LA FOTOGRAFÍA EN EL DISEÑO EDITORIAL
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¿Qué es el Diseño Editorial? Origen y origen de la imprenta Etapas del diseño editorial Elementos del diseño editorial Importancia del diseño editorial Que es la fotografía Origen de la fotografía Características de la fotografía Tipo de fotografía La fotografía en el diseño editorial La retórica visual de las imágenes en diseño gráfico Tipos de fotografía en el diseño editorial Función de la Fotografía Jerarquía visual y ritmo en las fotografías del diseño editorial Reglas de composición Psicologia del color La importancia del color en la fotografía
UNIVERSIDAD ESTATAL DE GUAYAQUIL Facultad de comunicación social Diseño Gráfico 4to semestre C1 Guayaquil, Ecuador Investigación y Elaboración Holguín García Daniela. Parrales Huayamave Jordi. Morales Miranda Silvia. Rosado Alvarado Emily. Jiménez Conforme Pedro.
Presentación El presente trabajo es el fruto de nuestra ardua investigación, donde hemos consultado numerosas fuentes, versiones y puntos de vistas de conocedores en cuanto al Diseño Editorial se trata, nuestra curiosidad sobre la fotografía dentro del Diseño editorial hizo que saltaran a la mesa numerosos temas que van de la mano de nuestro tema principal, y nuestro grupo de trabajo hizo lo posible para tratar de abarcarlos lo mejor posible, creando así una pieza Editorial muy completa y amena desde nuestro punto de vista.
Introduccción Se dice que una imagen dice más que mil palabras, y es así, no hay mejor medio para transmitir información como son las imágenes y las fotografías, toda buena pieza editorial cuenta con fotografías, imágenes o composiciones que van al mismo nivel de esta. He ahí el punto central de nuestra investigación, queremos abordar tantas interrogantes sobre “La Fotografía Dentro Del Diseño Editorial”. Si sabes hacer tu trabajo de forma correcta, podrás saber cómo sacarle todo el provecho posible a una imagen, la cual puede cumplir de perfecta manera la función comunicativa como la función decorativa, creando un balance perfecto entre ambas funciones. Debemos tener los conocimientos necesarios en fotografía y edición de imágenes nos permitirá crear nuestras imágenes, crear composiciones que acompañen la información que se trata de transmitir en nuestra pieza publicitaria. Además de componer se debe tener conocimiento sobre los derechos de una imagen cuando esta es obtenida de la internet, por esto y muchas otras razones las editoriales tienen un departamento destinado solo a las imágenes y fotografías que irán en su proyecto. Esperamos que nuestro contenido les sea útil y entendible para poder facilitarles el entendimiento sobre el rol que la fotografía desempeña en una pieza publicitaria.
¿Qué es el Diseño Editorial? El Diseño Editorial es la estructura y composición que forma a libros, revistas, periódicos, catálogos, caratulas, volantes, afiches, entre otros. Es la rama del diseño gráfico que se enfoca de manera especializada en la estética y diseño tanto del interior como el exterior de los textos. Cada tipo de publicación tiene necesidades de comunicación particulares. Ningún proyecto de línea editorial puede parecerse al de otro salvo en aspectos generales. Hay un tipo de diseño único para cada tipo de publicación, por lo cual se requiere de profesionales capaces de alcanzar un equilibro simétrico entre el texto y la parte gráfica.
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Origen y origen de la imprenta Antes de hablar de los orígenes del diseño editorial, es indispensable mencionar el inicio de la impresión. Hace miles de años se utilizaban piedras para sellar, era la forma más conocida de impresión. Los artefactos estaban hechos por sellos y tampones para imprimir sobre arcilla o piedras con dibujos tallados o grabados en su superficie.
La cultura de oriente (China, Japón) desarrollaron el arte de imprimir textos. Era algo muy novedoso para ellos, ya que desde un par de siglos atrás ya se utilizaba la impresión de grabados y dibujos en otras culturas. Hubo dos factores importantes que influyeron en el desarrollo de la imprenta en China, uno de ellos fue la invención del papel en el 105 d.C. y la difusión de la religión budista. En Europa mediados del siglo XV, se desarrollaron los primeros tipos móviles de metal, donde se imprimía sobre papel con una prensa. Mientras que los impresores orientales utilizaban tintas solubles en agua, los europeos utilizaron tintas diluidas en aceites.v
La imprenta evolucionó desde el método del tampón hasta el proceso de imprimir en prensa. Los libros que se hacían a mano con tinta aplicada con una pluma o pincel constituyen una característica notable de las culturas griega, egipcia y romana.
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Una de las personas más importantes en la historia del diseño editorial es Johann Gutenberg, natural de Maguncia (Alemania), quien es considerado como el inventor de la imprenta en occidente. Sus libros y en particular el ejemplar conocido como la “Biblia de Gutenberg” sobrepasaban en maestría y belleza a todos los libros que le precedieron. Con Gutenberg se da la sustitución del libro
manuscrito por el libro impreso. Durante el siglo XIX, se desarrolló la prensa accionada por vapor, la prensa de cilindro que utiliza un rodillo giratorio para prensar papel contra una superficie plana; la rotativa en la que tanto el papel como la plancha
curva de impresión están montados sobre rodillos y la prensa de doble impresión que imprime ambas caras del papel. A finales del siglo XIX y principios del siglo XXI, las artes gráficas fueron una de las manifestaciones más importantes del movimiento latinoamericano llamado «Modernismo». La tipografía, la composición y la ilustración fueron factores importantes para esta área del diseño editorial. En el Modernismo, el diseño editorial fue un gran protagonista. Actualmente, gracias a las técnicas de impresión que surgieron, fue mucho más fácil reproducir diferentes medios de diseño editorial como lo son las revistas, periódicos, catálogos, folletos, etc. El uso de nuevas tecnologías como mejores computadores y programas para diseño editorial ayudan a los diseñadores para crear todo tipo de presentaciones a los lectores.
