Bienal Fotografia 2011 by Juan Angel Martos Hermoso

II Bienal Internacional de Fotografía y Artes Audiovisuales de Jaén

fotojaen’11

2011

mayo 15/junio

_looking inside_

en memoria de Pablo Millรกn Miralles

FOTOJAEN2011

Organiza: Galería de Arte Contemporáneo Unodeuno Comisario: David Martínez Director Artístico: Juan Ramón Fernández Puñal Coordinador de Audiovisuales y eventos en espacio público: Mario Gutiérrez Cru Asistencia Técnica: Mª Paz Madrid Rédoli Informática: Francisco Anguita Montajes: Arte XXL & Catalina SLU Galería Unodeuno Edición y Producción Video: Alberto Rojas (Cobertura Photo)

CATÁLOGO

Edita: Galería de Arte Contemporáneo Unodeuno Traducciones: Luis Luna Valverde Pablo Martínez Maldonado Graciela Jaichenco Grafismo: Acompany S.C.S., SA Maquetación: Javier López Impresión: Gráficas La Paz, Torredonjimeno (Jaén) Copyright de los textos: Sus autores Copyright de la edición: Galería Unodeuno Depósito Legal: J-575-2011 I.S.B.N.13: 978-84-614-9192-6

Foto cubierta: “Umbral: Tatiana Parcero”, 2009, Isabel Soler Derechos cedidos por la autora

[LOOKING INSIDE]

Aquí y ahora, tal y como está “el patio”, pretender inventar, organizar, producir, coordinar y hacer que esta II Bienal Internacional de Fotografía y Artes Audiovisuales de Jaén,FotoJaen2011, sea y ocurra es, como poco, un milagro. Conseguir hacerla realidad y ofrecer una propuesta de más de una veintena de exposiciones repartidas entre museos, galerías, centros de arte y salas de exposiciones de Jaén y su provincia es, sin duda, otro milagro. FotoJaen nació con la finalidad de impulsar de forma eficaz la difusión y creación del Arte Contemporáneo en el ámbito de la Fotografía y de las Artes Audiovisuales, con la pretensión de hacer de Jaén un territorio propicio para la creación, y lograr que la ciudadanía sintiera como propio el arte de su momento, abriendo fronteras y estimulando la creación original, permitiendo nuevos canales de conocimiento y reflexión en el arte. En esta segunda edición FotoJaén2011 plantea el tema «Looking Inside» como hilo argumental de su propuesta artística, para abordar diversas interpretaciones del hombre y de su relación con el medio en que habita. De la colaboración y experiencia por parte de los organizadores de la Bienal y del apoyo prestado por el resto de instituciones, museos, galerías de arte, agentes culturales y artistas, confiamos en que esta iniciativa se consolide, edición tras edición, como una de las grandes muestras de Fotografía, tanto en el ámbito nacional como fuera de nuestras fronteras.

David Martínez Ruiz Comisario FotoJaen’11

Ejercicio de introspección

Lo importante es ver aquello que resulta invisible para los demás. Robert Frank

Si asistir al nacimiento de cualquier acontecimiento artístico, es siempre motivo de celebración, constatar la continuidad de este en el tiempo merece, si cabe, un mayor aplauso; Máxime cuando las circunstancias no parecen las más propicias para consolidar este tipo de eventos. Por eso, el anuncio de la Segunda Bienal Internacional de Fotografía y Artes Visuales de Jaén “FotoJaen2011” supone una doble alegría. No hay que olvidar, que con esta nueva edición emerge un segundo “punto” en el espacio y esto ya de por si genera una trayectoria, que esperemos sea ampliada con sucesivas ediciones en años venideros. Se afronta esta segunda edición con la ilusión de un nuevo reto, pero con el respaldo de la excelente acogida que tuvo la primera y continuando los parámetros marcados en ella, es decir: generar cultura fotográfica en el entorno y ser punto de encuentro de la fotografía contemporánea, con la clara voluntad de servir de puente de unión, entre los amantes de la fotografía y los artistas. La fotografía, ha servido desde sus orígenes para ver el mundo a través de otros ojos y ampliar nuestro propio autoconocimiento, por vía del conocimiento del otro. Con ella, de manera consciente o no, construimos una visión sobre quienes somos, que imagen queremos proyectar de nosotros mismos y como nos gustaría que nos vieran. Para el fotógrafo estadounidense Arnold Newman (1918-2006) “La fotografía, como sabemos, no es algo verdadero. Es una ilusión de la realidad con la cual creamos nuestro propio mundo privado”

La fotografía en estos tiempos, ha diversificado sus registros y ha sido plenamente reconocida como elemento artístico, especialmente ligado a un lenguaje de contemporaneidad. Se ha introducido plenamente en nuestras vidas y una vez liberada de su estricta faceta documental (a la que no ha renunciado) se mueve en una continua búsqueda de la reafirmación de su potencial plural como instrumento de creación. Paradójicamente, en estos momentos en los que cada ser humano se ha convertido en una cámara fotográfica, la facilidad para tomar una imagen, hace que con demasiada frecuencia esto conduzca a un vacío creativo, haciendo mas que nunca necesario, una reflexión conceptual en torno a la imagen para no trivializarla vaciándola de contenido.

“Catedrale 1” 2011. Cortesía Yves Fedou

En esta segunda edición de FotoJaén2011, se ha planteado el sugerente tema “Looking Inside” como hilo argumental de su propuesta artística. Este “mirando hacia dentro” nos habla de la idea de querer mirar mas allá, propuesta que no sólo debe condicionar la obra de los artistas que participan en la bienal, sino que en buen modo, podría ser también una actitud del espectador a la hora de enfrentarse a las obras expuestas. Mirar dentro de algo, tiene siempre un punto de vuoyerismo , aunque se trate de nuestro propio interior el que tratamos de observar, pero a la vez alude a la necesaria meditación que implica todo acto creativo bien elaborado. Ya que por definición, La introspección o inspección interna es el conocimiento que el sujeto tiene de sus propios estados mentales. Así mismo es la condición previa para conseguir la interrupción del automatismo de la indignación y hacer una nueva valoración. 10

La introspección o percepción interna tiene como fundamento la capacidad reflexiva que la mente posee de referirse o ser consciente de forma inmediata de sus propios estados. La introspección puede ser un conocimiento de las vivencias pasadas y también de las presentes, de las que se dan conjuntamente y en el presente del propio acto introspectivo. Es este ejercicio de introspección de cada artista a la hora de elaborar sus obras, el que hace que se muestre desnudo e indefenso ante el espectador a través de estas, ya que el proceso fotográfico se convierte, cuando se realiza con sinceridad, en un acto de intimidad y cuando hablamos del/lo otro no podemos evitar hablar al mismo tiempo de nosotros mismos. Es importante convertir a FotoJaén en una cita bianual para los amantes del arte en general y de la fotografía en particular, para que durante un mes, esta provincia sea un punto de referencia que propicie el debate en torno a una visión plural y constructiva de la imagen fotográfica, fomentando su uso como medio de comunicación de emociones e ideas, por encima de un mero valor informativo. Del 15 de Mayo al 15 de Junio, Jaén y su provincia volverán a convertirse en el epicentro de la Fotografía contemporánea, y las imágenes inundarán salas de exposiciones, museos, centros de arte, y galerías, invitándonos a redescubrir con una nueva mirada el mundo que nos rodea. Felicitar finalmente a los organizadores por su empeño en sacar adelante esta segunda edición, que, como si de salmones se tratara, y en un formidable ejercicio de resistencia, deciden viajar contracorriente sabiendo instintivamente que es el camino correcto para alcanzar su propósito. Deseando que este viaje de nuevamente sus frutos para que, en sucesivas ediciones, siempre haya alguien dispuesto a realizarlo.

Torregar Artista

Exposiciones - Sección Oficial Exposiciones - Sección Oficial Exposiciones - Sección Oficial Exposiciones - Sección E Oficial Exposiciones - Sección Oficial Exposiciones - Sección Oficial Exposiciones - X Sección Oficial Exposiciones - Sección P Oficial Exposiciones - Sección Oficial Exposiciones O - Sección Oficial Exposiciones - S Sección Oficial Exposiciones - Sección Oficial I Exposiciones - Sección Oficial Exposiciones - Sección Oficial Exposiciones - C Sección Oficial Exposiciones - Sección IOficial Exposiciones - Sección Oficial Exposiciones O - Sección Oficial Exposiciones - Sección Oficial Exposiciones - Sección N Oficial E Exposiciones - Sección Oficial Exposiciones - Sección Oficial Exposiciones - Sección S Oficial Exposiciones - Sección Oficial Exposiciones - Sección Oficial Exposiciones Sección Oficial Exposiciones - Sección Ofic

_isabel soler_ «CRUCE DE MIRADAS EN EL UMBRAL» Colegio Oficial de Arquitectos de Jaén C/ Almenas, 1. Jaén Del 17/MAYO al 15/JUNIO de 2011

Como si esperaras ser tú Extremadamente cerca las gotas de agua mientras aún están suspendidas: Infinitud de un árbol desnudo. Fascinación del miedo: ser acogidos en el reflejo: enviar la soledad a retener lo fugitivo. Un sueño de ámbar se estremece en tu alcoba. Disputas al tiempo la liturgia de tu inevitable cuerpo desnudo donde cristaliza la sangre: constelación de punzadas de hielo asidas a la noche como a los miembros de un amante que se aleja. Las gotas suspendidas: como si poseyeran la música del comienzo de los tiempos y también de su final: como si en su discurrir ante el vacío alguien fuera a descubrir un reloj que nos pautara más allá de la vida. El árbol no respira, las gotas no respiran, deteniendo la sangre: tu infinitud fragmentada al borde de una noche detenida: todo pendiente de un solo paso de cristal. 3-3-2011. Alfonso Masó Sin serlo Y entre ramas de recuerdos flota música de piano mientras tú escapas buscando la orilla de una ola de palabras. Estrellas fugaces que tejen madejas de noches enredadas y pretenden hilar lo que no acontece. El reflejo se para, se separa. Y cada fragmento devuelve tu mirada a un nuevo comienzo de paso incierto. 3-3-2011 Isabel Soler 14

Isabel Soler

Reproducción de partitura de la pieza “Nueve impresiones en el agua”, de Eloy Jesús Cubillo Pinilla.

Isabel Soler

_carmen baena_ «COSIDO EN LA MEMORIA» Sala de exposiciones Centro de la Universidad de Jaén C/ Federico Mendizábal, nº 2, 2ª planta. Jaén Del 02/JUNIO al 01/JULIO de 2011 Comisario: Mª. Isabel Moreno Montoro

En una montaña, sobre el suelo de tierra, una niña descalza de larga melena sueña que enhebra con su pelo estrellas... quiere tejer la Vía Láctea... Láctea cera en hilos líquidos vierte sobre robustos papeles, atrapando y protegiendo como el ámbar, cuerpos desnudos (sin nudos) que son núcleos de círculos, óvalos y ovillos de hilo... Ovillo de hilo de vida; el que si tiras y tiras llegas hasta la infancia... de la niña que enhebra con su pelo gotas de escarcha, descalza sobre el suelo de tierra... Tierra que el trigo cose al cielo (en el llano), donde la cera láctea cubre la sierra o hay perpuntes en horizontes de arcilla: paisaje cosido en la memoria cuando su casa era el corazón de una montaña.... Pepe Yagües

Carmen Baena

_yves fedou_ «RESONANCE» [La carne grita en mi memoria] Sala 1 Temporales del Museo de Jaén Paseo de la Estación, 27. Jaén Del 12/MAYO al 30/JUNIO de 2011 Comisario: Juan Ramón Fernández Puñal

Fragmentos de Y. F. Momento de la visibilidad no es carencia de invisibilidad. Al tocarlo siente las rugosidades de un aullido clavado en la lluvia. Veo una tela lavada a la luz. Gran parte de la noche la pasó desgarrándose. No cesa lo que debe continuar al margen de su existencia. Parece que el lenguaje, oculto en lo más cotidiano de los cuerpos, al salir, muestra la naturaleza profunda de los cuerpos. Y no es así, sino todo lo contrario: oculta la esencia, que está en la superficie carnosa, con pliegues, fragmentada, en las fibras, en la pulpa de la segunda capa, en la envoltura porosa, en la mandíbula, en el comienzo de las briznas de la raíz dental. Estamos apuntalando esta cara con huesos encontrados en un estercolero. La escoria la mezclamos con cola para darle más consistencia a las cuñas que entran en las quijadas. Voy a deshacerme de la profundidad y a quedarme en la superficie viendo resbalar a las aves de los ojos sobre los charcos helados y voy a echarme sobre mi piel. Que nadie venga a contarme el derrumbe de la existencia con milímetros y aspavientos. Que nadie se pierda el espectáculo cuando la lluvia recoja sus cadenas: diez mil carniceros se reunirán en el quirófano para contar hojas de trébol. 34

Yves Fedou

Cuando llego a este punto cada noche tengo el fruto en mi rostro de haber sacado dos toneladas de tierra con los dientes. Estoy con los ojos abiertos y alguien coloca en la parte trasera de la retina imágenes fijas que no duermen, secuencias estáticas que, sin cambiar, se transforman dentro de sus propias imágenes. Lo que anda por ahí sencillamente sin ser consciente de serlo encierra el misterio. Toda construcción del misterio se realiza para ocultar la banalidad. La intriga y la pasión residen en la propia máscara. ¿Quieres tumbarte un momento sobre esta nebulosa de bronce pulido? La capa que está debajo de la capa donde se ha fijado la rabia, y ha sido absorbida por un trozo de carne silenciosa, se deja impregnar por rasgaduras segregadas desde el interior; pero el interior no actúa, separa y expulsa lo que va a ser transformado en la superficie del rostro y representar al ser sin esencia: una belleza seca y retorcida, la palabra desgajada de sí. A trescientos mil kilómetros por segundo una masa humana se golpea contra el agujero abrasivo de la cámara. Ni la cultura ni la educación atávicas sirven para suavizar el golpe; por el contrario, sus fragmentos se multiplican infinitesimalmente. Entonces algo es posible, el ojo ya no es el ojo, sino racimos de colmenas vivas, galerías bajo una tierra limpia: un trasvase de la luz hacia el no mundo. Las barreras del territorio del lenguaje que nos cercan comienzan a ser demolidas. La tensión, no la violencia del acto de demolición, es lo que ocurre sobre la vida antes, ¿cuántas décimas de segundo antes de que el disparador sea activado? Lo demás no existe, ni el resplandor ni la captura. Un pliegue se convulsiona y aparece un trozo de estómago de alma necrótica, envoltura esponjosa con ampollas huecas. La parte de la lengua sale por la nariz, la boca se abre para dejar paso a la nariz derretida en un corte de sección por una cuchilla de luz que no sabemos de dónde procede. Las láminas desatornilladas son residuos del disco vertebral; los tornillos herrumbrosos vibran espolvoreando escoria sobre la médula; las oscilaciones metálicas trepanan la membrana de la corteza occipital. Las imágenes difuminadas por el dolor, el olfato y las premisas lógicas chocan entre sí, produciendo un eco blando y pegajoso, que es imagen, olor y pensamiento compactados que se reproducen por partogénesis y cópula: lugares, mujeres y hombres, sepulturas y barcos, santos y locomotoras, escaleras cuyo último peldaño rebota contra lo infinito y comienza un camino de retorno que no acaba nunca. Yves Fedou

La caverna externa del ser está fragmentada, puede diluirse, se alarga en un intento de componerse como realidad. Está en calma. Los tendones flotan en el líquido transparente. En el fondo brillan las vértebras. Algo gotea y se evapora escapando a los reflejos que entran y salen desde el interior al exterior. La capa que aparenta haber caído sobre una capa anterior se ha incrustado gracias a un impulso antigravitatorio. Si al mundo le colocamos en la columna vertebral una ventosa y tiramos con la fuerza expansiva del universo, la luxación provocada es la vida.

Guillermo Fernández Rojano Escritor

Yves Fedou

Dudo hace tiempo de mi propia voz, de mi propio eco... Resonancia que esboza color, forma, recorte de mi cuerpo mutilado. Sólo es dolor. Sé por fín cerrar los ojos. Ver el silencio. Más que reinventar mi historia, vuelvo a ser el heroe triunfante de ella. Y.F. 2011 Jaén.

Yves Fedou

_jose angel vega_ «PINTAR CON LUZ»

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Unodeuno Galeria de Arte Contemporáneo

Galería Unodeuno.- Sala Avicena C/ Puerta de Martos, 46. Jaén Del 30/MAYO al 30/JUNIO de 2011

El artista y fotógrafo Jose Angel Vega se plantea abordar este proyecto artístico y fotográfico contando con un grupo de personas discapacitadas psíquicas, formando parte de la sección oficial de la II Bienal Internacional de Fotografía y Artes Audiovisuales de Jaén (FotoJaén´11). El objetivo del artista jiennense consiste en desarrollar una de las técnicas de fotografía más novedosas y atractivas, el llamado “Light Painting”, donde se unen conceptos pictóricos y gráficos con la fotografía pensada, imaginada, controlada, sin dejar apenas espacio al azar, convirtiendo la imagen en un todo. “En este caso, nuestros pinceles van a ser fuentes y focos de iluminación diferentes en cuanto a naturaleza, grosor, potencia, intensidad y colores, y por otra parte, el soporte sufrirá una mutación para convertirse en un lienzo digital: el sensor de la cámara fotográfica. Vamos a extender los límites de la fotografía, mediante la experimentación con intervalos de tiempo de exposición medido en segundos, y más tarde en minutos, con objeto de capturar fragmentos de presencias, de movimiento, de gestualidad, de realidad viva”. Consiste en acometer el dominio de la luz y del color, trabajando en un entorno oscuro, para concebir y construir la fotografía por medio de capas de color, dibujos, formas cambiantes, arrastres, resíduos y reflejos. Esta yuxtaposición de «verdad» y «ficción» genera, posiblemente, lo que a menudo denominamos realidad, una realidad que a veces se nos puede revelar como pura abstracción luminosa.

Jose Angel Vega

Durante el proceso creativo han intervenido factores como la propia intervención espacial, el happening y el movimiento gestual, y también el concepto del juego en su más amplio espectro: juego con las formas, juego con los trazos, juego con los cambios de color, juego en definitiva. Y luz, la palpable y la invisible, la visual y la del alma. David Martínez Comisario

Agradecimientos: Esta muestra fotográfica no hubiera sido posible sin la intervención y colaboración de todos y cada uno de los usuarios y responsables del Centro Ocupacional “El Pontón”, así como del apoyo de la Concejalía de Cultura y Educación del Excmo. Ayuntamiento de Alcaudete (Jaén), a través del Concurso “Jose Enrique Vallejo de Vicente”.

