explorafoto 2008 octubre / diciembre
Festival Internacional de Fotograf铆a de Castilla y Le贸n
Editado por: Explorafoto 1ª Edición octubre 2008 © de las fotografías: Explorafoto y sus autores © de los textos: Explorafoto y sus autores Depósito Legal: S.1449-2008 Diseño: Alter Bi Imprime: Gráficas Varona >Fotografía de cubierta: Ugnius Gelguda. Zalguiris (detalle), 2007. Cortesía del artista y Galería Vartai, Lituania Ninguna parte de esta publicación puede ser reproducida total o parcialmente, almacenada o transmitida en manera alguna ni por ningun medio sin permiso previo de los editores
explorafoto 2008 Dirección: David Arranz /Javier Panera • Coordinación del Festival: DA2 Domus Artium 2002 • Coordinación de exposiciones: Eduardo Margareto / Rafael López / Bodo Rau / • Coordinación Técnica: Mª Jesús Díez • Documentación: Alexandra Fernández / Alba López / Sonsoles Pajares • Coordinación editorial: Alter Bi Comité organizador: Carmen Domínguez / Andrés Martín / Antonio Sánchez Puerto /Javier Valbuena / David Arranz / Javier Panera / Eduardo Margareto
DA2. DOMUS ARTIUM 2002 Rock My Religion
Cruce de caminos entre el rock y las artes visuales Un proyecto de: Javier Panera Comisario: Javier Panera 10 Octubre 2008/ 4 Enero 2009
>Ugnius Gelguda. Zalguiris (detalle), 2007. Cortesía del artista y Galería Vartai, Lituania
Sala de exposiciones
DA2 Salamanca. Domus Artium 2002
Avenida de la Aldehuela s/n 37003 Salamanca. Tel 34-923184916. Da2@ciudaddecultura.org www.ciudaddecultura.org/da2 www.da2salamanca.blogspot.com Horario: Martes a viernes de 12.00 a 14.30 y de 16.30 a 21.00 h sábados, domingos y festivos: de 11.00 a 21.00 h Lunes cerrado
ROCK MY RELIGION
Artistas participantes SAADANE AFIF CARLOS AIRES DOUG AITKEN CORY ARCANGEL KENNETH ANGER JOHN BALDESSARI MATTHEW BARNEY JOSEPH BEUYS CHRISTA BIEDERBICK MARC BIJL DARA BIRNBAUM PETER BLAKE SLATER BRADLEY OLAF BREUNING JANET CARDIFF AND BURES MILLER TONY COKES BRUCE CONNER KEVIN CUMMINS FELIX CURTO BRUCE DAVIDSON MIKE KELLEY DESTROY ALL MONSTERS SEAN DACK JEREMY DELLER JOHN DI STEFANO
SAM DURANT JON MIKEL EUBA WILLIAM ENGLISH ROBERT FRANK UGNIUS GELGUDA J. L. GODARD DOUGLAS GORDON DAN GRAHAM RODNEY GRAHAM BOB GRUEN ANDREAS GURSKY RICHARD HAMILTON JOHN HEARTFIELD RAOUL HAUSSMANN JOSÈ IGES DEREK JARMAN NAM JUNE PAIK AND JUD YALKUT JUDITH BARRY AND RICHARD KERN LARGEN&BREAD DAVID LAMELAS MARK LECKEY ROBERT LONGO CHRISTIAN MARCLAY ENRIQUE MARTY
MALCOM MCLAREN ROBERT MAPPLETHORPE DAVE ALLEN AND JONATHAN MONK RONALD NAMETH ALBERT OEHLEN YOKO ONO TONY OURSLER JAMIE REID RAYMOND PETTIBON ROBERT RAUSCHENBERG MICK ROCK JON SAVAGE IRA SCHNEIDER STEPHEN SHORE LINDER STERLING GAVIN TURK ALAN VEGA ALEJANDRO VIDAL ANDY WARHOL ALFRED WERTHEIMER VIVIENNE WESTWOOD ERNST C. WHITERS DAVID WOJNAROVICZ X_PRZ
Cruce de caminos entre el rock y las artes visuales (1956-2006)
En marzo de 1956 un joven de tan solo 21 años de Tupelo (Mississippi), llamado Elvis Presley edita su primer LP bajo el sello RCA, en poco tiempo el disco logra situarse en lo alto de las listas y popularizar internacionalmente un nuevo estilo de música denominado Rock and Roll. Muy pocos meses después, al otro lado del Atlántico el artista inglés Richard Hamilton realiza un pequeño cuadro que tiene prácticamente las mismas dimensiones que la portada del disco de Elvis, la obra es un collage que lleva por título: “Just what is it that makes today´s home so different, so appealing?” y tras ser exhibida en la exposición “This Is Tomorrow” se convierte en la pieza fundacional del movimiento Pop Art. A partir de ese momento las artes visuales y el rock han discurrido por caminos paralelos experimentando una serie de relaciones e intercambios que han re7
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>Elvis Presley. Elvis Presley, RCA: 1956, Foto Popsie. Elvis Presley Enterprises, Inc.
>Richard Hamilton. Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing? Kunsthalle Museum. Tubingen
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novado de modo efectivo el mundo de la imagen, no en vano el propio Richard Hamilton frecuentaba los ambientes musicales del Swinging London y colaboró unos años después con bandas como The Beatles o The Rolling Stones; del mismo modo que Elvis se convirtió en uno de los temas preferidos por artistas pop norteamericanos como Andy Warhol o Ray Johnson.
>Ray Johnson. Elvis Presley # 1 (Oedipus) 1956-57. W. S. Wilson, Nueva York
>Andy Warhol. Elvis II (detalle), 1964. Toronto Art Gallery Ontario
Desde la década de los sesenta hasta hoy son ya varias las generaciones de artistas educados bajo la influencia de la que en sus inicios fue bautizada como: “la música del diablo” y en consecuencia son varios los movimientos y manifestaciones culturales que –fascinados por su potencial subversivo– han integrado en 10
sus prácticas artísticas elementos que se relacionan de modo directo o indirecto con los modos e iconografías del rock. Del Pop al arte conceptual, de la Performance y el Body Art al videoarte, del situacionismo a las prácticas activistas del nuevo milenio; artistas como Andy Warhol, Robert Rauschenberg, Vito Acconci, Rodney Graham, Mike Kelley, Tony Oursler, Raymond > Richard Hamilton. Swingein London, 1972. Pettibon o Christian Cortesía Fondazione Marconi Milán Marclay, entre un largo etc que llega hasta hoy, se han aproximado a este género musical en algunos de sus trabajos más significativos, llegando a veces a formar sus propias bandas de rock y a grabar discos. Al mismo tiempo, conviene recordar al respecto que algunos músicos de rock reconocidos internacionalmente como: John Lennon, David Bowie, Pete Townshend, Syd Barret, Brian Eno, David Byrne, Laurie Anderson, Alan Vega; o más recientemente miembros de bandas como Sonic Youth, 11
Blur, Franz Ferdinand o Babyshambles, se formaron en escuelas de arte antes de dedicarse profesionalmente a la música…
>Sonic Youth. Dirty, 1992, Geffen Records. Portada Mike Kelley
>Rodney Graham. A Little Tough, 2000. Cortesía Donald Young Gallery Chicago
Género híbrido por excelencia, el rock, –mucho antes que el arte– se perfila como el primer movimiento cultural posmoderno en el cual se dinamitan las barreras entre la alta y la baja cultura, entre el arte y el espectáculo, entre el escenario y la vida cotidiana… Pero seguramente por esta razón, el rock también ha sido el primer movimiento contracultural de la historia que desde sus inicios fue susceptible de ser asimilado e integrado dentro del sistema económico para dar luz a una de las industrias más prósperas del capitalismo cultural, con toda la problemática que este hecho genera. 12
En efecto, desde su nacimiento allá por los años 50 el rock –al igual que el arte de vanguardia– se ha movido en un espacio lleno de paradojas. Por una parte el rock renace cada cierto tiempo con una voluntad transgresora y subversiva que en diferentes momentos del siglo XX ha servido para modificar las costumbres y los hábitos de consumo cultural; recordemos el impacto que causan en los jóvenes norteamericanos los libidinosos movimientos de Elvis en la televisión a mediados de los cincuenta, las promesas de la utopía hippie en los sesenta, la agresividad postsituacionista de la revuelta punk en el Londres de 1977 o la vinculación entre las reivindicaciones de los derechos civiles de la comunidad afroamericana y estilos como el soul en los años 60 y 70 y el Hip Hop en los 80, o la relación entre el hedonismo –aparentemente no politizado– de la música de baile con las reivindicaciones de género de la minoría gay y colectivos activistas como Reclaim The Streets, por citar algunos de los ejemplos más reconocidos. Pero por otra parte la industria musical –al igual que el sistema del arte– ha tenido la facultad de fagocitar –y en consecuencia desactivar– las corrientes musicales más incómodas, transformando en poco tiempo toda “revuelta juvenil” en “cultura juvenil”. La rapidez con la que la industria de la moda asumió la estética punk podría ser un ejemplo muy significativo de lo que decimos. El proyecto Rock My Religion, desarrollado en el marco del Festival Internacional de Fotografía de Castilla y León Explorafoto, no elude estas contradicciones inherentes al género sino que se zambulle en ellas a través de los medios que mejor han reflejado visualmente las grandezas y miserias del rock: la fotografía y la imagen en movimiento, aunque sin renunciar a mostrar trabajos sobre otros soportes. 13
El título de la exposición: Rock My Religion proviene de un ensayo y un vídeo realizados en 1982 por el artista conceptual norteamericano Dan Graham en los cuales plantea una provocadora tesis sobre la relación entre la religión y el rock en la cultura contemporánea, que sin duda, podría hacerse extensible a las artes visuales. Graham analiza la emergencia del rock como religión entre los consumidores adolescentes en los ambientes suburbanos de la década de los cincuenta, situando así el contexto ideológico –y sexual– para el nacimiento del rock en la América de la Guerra Fría. Su vídeo, es un complejo collage audiovisual que combina ilustraciones y dibujos de rituales colectivos de baile de sectas religiosas con fragmentos de actuaciones en directo de músicos como Elvis Presley, Jim Morrison o Patty Smith. Las reflexiones en off del propio Graham combinadas con extractos de letras de célebres canciones de los años sesenta y setenta se revelan como un convincente ensayo teórico sobre los códigos ideológicos y las condiciones históricas que nutren el fenómeno cultural del rock.
Marcus: “Rastros de Carmín” (1989), en él traza una genealogía de movimientos culturales en los que se producen puntos de confluencia entre la escena artística y musical, poniendo especial atención en aquellos momentos –por lo general de muy corta duración– en los que tanto los artistas visuales como los músicos de rock se movieron en el territorio de la utopía y la incorrección política.
El otro punto de referencia esencial a la hora de articular este proyecto ha sido el libro del escritor norteamericano Greil 14
>Dan Graham. Rock My Religion. 1982-84. Still de video. Electronic Art Intermix
>Kevin Cummins. Sex Pistols en directo. Londres, Diciembre, 1977. Cortesía Paul Stolper Gallery. Londres
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Partiendo de estas y otras referencias, el proyecto Rock My Religion también propone un cruce de caminos entre obras musicales y visuales que, como en el libro de Marcus, hunden sus raíces en Dadá y el Situacionismo y alcanzan su punto de ebullición a través del Punk llegando a nuestros días en el trabajo de numerosos creadores para los que el arte y música pueden ser todavía formas de resistencia cuya marca es tan intensa y efímera “como una marcha de carmín que se borra pero deja una profunda huella en nuestra memoria (…)”; autores de plena actualidad presentes en esta muestra como Mike Kelley, Raymond Pettibon Kendell Geers, o Marc Bijl se podrían situar en esta tesitura.
