Es el cumpleaños de Mickey y su novia le ha dejado, mejor amigo’, es y será así que su amigo Clarence decide organizarle una la primera aparición en fiesta que nunca olvidará... Su duración el mundo del cine de inicial eran 69 minutos, pero hubo un Tarantino. No es su obra incendio y sólo se recuperaron 35 maestra, ni mucho menos es una película que trascienda los tiempos y sea la muestra de cómo dirigir una superproducción; pero grabar con dicho presupuesto, con los medios que disponían, y durante casi tres años, es de un mérito tremendo para un director que, con el paso de los años, llegaría a aglutinar en su haber participaciones de las mayores estrellas del panorama cinematográfico. La obra no trasciende lo que debería -35 minutos arrasados por las llamas no son para menos- y, quitando la admiración que se pueda profesar por la persona que está detrás de la cámara, la película se torna aburrida y con demasiados desbarajustes –no olvidar los escasos medios.- pero resulta de obligado visionado para la comprensión del estilo Tarantiniano y de lo que a la postre será este hombre para Hollywood. Es 12 | MAGAZINEMA

curioso, agradable, ligero, y deja entrever que el talento es algo que se posee de manera innata, pero que se puede entrenar y perfeccionar hasta límites insospechados. Los actores no actúan, la música se descontrola con un guión que, aunque cuidado, genera demasiados errores; la grabación no es segura y el escenario contiene demasiadas sombras. Incluso hay actores que entre plano y plano cambian su peinado. Pero a pesar de ello, se realiza un trabajo decente e, insisto, curioso, del cual, sin trasfondos ni un antes y un después, se puede disfrutar de poco más de media hora dedicada al comienzo de un grande y su primera interacción con la cámara. En definitiva, hay más ganas que talento, y posee lagunas del tamaño de la Península Ibérica, pero es un fiel reflejo de los comienzos que hicieron grande al director de un puñado de títulos reconocidos mundialmente; y a la vez podemos disfrutar del Big Bang de Quentin Tarantino, un director al que amarás u odiarás, pero del que no podrás negar que su manejo de ciertos factores cinéfilos resulta labor cargada de profesionalidad y llena de talento. • jaimegarziaiglesias

TICAS

hablando del cine de...2011

Juan de los muertos

Juan de los muertos (Juan of the Dead) | 2011, Cuba | Alejandro Brugués | Alexis Díaz de Villegas, Jorge Molina, Andrea Duro, Andros Perugorría, Jazz Vilá, Eliecer Ramírez

lejandro Brugués llega al cine, y realiza otra de esas películas que solo los amantes del género saben apreciar. ‘Juan de los muertos’ se sitúa como una cinta de zombies en Cuba, y reza como 50 años después del triunfo de la Revolución, otra revolución está por comenzar… ¡La revolución de los zombis! Así pues, la cinta se compone de varios factores que la llevan a ser lo que es: en primer lugar, tenemos la vivencia diaria en una isla como Cuba; con un revolucionario como protagonista. En este factor, la crítica social y la muestra de todo lo que conlleva la isla en las relaciones sociales y futuro de sus ciudadanos. Las “pullitas” hacia el gobierno de Castro y los comentarios entre el conflicto cubano-estadounidense son una delicia. En un segundo factor, entran unos protagonistas despreocupados y supervivientes; capaces de descubrir una manera de salir a flote y, es más, una oportunidad de ganar dinero, de una tragedia tan grande como resulta un apocalipsis zombie. En dicha situación es donde la verdadera razón y el devenir de la cinta se forman: “Juan de los muertos, matamos a sus seres queridos”.

les rodea, y alimentan su propia fuerza con la fuerte creencia de que nada les va a ocurrir, por el mero hecho de haber sobrevivido a la Revolución. Alexis Díaz de Villegas, Jorge Molina, Andrea Duro y Andros Perugorría son quienes hacen esto posible, en una interpretación en la que, el primero y el segundo alimentan a la cámara con lo que a la tercera y al cuarto les falta. Mención especial a un travesti que hace replantearse el sentido del ridículo de cada uno: Jazz Vilá. Se agradece una simple cosa: es la primera película de zombies en la cual los zombies no son la verdadera tumba de la cinta, si no que alteran la realidad para conseguir un fruto refrescante, y una película que termina siendo tan sorprendente y dinámica, no debe pasar desapercibida jamás. Sutil parodia, y autocrítica; casi tan sutil como los leves errores que podemos encontrar en la película.

Matamos a sus seres queridos

Esta es una comedia de terror; si, pero de las buenas.• jaimegarziaiglesias

Y así llegamos al tercer factor: los zombies. Sangre y velocidad son la razón de la mayoría de las risas que la cinta provoca, puesto que los seres infectados no son verdaderamente los más mortíferos de la historia del cine. Pero la forma en la cual se mueven, forma a su vez la razón por la cual los protagonistas consiguen ganarse la vida a raíz de darles caza, puesto que, y a pesar de que su peligrosidad roce lo ridículo, están cambiando el día a día de una isla en la cual vivir se entendía como tranquilidad y botellas de ron. Estos zombies son la clave para juntar de nuevo a dos personas; un padre y una hija, en la lucha por la supervivencia. A ellos se unen un amigo del cerebro, al cual le falta precisamente esto, y su moderno y atractivo hijo. Además de varios secundarios que alimentan la falta de fuerza que los principales puedan acusar en ciertos instantes del metraje. Son desvergonzados y paródicos en sí mismos frente a la actual situación que MAGAZINEMA | 13

CRÍTI

hablando del cine de...2000

El sueño de Jimmy Grimble La vuelta del fútbol romántico

iví en directo el aguanís de Raúl González Blanco; el gol de Zidane en la final de La Novena; el Iniestazo frente a Holanda en la final del Mundial y la supremacía del Barcelona de Guardiola. El fútbol, como deporte, pasión y despliegue de sentimientos ha estado presente de una u otra manera en diversos aspectos de mi vida, y me he sentido embelesado por el mismo en otras tantas que ha formado, junto al cine, una fuente de conocimientos y diversas enseñanzas que no poseen lugar tangible para exponer. Y así llega a mis manos ‘El sueño de Jimmy Grimble’, con una historia acerca de la superación y la creencia, impregnando todo del amor por el balompié. En la misma, un niño es acérrimo fan del equipo débil de la ciudad, el Manchester City FC –como cambia el fútbol…- y su deseo El sueño de Jimmy Grimble (There is Only One Jimmy de jugar en un equipo plagado Grimble) | 2000, Reino Unido | John Hay | Lewis de amantes –por no llamar “hooMcKenzie, Robert Carlyle, Ray Winstone, Gina McKee, Jane Lapotaire, Ben Miller ligans”- del Manchester United FC. Es decir, amante de lo difícil;