Jose Angel Vega

¿Dónde están los límites? ¿Cuál es la frontera que demarca un territorio creativo? Qué pesa más: ¿la idea?, ¿el discurso creativo?, ¿las herramientas puestas en juego?, ¿el proceso?, ¿el resultado estético?, ¿la Obra?... La necesidad de transmisión o expresión visual, sencillamente, no debe tener límites, fronteras ni condicionantes que impidan la total libertad del artista. No soy pintor, no soy fotógrafo, no soy dibujante, no soy creador digital. En cambio, soy pintor, soy fotógrafo, soy dibujante, soy creador digital. Estoy alerta. Camino por la calle y observo, pienso, siento, hay sensores que son invisibles pero que están ahí, dentro de nosotros. Noto su presencia. Un escritor es un generador de relatos, de historias hechas con la palabra, de sensaciones y sus derivados. ¿Cuáles son sus herramientas? ¿Cuál su soporte?. Quizá un lápiz Faber-Castell 2B, ó puede que una pluma de tinta china, ó un Pilot azul Extra Fine, incluso la vieja Olivetti Studio 45. En el peor de los casos, hasta puede que use el Word de su ordenador personal. Sí, es posible. Un buen libro, una buena novela no la hace mejor ni peor el instrumento que la escribe, no. Es el generador el que cuenta. Son los sensores del alma, del corazón y de la mente del emisor, del artista, en definitiva. Mis ojos pueden ser un objetivo de una videocámara, las lentes de una cámara fotográfica. Mi pincel puede ser un nº 10 de pelo de cerda, impregnado en una mezcla de esencia de trementina con pintura al óleo amarillo nápoles, rojizo y algo de rojo cadmio oscuro. Pero también es posible que mi pincel sea el ratón andando de aquí para allá por las paletas del Adobe Photoshop, y que está de vuelta de una visita obligada por Adobe Bridge y CameraRaw. Por qué no. ¿Acaso el discurso visual del óleo sobre lienzo es más válido que la pieza digital impresa en cualquier soporte salido de un plotter o una impresora fotográfica de tinta pigmentada?. Qué pesa más: ¿el Relato ó el tipo de papel usado en la impresión del libro? O lo que es lo mismo, ¿la obra artística-visual ó los medios para crearla?. La Fotografía no se hace, se vive. J. Angel Vega Artista

Jose Angel Vega

_karina vagradova_ «SAYONARA, CABANYAL»

Casas Gemelas. Jardines de Jabalcuz Excmo. Ayuntamiento de Jaén Del 1 al 15 JUNIO de 2011 Comisario: Juan Ramón Fdez. Puñal

El proyecto “Sayonara, Cabañal” habla de una mujer japonesa que vive en el centro del Cabañal, un antiguo pueblo de pescadores, ahora un polémico barrio de Valencia destinado al derribo. La vida, el estado de ánimo de los dos está afectado por las decisiones de otras personas, por los hechos que no dependen de ellos. Dos identidades tan diferentes cuyas vidas se entrelazaron... No pretendo unirlos para el mayor efecto, muestro lo unidos que ya están ellos dos, sus vidas, sus historias, sus despedidas. Es una historia personal, pero se convierte en una historia común, universal, puesto que trata un tema muy importante: ¿que hacer con nuestra historia, con nuestro patrimonio cultural, con nuestra memoria colectiva? ¿Que hacemos con un barrio vivo y todavía funcional, un barrio habitado, aunque con problemas por solucionar y mucho trabajo por hacer? Los recuerdos, la nostalgia, la resignación, el sentimiento dulce y triste del final de una historia, de una etapa de la vida, los une a los dos. Ella y su casa en el corazón del Cabañal, un trocito de Japón con fachada modernista, un Japón apenas apreciable, como un suave aroma... En el reportaje fotográfico, sitúo una foto de mi protagonista al lado de una imagen del Cabañal, sus calles, sus casas, las fachadas, los muros, los balcones y puertas. No son imágenes selectas, no estaban elegidas previamente, no sirven para una guía turística. 54

Karina Vagradova

Son fotos rápidas de aquello que me llamaba la atención en el momento de pasar, algo peculiar y bello a su manera, una belleza “cabañalesca”, estropeada, decadente, con las huellas de su denso pasado por doquier. Hago con ellas montajes y juegos visuales, los fragmentos recortados están unidos visualmente por la forma y el color y parecen formar parte de una calle imposible. En la imagen paralela aparece ella, o su casa, o algo que pertenece a su pequeño mundo. Ella no está posando, lo contrario, quiere evitar las miradas indiscretas, el interés de los curiosos. Ella se siente una más del Cabañal. Parece algo perdida y no es de extrañar: llegó desde lejos, había encontrado su vida, su hogar en un rincón ajeno y extraño, se acostumbró a el, lo ha hecho suyo, y ahora lo verá desaparecer...

Karina Vagradova

_paco caballero_ «LIGHT BOX» Sala Fundación Unicaja Jaén Plaza Jaén por la Paz, s/n. Jaén Del 16 al 28 de Mayo de 2011 Comisario: Domingo Campillo García

PREMIO JOVEN DE ARTE - JOVEN CON FUTURO 2011 En estos tiempos de vaivenes en los que nos encontramos, el mundo del arte no es una excepción. Galeristas y Artistas sufren con todo este periodo turbulento, y necesitan más que nunca del apoyo de la Ferias de Arte, escaparate fundamental de sus obras. La Fundación Unicaja de Jaén, convencida del importantísimo papel social que juega la creación contemporánea, como ámbito de reflexión social y como catalizador de iniciativas individuales y colectivas, ha querido colaborar con la II Bienal Internacional de Fotografía y Artes Audiovisuales de Jaén a través del patrocinio del PREMIO «JOVEN DE ARTE - JOVEN CON FUTURO», como una forma de incentivar y difundir la obra de jóvenes artistas, estimulando al mundo del arte que apuesta por los nuevos valores y promoviendo el interés del coleccionismo por sus creadores. Este que presentamos aquí es el premio de la segunda convocatoria dedicado al arte de la fotografía, uno de los medios de expresión más jóvenes en el conjunto de las artes plásticas, pero que en casi dos siglos de vida ha logrado construir un lenguaje artístico y documental insustituible para nuestras vidas y que ha logrado incorporarse con éxito al mundo de las nuevas tecnologías sin perder de vista (valga la metáfora) la frescura de los pioneros de las placas del siglo XIX. 64

Paco Caballero

En esta segunda edición, el premio se ha concedido al joven artista jiennense Paco Caballero, con el que a través de esta exposición individual disfrutaremos de su obra en la Sala de Exposiciones de la Fundación Unicaja Jaén, pudiendo admirar su creatividad y comprobar su capacidad para explorar nuevas vías de expresión artística.

Carmen Espín Quirante Presidenta de la Fundación Unicaja Jaén

Paco Caballero

_marina r. vargas_ «THINKING ABOUT MY BODY»

Sala de exposiciones Centro Cultural «Miguel Castillejo» Fundación CajaSur Avda. de Madrid, 15. Jaén Del 20/MAYO al 15/JUNIO de 2011 Comisario: Omar-Pascual Castillo

Thinking About Your Body [unas notas acerca de la obra videográfica de Marina Vargas]

A Ana Mendieta, maestra donde las haya por el dolor de su pérdida por el amor que repartió en su vida.

Ese maestro del Vocal-Jazz que es Bobby McFerrin, en el año 1986, seis años después del nacimiento de la artista granadina Marina Rodríguez Vargas, y un año más tarde de la fatal muerte de Ana Mendieta [disculpen esta desviación adjetival… o es que acaso ¿alguna muerte no es fatal?], publicó con su “nuevo” sello discográfico, gracias al cual hoy tenemos más de la mitad de la buena música jazzística de origen trasatlántico, la Blue Note; uno de los álbumes de Jazz más sorprendentes de la Historia de la Música, hablo de Spontaneous Inventions. En dicha fabulosa producción discográfica, el primer tema que nos introducía en lo que nos iba a venir encima de virtuosismo y derroche de talento, McFerrin interpreta una de sus composiciones más sorprendentes: Thinking About Your Body.

Marina R. Vargas

En una reciente conversación con mi esposa, Encarni Torres, que es locutora de radio, voraz depredadora de información musical, y melómana exquisita; llegamos a la conclusión que lo en aquel entonces estaba tan en boga dentro del Arte Contemporáneo Occidental con el desarrollo de las micropolíticas del cuerpo [léase: el conocido Body Art], tenía poco que decir, tras McFerrin hacer un despliegue de tanto esplendor en una interpretación tan brillante. Como si el maestro Bobby se declinase por marcar la diferencia. Por decir: hasta aquí hemos llegado, si alguien quiere hacer Body Art, debe superar este control, este poderoso sentido de lo rítmico, esta caja hueca de resonancia que por cuerpo tengo como bocina vociferadora de mi coraje vanguardístico. En cambio, confiados en que los caminos de las Artes Visuales, y los de la Genialidad Musical no siempre van de la mano, ni siquiera por sendas paralelas; el tema de la utilización simbólica del cuerpo como plataforma de resignificación conceptual de lo que vivimos, y/o como maquinaria designadora de nuevas estrategias metafóricas que develan nuestras realidades mentales, empecidamente- prosiguió su paso, más allá de la magistral lección de McFerrin. Gracias a esa cabezonería conceptual del uso de lo que somos como contenidocontenedor accional, artistas como Ana Mendieta, Marina Abramovic o Zhang Huan… por sólo citar tres ejemplos, hicieron del cuerpo un referente innegable de cómo dialogar sobre nuestras realidades más táctiles, aquellas más cercanas; en una dirección de investigación ideo estética que abordaba el cuerpo tal como lo hicieron reconstruidamente la obra de Bruce Nauman, Vito Acconci, Keith Arntt, Günter Brus, Rebeca Horn o el propio Joseph Beuys. Fundamentalmente, porque muchas de las reverberaciones esteticistas que desde el cuerpo se articularon -desde ese entonces- se han manifestado como vías documentales de la acción del Body Art, el happening y la performance. Justo por esta nimiedad de la cercanía, esa ritualidad narcisista que se redibuja en tanto es uno mismo frente al espejo de la representación, el “uso del cuerpo” como instrumento y/o herramienta de teatralización lingüística de sus inquietudes artísticas ha sido para los artistas jóvenes un facilismo que coloca al referente corporal como un “uso pertinente y eficaz” para llevar a cabo gran parte de sus ejercicios mentales. El encontrarse a estas alturas del siglo XXI, a una joven creadora visual que replantea de una forma concienzuda sus “usos del cuerpo” de un modo eficaz, y este modélico modo nos siga entusiasmando desde laincertidumbre y la pregunta, es ciertamente de agradecer.

Marina R. Vargas

Llegados este punto, vayamos un poco al meollo del asunto… la obra videográfica de la artista granadina Marina R.V., enfoca gran parte de su actuación o despliegue instrumental desde la lógica documentalista de la acción performática; pero igualmente, gran parte de ella, está concebida como proceso de documentación-dialogística que sobre el documento mismo habla. Es decir, mucha de su obra, no está realmente pensada como performance, sino… está pensada como mini-actuación [léase: performance] que ante la cámara se ejecuta. Desde esta lógica, sus “actuaciones filmadas”, por decirlo de una manera diáfana, se convierten en sugerentes referencias simbólicas sobre el devenir de su temprana juventud que sobre su entorno establece un estudio de significación metafórica. O sea: se hace especulación antropológica de carácter teatral. En esta ocasión: “documentado”. Una vez más el dilema del documento performático es puesto en tela del juicio, mediante la colocación del documento como matriz real de lo que ha de suceder; es decir, lo que va a pasar en la performance sólo sucederá en tanto será documentado. Marina, juega con ese status omnipresente del documento, para hacer valer sus acciones desde la teatralidad de lo que será documentado. Pues ella piensa sus obras video-gráfica, en tanto serán escenificadas para la lente. En esta dirección ya debemos ir adentrándonos en algunos estudios de casos: Obras suyas como Lógica del Avestruz, de los años 2002-2006, constituida por dos video-proyecciones paralelas, simétricas, sincronizadas en tempo real, y un conjunto de fotografías digitales sobre loneta de poliéster [efectivo recurso pictorialista de las nuevas tecnologías gráficas]; dan fe de esa reverberación concienzuda sobre el documento. Si uno como crítico y/o curator de arte contemporáneo va comentando por ahí que ha visto, ha sido testigo ocular, ha observado una performance donde una joven artista, blanca, desnuda totalmente tal y como vino a este mundo de nuestro días -porque hasta hoy los niños y niñas no nacen vestidos, por mucho que así lo quisieran ciertas religiones totalitarias y totalitaristas-, mete la cabeza en la tierra como un avestruz, para ello se auxilia de un tubo que le sirve como snorquer improvisado o aparato respiratorio, y que así estuvo cerca de veinticinco minutos en dicha posición, completamente desnuda, en un paisaje rural abandonado, solitario, cercano a la costa mediterránea; alguien puede tacharnos de loco, estúpido y/o lelo. En cambio, si de antemano presentamos la evidencia, sus documentos gráficos… la performance, toma otra dimensión. 70

Marina R. Vargas

Ya que fue ejecutada no como una violentación del orden natural de la lógica del paisaje y de la relación humano-animal-medio ecológico (una posible y noble o ingenua lectura primaria), sino: más bien, como una indignación autoral ante la Lógica del Avestruz [a la que yo le llamo: la del “mirar pal´otro lao”] del individuo civil contemporáneo ante la situación diaria de la Mujer. Lo demás que de ella se pueda decir, es pura especulación, vectores derivativos, derivas en sí de lo que en verdad significa.

Lógica del Avestruz, 2003-2004 Instalación 2 video-proyecciones sobre pared Cortesía de la artista

Una obra que la artista tardó cuatro años en concluir [a lo Joseph Beuys, … no sé si recuerdan esas obras del Maestro que estaban fechadas en dos años y él atribuía ese dato al hecho de que firmaba la obra desde que se le ocurría la Idea hasta que la realizaba finalmente], porque estuvo cuatro años investigando en su ejecución, posibles soluciones formales, riegos de la actuación, necesidades de su documentación en óptimas condiciones, estado climático ideal, búsqueda de locaciones escenográficas, sistemas de impresión más apropiados, variaciones del montaje expositivo; rasgo que denota de Marina, un sesgo acertado de madurez y autocrítica radical, escasa y endémica en los tiempos de la velocidad resolutiva, y el facilismo recolector de iconografías.

Marina R. Vargas

Una pieza que de alguna forma, concluye investigaciones anteriores que Marina iba realizando en torno a la idea de la performance, pues en ella reúne solidez escenográfica, efectiva actuación ante cámara, y dispositivos conceptuales polisémicos de altos vuelos. Por no decir, denotada belleza envolvente y/o atmosférica del resultado final. Con lo cual, conecta -así de antemano- con una de sus artistas fetiche: Ana Mendieta, desde una primera vista, ciertamente una referencia obvia, pero excavemos un poco más en la superficialidad de las influencias; anotamos este antecedente, porque Marina se apropia -como Anade un paisaje establecido naturalmente, léase: “un paisaje natural”, para intervenir en él con la participación de su cuerpo como una “simulación escultórica”. Simulación, la cual, tras las enseñanzas de Ana, es filmada y fotografiada en su mayor complejidad, para darnos una visión de conjunto aunadora, totalizadora, globalizante, rotunda. Hacia otro rumbo, oscilan piezas como Inmersión del año 2002, o Segunda visión del año 2004. En la primera de estas citadas, la artista establece un vínculo de referencias metafóricas del viaje interior a partir de cuatro referentes claves: la boca abierta, la mirada desafiante a cámara, los pies vaciados en resina que conllevan al camino y el sonido que hila el andar. Una inmersión hacia el interior de uno mismo, es lo que presupone el camino que ahora debe andarse en este puente expositivo. Y digo puente expositivo, porque la artista combina a la perfección la oblicuidad del puente con la colocación instalativa de la pieza donde el referente fotográfico y el sonido están debajo de los pies que han de andar, como proponiendo pisotear el referente en sí, su propio autorretrato, es decir: el documento, para ir más allá, hacia lo que él representa. Es como un hundimiento, una inmersión, en la mirada cómplice de un nuevo narcisismo feminista, que se fundamenta en el nihilismo, en la desvergüenza y en la falta de pudor, en la valentía del desnudamiento absoluto. Psicoanálisis puro, digo yo. Como si superara en esta obra su etapa Jungeana (1), para pasar a un deconstruccionismo más Lacaneano, en plan Derrida “El Derivador”. Segunda visión, es otra historia menos dramática; es una pieza que se conforma así misma simplemente como un bucle, sí… como una referencia estructural de un video en carrusel. Una obra que desvela la capacidad de Marina para vacilar sobre el peso del pensamiento contemporáneo, habla de su poder de persuasión simbólica, en el empleo de una mínima expresión de recursos narrativos, relata un eterno retorno. Esta vez, burlón, desenfadado, desenajenante, un retorno que desacraliza la solemnidad del Arte como elemento sacralizador, y sencilla y llanamente hace un chiste. Eso sí, una broma de cierto sarcasmo desdeñoso, que desde sí nos comenta la facilidad que tiene el Arte para hacernos creer un engaño. Una trompe´Oil. 72

Marina R. Vargas

Y para colmo de bienes, lo haces desde la lucidez conciente del despliegue narrativo del medio video-gráfico, en el cual, el lenguaje temporal es el que narra como tal, aún así cuando este lenguaje este sujeto a su redundancia, o a su repetición constante, a su propio bucle infinito. Un bucle que se va borrando a sí mismo, como la vida se borra en cada despertar, en cada abrir y cerrar de ojos. Conciencia del Espacio (Rincón de Castigo) (2), del año 2002, es una obra donde Marina, por el contrario de Segunda visión, regresa a la profundidad de sus escenificaciones habituales. Siendo posiblemente su obra más análoga, su obra más prosaica y directa, Rincón de Castigo… como la conocemos todos aquellos que hemos tenido el gusto de disfrutarla, es una obra donde la artista disgrega toda duda sobre su firmeza corporal para replantear un concepto relacionado con la realidad que desde la sin-metáfora nos oprime. Si bien, en la Lógica del Avestruz, la creadora personifica la astucia de ser auto-enterrada viva, cárcel voraz de sus miedos, de su inteligencia y de su sexualidad; en Rincón de Castigo, Marina establece un régimen de tortura de perpetua ritualidad, redefiniendo el espacio en función del sonido, el ritmo, el movimiento pendular de su cabeza, su torso -esta vez vestido de forma anodina-, de blanco inmaculado, tal cual son vestidos los enfermos mentales, las víctimas de la psiquiatría y la encarcelación del Hospital Mental [Foucault in my mind]. Tal como diría Ignacio Castro es como si Marina estuviese… “saliendo de nuestro confort para someter el propio cuerpo a la prueba del suplicio…”; (3) como si el valor de su obra residiese en ir llevando al límite la existencia, en función de lo que es capaz de sobrevivir a su cansancio, a su tenacidad, o a su resistencia del dolor. Una obra que -de algún modo- se cruza con otra de una singular rareza, hablo de Incubo, del año 2003. Una video-instalación, donde la artista reproduce tautológicamente la escenificación del espacio que es filmado en la obra videográfica, como recalcando la insistencia de su punzopenetrante teatralidad, como incidiendo en la melodramática puesta en escena de una adolescente-niña, disfrazada de maneras de un tiempo pasado que se alimenta de la bombilla de una roja luz, una bombilla caramelo, una luz acaramelada, un rojo cadmio seductor, arrojadizo, candente, que hechiza, provoca el sueño, la utopía. ¿Estamos ante una metáfora, en este caso, o es otra puesta en escena de un juego mismo que por su ubicuidad se desliza hacia el sobrecogimiento del absurdo? Nunca lo sabremos. Mejor. A veces es preferible no saber la verdad, y escoger la duda, la inquietante duda que sobre nosotros pende como una bombilla roja, comestible, domestica y domesticada. Marina R. Vargas

Marina R. Vargas

Melusina, 2003-2004 Video-instalaci贸n Proyecci贸n monocanal sobre camisa + pintura azul sobre pared (Colecci贸n Privada, Granada, Espa帽a)

Marina R. Vargas

Conectada mucho más con la jocosidad de Piernas, una obra del año 2002, donde en medio de unas largas piernas de cinco metros realizadas en tela rellena de algodón y guata, percibimos una video-creación donde se monitorea una alocada mujer que sonríe descaradamente a cámara, soberbia e histriónica, desde la estrafalaria ridiculez del arrebato; Me gusta viajar sola, del año 2003, es una obra donde Marina recurre nuevamente al artefacto escultórico para suplir la presencia corporal. Como curiosidad habría que decir, que este artefacto, como los “pies” de Inmersión o las “manos” de Sacrificio (4), están salidos de vaciados de moldes del cuerpo de la artista. Dejando así entrever otra de sus preocupaciones conceptuales más perennes, la presencia de la huella de uno mismo, como legado que quedará como herencia de lo que somos. En: Me gusta viajar sola, Marina R.V., se desprende del rigor de sus obras más rimbombantes, sus obras más planificadas, o sus obras más teatrales, para reorganizar la misma en función del accidente, casi tal cual un accidente de tráfico hablásemos, en función de lo que le depara la acción; pues la obra se desarrolla como seguimiento fílmico de una carrera de objetos mutantes, un molde en silicona de un cuerpo femenino montado junto a un coche de juguete infantil teledirigido, y un coche donde la artista se halla. Con lo que la pieza se despliega mucho más como el desarrollo de un happening que como el documento de una performance. Y aquí caeremos en un segundo de didactismo locuaz. Obviamente porque la acción, o el happening, confían en la belleza actoral del accidente, y la perfomance en la milimétrica secuencialidad de sus gestos, aún cuando éstos sean accidentados, éstos están previstos dentro de toda la amalgama de posibilidades lectivas de la misma. Por ello, Me gusta viajar sola, siendo el documento de una acción, goza de esa frescura, de ese desasosiego, de ese buen sentido del humor, de esa enseñanza autocrítica del buen amor a la soledad y del amor a uno mismo, aún cuando estemos destrozados por los desechos y hechos del camino. Un camino, que igual… como todos los caminos, siempre llegan al agua. Y ahí es cuando entra en foco: Melusina (5), su homenaje al Mar, del año 20032004; una obra que lo mismo funciona como serie, que como video-instalación fotográfica.

