Abre el ojo 11

Infopoint Iedentity Stranger Festival PROYECTOS IED 2008 La arquitectura por venir Clásicos coleccionables Universo Moda El diseño del guión Tres entrevistas a Gillo Dorfles

ÍNDICE AEO’11 ABRE EL OJO Nº 11 AÑO IV Abre el Ojo • revista del IED Madrid • abreelojo.com Dirección IED Madrid > Riccardo Marzullo IED Master > Dario Assante IED Design > Victoria de Pereda IED Moda > Isabel Berz IED Comunicación > Juana Farfán IED Artes Visuales > Eugenia Alcorta

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Infopoint Iedentity Stranger Festival PROYECTOS IED 2008 La arquitectura por venir Clásicos coleccionables Universo Moda El diseño del guión Tres entrevistas a Gillo Dorfles

Comité de redacción de alumnos Javier Alejandre, Marcos Aretio, Cristina Bartl, Celso Bravo,

Paula Caballero, Sergio del Río, Fernanda Díaz, Raquel García Casado, Valentín García, Javier Gutiérrez, Sandra Jáuregui, Emma Masiero, Javier Peña, Óscar Pozuelos, Cristina Ramírez, Ilies Terki

Área Cultural

y Pablo Tostón.

Fundador > Javier Olivares

Responsable > Pedro Medina

Creatividad IED Madrid

Asistentes > Elena Velasco y Pablo Rivero

Dirección de Arte > Javier Maseda

Biblioteca > Susana García

Diseño > Javier Maseda, Josina Llera, Thiago Esquivel y Raquel

Fotografía > Marta Orozco

García Casado Maquetación > Raquel García Casado

Si estás interesado en colaborar, contacta con nosotros

Portada y separadores de secciones > Javier Maseda. Cortesía

> p.medina@madrid.ied.es y e.velasco@madrid.ied.es

de Asymptote (Hani Rashid y Lise Anne Couture) y Fondazione La Biennale di Venezia

ISSN 1887-1380

Distribución en Internet > teenvio de ipdea.com

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EDITORIAL Abre el Ojo Nº 11

Abre el Ojo es siempre un homenaje a todos aquellos que forman parte del IED Madrid, que han creído y creen en lo que hoy representa esta institución y que apuestan cada vez más por seguir experimentando y evolucionando. Por ello, pensamos que no hay mejor manera de hacerlo y de inaugurar el nuevo curso que mostrar una selección de los mejores trabajos que se desarrollaron en el IED Madrid durante el año académico 07/08. A ello dedicamos este número, junto a las secciones habituales y una especial mirada a las tendencias en arquitectura a través de la Bienal de Venecia.

Gracias a la colaboración inestimable de nuestro Comité de Redacción y a las colaboraciones externas que aprecian cómo Abre el Ojo crece número a número, la revista y su web se han convertido en un punto de encuentro para alumnos, ex-alumnos, profesores, personalidades, diseñadores y, en definitiva, toda persona curiosa e inquieta.

Bienvenidos a un nuevo curso, a las sonrisas y saludos entre pasillos, maniquíes despistados, carteles sin prisa, frases en el aire, exposiciones inéditas, ascensores que suben si bajas, vasos sin dueño, nervios y carpetas antes de los exámenes... Nadie sabe de ritmos frenéticos cuando uno se sienta en el patio a tomar el café de media mañana o el último cigarrillo –para dilatar el tiempo, como nos proponían en AEO 10 los alumnos de Slow Project–, hablando de diseño o simplemente observando cómo la gente pasa ante esa escalera tan neoyorquina bajo el cielo de Madrid. A todo ello, habría que añadir que hemos oído que el Ayuntamiento de Madrid quiere transformar Malasaña en un nuevo “Soho”. Veremos qué ocurre, pero, en cualquier caso, sabemos que escribimos y pensamos en el futuro desde un contexto privilegiado. ¡Y esto es solo el inicio! Os esperamos.