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del equipo de los “citizens” y no del que tuvo en sus filas a Robert “Bobby” Charlton, Éric Cantona o George Best. La edición se torna rápida y sin el cuidado necesario, pero no destaca ni está desacompasado hasta el punto de resultar nefasto; más bien se muestra como una falta de experiencia. De todos modos, la fiereza y potencia de la película está puesta en los protagonistas principales; Lewis McKenzie parece estar congelado frente a la cámara en determinados momentos. Robert Carlyle es el nexo en común de todos los protagonistas; haciendo una interpretación que pone nombre y apellidos a la película. Supera lo aceptable, incluso la buena interpretación, para llegar a un notable más que alto. Gina McKee, Ben Miller y Wayne Galtrey están por que hay que rellenar y por que entiendo que no quedaba tiempo para el casting, pero la sorpresa verdadera del film es Ray Winstrone, y la manera de hacer un personaje secundario como uno de los primarios. Las escenas futbolísticas, así como el sonido de la misma y todo lo demás que una cinta necesita, están de sobra conseguidos, y aseguran una transición suave entre escena y escena que terminan confluyendo en una película deliciosa al paladar, agradable en el trago y de digestión ligera. En definitiva, ‘El sueño de Jimmy Grimble’ es agradable, por momentos entrañable de verdad, y resulta ser un dulce en medio de una salina. Los instantes en los cuales la cinta nos saca una sonrisa, nos hace arañar el asiento, vibrar, o casi nos hace saltar de euforia con un gol y celebrarlo como nuestro son los que dan valor; y eso es algo que, los amantes del cine, y los amantes del fútbol, agradecemos, ya que llevamos sin esos sentimientos hacia el fútbol tanto tiempo, como el que llevamos sin celebrar un gol de Zidane.• jaimegarziaiglesias

TICAS El abuelo que saltó por la ventana y se largó

C El abuelo que saltó por la ventana y se largó (Hundraåringen som klev ut genom fönstret och försvann) | 2013, Suecia | Felix Herngren | Robert Gustafsson, Iwar Wiklander, David Wiberg, Mia Skäringer, Jens Hultén, Bianca Cruzeiro, Alan Ford, Sven Lönn, David Shackleton, Georg Nikoloff, Simon Säppenen, Manuel Dubra, Cory Peterson, Kerry Shale, Philip Rosch, Koldo Losada

uando, por allá por sepa Dios el momento y conozca alguien el lugar, mi interés cinéfilo se acrecentó hasta hacerme ser el empedernido visualizador de obras que soy hoy en día, comencé a visionar todo aquello que pasaba por mis manos, pues consideraba al mismo cine el precursor de un estilo de vida desinteresado de nuestras personalidades propias, y encabezonado en hacer del disfrute y de la evasión de los problemas nuestra forma de vida. Cada película que pasaba por mis manos, era desgranada y escudriñada por mi joven cabeza, emborrachándome a mí mismo de todos aquellos aspectos de la misma que me parecían fascinantes y gloriosos. Cada película que veía tenía algo bueno que llevarse a la boca; absolutamente todas. Después me hice mayor, supongo. Mi decisión cabezona de crecer con el cine me ha llevado a ver auténticos bodrios y

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sandeces en pantalla que harían revolverse en su tumba al mismísimo Ed Wood, y alzarse de entre los muertos para reclamar la destitución de su nombre con cierto “premio” que posee. Pero luego, haciendo gala del dicho “siempre encuentras algo entre la mierda que no tiene desperdicio”, me encuentro de lleno con títulos como este. Como “El abuelo que saltó por la ventana y se largó”. La idea de una película sueca, mi gusto por los goles de Zlatan Ibrahimovic, y un título visto en su idioma natal que produciría arcadas de saber pronunciarlo (Hundraåringen som klev ut genom fönstret och försvann) me golpearon como una bofetada y me hicieron interesarme por la misma. La película ronda y aborda el tema de la vejez, y el placer por la vida de un hombre encerrado en un marco que no le agrada como paseo final para su vida. Amistad y aventuras cogidas de la mano en una travesía histórica a lo largo de la existencia de este hombre, y de todos los momentos que lo hicieron ser quien es. De manera divertida e incluso boba, se limita a hacer lo que mejor sabe hacer el cine, que es entretener. Saltar por la ventana como un anciano ha de ser un trabajo arduo, al igual que adaptar un Best-seller para todo director. Felix Herngren fue el encargado, y reunió para ello a Robert Gustafsson, Iwar Wiklander y David Wiberg; en una cinta plagada de extras cuyos nombres no aparecen tan pronunciados como deberían. -¡Ay, Einstein! Frente al regalo o a la pesadilla que pueda parecer el trabajo de director y actores, la consecución final de la película encuentra su amanecer en la confraternización; en un pequeño vestigio de humildad amable y abrazada por todos los integrantes que recrean la historia a lo largo de sus 114 minutos. Es absurda y accidentada, pero es divertida y simpática; y lo más importante, hace recordar en un adulto aquel cine que de pequeño le hizo hincar la rodilla y ofrecerle su corazón al cine con un anillo de diamantes en la mano. Y eso, como mínimo, es para estar agradecido. • jaimegarziaiglesias MAGAZINEMA | 15

la trilogía del CORNETTO de tres sabores

HOT FUZZ (ARMA FATAL) Un gran superpolicía londinense, de los que disparan a dos manos y saltan sobre el capó de los coches en marcha, es enviado a un pueblecito de la campiña inglesa que, en realidad, no es tan tranquilo como parece.

BIENVENIDOS AL FIN DEL MUNDO Cinco amigos de la infancia se reúnen después de 20 años porque uno de ellos está empeñado en volver a probar suerte en un maratón alcohólico que nunca pudieron llegar a completar. Gary King, un cuarentón que todavía no ha conseguido superar la adolescencia, convence a sus cuatro reacios amigos y los arrastra a su pueblo natal en un desesperado intento por llegar al famoso pub “The World’s End”. Pero mientras intentan reconciliar el presente con el pasado, empiezan a darse cuenta de que la auténtica lucha debe librarse por el futuro, y no solo el suyo, sino el de toda la humanidad. Llegar al pub “The World’s End” es ahora el último de sus problemas.