Marina R. Vargas

Ya que esta compuesta por una video-proyección en monocanal en loop, de siete minutos de duración, magnífica, cerrada en sí misma como una ola, nunca mejor dicho; una gigantografía de una óptima calidad signicante y un preciosismo estético inusitado, y un conjunto de 20 fotos de pequeño formato que están integradas por secuencias de fotogramas de dicha obra videográfica (6); de una sólida relación intrínseca de belleza abrazadora y relato develador de lo que se vive en un sacrificio. En esta ocasión, la asimilación diametral, paralela de la vida acuática con la vida de una mujer, representa una puesta en escena de cierto carácter mitológico, donde la artista representa la vida misma, aquello que del Mar viene y hacia el Mar va. Tal como si la obra en sí misma se manifestara como un sarayeye (7), un ritual animista de ofrenda de limpieza espiritual, en la que el cuerpo del humano entra en comunión con los elementos de la vida natural, para reorganizar sus energías motoras. Como si el trance de la artista por hacerse acuática, la llevase a la más remota esencia de su pasado, llevándola hacia la luz; gracias a la ritualidad de sus gestos liberadores. Una pieza donde por primera vez, hallo junto a la artista cierta referencialidad a una producción igual de simbólica y poética, la de la alemana-brasileña Janaina Schapell8, una artista que curiosamente Marina no conocía. Casuales coincidencias del espíritu. Así Melusina, se manifiesta como una obra donde Marina se despoja de todo mal, para renacer cual Ave Fénix de sus propias cenizas; esta vez, unas cenizas húmedas y humedecidas, como el nacimiento de un niño, o húmedas y brillantes como los estados más telúricos de la carne y el cuerpo. Húmedos como la sangre y/o el sudor de cada día que marcan el camino. Un camino andado con demasiada madurez, siendo una creadora de tan temprana juventud, a tal punto que podemos arraigarnos en decir, que le depara un futuro porvenir de éxitos muy certeros, si continúa por esta dimensionalidad de lo cotidiano, sin el patetismo de la anécdota, sin la frialdad del documentalismo, y sin la parafernalia de la vocación de suicida del buen gusto pseudo-burgués de lo “políticamente correcto”, y el exceso de sentidos del adorno. En otras palabras, pensamientos (que terminan siendo obras de arte) que ella -Marina, por supuesto- tiene sobre su propio cuerpo… [McFerrin in my memory].

Omar-Pascual Castillo Granada, España Verano de 2006 / Primavera de 2010

Marina R. Vargas

Notas 1_Hace poco, en las palabras del catálogo de su muestra personal Psicoideos, en el Palacio de los Condes de Gabia de Granada, España; hablé claramente delas proximidades de su obra dibujística-pictórica con las lecturas reinterpretativas de Marina hacia Jung. 2_En lo adelante sólo: Rincón de Castigo. 3_Ver del autor: Encrucijada de la percepción, página: 22, Circulo de Bellas Artes de Madrid, Madrid, España, 2005. 4_Primera exposición individual de la artista en el año 2003, donde combinaba dibujos, videos y esculturas, desde un carácter evidente espacial e instalativo. 5_Según los alquimistas -Paracelso incluido- una de las sustancias cerebrales que causan el terror, la depresión y la vocación de suicidio, y cierto animal mitológico similar a una sirena de cola doble que al mar diariamente se lanza. 6_Otro de los montajes previstos por la artista es la video-proyección monocanal sobre la camisa-escultura que usa en la video-performance yuxtapuesta sobre un espacio intervenido en la pared. 7_En varias oportunidades he hablado de artistas que llevan a cabo esta experiencia de exorcizar sus malas influencias a partir del uso de cierto sentido terapéutico del Arte, de su Arte, comparándolos con este ritual de origen yoruba (el sarayeye) que todavía se practica en países como Cuba, Venezuela, o Puerto Rico, en las llamadas Religiones Sincréticas Afroamericanas, más conocidas como la Regla de Osha y de Ifá, o Santería. 8_De Schapell recuerdo en especial su serie de piezas fotográficas en las que la artista aparece flotando en un azulado lago repleta de globos y en un trajevestido de baño decimonónico de estética surreal y/o metafísica.

Marina R. Vargas

Rinc贸n de castigo (Conciencia del espacio), 2002 Video-instalaci贸n Dos cojines de polipiel + dibujo de pared + video-monocal a ras de suelo Cortes铆a de la Artista y Costantini Arte Contemporanea (Mil谩n)

Marina R. Vargas

_ilan wolff_ «LUNAGRAMA JAEN» Desarrollo del proyecto: Olivar de Jaén Del 5 al 10 de Mayo de 2011 Exposición: Recinto Provincial de Ferias y Congresos de Jaén Edificio ACTIVA-JAEN Del 11 al 14 de Mayo de 2011

OBJETO DEL PROYECTO

Realizar una imágen fotográfica del olivar de Jaén, mediante la técnica de Cámara Obscura (durante las horas del día) y Lunagrama (noche). Se trabajará sobre papel fotográfico de 10 metros de longitud, el cual será expuesto a la luz solar y a la luz de la Luna. La tierra del olivar acturará como cámara. El sujeto temático estará constituído por cuerpos humanos en combinación con elementos naturales del entrono del olivar (piedras, hojas, ramas, la misma tierra, etc..). El resultado del trabajo será exhibido y expuesto en paramento de 10 metos de longitud en el edificio Activa Jaén, de IFEJA, coincidiendo con la celebración de la edición Expoliva 2011, del 11 al 14 de Mayo, formando parte de la sección oficial de la II BIENAL INTERNACIONAL DE FOTOGRAFIA Y ARTES AUDIOVISUALES DE JAEN (FotoJaen’11).

Ilan Wolff

Lunagrama.- 2007.- 2 uds. de 30 x 1,27 m. Realizado en Estadio de Anoeta (Donostia) FotografĂa cortesĂa Ilan Wolff

Ilan Wolff

PUNTOS CONCEPTUALES El aceite de oliva es uno de los símbolos más importantes de Jaén y de Andalucía. Constituyendo quizás la más importante actividad agrícola, sus plantaciones cubren gran parte del paisaje andaluz. Considero que un árbol de olivo, que ha “vivido” cientos de años, simboliza la relación entre la tierra -la madre tierra- y los árboles -sus hijos-Y representa la imágen de la naturaleza surgiendo de las entrañas de la tierra. La tierra es convertida en cámara (Cámara Oscura). De este modo obtiene la capacidad de “ver y mirar”. Entonces puede fotografiar la naturaleza (sus hijos) creciendo, asomando por sobre la tierra. “La Naturaleza fotografía a la Naturaleza”. ¿Qué tipo de relación se desarrolla a través del tiempo (cientos de años) entre la tierra (madre) y los olivos (sus hijos)?. ¿Qué ocurre cuando el hombre interfiere entre dos elementos naurales (la tierra como Cámara y la luz del Sol como energía)?. Asistimos a una “Aventura Creativa” de un grupo humano en un período de tiempo predeterminado, donde el hombre se convierte en materia temática mientas la naturaleza ejerce su influencia sobre el proceso creativo. Ilan Wolff

Ilan Wolff

_rafael cerdá_ «REFLEJOS» Galería «Cristóbal Bejarano» C/ Marqués de Linares, 22. Linares (Jaén) Del 13/MAYO al 15/JUNIO de 2011 Estas fotografías que Rafael Cerdá presenta en la Bienal forman parte de una serie titulada “Reflejos”, perteneciente a fotos urbanas. Dichas fotografías están íntimamente relacionadas con sus últimas pinturas tituladas “Espacios urbanos”. Estas fotos que aquí veis, con esas veladuras, leves arañazos, heridas, filtros -engañosos filtros-, aparentan ocultar y desviar la mirada. No es así: Desvelan más que ocultan; llevan la mirada donde más se necesita, donde más se es. Como un tamiz, elevan a categoría aquello, que en una primera impresión, pasó desapercibido. Y nos obliga a escapar, a escaparnos, hacia abajo, como si necesitásemos preguntarnos cómo esa luz se las ha arreglado para estar allí, sólo allí, precisamente allí, y no en ese lugar en el que, realmente, no estaba. En ese momento, no hablamos, no miramos: Somos mirados, con esa caricia de lo que nos estaba esperando, sin saberlo, tanto tiempo -¿desde siempre?; con esas manchas privadas de sombras, donde la materia acaba de morir, sí, para ser, lo que no nos pertenece -¡tanto amor y esfuerzo necesitaremos!-, pero que se entrega. Nada hace, entonces, hablar al espejo, ¡es el espejo!, cubierto por la mirada, la de Rafael, que pisa, en la hierba desnuda, sus propios pies. Y, ojo último, Rafael Cerdá escarba, en el aire, el más inasible de los objetos, como si un extranjero se confundiese con su silencio. Incapaces de saber, de conocer de otro modo, nos aferraremos, entonces, a estas fotos -¿es el paisaje, Heráclito, como el río?-. POSDATA.- Siempre diremos que la mirada es la mirada de alguien más, lo que aquí Rafael nos muestra y nos enseña con estas fotografías: Añadir algo a lo que hay, unas manos depositadas en el espacio. Jesús Loza, poeta y profesor de Literatura

Rafael Cerdá

Rafael Cerdรก

_josé a. díaz martínez_ «FUEGO Y AGUA» «LA BELLEZA DEL MOVIMIENTO» Galería «Cristóbal Bejarano» C/ Marqués de Linares, 22. Linares (Jaén) Del 13/MAYO al 15/JUNIO de 2011 Las series “Fuego y Agua” y “La Belleza el Movimiento” que nos presenta José Antonio para los amigos, y Díaz Martínez para este mundillo de la fotografía, representan exactamente pero metafóricamente parte de su trayectoria como fotógrafo durante los últimos 26 años de los 38 que tiene actualmente detrás de una cámara (habiendo sido hasta paparazzi en Madrid), envuelve cada uno de sus trabajos (aunque para él es su hobby favorito aparte de su mujer y sus hijos), en una compensación entre lo profesional y lo aficionado porque con ello se divierte, impregna cada una de sus fotografías en dar el todo, tal como hace en su vida diaria en todos los aspectos, el profesional y el de la amistad sincera, gratuita y desinteresada. Tanto es así, que no duda en divulgar todo por poco que sea su saber sobre éste arte que él lleva hasta lo más alto posible, es el referente en la ciudad de Linares para cualquier proyecto de cualquier envergadura, y tal como se ven en las imágenes conjuga la fuerza con lo más sensible, sobra decir que pone todo su corazón y no es poco en todo lo que hace y lo demuestra en su trabajo diario como redactor gráfico de Diario Jaén en Linares, que le ofrece la oportunidad de disfrutar todos los días y a todas horas de ésta expresión artística incomparable, haciendo participes a todas las personas con las que se relaciona. Desde muy joven maneja de una manera todoterreno cada situación de luz, el tema, la composición, las claves, demostrando una relación calidad/arte en todas sus fotografías, José Antonio es una persona tímida, que a veces se destapa bajo la impresión de cada una de sus instantáneas, intenta poner en práctica tanto las últimas tendencias digitales como todos y cada uno de los antiguos procesos de laboratorio, por sus manos como instructor de talleres de fotografía han pasado innumerable cantidad de personas de toda índole, que no dudan en seguir mamando de sus conocimientos y práctica continúa. Mario Gómez, fotógrafo y amigo 90

José A. Díaz Martínez

_patricia galgani_ «PAISAJES INDUSTRIALES» Galería «Cristóbal Bejarano» C/ Marqués de Linares, 22. Linares (Jaén) Del 13/MAYO al 15/JUNIO de 2011

Por caprichos de la vida y el amor, Patricia Galgani (Gijón, 1979) vive en Baeza desde hace ya unos 5 años. Y es una suerte compartir con ella y Juampa no sólo calle, acera y (casi) balcón, sino también la pasión por el arte. Activa y curiosa, busca constantemente (bien en la materia pictórica bien en el medio fotográfico) una identidad que dé forma a su sensibilidad implícita. En esta ocasión presenta una de sus últimas series fotográficas, en la que recurre al paisaje urbano y la arquitectura: Patricia compone (jugando con la geometría arquitectónica y/o la familiaridad del paisaje fugaz) mediante sutiles superposiciones de la misma imagen, tratando así de dotar de nuevas lecturas y significados el contexto cotidiano. Miguel Ángel Tornero Fotógrafo.

Patricia Galgani

Qué serenidad, Patricia, para trabajar con el caos y devolvérnoslo transmutado, por la magia del arte, en armonía. El juego creativo en estado puro. Y la exploración, siempre, de la existencia. Una energía especial para dar movimiento a lo aparentemente más quieto e inerte, como un polígono industrial, unas chapas de hierro o unos lienzos cruzados delicadamente a brochazos para que nuestra imaginación explote y eche a volar. A Patricia, lo del arte le viene de casta, familia de la célebre pintora asturiana Carolina del Castillo, lleva recorrido su camino, ha expuesto en Gijón, Nerja, Torremolinos, Baeza, Linares y Villaviciosa, además fue preseleccionada en el Premio UNIA de pintura del año 2009. Patricia: una mirada que nos hace reparar en esos detalles que nos pasan desapercibidos; una voz cargada de sugerencias; un olfato cazador; una tacto de terciopelo y una escucha por todos los poros de su ser. Para mí, que va a dar mucho que hablar. Ricardo Sanz. Escritor.

Patricia Galgani

_juan pablo mola_

«AUTÓMATAS» Galería «Cristóbal Bejarano» C/ Marqués de Linares, 22. Linares (Jaén) Del 13/MAYO al 15/JUNIO de 2011

Cuando el baezano Juan Pablo Mola empezó a coquetear con el objetivo los componentes de la banda jiennense Autómatas también empezaban a comprender el significado de la música. Años más tarde los dos caminos convergen en una especie de unión mística, casi mágica. Prueba de ello es la muestra fotográfica que se exhibe en esta sala de exposiciones. No es mi intención hablar de su enorme capacidad para plasmar retratos. No quiero ni pretendo hablar de la lágrima contenida que hay impresa en todas y cada una de las fotografías realizadas a su amada Baeza. Obviaré además su impresionante capacidad para enfrentarse a una sesión fotográfica con bandas como Alis o Supersubmarina. Incluso tampoco hablaré de que el incienso y los aromas de la primavera pueden, perfectamente, ser inhalados en sus series fotográficas sobre la Semana Santa. Tan solo hablaré de la introspección, de la capacidad, de la sobresaliente luz, de la transgresión, la viveza, la saturación, los magníficos contrastes del color que Juan Pablo Mola ha aplicado, sobresalientemente, en la colección de fotografías que el artista presenta ante los oteadores de tan genial Exposición. Las metáforas de Kafka nunca estuvieron tan presentes en la fotografía. Uno de los fotógrafos españoles más notables se sumerge en el caótico y melancólico mundo de la paranoia. Cada gesto, cada movimiento, cada actitud de los protagonistas tienen una razón y un por qué. El artista intenta plasmar la ruptura con la infancia con una factura impecable.

Juan Pablo Mola

Llegó el momento de madurar. Aquí es donde la fotografía demuestra que puede contar historias o incluso analizar con rayos X lo que existe en el interior del ser humano. He aquí la obra He aquí al genio. José Gómez Garrido Radio Jaén - Cadena SER

Juan Pablo Mola

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Juan Pablo Mola

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_ángel tirado conde_ «LIVE LIFE» Galería «Cristóbal Bejarano» C/ Marqués de Linares, 22. Linares (Jaén) Del 13/MAYO al 15/JUNIO de 2011

“Si algo caracteriza las fotografías de Ángel Tirado Conde (Linares, Jaén, 1961) es la exquisitez; exquisita sensibilidad, exquisito tratamiento con un peculiar aire “vintage” que nos transporta en cada trabajo a un plano de ensoñación, de irrealidad, fotografías ancladas en una realidad recreada con maestría absoluta. Ángel, con sus trabajos, despierta emociones latentes, más que sensaciones: en cada foto se adivina una historia.” Raquel Méndez Ángel es un fotógrafo de la sensibilidad. Ángel es un poeta. Sus fotos son proyectiles de sensaciones y emociones que te dan en donde, en ese día, tengan que darte. Jesús Figueroa

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Ángel Tirado Conde

Ángel tiñe las escenas del color de su mirada, las disfraza, las desmenuza, las distorsiona y las vuelve a recomponer para arrojarlas sobre los ojos de un espectador, atónito en mi caso, cuyas emociones patinan por los cauces de su creatividad. Su obra raya en la genialidad casi de manera permanente y ese don, que adivino innato, le convierte en especial; uno no puede quedarse indiferente ante la fortaleza emotiva de sus imágenes. Miguel Meiga

Ángel Tirado Conde

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ﾃ］gel Tirado Conde

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_afogra_ «TIERRA» Sala Exposiciones Albergue Inturjoven & Spá Jaén C/ Borja s/n. Jaén Del 17/MAYO al 15/JUNIO de 2011 Comisario: Isabel Soler Ruiz

Inturjoven ha querido sumarse a esta iniciativa cultural, la segunda edición de la Bienal Internacional de Fotografía y Artes Audiovisuales de Jaén (FotoJaen2011), en la que de nuevo en esta ciudad se aúnan los esfuerzos e ilusiones de un gran número de artistas y agentes culturales con la intención de impulsar de forma eficaz el arte contemporáneo, y en especial el de la fotografía. En este sentido presentamos en la sala de exposiciones del Albergue Inturjoven & Spá Jaén el proyecto fotográfico “Tierra”, realizado por la Asociación Fotográfica Granadina (AFOGRA) Desde Inturjoven apostamos por aquellas iniciativas culturales que promuevan y acerquen a la ciudadanía las nuevas propuestas artísticas en cualquiera de sus manifestaciones, en la convicción de que FotoJaén2011 sea referente del arte de nuestro momento, y en un intento de estimular la creación original que permita recorrer nuevos canales de conocimiento y de reflexión en el arte.

José María Zambrano Ruiz Director Gerente de Inturjoven

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AFOGRA

[PROYECTO TIERRA]

El colectivo AFOGRA toma el tema de la tierra como objetivo para desarrollar su proyecto expositivo dentro del marco de la II Bienal Internacional de Fotografía y Artes Audiovisuales de Jaén. El concepto “TIERRA” abarca una amplia gama de interpretaciones y visiones; ha sido el punto de mira del hombre desde sus orígenes, el atractivo del viajero o paseante y último objetivo del conquistador deseoso de acaparar la tierra. Como fotógrafos la apresamos con la cámara abordándola desde diferentes perspectivas: la degradación de la tierra, la tierra como útero, el guardián que la protege, los dibujos que conforman su superficie, la pintura de su luz, su respiración, su inmensidad, la tierra trabajada, también abandonada, la protección del cuerpo, y el árbol como punto de unión cielo-tierra. Somos minúsculos ante este cielo- tierra que nos abarca y nos domina, y, a pesar de nuestros esfuerzos por su conquista, sigue siendo nuestro principio y nuestro fin.

Participan: Pilar Vives, Diego Barroso, Vicente Bataller, Jesús Gil, Miguel Gil, Ernesto Girela, José Antonio Henares, Javier Linares, Victoria López, Paco López, Juan J. Márquez, Mª Dolores Ortega, Ramón L. Pérez, Joaquín Puga, , Rafael Román, Isabel Soler. AFOGRA

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_pilar vives_ “GAIA” La imagen arquetípica del concepto tierra es el útero materno: la madre tierra de donde surge la vida, la fuente original de donde procedemos y a donde volvemos. De su oscuridad y de su protección surge la semilla, el embrión...

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Pilar Vives

_diego barroso_ “PAISAJES CAMBIANTES” Llevo varios años fotografiando estos paisajes con el único fin de satisfacer mi pasión y dejarlos registrados en el papel fotográfico, ya que son paisajes muy cambiantes. El álamo, salvo excepciones, es sacrificado cada 8 años, aproximadamente, para la industria de las maderas. El pino, árbol de crecimiento más lento y duradero (si no intervienen los monstruos desaprensivos que suelen quemarlos), pueden tener una larga vida y su madera es más aprovechada. A pesar de todo, y dependiendo del momento y el punto de vista, nos ofrecen mil y una manera de ser fotografiados.