Elena Velasco y Pedro Medina

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Infopoint

Toda la informaci贸n sobre el mundo del dise帽o y las actividades del IED Madrid en la agenda cultural de AEO: abreelojo.com.

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Infopoint Eventos

Octubre recibe el año académico como siempre con buenos propósitos para el nuevo curso. Echando la vista atrás, recordamos cómo el curso pasado concluyó con la entrega de diplomas de las Escuelas de Artes Visuales, Design, Moda Lab y Master.

IED Moda Lab despidió a sus alumnos con una fiesta en el Museo del Traje, que reunió los proyectos de tesis junto a la música en directo de The Imperial Surfers.

Junto a este acto, IED Moda Lab también concluyó el curso con otras actividades, como el taller dirigido por Alicia Framis, que planteó nuevos usos para el unifor-

me del hipotético Museo de Guantánamo, produciendo obras que formarán parte del proyecto Welcome to Guantanamo Museum. Asimismo, Rafa Gallar propuso a los alumnos realizar fotos de comunicación de sus proyectos de tesis; los alumnos de 1º realizaron el proyecto Coknit Connet para la marca española Springfield, mientras que los de 2º curso desarrollaron el proyecto One Minute, basado en una presentación en 60 segundos que tuvo como escenario el Palacio de Altamira.

La vuelta de vacaciones dio paso a la Noche en Blanco. Por tercer año consecutivo, el IED Madrid formó parte del cir-

cuito contando con la asistencia de 1.000 personas a nuestra sede. Entre sus actividades, se hallaba el proyecto Orienta Design: China, Indonesia, Japón, desarrollado con Madrid Global, que contó con talleres participativos con creativos asiáticos: sesiones de Ikebana, caligrafía china, diseño de objetos funcionales y de decoración, accesorios y origami.

Además, no podía faltar la música a cargo de Marcos Aretio y la presencia de proyectos de nuestros alumnos en la exposición Open IED. El Palacio de Altamira fue el escenario de la presentación de la nueva colec-

ción de La Casita de Wendy, con la que se inauguraba el ciclo Sustainability &Style, organizado por IED Moda Lab. El curso académico inició con una fiesta de inauguración que contó con la participación del comité científico del IED Madrid (Gillo Dorfles, Santiago Miranda, Manuel Estrada, Ricardo Salas, Aldo Colonetti y, entre otras personalidades, también invitados especiales como Toni Segarra). Para esta ocasión, María Grande, alumna de 3º de Digital, realizó la instalación Junk pop, acompañada de música en vivo a cargo Joseph Siankope junto a la New Orleans Jazz Band.

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Infopoint Eventos

Como continuación del taller experimental Plus/IED, el Palacio de Altamira acogió la rueda de prensa de Canal+, donde se presentó la programación de este año y se valoró muy positivamente el taller experimental realizado por alumnos de todas las sedes del network IED. Future Shorts vuelve al IED Madrid con nuevas citas mensuales. Un encuentro que al inicio del curso se vio completado con la presencia en nuestras dos sedes de la muestra de arte sonoro e interactivo In-Sonora, con exposiciones, performances y conciertos dentro de una red de instituciones en Madrid.

Asimismo, el IED Madrid, además de volver a ser sede de PHotoEspaña con la exposición colectiva Carne y piedra, colaboró con La Fábrica en el montaje de la exposición Los mejores libros de fotografía del año-PHE08, en la Biblioteca Nacional, a través de la gráfica desarrollada por Manuel Jiménez Malo,

Director de Empresas del IED Madrid, y el diseño de los atriles por Dario Assante, Director de IED Master.

El IED Madrid, junto con Diageo, colaboró en la concepción de The Party Project, toda una experiencia creativa transversal durante una noche con el fin de crear un proyecto integrado. Los ganadores fueron Javier Alejandre, Valentín García y Helga Ragnheidur, de 2º de Industrial, por su proyecto The Pueblo Project; quedando segundos Skúli Th. Ólafsson y Alfonso Badía, de 2º de Virtual, por la creación de nuevos objetos industriales para este evento.