ZOMBIES PARTY Una comedia romántica... con zombies. La vida de Shaun es un callejón sin salida. Se pasa la vida en la taberna local, “The Winchester”, con su íntimo amigo Ed, discute con su madre y descuida a su novia, Liz.Cuando Liz le deja plantado, Shaun decide, finalmente, poner su vida en orden. Pero, por desgracia, los muertos están volviendo a la vida, y tratan de devorar a los vivos. Así que Shaun tendrá que enfrentarse a un problema más. Armado con un palo de cricket, emprende una guerra contra una horda de zombies para rescatar a todos... llevándolos al lugar más seguro y protegido que conoce: “The Winchester”. MAGAZINEMA | 17

1971

allá por...

la ’Lolita’ de Kubrick

Lolita (1962) Dirigida por Stanley Kubrick Protagonizada por: James Mason, Sue Lyon, Shelley Winters, Peter Sellers, Marianne Stone, Diana Decker, Jerry Stovin, Gary Cockrell, Suzanne Gibs, Roberta Shore, Cec Linder, Lois Maxwell, William Greene, Eric Lane, Shirley Douglas, Roland Brand, Colin Maitland, Irvin Allen. Guion de Vladimir Nabokov, adaptando su propia novela

daptación de la novela homónima del genial Vladimir Nabokov. Humbert, un profesor cuarentón, llega a Ramsdale (New Hampshire) y alquila una habitación en casa de la viuda Charlotte Haze que tiene una hija de once años. Humbert se enamora perdidamente de la chiquilla y concibe un perverso plan: casarse con la madre para poder estar siempre cerca de la irresistible Lolita. A pesar de ser realizada oficialmente en 1962, la cinta de Stanley Kubrick tuvo que esperar nueve años para poder ser estrenada en las salas de cine. El director, aun considerado novel a pesar de llevar 9 años desde que comenzase con ‘Miedo y deseo’

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y habiéndo estrenado ‘Espartaco’ en 1960, tuvo que hacer frente a la censura y a ciertas dificultades, aunque finalmente consiguió elaborar una cinta que hoy es considerada de culto, y que resultó ser poseedora de varias nominaciones en el año de su estreno. Vladimir Nabokov, autor de la novela, fue quien hizo el guión para la película. En un inicio, Nabokov le entregó al director Stanley Kubrick un guión que equivalía a unas 9 horas de película. Kubrick afirmó que, a pesar de su extensión, era uno de los mejores guiones que había leído. La película fue candidata al Oscar al mejor guión adaptado. En 1997 se rodó otra versión de la película dirigida por Adrian Lyne, donde trabajan, entre otros, Jeremy Irons y Melanie Griffith dirigida por Adrian Lyne y la cual cosechó también unas críticas muy positivas, demostrando que la obra cumbre del escritor ruso creada allá por 1955 sigue siendo una referencia para todas las artes.•

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Cinco guiones de escritores famosos

a línea que separa la literatura y el cine siempre ha sido muy delgada. Desde el nacimiento del cine los directores se han nutrido de obras literarias que han adaptado con mayor o menor fortuna al lenguaje cinematográfico, un acto en el que todos se beneficiaban: la industria al disponer de una buena historia reconocible por el gran público, y los espectadores al poder disfrutar en imágenes de su novela u obra de teatro favorita. Son muchos los ejemplos de adaptaciones de obras de la literatura al cine por parte de guionistas, pero no tantos los de escritores que han tomado el rol de guionista y se han enfrentado a la tarea de adaptar una novela al cine. Pero hay buenos casos a lo largo de la Historia. Éstos son algunos de los ejemplos más curiosos de guiones de escritores famosos.

DOROTHY MALONE Y HUMPHREY BOGART

EL SUEÑO ETERNO (1946) WILLIAM FAULKER

SÓLO SE VIVE DOS VECES (1967) ROALD DAHL

El guión adaptado de la popular novela negra de Raymond Chandler por parte de William Faulkner (con colaboración de la escritora de ciencia ficción Leight Brackett) es uno de los más célebres casos de escritor-guionista. La motivación no fue otra que la económica, ya que en el año en el que se puso en marcha el proyecto el autor de 'El ruido y la furia' y Nobel de Literatura se encontraba con problemas económicos.

El autor de Charlie y la fábrica de chocolate fue la segunda opción para adaptar el guión de ‘Sólo se vive dos veces’, la novela de la popular saga de James Bond del inglés Ian Fleming. La primera fue Harold Jack Bloom, cuyo guión no convenció y pasó a manos de Roald Dahl. El trabajo del galés no fue fiel a la obra original, que le disgustaba profundamente, y sólo mantuvo dos aspectos: la localización japonesa y el conflicto Bond/Blofeld. Roald Dahl imaginó para el agente 007 una aventura espacial con naves-cohete y (para la época) grandes efectos especiales.

No era la primera vez que el escritor estadounidense se remangaba las mangas de la camisa para escribir un guión de cine. Faulkner ya había trabajado con el director de ‘El sueño eterno’, Howard Hawks, en 1944 en la adaptación de la comedia ‘Ser o no ser’ (To Be or Not To be).

SUPERMAN (1978) MARIO PUZO De la mafia al superhéroe más célebre de todos los tiempos. En 1978 el autor de ‘El Padrino’ se hizo cargo del guión de la adaptación del cómic Superman. El proceso no fue fácil. Mario Puzo trabajó en un largo guión que debería haber dado lugar a dos películas, ‘Superman I’ y ‘Superman II’, pero el borrador se tildó de “demasiado épico y demasiado caro”, pasando a ser adaptado por un grupo de guionistas que transformaron el guión de Puzo en una historia más asequible para la productora. Entre ellos se encontraba Tom Mankiewicz, que escribió la mayor parte del guión final y nunca recibió el crédito que merecía.

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GREGORY PECK COMO AHAB

MOBY DICK (1956) RAY BRADBURY El escritor que ha llevado la literatura de ciencia-ficción a las cotas más memorables con obras como ‘Crónicas marcianas’ o ‘Farenheit 451’ se hizo cargo en 1956 del guión de otra obra monumental, Moby Dick, escrita por el norteamericano Herman Melville, que dirigió John Huston y protagonizó Gregory Peck en el papel del capital Ahab. Según el ensayista y periodista inglés Phillip Hoare, Bradbury leyó nueve veces la novela y al final del trabajo declaró: “terminé aplastado por una profunda depresión. (…) Sentí el peso, podría decirse que la carga, de Melville sobre mis espaldas“.

SUSPENSE, (1961) TRUMAN CAPOTE En 1961, en un momento álgido de su carrera tras la publicación de ‘Desayuno con diamantes’, el escritor y periodista Truman Capote se enfrentó a la adaptación del popular clásico de terror británico de Henry James, 'Otra vuelta de tuerca'. La película, titulada ‘The innocents’, y dirigida por Jack Clayton, narraba una historia de terror psicológico en el que una institutriz interpretada por Deborah Kerr se enfrenta a unos sucesos misteriosos en la mansión donde cuida a dos niños huérfanos. El trabajo de Capote mereció un premio Edgar Allan Poe por su recreación de una atmósfera fantasmagórica y gótica. No fue la última vez que el escritor adaptara una obra literaria; también firmó los guiones de dos de sus propias obras, 'Desayuno con Diamantes' y 'A sangre fría', y tuvo una pequeña participación como actor en la divertidísima 'Un cadáver a los postres' (Murder by Death, 1976). anamatellanesgarcía MAGAZINEMA | 23

CENSURA EN HOLLYWOOD el código hays Hoy día estamos acostumbrados a ver todas las escenas extra, o los montajes del director meses después de su estreno en cines. No pensamos en ello como una forma de censura por parte de las productoras, pero de alguna forma es así.