BREVE DESCRIPCIÓN DEL PROYECTO EXPOSITIVO Las diferentes exposiciones paralelas que integran el proyecto Rock My Religion intentan trazar una genealogía de las relaciones entre Arte y Rock and Roll desde la década de los 50 hasta el presente, poniendo especial énfasis en aquellos momentos en los cuales ambas disciplinas se movieron en el territorio de la incorrección política y jugaron un papel importante a nivel político y sociocultural. Se busca con ello poner de manifiesto el potencial de las subculturas musicales para generar lo que algunos consideran: “esferas públicas subalternas” o “alternativas” pero también poner al descubierto las ambigüedades y contradicciones que tienen casi todas las industrias culturales a la hora de intentar conciliar su doble valor de resistencia e interés comercial. 16
>Alfred Wertheimer. Four Fingers. Live Performance of the stage Show Studio 50, New Tork, March 17, 1956. Copyright Alfred Wertheimer, Cortesía Govinda Gallery
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Los inicios del Rock and Roll en la década de los cincuenta son analizados en los proyectos expositivos de Alfred Wertheimer, Ernest C. Whiters y Bruce Davidson, (Sala de exposiciones de Santo Domingo y DA2) en los que, paralelamente a las fotografías de la primera gira norteamericana de Elvis Presley (presentadas por primera vez en España) se muestran imágenes coetáneas de las reivindicaciones de los derechos civiles por parte de la comunidad afroamericana, que había inventado el blues y el rock, soportando que estos ritmos fuesen denominados “Race Music” mientras los blancos se apropiaban de ellos y los convertían en géneros populares. Como han señalado innumerables historiadores es imposible situar cronológicamente el nacimiento del rock’n roll, pues se trata de un melting-pot musical que fue surgiendo de la confluencia de diferentes géneros: blues y góspel, la música negra de los años cuarenta –que fue enormemente creativa–, las grandes orquestas de jazz, country y sobre todo el rhythm and blues. Con un poco de perspectiva, es posible encontrar fuentes del rock en casi todos los estratos de la música popular norteamericana de mediados de los años treinta, pero el fenómeno más importante es la influencia que ejerció la música negra sobre la música blanca y la parte de la muestra que contrapone el trabajo de Wertheimer sobre Elvis con el de Whiters sobre los bluesman afroamericanos deja constancia de este hecho, que se potencia aún más escuchando la banda sonora de la sala en la que podremos comparar las versiones blancas y negras de algunos de los temas más populares de los orígenes del rock. Al mismo tiempo; en la serie Brooklyn Gang de Bruce Davidson se presta atención al fenómeno emergente de las primeras bandas de delincuentes juveniles 18
>Clemens Kalischer. John Lee Hooker at the Music Massachussets, 1950’s. © Clemens Kalischer
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>Ernest C. Whiters Lionel Hampton, The Hippodrome, Memphis, TN, Mid.1950 © Ernest C: Whiters, Cortesía Panopticon Gallery
> Ernest C. Whiters Sanitation workers assemble in front of Clayborn Temple for a solidarity march. Memphis, TN, March 28,1968 © Ernest C. Whiters, Cortesía Panopticon Gallery
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que adoptan la imagen de sus nuevos héroes musicales y al modo en que la industria del cine absorbió este fenómeno convirtiéndolo en un nuevo género de notable éxito. En 1959 Bruce Davidson siguió una banda juvenil (The Jockers) por las calles de Brooklyn, captando su estilo de vida y motivaciones, su identidad grupal, su ubicación en el entorno, la estética rebelde al modo de James Dean, sus primeras relaciones amorosas, la transición de la juventud a la edad adulta. Una nueva modalidad de juventud que nacía como reducto marginal y conformaba su estética bajo los nuevos sonidos del rock‘n roll y el juke box. Pero en esta ocasión, la felicidad autoimpuesta por los nuevos ritmos tan sólo aparecía como desidia o frustración. El otro lado del sueño americano, que Robert
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Imagen de la Película “The >Alfred Wertheimer. Elvis on his Harley Memphis. Wild One” (El Salvaje), Laszlo Benedek, Columbia / Tenesse. July 4, 1956 Warner. 1953. © Alfred Wertheimer, Cortesía Govinda Gallery
>Christa Biederbick, Die Rocker, 1973 Stiftung Haus der Geschichte der Bundesrepublik Deutschland, Bonn
>Kenneth Anger. Fotograma de Skorpio Rising. 1963
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Frank supo retratar con tan intenso efecto en su libro The Americans (1955), aparece de nuevo en Bruce Davidson y el retrato de una juventud que ha vivido en los propios márgenes de la formalidad del High School. The Brooklyn Gang es el otro lado de la felicidad social que la sociedad de consumo empezó a construir tras los desastres de la II Guerra Mundial. La otra cara de la juventud norteamericana. Como contrapunto, la “década de la inocencia” se cierra con la mirada irónica del director de cine Kenneth Anger, el cual en su corto Skorpio Rising deconstruye a ritmo de rock, y desde una perspectiva homoerótica audazmente desestabilizadora, la mirada machista asociada a las bandas de rockers y moteros que por aquellos años explotaba el cine de bajo presupuesto. Los años sesenta alumbran la primera generación de artistas que se han educado en su juventud bajo la influencia del Rock. La sala 2 del DA2 concentra varios trabajos de artistas ingleses y norteamericanos vinculados al Pop Art que adoptan motivos iconográficos de la música pop y el rock como Peter Blake, Richard Hamilton, Robert Rauschenberg o Andy Warhol. Los dos años de relación entre Andy Warhol y la banda The Velvet Underground determinaron de forma significativa la relación entre el arte de vanguardia y la música rock por eso ocupan un espacio destacado en esta exposición. A mediados de los años sesenta, el estudio de artistas conocido como la Factoría se había convertido en el epicentro de la cultura underground de Nueva York tal y como reflejan las fotografías de Stephen Shore y Billy Name presentes también en esta sala. Tantos mundos distintos convergieron en la Factoría que, tal y como apunta 24
>Andy Warhol. Retrato de Mick Jagger. 1973. Cortesía Salvador Corroto y Galería Atlántica
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>Peter Blake Bo Diddley, 1962 Tate Collection
>Peter Blake Autorretrato, 1961 Tate Collection
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>Izda.: Richard Hamilton Swingein London, 1972
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>Robert Rauschenberg 1970, 1970
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Mary Harron: “era inevitable que Warhol conociera a The Velvet Underground”. Sin embargo la relación de Warhol con la música no era nueva y desde los años 50 colaboraba con el sello especializado en jazz Blue Note diseñando más de 20 portadas de discos para músicos como Johnny Griffin o Kenny Burell. Por otra parte en los sesenta había entablado amistad con varios músicos vanguardistas como La Monte Young y Marian Zazeela, que más tarde trabajó con el futuro componente de The Velvet Underground, John Cale, así como con el artista conceptual Walter De Maria, el cual tocó en una primera formación de la Velvet Underground con Jon Cale y Lou Reed llamada The Primitives.
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>Izda.: Stephen Shore. Velvet Underground en la Factory, 1966 >Dcha.: Stephen Shore. John Cale en la Factory, 1966
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Pero según parece fue el asistente personal de Warhol, Gerard Malanga, quien pondría en contacto al artista con The Velvet Underground, cuya música ya presentaba una audaz combinación entre instrumentación experimental y letras sobre
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>Ronald Nameth. Andy Warhol’s Exploding Plastic Inevitable © 1967 - 2005. All rights reserved >Dcha.: Ronald Nameth. Andy Warhol EPI group with Velvet Underground&Nico&Gerad&Mary © 1966-2008 Ronald Nameth, All rights reserved
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>Ronald Nameth. Andy Warhol’s Exploding Plastic Inevitable ©1967-2005. All rights reserved
los aspectos más sórdidos de los bajos fondos de Nueva York que contrastaban de modo notable con el escapismo pastoril de la generación hippie coetánea. Las extravagantes danzas improvisadas que Malanga efectuaba acompañado con un látigo en los conciertos de The Velvet impulsaron a Warhol a utilizar a la banda en unos espectáculos multimedia presentados bajo el título Andy Warhol’s Exploding Plastic Inevitable. El director de cine Ronald Nameth colaborador de Warhol desde 1966, grabó algunos de aquellos espectáculos y ha reconstruido en una instalación multipantalla combinada con fotografías de gran formato, ubicada en la Sala 2 del
DA2, una de esas actuaciones capturando la deslumbrante combinación psicodélica de luces de colores y proyecciones cinematográficas, la intensidad física de los cuerpos que se retorcían en la pista de baile y los fluctuantes –y a veces cacofónicos– sonidos de The Velvet Underground & Nico. Resulta significativo el hecho de que Warhol produjera la grabación del disco y creara la mítica portada del primer álbum del grupo, The Velvet Underground & Nico (1967), considerado por muchos uno de los álbums de rock and roll más influyentes de todos los tiempos, –si bien en su momento pasó tristemente desapercibido–. Como contrapartida varios miembros de The Velvet Underground (Cale, Reed, Nico, Sterling Morrison y Maureen Tucker) se unieron a otros músicos de rock que frecuentaban The Factory participando en varias películas de Warhol de las que se proyectan algunos fragmentos junto con abundante material contextual de la época. Como contrapunto a la mirada cool y distante del Pop Art el Palacio de Congresos de Salamanca mostrará dos proyectos sobre el nacimiento de la contracultura psicodélica con su mirada crítica a fenómenos como la Guerra de Vietnam y la reivindicación de los derechos civiles y la utopía hippie como construcción social y estética en la que la liberación sexual y las drogas desempeñaban un papel fundamental: por una parte la muestra individual de Baron Wolman, fotógrafo del Festival de Woodstock de 1969 para la revista Rolling Stone y la colectiva Psychedelic Underground que reúne más de un centenar de portadas de discos y posters sicodélicos realizados entre 1966 y 1970 por artistas como Rick Griffin, Wes Shonibare. Wilson, Victor Moscoso, etc, que se complementan con dos vídeos de per>Yinka “Un ballo in Maschera” (A masked ball) 2004. Video Digital de Alta Definición
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Cortesía del artista y Stephen Friedman Gallery (Londres)
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>Dr. Timothy Leary Ph. D. L.S.D LP Pixie, 1966.
>Baron Wolman. Jimy Hendrix,1967 San Francisco, Febrero, 1968. CortesĂa Baron Wolman
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formances realizadas por la artista japonesa Yayoi Kusama en el Love In Festival de 1967 y los famosos Cut Up de Burroughs. Las salas 5 y 6 del DA2 concentran un núcleo importante de trabajos que adoptan una mirada crítica y desencantada frente a la generación del Flower Power. El declive de la “generación de las flores” frente a las revueltas de mayo del 68 y la primeras crisis del estado del bienestar, con la emergencia de movimientos contraculturales beligerantes como los Black Panters, son tratados por Jean Luc Godard en su película One plus One / Sympathy for the Devil, “antidocumental rock” sobre la grabación de la canción del mismo título por los Rolling Stones en 1968, que se proyecta según fue concebido originalmente por su director.