También IED Master tuvo presencia en un taller experimental de zapatos en Mallorca, en colaboración con Camper, junto con alumnos de la Escuela de La Cambre en Amberes y Polimoda en Florencia.

Asimismo, los trabajos de tesis de nuestros alumnos ya empiezan a ser una realidad en varios eventos, como la pre-

sencia de la Escuela de Digital, coordinada por Carlos Brenes, en el Festival Tempo en Albacete; o la realización de Sonogramas de Lidia Antón, diplomada de Gráfico, como parte de la escenografía del Teatro Fernán Gómez dentro de la 25ª edición del Festival de Jazz de Madrid.

En la 3ª edición de MadinSpain hubo una destacada presencia del IED Madrid. Ritxi Ostáriz, ex–alumno de Digital, participó en la mesa redonda Motion Graphics en España, junto con destacadas figuras del diseño, la comunicación interactiva y la creación artística.

Por último, el IED Madrid ha estado presente en Interieur, Bienal Internacional de Diseño que se celebra en Bélgica, con el espacio Spanish Talent, formado por ex-alumnos de la Escuela de Design: Cate y Nelson, José Manuel Gómez de Estudiosat, Máximo Romanillos, Laura Lucio, Paloma Ocio, Lucas Muñoz y David Tamame de EnPieza!, Eduar-

do Bermejo y Gonzalo López. En esta edición el invitado especial ha sido el ex– alumno del IED Madrid Jaime Hayón.

Asimismo, NUDE, el salón joven de la Feria Internacional del Mueble de Valencia, ha acogido las piezas de los alumnos de Design: Alejandra del Rey, Ana Escobar, Albert Enrich, Javier Payán, Raúl Herrera, Nicolás Pogetti, Jimena Merino, Álvaro Marote, Clara Iglesias, Miriam Sánchez, Belén Rodríguez y Liliana Serguera. Con motivo de la convocatoria anual de la Feria Construtec, la empresa cementera CEMEX, líder en su sector, ha presentado el trabajo de investigación Ex-Concreto desarrollado por los alumnos de 3º de Design.

Y esto no es sino el inicio de otros muchos eventos para este curso, como los proyectos de Interiores en La montaña mágica o la participación en el Festival MuchoMásMayo en Cartagena.

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Infopoint Eventos Museo del traje

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Infopoint Eventos Workshop con Alicia Framis

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Infopoint Eventos Coknit Connet

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Infopoint Eventos One Minute

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Infopoint Eventos La Noche en Blanco

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Infopoint Eventos Fiesta inauguraci贸n del ciclo Sustainability&Style

Presentaci贸n de la colecci贸n Green Seeds-La Casita de Wendy

Alessandro de Vito + Lika Volkova (SANS) + Isabel Berz

Infopoint Eventos Fiesta inauguración del Año Académico 08/09

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Infopoint Eventos Future Shorts

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Infopoint Eventos In-Sonora

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Infopoint Eventos In-Sonora

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Infopoint Eventos Festival Tempo

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Infopoint Eventos Festival de Jazz de Madrid

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Infopoint Eventos MadinSpain

Fotos: Pablo Valenzuela

Tavo Ponce (TAVO)

Jean Duprez (Cocoe)

Nico Casavecchia (BOOLAB)

Ricardo Fernández (DIGITAL+)

Ritxi Ostáriz (Iikki)

Fotos: Pablo García

Infopoint Eventos Interieur

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Infopoint Eventos Interieur

ABRE EL OJO Nº 11 · p. 21 de 145 Fotos: Iván Vidal

Infopoint Eventos NUDE

ABRE EL OJO Nº 11 · p. 22 de 145 Fotos: Iván Vidal

Infopoint Conferencias

Las conferencias han seguido reuniendo a grandes creativos del diseño y la comunicación. Fresh Thinking cerró un nuevo ciclo y Chill Laus despidió el año académico en IED Master. Además, Red Bee Media estuvo presente en el IED Madrid para contarnos su experiencia rediseñando la imagen de Canal+.