Diego Barroso

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_vicente bataller_ “TIERRA DEGRADADA: DEL BALDÍO A LA SEQUÍA” La superficie terrestre del planeta está sufriendo una degradación tanto por la acción del hombre como por los agentes atmosféricos. En el mundo occidental este deterioro es mayor por el auge de la industrialización que está desplazando cada vez más a la agricultura. En el siglo XXI muchas tierras de regadío y de secano están amenazadas de ser definitivamente abandonadas con la desaparición de los últimos campesinos, en su mayor parte sin relevo generacional en busca de oficios mejor remunerados. Por otro lado, los incendios forestales, la tala de árboles para obtener madera o construir casas y carreteras, la emisión de gases de las fábricas y coches,… está forzando un cambio climático que afecta al calentamiento de la tierra. Vicente Bataller aborda estas dos amenazas producidas por la industrialización y que son de plena actualidad en Occidente y especialmente en España: el “Abandono de la tierra, los últimos labriegos”, mostrando a esa última generación de campesinos que con la ayuda de animales aún la trabajan, y “La sequía”, con imágenes de una tierra agrietada que parece desesperadamente implorar el agua cada vez más escasa por la acción devastadora y egoísta de los humanos.

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Vicente Bataller

_jesús gil_ “SILENCIOS DE LA VEGA” La vega, con su lirismo, asiste a la desaparición lenta de su presencia ante la mirada de alguna cámara que pretende fijar la belleza efímera de “todas las mañanas del mundo”... ... mañanas que no van a volver.

Jesús Gil

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_miguel gil_ “EN-TIERRA” “Quiero escarbar la tierra con los dientes, quiero apartar la tierra parte a parte a dentelladas secas y calientes. [...] Quiero minar la tierra hasta encontrarte y besarte la noble calavera y desamordazarte y regresarte.” (Miguel Hernández, fragmento de “Elegía”)

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Miguel Gil

_Ernesto Gilera_ “DE LA SOMBRA DE LA TIERA, DE PIEDRA: CARNE DE LA MALA, LA DE MEAR” Trabajo inspirado en un poema de Miguel Hernández donde la carne, la piel y el cuerpo tienen sus sentidos a flor de piel, excepto la carne de la mala, la de mear.

Ernesto Gilera

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_josé a. henares_ “RECUERDO DE UN CULTIVO HISTÓRICO. LA CAÑA DE AZÚCAR”

La última campaña de éste cultivo fue en 2006 y la Azucarera del Guadalfeo (en Salobreña) fue la última fábrica en toda Europa que molía caña para la obtención de azúcar de caña. Ambas fotos fueron tomadas en Abril de 2005 en la localidad granadina de Salobreña. La primera de las fotos muestra una escena de “La quema”, momento en el que se quemaban las cañas para hacer más fácil la labor de “la zafra” (el corte de la caña). La segunda foto muestra a un mondero ejerciendo su trabajo de corte de la caña en “la zafra” o “la monda”.

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Josá A. Henares

_javier linares_ “GAIA” La Tierra, El Mundo o El Planeta Azul no son más que las distintas formas que usamos para referirnos a Gaia, La Madre Tierra. La teoría de Gaia, postulada por el científico James Lovelock, dice que nuestro planeta es un inmenso ser vivo en constante evolución y capaz de auto regularse, condición ésta que le hace estar en un permanente equilibrio dinámico. Pero existe un elemento vivo, parte activa de este privilegiado planeta, con la capacidad suficiente para romper, con su comportamiento egoísta, este equilibrio global: el ser humano.

Javier Linares

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_paco lópez_ Tierra, un montón de tierra. Tierra y una piedra como lápida, sostén de un manojillo de flores perpetuas, tan perpetuas como el recuerdo que simboliza. Tierra cubriendo alegría y tristezas, ilusiones y sueños incumplidos, cubriendo una vida entera. Tierra, como un espejo que refleja nuestro futuro. Tierra, un montón de tierra.

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Paco López

_victoria lópez_ “LAS FRONTERAS DE LA TIERRA”

El hombre siempre ha creado fronteras que han separado países, ideas y religiones. La tierra tambien tiene sus fronteras. Pero ¿por qué no ver la frontera como lugar de unión? Ese lugar mágico donde se une la tierra con el mar y con el cielo.

Victoria López

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_juan j. márquez_ “INMENSIDAD”

Paisaje inmenso. Un vasto paisaje rojo, amarillo y verde coronado por el azul. Inmenso azul. Paisaje, inmenso paisaje salpicado por minúsculos seres humanos.

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Juan J. Márquez

_mª dolores ortega_ “CUANDO LA TIERRA ROJA INUNDA LA ESTANCIA”

TIERRA ROJA es parte de un proyecto que pretende abordar, de una forma reflexiva, cómo la composición y el color de la tierra en la que nacemos o vivimos influyen en nosotros. El color no son sólo pigmentos, la composición no es sólo una fórmula. Esta serie muestra espacios interiores en penumbra, sólo perturbados por algunos rayos de luz, de menor o mayor intensidad que dan color y forma a la estancia.

Mª. Dolores Ortega

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_ramón l. pérez_ “TIERRA, SOLO TIERRA”

Tierra como elemento básico: la que pisamos al andar y olemos cuando llueve, sin más aditivo ni contaminación que la mera tierra. Tierra, sólo tierra.

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Ramón L. Pérez

_joaquín puga_ “ARCILLA DE PIEL”

No hay piel donde esconderse, ni arcilla con la que camuflarse, sólo las ansias de convertirme en ella. No me escondo, no me camuflo, vuelvo a la tierra, arcilla de piel.

Joaquín Puga

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_ramón román_ “DESDE LAS ENTRAÑAS DE LA TIERRA”

Desde los albores de la civilización el hombre ha sabido aprovechar las riquezas del interior de la tierra. La minería es una de las más antiguas actividades humanas. Pero la minería no es sólo esa imagen triste y oscura que tenemos asociada con las oscuras galerías subterráneas. La mina tambien puede ser una explosión de color. Esta imagen más alegre y colorista es la que quiero mostrar aquí.

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Ramón Morán

_isabel soler_ “IN MEMORIAM”

“In memorian”, de la serie “Buscando homenaje” es parte de una investigación sobre las distintas formas de rendir homenaje a la memoria de aquellas personas cercanas desaparecidas. Existen ritos distintos en cada cultura y, a veces, ninguno consuela ni convence. Por esa razón, busco un rito personal para cubrir el vacío de la pérdida.

Isabel Soler

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_cristian guardia_ «NATIONAL NAIF»

Sala Maestra Excmo. Ayuntamiento de Jaén Del 1 al 15 de JUNIO de 2011 Comisario: Mario Gutiérrez Cru

En los últimos años el arte contemporáneo ha tendido a generar productos de consumo rápido, Cristian Guardia es un hilo suelto en esta tendencia. Un hilo dúctil que se transforma en caminos, en raíces, en venas... mientras forma el tejido de un disfraz que desnuda más de lo que cubre. National Naif es un momento clave en la trayectoria de este joven artista. Suponiendo un salto de calidad, formatos y discurso que merece la pena descubrir, no sólo por las piezas que propone, sino porque nos encontramos ante una de esas exposiciones que, gracias a la proyección que aventuramos en este creador, en un futuro cercano nos gustará decir “yo la vi”. Marcos Belmonte

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Cristian Guardia

National Naif propone una confrontación a la idea de identidad nacional; abordando lo fronterizo como espacio simbólico de discontinuidad se cuestiona la idea de patria como territorio físico y psicológico para el aislamiento. Las obras que componen el proyecto se generan a partir de la lógica del souvenir: como experiencias contenidas que manipulan la mirada para simular el acceso directo a sus esencias. Se induce al espectador a la experimentación de la obra como voyeur mientras que el objeto de la mirada adopta una actitud de exhibición: necesidades encontradas en una metáfora del intercambio cultural. Como eje fundamental de la muestra, Cristian Guardia realizará una performance inaugural, que será documentada en video y proyectada en la sala como parte de la exposición. Cristian Guardia.

Cristian Guardia

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_pablo garcía calvante_ «MANNEQUIN LOVE AFFAIR»

Ilustre Colegio de Abogados de Jaén C/ Carmelo Torres, 13. Jaén Del 18/MAYO al 15/JUNIO de 2011

La infinita hambre de amor de cuerpos de Pablo García Calvente

Tiene toda la razón Pablo García Calvente, y sus obras son la señal tangible de esta revelación: hay algo terriblemente humano, y sin embargo incomprensible, en la mirada de un maniquí. Algo que, tal vez, pueda pasar inadvertido a quien se le acerque distraído y le eche sólo un rápido vistazo. Señales de una intensidad visceral que no dejan escapatoria y que sólo la mirada de un niño o de un artista es capaz de captar. La mirada de un niño. Recuerdo perfectamente mi primer encuentro con un maniquí, es más, con dos de estos sujetos-objetos: en Turín, en la maravillosa tienda de sombreros de señora de mi tía Vanna, situada en uno de los paseos principales de la ciudad y entregada a la curiosidad de los transeúntes a través de dos escaparates. Eran un par de aquellos altísimos de antaño y redondeados de tal manera por los bordes, que acababan provocando cierta sensación de vértigo en el espectador. Protegidos por aquellos enormes cristales, se erguían dos maniquíes femeninos de tamaño natural. En la trastienda, si acaso por la tarde también me encontraba yo, a eso de las cinco la tía Vanna retiraba de su larguísima mesa de trabajo los moldes de madera sobre los cuales fieltros, terciopelos, pieles de visón o chinchilla, damascos, rasos y chiffones de seda, todos traspasados por alfileres, esperaban en religioso silencio su transformación definitiva en elegantes sombreros. A esa misma mesa, a condición de que hubiese hecho los deberes, la sombrerera acercaba los dos maniquíes –sustrayéndolos momentáneamente a las miradas de los transeúntes – para que yo pudiese tomar el té en compañía de dos elegantes “clientas”. 132

Pablo García Calvente

La mirada de un artista. No es un secreto, aunque talvez hoy se recuerde poco, y por esa misma razón me gusta volver a esa época: Nueva York, 1930. El escultor Lester Gaba crea una serie de maniquíes de escayola, son las Gaba Girls. Una de ellas – Cynthia — está tan bien lograda que el artista crea tres ejemplares idénticos para “dejarlas”, por turnos, en las salas de baile más conocidas, en los restaurantes de moda y en los teatros más elegantes. Cynthia y las otras Gaba Girls están vestidas y peinadas como mujeres verdaderas, llevan joyas preciosas en el cuello, a menudo cigarrillos entre los dedos y se encuentran allí como si participaran realmente en los eventos. Están – por vez primera – concebidas de manera completamente distinta a sus predecesoras de madera o cera. Son, por así decirlo, sorprendentemente humanas, tal y como relatan las crónicas mundanas de la época. Del otro lado del océano, casi contemporáneamente, de Chirico inaugura una nueva y personal estación artística, centrada en una inédita representación: después de las arquitecturas y las plazas, entra “en escena” el maniquí y ocupa el centro mismo de la representación. El maniquí, solo o acompañado de uno de sus semejantes, enriquecido con nuevos atributos y dotado de un nombre propio: es Héctor y Andrómaca, es el Trovador, es el Poeta, es el Pintor mismo. Este nuevo sujetoobjeto conserva sin embargo una propia perspectiva, nunca se confunde con el humano al que se asemeja, sino que mantiene respecto a éste un plano propio: puede carecer de brazos o manos, estar sostenido por escuadras y reglas, como muletas trigonométricas, a menudo tener un rostro sin rasgos, y su perfil puede estar incluso proyectado. Por consiguiente, con los maniquíes de de Chirico se va hacia una dirección opuesta: ya no de lo irreal a lo real – como con las Gaba Girls – sino viceversa. Pasa menos de un decenio y Man Ray cambia nuevamente de rumbo: esta vez es la figura humana que vuelve, en un contínuo cambio de identidad, para convertirse nuevamente en maniquí. Aparece así la habitación de las maravillas y en ella vuelven a agitarse, como en un sueño, figuras femeninas, todas ellas recogidas en poses clásicas (típicas de la estatuaria grecorromana), a veces tribalizadas, sazonadas de inusitadas combinaciones como una máscara africana, y en otras ocasiones petrificadas, hasta incluso llegar a perder las articulaciones. Más adelante el uso del maniquí se ve más volcado hacia el interior: con Helmut Newton éste sale, desaparece – aparentemente para siempre – de la lente del fotógrafo, pero evidentemente, permanece en la mente del artista e influencia cada toma: la figura humana se reproduce entonces de manera obsesiva, utilizando a menudo formas desarmadas de cuerpos, presentadas como objetos desprovistos de tiempo, a través de imágenes que tienden con frecuencia a sugerir hallazgos arqueológicos. Pablo García Calvente

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Sin embargo, en el mismo instante en que este juego parece habernos convencido, he aquí que ingresa el artista “en escena”. Paradójicamente, se traslada físicamente del otro lado de la lente y se coloca junto a una de estas criaturas, transportando inmediatamente el conjunto de la visión a la dimensión onírica. Se nos conduce, pues, a un territorio donde cada certeza se desmorona y donde los roles aparecen invertidos: el maniquí es lo “verdadero”, y verdadero es el “maniquí”. De hecho, según se van apreciando estas obras, el ritmo del proceso de desvelamiento se vuelve cada vez más apremiante: el elemento humano del maniquí se abre camino gradualmente, a medida que logramos comprender la profundidad del gesto, de la mirada (sólo en apariencia gélida), pues la expresión de aquel rostro, el costado de aquel ser, la rodilla de aquella otra criatura, nos capturan y nos turban, consiguiendo así que la presencia de un rasgo humano parezca inevitable, pese a que ya se haya perdido toda certeza de quién es real, quién es ficción, o simple reproducción de lo real.

Lo que es efectivamente sorprendente en las obras de Pablo García Calvente es su capacidad de crear imágenes en las que se omite la dicotomía clásica griega de psyché y soma, es decir del dualismo entre la vertiente en penumbra de la materia, del cuerpo humano, de la persona física, y aquella luminosa del espíritu, del aura, de lo incomprensible que encierra cada criatura animada. El artista hace una clara elección al optar por un unicum, o mejor dicho, por aquella dimensión en la que carne y vitalidad no sólo coexisten, sino que logran fundirse con espíritu y conocimiento incluso en lo que creemos inanimado. 134

Pablo García Calvente

En los retratos presentes en esta exposición – mannequin love affair —, en la profundidad de la mirada de estos maniquíes, en los pliegues del movimiento de sus cuerpos, en los detalles de la luz y colores reflejados por estas criaturas, perdemos toda capacidad de distinguir entre lo que es verdad y lo que es ficción, convirtiéndonos nosotros mismos en parte de estos cuerpos, criaturas únicas capaces de producir señales visibles y relacionales de una realidad psicofísica compacta. Podríamos creer – demasiado arrebatadamente diría yo – en la presencia de alicientes sexuales, empujados al límite de tensiones canibalescas, por cierto existentes en experimentos de otros artistas contemporáneos (Terence Donovan, Damien Hirst, Cindy Sherman, Davide Barnes, por citar sólo algunos). No obstante, es suficiente la visión en secuencia de algunas de las obras de Pablo García Calvente para comprender el distanciamiento de estas posiciones: sexualidad, eros, amor, curiosidad y deseo de conocimiento se entrelazan, se envuelven entre sí con un ritmo creciente en el que las imágenes y el lenguaje corporal nunca llegan a ser, ni siquiera por un instante, pornográficos. El cuerpo, el del maniquí, es efectivamente más real que lo real, pero la composición (citando las palabras de Gianfranco Ravasi1 ) permite llegar a la verdadera, quizás única, epifanía de la trascendencia. Ésta es capaz de cumplir tal función con toda la gama de iridiscencias formadas por afecto, recuerdo, deseo, complicidad, imaginación, límite, tensión. En estas obras, artista y maniquí compiten en contextos que evocan visiones fluidas y ardientes, cual verdaderas y propias experiencias estáticas, en las que se lleva a cabo una inesperada consonancia entre los dos sujetos, o en su defecto la distinción de sus recíprocas perspectivas, que a pesar de ser paralelas, como tales se encuentran destinadas a no coincidir nunca. Es precisamente éste, a mi juicio, el resultado dúplice y más impresionante de las obras de Pablo García Calvente. Por un lado, me refiero a la conciencia del autor sobre la existencia y necesidad de dos derroteros, de dos miradas, de dos distintas epistemologías sin por ello ser conflictivas; por otro lado, el reconocimiento del valor de la utopía implícito en el tentativo de penetrar la superficie de estas criaturas para revelar la “esencia humana”, apoderándose de su naturaleza para comprender mejor el sentido de lo humano. Con muy escasa frecuencia, el arte logra conducir al observador por rumbos de sublime sensibilidad y afabulación hacia la búsqueda del sentido más íntimo de la vida misma, como en el caso de estas obras. 1 Gianfranco Ravasi, Lode al corpo ed alla sua spiritualità (Elogio al cuerpo y a su espiritualidad), Il Sole 24 ore, 2010.

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Que quede entonces para concluir esta presentación, un último verso de Pier Paolo Pasolini: “Tengo una infinita hambre/ de amor, de amor de cuerpos sin alma”.2 Gianluca Pirozzi, 2010

2 Pier Paolo Pasolini, Supplica a mia madre (Súplica a mi madre), de “Poesia in forma di rosa” (“Poesía en forma de rosa”) , 1964.

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Pablo García Calvente

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Biblioteca Pública Provincial de Jaén C/ Santo Reino, 1. Jaén Del 2 al 15 de JUNIO de 2011 Comisario: Mario Gutiérrez Cru Coordina: KREÆ [Instituto de Creación Contemporánea]

Twins, muestra de videoarte emergente español, presentada en una doble proyección simultánea enfrentada de 1:32h duración. Twins reflexiona sobre la idea de dualidad, el objeto duplicado, las semejanzas, los parentescos; y a la vez, sobre las múltiples diferencias, aunque mínimas, que completan y singularizan la obra, conformada ahora en una única unidad. Se trata de una experiencia sobre la narración a tiempo real y sobre la posibilidad de una elección visual y sonora. 12 artistas nos presentan proyectos desarrolados para ser visionados en dos proyecciones monocanales, es decir, los artistas han creado una sola obra estructurada en dos piezas que dan sentido y unidad a la misma. Los contenidos expuestos en cada canal, proponen al espectador un acercamiento al universo del creador en un diálogo de objetos opuestos físicamente. 12 piezas que nos plantean cómo situarnos ante un mismo proyecto que se nos presenta fragmentado. Dos proyecciones paralelas enfrentadas, donde solo se puede ver una imagen y donde el espectador está movido a afrontar el momento de la elección, a preguntarse hacia dónde dirigir su mirada, a asumir el riesgo de que, al escoger una imagen, estará de espaldas a la otra. En este juego de elecciones la obra se reinventa cada vez. 140

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No es la primera vez que los videoartistas se enfrentan a piezas multicanal; ya en la década de los setenta, NAM JUNE PAIK creó multiples proyecciones. También, artistas como BILL VIOLA nos invitaron a contemplar proyecciones duales enfrentadas, como la famosa “Heaven and Earth“. En la actualidad son muchos los artistas que siguen trabajando con la narración simultánea y con historias duales. En esta ocasión, el comisariado se ha realizado con el objetivo de impulsar y revalorizar el videoarte nacional, y en especial, a artistas contemporáneos emergentes, que conviven con artistas más consagrados. Con una intención de exhibir la muestra a nivel nacional y sobretodo internacional. Son obras relativamente recientes, que ahondan en temas como la autoestima, las fronteras, el poder, la muerte, el fetichismo y el humor. La obra de Cristian Guardia mostrada a modo de souvenir patriótico, nos invita a un posible desfile militar en el que las armas son sustituidas por cuadros de seda, niveles y personajes semidesnudos que con mucho exotismo colorista revisan el concepto de identidad nacional. En ese mismo punto, la crítica y sátira de SERGIO OJEDA utiliza el sistema del arte como esqueleto vertebrador de la obra, siendo el artista la prostituta del mercado, reprensentado éste por comisarios, críticos y museólogos. Por otro lado, ESTHER ACHAERANDIO nos presenta en modo de programa de autoayuda una serie de recomendaciones orientadas a mejorar problemas de autoestima. PAULA RUBIO INFANTE nos enfrenta dos situaciones de maltrato, en una pantalla perros maltratados ladran y deambulan despavoridos, mientras que en la otra un sillero destripa sillones y sofás. Otros artistas como MARIO SARRAMIAN y ANDRÉS SENRA analizan el tema de la muerte, el primero desde el diálogo entre la vida y la muerte, presentado en tres momentos que se corresponden, a su vez, con los distintos estados o fases de la vida del ser humano. Mientras Andrés Senra a través su narrativa, menos evocadora y poética, y más transgresora, nos plantea la muerte del individuo como catarsis, en lugar de como fin, donde la sátira y el humor son los protagonistas, haciendo incluso homenajes a personajes como Hamlet.

