FUTURIDAD DEL ARTE ESPAÑOL Ciclo de encuentros 23 de abril - 7, 16 y 21 de Mayo de 2012
FUNDACIÓN ORTEGA-MARAÑÓN Instituto Universitario de Investigación Ortega y Gasset Organiza: Departamento de Cultura contemporánea: Literatura, Instituciones artísticas y Comunicación cultural
El concepto de Futuridad contemporánea, tal como lo viene desarrollando el profesor Antonio García Berrio en sus recientes publicaciones, alude a los síntomas de progreso – continuidad o ruptura- en el Arte actual, sea éste prolongación de la Modernidad vanguardista o exponente de la ruptura con el paradigma artístico moderno, tal como lo propusieran el pensamiento y las prácticas postmodernas.
Así, en la primera de las jornadas programadas, Daniel Canogar, uno de los representantes con mayor prestigio y presencia en el arte internacional contemporáneo, nos aportará un testimonio resuelto de la desinhibición ante la “ansiedad de la influencia” característica de la Modernidad tradicional, en función de su innovadora poética de los nuevos medios en las artes compatible, no obstante, con una incontenible propensión a la estética tradicional barroca. El rasgo general de futuridad referido a esta desinhibición de la influencia se acrecienta en la figura de Daniel Verbis, segundo de los artistas invitados, en un diálogo creativo altamente original e irónico con los precedentes más próximos del vanguardismo moderno, español e internacional. Por su parte, el tercero de los artistas seleccionados, Javier Riera, apunta a la misma característica común de las innovaciones profundas sin ruptura precipitadas del paradigma, a través de la superación del límite espacial/temporal en la poética actual de sus trabajos fotográficos. Por último, el cierre de este ciclo de encuentros nos ofrecerá una perspectiva de intensa modificación paradigmática a cargo del polifacético artista visual, Bernardí Roig, otra de las figuras del arte español actual con mayor proyección internacional. Evolucionando en ruptura desde una estética anterior de la “indecibilidad” deconstructiva postmoderna, la obra actual de Roig apunta hacia un universalismo de los arquetipos en consciente conexión con la concepción del “neutro” artístico, en los términos del pensamiento existencial de Blanchot, Bataille o Thomas Bernhard. Las diferentes sesiones que componen este Ciclo de encuentros contarán con la presencia de destacados críticos, profesores, galeristas y comisarios: Laura Revuelta, Alberto de Juan, Santiago B. Olmo, Antonio García Berrio y José Jiménez, quienes actuarán también como moderadores de los coloquios de cierre en cada una de las sesiones programadas.
Presentación
El pronóstico sobre la futuridad inmediata avizorable desde las manifestaciones culturales contemporáneas es posible, deseablemente, desde la multiplicidad de los aspectos que comprende: literarios, filosóficos, de las artes visuales, etc! Sin embargo, este Ciclo de encuentros con destacados creadores de la escena artística contemporánea se centrará en una selección de síntomas de esta evolución paradigmática en las artes visuales en el ámbito español.
Desarrollo de las Jornadas Horario de intervenciones y ponentes
Horario de intervenciones 23 de abril 2012 a las 18.00
16 de mayo 2012 a las 18.00
Encuentro con Daniel Canogar
Encuentro con Javier Riera
Poética de los nuevos medios en una estética barroca
Futuridad plástica: El tiempo incluido
Presentación y coloquio a cargo de Prof. Dr. D. Antonio Gar cía Ber rio (Dir ector) y Da. Laur a Revuelta Sanjurjo!(Redactora Jefe de ABC Cultural)
Presentación y coloquio a cargo de D. Santiago B. Olmo (Comisario y crítico de arte)
7 de mayo 2012 a las 18.00
21 de mayo 2012 a las 18.00
Encuentro con Daniel Verbis
Encuentro con Bernardí Roig Del erotismo al neutro
El artista es todos: Desinhibición de las influencias Presentación y coloquio a cargo de D. Alberto de Juan (Director de la Galería Max Estrella, Madrid)
Presentación y clausura a cargo de Prof. Dr. D. José Jiménez (Catedrático de Estética de la Universidad Autónoma de Madrid – Comisario y crítico de arte) y Prof. Dr. D. Antonio García Berrio (Catedrático de Teoría de la Literatura de la Universidad Complutense de Madrid. Director del Departamento de Cultura contemporánea – IUIOG)
Daniel Canogar Poética de los nuevos medios en una estética barroca Lunes 23 de abril 2012 a las 18.00 Salón de actos – Fundación Ortega-Marañón
Daniel Canogar Daniel Canogar (Madrid, 1964) ha desarrollado durante los últimos años una destacada trayectoria en el campo de la fotografía y los medios digitales. Su trabajo es apreciado tanto en el ámbito del arte contemporáneo como en la escena del arte digital, siendo muchas de sus instalaciones parte integrante de las colecciones permanentes de museos y fundaciones en todo el mundo. La composiciones fotográficas de Canogar reflexionan acerca de la condición del ser humano en una sociedad marcada por el exceso de consumo y la constante necesidad de producir y adquirir objetos. Una sociedad en la que el individuo pierde los puntos de referencia y es incapaz de resistirse a las fuerzas que lo someten. Por ello los personajes de las obras del artista madrileño se nos muestran, bien enterrados bajo toneladas de objetos (ya sean desechos de la era electrónica o juguetes infantiles) o bien flotando indefensos en un espacio abstracto.