¿cuándo y por qué?

a censura en el mundo de cine ha existido desde el momento en que el cine tal y como lo conocemos, fue desarrollado. Creación y censura han convivido en Hollywood desde que en 1896 Edison grabase ‘The May Irwin Kiss’. Con tan solo 47 segundos que dura la cinta se desató la tormenta moralista, y la primera campaña contra el cine como medio de expresión comenzó a gestarse. Para poder comprender las ramificaciones que en este artículo se presentarán debemos intentar dibujar la sociedad estadounidense de comienzos del pasado siglo. En 1910 el número de salas de cine llegaba a las 10.000. Normalmente ubicadas en los bajos de los edificios, mal ventiladas y con una pésima iluminación, las salas de cine atraían a un público muy variado. Junto a estas salas de cine, las salas de baile, bares y prostíbulos atentaban según cierta parte elitista de la sociedad contra la vida familiar, instando esta parte de la sociedad al gobierno a proteger los valores morales tradicionales.→

Una pareja se besa en la boca. La escena representa el último acto de la obra “The Widow Jones”, una comedia musical estrenada en Broadway en 1895. La película causó un gran revuelo en la época, escandalizó a gran parte del público, generó censura y provocó su desaprobación en editoriales de periódicos y la presencia policial en muchos lugares en que se exhibió el film.

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Para esta minoría social, el temor a que los más jóvenes aprendiesen o se dejasen influenciar por la moral mostrada en la gran pantalla, era tan grande que algunos clubs de mujeres, organizaciones religiosas y otras de carácter civil se unieron para crear un grupo denominado “los guardianes de la moral pública”. El segundo paso que dieron para librar a la ciudadanía de esos vicios y males que sólo las películas podían aportar, fue crear una comisión contra el vicio en la ciudad de Chicago, algo bastante irónico si nos paramos a pensarlo. La labor de esta comisión sería la de vigilar, no solo las salas de cine, sino las heladerías y otros lugares de reunión, intentando evitar comportamientos inadecuados para sus estándares morales.

Desarrolló un grupo de pautas que llamaba “Los Nos y los Ten Cuidado”

En 1909 el Departamento de Policía negó la licencia de exhibición a dos películas inspiradas en forajidos del Oeste, algo que nos hace ver un poco la situación que se vivía, pero la polémica ya llevaba un año

en las calles de Nueva York, desde que el alcalde de la ciudad, cediendo ante la presión de un grupo de religiosos cerrase 500 salas de cine en la Gran Manzana. Los ataques no iban a cesar, por lo que Hollywood se vio obligado a lavar su imagen, mejorando la calidad de las salas de exhibición e intentando no “atentar” contra la moral. La solución llega en forma de consejo de censura cinematográfica. En él, voluntarios visionaban las películas antes de su proyección y decidían que escenas podían herir la sensibilidad del espectador y por lo tanto debían ser eliminadas o modificadas. Todos los miembros de la MPPC (Motion Picture Patents Company) aceptaron someter sus películas a esta revisión. Para evitar estos consejos de censura que fueron instaurándose por todo el país, la industria optó por la censura previa dentro de sus estudios. Todos los esfuerzos fueron vanos, en cuanto salió a la luz el estilo de vida de los actores y actrices, y los escándalos en torno a alcohol, drogas y sexo se sucedieron, la reputación de Hollywood no tuvo salvación.→

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La meca del cine pasó a ser sinónimo de pecado.

comienzos de la década de los 20 los productores americanos se asociaron en la MPPDA (Asociación de Productores y Distribuidores de Cine de América), que agrupaba a veintitrés empresas, entre las que se encontraban las ocho grandes productoras. Nació para encarrilar a las grandes estrellas y establecer un código de comportamiento. ¿QUÉ FUE EL CÓDIGO HAYS? El código Hays fue el reglamento vigente desde 1934 hasta 1968 para la creación de películas siguiendo un código moral que fuese aceptado por toda la sociedad, evitándose así posibles problemas en el momento de la proyección y evitando gastos innecesarios debido a retoques impuestos por los consejos de regulación. El encargado de desterrar la inmoralidad de las producciones cinematográficas fue William Hays, uno de los principales miembros del MPAA (Asociación Cinematográfica de América), de quien el código recibió su nombre. Gracias a la fórmula Hays los estudios se comprometieron a enviar a su oficina todos los textos literarios y teatrales, para que allí se estudiase la posibilidad de trasladarlos al cine. Esta fórmula del año 1924 se complementó en 1927 con ciertas prohibiciones basadas en la moral, lo patriótico y lo religioso. Os dejamos algunas para que podáis haceros una idea de la sociedad y su pensamiento en aquella época.

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Tras estos primeros pasos, se aprueba definitivamente en 1934, el Código Hays, que contuvo, entre otras, las siguientes prohibiciones.

Hacer uso sacrílego de la palabra de Dios • Desnudez e insinuación • Tráfico ilegal de drogas • Perversiones sexuales • Mujeres blancas como esclavas • Escenas de higiene sexual • Escenas de parto • Burlas contra la Iglesia o sus sacerdotes •

¿CUÁLES ERAN LOS OBJETIVOS DE ESTE CÓDIGO? Entre otros, Hollywood intentó prevenir y reprimir escándalos, mejorar la calidad de las películas, establecer mecanismos de autocensura y eliminar conflictos entre países por el contenido del filme. Este código terminó siendo aceptado por toda la industria, sin olvidar mencionar que, directores y productores se encargaron de sortear muchas de estas restricciones, y junto a esto, la imaginación de los espectadores hizo el resto, dejándonos escenas inolvidables de lo que en aquel entonces se consideraba dudosa moral. martapedrazarodríguez

DRAGON BALL Z

THE FALL OF MEN

La historia que nos narra ‘The Fall of Men’ es la del fuerte enfrentamiento entre Trunks del futuro y Célula (Cell) en un mundo devastado por el androide perfecto. Goku y sus amigos están muertos y sólo el hijo de Vegeta y Bulma puede salvar la Tierra.

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entrevistamos a...Yohan Faure y Vianney Griffon

REINVENTANDO DRAGON BALL

entrevistamos a yohan faure y vianney griffon

Primero de todo, para la gente que no os conozca ¿Quiénes son Yohan Faure y Vianney Griffon? Yohan: Yo soy escritor, director y productor. Estudié cine en la IMC-Normandie de Cherburgo. Vianney: Yo soy director de arte, supervisor de VFX y productor. He estudiado diseño interactivo de producto en el Strate College de París.