Así, hemos contado con la presencia de Carlos García, Antonio Castelo, José Luis Moro, Toño Merinero, Daniel Megías, Sergio Ramírez, Álex Martínez Roig, Juli Capella, Alessandro de Vito y Lika Volkova (SANS), Jeff Conrad, Claire Phillips, Tim Platt, Germán y Ricardo Fernández.

Es importante recordar que continúa Sustainability&Style y el Observatorio Cultural, con destacadas personalidades del mundo del diseño y las nuevas tendencias, como Chris Lefteri, Javier Romero, Shoji Ito y Swetlana Heger.

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Infopoint Conferencias Chill Laus + Inauguración de IED Master

Álvaro Sobrino (VISUAL)

ABRE EL OJO Nº 11 · p. 24 de 145 Álex Marínez Roig (Sogecable, Digital +)

Infopoint Conferencias Canal Plus + Fresh Thinking

Juan José Millás

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Infopoint Conferencias Sustainability&Style

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Infopoint Exposiciones

El Palacio de Altamira sigue siendo escenario de numerosos proyectos expositivos, destacando en este período entre el final de un curso y el inicio de otro aquellas propuestas relacionadas con los proyectos producidos en el IED Madrid con sus propios alumnos. Así, la Escuela de Design presentó Design para la otra realidad, donde se exhibían distintas soluciones destinadas al desarrollo de ese otro 90% de la población mundial con un bajo índice de desarrollo.

IED Moda Lab creó Lost in the cobweb, trece visiones que trabajan sobre la superficie del cuerpo aportando una nueva dimensión física y estética.

IED Artes Visuales se unió para crear D+G+V, proyecciones e imágenes de las nuevas narrativas audiovisuales y gráficas que muestran las posibilidades de estos nuevos lenguajes.

Los alumnos de 1º y 2º de Comunicación dieron voz a las paredes del Palacio con el proyecto Las paredes hablan.

Además, IED Master presentó el proyecto final de los alumnos de Escenografía con Espectacreadores, todo un reto expositivo para todas las partes implicadas en el proceso de creación y percepción. Y esto no es más que el inicio de una continua programación expositiva que contará con los carteles del Concurso contra la Violencia de Género o las propuestas para el Museo de Guantánamo, entre otras muchas iniciativas.

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Infopoint Exposiciones

Design para la otra realidad

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Infopoint Exposiciones

Lost in the cobweb

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Infopoint Exposiciones

Lost in the cobweb

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Infopoint Exposiciones

D+G+V

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Infopoint Exposiciones

Las paredes hablan

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Infopoint Exposiciones

Espectacreadores

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Infopoint Biblioteca

Con motivo del inicio del curso One Year Fotografía, la Biblioteca del IED ha incorporado tres nuevas suscripciones a revistas especializadas en este tema. La primera es C International Photo Magazine, de la editorial Ivory Press, crea-

Nuevas revistas de fotografía

da por Elena Foster. Son dos números al año, en pasta dura con una calidad excepcional, tanto en la forma como en el contenido. La segunda es la revista Ojo de Pez, de la editorial La Fábrica, especializada en fotografía (edita también

la famosa revista Matador, que también podéis encontrar en nuestra biblioteca).

Ojo de Pez es trimestral y contiene reportajes fotográficos que revelan siempre una cara del mundo completamente desconocida para los que vivimos en

el escaparate de Occidente. Por último, la revista FOTO, que se edita cada dos meses y es más comercial, además de reportajes, contiene secciones prácticas sobre fotografía digital, guías, nuevos productos, etc.

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Infopoint Zona IEDentity

Nuestra zona IEDentity sigue constatando los premios y reconocimientos que nuestros alumnos reciben incesantemente, así como las iniciativas que éstos crean.