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Al hilo de esta ironía y siguiendo con la dualidad planteada como premisa en todas la obras, LEFT HAND ROTATION recrean un posible debate entre dos grandes “monstruos televisivos“, en sus propias palabras, de la educación sobre la Naturaleza. Félix Vs. Cousteau, la tierra contra el mar y entre ellos se situa el individuo, como canal de comunicación y como espectador que debe decantarse por uno de estos dos mitos y/o espacios. De mitos, rituales y ese límite entre la vida y la muerte también trata la obra de ALEX FRANCÉS, en la que la tauromaquia es el elemento principal, enfrentando dos estadías de la vida de un torero en el ruedo, en el que la afición observa con entusiasmo y cautela, mientras que los quirófanos esperan un posible fatal desenlace. Sobre paisajes, fronteras y escalas tratan las obras de BONGORE, EMILIO TOMÉ, NADAMÁSMATE y QUERALT LENCINAS. Al tiempo que ésta última nos representa en 2D un posible paisaje ficticio en una invitación a un viaje casi fluvial por un mundo poético imaginado, Bongore interpreta el paisaje como límite y frontera, nos habla de los conceptos de estado y legalidad y de cómo una catarata puede dividir países, e incluso servir de una suerte de cárcel natural. La obra de Emilio Tomé nos presenta un juego poético visual que reflexiona sobre la escala y la percepción de la mirada. Una comparativa de dos “pieles“: la macro-fotografía del planeta vista a ojo de google-earth Vs. la micro-fotografía de encuentros con la naturaleza a escala reducida. Y por último la obra de Nadamásmate jugando también con las escalas nos invita a reflexionar sobre la construcción y el papel el individuo como ser todo poderoso que puede cambiar el habitat en el que vivimos. Mario Gutiérrez Cru

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_esther achaerandio_ “EJERCICIO DE AUTOAYUDA I: EL PODER DE LAS PALABRAS” 6 : 42 2009

“EJERCICIO DE AUTOAYUDA I” forma parte de un conjunto de piezas de carácter multidisciplinar, basadas en diversos ejercicios de aprendizaje, como un aspecto esencial para la reconstrucción del sujeto. Para manifestar estas prácticas de control, se ha tomado un ejercicio de Programación Neurolingüística (PNL): “EL PODER DE LAS PALABRAS”. En dicha propuesta se dan consejos para formular efectivas sugestiones a fin de solucionar nuestros problemas. “EJERCICIO DE AUTOAYUDA I” comprende una instalación audiovisual que se compone por dos proyecciones enfrentadas. En una de las proyecciones se puede escuchar el monólogo citado, acompañado de la visualización de determinadas palabras presentes en el mismo, un mecanismo que pone de relevancia uno de los fundamentos básicos de la programación neurolingüística: la permanencia de las palabras en el subconsciente a partir de una enunciación. A continuación, en la proyección enfrentada, se presenta a una persona que realiza simultáneamente los nueve ejercicios propuestos en el propio monólogo, es decir, repeticiones convulsivas de los preceptos que se anuncian como soluciones a diversos problemas cotidianos. La idea de un control sobre el inconsciente, es decir del control de los deseos y de las representaciones, explicita uno de los fundamentos básicos de la autoayuda. El propósito de reconstruir la subjetividad modulando el ejercicio de vigilancia sobre uno mismo es desenmascarado en “EJERCICIOS DE AUTOAYUDA I”. A partir de la mostración de un compendio instrumental de reglas prácticas y técnicas terapéuticas que bajo la lógica de costes y beneficios inciden en la domesticación a través de diversos automatismos ejercidos sobre la conducta. La autoayuda proporciona estrategias de evasión de conflictos, centrándose en los síntomas o negándolos a partir de la premisa del pensamiento positivo. “EJERCICIOS DE AUTOAYUDA I” manifiesta el dispositivo ideológico capaz de naturalizar las pautas sociales, así como los principios que gobiernan nuestra sociedad.

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Esther Achaerandio

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_bongore_ “LA GARGANTE DEL DIABLO” 5 : 59 2011

Estamos ante unas cataratas que se empoderan como paisaje híbrido, presentan una noción de frontera susceptible de trascenderse, de entenderse ahora como espacio de intercambio, de alteridad y multiplicidad: estos vídeos -rodados en Iguazú- construyen dos nuevos paisajes creados con la imagen de un lado de la frontera y el sonido del otro. El agua o el sonido no se atienen a esta estructura fronteriza. JOSÉ LUIS BONGORE, Málaga, España (1979) Su producción artística surge de un trabajo performativo y de registro documental, que da cuenta de las dimensiones de los procesos de transculturalidad estética existentes en el mundo actual. Para ello explora los códigos culturales que operan dentro y fuera de Occidente, en un diálogo del encuentro donde propone una reflexión sobre el papel que nos cabe en él. PREMIOS Y BECAS 2010 - Seleccionado en el 25º Aniversario de los premios INJUVE. Comisariado por María del Corral. Madrid - Seleccionado por Paralell Events Project. Manifesta 8 (Bienal Europea de Arte Contemporanio). Murcia - Seleccionado para Tentaciones’10. Estampa (Feria de Arte Multiple). Madrid - Premios de arte Circuitos de la Comunidad de Madrid. Finalista en el Concurso de Cortos de Andalucía. Ayto. de Malaga. 2009 -INJUVE 09, Instituto de la Juventud, Gob. de España. -Mención Honorífica Málagacrea 09, Ayto. Málaga. 2008 -Premio Ville dAlger 08, FIAV, Argel (Argelia). -Adquisición de la obra Explum 08, Ayuntamiento Pto. Lumbreras, Murcia. 2007 -Accésit INJUVE 08, Instituto de la Juventud, Gob. de España (España). 2003 -Ayuda a Proyectos Medialab, Centro Cultural Conde Duque, Madrid (España). SELECCIÓN DE EXPOSICIONES COLECTIVAS Y PROYECCIONES 2009 - Creación Injuve 09, Círculo de Bellas Artes, Madrid.-Málagacrea_09, Centro de Arte Contemporáneo de Málaga. -INJUVE-07 (2008-2009): *Centro 146

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Cultural de España, Lima (Perú).*Parque Cultural de España, Rosario (Argentina). *Centro Cultural de Montevideo. -Retour de Fiav.08, Galería Esca, Nimes (Francia). -Festival de Cine de Málaga, Teatro Cervantes. -LoyalRooftops09, Loyal Gallery, Kassel. - 2008 -Fábrica: Les Yeux Ouverts. Exposición itinerante (2006-2008): *Shiodomeitalia, Tokio. *Triennal de Milán. *Museo Shanghai Art, Shanghai. *Centro Pompidou, París. -Fiav.08, Centro Cultural de Argel (Argelia). -LoyalRooftops08, Loyal Gallery, Kassel. -Typo Berlín 2008, Casa de la Cultura de Welt, Berlín. -Videoscreening 08 - Festival de Arte Contemporáneo, Varna (Bulgaria). -Frágiles - Videoeuropa, Museo Bonnat, Ballonne (Francia). ColorsNotebook, Fabrica Features, Lisboa. -Revelle-Toi BAC!08, Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona. -Loop 08, Galería Espai Ubu, Barcelona. -Trozos, Espacio Menosuno, Madrid. -Videovideo, Expo Zaragoza 2008, Pabellón de Acciona, Zaragoza. -Explum 08, Centro Cultural de Puerto Lumbreras, Murcia 2007 -LoyalRooftops07, Centro Cultural Burgerstolz und Stadtfrieden, Kassel (Alemania). -Creación Injuve 07, Círculo de Bellas Artes, Madrid (España). Málagacrea_07, Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (España). -Ráfagas, proyecciones itinerantes: Casa Encendida, Madrid (España). 2006 -Málagacrea_06, Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (España). We love Snakers. Exposición itinerante: *Lisboa (Portugal); Madrid, Málaga, Barcelona y San Sebastián (España).

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_cristian guardia_ “FOLKITSCH” 5 : 40 2011

Folkitsch es parte de la serie “National Naif”, un conjunto de obras en las que se aborda el imaginario simbólico como mecanismo de cohesión determinante de un territorio físico y un espacio psicológico para el aislamiento. Partiendo de esta condición, el proyecto se construye sobre la metáfora del intercambio. El ejercicio consiste en mirar hacia si mismo y representarse como souvenir: construir una experiencia contenida y manipular la mirada del otro para simular el acceso directo a nuestra esencia. En Folkitsch se parodia el voyeurismo antropológico y el acercamiento etnocentrista hacia lo exótico/tropical. Cristian Guardia

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CRISTIAN GUARDIA JACINTO, Maracay 1982 Artista multidisciplinar. Estudia Arquitectura en la Universidad Simón Bolívar de Venezuela y Fotografía Experimental en la Organización Nelson Garrido. Su obra constituye una reflexión humorística ante las convenciones sociales que determinan la construcción de la identidad corporal. EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2011 National naif. Espacio Menosuno. Madrid. II Bienal Internacional Fotografía Jaén. Sala Maestra. Ayuntamiento de Jaén 2007 Falaz. Espacio Menosuno. Madrid. COLLECTIVE EXHIBITIONS 2011 International Video Art Festival 2011 PROYECTOR 2011. Madrid I love your work. Espacio 8. Madrid. 2010 Useless. Espacio Menosuno Madrid. 2006 Turismo! Turismo! Turismo!, Espacio Menosuno. Madrid Decibelio 2006. Festival International de música y arte. Madrid. Versus. Espacio Menosuno. Madrid. 2003 Censura a la Carta. Organización Nelson Garrido. Caracas. I Encuentro de arte de acción. Instituto Pedagógico de Caracas. Palabra, tierra, expresión. Escuela de Artes Visuales Cristobal Rojas Caracas 2002 Di-versiones. Universidad Central de Venezuela.

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_álex francés_ “DISPOSITIVO VISUAL EN ESPERA” 9 : 05 2009

Este dispositivo visual se construye a partir de otro dispositivo espectacular: una plaza de toros; y se presenta como complemento y sustituto de ésta. Por un lado oculta lo que normalmente vemos, eso para lo que esta configurada la arquitectura de la plaza: que es para ver y oírel espacio de la acción, de la lucha; y lo sustituye por planos de los rostros de los espectadores y un plano secuencia del quirófano de la plaza, lugar apartado y sin suceso en el que no ocurriránada, que permanece siempre vacío. En este lugar resalta la presencia de la inacción, no podremos ver nunca ninguna cosa que pueda transcurrir allí, tan solo se nos permitiráver ese tiempo muerto, de espera, pues el posible suceso en caso de haberlo, queda excluido de la visualidad. Al oído que pendiente de lo que acontece mas allá, se le ofrecerála escucha de la creación colectiva de los sonidos y silencios de todos esos que actúanen la plaza, tanto de forma activa como pasiva, público y oficiantes. Esto recalcara la idea de que nose puede ver la corrida o disfrutar de su parte visual, pero si oírla y asímantener la atención auditiva en una acción que no se puede ver.

Idea, dirección y edición Alex Francés. Cámara: XoséGarrido. Segundo cámara: Juan Martínez. Técnico de sonido: Rafael Castilla.

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Álex Francés

ALEX FRANCÉS. Valencia, 1962. Licenciado en Bellas Artes y Máster Universitario en Producción Artística en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia. EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2009 No dos sino dos (Imágenes de la filiación, Imágenes del doble), Fundación Chirivella Soriano, Valencia. - 2007 De cuerpo a cuerpo, Galería Rosa Santos, Valencia. - 2006 Niño que, dentro de In_ter_va_lo, ciclo de arte contemporáneo y flamenco. Sala Caja San Fernando, Jerez. - 2005 Feto invertido, La Sala Naranja, Valencia. - 2004 Galería L’Algepsar, Castellón. - 2003 El otro por mí mismo, Galería Llucià Homs, Barcelona. - El otro por mí mismo, Galería La Casona, La Habana, Cuba. 2001 Caligrafía, Galería Luis Adelantado, Valencia. - Caligrafía, Sala Patio de Escuelas, Universidad de Salamanca.- Galería Palma 12. Vilafranca del Penedés. - 2000 A cuerpo, Galería Luis Adelantado. Valencia. - La fuente del trigo, PHOTOESPAÑA 2000, Galería Carmen de la Guerra, Madrid. - 1999. - En las entrañas, PHOTOESPAÑA 1999, Galería Carmen de la Guerra, Madrid. - 1998 El niño llorón, Club Diario Levante, Valencia. - 1997 Igualdad es diferencias, Comunidad Valenciana, itinerante. - 1991 Galería RayGun, Valencia. - 1989 Galería Luis Adelantado, Valencia.

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_queralt lencinas_ “DISPLACEMENT TRHOGH LANDSCAPE” 5 : 43 2010 QUERALT LENCINAS, Barcelona El sujeto acerca del que se desarrolla la investigación artística de Queralt Lencinas es la figura del paisaje o landscape, entendido éste como una noción cultural de gran importancia hoy en día para la construcción de panoramas diversos de la realidad en torno. Se trata de un recurso visual y/o sonoro inseparable de sus cargas estéticas y emotivas en el que la experiencia espacial define la construcción del mismo.

Los medios utilizados habitualmente en las distintas piezas son el vídeo, la fotografía y la instalación. De este modo, su proceder está influenciado por el interés en las nuevas tecnologías y el tratamiento de la imagen por ordenador, además de centrarse en la confrontación directa de la imagen y lo real en sus distintos aspectos: el impacto de lo ficticio sobre lo verdadero, el artificio como acercamiento a lo natural, la construcción de la imagen y el hilo narrativo inherente en ella,... todo ello sin caer en problemáticas directamente relacionadas con la representación.

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Displacements through landscape constituye una reflexión alrededor del proceso de construcción de la imagen digital a través de la poética del paisaje. La pieza esta compuesta por diferentes secuencias en las que se combina la imagen de vídeo y la animación 2D. Los paisajes presentados y el sonido ambiente que los acompaña son construcciones puramente artificiales. Incluso la referencia de escala es alterada, poseyendo, por tanto, esa belleza propia del diaporama o la miniatura en la que el movimiento parece accionado por algún tipo de mecanismo oculto. El espectador contempla una serie de paisajes fantásticos que le transportan en una experiencia espacial propia de una compleja escenografía. El interés que impulsa la serie de trabajos de la artista de los últimos años, entre los que se encuentra la presente pieza, se centra en lo artificial y la simulación aplicados a la experiencia estética y artística. Esto se extiende igualmente a nuestra experiencia dentro de la sociedad contemporánea, en concreto en relación a la percepción de la realidad y la consecuente construcción mental de ella. En el momento que esta problemática se traslada a la dimensión fílmica y/o digital, aparecen una serie de cuestiones, tales como el uso de efectos especiales por ordenador, habituales hoy en día en el proceso postproductivo de la mayoría de películas, y la referencia de lo real que crean en nuestro imaginario; también cabe pensar en el trabajo a través del software y la paleta de posibilidades que este ofrece de acuerdo con esa imagen de lo real que se quiere obtener o, mejor dicho, simular. Referencias tales como el concepto de heterotopía de Foucault o la obra La fenomenología del espacio de Gaston Bachelard constituyen, por tanto, la base conceptual para el desarrollo de este proyecto.

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_left hand rotation_ “FÉLIX VS COUSTEAU” 4 : 57 2009

Olvídate del cambio climático, el deshiele de los polos o las aberraciones inmobiliarias en nuestras costas. Félix Vs. Cousteau es el enfrentamiento definitivo entre las dos grandes fuerzas de la naturaleza, dos de sus cuatro elementos básicos: La tierra contra el Mar: desde el comienzo de nuestro planeta ambos han tratado de ocupar a su manera el globo terráqueo. El mar tiene la capacidad de erosionar la tierra pero ya existen numerosos casos de islas y pequeños continentes artificiales creados sobre el agua. Esta lucha está representada por Félix Rodríguez de la Fuente y Jacques Cousteau, dos mártires televisivos, dos iconos de la cultura contemporánea que invadieron la televisión y los medios en los años 80 y nos dejaron como herencia la batalla que nos ocupa. Félix Vs Cousteau.

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LEFT (el concepto abstracto) HAND (el objeto, lo material) ROTATION (la acción) es un giro en la dirección contraria que puede producirse en cualquier momento, un tornillo que hay que apretar justo al contrario de lo esperado. Left Hand Rotation es un colectivo artístico creado en 2004 que desarrolla proyectos experimentales en múltiples formatos y soportes como vídeo, instalaciones o intervenciones urbanas. EXPOSICIONES Y EVENTOS 2010 Is This Spain. Maus Hábitos (Oporto) - Madrid Abierto 2010. La Casa Encendida (Madrid) - 2010 Espacio Off Limits (Madrid) - Espacio Belleartes (Cáceres) - Teatro Cómico de Córdoba. 2009 Muestra de Videoarte “Madatac”. Instituto Cervantes (Madrid) - Muestra itinerante de cine Playtime, programa “Found Footage“ (Madrid, Barcelona, Bilbao, Mallorca) - Premio “Intervenciones.tv”. Fundación Rodríguez (Vitoria). “Radiografías”. Centro Antiguo Instituto CAI (Gijón, Asturias) Muestra colectiva. “Moss Media“. - Fundación de Arte Ladines (Asturias). Beca y residencia. - Espacio Menosuno (Madrid). 2008 Sala Alterarte (Ourense). - Tempo, Festival de Música y Arte Contemporáneo de Albacete. 2008 Facultad de Humanidades, Comunicación y Documen-tación de la Universidad Carlos III de Getafe (Madrid). - Optica, Festival Internacional de Video Arte de Gijón. - “CBA.net”. Círculo de Bellas Artes (Madrid)

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_nadamásmate_ “EN OBRA” 5 : 24 2009

Grandes dinosaurios mecánicos nos acompañan cada día moviéndose ruidosa y torpemente por las calles; a su alrededor la faz desfigurada de la ciudad los contempla desde el desagrado, a veces desde el desamparo, y la admiración; la incomodidad que supone sortearlos mientras transitamos, no impide un instante hipnótico en el que los suponemos… ¡quizá vivos!…, en todo caso los descontextualizamos. En obra propone un cambio de medio y de escala, la mano del artista sustituye elementos típicos del dibujo y la pintura por pequeñas máquinas de construcción. De construcción para la obra artística, ese es el juego.

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MAYTE NOGUEIRAS maytenogueiras@gmail.com JULIO ADÁN http://julioadan.wordpress.com/ e-mail: julioadan77@gmail.com EXPOSICIONES 2010: XIX Certamen de Dibujo Gregorio Prieto. Casa del Reloj. Madrid. 2009: XIX Certamen de Dibujo Gregorio Prieto. Museo Gregorio Prieto. Valdepeñas / “Postitución”. La Maison de la Lanterne Rouge. Madrid / “Kill Your Idols”. AC Mediodía Chica. Madrid. PREMIOS 2010: Selección en III Certamen de Dibujo Contemporáneo Pilar y Andrés Centenera Jaraba Fundación FMCJ. Villa de Alovera. Guadalajara. 2009: Mención Honorífica XIX Certamen de Dibujo Gregorio Prieto. Valdepeñas.

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_sergio ojeda_ “WE ARE GOING TO MAKE A KILLING” 17 : 35 2009 Tomando como “leit motiv”, punto de partida, referencia y/o común denominador el lema “we are going to make a killing”(1), y aprovechándose de la ambigüedad interpretativa que es sugerida de ya entrada como matriz conceptual del proyecto, se provoca un desgarro simbólico hacia una vía alternativa y transversal, guiada por un ambiente de desconcierto, vacuidad y desamparo que maneja como ejes de tensión múltiples niveles interpretativos que se superponen o acontecen a la vez, contaminando, interfiriendo, y pervirtiendo un posible discurso completado por casualidades y coincidencias dejadas al criterio o juicio del espectador. Planteado como “work in progress” y presentado (o representado) en formato expositivo (en el que la forma quizás sea “lo de menos”), el proyecto obedece a una compleja estructura en espiral, de historias dentro de otras historias que se relacionan y/o contradicen entre sí, en el que “la obra” se cita a sí misma, se libera y escapa de su “función”, quizás en un último y desesperado intento de reclamar “lo que es suyo”; sembrando el malentendido, el rumor, la especulación, la incertidumbre y la sospecha, y sugiriendo en última instancia que tal vez la perversión sólo resida en el propio ejercicio de “traducción”.