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>Sam Durant. Proposal #2 for Monument at Altamont Raceway. Tracey, CA, 2003. Colección James N. Phillips
La película de Godard se complementa con una gran instalación del artista conceptual norteamericano Sam Durant centrada en los trágicos sucesos del Festival de Altamont de 1969 y un documental de Ira Schneider sobre ese fatídico concierto en el que murió un fan asesinado por los Hell Angels. A ésto debe añadirse la videoinstalación: Don’t Trust Anyone over Thirty creada recientemente por Dan Graham y Tony Oursler a partir de una “ópera rock con marionetas” estrenada en 2004, que también gira en torno a las contradicciones de la cultura rock y la utopía hippie. Durante los años setenta y ochenta, la desactivación de los movimientos contraculturales musicales por la “industria del rock” y la configuración en torno a la misma de todo un Star System tan excesivo como decadente –que se puede comprobar en las impactantes fotografías de Mick Rock, Bob Gruen y Gered Mankovitz (Palacio de Congresos)– llevó a muchos creadores, vinculados en su mayoría a movimientos como el Arte Conceptual, Fluxux o la Performance– a posicionarse con una mirada distante, –cuando no extremadamente crítica– frente a los estereotipos del Rock, aún cuando ésta era una música que amaban y de algún modo seguía influyendo su trabajo, tal es el caso ya citado de Dan Graham presente por partida doble en el DA2 con el vídeo que da título a esta exposición, y del canadiense Rodney Graham del que se presentan varias piezas entre las que destaca la instalación foto-escultórica Awakening inspirada visualmente por la banda precursora del Heavy Metal: Black Sabbath y conceptualmente por el célebre lema “Demasiado viejo para el Rock and Roll”; a estos trabajos se suman obras de artistas como Yoko Ono, Nam June Paik (deconstruyendo, cada uno a su 39
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>Rodney Graham. Awakening, 2006. CortesĂa del artista y Hauser&Wirth ZĂźrich London
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mática pieza sonora a los mensajes ocultos en los discos de Bob Dylan o incluso de creadores más jóvenes como Sam Durant o Jeremy Deller.
>Sam Durant Quaternary Field. Associative Diagram, 1998. Cortesía del artista y Blum and Poe Gallery
manera, a The Beatles), John Baldessari (Con sus lacónicas Person with Guitar Series), Dara Birnbaum (Subvirtiendo el significado de una célebre canción de Hendrix) , David Lamelas (con una serie fotográfica en la que se adelanta a las famosas Untitled Film Stills de Cindy Shermann, parodiando los arquetipos del Rock Star de los setenta), Joseph Beuys (Que además de sus discos experimentales con Fluxux grabó en 1982 Sonne Stat Reagan, un psicotrónico vídeoclip pop dedicado a Ronald Reagan), del artista madrileño José Iges que dedica una enig42
>Jeremy Deller. William Elliott Whitmore Live at Melancholy Ranch, 2004 Cortesía Paul Stolper Gallery, Londres
Los movimientos artísticos que reivindicaban cuestiones de género e identidad a principios de los setenta son rigurosamente contemporáneos del movimiento musical Glam Rock. Frente al estilo idílico y pastoral de la “generación de las 43
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>John Baldessari. Person with Guitar (red). Coleccion OMR, Mexico
>John Baldessari. Person with Guitar (blue). Coleccion OMR, Mexico
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flores” y la música pretenciosa y excesivamente intelectualizada del coetáneo rock progresivo, el Glam “brilla” por el humor y el exceso kitsch de sus símbolos como reflejan los posters y portadas de discos de la época. La ambigüedad sexual y el gusto por el travestismo en el rock aparecen desde sus orígenes en los años 50 con artistas como Little Richard o Esquerita pero no será hasta los años 70 cuando el Glam Rock se convierta en un género con identidad propia, sobre todo en Gran Bretaña. Las canciones glam contienen ritmos pegadizos y melodías pop a las que se añadía un fondo sonoro de rock primitivo y sucio y letras llenas de sexo y dobles significados. Pero lo más destacado era su estética, que jugaba con la identidad y el género, usando peinados y trajes andróginos y maquillajes imposibles. La influencia de este estilo en las artes visuales
>Mick Rock: Lou Reed, 1972
> Toshi. New York Dolls, LP, 1973.
de la época fue significativa, de hecho, en 1974 se celebró en Viena la exposición Transformer. Aspekte der travestie, que mezcló en el espació museístico obras de artistas como Jurgen Klauke, Urs Luthi o Andy Warhol con imágenes de músicos travestidos como The New York Dolls, Lou Reed o David Bowie. La muestra de Mick Rock en el Palacio de Congresos, con sus imágenes excesivas sobre iconos glam como David Bowie o The New York Dolls, sirve para aproximarse a los aspectos más destacados de este movimiento en el que curiosamente había varias estrellas del rock con formación en Bellas Artes como Brian 46
>Claude Gassian. David Bowie, Ziggy Stardust, 1973
>Jurgen Klauke. S/T, 1974 47
Eno, Brian Ferry o el propio Bowie. El glam rock destacó por su posición radical respecto a la identidad alcanzando en el caso de artistas como David Bowie o Iggy Pop componentes performativos tan próximos al teatro de vanguardia como al Body Art. El maquillaje, la licra, las pelucas y la laca de uñas se convirtieron en un acto de afirmación y celebración que, al mismo tiempo que cuestionaba las condiciones ideológicas de las identidades sexuales rompía los tabúes dominantes. El melancólico retrato de Andy Warhol travestido que realizó Christopher Makos en 1981 cuando el glam era ya sólo un recuerdo, sirve como contrapunto a los excesos visuales y musicales de aquel periodo. El final de la década de los setenta desemboca en la Revolución Punk a la que está dedicado el emblemático espacio de la antigua cárcel del DA2 que funciona como eje regulador del proyecto. Como ya hemos adelantado el punto de partida para seleccionar los artistas presentes en este espacio ha sido en parte el libro Rastros de Carmín, del escritor norteamericano Greil Marcus: una aproximación política y apasionada a la intensa pero efímera “ética punk” en la que establece conexiones plásticas y conceptuales entre el Punk y movimientos como el Dadaísmo, el Surrealismo o el Situacionismo. Si sobre el escenario, el punk pudiera emparentarse con el teatro de la crueldad de Antonin Artaud por su factor catártico, en la letra le corresponde la herencia del dadaísmo y el movimiento situacionista de Guy Debord, de hecho, si recor 48
>Portada del libro Lipstick Traces Greil Marcus. 1989 Fotografía de Kevin Cummins
>Bob Gruen. Sid Vicious - USA - 1978 © Bob Gruen, Cortesía Govinda Gallery
damos lo que escribía el activista fráncés sobre el dadaísmo en su Informe sobre la construcción de situaciones (1957) veremos que está describiendo algo que “en actitud” reproduce con veinte años de antelación lo que encontraremos en el Londres punk de 1977. “(…) el dadaísmo, constituido por refugiados y desertores de la primera guerra mundial en Zurich y Nueva York, quería ser el rechazo de todos los valores de la sociedad burguesa, 49
cuyo fracaso se acababa de mostrar en el estallido de la guerra. Sus violentas manifestaciones en la Alemania y la Francia de posguerra se refieren principalmente a la destrucción del arte y de la escritura, y en menor medida, a ciertas formas de comportamiento (espectáculos, discursos, paseos deliberadamente imbéciles). Su función histórica es haber dado un golpe mortal a la concepción tradicional de la cultura (…) Pero el espíritu dadaísta ha determinado una parte de todos los movimientos que le han sucedido”. Estas conexiones se materializan dentro de Rock My Religion en la exposición comparada entre los trabajos de artistas provenientes de las filas del dadaísmo como Jon Heartfield y Raoul Haussman y los posters de Mayo del 68 frente a los collages y diseños de artistas vinculados al movimiento Punk como Linder Sterling (creadora de la gráfica de The Buzzcoks) claramente influenciada por la obra de Hannah Hoch o Jamie Reid y Vivienne Westwood ( responsables de la estética de los Sex Pistols). Jamie Reid en concreto, en su trabajo como diseñador para los Pistols, recuperó viejos carteles situacionistas dándoles una nueva y libre versión que también incorporaba hallazgos gráficos de Dadá; así, el póster “Atelier populaire” de mayo del 68, se convertía en el “God save the Queen”, en donde la “intocable” imagen de la reina de Inglaterra agujereaba sus labios con un gran imperdible. Por otra parte los fanzines punk, aún siendo diversos y variables en sus propuestas ideológicas y estéticas, congenian a la perfección con las premisas del 50
>John Heartfield Wer Bürgerblätter liest wird blind und taub (1930) (Quien lee el periódico se vuelve ciego y sordo)
>Jamie Reid God Save the Queen Cortesía del artista e Isis Gallery 51
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>Atelier Populaire. Une jeunesse que l´avenir inquiete trop souvent. Cartel de mayo del 68
>Jamie Reid. Swastica Eyes CortesĂa del artista e Isis Gallery
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almanaque dadaísta y los desvíos culturales [détournement] que Guy Debord había dejado impresos en su libro Mémoires. Este último puede considerarse un libro-punk, mucho antes de que el movimiento apareciera a mediados de los 70. Su portada, en la primera edición de 1958, fue diseñada con papel de lija; una manifestación explícita sobre el repudio a la mercantilización de la cultura y su distribución monetaria en el sistema capitalista. Sobre este particular es bastante significativo lo que dice Greil Marcus en Rastros de carmín sobre el libro de Debord: ”(…) No lo escribió, recortó docenas de párrafos, frases, estrofas y a veces palabras sueltas de libros, revistas y periódicos; luego las espació sobre unas 150 páginas que su amigo Asger Jorn, un pintor danés, llenó de salpicaduras, líneas, machas, trazos y gotas de colores. Aquí y allá había fotografías, anuncios, planos de edificios y ciudades, caricaturas, tiras cómicas, reproducciones de grabados en madera y en planchas, éstos también sacados de bibliotecas y quioscos; y al ser cada fragmento mudo en sí mismo y estar todos ellos separados de cualquier contexto informativo, el conjunto funcionaba como un galimatías, como un texto espectral (…)” En la sala 4 del DA2 se dedican dos pequeñas muestras monográficas a Jamie Reid y Linder Sterling complementadas con abundante documentación contextual (posters, fanzines, flyers, portadas de discos etc) y los trabajos de otros artistas vinculados al Punk británico como Jon Savage, William English, Derek Jarman, Gilbert & George, Peter Saville y Kevin Cummins (este último con emblemáticos trabajos sobre la banda Post Punk Joy Division). 54
>Jaime Reid. Sophie Richmond, Vivienne Westwood. Anarchy in the U.K. Sex Pistols nº 1, (Fanzine), 1976. Cortesía: Jon Savage Archive. Colin Fallows
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>John Heartfield. Der Dada 3 (1920). Akademie der K端nste, Berlin, Kunstsammlung
>Jamie Reid. Nevermind The Bans. Fanzine, 1977
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>Linder. The Secret Public/Another Music in a different Kitchen,1978. Cortesía del artista y Stuart Shave/Modern Art, Londres
>Linder. Pretty Girls nº 1. 1997-2007. Cortesía del artista y Stuart Shave/Modern Art, Londres
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>William English. Vivienne Westwood en la tienda Sex con un traje de latex, 1975.