Statement Siempre he buscado alterar los formatos tradicionales fotográficos. A través de proyecciones e instalaciones he querido reventar el marco fotográfico y sumergir al público en imágenes. Estas obras investigan como la identidad del sujeto queda alterada en el espacio del espectáculo. A finales de los años noventa desarrollé un sistema de multi-proyección utilizando cables de fibra óptica. Con esta tecnología realizé obras como “Alien Memory”, “Obscenity of the Surface” y “Sentience”. Estas instalaciones son homenajes a las fantasmagorías de Robertson, un científico belga obsesionado por efectos ópticos. A partir de 1798 comenzó a utilizar linternas mágicas para proyectar imágenes espectrales de cuerpos, un espectáculo protocinematográfico que cautivó al público europeo. En mi caso, substituyo las linternas mágicas por cables de fibra óptica, actualizando la noción del fantasma tecnológico. En lugar de ser un espectador pasivo, el público activa la instalación tapando y destapando imágenes mientras camina por el espacio. El espectador no sólo se convierte en una pantalla, sino que también descubre su propia sombra cuando interrumpe un haz de luz. La tecnología digital, y como ésta ha cambiado la forma de percibir la realidad, es otra de mis investigaciones centrales. El exceso de información visual, el barroquismo del medio electrónico y la dificultad que tiene el ser humano en procesar el exceso de información lanzado por los medios son ideas presentes en obras como “Horror Vacui”, “Digital Hide” y la serie “”Otras Geologías”. En ellas, la imagen se multiplica víricamente y desborda el espacio de representación. La arqueología de los nuevos medios siempre ha sido una importante fuente de inspiración para mi proceso creativo. En los orígenes de la imagen tecnológica encontramos en estado embrionario las claves fundamentales que regirán nuestra actual cultura mediática. En “Ciudades Efímeras; Exposiciones Universales: Espectáculo y Tecnología”, (Julio Ollero Editor, 1992), investigo la formación de la mirada del espectador a través de la historia de las Exposiciones Universales. En el 2002 publiqué “Ingrávidos”, (Fundación Telefónica, Madrid), en la que equiparo la figura del espectador con la del astronauta. Ambos libros intentan describir las complejas dinámicas visuales que la sociedad del espectáculo impone sobre el sujeto contemporáneo. Daniel Canogar Fuente : www.danielcanogar.com
Daniel Verbis El artista es todos: Desinhibición de las influencias Lunes 7 de mayo 2012 a las 18.00 Salón de actos – Fundación Ortega-Marañón
Daniel Verbis Daniel Verbis (León, 1968). Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca en 1991. Sus primeras exposiciones individuales, realizadas en estos mismos años, ya evidencian su preocupación por la deconstrucción del lenguaje pictórico, experimentando con materiales perecederos y cuestionando la idea de soporte como espacio limitado que constriñe el lienzo. El interés que suscitan sus dibujos y pinturas murales le lleva a exponer en el prestigioso The Drawing Center de Nueva York en 1997. Presente en importantes colecciones institucionales y privadas españolas, sus últimas exposiciones individuales las realiza en el Centro de Arte Caja de Burgos, y las galerías Rafael Ortiz de Sevilla, Max Estrella de Madrid, Acce de Nueva York, Trinta de Santiago de Compostela y Diana Lowenstein de Miami. Daniel Verbis ha recibido diferentes premios en certámenes, siendo los más destacados: el Premio de Pintura Fray Luis de León, Primer Premio de Pintura L´Oreal o el premio de Pintura ABC, entre otros.