RAGON BALL Z: THE FALL OF MEN’, es un trabajo dirigido por Yohan Faure y Vianney Griffon. El corto, de 28 minutos, es la primera adaptación a la realidad que hace honor a la mítica serie Dragon Ball y que está causando furor con más de trece millones de visualizaciones en YouTube y suma y sigue. Hemos podido entrevistar a sus creadores, dos desconocidos del mundo del cine y amantes acérrimos de la serie de Akira Toriyama y el anime, que han realizado un más que notable y atrevido trabajo de una de las series de animación de referencia de los 80 y 90. No es un producto redondo, pero teniendo en cuenta el desastre que supuso la superproducción ‘Dragon Ball: Evolution’ y el poco presupuesto y medios que han tenido en BlackSmokeFilms, ‘Dragon Ball Z: The Fall of Men’ es un trabajo más que digno. 32 | MAGAZINEMA

‘Dragon Ball Z The Fall of Men’ está causando furor en todo el mundo ¿Os esperábais la increíble repercusión que está teniendo el corto? ¿Qué ha cambiado desde que lo publicasteis? La verdad es que sólo esperábamos que gustara porque nuestra versión es algo diferente de lo que es el Anime (series de animación japonesas). ¡Y por supuesto estamos muy contentos que haya funcionado tan bien! ¿Qué ha cambiado? ¡Ahora podemos hablar de ello! Dos gigantes como el director James Wong y 20th Fox llevaron Dragon Ball de la animación a la realidad con un resultado desastroso. ¿Qué os ha llevado a intentarlo después de eso? Queríamos contar la historia de un maduro Trunks en un tiempo diferente y añadir un toque de realismo y drama que nos encanta ver en las películas. ¿Ha sido muy difícil la transición de la animación a la realidad? La verdad es que no piensas en términos de “transición” porque para sacarlo adelante nos tuvimos que adaptar a un medio diferente, y es por eso que por ejemplo los personajes no aparecen con

mucho cabello, ojos gigantes o una boca enorme como en la serie. ¿Con que medios y presupuesto ha contado ‘Dragon Ball The Fall of Men’? El presupuesto del cortometraje ha sido de 8.000€. Por otro lado los recursos fueron muchos, tuvimos a bastante gente que nos ayudó, por ejemplo con la aportación de motion capture, también una increíble plataforma de sonido o una orquesta entera… ¡Y todo gratis! ¿Habéis contado con algún apoyo por parte de alguien relacionado con la serie de animación? Que sepamos, no. ¿Cuál es vuestra parte favorita y la que menos os gusta de Dragon Ball? ¿Por qué? Yohan: he de decir que mi parte favorita es la OAV de Taipon, me hace sentir como cuando era un niño y fue la primera película de Dragon Ball que vi en el cine. La parte que menos me gusta es durante la saga de Celula, cuando Maron está en la KameHouse y algunos personajes la quieren seducir. Vianney: Mi parte favorita es cuando Goku mata a Celula (¡alerta de spoiler!), con Goku al fondo y el brazo kammeame, ¡me emociona cada vez que lo veo! Y la que menos me gusta es la de Goku y el carnet de conducir… Como a muchos, ¡supongo! Después de más de 13 millones de visualizaciones en Youtube y una fantástica crítica, la pregunta que muchos seguidores de Dragon Ball se hacen es ¿Estáis preparando un largometraje? ¿Si es así para cuando podría estar terminado?

“Lo que hizo Nolan con la saga Batman fue una gran inspiración para nosotros en lo que concierne a las mismas claves narrativas de la historia original pero añadiéndole realidad” Para realizar un largometraje sería mejor contar con los derechos y el trabajo de una gran productora, no lo contemplamos entonces porque durante la mayoría del tiempo estábamos trabajando en la filmación. Nos tomó dos años de trabajo sin descanso conseguir 28 minutos, por lo que necesitaríamos alguna ayuda para poder hacerlo. Pero en estos momentos es demasiado pronto para hablar de ello, la película acaba de salir hace un mes. ¿Habéis recibido propuestas externas para realizar un proyecto más ambicioso? Sí. ¿Qué mensaje dirigiríais a los millones de fans que ya han disfrutado de vuestro corto? ¡Gracias por vuestro apoyo y creed en nosotros! ¡Y no tengáis miedo en creer en vuestros sueños! Gracias a vosotros por concedernos la entrevista. marcseguraarasa MAGAZINEMA | 33

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EDGAR MORIN

EL CINE O EL HOMBRE IMAGINARIO C

uando en 1956 EDGAR MORIN decidió dedicar la tinta de su estilográfica a la redacción de EL CINE O EL HOMBRE IMAGINARIO su intención no era tanto escribir un libro de mera teoría cinematográfica, sino profundizar a través del cine en una concepción antropológica compleja, como ya se preocupaba de remarcar en el subtítulo del libro. Como se verá, este “nuevo” arte nos permite entroncar directamente con los impulsos constantemente latentes en el ser humano desde la prehistoria hasta nuestros días, mostrándonos que el cine es más que una réplica exacta en dos dimensiones de la realidad que se le ofrece; lo que éste despliega ante el espectador sirviéndose de sus pupilas es el alma presente en lo proyectado.

El punto de partida del estudio será, como no podría ser de otro modo, la imagen, materia prima del cine y puente necesario entre la realidad objetiva y el mundo subjetivo, imaginario, del ser humano. En el cruce entre estas dos realidades es donde encontramos una de las obsesiones más comunes del imaginario colectivo: el doble, ese yo otro (más que otro yo) que permanece ajeno a mí… pero que no deja nunca de ser yo. Su aparición viene a reclamar una suerte de inmortalidad, de permanencia frente al cambio (incluso de asimilación del mismo). Este fenómeno que Morin resume como una “cualidad psíquica alienada” es el que se hace carne en los amuletos y en su heredera la fotografía, quienes cargan a sus espaldas el poder de avivar el recuerdo, de sobrevivir a lo efímero, de afirmarse frente a la desaparición. Dentro de este contexto el cine da un paso más allá, pues viene a sustituir el estatismo de los anteriores con un doble movimiento: por un lado, el de las cosas mismas al ser filmadas, lo cual le dota de una extrema realidad inalcanzable por cualquiera de los otros sistemas mnemotécnicos, y, por otra, el movimiento propio del film. Gracias a esta separación entre los dos desplazamientos del cine se hace posible una división dentro de su historia: en primer lugar, los tiempos del cinematógrafo con los hermanos Lumière, en los que la cámara se limitaba a filmar aquello que se presentaba ante su objetivo, y, en segundo lugar, los tiempos del cine propiamente dicho, que fueron inaugurados por Georges Meliès al centrar sus esfuerzos en la metamorfosis de esa imagen que se ofrecía caritativamente a la cámara y cuyos firmes continuadores fueron el montaje, con Sergei Eisenstein como máximo exponente, y el progresivo uso del travelling, donde ya no son ni las cosas ni el montador quienes se mueven, sino la propia cámara en el momento mismo de la filmación.→