Etapas del diseño editorial 3
El diseño editorial debe pasar por varias etapas hasta convertirse en un producto finalizado. De esta manera, encontramos varios pasos dentro del proceso de creación.
tanto se dará forma al tipo de tipografía que se va a usar, el tipo de papel, el formato o la retícula, entre otros. Es la etapa más larga y trabajosa, pero es en la que se dará forma a la idea de la fase anterior.
Estas etapas son: creación, edición, diseño y producto editorial. •
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La creación es la etapa en la que se define el tema en base a la información o al mensaje que se quiere comunicar al lector a través del diseño, por lo que es fundamental que este paso sea lo más ajustado a la realidad posible para que así lo sea también el producto final. Por tanto, se deben evaluar aspectos como el mensaje, el contenido, si es o no una publicación especializada, etc. Todos los detalles son necesarios en esta etapa, como quién es el lector final o el segmento al que va dirigido, la idea que dará forma al producto final durante la siguiente fase. La edición comprende los distintos elementos gráficos que se incluirán en a publicación. En esta fase por
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El diseño es la fase en la que todos los elementos anteriores toman forma y se pulen para conseguir el producto final antes de la producción.
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La producción es la última fase del diseño editorial. Es la parte en la que se realiza la publicación, por lo que el producto puede pasar por imprenta o publicarse directamente en digital.
Elementos del diseño editorial Al momento de realizar un diseño editorial hay que tener en cuenta los aspectos clave que ayudarán a transmitir la información de forma más efectiva. Esto se aplica a todos los tipos de publicación, son los elementos que unen todos los productos.
Entre estos elementos se encuentran:
a las cubiertas o algún elemento gráfico.
Tipografía
Elementos gráficos
La tipografía es un factor fundamental para la legibilidad y para conectar con lo que queremos expresar a través del texto. Por lo general, la tipografía se elige en función del tipo de publicación, su mensaje, el formato y el público al que se dirige. Hay que elegir una tipografía legible, sencilla y específica para cada tipo de publicación.
Además de imágenes, un diseño editorial puede contar en ocasiones con otros elementos como infografías, mapas, ilustraciones, etc. En este caso, suelen ser de gran ayuda para apoyar una idea de forma más gráfica que únicamente con texto.
Formato Este elemento define la forma y la dimensión de los productos finales, es decir, cómo será presentado al cliente. En este caso, la forma depende del tipo de publicación.
Color Se trata de un elemento que determina la forma de percibir lo que se quiere transmitir. Por eso las gamas de colores van desde los cálidos a los fríos, y la percepción es distinta según la forma de combinarlos. Es un factor clave en publicaciones como revistas o catálogos; pero en novelas o informes se reduce
La investigación del público objetivo Los gustos, atracciones, intereses, etc. del target hacia el cual está dirigido el proyecto editorial.
Retícula Se trata de una de las herramientas más importantes, ya que es el elemento que aporta coherencia al diseño. La retícula es la base de todos los elementos, pues es la herramienta que estructura el contenido y engloba al resto de elementos mediante subdivisiones horizontales y verticales. Todos los productos parten de una retícula que contiene los elementos dentro de las páginas y su
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complejidad depende del tipo de producto que se lleve a cabo. No es lo mismo una retícula para una revista que para una novela, pues la primera requiere de un diseño más elaborado.
Legibilidad Una característica esencial de cualquier texto es que sea agradable y fácil de leer. Si cansamos pronto al lector, no lograremos nuestro objetivo. Para ello hay que elegir una tipografía legible, sencilla y específica para cada tipo de publicación. En la actualidad contamos con modernos y sofisticados procesadores de textos, los cuales poseen completos portafolios donde encontrar la tipografía ideal. Eso sí, se debe tener paciencia y ser constante.
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Importancia del diseño editorial El diseño editorial, hoy en día es fundamental para que todos los implicados con la marca estén al tanto de la situación de la empresa. Este tipo de información puede ayudarnos a orientar las estrategias de comunicación tanto online, como offline. Y es que, la comunicación es importante dentro y fuera de la empresa. Por eso, contar con una buena representación gráfica ayuda a enviar mensajes en ambos sentidos. El diseño gráfico editorial y creativo es uno de los recursos más importantes para toda empresa que se comunique a través de prensa, publicidad, emails, boletines corporativos y cualquier otro contenido. Este tipo de canales, requieren de un mensaje relevante tanto en calidad de los contenidos como en la forma, ya que, si no es coherente con la marca, será difícil de reconocer por parte de los usuarios. La realización de un libro, artículo o cualquier formato no solo se basa en el contenido textual de la publicación. También, cumple un papel importante el soporte que lo contiene y cómo lo contiene: el formato y su diseño.
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Que es la fotografía La fotografía es la técnica de captar imágenes permanentes con una cámara, por medio de la acción fotoquímica de la luz o de otras formas de energía radiante, para luego reproducirlas en un papel especial.
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Los primeros experimentos de la fotografía proceden a finales del siglo XVIII, sólo los profesionales podían utilizar las cámaras que en esas épocas eran grandes y pesadas, ya para el siglo XX estaban accesibles para el público general, surgieron las cámaras fotográficas portátiles e instantáneas, además el color blanco y negro de las fotos pasó a ser de color. Hoy en día, existen las conocidas cámaras digitales, que con la ayuda del computador, se pueden obtener fácilmente las imágenes. Toda cámara fotográfica tiene una cámara oscura, la cual es una caja rectangular con un único orificio por el que entra la luz. La imagen se refleja en la superficie opuesta al agujero, sobre un lente de vidrio, que hace ver lo que hemos captado mucho más nítido, más claro. Posteriormente, dicha imagen se fija sobre la película fotográfica y se prepara para el revelado. En la actualidad, la fotografía desempeña un papel importante como medio de información, como instrumento de la ciencia y la tecnología, como una forma de arte y una afición popular. Con ella podemos recoger
momentos especiales y dejarlo fijos por mucho tiempo; ciencias como astronomía, física atómica, física nuclear, física cuántica, mecánica cuántica cuenta con la fotografía para sus estudios; y la prensa se sirve de ella como medio informativo.