>William English. Vivienne Westwood en la tienda Sex con una máscara fetichista, 1975.
Cortesía del artista
Cortesía del artista
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>John Savage. Uninhabited London. January 1977. John Savage, Author “England´s Dreaming”
>Gilbert & George. Fuck, 1977. Cortesía Kunstmuseum, Wolfsburg
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>Kevin Cummins. Ian Curtis, Joy Division. The Factory. Hulme, Manchester, 1979. Cortesía Paul Stolper Gallery, Londres
Tras la fecunda colaboración entre Andy Warhol y la Velvet Underground; la conciliación entre las escenas de la vanguardia artística y de la música rock en Nueva York no fue reactivada hasta la aparición en escena de figuras como Patti Smith, Television, Richard Hell and The Voivoids y los Ramones. Smith, Hell y Television traían consigo una formación artística y literaria y enfoques musicales que sirvieron para definir la primera escena punk de la ciudad. Robert Mapplethorpe fue el creador de las imágenes de las portadas de los primeros álbums de Smith y Televisión, presentes en esta muestra, junto a las imágenes –más callejeras– de Roberta Bailey para The Ramones y Richard Hell). 64
>Robert Mapplethorpe. Retratos de Patty Smith, 1976 -1977. Colección privada
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La facción más “arty” del punk neoyorkino fue conocida con el nombre de No Wawe y está asociada fundamentalmente con un variopinto grupo de intérpretes, compositores y artistas visuales (a menudo las tres cosas al mismo tiempo) que abarcaban desde la agresión casi primitiva de Teenage Jesus and the Jerks de Lydia Lunch y el punk-funk disonante de James Chance and the Contortions hasta músicos experimentales como Glenn Branca o Phillip Glass o figuras de la vanguardia
audiovisual como Alan Vega de Suicide (cuya obra musical incorporaba la electrónica desde perspectivas radicales y también realizaba instalaciones luminosas con desechos urbanos que evocan el ambiente insano de las canciones de su banda), David Wojnarovicz o, ya un poco más tarde Talking Heads formado por un cuarteto de estudiantes de arte de la Escuela de Diseño de Rhode Island. Junto al caso de Andy Warhol y The Velvet Underground el fenómeno No-Wave representa tal vez la colaboración más rigurosa e integral entre el arte y la música rock en sus cincuenta años de interacción directa. Con su música ásperamente atonal y disonante las actuaciones No Wave con frecuencia se encontraban tanto en las instituciones alternativas de arte como el Artists Space, The Kitchen y White Columns o incluso en las galerías de arte comerciales como en los clubs de corte punk entre los que se encontraban el CBGB, The Mudd Club y Max’s Kansas City. No es de extrañar pues que numerosos artistas visuales que residían en la zona del East Village participaran activamente en esta escena cultural, entre ellos nombres tan significativos como Jean-Michel Basquiat (que tocaba con el grupo Gray), Keith Haring o Robert Longo (en la banda Menthol Wars con Richard Prince). Esta esta estimulante escena que hermanaba a músicos y artistas aparece perfectamente reflejada en la película Downtown 81 de Edo Bertoglio. En este mismo contexto Robert Longo creó sus icónicos dibujos Men in the Cities en aquella época (1980) a partir de una serie de fotografías tomadas a sus amigos de ejecutando los bailes espasmódicos que veían en los conciertos de bandas de la No Wawe como The Contortions o D.N.A que en la película de Bertoglio aparecen compartiendo escenario con el propio Basquiat.
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>David Wojnarowicz. Arthur Rimbaud in New York, 1978-79. Cortesía Cabinet, London
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>Robert Longo. Men in the Cities. Erik. 1981-98. Collezione La Gaia, Italia
>Robert Longo. Men in the Cities. Cindy. 1981-98. Collezione La Gaia, Italia
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>Christian Marclay Phonoguitar Cortesía del artista y Paula Cooper Gallery
>Alan Vega. Alan Suicide, American Supreme 2.1976/2001 70
Cortesía del artista y Deitch Projects
Por su parte Christian Marclay, a quien el DA2 dedicó una amplia retrospectiva hace unos meses, realiza por aquellos años sus primeras performances y grabaciones musicales a partir de diversos grados de manipulación, destrucción y reutilización de discos de vinilo y viejos reproductores de sonido “transformados” al mismo tiempo que tocaba con una banda de “no músicos” bajo el nombre The Bachelors, even. (En explícito homenaje a Duchamp, otro de sus referentes). A esta genealogía pertenecen trabajos como “Fast Music” (1982). “Record Players” (1984) o “Ghost” (1985) que beben por igual tanto de movimientos como FLUXUX y el Body Art, como del Punk y la escena No Wave neoyorkina. Esta fusión de las cualidades auditivas y visuales de la música rock alcanza hoy una especie de apoteosis con el grupo Sonic Youth que surgió de la escena No Wave a principios de los años ochenta. Sonic Youth, tal y como apunta Dominic Molon, quizá más que ningún otra entidad en la historia del rock and roll, ha logrado salvar la brecha que separaba la vanguardia artística y la música mainstream
>Portadas de discos de Sonic Youth. Evol, Richard Kern, 1986. Daydream Nation, Gerhard Richter, 1988. The Destroyed Room, Jeff Wall, 2007
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tanto en su aplicación de estrategias sonoras experimentales como en su diálogo permanente con artistas contemporáneos reconocidos entre los que destacan: Judith Barry, Richard Kern, Mike Kelley, Raymond Pettibon, Richard Prince, Gerhard Richter, Tony Oursler o Dan Graham, (que incluye fragmentos de su música en el vídeo Rock My Religion ), para crear su identidad visual a través de portadas de álbums, vídeos musicales e instalaciones compartidas. Esto no debe resultar sorprendente si consideramos la inmersión general de Thurston Moore en la escena No Wave y sus múltiples colaboraciones con músicos/artistas como Christian Marclay, la participación de Lee Ranaldo en el grupo de Glenn Branca o los comienzos de Kim Gordon, como artista y crítica del Artforum. Otro de los artistas clave vinculados a la No Wave (y director de uno de los primeros vídeos de Sonic Youth, presente en esta muestra) fue Tony Oursler, que además fue miembro de la banda punk The Poetics fundada con Mike Kelley mientras estaban en la escuela de arte de California. Entre los años setenta y ochenta, Oursler trabajará de modo intermitente a lo largo de casi 10 años con Kelley en una monumental instalación audiovisual titulada: The Poetics Project aunque aquí se muestra su colaboración con Dan Graham en el espectáculo de marionetas Don’t Trust Anyone over Thirty . La conexión con una escena post-punk más politizada puede verse en los trabajos de artistas como Raymon Pettibon y Mike Kelley. Los dibujos con textos del primero y las performances surrealistas del segundo han tenido enorme popularidad entre los círculos punk y hardcore, hasta el punto de que muchas bandas como 72
Black Flag, Minutemen, Destroy all Monsters o los ya citados Sonic Youth han ilustrado fundas de discos, carteles y vídeos con sus trabajos. En el vídeo Sir Drone de Pettibon el músico Mike Watts (líder de Minutemen) y el artista Mike Kelley interpretan a dos adolescentes punks que intentan formar un grupo afrontando las diversas cuestiones éticas y estéticas que tal hecho les plantea. Tanto las letras de los músicos como los trabajos de estos artistas denotan su fascinación por los episodios más controvertidos de la contracultura norteamericana y la “América profunda” de finales de los años sesenta y principios de los setenta: la familia Manson, el secuestro de Patti Hearst por el S.L.A, el caso Watergate... Frente a la estética “rockista” y claramente machista de la mayor parte de las tendencias del rock de los setenta y los ochenta se opone la visión hedonista de la música de baile, vinculada tanto a la clase trabajadora como a las reivindicaciones de género y raza de las minorías afroamericana y gay lo que queda patente en una sección del DA2 dedicada a las Políticas de la música de baile que presenta trabajos de artistas como Mark Leckey (Fiorucci Made me Hardcore), Adrian Piper ( Funk Lessons) o Jon Di Estéfano (The Epistemology of Disco) y aproximaciones más recientes al lado más activista del techno y la música digital (Craig Baldwin, Addictive Tv) y el Hip Hop más combativo: (Tony Cokes y X_PRZ); ejemplos de la utilización de la música como forma de protesta y reivindicación de derechos en un contexto cultural globalizado, determinado por las tecnologías digitales. El caso más significativo tal vez sea el del director de cine independiente Craig Baldwin que en su película Sonic Outlaws utiliza una mezcla dispersa y frenética de 73
>Mike Kelley. Destroy All Monsters / Mall Culture, 2000. 74
>Raymond Pettibon. Sin Título. 1985-2004. Cortesía del artista y Regen Projects
Cortesía Mike Kelley / Galleria Emi Fontana, Milán
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>Rodney Graham / Tony Oursler / Laurent P. Berger. Don’t trust Anyone Over Thirty: The Storyboard, 2004 Photo: Courtesy of the artists / TRANS, New York Colección Thyssen Bornemisza Art Contemporary, Viena 76
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imágenes sobre las actividades de los nuevos piratas mediáticos que operan en el territorio del audiovisual mostrando gráficamente la imposibilidad de controlar el flujo de información en la era digital y poniendo sobre el tapete todas las cuestiones sobre libertad y legalidad que tal actividad plantea y el modo en que ello está afectando a las multinacionales de la música. En este contexto se sitúa el trabajo de vídeo-apropiación musical del grupo Emergency Broadcast Network, situando así su obra en un eje cultural que va del Dadá y el fotomontaje, pasando por los situacionistas hasta llegar a los hackers activistas. Sonic Outlaws se encuentra pues a medias entre una historia subcultural secreta y un manifiesto de agitación política cuyos objetivos nunca llegan a estar del todo claros y por ello vuelve a conectar el presente con el espíritu rebelde de Rastros de Carmín, el libro de Greil Marcus que ha servido de referencia para articular los contenidos de esta exposición. >Jeremy Deller. History of the world, 1998. Cortesía Paul Stolper Gallery, Londres
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>John Distefano. (Tell me why) The Epistomology of Disco, 1990. Cortesía del artista
>Mark Leckey. Fiorucci make me Hardcor, 2000 Cortesía Sammlung Goetz Collection
La primera planta del DA2 está dedicada en su totalidad a trabajos realizados desde la década de los noventa hasta hoy por artistas de generaciones más jóvenes que abordan los diferentes estereotipos y temas afines al rock de un modo tan ecléctico en los soportes y la estética como la música de la propia década. Destacamos entre otras: las monumentales videoinstalaciones de Doug Aitken y Douglas Gordon (A propósito de la histeria quasi-religiosa de los fans) que se relacionan con la trilogía videográfica de Slater Bradley sobre los imitadores de Rock Stars y las fotografías de multitudes en conciertos de Andreas Gursky y Ugnius Gelguda en las cuales la masa se convierte en personaje anónimo a través de su gesto y actitud, hablándonos tanto sobre la 79
>Ugnius Gelguda. Zalguiris, 2007. Cortesía del artista y Galería Vartai, Lituania
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construcción de la identidad colectiva como sobre los mecanismos de alienación del espectáculo.
arte contemporáneo, el Black Metal y el satanismo, lo cual no deja de ser la lógica némesis del Rock como religión).