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EL HOMBRE EN EL CINE EL CINE EN EL HOMBRE

sta segunda etapa supuso, por lo tanto, un momento de ruptura en el devenir de este nuevo y séptimo arte, pues con ello la imagen se liberó del estatismo al que le abocaba la mera captación de la realidad para ir adoptando progresivamente un cierto carácter de irrealidad cuya recurrencia se ha convertido en un elemento clave de cualquier película, ya sea de forma manifiesta Captura2 (cine fantástico) o de forma latente (realismo), pues todo montaje y todo movimiento vienen a imprimir sobre lo filmado un elemento propio y original. Este “engaño” que se oculta, pues, bajo la superficie ha sido la fonética sobre la que se ha edificado el lenguaje del cine y la que ha permitido que su voz atraviese el espacio y el tiempo para reencontrarse con los elementos comunes a toda visión mágica del mundo: la fluidez temporal (presente en el cine a través de la elipsis y los cambios de velocidad), la metamorfosis (la realidad ya no está encorsetada por el corpiño de una identidad inamovible) y la relación de continuidad entre el microcosmos del hombre y el macrocosmos. Este último pilar mágico, que Morin engloba bajo el término de antro-

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po-cosmomorfismo, es, por un lado, el que se manifiesta mediante el uso indiferente de una acción humana o de la “acción” de un objeto para expresar una misma situación o estado anímico de tal modo que un pájaro que levanta el vuelo puede significar un hombre liberado y viceversa. Esta relación entre micro y macrocosmos se manifiesta en los movimientos participativos fundamentales desplegados durante el visionado del film por parte del espectador: la proyección y la identificación, a partir de los cuales se termina gestando el “encanto de la imagen”, esto es, la capacidad, especialmente presente en el cine, de profundizar en la realidad, de extraer la poesía de lo cotidiano, es decir, su fotogenia. Ante la pantalla el espectador, que ha cedido temporalmente su alma a la imagen, ha quedado convertido en un fantasma, pues toda participación práctica le ha sido coartada frente al inevitable devenir de los acontecimientos que palpitan ante su mirada. Sin embargo, esa falta de participación real provoca que la participación afectiva se vea impulsada del mismo modo en que ésta se despliega y libera durante el sueño, alcanzando así un impacto emocional profundo que vendrá marcado tanto por lo que ve (encuadres) como por lo que oye (música). Durante la experiencia estética se produce, de este modo, la “fiesta onírica de la parti-

cipación” que permite no sólo proyectar el alma sobre la pantalla sino que hace posible su posterior recuperación y enriquecimiento mediante su incorporación al propio flujo psicológico del espectador. Ahora bien, el engarzamiento de la película mediante la afectividad no se produce en total libertad, sino que depende siempre de una narración a través de la cual se encadenan los acontecimientos permitiendo que se les pueda dotar de un sentido. Es aquí donde entra en juego otra de las facultades humanas esenciales: la razón, elemento fundamental que permite la continuidad de toda narración y que, en cierto modo, nos acaba exigiendo siempre el elemento clave para todo disfrute narrativo: la verosimilitud. El cine se convierte con la irrupción de este último elemento en el paradigma de la confluencia de tres elementos humanos contrapuestos: la magia, el sentimiento y la razón. Esta última, que ya desde el nacimiento de la filosofía como opuesta al mito, parecía querer apropiarse del podio de “lo humano”, encuentra en este particular, elaborado y en ocasiones enrevesado estudio del cine llevado a cabo por Edgar Morin un nuevo intento (y no son pocos los que ha habido en los últimos dos siglos) por reivindicar otras formas de conocimiento legítimas que revelan la apabullante y entusiasta complejidad que subyace a toda la naturaleza humana.• diegorufohelguera

*EDGAR MORIN, nacido en París en 1921, es un reputado pensador de origen judeo-español que ha destacado por su Morinpropuesta de un “Pensamiento complejo” caracterizado por difuminar las barreras entre los saberes de las ciencias humanas y de la naturaleza

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QUENTINTARANTINO “LA CÁMARA SE INVENTÓ PARA LA ACCIÓN Y LA VIOLENCIA”

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10. Paul En la película del 2011 de Greg Mottola, todos nos volvemos a encontrar con la pareja inseparable de la trilogía “Cornetto”: Simon Pegg y Nick Frost; pero no vienen solos. Esta vez vienen acompañados por un pequeño ser de otro planeta llamado PAUL –al que da voz Seth Rogen- y que necesita la ayuda de algunos de los habituales compañeros de reparto para escapar del gobierno y volver a su planeta. El pequeño alienígena es un alcohólico y fumador al que le encanta la fiesta por encima de todo; pero lo único que busca realmente es volver a ver a su salvadora una vez que aterrizó, y regresar sin más complicaciones.

9. ¡Están vivos!

8. Señales

7. Ultimatum a la Tierra

Tres cintas de culto donde las haya conforman los puestos 7, 8 y 9 de la lista. Comenzando por ‘¡ESTÁN VIVOS!’, de John Carpenter, quien participó y acrecentó la historia durante la década de los 80 de la denominada “Las tres C del terror”, junto a Cronenberg y Wes Craven; seguido por ‘SEÑALES’, de Shyamalan, una película

en la que Harrison Ford y sus dos hijos se enfrentan a la amenaza de la invasión a partir de una escalofriante muestra en sus campos de maíz; una película que le sirvió al cineasta de la India para colocarse aun más en el mapa del cine fantástico, y ofrecernos terror y angustia con gran elegancia; y para cerrar estos tres números vamos con

un clásico donde los haya: ‘ULTIMATUM A LA TIERRA' de 1951 de Robert Wise, entra en nuestra lista, aparte de por estar en el Registro Nacional de Filmes de la Biblioteca del congreso de EEUU, por ser considerada cultural y significativa; algo que, sin duda su remake del año 2008 protagonizado por Keanu Reeves no ha conseguido.

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6. Mars Attacks! Así nace en 1996, ‘MARS ATTACKS!’; comedia alienígena donde los extraterrestres no tienen una apariencia física real en su totalidad, pero que asegura ser una vuelta de tuerca a las historias de fuera de nuestro planeta. Parodia de los filmes de ciencia ficción de los años 50. Unos platillos volantes procedentes de Marte sobrevuelan todas las capitales del mundo. La población, aterrada, espera conocer sus intenciones. Tim Burton posee una mente que parece estar alejada de nuestro tiempo, a años luz, que va acompañada por una imaginación que parece extraterrestre por sí misma.

5. Independence Day La llegada de ‘INDEPENDENCE DAY’ sirvió para poner en el mapa aun más a Will Smith, y para poner en pantalla la mayor nave espacial alienígena y una falta de tacto con la vida humana creada para el uso y disfrute de todos los amantes de la ciencia ficción en general.