Sin duda, una de las personas más activas en este sentido siempre ha sido Marcos Aretio, quien ha sido el promotor de las becas Absolut–IED Madrid para que los alumnos de 3º puedan cursar un año de master. Los ganadores han sido Pablo Montilla de 3º de Design por su original diseño de una cocina de adobe sin humos Non Smoke Stove; Lidia Antón de Artes Visuales por su proyecto Sonogramas, transformando en imagen y color la música de Miles Davis; y Andrea Trejo de Moda Lab por crear Mater filius, una marca de diseño humanitario. El premio especial del jurado fue para Elena Muñoz por su trabajo Híbridos. Además, por primer año se ha convocado un concurso entre los alumnos de 1º y 2º curso para diseñar el trofeo AbsolutIED del que ha resultado ganador Sergio del Río por el diseño de una botella en forma de trofeo.

Es de destacar también el proyecto final con el que Total Design culminó brillan-

temente su primer año de andadura con los distintos productos diseñados para la empresa japonesa MUJI. Los ganadores del 1er premio fueron Ana Escobar, Alejandra del Rey, Luis Silva y Regina Vizcaíno por Boottle; el 2º premio fue para Sandra Cabello, Marco Villa y Emilie Warnotte por la Siesta manta; y el 3º fue para Javier Valdepeñas, Marta Bermejo e Isabel Baleztena por la Aceitera.

La marca Nike ha desarrollado un proyecto interdisciplinar en el IED Madrid de la mano de la agencia de comunicación Clínica Creativa, para customizar prendas y zapatillas de deporte clásicas de la marca. Patricia Lázaro, alumna de 2º de Moda, fue la ganadora del proyecto de customización de la famosa sudadera Hoody de Nike.

En enero de este año comenzó el proyecto de intercambio entre alumnos del IED Madrid y el ITESM de Monterrey (México). Las dos primeras fases del proyecto en Madrid contaron con la presencia de 9 alumnos de México más 10 alumnos del IED, desarrollando conceptos de productos y un proyecto expositivo general. La tercera fase, llevada a cabo en Querétaro, consiste en la fabricación

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Infopoint Zona IEDentity

de los prototipos finales y la definición de la exposición. Además, Nikohl Cadeau Harris ha sido portada de la revista Nuevo estilo.

La Escuela de Gráfico ha sigo galardonada con numerosos premios. En la entrega de premios del Concurso de Diseño IED–Asociación de Latas de Bebidas, resultó ganador Francisco Javier Martínez de 1º de Gráfico.

Jesús Fuentes consiguió el 1er premio por el diseño de una cubierta para un libro en los talleres de Escritura Creativa organizados por la librería Fuentetaja.

Carlos Corral, ex-alumno de Gráfico, fue el ganador de los Premios Laus 08 por su proyecto de packaging para Lazarus Wine.

Destaca el 2º premio de Enrique Garde, alumno de 2º de Digital, en el concurso internacional Stranger Festival celebrado en Ámsterdam y al que asistió para presentar y dar a conocer su vídeo finalista. También puedes ver la entrevista que le realizó la cadena ArteTV. Como siempre, la actividad de IED Moda Lab ha sido frenética. Fue una de las escuelas invitadas en la 26ª edición de MODAFAD, la plataforma catalana de

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Infopoint Zona IEDentity

diseñadores emergentes que se celebra en Barcelona.

Isaac Fabregat, Fernando Fares y Eugene Kim, ex–alumnos de Moda Lab, fueron seleccionados entre más de 30 propuestas para desfilar en BOOK-T y optar al premio MODAFAD para producir una colección y poder realizar un desfile individual en la siguiente edición.