También en la primera planta del DA2; los trabajos de Cory Arcángel y Sean Dack deconstruyen digitalmente la música de Guns & Roses y Nirvana a cuyo cantante fallecido: Kurt Cobain, también rinde homenaje Rodney Graham con su instalación de diapósitivas Aberdeen: un emotivo recorrido por las calles del barrio en que el lider de Nirvana creció de niño. En un sentido diferente, las fotografías de Felix Curto y las esculturas de Marc Bijl y Gavin Turk reflexionan sobre el estereotipo del artista suicida, mientras los videos de Matthew Barney, Olaf Breuning y el salmantino Enrique Marty lanzan su mirada irónica sobre las relaciones entre el
Para terminar no podían faltar dos instalaciones objetuales y sonoras relacionadas con el instrumento que desde los años sesenta se asocia icónicamente al rock: la guitarra eléctrica; ambas se sitúan al principio y el final de la exposición: En la entrada del DA2 encontraremos Feedback de Janet Cardiff & Bures Miller una instalación interactiva dedicada a Hendrix, para concluir el recorrido de la exposición con la poética Black Chords plays Lyrics, 2007del artista francés Saâdane Afif. Esta instalación sonora, mostrada en la última Documenta de Kassel, combina la escultura objetual de apariencia casi mínimal con la música. La obra 81
>Andreas Gursky Madonna I 82
© Andreas Gursky/VG BIld-Kunst Cortesía Monica Sprüth/Philomene Magers, Colonia, Munich, Londres
>Doug Aitken Hysteria, 1998 Cortesía 303 Gallery, New York
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>Douglas Gordon. Bootleg, 1996. CortesĂa del artista y Migros Museum, Suiza
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>Olaf Breuning Ugly Yelp, 2000
>Enrique Marty The Curatordeus (Szeegyas, Buchlodeus, Behestorr, Bilethoet) 2008
Cortesía Galería Arsfutura, Zurich
Cortesía del artista y Galería Espacio Mínimo
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>Cory Arcangel. Sweet 16, 2006. Cortesía Daniel Reich Gallery >Sean Dack . No Encore, 2001. Cortesía Karen and Andy Stillpass
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>Jon Mikel Euba. Un minuto de silencio, 2004. Cortesía Galería Soledad Lorenzo, Madrid
>Félix Curto. Yo la tengo, 2002. Colección Centro de Fotografía Universidad de Salamanca
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>Marc Bijl. Teenage Kicks, 2003. CortesĂa del artista >Izda.: Gavin Turk. Pop Up, 2002. CortesĂa del artista
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atrapa sutilmente los sentidos del espectador, y lo invita a quedarse a escuchar los acordes encadenados de trece guitarras Gibson Les Paul (una de las guitarras icónicas en la cultura rock) conectadas a trece amplificadores. La obra se inspiró inicialmente en un artículo del periodista musical francés Patrick Audeline, para la revista Rock and Folk en el que explicaba que la mayoría de las canciones más famosas de la historia del rock se habían compuesto en base a las mismas series de acordes recombinadas una y otra vez con pequeñas variaciones. Los acordes que surgen de las guitarras de esta instalación son por tanto una combinación aleatoria de disonancias y armonías interpretadas por mecanismos programados mediante un ordenador. El espacio de la instalación invita a tomar una actitud contemplativa ( casi religiosa) ante la música y la condición esencial de la guitarra eléctrica, adquiere un nuevo carácter que produce un sentimiento delicadamente abstracto y sutil que se aproxima a la melancolía...
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>Janet Cardiff and Bures Miller. Feedback, 2004. Colección Thyssen Bornemisza Art Contemporary, Viena
96>Saadane Afif. Power Chords, 2005. Private Collection, Paris
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SALA SANTO DOMINGO DE LA CRUZ Alfred Wertheimer
Elvis 56 Comisarios: Javier Panera/Rafael L贸pez 2 de Octubre/ Noviembre 2008 Colabora: Govinda Gallery
Ernest C. Whiters
From Rhythm and blues to rock Comisarios: Javier Panera/Rafael L贸pez 2 de Octubre/ Noviembre 2008 Colabora: Panopticon Gallery, Boston, MA
Sala de exposiciones
Sala de Exposiciones de Santo Domingo de la Cruz Arroyo Santo de Santo domingo s/n Salamanca Tfno 34-923281716 www.ciudaddecultura.org
Horario: De martes a viernes de 17.00 a 21.00 h Lunes (no festivos) cerrado S谩bados, Domingos y Festivos de 12.00 a 14.00 y de 17.00 a 21.00 h
ALFRED WERTHEIMER Elvis at 21. From New York to Memphis. 1956
los iconos culturales más significativos del siglo XX todavía podía caminar por las calles sin ser reconocido y tomarse un café en un bar sin ser molestado. De los millones de fotográfias que se han tomado de Elvis a lo largo de su carrera, hay muy pocas en las que llegue a mostrarse tan vulnerable como en esta serie; no es por ello extraño que una gran parte de estas imágenes fueran celosamente guardadas por su susceptible mánager el famoso ‘Coronel’ Tom Parker, guardián exclusivo de la imagen del artista.
La mayoría de las fotografías que componen esta exposición no han visto la luz pública hasta el año pasado en el libro: Elvis at 21, From New York to Memphis y se muestran por primera vez en España dentro del proyecto Rock My Religion para Explorafoto. La serie de imágenes que Alfred Wertheimer ha reunido bajo este título fue un encargo de la compañía discográfica RCA en los inicios de carrera de Elvis Presley quien por entonces sólo contaba 21 años. Heartbreak Hotel acababa de ser número 1 en las listas y la nueva compañía discográfica de quien luego sería “El Rey del Rock” contrató al fotógrafo free lance Wertheimer para seguir al joven músico durante su primera gira importante de actuaciones por los Estados Unidos. Entre marzo y Julio de 1956 se tomaron más de 4000 fotografías. Las imágenes resultantes, tanto en el escenario como fuera, son asombrosamente sinceras, y probablemente lo más cerca que se estuvo de Elvis cuando todavía no había perdido la inocencia. Por entonces, quien pronto se convertiría en uno de 100
Una parte importante de las fotografías capturan la energía y el carisma de Elvis en sus actuaciones en directo o en los platós de televisión, pero las que realmente nos sorprenden son aquellas en las que sale retratado en momentos triviales y cotidianos: en los descansos de las sesiones de grabación, al final de los conciertos, durmiendo en el tren, hablando por teléfono con su madre, en pequeñas habitaciones de hotel en ropa interior, afeitándose o cepillándose los dientes, incluso flirteando en un bar cualquiera con una fan y pasando poco después “a mayores” con ella en unas escaleras…
>Página anterior: Starbust. Russwood Park.Memphis. July 4. 1956 © Alfred Wertheimer/Cortesía Govinda Gallery 101
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Elvis y Barbara Hearn escuchando “Don´t Be Cruel” Memphis. Tenesse, Julio 4. 1956 © Alfred Wertheimer/Cortesía Govinda Gallery
Elvis canta “Hound Dog” Ensayo en Steve Allen Show, Julio 1. 1956 © Alfred Wertheimer/ Cortesía Govinda Gallery
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Ernest C. WHITERS From Rithm and Blues to Rock 1950 -1960 Paralelamente a las fotografías de la primera gira norteamericana de Elvis Presley (presentadas por primera vez en España) se presenta el trabajo From Rithm and Blues to Rock 1950 -1960 del fotógrafo afroamericano Ernest C. Whiters inmediatamente anteriores o coetáneas a las de Elvis que muestran las reivindicaciones de los derechos civiles por parte de la comunidad afroamericana, que había inventado el blues y el rock n roll soportando que estos ritmos fuesen denominados “Race Music” mientras los blancos se apropiaban de ellos y los convertían en géneros populares. Las fotografías de Ernest C. Whiters son la prueba de que es imposible situar cronológicamente el nacimiento del rock’n roll, pues se trata de un melting-pot musical que fue surgiendo de la confluencia de diferentes géneros: blues y góspel, la música negra de los años cuarenta -que fue enormemente creativa-, las grandes orquestas de jazz, country y sobre todo rhythm and blues pero la evidencia más importante es la influencia que ejerció la música negra sobre la música blanca. Por otra parte el rock desencadenó una importante mutación de la sociedad, un cambio de actitud verdaderamente espectacular pues a parte de cambiar la mentalidad e intereses de los jóvenes detrás del rock comenzaron a desaparecer las barreras segregacionistas, ya que la mayoría de los artistas que había desarrollado este estilo eran negros. El trabajo de Whiters documenta ese largo –e inacabado– camino de rock y lucha por los derechos civiles. 104
>B.B. King con Bill Harley. Hippodrome. Beale Street. Memphis, c. de 1950 © Ernest C. Whiters, Cortesía Panopticon Gallery
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Howling Wolf, WDIA Goodwill Revue, City Auditorium, 1959 © Ernest C. Whiters, Cortesía Panopticon Gallery
Coretta Scott King con familia y acompañantes en camino al Ayuntamiento de Memphis después del asesinato de Martin Luter King, 8 Abril, 1968 © Ernest C. Whiters, Cortesía Panopticon Gallery
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Una actuación de Ike y Tina Turner en el Club Paradise, 1962 © Ernest C. Whiters, Cortesía Panopticon Gallery
Calle Riots Principal, huelga de trabajadores sanitarios, Memphis, 28 Marzo 1968 © Ernest C. Whiters, Cortesía Panopticon Gallery
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DA2. DOMUS ARTIUM 2002 Bruce Davidson Brooklyn Gang, 1959
3 Octubre 2008/ 4 Enero 2009 Colabora:
New York City. 1959. Brooklyn Gang Š Bruce Davidson/Magnum Photos/Contacto
Sala de exposiciones
DA2 Salamanca. Domus Artium 2002
Avenida de la Aldehuela s/n 37003 Salamanca. Tel 34-923184916. Da2@ciudaddecultura.org www.ciudaddecultura.org/da2 www.da2salamanca.blogspot.com Horario: Martes a viernes de 12.00 a 14.30 y de 16.30 a 21.00 h SĂĄbados, domingos y festivos: de 11.00 a 21.00 h Lunes cerrado
BRUCE DAVIDSON Brooklyn Gang, 1959
En 1959 Bruce Davidson realizó su primer proyecto fotográfico, un reportaje sobre una banda juvenil de Brooklyn, The Jockers. Durante varios meses siguió sus pasos en las calles, captando su estilo de vida y motivaciones, su identidad grupal, su ubicación en el entorno, la estética rebelde al modo de James Dean, sus primeras relaciones amorosas, la transición de la juventud a la edad adulta. Una nueva modalidad de juventud que nacía como reducto marginal y conformaba su estética bajo los nuevos sonidos del rock ‘n roll y el juke box. Pero en esta ocasión, la felicidad autoimpuesta por los nuevos ritmos tan sólo aparecía como desidia o frustración. El otro lado del sueño americano, que Robert Frank supo retratar con tan intenso efecto en su libro The Americans (1955), aparece de nuevo en Bruce Davidson y el retrato de una juventud que ha vivido en los propios márgenes de la formalidad del High School. The Brooklyn Gang es el otro lado de la felicidad social que la sociedad de consumo empezó a construir tras los desastres de la II Guerra Mundial. La otra cara de la juventud norteamericana. 112
New York City. 1959 Brooklyn Gang © Bruce Davidson/ Magnum Photos/Contacto
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New York City. 1959. Brooklyn Gang. Š Bruce Davidson/Magnum Photos/Contacto
New York City. 1959. Brooklyn Gang. Š Bruce Davidson/Magnum Photos/Contacto
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PALACIO DE CONGRESOS Baron Wolman
Yo ví la música Comisarios: Rafael López/Javier Panera 18 de Octubre/29 de Noviembre 2008
Psychedelic Underground Muestra colectiva
18 de Octubre/29 de Noviembre 2008 >Baron Wolman Jimi Hendrix. San Francisco. Febrero 1968 © Baron Wolman
Sala de exposiciones
Palacios de Congresos y Exposiciones de Castilla de Castilla y León Cuesta de Oviedo, s/n Salamanca. Tfno.: 923 265 151 www.palaciocongresossalamanca.com
Horario: Martes a domingo de 12.00 a 14.00 y de 18.00 a 21.00 h. Lunes cerrado
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BARON WOLMAN Yo ví la música
y nunca utilizó cámaras estroboscópicas, prefiriendo un tratamiento informal del retrato, un estilo fotográfico tan adecuado por entonces para sus modelos como para el tipo público que leía la revista. Wolman dejó constancia con su objetivo de una época en la que se pensó que la música y el movimiento sicodélico podían transformar el mundo, pero más allá de ese contexto sus fotografías se han convertido en iconos de la cultura pop que hoy se encuentran instalados en el inconsciente colectivo.