Origen de la fotografía La historia de la fotografía es el recuento de las invenciones, hallazgos científicos y perfeccionamientos técnicos que permitieron al ser humano capturar por vez primera una imagen sobre una superficie fotosensible, empleando para ello la luz y ciertos elementos químicos que reaccionan con ella. La historia de la fotografía abarca desde el siglo XIX al XX, pero tiene muchos antecedentes en épocas anteriores. Es una de las tecnologías más revolucionarias que el hombre ha desarrollado. Su impacto se ha hecho sentir en las ciencias, las artes (incluso creando una nueva) y en la documentación histórica. Además, dio origen a tecnologías posteriores, como el cine, entre otras.
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Características de la fotografía • •
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Es estática. Se puede dar en diferentes colores y tonalidades como blanco y negro, color y sepia. Cuando son cámaras con rollo, posee un negativo que debe ser revelado con productos químicos para que pueda ser positivo. La luz es un elemento muy importante en la fotografía, pues no serviría de nada fotografiar un objeto a oscuras. Se han creado miles de tendencias en este campo: publicitaria, artística, personal, documental, etc.
La que alimenta la publicidad o el marketing, o sea, la promoción de bienes y servicios de consumo. Usualmente se la interviene digitalmente y se le hacen “correcciones” para hacerla más seductora.
Fotografía de modas Se toma en desfiles y eventos de moda, para mostrar prendas de vestir, peinados, maquillaje, etc. Va de la mano con la publicitaria, pero no suele hacérsele intervenciones digitales.
Fotografía documental Llamada también histórica o periodística, pues se hace con fines informativos, de reportaje, de valor histórico o de denuncia.
Fotografía paisajística
Podemos hablar de distintos tipos de fotografía dependiendo de su contexto:
Se toma para reproducir la belleza natural de un paisaje, ya sea una tomas aérea, terrestre o submarina. Suelen ser abiertas y de mucho color.
Fotografía publicitaria
Fotografía científica
Tipo de fotografía
Se toma a través de telescopios, microsco-
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pios y otras herramientas científicas, con el fin de mostrar lo que comúnmente no se puede a simple vista.
Fotografía artística La que se toma con propósitos estéticos o experimentales, como montajes, composiciones, etc.
Fotografía de retrato Equivalente a la pintura de retratos de épocas pasadas, tiene el propósito de mostrar a alguien querido, o célebre, o hermoso, en algún momento determinado de su vida.
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La fotografía en el diseño editorial La comunicación forma parte inherente a nuestras vidas, y es a través del diseño editorial como se divulga una gran parte de la misma. El diseño editorial es la rama del diseño gráfico dedicada a la, maquetación y composición de publicaciones tales como revistas, periódicos, libros, etc. Estrictamente, el acto de maquetar tan solo se relaciona con la distribución de los elementos en un espacio determinado de la página, mientras que el diseño editorial incluye fases más amplias del proceso, desde el proyecto gráfico, hasta los procesos de producción denominados preprensa (preparación para impresión), prensa (impresión) y posprensa (acabados). Podemos decir que en el conjunto de elementos que envuelven la realización del diseño editorial, consigue de una manera casi imperceptible hacer nuestras vidas un poco más agradables.
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Tradicionalmente, por fotografía editorial se entienden las imágenes que acompañan un artículo en una publicación. Ahora bien, las imágenes editoriales también pueden tener su propia vida e implicar una narrativa o condensar un concepto creativo. “Lo que la distingue de la publicidad es que presenta un elemento narrativo”, afirma la fotógrafa profesional Amanda López. A diferencia de la espontaneidad de una foto de un partido de fútbol o una concentración política, las imágenes editoriales precisan de una mayor planificación y preparación. Normalmente, cuando un artículo pone de relieve algún tema en concreto, como una persona, un desfile de moda o una obra arquitectónica, las fotografías que lo ilustran se han sacado siguiendo un proceso más íntimo o elaborado que resalte la narrativa. “La idea es capturar los momentos intermedios. Procuro centrarme no solo en la persona que está delante de mí cámara, sino en captar todo lo que la rodea” “Existen tipos de fotografía editorial muy distintos —comenta López—. Por ejemplo, mi enfoque editorial son las personas, pero
también hay fotógrafos de comida, fotógrafos de moda, fotoperiodistas... y a todos nos engloba el término genérico de ‘fotografía editorial’”. Además, las imágenes que aparecen en los artículos de las revistas y los periódicos suelen ser para un uso exclusivamente editorial, lo que significa que sus derechos de uso están limitados y que no pueden reutilizar en anuncios publicitarios. Aunque hay tipos concretos de fotografía que, por su propia naturaleza, tienden a ser más editoriales que otros, como es el caso de la fotografía de moda prácticamente cualquier sujeto se puede fotografiar con un estilo editorial. Los retratos editoriales pueden hacer énfasis en la vida o las pasiones de una persona, mientras que un editorial sobre moda podría centrarse más concretamente en una prenda o una línea de moda en particular. Al final, todo se trata de la historia que narres y del lugar en el que se alojará la foto. Si creas algo para el New York Times, tu estilo editorial no será el mismo que seguirías para Teen Vogue. Ten en cuenta siempre el cliente, el producto, la historia y el destino a
la hora de elaborar una fotografía editorial. En el caso de las imágenes editoriales, probablemente tendrás que ponerte en contacto con un director creativo, un editor de fotos o un editor para todo lo referente a una sesión de fotos. Pero antes de que puedas sacar la cámara y ponerte a trabajar, tienes que prepararte para el gran día.