Varios alumnos de Moda Lab han participado en la pasarela Cibeles, con la nueva identidad Madrid Fashion Week. Beatriz Sebastián junto con Ana Ynzenga e Israel Rodríguez (Beach Couture) desfilaron en El Ego, mientras que Isaac Fabregat (Isaacymanu), Fernando Fares (Fehr Fares), Elisa Madina, María Clé y Patricia Blázquez (María Clé), Beatriz Cebrián (Suite 223) y Gesolmina Torelli y Anabela Lubisse (Le FreakOlé) participaron en el showroom. Moisés Nieto expuso en Madrid Fashion Week un vanguardista traje de novia inspirado en una selección de las mejores fotografías de España y que resultó ganador del concurso Una novia de impresión organizado por Canon España y coordinado por Lorenzo Caprile. Participó con Antonio Alvarado, mientras que Paz García formó parte del

equipo del diseñador Francis Montesinos.

Además del premio de Nike, Patricia Lázaro ha diseñado el escaparate de la tienda Scooter en el callejón Jorge Juan en Madrid. Por otra parte, X-presión (José, Marco y Jorge), el colectivo de peluquería creativa más innovador del momento y colaboradores habituales de IED Moda Lab, ha ganado el 1er premio

Foto: Beatriz Yanos

en la categoría de vanguardia de los AIPP Awards 2008-2009, los Oscar de la peluquería. Por otra parte, Andrea Manzano, ganadora en la categoría de accesorios, presentó su colección de bolsos producida por la importante empresa peletera florentina Sapaf en el desfile My Own Show en Milán, apadrinado por Franca Sozzani, Directora de Vogue Italia.

Cindy Figueroa (Alec Day) y Marta Donday participaron en el desfile Moda sostenible con la colección del tejido de piña en un evento ecológico que tuvo lugar en el centro cívico La Almozara de Zaragoza.

Raquel Sánchez, Asistente de Dirección de Moda Lab, viajó hasta Dinamarca para hacer una entrevista al diseñador Henrik Vibskov, desde la que fue a la Copenhagen Fashion Week.

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Infopoint Zona IEDentity

Asimismo, la revista NEO2 le dedica una sección en el mes de octubre.

Por otra parte, los alumnos de IED Master también han conseguido diferentes premios. Así, Julia Vergara, ex-alumna del Master de Accesorios de Moda, diseñó El bolsaco, un bolso que está comercializando Marc Jacobs. También Roberto Vaello, alumno del Master de Diseño Textil y de Superficies, ha sido el ganador del concurso organizado por el IED Madrid junto a la Real Fábrica de Tapices. Además, Héctor Barrantes, alumno del Master de Comunicación y Moda, está trabajando en el Departamento de Comunicación de Bulgari.

Por último, no podemos olvidar una cita más con IEDENTITY, que cerró el

año académico con “The Final Party”, el último encuentro de los alumnos en la Reina Bruja. Los alumnos de 1º de Design propusieron una fiesta temática: “¡Ven disfrazado de tu diseñador o artista favorito!”; asimismo, alumnos de 2º de Moda mostraron sus nuevos diseños en camisetas. Este curso estrenamos la Sala Caracol y esperamos pronto vuestras propuestas.

Un nuevo curso nos espera con muchos más eventos. Como siempre, toda la información en: www.iedmadrid.com www.iedmadrid.com/newspoint www.ied.es www.abreelojo.com

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POR: MARCOS ARETIO Cuando Marcos Aretio presentó un evento llamado IEDENTITY, nadie podía imaginar que tiempo después se haya convertido en el gran punto de encuentro de alumnos y profesionales del IED, como espacio festivo y como campo de posibilidades para las iniciativas de los alumnos. Ésta es su historia.

Hace ya casi 4 años que IEDENTITY comenzó a celebrarse en el IED Madrid como iniciativa propia por parte de los alumnos. Nació como una necesidad cuando vimos la cantidad de trabajos interesantes que se producían en la escuela y que lamentablemente no podíamos exponer por falta de un espacio.

Hablamos entonces con la Sala Barco, donde se pusieron pantallas con proyecciones (como las de Nico y Guillermo Comín), maniquíes con moda, fotografías, música, ilustraciones...