En San Francisco, en abril de 1967 Baron Wolman con 30 años de edad, conoce elocuente estudiante de la Universidad de Berkeley y escritora freelance llamada Jann Wenner. Baron fotografía grupos de rock y Wenner desarrolla un nuevo tipo de periodismo musical con el periodista del San Francisco Chronicle Ralph Gleason. Baron comienza a conjugar su actividad free lance con su trabajo en la recién creada Rolling Stone donde permanece desde octubre de 1967, momento en que su primera colaboración fue publicada, y continuó al servicio de la revista durante tres años. Las fotografías de Janis Joplin, the Rolling Stones, Frank Zappa, The Who, Jimi Hendrix, Joan Baez, Iggy Pop, Pink Floyd, the Grateful Dead, Phil Spector, Jim Morrison, Ike & Tina Turner, y otras celebridades que fueron muy pronto músicos muy relevantes e iconos de la contracultura, se convirtieron en las imágenes centrales del diseño de esta revista. Documentar el carisma de las actuaciones de estos músicos en directo contribuyó a su “mitificación” y a que se convirtieran en objeto de culto de milones de fans de todo el mundo, de hecho, salvo contadas excepciones Baron se abstuvo casi siempre del trabajo de estudio
Psychedelic Underground La exposición de Wolman se complementa con la colectiva Psychedelic Underground que reúne más de un centenar de portadas de discos y posters sicodélicos realizados entre 1966 y 1970 por artistas como Rick Griffin, Wes Wilson, Victor Moscoso, o Martin Sharp los cuales tendrán como contrapunto dos videos de performances realizadas por la artista japonesa Yayoi Kusama en el Love In Festival de 1967 y otro con los famosos Cut Up de Burroughs.
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>Baron Wolman Keith Richards. Julio 1978 Š Baron Wolman
>Baron Wolman Pete Townshend San Francisco, Noviembre 1967 Š Baron Wolman
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>Martin Sharp Portada de la revista OZ 196
>Baron Wolman. Janis Joplin. San Francisco, Enero 1968. Š Baron Wolman
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DA2. DOMUS ARTIUM 2002 Andy Warhol/Ronald Nameth Exploding Plastic Inevitable Comisario: Javier Panera
10 Octubre 2008/ 4 Enero 2009
>Ronald Nameth Andy Warhol´s Exploding Plastic Inevitable © 1965-2005. All rights reserved
Sala de exposiciones
DA2 Salamanca. Domus Artium 2002
Avenida de la Aldehuela s/n 37003 Salamanca. Tel.: 34-923 184 916. Da2@ciudaddecultura.org www.ciudaddecultura.org/da2 www.da2salamanca.blogspot.com Horario: Martes a viernes de 12.00 a 14.30 y de 16.30 a 21.00 h. Sábados, Domingos y Festivos: de 11.00 a 21.00 h. 124 Lunes cerrado
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Andy Warhol / Ronald Nameth Exploding Plastic Inevitable
Los dos años de relación entre Andy Warhol y la banda The Velvet Underground determinaron de forma significativa la relación entre el arte de vanguardia y la música rock por eso ocupan un espacio destacado en esta exposición. A mediados de los años sesenta, el estudio de artistas conocido como la Factoría se había convertido en el epicentro de la cultura underground de Nueva York tal y como reflejan las fotografías de Stephen Shore y Billy Name presentes también en esta sala. Tantos mundos distintos convergieron en la Factoría que, tal y como apunta Mary Harron. “era inevitable que Warhol conociera a The Velvet Underground”. Sin embargo la relación de Warhol con la música no era nueva y desde los años 50 colaboraba con el sello especializado en jazz Blue Note diseñando más de 20 portadas de discos para músicos como Johnny Griffin o Kenny Burell. Por otra parte en los sesenta había entablado amistad con varios músicos vanguardistas como La Monte Young y Marian Zazeela, que más tarde trabajó con el futuro componente de The Velvet Underground, John Cale, así como con el artista conceptual Walter De Maria, el cual tocó en una primera formación de la Velvet Underground con Jon Cale y Lou Reed llamada The Primitives. 126
Pero según parece fue el asistente personal de Warhol, Gerard Malanga, quien pondría en contacto al artista con The Velvet Underground, cuya música ya presentaba una audaz combinación entre instrumentación experimental y letras sobre los aspectos más sórdidos de los bajos fondos de Nueva York que contrastaban de modo notable con el escapismo pastoril de la generación hippie coetánea. Las extravagantes danzas improvisadas que Malanga efectuaba acompañado con un látigo en los conciertos de The Velvet impulsaron a Warhol a utilizar a la banda en unos espectáculos multimedia presentados bajo el título Andy Warhol’s Exploding Plastic Inevitable. El director de cine Ronald Nameth colaborador de Warhol desde 1966, grabó algunos de aquellos espectáculos y ha reconstruido en una instalación multipantalla combinada con fotografías de gran formato, ubicada en la Sala 2 del DA2, una de esas actuaciones capturando la deslumbrante combinación psicodélica de luces de colores y proyecciones cinematográficas, la intensidad física de los cuerpos que se retorcían en la pista de baile y los fluctuantes –y a veces cacofónicos- sonidos de The Velvet Underground & Nico. Resulta significativo el hecho de que Warhol produjera la grabación del disco y creara la mítica portada del primer álbum del grupo, The Velvet Underground & Nico (1967), considerado por muchos uno de los álbums de rock and roll más influyentes de todos los tiempos, -si bien en su momento pasó tristemente desapercibido-. Como contrapartida varios miembros de The Velvet Underground (Cale, Reed, Nico, Sterling Morrison y Maureen Tucker) se unieron a otros músicos de rock que frecuentaban The Factory participando en varias películas de Warhol de las que se proyectan algunos fragmentos junto con abundante material contextual de la época. 127
>Ronald Nameth Andy Warhol´s Exploding Plastic Inevitable Š 1965-2005. All rights reserved 128
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>Ronald Nameth Andy Warhol´s Exploding Plastic Inevitable © 1965-2005. All rights reserved 130
>Stephen Shore. Andy Warhol y Lou Reed en la Factory. Cortesía Monica Sprüth/Philomene Magers, Colonia, Munich, Londres
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PALACIO DE CONGRESOS Satellite of Love. Mick Rock y la est茅tica Glam Comisarios: Bodo Rau/Javier Panera 18 de Octubre/29 de Noviembre 2008 Colabora: Flo Peters Gallery, Hamburgo Govinda Gallery, Washington D.C.
Martin Frias 1973-2008
Comisario: Eduardo Margareto 18 de Octubre/29 de Noviembre 2008
David Bowie Aladdin Sane. LP, 1974
Sala de exposiciones
Palacios de Congresos y Exposiciones de Castilla de Castilla y Le贸n Cuesta de Oviedo s/n Salamanca. Tfno.: 34-923 265 151 www.palaciocongresossalamanca.com
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Horario: Martes a domingo de 12.00 a 14.00 y de 18.00 a 21.00 h. Lunes cerrado
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Satellite of Love. Mick Rock y la estética Glam
El maquillaje, la licra, las pelucas y la laca de uñas se convirtieron en un acto de afirmación y celebración que, al mismo tiempo que cuestionaba las condiciones ideológicas de las identidades sexuales rompía los tabúes dominantes. La muestra de Mick Rock en el Palacio de congresos, con sus imágenes excesivas sobre iconos glam como David Bowie o The New York Dolls, sirve para aproximarse a los aspectos más destacados de este movimiento en el que curiosamente había varias estrellas del rock con formación en Bellas Artes como Brian Eno, Brian Ferry o el propio Bowie.
A principios de los años setenta el movimiento glam, surgido en Londres, consiguió invertir la dialéctica de la identidad sexual y marcar distancias frente al estilo idílico y pastoral de la “generación de las flores” que le había precedido y la música pretenciosa y excesivamente intelectualizada del coetáneo rock progresivo, el Glam “brilla” por el humor y el exceso kitsch de sus símbolos como reflejan los posters, portadas de discos y vídeos de la época. Pero sobre todo destacó por su posición radical respecto a la identidad alcanzando en el caso de artistas como David Bowie o Iggy Pop componentes performativos tan próximos al teatro de vanguardia como al Body Art. De hecho, la influencia de este estilo en las artes visuales de la época fue significativa y en 1974 se celebró en Viena la exposición Transformer. Aspekte der travestie, que mezcló en el espació museístico obras de artistas como Jurgen Klauke, Urs Luthi o Andy Warhol con imágenes de músicos travestidos como The New York Dolls, Lou Reed o David Bowie. 134
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>Mick Rock. David Bowie/Mick Ronson Lunch of train to Aberdeen, Scotland 1973. © Cortesía Mick Rock, 2000
>Mick Rock. Iggy pop, 1973. Cortesía del artista y Govinda Gallery
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MARTiN FRiAS 1973-2008 Este fotógrafo de origen castellano leonés fue el fundador en los años 70 de Popular 1, la revista decana en la prensa musical española, dirigiendo dicha publicación durante más de 30 años en los cuales ha retratado tanto en estudio como en directo a las más famosas rockstars de cada década. Esta exposición reúne treinta piezas de gran formato y estilo inconfundible en las que agrupa algunos de sus “iconos” más representativos.
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>Martin Frias. Pag.138: Marylin Manson /Pag. 139: David Bowie Pag. 140: StevenTyler/ Pag. 141: Black Crowes Chris
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MUSEO DE SALAMANCA 驴D贸nde estabas tu en el...?