(1).- La traducción literal al español de “we are going to make a killing” sería “vamos a hacer una matanza”, pero en realidad es una expresión construída que se utiliza para decir: “nos vamos a forrar”. 158

Sergio Ojeda

SERGIO OJEDA, Madrid Licenciando en Bellas Artes EXPOSICIONES INDIVIDUALES. - 2007. WE ARE GOING TO MAKE A KILLING. Espacio Menosuno, Madrid. - 2004. Mecanismos de domesticación. Proyecto D-Mencia, Centro Cultural Juan Valera, Córdoba. - 2004. “Valentine´s Day > Fraude (o metáfora del amor sometido a un proceso de estetización)”. Espacio F, Madrid. - 2003. “Ecce Homo [03]”. Centro Cultural Provincial, Diputación de Málaga. - 2002. “Ecce Homo [02]”. Centro Arte Joven de la Comunidad de Madrid. EXPOSICIONES COLECTIVAS - 2008. Imágenes multimedia de un mundo complejo. México, Buenos Aires, La Habana, Granada y Sevilla. - 2007. Políticamente (in)correctos. Off limits, Madrid. - 2007. ROCK MY ILLUSION. Sala Puertanueva, Córdoba. - 2006. Arenas Movedizas. Antiguo Instituto, Gijón. - 2004. Control Remoto. Comisariado por “El Perro”. México DF, Centre D´Art de Santa Mónica, Barcelona. - 2004. Mecanismos de domesticación. Proyecto D-Mencia. Córdoba.. 2004. “Feedback”. Madrid - 2004. Generación 2004. Madrid, Barcelona, Santander, Zaragoza, Salamanca y Sevilla. - 2003. Premio Miquel Casablancas 2003. C.C. Sant Andreu, Barcelona. - 2003/04. Circuitos de Artes Plásticas Madrid. - 2003. XL Certamen Artes Plásticas de Pollença. Museu Pollença. Palma de Mallorca, Islas Baleares. - 2003. “Generación 2003”. Itinerante por Madrid, Barcelona, Santander, Portugal, Santiago de Compostela, Sevilla. Sergio Ojeda

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_paula rubio infante_ “ENTRE PECHO Y ESPALDA” 12 : 39 2006 La pieza audiovisual “Entre pecho y espalda” documenta, de forma simultánea, cómo un sillón orejero de piel es “desollado” por un tapizador en su lugar común de trabajo, y la vida cotidiana de un grupo de perros, de raza galgo español, en un centro de acogida de animales. La intención es plantear la idea de que hombre y animal a menudo son, o parecen ser, la misma cosa. Se establecen semejanzas y paralelismos de orden metafórico entre ambas especies para generar, en última instancia y haciendo alusión al trato que reciben estos animales por sus dueños tras dejar de ser útiles para la caza.

Dirección: PAULA RUBIO INFANTE. Cámara y edición: Gonzalo Romero. Música original: José Luis Bolivar. Formato original: DVCAM color. 2 dvds. Disco 1+Disco 2 (sound). 2 proyecciones simultáneas y yuxtapuestas. Edición: limitada de 3 ejemplares. Obra becada y producida por INJUVE. Premio Certámen Audiovisual “Premios Injuve para la Creacción Joven 2006”.Obra adquirida por la Comunidad de Madrid. Consejería de Cultura. CA2M. 160

Paula Rubio Infante

Licenciada en Bellas Artes por la UCM [1995/2000]. ARCHIVO DE CREADORES -Matadero Madrid-. En ARCO 2010, ARCO40 Galería Formato Cómodo. MACO-México DF-, MADRID FOTO 2010 -Madrid- y VOLTA 2010 -Basilea,Suiza - Centro de Arte Joven de la Comunidad de Madrid, 2002-, Galería de Arte Arteinversión, 2008. FERIAS ESTAMPA 09 - PHOTOGRAPHICA 09, DESVELADOS ´09, un circuito de visitas a 5 estudios de artistas y colectivos artísticos de la ciudad de Madrid. SCOPE BASEL -Galería de arte Formato Cómodo Basel Suiza 8-14/6/2009-, FORO SUR -Galería de arte Formato Cómodo Cáceres 30/4/2009-, ART_MADRID Galería de arte Arteinversión Madrid 2/2009-, ESTAMPA 08 -Galería Formato Cómodo Recinto Ferial Juan Carlos I Madrid 10/2008-, PHOTOESPAÑA 08 Festival Off Galería de arte Formato Cómodo Madrid 6/2008-7/2008-, LOOP FESTIVAL -International festival & Fair for Videoart comisario:Javier Duero Barcelona 8/6/2008-15/6/2008-, ESTAMPA 07 -Galería de Arte Arteinversión y TENTACIONES comisario Javier Duero Recinto Ferial Juan Carlos I Madrid 24/ 10/2007-28/10/2007-, PHOTOESPAÑA 07 -Festival Off Galería de arte Formato Cómodo Madrid 1/6/2007-22/7/2007. PREMIOS Y BECAS Premio Engloba de Artes Plásticas 2009 -Grupo Engloba Comunicación Valencia, MATADERO MADRID -Beca Programa de Ayudas a la Creación Contemporánea 2007-, INJUVE -Premio Certámen Audiovisual Premios para la Creacción Joven 2006-, Fundación Arte y Derecho VEGAP -Beca Artes Plásticas Propuestas 2006- e INICIARTE -Beca Ayudas a la Creación Artística Contemporánea 2003-. EXPOSICIONES INDIVIDUALES Estudio de campo -Grupo Engloba Comunicación Valencia 11/2009-1/2010-, Bultos -Galería de Arte Formato Cómodo Madrid 27/11/2008-16/1/2009-, Entre pecho y espalda -Galería de Arte Formato Cómodo Madrid 1/2007-2/2007-, Downstream -Galería de arte KA Madrid 3/2005-4/2005- y Gráficas del extranjero -Galería de Arte Colegio del Arquitectos de San Miguel de Tucumán República Argentina 8/2001-. EXPOSICIONES COLECTIVAS Lingua Franca I AGRESIÓN-CONFLICTO-ACCIDENTE (VIOLENCIA) comisariada por Iván de la Torre Amerighi -Museo de Huelva 9/2009-. Adquisición de obra: Colección Internacional de Video Arte de la Comunidad de Madrid, Centro de Arte Dos de Mayo CA2M -Móstoles Madrid-. Paula Rubio Infante

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_mario sarramián_ “ABOUT DEATH, AROUND DEATH” 0 : 59 2007 Con este trabajo continúo investigando el fenómeno de la muerte, en particular los escenarios de comportamiento que aparecen en torno a ella (“around death”). Tres conceptos están implicados en este proceso ineludible: a) Captura (trampa): la mente, presa del miedo a lo desconocido, es capturada por la indiferencia y la tendencia a la elaboración de teorías y sistemas filosóficos rebuscados y artificiosos destinados a distraer el pánico. Indiferencia y reflexión son las estrategias de defensa elegidas por una abrumadora mayoría. b) Confinamiento (jaula): quedan las tesis, hipótesis y teorías, las ideas en definitiva, dando tumbos en el interior de la mente, confinadas en ella. Agitación, angustia, apatía... son algunos de los barrotes con que se fabrica esta jaula fatal. c) Feedback (banquete): reacción, retroalimentación, aprendizaje... son las salidas de la mente, sometida a grandes presiones, para huir del miedo, del enjaulamiento, de la congoja. Este concepto está estrechamente ligado a la estrategia del pacto con la muerte y, por tanto, a las técnicas practicadas por todas las artes. La persona se sitúa en un espacio borroso: en la frontera entre dos misterios y realidades inabarcables: vida y muerte. Que alguien decida traspasar este límite e inaugurar el diálogo y negociación con la parca, es quizá el fruto de un don realizado. Estos tres momentos del fenómeno conectan con las tres posturas o estrategias fundamentales adoptadas frente al mismo por las personas. No voy a desarrollarlas, sólo me limitaré a enunciarlas: a) Indiferencia (atonía); b) Elaboración de teorías y sistemas filosóficos (reflexión, raciocinio); c) Negociación (conjuro). En definitiva, con esta propuesta artística sobre la muerte (“about death”), abundo en mi consideración de la creación menos como una actividad dedicada a la producción de cosas estéticas que como un trabajo ampliamente interdisciplinar, en función de aspectos de la cultura con los que opero a menudo, tales como el simbolismo y la metafísica, y de formas de expresión artística como la fotografía y el vídeo. Mario Sarramián.

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Mario Sarramián

MARIO SARRAMIÁN, Valladolid (España). Licenciado en Ciencias Económicas (Universidad de Valladolid). Máster en Diseño Gráfico (CEI, Madrid). Máster en Gestión Cultural (Universidad Carlos III, Madrid). Workshops de arte, ilustración y nuevas tecnologías con Daniel Canogar, Robert Cahen, Jaime del Val, Saverio Evangelista y Jutta Bauer. Últimos trabajos expuestos en: Off Limits (Madrid), Espacio Menosuno (Madrid), Instituto Cervantes de Madrid, Fonoteca Nacional de México, Centro Cultural de España en México (México DF).

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_andrés senra_ “CASA QUEMADA” 11 : 11 2008

Casa quemada es una reflexión sobre el imperio de la muerte como límite constitutivo de la vida, donadora y privativa de sentido. En “casa quemada”, no solo quiero hablar de la muerte física del individuo sino que también me interesa abordar la muerte como catarsis, como fin y principio de un nuevo mundo.a En esta obra me remito, por un lado, a la tradición, no solo occidental sino también oriental, por la cual se vinculan Eros y thanatos. El erotismo, la muerte, el placer, lo bello, lo lánguido y un cierto pathos de melancolía, se presentan en un escenario aséptico, alejado de cualquier emoción. La pieza está construida como un díptico. En una de las pantallas se representa un vanitas, el personaje se besa con la muerte en un beso apasionado, la vida no es concebible sin la muerte, todo principio conlleva un fin. En la otra pantalla se juega con la idea del placer sexual, la energía sexual como poder vital, pero también el orgasmo como “petite morte”, la anulación de los sentidos y la anulación de la razón; el abandono al canto, como instinto primario, pero un canto sofisticado, se trata de un fragmento de ópera en el que se entona una despedida, un adiós al ser amado. Así, el autor, plantea un diálogo en dos pantallas enfrentadas donde el amor, el sexo, la vida y la muerte se dan la mano y se la niegan. Andrés Senra

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Andrés Senra

ANDRÉS SENRA. Madrid, 1968. Andrés Senra trabaja principalmente con vídeo, dibujos, fotografía, acciones e intervenciones en el espacio público, en una obra a medio camino entre la reflexión y la protesta. Tanto en sus vídeos como en sus performance públicas investiga los diversos lenguajes de la acción. En sus piezas abundan narrativas contemporáneas que reflexionan sobre situaciones políticas y sociales. Sus trabajos site-specific proponen una manera de entender el espacio como una metáfora, modificándolo o pervirtiéndolo para crear situaciones en ocasiones irreales o absurdas, reforzando el sentido de meta-lenguaje y meta-acción como parte de su propuesta. Sus últimas obras se han podido ver entre otros en Glaugair y Fundación Karl Hofer de Berlín, Crypt Gallery (Londres), La Fresh gallery (Madrid), Doméstico 08 (Madrid), MARCO (Vigo), Casa Encendida (Madrid), Okuma Memorial Tower (Tokio), Centro Cultural Montehermoso (Vitoria) y Dean Project (New York). Ha recibido los siguientes premios y becas 2009- premio creación artística de la Casa Velázquez. Estampa.,2009- Beca “Madrid procesos Berlín” AVAM.2008Premio de creación artística Comunidad de Madrid. 2005- Artistas en Residencia. Casa Encendida. Madrid.

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_emilio tomé_ “ABSTRACCIONES” 23 : 35 2008

Abstracciones es un acercamiento a las pieles, las sensaciones táctiles, el deterioro, los rastros del tiempo y el arte escondido en nuestras ciudades. Plantea una reflexión sobre la escala y la percepción de la mirada. Propone una burbuja, un espacio para la contemplación, una ruptura en el tiempo, una grieta, una meditación. El camino de la abstracción supuso una ruptura y una búsqueda formal y expresiva a lo largo del siglo xx, no solo en la pintura, sino en la escultura, la arquitectura, la literatura, la música o la danza. Se pretendía desligar la obra de arte de su carácter representativo (figuración), simbólico, decorativo e incluso metafísico. Distintas alienaciones que privaban a la obra de arte de su autonomía. Buscaban obras que no refirieran sino a ellas mismas. Esto fue una reacción ante la perdida de territorio, en el caso de la pintura debido a la irrupción de la fotografía y la imagen en movimiento, un intento por encontrar el valor y lenguaje intrínseco de cada disciplina artística. En la pintura esta senda de autonomía tomo dos caminos principales, por un lado el hiperrealismo, tratando de convertir la obra en objeto independiente de significados o referencias, un objeto-en-siautorreferente; por otro lado la abstracción. Supongo que lo que propone esta pieza podría denominarse como hiperrealismo abstracto. Por otro lado, hay una voluntad consciente de huir del concepto de arte urbano, como intervención artística en la calle, a través, y sobre todo, del grafitti, pero también mediante intervenciones, acciones o instalaciones urbanas. Todo un campo de actuación que va desde las derivas situacionistas de Debord y compañía hasta las intervenciones de Banksy en el muro de palestina, pasando por las plantillas que invadieron nuestra ciudad en los meses previos y posteriores a la guerra de Irak, las paredes granaínas del Niño de las Pinturas o el simple tag en el metro de cualquier adolescente… Concepto, fotografías, vídeo y edición de sonido: Emilio Tomé. Agradecimientos: Paz Rojo, Julio Camarena, Jose Luis Baringo, Rolando San Martín, Ikerne Giménez, Elena Córdoba y Oscar Hernández.

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Emilio Tomé

EMILIO TOMÉ. Madrid. Estudio Arquitectura, Teatro Físico y Danza Contemporánea. Su práctica se desarrolla como arquitecto, creador visual y escénico, diseñador gráfico, performer, dramaturgo y pedagogo a lo largo de los 10 últimos años. Ha colaborado con artistas como Elena Córdoba, Carlos Marquerie, Carlos Fernández, Xavier Le Roy y Juan Dominguez. Forma parte del colectivo El Club, centrado en las practicas colaborativas de creación y en la generación de nuevos espacios de intercambio, del que surge el proyecto El Paso (2009-10). Paralelamente desarrolla su trabajo utilizando vídeo, fotografía, acciones, texto y movimiento, dando lugar a piezas híbridas para la escena: Cocktail(1999), Ola(2001), Ruido(2004-2005), Derivas(2006), Abstracciones(2008) y Conversaciones_Robadas(2009-2010) y Home Experience(2010) mostradas en diferentes festivales y contextos como La Alternativa, Invertebrados/Casa de América, In-Presentable/La Casa Encendida, ProyectoR/Espacio Menosuno, Tanz im August/HAU(Berlín), La Noche de los Teatros/MNCARS.

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_asunción lozano_ «TODOS, NINGUNO...» Claustro del Archivo Histórico Provincial de Jaén C/ Santo Domingo, 12. Jaén Del 17/MAYO al 15/JUNIO de 2011 Comisario: Fernando Barrionuevo

IDENTIDAD PIXELADA Hablar de la identidad del individuo, del ser humano que pertenece a una sociedad bien definida, ha sido uno de los temas más investigados a lo largo de la historia hasta el punto de que podríamos decir que la misma se apega a los individuos sin ser conscientes de que dicha naturaleza identitaria nos la otorgan los otros desde nuestro nacer y en la evolución de la vida individual la vamos reafirmando o por el contrario la hacemos evolucionar hacia otros modos de identidad. Pocas han sido las manifestaciones colectivas que han tratado acerca de la ausencia de la identidad, más bien de la identidad negativa como aquella que niega lo que los otros nos aplican y que sirve en definitiva para definir a una sociedad, grupo o clase. Es mucho más admitido hablar de identidad evolucionada o transformada en función de nuestros propios valores, creencias y descubrimientos personales unidos siempre a una sociedad que está ahí aparentemente inerte o exageradamente cambiante. A raíz de las reflexiones interrelacionadas surgidas de entre los expertos en filosofía, psicología, sociología y antropología, la identidad del individuo no queda exenta de polémicas y discusiones, más aún si cabe que los contenidos de sus investigaciones y teorías redundan en conclusiones utilizadas en la mayoría de las ocasiones por grupos de poder social que modelan a nuestro ser como meros moldes de representación colectiva. 168

Asunción Lozano

En este sentido la obra de Asunción Lozano evidencia reiteradas figuras de dichas identidades y hacia las que el observador otorga sin dilación el nombre que las identifica. Así hombre, mujer, joven, basurero, trabajadora. Sin embargo a la identidad del individuo puramente personal y sin comparación no se le da sentido o simplemente no existe en una sociedad en la que la esencia del ser como individuo apegado a su propio yo ni siquiera es ya tema de conversación o incluso de autorreflexión.

En lo referente a la observación, Asunción Lozano simplifica las imágenes y deja constancia reiterada de esa necesidad de identificar al individuo con un concepto, con un grupo y en ese sentido se hace una pregunta “¿Con qué intención y cuales son, en última instancia las razones de ese interés por dar forma a lo que probablemente es inaprensible?”.

Asunción Lozano

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En un complejo mundo enmascarado con definiciones y conceptos, necesitamos identificarnos y que nos identifiquen, pero hasta qué punto somos capaces de engullir el hálito subyacente de que nuestra propia personalidad es diferente en un grupo social dentro del que claramente nos hemos identificado. Sin duda la obra de Asunción Lozano es un envite a la reflexión continua sobre nuestra propia ubicación en planos sociales haciendo una metamorfosis digital de manera que la pixelación de sus fotografías se traducen en múltiples mapas de identidades en las que el individuo se mueve, subsiste o contribuye a una mayor subdivisión de identidades. Las fotografías que se presentan son el resultado de una ardua persecución a individuos que la artista realizó en Granada en 2008. La observación de las mismas, desde diferentes puntos de mira nos dará pie a calificar a cada individuo con un nombre. Nos queda la duda de si Asunción Lozano nos estará observando.

Fernando Barrionuevo Comisario de exposiciones

Las obras de la exposición “todos, ninguno...” de Asunción Lozano han sido cedidas por MECA Mediterráneo Centro Artístico, con motivo del programa ARTE GIRA NS 08. La exposicón ha sido posible gracias al comisariado (y a la generosidad) de Fernando Barrionuevo.

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Asunción Lozano

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Instervención en espacio público. Impresión digital sobre lona. Plaza de España de Alhama de Almería, 2008.