Investiga sobre tu sujeto. Te interesa reunir toda la información que puedas antes de la sesión de fotos para poder llevar el material adecuado y planificar el tipo de fotografía apropiado. Procura plantear muchas preguntas, incluidas las siguientes: ¿de qué va la historia? ¿Quién es la persona o el sujeto? ¿Cuál es la atmósfera o el tono de la historia? ¿cómo se ha fotografiado antes a esta persona? ¿Y cómo puedo enfocarlos bajo una nueva óptica? El motivo es que siempre conviene crear obras nuevas y distintas. No te interesa que tus fotos se parezcan a las de otra persona”, indica López. Mientras indagas sobre tu sujeto, puedes empezar a hacer una lluvia de ideas para la sesión de
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fotos. En función del cliente y de la historia, probablemente tendrás una conversación sobre lo que el cliente quiere y necesita de la sesión. “Me sucede muy a menudo que opto por forzar los límites en vez de apostar sobre seguro, ya que prefiero que el cliente me pida que relaje un poco a que me indique que tengo que darle más vida”, asevera el fotógrafo Stephen Hudson.
Crea un panel conceptual. Con las sesiones de fotos editoriales, es imprescindible crear un panel conceptual, ya que mantiene a todos los participantes en sintonía con el objetivo de la sesión y la estética ideal. “Los paneles conceptuales son la forma más adecuada de traducir tus ideas en lo que quieres, pero no siempre puedes encontrar la imagen exacta. He visto a algunos fotógrafos que dibujan la idea principal casi como si fuera el guion gráfico de una película. Además, ayudan muchísimo a identificar la paleta de colores”
Trabaja los detalles
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Cuando hayas planificado la atmósfera y la estética, toca entrar en detalles. Aparte de preparar los materiales adecuados, de llevar el atrezo apropiado y de dar con el espacio perfecto, probablemente tendrás que hacer algo de papeleo. Si contratas a modelos o alquilas un espacio para la sesión, necesitarás formularios de autorización (como es el caso de los formularios de cesión derechos de imagen de los/las modelos y las propiedades). Estos formularios pueden proteger a tu cliente y garantizan que todo el mundo reciba una retribución justa.
Céntrate en la historia Durante la sesión de fotos, debes primar en todo momento la narrativa. “Evocar un sentimiento es un componente importante del proceso editorial. Debe percibirse como una historia personal”, asevera López. Te interesa que las imágenes sean una prolongación de la historia, así que procura hacer las fotos en el orden que te hayas marcado y no te despegues del plan.
Ten siempre una actitud respe-
tuosa. “El trabajo editorial es un privilegio. Entras en el espacio personal de la gente, y es un privilegio que alguien te deje entrar en su casa o en su mundo. Además, tienes que respectar el entorno, el espacio y a las personas con las que trabajas”, explica López. Desde el estilista hasta el director creativo, pasando por los modelos, procura tratar siempre con amabilidad y respecto a todo el personal que esté en el plató. De este modo, todo el mundo estará a gusto y podrás trabajar de forma más orgánica y colaborativa con tus compañeros.
Desarrolla tu propio estilo Todos los fotógrafos editoriales tienen una estética propia. “Mi obra fotográfica se caracteriza por una tonalidad bastante clara, así como por ser luminosa, audaz y directa. Esto es algo que salta mucho a la vista en lo tocante a mi estilo y constancia”, comenta Hudson. Juega con las fuentes de luz, los ángulos de la cámara y poses únicas para ver qué es lo que mejor encaja con tu estrategia. Tanto si te atraen las atmósferas luminosas
y alegres como los ambientes oscuros y dramáticos, este consejo puede ayudarte a desarrollar un estilo inconfundible que destaque entre la multitud. Imbúyete de tu lado más flexible. Inevitablemente, te toparás con problemas en el plató, así que prepárate para pensar con rapidez sobre la marcha y dispón de planes B. “Mi objetivo siempre es elaborar una foto que ponga de relieve lo mejor de la persona, que sea respetuosa y que cuente su historia. Además, este es un proceso colaborativo, por lo que, aunque tenga una serie de ideas sobre lo que pretendo hacer, puede darse el caso de que, al llegar al lugar y conocer a la persona, dichas ideas cambien”, explica López. Limítate a dejar que la historia guíe tus pasos durante la sesión de fotos, y entonces podrás crear imágenes editoriales estupendas.
No te olvides de la posproducción. Las fotos editoriales no son instantáneas que retraten el momento, por lo que normalmen-
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te tendrás que editarlas en posproducción. Procura tener a mano un software de edición como Adobe Photoshop Lightroom para retocar tus fotos y mejorar las imágenes. Si llevas a cabo la sesión de fotos en un espacio público, probablemente tendrás que editarlas para quitar objetos no deseados del fondo de las imágenes, como cubos de basura o farolas. Si quieres que todas las imágenes tengan la misma apariencia o atmósfera, también puedes experimentar con ajustes predefinidos personalizados para ahorrar tiempo al editar voluminosas tandas de fotos. Las imágenes editoriales ofrecen a los fotógrafos una forma de explorar su libertad creativa mientras cuentan una historia. Tanto si se trata de retratos, fotos de moda o conceptuales, introducir una narrativa en tu fotografía puede ayudarte a desarrollar tus habilidades y a aportar algo único a tu portafolio.