Statement “A partir del año 2000 el trabajo de Daniel Verbis lo ha significado entre los artistas de su generación y le ha dado un lugar propio en la trayectoria por la que hoy circula una parte de la “pintura moderna tardía”, alargando la senda que inició Frank Stella hace medio siglo. Se trata del camino de la “abstracción postpictórica” -como la llamó el crítico Clement Greenberg-, basada en la idea de que una pintura es, ante todo, un objeto físico sensibilizado por el arte, un objeto que traspasa los límites de la representación de imágenes de la pintura ilusionista tradicional. Por eso la práctica de Verbis se centra en investigar sobre los elementos materiales y el espacio real de la pintura, así como sobre los procedimientos o nuevos modelos de producción”. Verbis en su laberinto: Devenir prenatal José Marín-Medina. www.elcultural.es
Javier Riera Futuridad plástica: El tiempo incluido
Miércoles 16 de mayo 2012 a las 18.00 Biblioteca – Fundación Ortega-Marañón
Javier Riera Javier Riera (Avilés, 1964). Estudió Bellas Artes en Salamanca y en su formación fueron importantes los talleres de arte actual del Círculo de Bellas Artes de Madrid, donde vive desde 1989, participando en los de Carlos León y Julian Schnabel. Comienza a exponer en 1993 en Madrid y ha participado en numerosas exposiciones colectivas, siendo la pintura el soporte habitual. En 2003 recibió el premio Ángel, en 2006 realiza en el palacio Revillagigedo de Gijón una muestra retrospectiva de un periodo de diez años. En 2008 expone individualmente en el Museo Nacional Centro de Arte reina Sofía un trabajo en el que fotografía intervenciones con luz y geometría realizadas directamente sobre el paisaje. En 2010 expone en el Museo Barjola una secuencia de fotografías que, proyectada sobre la pared principal de la Capilla de la Trinidad, introduce el transcurso temporal en su trabajo. En los últimos años continúa investigando sobre la relación entre paisaje y geometría, entendiendo esta como el lenguaje previo a la materia, capaz de establecer con ella un tipo de resonancia sutil y reveladora de cualidades ocultas en los espacios en los que trabaja. Su obra se encuentra presente en colecciones como la de la Fundación Cajamadrid, Fundación Príncipe de Asturias, Colección Banco de España o la Colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
www.javierriera.es
Statement Javier Riera se consagró en los noventa dentro de la primera línea española de “abstracción lírica”. La primacía original de su pintura en aquel período procedía de una ascesis de suprema delicadeza formal al servicio de evocaciones del sublime romántico. Sin abandonar aquellos presupuestos, sino profundizándolos, Riera sorprendió en 2008, en el Espacio Uno del Reina Sofía, con una exposición fotográfica de intervenciones con una geometría luminosa que se proyecta sobre paisajes naturales. Aquella transferencia a los “nuevos medios” de la sensibilidad paisajística de Riera, que reverdecía y acrecentaba en resolución espiritual las poéticas materiales del land art, ha evolucionado –con muestras tan decisivas como al del museo Bartola de 2010- hasta el magistral dominio de lo artístico que ostentan actualmente sus imágenes. Es una característica llamativa esta del tiempo-espacio imbricados de Riera, que incide y resiente el tipo de modificaciones sustanciales, históricas, que la contemporaneidad está determinando en las reglas paradigmáticas de la plástica tradicional. Con eso, se constituye en una suerte de predicción prospectiva de la futuralidad inmediata del arte. En tales términos, sería una sinécdoque a minore considerar el arte evolucionado de creadores cuales Daniel Canogar o del último Riera como la gracia casual de unos cambios y selecciones profundas a cargo de las virtualidades provistas por el instrumental significante (vídeo, foto, leds…) o en virtud de la nueva pragmática espectacular de happenings o instalaciones. Lo que de fundamental estético propician los nuevos medios y la innovación de las categorías del pensamiento artístico en la generación de nuestros jóvenesmaduros contemporáneos (Canogar, Riera, Roig), entre otras, la deshinibición respecto a la “ansiedad de la influencia” y a los prejuicios anexos sobre la originalidad, son las posibilidades de hallazgo y plasmación de emociones inalcanzables para la ejecutoria tradicional artística. Pongo por caso la revolución de la futuridad presente a los alcances generacionales de Riera, que se plasma en la configuración plástica del neutro – nominalmente blanchotiano o más abruptamente presentado en Bataillecomo paradójica presencia de la ausencia, como verifican las esculturas blancas de Bernardí Roig. Antonio García Berrio Empatías de Javier Riera, ABC Cultural 4 de febrero de 2012