4. Distrito 9 ‘DISTRITO 9’ terminó resultando una impresionante cinta venida desde Sudáfrica. Precisamente, en dicho lugar es donde tiene lugar el devenir de la historia, que nos invita a recapacitar gracias a su disfrazada sátira. Pero el lugar en esta lista lo obtiene gracias a una profesional manera de enfocar y presentar la invasión alienígena y a los propios seres venidos del espacio.

3. La guerra de los mundos Cuando Orson Welles asustó al mundo de manera tan inusual como brillante, se demostró que la sociedad mantiene miedo a la idea de que no haya soledad en el universo. ‘LA GUERRA DE LOS MUNDOS’ encuentra la extinción de los humanos como una causa justificada debido a nuestro comportamiento, y cómo han de morir millones de personas para nosotros darnos cuenta del lugar que nos corresponde dentro del universo.

2. E.T., el extraterrestre ‘E.T.’ es la creación de Steven Spielberg que más ha llegado a la gente sentimentalmente hablando. El pequeño ser entró dentro de los corazones de todos los niños que crecieron con el cine de este hombre, haciéndonos levantar el dedo junto a él en cada una de las escenas que sucedía.

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La invasión de los ladrones de cuerpos

Esto no es una invasión realizada a través de platillos gigantescos ni rayos abrasadores o pulverizadores; nos encontramos con el silencio, con el sigilo que mantienen los alienígenas para, poco a poco, introducirse en la sociedad con el fin de superarla desde dentro. Eliminar a un enemigo es mucho más sencillo si se conocen sus movimientos y rutinas, y si te pareces totalmente a ellos, mejor que mejor. Así surgen las vainas, como incubadoras de clones.

Considerada de culto, 'LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS' ya es una muestra de la histeria colectiva que existía y como denuncia colectiva y política de la época. Esta cinta resulta ser imperdible para cualquier adepto a la ciencia ficción.

En una pequeña ciudad de California empiezan a suceder cosas muy extrañas: el comportamiento de algunas personas cambia de tal manera que causa estupor e incluso miedo entre sus parientes y amigos. Sin lugar a dudas, estamos ante un género mayúsculo dentro del cine con miles de títulos en su haber; pero es un género con un encanto especial para todo el mundo, y que ya sea por unas claves o por otras, la ciencia ficción le debe mucho a los títulos mencionados en esta lista que, humildemente, creemos que debíamos crear. Sabiendo además que, nos hemos dejado títulos en el tintero que merecerían estar; así que simplemente, disfrutad todos de ellas, y no os olvidéis de prepararos por si acaso…• MAGAZINEMA | 43

Dragรณn, dragรณn, no lagarto. Yo no hago eso de la lengua... ...shhhhhhh Mushu

la mujer en el cine

Kathryn Bigelow E

n un mundo en el cual el cine no tiene siempre tan en cuenta como debería al género femenino, y bajo una gran cantidad de discursos y de triunfos por parte de nuestras protagonistas cada vez que se les da la oportunidad, se alza el nombre de una directora a la cual apenas se conoce, pero que mantiene una fuerte presencia dentro del mercado cinematográfico. Es la primera y única mujer en la historia que ha ganado el Oscar al mejor director y el premio al mejor director (“Directors Guild of America Award for Outstanding Directing–Feature Film”) del Sindicato de directores de Estados Unidos.

El viaje de las mujeres, sin importar el ámbito, es un viaje largo.

KATHRYN BIGELOW puede ser una desconocida para muchos; pero estamos ante toda una ganadora del premio de la Academia por su película ‘En tierra hostíl’ (2008), año en el cual le arrebató el premio a, nada más y nada menos, que un James Cameron que se presentaba con ‘Avatar’. Y es precisamente este premio Oscar que ganó el que acabó arrebatando a su exmarido, de quien se había divorciado unos cuantos años antes.

Pero pasando a datos meramente cinematográficos, títulos en la filmografía de esta mujer que resultan imprescindibles y conocidos: ‘Le llaman Bodhi’; ‘The Loveless’; ‘Acero azul’; ‘Días extraños’; ‘El peso del agua’; ‘K-19’; La noche más oscura’ o ‘Near dark’ han de ser visualizados por todo aquel amante al cine que se precie, puesto que encontrará una dirección pulcra y profesional.•

BITELCHÚS 2.

“La película está en marcha y ha sido aprobada por el equipo de Warner Bros. Hemos hablado con la gente del reparto que queríamos de nuevo para esta película y todos están a bordo del proyecto, y eso incluye a Winona y Michael. Tenemos el guión en la mano y todo está en su sitio, por lo que ahora lo único que necesitamos hacer es prepararnos para rodar” Con estas palabras, el propio TIM BURTON aseguraba que la vuelta de Bitelchús a nuestras pantallas es toda una realidad. ‘BITELCHÚS’, estrenada en 1988, se convirtió rápidamente en una cinta de culto para amantes del cine en todo el mundo, por lo que una entrega más resultó ser una noticia más que bienvenida, pero pronto comenzaron las ideas negativas hacia la misma, dando lugar a preguntas sobre su necesidad y sobre la posibilidad de volver a realizar una película de tan buena calidad como lo fue la protagonizada por Michael Keaton, Alec Baldwin, Geena Davis y Winona Ryder. Habrá que esperar aun bastante tiempo para ver y descubrir en las salas de cine si TIM BURTON es capaz de hacerlo. Y sobre todo, si las campañas de marketing de Bitelchús siguen siendo tan buenas como antaño.

“Recibirá una posesión demoníaca gratis con cada bio-exorcismo”

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estrenado en 1982 Steven Spielberg se llevaba la cartelera y la taquilla del año con ‘E.T.’ y la primera de las entregas de Indiana Jones; en un año en el que ‘La Cosa’ de Carpenter, ‘Poltergeist’ y ‘Halloween III’ pusieron el terror. ‘Mad Max 2: El guerrero de la carretera’ y ‘Tron’ aunaban velocidad y efectos especiales mientras que lo entrañable entraba gracias a ‘Annie’. Estos títulos, junto con ‘Das Boot (El submarino)’, ‘Todos Rieron’ o ‘Conan el bárbaro’ materializaron un año de auténtico escándalo para el mundo del cine.

la persona

TOM HIDDLESTON Polifacético y admirado, el actor británico ha sabido jugar bien sus cartas para hacerse un hueco en el duro Hollywood

esde que empezase siendo Lord en ‘Nicholas Nickleby’, Tom Hiddleston ha ido trabajando y trabajando para conseguir labrarse un hueco en Hollywood. Ha sido Edward en ‘Archipiélago’; F. Scott Fitzgerald en ‘Medianoche en París’ o el Capitán Nicholls en ‘Caballo de batalla’, donde se puso a las órdenes de Steven Spielberg. Y, tras trabajar y trabajar, le llegó su momento dentro del Universo Cinematográfico de Marvel, dando vida en la gran pantalla a Loki, hermanastro del superhéroe Thor y el malo malísimo de unas cuantas películas de la factoría: ‘Thor’ y ‘Los Vengadores’, principalmente. ‘La cumbre escarlata’, ‘High Rise’, adaptación de High Rise, novela publicada por J.G. Ballard a mediados de los años 70 y en la cual se narra la llegada del doctor Robert Laing a la Torre Elysium, un enorme rascacielos dentro del cual se desarrolla todo un mundo aparte, en el cual parece existir la sociedad ideal. Pero secretamente, el recién llegado se sentirá perturbado ante la posibilidad de que este orden utópico no sea tal. Sospechas que rápidamente serán corroboradas de la forma más siniestra; o la serie televisiva ‘The Night Manager’ -cuya traducción en España fue ‘El infiltrado’...- son otra muestra de la calidad y el buen hacer con la interpretación de un Tom Hiddleston que no parece encontrar techo, ni problemas para encontrar papeles que realizar.