La retórica visual de las imágenes en diseño gráfico 16
Las imágenes son un recurso de comunicación visual importante para los diseñadores ya que logran transmitir mensajes con una inmediatez y persuasión que a veces el texto no consigue. Para que las imágenes resulten persuasivas y transmitan significados nuevos, el diseñador utiliza en muchas ocasiones la retórica visual. El uso de figuras retóricas visuales conlleva jugar con el significado de las imágenes que, más allá de su sentido literal, transmitirán mensajes, sensaciones y significados nuevos para los espectadores. En este post te hablamos de las figuras retóricas visuales que más se utilizan en fotografía, publicidad, arte, ilustración y en diseño gráfico en general. Cuando vemos un catálogo o un boletín de distribución periódica, podemos observar cómo conservan publicación tras publicación los mismos detalles, la misma estructura de diseño como son la misma familia tipográfica, los títulos en un mismo puntaje o tamaño de letra, las secciones conservan sus colores, los marcos de las fotografías y la letra de la descripción, las ideas resaltadas, entre otras cosas, se conservan, lo que se va
actualizando es el contenido y las imágenes. Aquí te iremos orientando para formar tus piezas gráficas con el mejor concepto. Si has decidido realizar tú mismo una revista, catálogo o una publicación de impresión periódica, debes empezar tomando decisiones sobre el aspecto interno y físico. El diseño interno, también llamado diseño editorial, engloba el conjunto gráfico para tener una homogeneidad en todas las ediciones. En la edición de imágenes en diseño editorial, nos referimos a la ubicación, impresión y aspectos relacionados con una buena edición y diseño de fotografías, dibujos, infografías, gráficos e ilustraciones en el formato a desarrollar en un proyecto gráfico, es necesario el uso de estos elementos gráficos en un diseño editorial, no debe ser un juego de azar su ubicación y menos el diseño de la imagen gráfica. La fotografía tiene que diseñarse antes de la toma fotográfica, en otras palabras, debe pensarse y editarse antes de colocar el ojo en el lente de la cámara. Se debe analizar desde su ubicación hasta su función. Se hace referencia a este punto porque es muy usual observar competencias
entre textos e imágenes en los diseños gráficos; en otras palabras, carece de edición. Es conveniente que la fotografía comunique de manera directa o complemente la nota, para que el lector amplíe la información de lo que se le está comunicando. El uso de este recurso gráfico es necesario estudiarlo y considerar ¿qué va a comunicar? y ¿cómo va a comunicar el mensaje? no se trata de “poner” una fotografía para llenar un espacio en el formato a diseñar, a nivel de composición, es importante ubicar dicho elemento de una manera que cumpla con el espacio apropiado para que tenga una buena legibilidad y se relacione directamente con los otros elementos gráficos a diseñar. Para un diseñador contar con una buena fotografía es necesario y primordial, ya que, puede disponer de esta a nivel de diseño, realizando ajustes necesarios para apropiarse de ella o de los elementos gráficos necesarios para su edición y las condiciones técnicas apropiadas para su reproducción. La fotografía es un arte, esto ya está comprobado, pero diseñar una fotografía con sus textos en un formato, lo es aún más, es ir más allá de la composición de un elemento gráfico y formar una unidad
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compositiva por medio de sus textos de manera que sean un solo elemento, donde no compitan entre ellos y logren una comunicación directa con el lector.Es conveniente y necesario ajustar las fotografías a la retícula; se debe recordar que estos elementos interactúan uno con el otro para que sean eficaces en la comunicación gráfica; es aquí donde la retícula logra su objetivo de ordenar los diversos elementos y ubicar el lugar a cada elemento en la composición y que no quede la fotografía “puesta” o compitiendo con otros elementos gráficos
Tipos de fotografía en el diseño editorial El reportaje En la fotografía de reportaje lo que se intenta es contar una historia con una serie de imágenes que han de ser informativas y que pueden ser documentales. Los reportajes cuentan con una narración, y las imágenes deben acompañar a este texto al tiempo que ilustran de manera estética lo que se está contando. En función del tipo de reportaje
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que estemos desarrollando, así será la fotografía adecuada para ilustrarlo.
La fotonoticia
La fotoilustración
Se considera fotonoticia una imagen de gran impacto por sí misma, independientemente del texto que la acompaña. Su carga emocional es tan fuerte que lo que se busca con ella es llamar la atención y provocar un sentimiento en el espectador.
Es una imagen generada ex profeso para ilustrar un tema. Puede ser una manipulación sobre una imagen o una ilustración generada de varias fotos. La imaginación es la que manda, y existen numerosos ejemplos de resoluciones muy estéticas.
El retrato
La producción o editorial de moda
Su función es reproducir el aspecto físico de una persona, intentando que no sea una imagen plana, sino que trasmita también rasgos de la personalidad de esta o de su estado de ánimo.
Una producción de moda se refiere a «crear» una serie de imágenes en torno a una inspiración o tendencia. La creación de estos reportajes lleva detrás mucho trabajo y un amplio equipo de gente. El origen de todo es una idea o inspiración, a partir de la cual se esbozarán una serie de fotografías de calidad, que pretenden sorprender y mostrar un cuadro idealizado, al tiempo que sirven de escaparate para enseñar prendas de moda. Suelen tener una puesta en escena compleja y cuidada (hay un equipo de producción detrás que se encarga de buscar localizaciones y organizarlo todo), puede haber un director artístico que, junto con la dirección editorial, desarrolle la idea, un equipo de estilistas, las modelos y el fotógrafo. El trabajo de todos
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cromatismos y el atrezo para conseguir imágenes bellas e interesantes.
y la calidad del resultado pueden hacer del editorial toda una manifestación artística. A veces, el nexo de todo puede ser una tendencia («se llevan los colores flúor»), contar una historia (un enamoramiento, un viaje, etc.) o buscar una inspiración en temas externos como por ejemplouna película, un pintor, etc.
El bodegón Es la fotografía de objetos inanimados, ordenados de una manera concreta en un espacio determinado. Normalmente, se busca de manera estética servir de escaparate de los objetos que se muestran. En revistas de alta gama, se crean imágenes imaginativas y efectistas en las que se juega con la luz, los
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La silueta Son fotos de objetos llevadas a cabo sin fondo ni contexto para un uso gráfico específico. Muchas siluetas se utilizan en catálogos, pero también dan mucho juego en otros contextos gráficos.