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_marcos carnero_ «SOBREMAR» Sala de exposiciones CajaGranada Paseo de la Estación, 6. Jaén Del 26/MAYO al 14/JUNIO de 2011 Cuando me extiendo junto al mar, existe el agua y su palpitación y un cielo azul cuya profundidad es demasiado grande para mí. Sentir el mar, su lentitud viviente, es la magnificencia y el olvido, pero sentir la vida de los camaradas es ser el camarada de uno mismo. El cielo inmóvil tiene su razón, lo sé, pero la razón que hay en nosotros existirá aún cuando este cielo haya sido borrado por el viento y el frío. Antonio Gamoneda

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Marcos Carnero

El planteamiento del trabajo comienza con la experimentación del lenguaje pictórico, como pilar importante para concebir la fotografía, el video, la instalación y la música en tanto que elemento plástico, para expresar una busqueda centrada en la relacción entre la naturaleza… memoria, tiempo, espacio, el hombre… Hablando a menudo de lugares inhabitables, ruinas y vestigios indescifrables en los que el tiempo parece tener un ritmo paralelo, o distinto del real. Se trabajan disciplinas como la fotografía, la instalación o la intervención sobre estructuras arquitectónicas, que se abordan, bajo una técnica y un concepto, las cuales son las preocupaciones de esta obra. La temática del paisaje ha ido evolucionando progresivamente en la poética, transformandose en una preocupación por el ser contemporáneo. Por su compleja relación con los espacios. Vivencias subjetivas en dichos entornos. En este sentido, las obras más recientes buscan representar la fragmentación perceptiva del espectador y sus distintas maneras de experimentar los espacios, los sucesos… las emociones. La distinción de la obra se centra en unificar la Fotografía…el Sonido… la Pintura…la Literatura… el Video…el Cine… la Arquitectura…la Performance… Coreografías en las que los elementos acústicos, visuales y espaciales interactuan entre sí. El ser humano se sitúa en el punto central de una relacción difícil con su propio entorno. Natural, arquitectónico, social, y cultural. La necesidad de liberar al espectador de su tradicional papel de “ receptor pasivo “, donde la contemplación e interiorización de la obra se convierta en una experiencia física, intelectual y multisensorial, antes que meramente visual. El tradicional “punto de vista”. El público, se convierte en un “punto de percepción“ complejo y dinámico. Es decir, hay una influencia del espacio que determina la manera de percibir y disfrutar de la obra. ¡ Activa ! no solamente el sentido de la vista, sino también el oído y el movimiento del espectador. Así el público se convierte en el verdadero protagonista de la obra y es él quien construye el último significado de la misma. Marcos Carnero. 2011

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_úrsula tutosaus_ Patio Mudéjar Patronato Municipal de Cultura Excmo. Ayuntamiento de Jaén Del 12/MAYO al 15/JUNIO de 2011

Buscadores de sueños. La niña que jugaba con sus barbies hoy quiere ser millonaria y hacerse la cirugía estética. Para lo que trabaja sin descanso en un Burguer King. Mientras, su vecina se conforma con vestir el traje más bonito de toda la fiesta. En Roma, Guiddo espera a su princesa en un Lamborghini descapotable y llantas de aleación; ella nunca llegará. Desde Manhattan la Estatua de la Libertad ilumina menos que nunca. Siempre quedará París, donde su hermana pequeña se ríe de las cadenas que hacen dar a los ciudadanos pasos de ancla al ritmo de la Marsellesa. Entre tanto alguien conquistará Berlín, pero… ¿Cómo te vas a comer el pudin si no te comes antes la carne? Soy una de ellos. En continua búsqueda. Al igual que tú, perseguida por los juguetes de la infancia. ¿Nuestras viejas almas seguirán nadando en una pecera, año tras año?

Úrsula Tutosaus Granada, Abril 2011 186

Úrsula Tutosaus

«INTERPELACIONES RE-PRESENTATIVAS»

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_luis peña mérida_

«SENSACIONES II» Palacio de Los Salcedo C/ San Pablo, 18. Baeza (Jaén) Del 11/MAYO al 15/JUNIO de 2011

Mi gran amigo Luis Peña me ha ofrecido el placer de poder presentar ésta muestra fotográfica de su amplia colección. Para mi es de gran satisfacción el poder formar parte de este acto que tanto significa para su vida profesional. La colección “SENSACIONES II” refleja la madurez tanto de su técnica fotográfica como la solidez de su personalidad. Es una colección compuesta por cincuenta fotografías, donde la diversidad de ambientes, espacios y formas se entremezclan con un original estilo de trazos, contornos, colores y tonalidades a través de una original perspectiva óptica. Lo más llamativo de su obra es la acertada utilización de la luz, que dibujan, pintan y ambientan sus paisajes, descubriendo el mundo natural y técnico que rodea la inquieta e insólita mirada de éste artista. La obra al completo descubre las vivencias, la sensibilidad, la sensualidad y la superación artística de su autor, factores que condicionan, aseguran y garantizan el éxito indiscutible de la exposición. Mi gran deseo es transmitir y animar a todo aquel que anhele el deseo de compartir todas estas emociones, para que se acerque a esta ventana de pasión, ternura, sensibilidad, arte, destreza, maestría, habilidad, técnica y originalidad. Inmaculada Acal Técnio especialista en análisis de imágen

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Escuela de Arte José Nogué C/ Martínez Molina, 11. Jaén Del 15/MAYO al 15/JUNIO de 2011 Comisariado: José Antonio Gallardo Escobar

Una de las características fundamentales de la Escuela de Arte José Nogué es, sin duda alguna, la amplitud de sus objetivos de cara a la sociedad. Y entre ellos, el de liderar con claridad y convicción los procesos de desarrollo cultural en nuestra ciudad. En este sentido (el de servir de estímulo y modelo cultural), la Escuela de Arte José Nogué encuentra un ámbito de actuación realmente fecundo, pues nada de lo que surge de las inquietudes artísticas le es ajeno; al contrario, creemos que es nuestra obligación indagar en las nuevas expresiones del arte contemporáneo y apostar por la innovación, la calidad, el estudio y el continuo afán de experimentación artística. La actividad académica que, en relación con la creación fotográfica y audiovisual, viene planteándose en nuestro centro ha alcanzado un alto grado de desarrollo docente e investigador y, como consecuencia de ello, ofrece un importante nivel de demanda de alumnado y de reconocimiento profesional en este campo. Esto, en sí mismo, es motivo suficiente para que, desde esta institución, hayamos tratado de apoyar y promover todas aquellas iniciativas de calidad que estuviesen relacionadas con estas líneas de producción artística y que viniesen a reforzar la actividad que se viene realizando en la Escuela.

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Escuela de Arte «José Nogué»

En nuestros años de gestión, son múltiples las iniciativas que hemos desarrollado así como las colaboraciones y participaciones que hemos ofrecido a diversas actividades relacionadas con la fotografía y la creación audiovisual. Todas esas actividades adquieren una perspectiva especialmente interesante para una institución académica como la nuestra, en tanto que incorporan la posibilidad de ofrecerse como encuentros científicos, entendidos así por cuanto que convocan a una comunidad investigadora, con unos intereses e inquietudes afines, la cual se reúne para exponer y compartir sus experiencias. Por este mismo motivo, desde una perspectiva académica, tienen para nosotros un especial interés aquellas muestras de arte que vinculan a su desarrollo acciones formativas, posibilitando así un espacio para el crecimiento personal y profesional a través del conocimiento. Bajo la dirección de José Antonio Gallardo Escobar, profesor coordinador de la actividad, un elegido grupo de seis alumnos de fotografía presentaran en el marco de la Bienal el fruto de sus trabajos, compartiendo así espacio con artistas ya consagrados. Por todo ello, FotoJaén2011 ha captado el interés de nuestra Escuela, puesto que, como veníamos diciendo, además de ser una interesante muestra de la actividad de la creación contemporánea en relación con la imagen tecnológica, se constituye en un punto de encuentro científico de profesionales e investigadores que trabajan en este medio a la vez que ofrece una propuesta formativa complementaria de gran interés. Para terminar, solo resta agradecer a los organizadores y participantes su esfuerzo y dedicación, así como expresar nuestro más ferviente deseo de que esta iniciativa, a la que nos incorporamos con entusiasmo, alcance la trascendencia que merece y consiga mantener su continuidad en el tiempo.

Luis Cárdenas Castillo Director Escuela de Arte José Nogué

Alumnos seleccionados: Claudia Campos Colino, María de la Cruz Pérez Agenjo, María García García, Mirian Ortega Valenzuela, Pablo Cano González y Virgina Martínez Peinado.

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Claudia Campos Colino

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María de la Cruz Pérez Agenjo

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Mirian Ortega Valenzuela

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Pablo Cano Gonzรกlez

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Virginia MartĂnez Peinado

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Virginia MartĂnez Peinado

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Programa Cámara Cultura Vivero de Empresas C/ Federico Mayor Zaragoza, s/n. Jaén Del 23/MAYO al 15/JUNIO de 2011 Coordina: Mario Gutiérrez Cru

Un año más, Espacio Menosuno ha logrado reunir la obra de 102 artistas, diseñadores, fotográfos y creadores de distintas disciplinas en su convocatoria permanente Covers. En ella, cada participante cede una obra en pequeño formato que se expone en la portada de su web menos1.com durante una semana. Esta convocatoria, que nació en el 2005, ha convertido la red en un nuevo medio para exponer, es decir, una especie de museo digital en el que se muestran distintas obras en un contexto distinto. La palabra exposición, proviene del latín “exponere”, y significa literalmente “colocar algo en el exterior para que sea visto”. Hoy, la web se ha convertido en un medio esencial de exposición y de reunión de artistas y creadores. Estos son los objetivos de la convocatoria Covers: convertir su web en un medio más para exponer y reunir a miles de artistas de distintas disciplinas, y casuales, en un proyecto común: una exposición colectiva y virtual en la que cada artista ha escogido una obra para exponer que significa algo para él. Y una vez más, hemos editado un catálogo con todas las obras expuestas, con la finalidad de convertir esta iniciativa en algo permanente y reivindicar la belleza del libro y el objetivo de los catálogos de arte como testimonios de iniciativas efímeras. Por primera vez desde su creación, Covers #02 sale de la red para exhibirse en sala, y formar parte de la II Bienal de Fotografía y Artes Audiovisuales de Jaén. 212

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_daniel vega borrego_ «FORMACIÓN NÜSSLE»

Ayuntamiento Campillo de Arenas Casa de la Cultura Del 20/MAYO al 15/JUNIO de 2011

Algunas notas sobre Formación Nüssle Hay diversas circunstancias que hacen que para mi sea difícil dar una explicación satisfactoria de esta serie. Empecé con Formación Nüssle de forma causal. Tras varias semanas de insistencia de Marisa, la chica que hace de modelo en la serie, en aprender a jugar, reservé la pista de frontón en la que suelo jugar con mis amigos del colegio . La ropa que lleva en las imágenes es la misma que con la que vino el primer día. La combinación con el verde del frontón me atrajo y tomé algunas fotografías con una cámara de bolsillo que por aquel entonces solía llevar encima. En los primeros meses de 2002 quedamos varias veces. Durante la primera media hora jugábamos, en la segunda, ella seguía practicando mientras yo fotografiaba, a veces simplemente registrando lo que pasaba y otras escenificando ciertas poses y acciones que se me ocurrían sobre la marcha. Para mí inicialmente estas fotografías eran básicamente un experimento. Empecé a ver más posibilidades al combinarlas en el ordenador. De todo este proceso manipulativo fui capaz de componer tres imágenes satisfactorias (dos de ellas forman parte de la serie final). En aquel momento no me planteé seguir, en parte porque creía haber agotado el tema y por otro lado a partir de primavera la pista no necesita iluminación artificial. Casi dos años después decidí retomar la serie, el frontón acababa de ser recién pintado y volvía a tener buen aspecto, esperé sin éxito un par de semanas a que volvieran a pintar los números. Marisa aún conservaba la ropa , su pelo se parecía al de las fotos originales y para entonces ya tenía nuevas ideas que desarrollar. 216

Daniel Vega Borrego

Uno de mis objetivos fue que el proceso creativo detrás de la serie quedase reflejado en las imágenes finales. Las imágenes que se muestran no dejan de ser mis combinaciones favoritas. No pretenden ser totalmente narrativas, ofrecen un marco estético bastante definido, y situaciones similares que, al menos en parte, dejan que el espectador las interprete de forma personal. Respecto al título, buscaba algo críptico a ser posible con alguna palabra foránea, pero a la vez puramente descriptivo de lo que, al menos en parte, estaba pasando en las imágenes; la enigmática palabra Nüssle es el apellido materno de Marisa. Este título quedó definido desde el principio y creo que me ayudó bastante a conformar la serie. Daniel Vega Borrego

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Daniel Vega Borrego

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_pepe murcia_

«FORMAS Y TEXTURAS» Ayuntamiento de Villacarrillo Casa de la Cultura Del 01 al 30 de JUNIO de 2011 Comisario: Margui López

PEPE MURCIA – DERIVACIONES E INFLUENCIAS No-músico , compositor , letrista , productor , dj , fotógrafo . La derivación de Pepe Murcia hacia la fotografía es debida a su enorme pasión por la música pop y rock (donde se puede destacar la enorme influencia de Mick Rock , el que fuera principal fotógrafo del rock en los años 70, sobre todo del movimiento Glam, con sus famosas fotografías a David Bowie, The Rolling Stones, Lou Reed, Iggy Pop y tantos otros), la literatura ( fundamentalmente la BEAT GENERATION, con Allen Ginsberg, Jack Kerouac, Gregory Corso y otros, un estilo muy plástico y descriptivo), la pintura (principalmente el ARTE POP y sus estandartes máximos: Roy Lichtenstein y Andy Warhol), la arquitectura (el modernismo español con Antoni Gaudí a la cabeza y Walter Gropius y su Bauhaus), la escultura (Miguel Ángel , Bernini y Salvador Dalí principalmente) y el cine . En este apartado habría que hacer unas menciones muy especiales puesto que , sin ninguna duda , el cine y su fotografía son la influencia fundamental para Pepe Murcia.

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Pepe Murcia

No sería posible entender su obra sin acercarnos a Lucien Ballard (fotógrafo del magnífico western crepuscular “Grupo Salvaje” de Sam Peckinpah, de “El guateque “ de Blake Edwards y de “The killing” de Stanley Kubrick), Russell Metty (fotógrafo de la obra cumbre del cine negro “Sed de mal” de Orson Welles, de “Espartaco” de Kubrick y de “Éramos desconocidos” de John Huston), Robert Burks (fotógrafo de algunas de las mejores películas de Alfred Hitchcock como “Atrapa a un ladrón”, “Vértigo” y “Con la muerte en los talones”), Winston C. Hoch (fotógrafo de “Centauros del desierto” de John Ford, de “Retorno al Paraíso” de Mark Robson y de “Viaje al fondo del mar” de Irwin Allen), John Alcott (fotógrafo de “Barry Lyndon” y “La naranja mecánica” de Stanley Kubrick y de “Greystoke: la leyenda de Tarzán, el rey de los monos” de Hugh Hudson) y Stanley Cortez (fotógrafo de la onírica “La noche del cazador” única obra dirigida por el gran actor británico Charles Laughton, de “El cuarto mandamiento” de Orson Welles y “La furia del planeta rojo” de Ib Melchior) . Esta es la “escuela” fundamental de Pepe Murcia que unido al enorme afán de conocer, aprender , visualizar y captar todo lo que pulula alrededor suyo son los factores principales de su obra .

Pepe Murcia

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_mocete & pere ribera_ «SUEÑOS TATUADOS»

Sala Maestra Excmo. Ayuntamiento de Jaén Del 15 al 30 de mayo de 2011

El misterio de lo híbrido. Así podría titularse esta serie de trabajos en los que confluyen los resultados de un proceso pictórico y un proceso fotográfico que finalmente se funden y confunden hasta devenir en obras de nuevos perfiles autónomos. Hace ahora unos tres años el fotógrafo José Manuel Mocete comenzó a realizar el seguimiento fotográfico de la pintura de Pere Ribera. Por su parte Pere fue conociendo cada vez mejor el trabajo de Mocete, interesado sobre todo en la exploración lírica del cuerpo humano. Poco a poco fue surgiendo una idea: realizar una obra que aunara las creaciones individuales de cada uno. De ahí estos “Sueños tatuados”, unas piezas donde las texturas, formas y colores de los cuadros de Pere, se imbrican en los cuerpos desnudos o en los rostros fotografiados por Mocete. El resultado es siempre inquietante, a veces incluso aterrador. Las grafías de Pere Ribera, para nada convencionales, parecen adherirse a los cuerpos como misteriosos aliens que ya nunca podrán prescindir de esa otra vida que ha crecido en su interior. Esos seres humanos que se intuyen hermosos tras las flagelaciones impuestas por los signos pictóricos, se nos presentan como participantes de ritos ancestrales, donde la pintura del cuerpo y el tatuaje jugaban papeles de privilegio. Al fin y al cabo el cuerpo fue quizá el primer lugar donde se inscribió el arte. El individuo, antes que pintar sobre las paredes de las cuevas, muy probablemente pintó sobre su cuerpo, convirtiendo a éste en el receptáculo de su creatividad. La pintura pasó a perpetuarse a través del tatuaje. Pere y Mocete, modernos tatuadores de la era digital, ejercen su función a partir de los nuevos métodos de la hibridación de las imágenes. 224

Mocete & Pere Ribera

El proceso artístico, que se inicia trabajando las texturas de las fotografías de los cuerpos y las de los propios cuadros del pintor, continúa con una superposición de capas y filtros que hacen que se obtengan nuevas imágenes. Un proceso largo y complicado de resultados no siempre previstos, como no puede preverse, a partir del padre y la madre, el rostro del hijo al que ellos dan vida. Enteros o fragmentados, los cuerpos fotografiados por Mocete se esconden, pero también se potencian, bajo los cuadros, a su vez enteros o fragmentados, de Pere Ribera. El volumen del cuerpo se reencuentra con el volumen del cuadro. Los artistas van analizando con detenimiento cada uno de los pliegues o curvas que la figura presenta, para encontrar en la pintura aquellos signos que mejor pueda acompañarla, no para embellecerla, sino para llenarla del misterio que siempre ha estado presente en las obras del pintor, vivencialmente interesado por la potencia de lo onírico. No se trata, aquí, de enfatizar lo que de templado pueda encontrarse en la desnudez de unos cuerpos que antes de hibridarse emanaban erótica serenidad. No se trata de potenciar la sensualidad de un rostro o unos labios, sino de devolvernos la fuerza originaria que todavía hoy nos transmite la idea de lo tatuado, en cuanto comportamiento mágico y ancestral. En definitiva, un trabajo alejado de lo convencional, que nos sorprende por su fuerza e imaginación, que nos deja a un paso de la indefensión más absoluta. ROSALÍA TORRENT - UNIVERSITAT JAUME I

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_Facultad Bellas Artes Alonso Cano Granada_

Casas Gemelas. Jardines de Jabalcuz Excmo. Ayuntamiento de Jaén Del 16 al 30 de Mayo de 2011 Comisario: Belén Mazuecos

“De la fotografía estenopeica a la imagen pixelada”

La Facultad de Bellas Artes de Granada –Alonso Cano- se suma, en esta edición, a la Bienal de Fotografía de Jaén “FotoJaén 2011” promovida por la Galería de Arte Contemporáneo UnodeUno, aceptando gustosamente la invitación extendida por su director, David Martínez, con objeto de visibilizar la producción fotográfica emergente generada por nuestros alumnos. Esta actividad consolida la relación iniciada con la galería organizadora el pasado año, al integrarse nuestro centro en el Proyecto “PhotoGranada2010”, 1ª Bienal Internacional de Fotografía y Artes Audiovisuales de Granada, albergando en nuestra sala de exposiciones la muestra del artista Ilan Wolff “La magia de la fotografía”, que completaba una sugestiva cartografía de la creación fotográfica reciente, diseminada por distintos museos, galerías, centros de arte y espacios expositivos de Granada y su provincia. Fruto de esta relación simbiótica entre Facultad y Galería, la complicidad se estrechó aún más, al participar UnodeUno en la III Feria de Arte Contemporáneo de la Facultad de Bellas Artes FACBA’11, un evento que tiene como principal objetivo convertirse en punto de encuentro de los distintos agentes que intervienen en el mercado artístico y servir de impulso al arte más actual, tendiendo un puente entre el ámbito académico y el espacio profesional.