Rock en Salamanca 1960 -1980. Exposici贸n colectiva Comisario: Victor Villarroel 6 de Octubre/29 Noviembre 2008 Colabora: El Adelanto La Gaceta de Salamanca
>Eva Rock Festival de Burgos. Verano 1975 Sala de exposiciones
Museo de Salamanca
Patio de Escuelas 2 37008 Salamanca. Tel.: 34-923 212 235 Horario: Martes a s谩bados de 10.00 a 14.00 y de 16.00 a 19.00 h. Domingos y festivos: de 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 21.00 h. 142
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¿DÓnde estabas tu en el…? Rock en Salamanca 1960 -1980. Exposición colectiva
>Rock boys Primera Guitarra eléctrica fabricada en Salamanca, 1959
Esta exposición reúne cerca de 100 fotografías (Muchas de ellas de autor anónimo) seleccionadas por Victor Villarroel investigador del rock y la cultura pop en las que se aproxima de un modo casi arqueológico a los orígenes del rock en Salamanca desde 1960 hasta los primeros años de la democracia. 144
>Los Vanadiors con Rocío Durcal, c. 1965
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>Los Polaris, 1965 / Los Crashers,1965
>Grupo 96, 1975
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Mobi Dick 1975 / Santa Clara, 1975 / Los Davis, 1968
>Guitarra, 1975
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PALACIO DE LA SALINA La invasión de la cochambre
Primeras 15 horas de música pop Ciudad de Burgos. Julio 1975 Comisario: Paco Alcántara 9 Octubre/9 Noviembre 2008 Colaboran:
RTVE Diario de Burgos Correo de Burgos Agencia ICAL
Festival Pop Ciudad de Burgos, Julio 1975
Sala de exposiciones
La Salina. Diputación de Salamanca San Pablo, 24. Salamanca. Tfno.: 34-923 293 233
Horario: Lunes a sábado de 18.00 a 21.00 h Domingos y festivos de 12.00 a 14.00 h
LA INVASIÓN DE LA COCHAMBRE Primeras 15 horas de música pop Ciudad de Burgos. Julio 1975
Pero, al no cumplirse ni las expectativas económicas, ni las musicales, las “Segundas 15 horas de Música Pop Ciudad de Burgos”, ya no se celebraron. Como señaló Diego Manrique en su crónica del festival, “el rock español aún no tiene poder de convocatoria”.
El primer gran festival pop español es recordado por el titular con el que un pequeño periódico burgalés dedicó a los asistentes que se desplazaron desde diferentes ciudades españolas para presenciar tan novedoso concierto. La invasión de la cochambre abría la edición de La Voz de Castilla de aquel sábado cinco de julio de 1975. En portada, junto a tan memorable frase, aparecían sendas imágenes de jóvenes, ataviados con macutos, para remachar tan enjundiosa afirmación.
Y eso que por el escenario de la plaza de El Plantío pasaron algunos de los grupos que hicieron historia en el rock español. Hilario Camacho, Alcatraz, Tilburi, John Campbell, The Falcons, Tartesos, Bloque, Eva Rock, Compañía Eléctrica Darma, Gualberto, Barning, Granada, Storm, Eduardo Bort, Orquesta Mirasol, Iceberg y Triana. Ninguno recibió la oferta de regresar a Burgos para participar en el que seguramente, con la vivacidad e inteligencia de Fernández de Córdoba, se hubiera llamado, “El regreso de la cochambre”.
Sin embargo, como reflejan las fotos de Federico Vélez (Fede), Villafranca, José Madrid Santurtún y Pep Rigol, aquellos veinteañeros se limitaron a cantar y bailar al ritmo de cada uno de los diecisiete grupos que tocaron en la Plaza de Toros de Burgos, desde las doce de la mañana del sábado, hasta pasada las tres de la noche del domingo.
Paco Alcántara
¿Por qué una ciudad adusta y conservadora como Burgos, en los últimos coletazos del franquismo, acogió un evento de este tipo? Según comentó entonces el organizador, el manager andaluz José Luis Fernández de Córdoba, “porque el Ayuntamiento de esta ciudad es el único que le ha echado valor a nivel de afrontar una responsabilidad tan gorda como es llenar de melenudos la ciudad”. A pesar de los recelos, Burgos no recibió una incursión de vándalos y desaliñados, apenas cuatro mil jóvenes cubrieron las gradas y el albero de la Plaza de Toros. 152
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Festival Pop Ciudad de Burgos, Julio 1975
Festival Pop Ciudad de Burgos, Julio 1975
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Jamie Reid
Arte y diseño en los años del punk Comisario: Javier Panera 10 Octubre 2008/7 Enero 2009 Colabora: ISIS GALLERY LONDRES Paul Stolper Gallery, londres
>Sex Pistols Mural, 1983 Cortesía Jaime Reid e Isis Gallery, Londres
Sala de exposiciones
DA2 Salamanca. Domus Artium 2002
Avenida de la Aldehuela s/n 37003 Salamanca. Tel.: 34-923 184 916. Da2@ciudaddecultura.org www.ciudaddecultura.org/da2 www.da2salamanca.blogspot.com Horario: Martes a viernes de 12.00 a 14.30 y de 16.30 a 21.00 h Sábados, domingos y festivos: de 11.00 a 21.00 h Lunes Cerrado
Miguel Ángel Santos
DA2. DOMUS ARTIUM 2002
JAMIE REID Arte y diseño en los años del punk
Jaime Reid (Croydon, 1947), orquestó los principales componentes de la estética punk en connivencia con Malcolm McLaren y la diseñadora Vivienne Westwood, que comprendieron que el Punk no podía entenderse sin un componente visual al menos tan poderoso como la propia música. “(…) No era el fenómeno en sí lo que me interesaba. Vi al punk como parte de un movimiento artístico que venía desde hace por lo menos cien años, con raíces en la propaganda de agitación rusa, el surrealismo, dada y el situacionismo. Solía hablar bastante con John Lydon (cantante de la banda, más conocido bajo el pseudónimo de Johnny Rotten) acerca de los situacionistas, y del Suburban Press. Los Sex Pistols parecían el vehículo perfecto para comunicar ideas de forma directa a la gente que no era receptible a los mensajes del ala política izquierda (…)”.
de los avisos comerciales de jabón en polvo, la portada fue varias veces rechazada y enjuiciada por la corte de Nottingham debido al uso de la palabra ‘pelotas’. A pesar de esto, se lo consideró legal y sus ventas nunca descendieron. En sus trabajos para los Sex Pistols, Reid redefine algunos de los principios del lenguaje gráfico moderno, impulsando la independencia y la democratización de la producción gráfica a través de soportes y procedimientos baratos como el collage a base de fotocopias o potenciando los aspectos creativos e ideológicos frente a la habilidad, la técnica y el concepto del buen gusto. Muchos de los comportamientos que hoy calificamos como “virales” o “de guerrilla”, tienen su origen en los planteamientos de Reid, que ya en los años 70 cubría el centro de Londres con sus polémicos stickers y co-fundó Suburban Press, un periódico local de espíritu combativo y anarquista. Reid producía sus propios afiches, revistas y panfletos a favor de los grupos squatters, prisioneros políticos, el movimiento negro y el feminista. El espíritu del Suburban Press terminó por sentar un precedente inmediato y se constituyó como la fuente inspiradora de los primeros fanzines punk que comenzarían a circular por Londres en 1977 los cuales podrán verse en esta muestra junto a los diseños del propio Reid.
Reid es el célebre diseñador que le puso un imperdible al labio de la reina Isabel durante los actos del Jubileo en Inglaterra en 1977 en la portada de uno de los primeros singles de los Sex Pistols, tomando como modelo un cartel de mayo del 68 y meses después diseño la cubierta del primer LPdel grupo, titulado: Nevermind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols (1977), que era una imitación deliberada 158
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160 >Sex Pistols Mural, 1983. CortesĂa Jaime Reid e Isis Gallery, Londres
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162 >Sex Pistols Pretty Vacant. 1977
>Sex Pistols Anarchy in the Uk. 1977 163
Miguel Trillo. Chicas de plexiglás Una exposición para comprender la movida madrileña Comisario: Hector Fouce 9 Octubre/ 2 Noviembre 2008 Colabora: Dicroma Exposiciones
> Miguel Trillo. Público en el I Concurso de Rock Diputación en la plaza de las Ventas. Madrid, 1980. Cortesía del artista Sala de exposiciones
Palacio de Gracigrande
Plaza de los Bandos. Salamanca Horario: Tardes de 18.00 a 21.30 h Domingos y festivos de 12.00 a 14.00 h
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Miguel Ángel Santos
PALACIO GARCIGRANDE
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MIGUEL TRILLO. Chicas de plexiglás. Negras flores Estéticas urbanas y creación cultural en la década de los 80
Los años 80 suponen una importante renovación en la estética y el imaginario cultural de España. La generación joven de los 80 quiere ser moderna, celebra la experiencia urbana y, después de tantos años en los que la militancia política era el principal signo de la juventud opuesta al franquismo, se entrega al disfrute y a la experiencia estética. Son los años de eclosión del pop español, de ascendencia punk, los años de la movida madrileña y del surgimiento de una generación marcada por la cultura audiovisual: música, cine, diseño, comic, moda. Esta exposición pretende dar una visión de conjunto de las prácticas e imaginarios de esa generación, a través de un diálogo entre las fotografías de Miguel Trillo y los productos culturales creados en esa década. Con la música como medio articulador, recorriendo los discos y las salas de conciertos, hemos documentado la ingente producción de fanzines, el surgimiento de las revistas postmodernas, la aparición de una nueva generación de cineastas y la eclosión del cómic como gran medio narrativo.