Función de la Fotografía Las imágenes son más que solo decoración. En diseño, son el gancho que atrae al espectador. Nos pueden ayudar a conectar con la audiencia y dar una buena impresión, antes de que lean una sola palabra.
Con los recursos correctos, puedes aprender a destacar tus diseños. Para iniciar, hay que encontrar imágenes de alta calidad para cualquier tipo de proyecto. Hay innumerables fuentes en internet que ofrecen imágenes exactamente para este propósito. La mayoría de personas, incluyendo profesionales, usan imágenes gratis o de bajo costo que se llaman “stock” o archivo. Estas son perfectas cuando necesitas algo específico, pero no tienes el tiempo o los recursos para hacerlo por tu cuenta. Muchos de los sitios de imágenes de archivo te permiten navegar en sus galerías. Busca resultados que sean relevantes para tu proyecto, pero que también sean únicos de alguna manera. Los espectadores están naturalmente atraídos a imágenes que se sientan auténticas; fotos distintivas, pero creíbles, e ilustraciones que cuenten una historia. Para un diseño más moderno y profesional, evita usar imágenes que no tienen contexto o son muy literales en su significado.
Tecnicidad de las imágenes Busca imágenes de alta calidad que sean nítidas, claras y libres de distorsión. En general, entre más grandes sean, tendrás más opciones para trabajar. Una imagen grande y en alta resolución siempre puede ser recortada o reducida, dependiendo de las necesidades del proyecto. Las imágenes vectorizadas, a las cuales puedes agrandar o reducir su tamaño, sin perder calidad. Esto es porque están hechas de algo más complejo que los pixeles. Son procesadas usando una forma especial de geometría.
Ajustes de imágenes Hoy en día, programas básicos permiten hacer ajustes simples, como los siguientes: •
Recortar: se puede usar para cambiar la medida, forma o enfoque de una imagen y volverla útil en diferentes situaciones. Esta opción es la adecuada si tu gráfico no tiene las dimensiones correctas o incluye algo que preferirías dejar de lado.
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especial. •
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Ajustes cosméticos: te permiten resaltar ciertas características de las imágenes, como la luminosidad, el contraste, la saturación y el color. Si tu programa favorito ofrece filtros o ajustes preestablecidos, puedes cambiar tu imagen drásticamente con poco esfuerzo y tiempo.
Cambiar tamaño: esta herramienta asegurará que la imagen encaje perfectamente en tu proyecto. Solo recuerda: no puedes agrandarlas más allá de su tamaño original sin afectar su calidad. Si la imagen con la que estás trabajando no es suficientemente grande, es mejor escoger algo diferente o buscar la forma de trabajar con el tamaño que tienes.
Añadir fotos, gráficos y otro contenido visual a tu trabajo es una buena forma de hacerlo entretenido. Incluso una imagen de fondo simple puede transformar tu diseño en algo
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Jerarquía visual y ritmo en las fotografías del diseño editorial Para entender el principio de jerarquía deberíamos remitirnos a las leyes de la Gestalt, que dicen que la visión establece un orden jerárquico por el cual el primer punto captado es el más importante. Podemos decir que «jerarquizar» es ordenar todos los elementos en función de una serie de parámetros que, en el caso del diseño, son visuales. Así pues, cuando hablamos de jerarquía en la composición, a lo que nos estamos refiriendo es al orden de importancia que establecemos entre los distintos elementos gráficos en la puesta en página. Cuando le damos más tamaño a un elemento, este gana considerablemente en importancia. La jerarquía es importante en un ámbito compositivo, sobre todo porque ayuda al observador a procesar la información presentada en el orden correcto. La jerarquía guiará la lectura de la información que se está presentando.
En diseño editorial, siempre se ha de tener en cuenta que las páginas no se trabajan de manera individual, sino que la doble página ha de concebirse como una unidad.
En la imagen, podemos ver un reportaje sobre Japón de la revista Woman. La distribución de los elementos se ha llevado a cabo de forma dinámica y ordenada, repartiendo el peso de los elementos gráficos. Todo el reportaje tiene una misma línea porque se ha trabajado como una unidad, y es importante que esto se note.
Reglas de composición 1.-Identifica el centro de interés Cada fotografía tiene un centro de intereses. ¿De qué es la foto? ¿Es una fotografía de tu novia? ¿Es una fotografía de las pirámides de Egipto? Debería ser obvio para cualquiera que mire una fotografía entender lo que queremos enseñar con la foto. Es lo que se denomina el centro de interés. Aunque se denomine centro, el centro de
interés no tiene que ser necesariamente el objeto que esté colocado en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen, pero de esto te hablaré más adelante.
La elección del centro de interés es la primera regla de una buena composición, ya que es la más importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el que quieres tomar la fotografía. Y a partir de ahí, todo lo que tienes que hacer es enfocar (o desenfocar) el elemento sobre el que quieras centrar el interés.
2.-Rellena el encuadre (Fill the frame) Esta regla puede parecer bastante obvia, pero lo cierto es que muchas veces fallamos al aplicarla.
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Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con ese «algo», asegurándonos que se convierte de este modo en el centro de atención. Además, de este modo eliminamos posibles elementos que resten atención. Es un fallo demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en una única foto. Al final, lo que conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que queríamos enseñar en nuestra fotografía. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, mejor quítalo.
3.-Apóyate en las líneas Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las líneas nos aportan formas y contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra.
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Cuando vayas avanzando en el mundo de la fotografía podrás comprobar cómo las líneas son uno de los elementos más eficaces a la hora de dirigir la mirada de quien contempla nuestras fotos hacia dónde queremos que mire. Las líneas horizontales, verticales y diagonales. Son elementos compositivos que
aportan significado a las imágenes. Un tipo especial de líneas son las líneas convergentes. Son las líneas paralelas que, por el efecto de la distancia, acaban convergiendo en un mismo punto.