Bernardí Roig Del erotismo al neutro Lunes 21 de mayo 2012 a las 18.00 Salón de actos – Fundación Ortega-Marañón
Bernardí Roig Bernardí Roig (Palma de Mallorca, 1965) Tras dos décadas continuas de intenso trabajo, la obra de Bernardí Roig ha alcanzado un grado de calidad y madurez realmente notable. La suya es una voz plenamente singular en la escena artística actual, situada voluntariamente al margen de modas y de la tan frecuente tendencia a la repetición de motivos y formas expresivas que el mercado suele imponer. Una obra que ha ido creciendo a través del diálogo y el contraste no sólo con un importante acervo de imágenes de la historia del arte, sino también con muy diversas fuentes literarias, entre ellas, de modo especial, Georges Bataille, Thomas Bernhard, o Pierre Klossowski. Y también cinematográficas, particularmente Ingmar Bergman, Jean-Luc Godard, o Alain Resnais. Ese carácter singular de su obra ha hecho de él uno de los artistas españoles de mayor proyección internacional José Jiménez, Sobre Bernardí Roig: El fracaso de las imágenes. Publicado en: Catálogo Bernardí Roig: Verblendungszusammenhang [concatenación del cegamiento]; Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa, La Coruña, 2012, pgs. 47-58.
Statement Las obras de Bernardí Roig tienen, en ocasiones, las cualidades del espejo, atrapando y deformando nuestra imagen, o bien nos localizan en el otro lado de una escena teatral como aquella de sillas calcinadas que contemplábamos a través de un gran marco. La mirada está siempre en dificultades, transformada en llama, avasallada por la luz artificial: “La mirada calcinada habla no de la ceguera sino de la obturación –explica Roig-, de la imposibilidad de mirar por ser incapaz de ver. Vivimos de un modo demasiado visible y transparente y no hay ambigüedad, ni ninguna posibilidad de misterio, ningún resquicio para que uno construya desde dentro el mundo real”. En esa obturación se produce la quiebra y desvanecimiento de lo simbólico así como del sustrato fundamental del deseo. Acaso sea la ceguera una forma de la lucidez y la oscuridad pueda propiciar una fértil mirada interior. Es manifiesto que desde el 2003 Bernardí Roig ha realizado una mutación radical de su obra, pasando de unas figuras que eran, principalmente, cuerpos de maniquís con cabezas de bronce a vaciados directos de sujetos en resina de poliéster. Pero, al mismo tiempo, ha desplazado su imaginario desde la negrura máxima al blanco más intenso. Para Bernardí Roig el blanco es el espacio del sueño, el color único del instante: Puede entenderse como una inmersión en la dimensión sublime del misterio de la mirada o una materialización de la infelicidad y el vacío. Como señala el artista: “Todo el Fausto se reduce a una sola frase: “¡Detente instante! Eres tan hermoso…”. Entonces uno comprende que el instante es blanco. No hay ninguna duda. Y con toda seguridad es blanco, porque la luz detenida se ha coagulado. Por ello, el espacio que se genera más allá de la muerte, presumiblemente, es también un espacio blanco. Podremos decir entonces que la mirada se ha sumergido en un vaso de leche. Eso sería lo perfecto, reconocer en ese vaso de leche la anunciación de una forma de conocimiento donde los significados todavía no han copulado” Fuente: www.maxestrella.com
INSCRIPCION PLAZAS LIMITADAS Entrada gratuita hasta completar el aforo ORGANIZA
Inscripción abierta hasta las 12:00 am del lunes 23 de abril 2012 Necesaria inscripción por email:
culturacontemporanea@fog.es
Departamento de Cultura contemporánea Literatura, Instituciones artísticas y Comunicación cultural
Instituto Universitario de Investigación Ortega y Gasset C/ FORTUNY 53 28010 Madrid - España