una selección de cuarenta fotografías, volviendo su cámara hacia los públicos que llenaban los conciertos, los jóvenes que recorrían las calles en busca del último bar o los que simplemente pasaban por allí. Trillo ofrece una visión antropológica, la imagen de una ciudad cuyo mayor espectáculo son sus calles pobladas de gente, con su diversidad, su colorido, su actitud, sus ganas de demostrar que, como decía la canción, el futuro ya está aquí. Esta exposición ofrece una visión completa del mundo estético y cultural de los jóvenes de los 80. Ofrece una visión de los protagonistas y de sus contextos que permite ir más allá de la fascinación para entender el significado de las estéticas y de las culturas que estas vehiculan
Héctor Fouce
Pero músicos, diseñadores, cineastas o dibujantes no son lo únicos protagonistas de una década brillante. El paisaje urbano se fue poblando de estéticas y actitudes que proclamaban la llegada de nuevos tiempos, y que Miguel Trillo muestra en 166
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> Paco Manzano. Tapones Visente en el Palacio de Deportes de Madrid durante la III Fiesta del estudiante y la radio, 1984
> Miguel Trillo. ﾃ］geles Caﾃｭdos antes de su concierto en la Facultad de Derecho. Madrid, 1982. Cortesﾃｭa del artista
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Jorge P. Quiroga
Retratos del Rock’n’ Roll clásico hoy en España 9 Octubre/9 Noviembre 2008
>Jorge P. Quiroga Sín título Cortesía del artista
Sala de exposiciones
Sala Unamuno
Cuesta del Carmen 24 Salamanca Horario: Martes a domingo, mañanas de 12.00 a 14.00 h. Tardes de 18.00 a 21.00 h. Lunes cerrado 170
Miguel Ángel Santos
SALA UNAMUNO
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JORGE P. Quiroga. Retratos del rock ‘n’ roll clásico hoy y en españa Quiroga no es un fotógrafo al uso, es mucho más: pintor pop gestual, joyero de iconos del rock, tatuador, grafista de motos y mecánico sin título. La ecuación arte-vida confluye en él a través de un constante hacer imágenes desde dentro. Un proceso de viajes y oficios: en México DF reportero de la lucha enmascarada (imágenes aún inéditas al igual que sus retratos de personalidades transgresoras), en Barcelona currante de un taller de motos Custom decorando chasis de motos (donde investiga fotográficamente el rock and roll legendario), etc.; para llegar al interior de la meseta castellana y, desde allí, retratar parajes humanos sórdidos y fugaces. Su táctica es mezclarse, participar y desarrollar el relato visual desde dentro, sudando con ellos. Todos estos oficios le proporcionan un enfoque muy distinto al de cualquier artista diletante o reportero estándar. Su fotografía son relatos buscando límites y aristas en las caras curtidas de quienes han vivido lo que aún no ha sido retratado por los medios de comunicación. A los rockers pertenecientes al ghetto hermético del rock and roll clásico, lo que más les preocupa es la actitud y su imagen exterior. Sus gustos sonoros, normas sociales, simbologías y gestos son una barrera por la que no pasa cualquier pardillo. Como agente infiltrado Quiroga no tiene que mimetizarse, es uno de ellos. Respeta sus reglas y conoce sus vidas particulares (además de saber tratar a tipos más duros de los que se podría imaginar cualquier escritor de serie negra). Más allá de apretar el disparador están la paciencia y aguante, el tesón y arrojo, las humillaciones y peleas; pero únicamente muestra la esencia condensada de todas esas emociones, sus propias experiencias. Unas caras en las que se pueden observar otros mundos al margen de lo conocido (y que están entre nosotros). 172
Carlos Trigueros
>Jorge P. Quiroga. Sín título. Cortesía del artista
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Largen & Bread Crash!!!
14 Octubre/14 Noviembre 2008
Sala de exposiciones
Espacio Joven
Calle José Jáuregui 16 37002 Salamanca www.espaciojoven.org Horario: De 10.00 a 14.00 h. y de 17.00 a 21.00 h
Largen and Bread forman un colectivo multidisciplinar que experimenta con la imagen y el sonido trabajando sobre la iconografía popular y la saturación visual de los media en la era de la circulación promiscua de las imágenes. En un proceso de trabajo que recuerda las últimas creaciones de Christian Marclay; en la videoinstalación Crash!!! se apropian de imágenes –ya históricas- de músicos de Rock destrozando sus instrumentos y las distorsionan audiovisualmente poniendo de manifiesto el artificio de los impulsos autodestructivos en la esfera del rock. 174
Miguel Ángel Santos
ESPACIO JOVEN
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Alejandro Vidal
Dance like a fool, walk like a king 8 de Octubre/30 Noviembre Colabora: Galería Joan Prats
>Alejandro Vidal May the force serve you well, 2007 Cortesía del artista y Galería Joan Prats
Sala de exposiciones
Casa de las Conchas. Planta Baja
Calle Compañía 2 37001 Salamanca. Tel 34-923269317 http://www.bibliotecaspublicas.es/salamanca/index.jsp Horario: Lunes a Viernes de 9.00 a 21.00 h Sábados 9.00 a 14.00 h
Trabajos de vídeo y fotografía. Una exploración de los rituales juveniles en los que el deseo, la violencia, la música y las emociones más intensas se entrecruzan configurando una narración abierta. 176
Miguel Ángel Santos
CASA DE LAS CONCHAS Planta baja
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>Alejandro Vidal Shadows of echoes and memories of songs, 2007
>Alejandro Vidal. Invocation, 2007
Cortesía del artista y Galería Joan Prats
Cortesía del artista y Galería Joan Prats
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Miguel Trillo
Complicidades. Retratos 1990-2008 14 Octubre/14 Noviembre 2008
>Miguel Trillo Madrid Festimad 2002 Sala de exposiciones
Galería Adora Calvo Cale San Pablo, 66 Salamanca
Horario: Martes a viernes de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.30 h. Sábados de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 21.00 h. Domingos y lunes cerrado 180
Miguel Ángel Santos
GALERÍA ADORA CALVO
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Pejac & TMori Cut & Roll Comisario: Juan R. Benito
9 Octubre/16 Noviembre 2008
> TMori’08 Jack Bork Son (detalle) Cortesía del artista
Sala de exposiciones
Galería Benito Esteban Santa Clara, 5 37001 Salamanca
Horario: Martes a sábado de 12.00 a 14.00 y 18.00 a 21.00 h. 182
Miguel Ángel Santos
GALERÍA BENITO ESTEBAN
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PEJAC & TMORI Cut & Roll Cut & Roll es una propuesta expositiva de la Galería Benito Esteban para ExploraFoto 2008 en la que se enfrentan las obras de los artistas Pejac y Tmori, las dos basadas en el lenguaje gráfico y en el cuestionamiento de los roles y consignas -como la originalidad, trangresión, o la amoralidad- del mundo del rock, que hoy parece a la deriva, viendo desactivadas sus proclamas por el consumo masivo dirigido por los flujos globales del marketing. Pejac se vale de las prácticas del street art como el stencil o plantilla que utilizan algunos post-grafitteros y/o artistas como Banksy para cuestionar status quo varios y homenajear sus referentes culturales lógicamente visuales; utilizando imágenes de la memoria retínica global se construye un discurso que ya no puede ser nuevo pero sí comentario, incordio, chiste, a la neutra, única, amalgama –blob- que se expande sin remisión. Tmori por su parte hereda la práctica audiovisual que desde el remix y el sampling ha devenido mashup, última etiqueta para el pop bastardo, mezclas sin padres reconocidos, dado que los djs ocultan su identidad en este tipo de trabajos, quizás ilegales. Así, se zambulle en el flujo de imágenes de marca que son los presuntamente diferentes héroes de nuestra historia rockandrollera, para cruzarlos unos con otros, a veces con cariño y siempre con perversa alegría. Juan R. Benito 184
> Pejac. Ian Curtis tribute. Cortesía del artista
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Salamanca directo (1997-2007) Exposición colectiva Comisario: David Arranz
7 de Octubre/30 Noviembre Colabora: LA GACETA DE SALAMANCA
> Carlos Barroso Radiohead. Palacio de Congresos Salamanca, 2002. Cortesía del artista
Sala de exposiciones
Casa de las Conchas. Claustro Alto
Calle Compañía 2 37001 Salamanca. Tel.: 34-923 269 317 http://www.bibliotecaspublicas.es/salamanca/index.jsp Horario: Lunes a viernes de 9.00 a 21.00 h Sábados 9.00 a 14.00 h 186
Miguel Ángel Santos
CASA DE LAS CONCHAS Claustro Alto
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SALAMANCA EN DIRECTO David Arranz Carlos Barroso Félix Corchado Jesús Formigo Carlos Pereletegui Alberto Prieto
Esta exposición reune cerca de 100 imágenes realizadas por 6 fotógrafos de prensa castellano leoneses sobre los conciertos nacionales e internacionales más significativos que se han celebrado en Salamanca en las dos últimas décadas. Del rock sudoroso y participativo en pequeños locales a los conciertos multitudinarios, con especial atención a actuaciones durante las cuatro ediciones del Festival Internacional de las Artes de Castilla y León, la Capitalidad Cultural Europea o la celebración de Salamanca 2005 Plaza Mayor de Europa en el curso de los cuales se han podido ver y escuchar en Salamanca a artistas de la talla de: Radiohead, P. J. Harvey, Oasis, Suede, Lou Reed, etc 188
>Alberto Prieto. Killer Barbies, Potemkim Salamanca 1995. Cortesía del artista
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>Izda: David Arranz. P.J. Harvey. Palacio de Congresos de Salamanca, 2003. Cortesía del artista >Félix Corchado. Oasis. Pabellón de Würzburg, Salamanca. Cortesía del artista
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>Carlos Perelétegui. Pereza, 2005. Pabellón Multiusos de Salamanca. Cortesía del artista
>Jesús Formigo. Entrada al concierto de Extremoduro, 2007 Pabellón Multiusos de Salamanca. Cortesía del artista
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DA2 DOMUS ARTIUM SAADANE AFIF CARLOS AIRES DOUG AITKEN CORY ARCANGEL KENNETH ANGER JOHN BALDESSARI MATTHEW BARNEY JOSEPH BEUYS CHRISTA BIEDERBICK MARC BIJL DARA BIRNBAUM PETER BLAKE SLATER BRADLEY OLAF BREUNING JANET CARDIFF AND BURES MILLER TONY COKES BRUCE CONNER KEVIN CUMMINS FELIX CURTO BRUCE DAVIDSON MIKE KELLEY DESTROY ALL MONSTERS SEAN DACK JEREMY DELLER JOHN DI STEFANO
SAM DURANT JON MIKEL EUBA WILLIAM ENGLISH ROBERT FRANK UGNIUS GELGUDA J. L. GODARD DOUGLAS GORDON DAN GRAHAM RODNEY GRAHAM BOB GRUEN ANDREAS GURSKY RICHARD HAMILTON JOHN HEARTFIELD RAOUL HAUSSMANN JOSÈ IGES DEREK JARMAN NAM JUNE PAIK AND JUD YALKUT JUDITH BARRY AND RICHARD KERN LARGEN&BREAD DAVID LAMELAS MARK LECKEY ROBERT LONGO CHRISTIAN MARCLAY ENRIQUE MARTY MALCOM MCLAREN
ROBERT MAPPLETHORPE DAVE ALLEN AND JONATHAN MONK RONALD NAMETH ALBERT OEHLEN YOKO ONO TONY OURSLER JAMIE REID RAYMOND PETTIBON ROBERT RAUSCHENBERG MICK ROCK JON SAVAGE IRA SCHNEIDER STEPHEN SHORE LINDER STERLING GAVIN TURK ALAN VEGA ALEJANDRO VIDAL ANDY WARHOL ALFRED WERTHEIMER VIVIENNE WESTWOOD ERNST C. WHITERS DAVID WOJNAROVICZ X_PRZ SALA SANTO DOMINGO ALFRED WERTHEIMER ERNEST C. WHITERS
P. DE CONGRESOS BARON WOLMAN MICK ROCK DANNY CLINCH GERED MANKOWITZ MARK SELIGER BOB GRUEN MARTÍN FRIAS CASA DE LAS CONCHAS
PLANTA BAJA
ALEJANDRO VIDAL
MUSEO DE SALAMANCA ¿DÓNDE ESTABAS TÚ EN EL...? GALERÍA BENITO ESTEBAN PEJAC&TMORI GALERÍA ADORA CALVO MIGUEL TRILLO
CLAUSTRO ALTO
SALAMANCA DIRECTO ROCK EN SALAMANCA 1990-2008 SALA UNAMUNO JOSÉ LUIS P. QUIROGA P. DE GARCIGRANDE MIGUEL TRILLO CHICAS DE PLEXIGLÁS. SALA LA SALINA LA INVASIÓN DE LA COCHAMBRE. FESTIVAL DE ROCK DE BURGOS 1975
Coordinación del Festival:
DA2
Domus Artium 2002 195