4.-Trabaja el flujo Después de las líneas, podemos tratar el flujo. En fotografía, el flujo es el modo en el que la mirada del espectador se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de definir el flujo de una fotografía es mediante el uso de líneas. Pueden ser horizontales, verticales, diagonales, convergentes o divergentes. A veces el flujo creado por las líneas es nítido y claro, como los laterales de un edificio que convergen hacia el cielo), o pueden ser menos obvias. Sin embargo, la mirada del espectador debería ser capaz de recorrer los elementos de una parte a otra de la imagen. El flujo crea la ilusión de movimiento (o ausencia de movimiento si se desea). Las líneas diagonales se consideran generalmente más «dinámicas», mientras que las líneas horizontales y verticales se
consideran más “estáticas”. Un equilibrio cuidadoso de elementos estáticos y dinámicos dará un sentido global de movimiento a tus fotografías.
5.-Juega con la dirección La dirección es similar al flujo. También crea la ilusión de movimiento. Si hay algo en la fotografía que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve. Un ejemplo de esto son las luces de peatones de un semáforo. Cuando está en rojo para los peatones, la figura representa un peatón inmóvil, con las piernas juntas y los brazos bajados. Visualmente, no tiene ninguna apa-
riencia de estar en movimiento. Sin embargo, la figura del peatón en verde que permite cruzar tiene una dirección en la cual se está moviendo. La dirección en fotografía se puede crear de muchas maneras. Una figura a punto de cruzar una calle puede transmitir movimiento, aunque la veamos estática y no se muevan sus brazos y sus pies, porque podemos imaginarla un segundo después cruzando la calle. Del mismo modo, un coche que aparece cortado en el lado izquierdo de una fotografía en la que solo se ve su parte delantera, podemos imaginarlo un segundo después al lado derecho de la foto.
6.-Los elementos repetidos La repetición de algún elemento (unos globos, unos pájaros, ...), dan un sentido de relación de distintas partes de una imagen. Por ejemplo, una bandada de pájaros puede estar moviéndose en grupo por el aire, definiendo formas interesantes en el cielo y añadiendo información sobre la dirección de la fotografía. En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y
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el compañerismo.
7.-Los colores siempre dicen algo Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos. Los rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos. Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda de colores fríos. Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante en la composición en fotografía. Por último, debes saber también que en materia de colores hay que prestar atención también al contraste tonal. El contraste se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y oscuras de nuestra foto.
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8.-El interés de los grupos de tresv Parece existir una percepción especial de los números impares de la fotografía, y en especial de los grupos de tres elementos. Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una foto puede quedar demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos pueden resultar demasiados para distribuir. Por algún motivo que no alcanzo a poder explicar, a las personas nos gusta el número 3. En fotografía suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de interés.
9.-La regla de los tercios Ya escribimos un artículo que explicaba la regla de los tercios con más detalle. Si nos fijamos en obras de arte en cualquier museo, podremos comprobar que, si dividimos un cuadro en cuadrículas de igual tamaño de 3x3, las cuatro intersecciones de las cuadrículas dentro del cuadro marcan los puntos de interés.
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Trazando esta cuadrícula imaginaria sobre la mayoría de las obras nos daremos cuenta de que elementos fundamentales del cuadro recaen sobre esas intersecciones: ventanas y puertas, ojos, líneas de horizonte, picos de montañas, ... Está comprobado que llevando nuestro punto de interés a uno de esos cuatro puntos conseguimos una imagen mucho más interesante. De todos modos, las intersecciones marcadas por la regla de los tercios no son los únicos puntos de interés donde colocar tu centro de interés. Tienes también, por ejemplo, la proporción áurea. En este sentido, reseñar que existen cámaras que permiten visualizar en su LCD una rejilla (grid en inglés) para trabajar con los tercios, por lo que te animo a que revises el manual de vuestra cámara si consideras que te puede ayudar a la hora de mejorar la composición. También puedes reencuadrar la foto en el postproceso, con programas como Photoshop o Lightroom.
10.-El espacio negativo Se considera espacio negativo los grandes espacios vacíos, normalmente en blanco o negro, dentro de una fotografía, normalmente a un lado. El alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto de un espacio vacío nos permite transmitir una información adicional de soledad, aislamiento o calma a la imagen. Aunque no es un recurso que vayamos a utilizar habitualmente, no está de más conocerlo. Está enfrentada a la regla de composición consistente en rellenar el encuadre comentada más arriba en este mismo artículo.
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11.-Trabajando las tres dimensiones: frente y fondo El contenido del frente y del fondo de una foto es importante. Tanto en el fondo como en el frente tienen aplicación otros elementos compositivos como los colores o las líneas. Lo importante en el frente y en el fondo es que no haya demasiados detalles que puedan distraer la vista del espectador del centro de interés. La mejor herramienta con la que contamos para marcar la diferencia entre el frente y el fondo de nuestras fotos es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que utilicemos a la hora de hacer fotografías, conseguiremos mayor o menor nitidez en el fondo.
Otros actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista. Es el caso de las señales de tráfico o las ramas de los árboles, ... Cualquier elemento que “encierre” el centro de interés nos permitirá enmarcar la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado.
13.-Las curvas en S Las curvas en “S” son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la sensualidad. También transmiten movimiento y ayudan a conducir la mirada. En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en “S” en nuestras fotografías. Una carretera, un camino, el curso de un río, ... Son elementos visuales muy potentes que dan interés a la fotografía.
12.-El enmarcado natural Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de la foto. Algunos de estos elementos son muy claros, tapando completamente parte de la foto, como puertas, ventanas o puentes.