Tiene habilidad con las lenguas: además del inglés que ha interpretado con varios acentos y dialectos en el cine, es capaz de hablar francés, italiano y español con bastante fluidez. Además, aprendió latín y griego antiguo. Tom realizó sus estudios en The Dragon School de Oxford, al terminar se matriculó en Eton College, donde se encontró un equipo de profesores con muchísimo entusiasmo y pasión, que consiguieron despertar en él las ganas de participar en el cine y el teatro. El mismo Tom recuerda que le llevaron a ver la obra de Ibsen “John Gabriel Borkman” en el National Theatre en 1996, y se sintió lleno de inspiración y admiración tanto por el texto como por las increíbles interpretaciones. Le impresionó tanto el conjunto de las interpretaciones, la puesta en escena y el conjunto global de la obra, que para él fue un momento decisivo. El otro proyecto que realizó fue el biopic de Winston Churchill ‘The Gathering Storm’, en esta ocasión Tom interpretó el papel de Randolph Churchill, hijo de Winston. La crítica quedó impresionada, alabando el impecable trabajo de Tom y este a su vez calificó la experiencia como “extraordinaria”, algo que cambió su punto de vista en lo referente al arte de la interpretación y la vida de los actores. Tras esta increíble experiencia, decidió echar la solicitud para entrar en la escuela de arte dramático.•

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fuera de plano

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¿QUIÉNES SON?

La Fundación IS tiene como objetivo motivar, capacitar, educar y colaborar con personas y en proyectos que tengan un impacto positivo en el planeta y sus criaturas. Son un equipo, cuya principal idea es que son un grupo de personas que percibe el medio ambiente como un organismo interconectado del que todos formamos parte. No somos entidades independientes y no existe diferencia alguna entre todos los seres vivos: árboles, ríos, animales y humanos. Constituimos un organismo interdependiente.

¿CÓMO AYUDAN?

Distribuyendo recursos y fondos para la conservación global, el desarrollo y el despliegue de energías ecológicas y de herramientas educativas. Creando conciencia sobre el hecho de que la deforestación de nuestros bosques representa un riesgo a la seguridad nacional, internacional y global. Creando movilidad, involucrando y apoyando a la parte de la población mundial más ignorada, despreciada y descuidada: nuestros jóvenes. Poniendo fin a la crueldad contra los animales y promoviendo programas como: “las drogas de esterilización específicas para cada especie” y el transporte y re-amaestramiento de animales abandonados para que puedan ser animales guía y sirvan para apoyo en la terapia. Apoyando y creando estrategias sostenibles para refugios de animales.

Conoce más en

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en pequeña pantalla

LIMITLESS Bradley pone la pasta.

imitless es una serie de la cadena CBS que protagoniza Jake McDorman. El actor da vida a Brian Finch, quien será el encargado de meternos de lleno en el mundo ya creado para la película homónima,en la que Bradley Cooper aparecía como personaje principal. Para aquellos que no hayan visto ‘Sin Límites’ (2011) sería recomendable hacerlo, pues ciertos matices pueden perderse si no es así, a pesar de que la serie lo explica todo, eso sí, sin desvelar en demasía, ya que el misterio en torno al NZT es la piedra angular de película y serie. NZT es un nuevo tipo de psicotrópico que permite a tu cerebro funcionar a su máxima potencia, permitiendo entre otras cosas aprender un idioma en un solo día, y haciendo que la forma con la que ves el mundo se vea alterado por completo, siendo capaz desde el momento de tomarla de ver todas las posibles opciones y sus posibles resultados en cuestión de segundos. Con una herramienta de estas características lo difícil sería quedarse sin trama o sin situaciones que explotar. La serie de la CBS lo hace bastante bien en ese campo, y en cada capítulo nos ofrece unas situaciones que van incrementándose en complejidad conforme pasan los capítulos, lo cual hace que nos enganchemos y volvamos frente al televisor cada semana. Los personajes lo son todo en las series de este tipo, esas en las que los capítulo van a ser irremediablemente “iguales” a pesar de los esfuerzos de los guionistas, por ello ha sido un gran acierto la contratación de Jake McDorman para dar vida al protagonista de la serie, Brian Finch, el cual hace un trabajo increíble al doblarse a si mismo en las escenas en las que su personaje se desdobla, consiguiendo unas escenas muy

divertidas y de gran dinamismo. La trama recae en más de un ochenta por ciento en su personaje, pero no nos cansamos de él gracias a la frescura que transmite al mismo. Junto a este actor, disfrutamos de Jennifer Carpenter, que será la encargada de trabajar con el personaje de McDorman, Brian, en cada capítulo. La actriz consigue presentarnos a una joven agente del F.B.I. con algunos problemas personales, pero que tendrá la capacidad de dejarse llevar por el protagonista, resolviendo así una gran cantidad de casos con una velocidad pasmosa, a pesar de tener que saltarse más de una norma para ello. La originalidad de la serie en este caso no recae en el uso de una fórmula poco explotada o nunca antes vista en TV, tengamos presente que se trata de una serie que está basada en una película de 2011 y en que no hay nada mas viejo que la ciencia ficción cuyo epicentro es un cerebro trabajando a su máxima capacidad y potencia (véase ‘Lucy’ -2014-). En cambio tenemos que concederle a ‘Limitless’ la belleza de lo formal en sus escenas. Unas escenas que están decoradas con pequeños detalles que hacen las delicias de esos que vemos series de televisión, y que echamos en falta el uso de un poco de imaginación en el rodaje de las mismas. Son muchas las posibilidades que nos ofrecen la fotografía y las nuevas tecnologías hoy día, y ‘Limitless’ por fin, hace uso de ellas en televisión, lo cual hace que los puntos de originalidad que pierde por lo mencionado anteriormente queden totalmente amortiguados por la técnica e imaginación del montaje de la serie. Se trata de una serie fresca y divertida, que cuenta además con una trama interesante que permite dar mucha libertad a los guionistas en cada episodio. Será tiempo bien gastado, no podrás resistirte a ver el siguiente. martapedrazarodríguez MAGAZINEMA | 57

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