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Facultad BBAA Granada

La economía informacional de las sociedades del conocimiento, ha traído aparejada la incorporación de las nuevas tecnologías de la información como medio de expresión en el arte actual; La fotografía se convierte, de esta forma, en una herramienta eficaz que vehicula el pensamiento del artista posmoderno. Bajo las nuevas condiciones en que se desarrolla el arte (un complejo contexto interculturalizado donde las fronteras se permeabilizan, las coordenadas espaciotemporales se disuelven y a los flujos migratorios tradicionales se añaden las peregrinaciones virtuales a través de la red de redes, protagonizadas por un nuevo perfil socio- demográfico, el nómada sedentario), el artista se convierte en un perpetuo viajero (físico o mental) que se nutre de la “otredad”: La inmediatez de la cámara fotográfica captura instantáneamente los cambios que se producen en la cultura, convirtiéndose en la prótesis aliada del artista. Los 12 fotógrafos seleccionados en esta muestra, utilizan el medio fotográfico de forma muy distinta, ejemplificando la infinidad de posibilidades que éste ofrece: desde la cámara estenopeica hasta la sofisticada fragmentación en píxeles de la imagen digital, pasando por la situación intermedia de la fotografía analógica positivada e intervenida con distintas técnicas en el laboratorio. Por otro lado, los formatos y modos de presentación de las piezas son tan variados como las temáticas utilizadas. Los artistas actuales tienen a su disposición fuentes múltiples para inspirarse pero César González, como Alberto Martínez Bracero, han optado por su propia cotidianeidad, tomando como objeto de estudio su propio entorno. Sin embargo, la realidad que representa el primero aparece contaminada por inquietantes imágenes oníricas o recuerdos indelebles tergiversados, que construyen una suerte de realismo mágico donde la realidad y la ficción se entremezclan; mientras que el segundo, compone amables estampas que evocan distintos aspectos de la existencia humana. Por su parte, Lorenzo de La Cruz, captura con su objetivo fotográfico el espejismo inestable de un pasado reciente, rastreando su propia genealogía y catalogando los registros obtenidos con la meticulosidad y el escrúpulo de un riguroso arqueólogo, hasta recomponer un exhaustivo mapeado de los cortijos en ruinas del término municipal de Villanueva de la Reina (Jaén), su pueblo natal. De esta forma, logra escrutar una realidad cercana, recogiendo asépticamente datos del campo, para rescatar la Memoria Histórica del lugar y, -con ella-, su historia de vida. La identidad se reconstruye, de esta forma, a través del sentido de pertenencia a un lugar. También la identidad es el argumento central que articula las piezas de Irene González Navarro y Manuel Bru. La serie “A través del espejo” de la primera, explora la identidad de la artista desde la perspectiva de género, recurriendo a un proceso cruzado de revelado para obtener imágenes de irreales y exultantes colores que reproducen fetiches vinculados al universo Facultad BBAA Granada

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femenino, como los zapatos de tacón. Manuel Bru, por su parte, recupera las estrategias de la mascarada y el simulacro para mimetizarse con la naturaleza y hallar su propia esencia. La performance del hombre-pájaro, -condensada en un soporte tangible gracias a la magia de la fotografía-, evoca otro tipo de magia: en este caso, la magia simpática del chamán de la tribu, figura con la que el artista se identifica y que sugiere un valor catártico y curativo del arte. Pablo Ruiz, aspira a convertirse en un cronista de su tiempo y de su contexto inmediato, retratando los distintos modelos de familia a través de coloristas fotografías de interiores de frigoríficos que ofrecen una relectura de nuestro sistema de parentesco. Del entorno doméstico de Ruiz viajamos a los destinos lejanos de José Luis Mora Rozalén, que interpreta con sus fotografías la otredad, comportándose como un atento etnógrafo que recurre como método de estudio a la antropología visual sin renunciar al exotismo de otras culturas. Cristina Mochón y Leticia Vázquez configuran sugerentes imágenes casi abstractas donde el referente real se diluye, igual que la tinta lo hace en el agua en las composiciones de ambas. En el caso de Cristina, las piezas describen metafóricamente el proceso degenerativo de la enfermedad del Alzheimer; mientras que en el de Leticia, la tensión superficial del líquido coloreado vertido sobre distintas texturas, sugiere la morfología de la epidermis. Un sugestivo connubio entre figuración realista y abstracción que abre nuevas prospectivas de investigación a nivel sintáctico y semántico, atraviesa el trabajo de ambas autoras. Jesús Montoya Herrera y Cristina Capilla, recurren al cuerpo humano como objeto de estudio, estableciendo un maridaje perfecto entre tradición y modernidad, pasado y presente. Ambos trabajos comparten el uso del blanco y negro y la ortodoxia del enfoque; pero mientras que la templanza de la carne mórbida casi puede palparse en los fragmentos de cuerpos inmortalizados por Montoya, las fotografías de Capilla remiten a la frialdad de las esculturas marmóreas clásicas, neutralizando cualquier signo de vida. Finalmente, Dulce González Amate dirige su mirada a otro tema de la fotografía por antonomasia: la arquitectura, articulando ambientes imposibles en sus “Escalopeicas”, fotografías estenopeicas de escalinatas de edificios impresas en copia digital, que encuadran espacios dúctiles y maleables expandidos hasta el infinito.

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“Foto Jaén 2011”, en definitiva, engarza perfectamente con el compromiso de la Facultad de Bellas Artes de Granada de transcender los umbrales universitarios, transfiriendo conocimiento a la sociedad y proyectando los resultados de la formación, la innovación y la investigación artísticas al contexto más próximo, cumpliendo con su papel de agente dinamizador social y cultural. De esta forma, nuestra participación en esta interesante iniciativa -a la que auguramos un éxito dilatado en el tiempo-, consiente la toma de contacto de nuestros alumnos con el tejido profesional del arte y su confrontación con un público más amplio y diverso, presentando en la ciudad de Jaén una oferta fotográfica plural y diversa. Sólo me queda agradecer a los organizadores de este magnífico evento su intenso esfuerzo y entusiasmo y felicitar a todos los artistas seleccionados por la calidad de sus trabajos.

Belén Mazuecos Vicedecana de Cultura. Facultad de Bellas Artes. Universidad de Granada.

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Lorenzo de la Cruz

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Manuel Bru

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Pablo Ruiz Gonzรกlez

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Cristina Capilla

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César González Martín

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Cristina Monch贸n Ortega

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Alberto MartĂnez Bracero

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Leticia Vรกzquez Carpio

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José Luis Mora Rozalén

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_mario gutiérrez cru_ «SIN COMENTARIOS...» Varias calles de Jaén 31/JUNIO de 2011

Sin Comentarios es parte del proyecto Breaking News preparado por el artista Mario Gutiérrez Cru de modo específico para la ciudad de Jaén, con el concepto de censura. Se trata de un trabajo de campo en el que se ha documentado los edificios más representativos y el casco viejo de la ciudad, para después tachar sus logotipos, sus textos y cualquier información visual, dejando vacío de contenido ajeno al anonimato de un espacio que no vende nada, que solo de manera cruda, muestra su estructura básica (arquitectura exterior e interior, junto a una posible interpretación visual de su función). De esta manera, sin información, es el espectador el que tiene que construir en su cabeza un posible recorrido por una ciudad alengüística, en el que las edificios se diferencian por su contenedor, no por su contenido. Una suerte de <no ciudad> o de <no lengua>, donde Italia, Francia, España, Portugal, República Dominicana, China, Cuba, Marruecos, Irlanda, Países Bajos, Bélgica son los posibles No lugares. Esta exposición se completará con una acción de llevar de nuevo estas imágenes a los espacios públicos de Jaén, a modo de pegada de carteles publicitarios, ironía ante el uso contrario al propuesto por el artista, con su borrado de publicidad y simplificación visual casi arquitectónica. Este proyecto parte de los conceptos: tachar, negar, cerrar, no mirar, parar, olvidar, borrar, ocultar, no permitir, no decir, no sentir, impedir, inutilizar, increpar, anular, suavizar, revocar, sancionar, hacer notar, saquear, molestar, vaciar, silenciar, posicionar, trampear, cosificar, simplificar, tapar, ladear, ningunear... La obra que presenta no es más que negación, censura y auto-censura de la cotidianidad más inmediata. De una sociedad en repetición y en negación. ¿Para qué leer lo que nos cuentan?, ¿Para qué oír lo que nos contamos?, ¿Dónde podemos encerrarnos a no ver?, a no hacer... 248

Mario Gutiérrez Cru

Los motivos desaparecen y se uniforman, Milán cuenta lo mismo que Madrid, París o Lisboa, las diferencias sólo están en quiénes lo han leído, se han enterado de lo ocurrido y ya lo han olvidado. El mundo entero suelta ideas que quizás nunca deberíamos leer, quizás el desconocimiento de causa no inhibe de la sanción. Quizás nuestro vacío no pone solución, no da consejos, no mejora nuestra visión, no cambia nada, sólo niega, borra y sanciona. La crítica está servida, pero ¿es una crítica a quién? Desde siempre la censura ha servido para no dejarnos ver la realidad, pero cuando la auto-censura la ejercemos nosotros mismos para no enfrentarnos a ella, ¿Dónde reside el problema?, ¿Cómo solucionar el ·no· problema?. Quizás todo esto no sea más que un posicionamiento incoherente que no lleva a ninguna parte... Mario Gutiérrez Cru

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_tomás fernández_ «MY PSYCHEDELIC WORLD» Calles de Jaén Plaza Dean Mazas - Plaza del Pato. Jaén Mayo de 2011

El Mundo Psicodélico de Tomás Fernández Tomás Fernández, artista jiennense multidisciplinar, ha pasado la mayor parte de su vida experimentando, buscando el desarrollo total de sus pensamientos creativos a través de las variopintas formas que la expresión artística permite. Entre las corrientes que practica con asiduidad destacan el pop, el expresionismo, el dadaísmo y, por supuesto, el surrealismo. Con afán de alcanzar el culmen de su desarrollo creativo, hace uso de todas las técnicas posibles, estimulando al máximo su capacidad de invención plástico-gráfica: dibujo, pintura, escultura y arte digital son sus principales herramientas. Esta combinación de técnicas sirve al artista como revulsivo contra la repetición y el tedio. Nunca repite una obra. Todas son frutos únicos de su creatividad. Actualmente se dedica a animar esos pensamientos con un trabajo audiovisual de tendencia psicodélica, ya que cree que ésta es la forma última del arte underground, a cuya generación pertenece con orgullo. Sus obras han estado presentes en salas de toda España y parte del extranjero. Ha obtenido diversos premios de ilustración, dibujo y pintura, aunque no considera a éstos como motivos para vanagloriarse, ya que, según sus palabras: “Como dijo el dramaturgo: la vida es sueño… y los sueños, sueños son”. Aunque se considera bastante reacio a exponer en su ciudad natal, es para él un agrado hacerlo en el marco de la II Bienal Internacional de Fotografía y Artes Audiovisuales de jaén, esperando que su trabajo sea examinado por su gente, quienes, al fin y al cabo, son los que verdaderamente le importan. Paz Madrid Periodista Cultural

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_sebas bautista_ «180º DE BERLIN»

Projet-Wall Casa de Artistas. C/ Vacas de San Juán, 9. Jaén Del 19/MAYO al 15/JUNIO de 2011

Sebas Bautista estudió Arte Final y Diseño Gráfico en la Escuela de Artes y Oficios José Nogué de Jaén, donde actualmente cursa el grado superior de ilustración. La pasión por la fotografía le viene de familia; su padre dedica gran parte de su vida a la ella, por lo que es un arte que lleva en la sangre. Tanto es así que todavía recuerda con cariño su primera máquina, una automática de color rojo que él le regaló de pequeño.

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Sebas Bautista

Para ejercer su profesión como diseñador gráfico, la fotografía cuenta más como recurso que como fin en sí misma, aunque sus trabajos se orientan al sentido fotográfico. En sus viajes siempre va acompañado de una cámara. Disfruta realizando instantáneas de todo lo relacionado con arquitectura urbana, paisajes y detalles. Uno de sus formatos preferidos, muy presente en su obra gráfica, es el panorámico. 180 Grados de Berlín es una buena muestra de ello. La música es otra de sus pasiones: vive dedicado a ella. Toca la guitarra, la batería y el teclado. Su trayectoria es prolongada; desde su primer grupo, Depressed, forjado a principios de los 90, hasta Xkrude, con los que ahora cumple trece años y espera editar su cuarto disco de estudio. Además de ser guitarrista de la banda, realiza para ella todo lo referente a su imagen oficial: diseño de portada de discos, camisetas, cartelería, portal web y publicidad en general. Es importante resaltar esta cualidad artística puesto que en su obra fotográfica es crucial la armonía de la composición, a entender como símil simbiótico entre la habilidad de crear música y la musicalidad de su creación gráfica. Paz Madrid Periodista Cultural

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_pabloskij_

«TÍTULO» Universidad Popular Municipal de Jaén Projet-Wall Sede Sabetay C/ Santo Rostro nº 4. Jaén Del 24/MAYO al 15/JUNIO de 2011 Siempre hay una primera vez. En esta ocasión la organización de FotoJaén’11 ha invitado a partcicipar al joven artista Pabloskij. Cordobés de nacimiento (19??), actualmente reside en Madrid, donde realiza su actividad profesional (docente) y artística, tanto en el mundo de la fotografía como en el de la música. Autodidacta, es un apasionado de los viajes... y de la búsqueda del “instante”. Con esta su primera exposición individual pretendemos colaborar con nuevos valores que, bien por falta de recursos, bien por su juventud, aun no han tenido ocasión de dar a conocer sus trabajos. Con ello la Bienal cumple su objetivo de promocionar jóvenes artistas andaluces ofreciendoles la oportunidad de presentar sus proyectos, de igual a igual, junto con artisas considerados “consagrados” . Esperamos y confiamos en que esta nueva promesa de la fotografía se consolide como valor emergente, y le animamos a seguir trabajando e investigando en este difícil y complejo (y a veces gratificante) mundo del arte contemporáneo. Juan Ramón Fdez. Puñal Director Artístico FotoJaen’11

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_camille chotard_ «LES OMBRES II» Universidad Popular Municipal de Jaén Project-Wall Sede Sabetay C/ Santo Rostro nº 4. Jaén Del 24/MAYO al 15/JUNIO de 2011

Bajo el título de “Les ombres II” la fotógrafa francesa Camille Chotard (Le Mans, 1987) hace una incursión por el mundo de la sombra del ser humano, intentando dar respuesta a la pregunta ¿quién es esclavo de quién?. Esta joven fotógrafa vuelve de nuevo a nuestra tierra tras dos años de ausencia expositiva. Con su cámara define lo que permitimos que sea “real” y nos revela verdades ocultas de sí mismas. Sus fotografías nos dicen: Esto existe. Y eso. Y aquello... Y todo es humano. La fotografía de Chotard no pretende coleccionar instantes irrepetibles. Ella no entiende la imágen como una captura, sino como palabra poética, como la reinterpretación de nuestros escenarios cotidianos ya olvidados, en los que el desconcierto nos acompaña a cada paso, estableciéndose una danza con la realidad que nos sitúa en la frontera de lo posible y lo imposible. Después de una amplia actividad expositiva por España, Francia e Italia, Camille Chotard presenta en la sección Projets-Walls de esta 2ª Bieal la metáfora de su recorrido vital, volviendo de nuevo a presenarnos de forma sutil el “autoretrato” de su sombra.

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Camille Chotard

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_antonio barroso_ «MANIACS VIII»

Project-Wall Albergue Juvenil de Jaén C/ Borja s/n. Jaén Del 15/MAYO al 15/JUNIO de 2011 En el universo artístico, la fotografía, el arte de escribir con la luz, se parece cada vez más a ese círculo cuya circunferencia está en todos lados y su centro en ninguno. Está tan presente, resulta tan familiar, que apenas la vemos y, menos aún, la pensamos. Esta dilución de la fotografía en las diferentes esferas de la vida explica también su extrema heterogeneidad. Si exploramos este acoso de la cantidad, imposible no quedar sorprendidos por el colosal estallido de sus propuestas múltiples, por la opulencia icónica de la sobremodernidad: el documento, el fotoperiodismo, el retrato, la abstracción o las alquimias prodigiosas de la era digital, no anulan ni invalidan la singularidad, la identidad del imaginario, la manera de mirar de cada creador que, como ocurre con el principio de incertidumbre de Heisenberg, construye la realidad con la mirada. De esa fecundación de lo mirado por los ojos brota la admiración como un milagro: una nueva realidad que llamamos arte. La presión sobre el fotógrafo para encontrar su propio marchamo, para exacerbar su subjetividad, ha forjado un lenguaje lleno de sutilezas en el que se han disuelto del todo las huellas de la pintura que hechizó a los pioneros de la cámara oscura. “Maniacs” es una fiesta de la mirada, un panorama de lo prevalente, lo emergente y lo insospechado; una celebración de la pulsión escópica a través de técnicas, piscologías, experiencias y destellos singularísimos. Rimbaud quería “cambiar la vida, cambiar la historia”; pero para cambiar la vida, es necesario empezar por cambiar la vista, una profunda modificación de nuestro régimen de visión que ya empezó con los fotógrafos retratistas, continuó con el naturalismo y ha explosionado como un acontecimiento sin más límites que los de la humana imaginación. Pilar V. Algarra Presidenta de la Fundación InspirArte Directora de La Alquería de los Artistas 268

Antonio Barroso

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_stephanus meyer_ «SOMBRAS DEL ALMA, VIAJE HACIA NINGUNA PARTE» Sierra Mágina Denominación de Origen CR Ctra. Mancha Real-Cazorla s/n Bedmar (Jaén) Del 24/MAYO al 15/JUNIO de 2011

“Generación va, y generación viene; mas la tierra siempre permanece. Sale el sol, y se pone el sol, y se apresura a volver al lugar de donde se levanta. El viento tira hacia el sur, y rodea al norte; va girando de continuo, y a sus giros vuelve el viento de nuevo. Los ríos todos van al mar, y el mar no se llena; al lugar de donde los ríos vinieron, allí vuelven para correr de nuevo. Todas las cosas son fatigosas más de lo que el hombre puede expresar; nunca se sacia el ojo de ver, ni el oído de oír. ¿Qué es lo que fue? Lo mismo que será. ¿Qué es lo que ha sido hecho? Lo mismo que se hará; y nada hay nuevo debajo del sol. ¿Hay algo de que se puede decir: He aquí esto es nuevo? Ya fue en los siglos que nos han precedido. No hay memoria de lo que precedió, ni tampoco de lo que sucederá habrá memoria en los que serán después.” Eclesiastés

El alma del fotógrafo se enciende con la luz. La luz lo es todo. Hace que haya sombras, contrastes, tonalidades y da vida. Es el agua del fotógrafo y cada imagen es la sombra del alma de aquel que se atreve a capturarla. Es un viaje casi espiritual que nace, no se puede comprar ni cambiar. ¿Cuándo comenzó el viaje? ¿Qué viaje? Ya no me acuerdo, sólo se que el campo estaba húmedo, la escarcha en el suelo, y el viento que soplaba del norte traía frío, mucho frío. Y la luz, sobre todo la luz, se quedó clavada en la retina de mi cámara y el viaje comenzó. ¿Hacia dónde? Que mas da. Al final del camino solo quedarán las sombras, las sombras del alma de mi viaje a ninguna parte.... Casi fantasmal cada disparo guarda un instante de lo que era y ya no es más. 270

Stephanus Meyer

Esta serie está inspirada en la campiña andaluza, con sus largos caminos serpenteantes que se extienden y desaparecen en la distancia, los campos abiertos, la forma en que cae la luz, los cielos nublados, tormentosos y a veces despejados y puros y la belleza de su simplicidad y casi siempre tan complejo. A veces una imagen no es sólo lo que vemos y lo que fotografiamos, pero también puede surgir de la profundidad de nuestra imaginación que al mismo tiempo, son nuestros sueños. En mi búsqueda desesperada por fotografiar cosas nuevas a lo largo de estos últimos 30 años el camino siempre me ha enseñado que no hay nada nuevo, sino que caminamos en círculos, fotografiamos lo que otro ya ha fotografiado con la diferencia de cómo cae la luz sobre el alma del que sostiene la cámara. Stephanus Meyer

Stephanus Meyer

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AGRADECIMIENTOS Una vez más no podemos (no queremos) dejar de agradecer el trabajo, ilusión, dedicación y tiempo de todos y cada uno de los artistas, colaboradores, técnicos, instituciones, organismos y galerías que han osado participar y hacer realidad esta segunda edición de FotoJaen... ... ni el de todas aquellas personas que han querido permanecer en el anonimato. Y de una forma muy, muy especial, a Torregar, con quien siempre estaremos en deuda.

DES-AGRADECIMIENTOS Tampoco podemos (ni debemos) dejar de denunciar la falta de interés, trabajo, ilusión, dedicación, compromiso, tiempo, apoyo moral y comprensión de todos y cada uno de aquellos que, mirando para otro lado, no quisieron o no supieron apostar por esta segunda edición de FotoJaen... ... estaría de Dios.

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Un proyecto de:

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Unodeuno Galeria de Arte Contemporáneo C/ Puerta de Martos, 46. 23004 Jaén Ring: (+34) 600 813 455 www.galeriaunodeuno.es info@galeriaunodeuno.es

Actividad realizada con la ayuda del Ministerio de Cultura

Depósito Legal: J-575-2011 ISBN-13: 978-84-614-9192-6