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Psicologia del color No era posible para este niño imaginar la tristeza de color rojo o verde. Por A. MARTINEZ CAÑELLAS El color habla a nuestros sentidos de manera mis precisa y más viva aún que la forma. Los niños son generalmente partidarios del colorido y de 10 brillante. Les gusta la luz, y sufren al estar en la oscuridad. Pero hay momentos en que escogen para sus dibujos 10s colores oscuros y las sombras, porque corresponden simbólicamente a su estado de ánimo de ese momento. Cada olor provoca en nosotros una reacción espontánea, cada uno tiene un sentido simbólico completo y concreto. Los colores oscuros son también empleados por el niño que quiere indicar su tristeza.
A modo de ejemplo: El azul es el más profundo y el más inmaterial de 10s colores. Es un color frio que produce calma y tranquilidad. El niño bueno y afectuoso utiliza a menudo el color azul, mientras que el niño nervioso y agresivo
prefiere el rojo.
La importancia del color en la fotografía En la fotografía, el color es uno de los principales elementos de composición, tanto así que el uso apropiado del mismo puede transformar el aspecto de una imagen, capturar la atención del observador, guiando su mirada hacia un punto especifico de la foto y ayuda a crear una conexión entre las personas y tus fotos. Capturar la atención del observador con el uso adecuado del color en las fotos Los colores brillantes y vivos tienen el poder de ayudar a guiar la atención del espectador por un largo periodo de tiempo. Aunque si sus ojos comienzan a vagar por la imagen, los colores intensos atraen la atención. Existen dos modos para atraer la atención de las personas. El primero podría ser usar un solo color vivo apara aumentar el impacto en un área de la imagen. El segundo podría ser usar muchos colores contrastados para crear
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un interés visual, como por ejemplo el uso de varias tonalidades de colores fríos o cálidos, para crear una interesante amplia gama de colores y una personal forma de edición.
La psicología de los colores Se consideran a los colores como generadores de emociones, es verdad que cada estimulo de color produce efectos en el sistema nervioso, pero es necesario también considerar que la psique humana no depende solo de factores neurológicos, sino que está constituida por una serie de energías conscientes e inconscientes.
res no pueden dejar de sentir la vitalidad que comunica este color. Una imagen de un paisaje que incluye mucho verde, puede evocar una sensación de renacer, de un crecimiento, o de un nuevo inicio. El color verde se obtiene mezclando una dosis de azul y amarillo, y en la naturaleza el azul es considerado como relajante, mientras que el amarillo dona un poco de energía. Por lo tanto usar el verde en tus fotos podría dar una sensación de armonía y equilibrio entre serenidad y excitación.
Cada personalidad tiene un modo de vivir las emociones y por lo tanto se puede interpretar de forma distinta los colores.
Verde: Es un color intermedio en el espectro entre el amarillo y el azul. El verde es el color del dinero. El verde es comúnmente asociado a la naturaleza, a la primavera, al crecimiento y cuando está presente en las fotos, los observado-
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Azul: El azul es el color del cielo. Es un color extremadamente calmante. Motiva a las personas a aumentar su energía, las personas que
se dedican a la producción lo harán mejor si se encuentran en una habitación azul.
observador a conectarse con la serenidad de un lugar frío.
Con frecuencia las tonalidades azules, tienden a provocar un efecto relajante en el observador. ¿Por qué? Piensa en donde se encuentra el color azul en la naturaleza, en un cielo sin nubes, en un lago en calma, en el agua del mar, todos estos factores ambientales tienen aspectos positivos y serenos, por lo tanto usando el azul en tus fotos podrás evocar el mismo estado emocional.
Amarillo:
Las tonalidades azules, también son asociadas al frío. Creando una foto de un fiordo lleno de de Icebergs, con el azul en la imagen, evocara una sensación de frío invernal también en este contexto, el azul tendrá un efecto relajante y ayudara al
El color del carácter solar, del idealista, de la iluminación. Nos lleva al movimiento y corresponde a una condición de libertad y desarrollo. Símbolo del sol, del oro de la sabiduría, pertenece a la esfera de la expansión, del idealismo y de la acción. El amarillo mejora la concentración y la velocidad del metabolismo.
El amarillo es usualmente asociado al calor, por lo tanto si quieres crear una imagen que evoque un estado emocional de alegría lleno de esperanza, usa el amarillo, pero de manera consciente, para no exagerar, ya que es un
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color intenso y muy luminoso.
Rojo:
Naranja:
Es el primer color del arco-iris, es el primer color al cual todos los pueblos han dado un nombre. Destaca el movimiento y la actividad, la luz roja tienen intervalos de longitud de onda más amplios y por tal motivo su vibración puede tener un efecto estimulante.
El naranja, como el amarillo, es muy vivo y enérgico y es usado por los fotógrafos para crear una imagen que transmita alegría. El naranja puede ser usado como medio para capturar la atención de los observadores, pero sin exagerar. En la naturaleza el naranja es asociado con los colores iridiscentes de las hojas en otoño. Por lo tanto su uso en la fotografía puede ayudar al observador a en-
El rojo es uno de los colores que tienen una infinidad de significados distintos que pueden influenciar notablemente tus fotografías. Por un lado, es asociado al calor del romance se puede tocar el corazón del observador llenándolo de pasión. Por el otro lado el rojo también se asocia al peligro y como resultado este captura la atención del espectador mucho más que cualquier otro color. De consecuencia, el uso del rojo en las fotos
tender el tema del cambiamiento. Los naranjas profundos pueden ser usados para dar a la imagen un cierto impacto pero siempre sin exagerar.
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debe ser con cautela. En particular los rojos muy luminosos, pueden sobrecargar la imagen y distraer al observador. Al mismo tiempo los rojos tenues como los que encontramos en los atardeceres, pueden ser muy agradables, sobre todo cuando estas acompañado por otras tonalidades cálidas y tenues, entre esas los naranjas y amarillos. Mientras que las tonalidades rojas más oscuras pueden intuir fineza y elegancia a la imagen.
Violeta: Es el color de la fantasía, inteligencia, riqueza, belleza, inspiración, satisfacción.
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