La intención era dar una oportunidad a los alumnos para exponer lo que quisieran. Nuestra previsión no fue buena. A

esta primera IEDENTITY acudieron 550 alumnos e incluso hubo gente que se quedó en la calle.

Sin duda alguna, la tercera edición fue una de las más exitosas por su localización, ya que tuvo lugar en 3 locales distintos a lo largo de la calle Barco y con un gran número de participantes. Además,

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Fotos: Suguru Mikami

esta edición fue la elegida por el programa Nosolomusica de Tele 5 para la realización de un reportaje sobre este evento.

Desde entonces, poco ha cambiado: paredes donde colgar, pantallas donde proyectar y sitios donde encontrarse con gente inquieta y creativa. ¿Qué más?

Desfiles de moda, break dance, graffiti, danza contemporánea, motion graphics, música, fotografía, ilustración, comunicación residual, pintura... ¿Qué más? Risas, baile libre, copas, encuentros, resacas,

comentarios… Todo esto ha sido IEDENTITY los últimos 4 años.

Sala Barco, La Ida, El perro de la parte de atrás del coche, Nature, Cleofás y, por último, La Reina Bruja. Todos estos locales han visto pasar alumnos y no alumnos, con cuadros, vídeos, fotos, vinilos de todos los géneros musicales y todo tipo de material dispuestos a mostrarnos lo que hacen y a enseñarnos.

Son ya 4 ediciones que, aparte de ser todo esto, con el apoyo oficial del IED,

han convertido IEDENTITY no solo en una fiesta y exposición de alumnos, sino que también ahora es un nombre relacionado con alumnos emergentes, premios, gente con iniciativas, creatividad, etc.

Seguimos con el mismo entusiasmo que en la primera edición gracias a nuevos colaboradores (especialmente al colectivo Cocoonlab) y gracias a gente que se esfuerza por crear un entorno de socialización y creatividad más allá de las paredes del IED.

Por nombrar a algunos: Álvaro Álvarez, Julieta Álvarez, Suguru, Alan, Javier Gutiérrez, Javier Alejandre, Tektun, Groove Lee, Matías Laporta, Paula Morales, Miguel Márquez, Claroscuro, Max, Jorge Cano, Hugo Gallego, Alejandra Ceño, María Álvarez, Nicole Pérez, Lucas Vázquez, María Montiel, Pilar Vázquez-Pena, alumnos de 3º de Moda...

Estamos trabajando en la próxima.

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ABRE EL OJO Nº 11 · p. 42 de 145 Fotos: María Álvarez y Alejandra Ceño

Stranger Festival POR: ENRIQUE GARDE

Enrique Garde, alumno de Digital, decidió participar en el concurso Stranger Festival y resultó finalista (video). Nos cuenta su experiencia e impresiones.

Por mucho que confíes en tu trabajo, es difícil imaginar que una idea pueda llegar tan lejos. Así que, cuando supe –gracias a Alfonso Gallardo– de la existencia del Stranger Festival, lo miré con más escepticismo que ilusión. Un certamen internacional de videocreación se ve con vértigo desde cualquier punto, pero más cuando la experiencia de uno en este campo es limitada. Con este pensamien-

to decidí inscribirme, no sin problemas técnicos –la web del festival no funcionó con normalidad hasta pasadas unas semanas–, que hicieron que, por un tiempo, quedara fuera de una de las categorías.

Pasaron semanas en las que hice escasa promoción, para qué engañarnos.

Los cinco vídeos más votados serían los finalistas, pero, ya digo, se antojaba tarea imposible. De pronto, sin saber cómo,

aparecí destacado en la portada, señal de que estaba entre los preferidos del público. Creo que ése fue el momento en el que empecé a ponerme nervioso y a confiar en la propaganda: mails, eventos en redes sociales… A cuatro días, eso sí, del cierre de votaciones.

Los últimos días de curso son una vorágine de trabajo y agotamiento, todos lo sabemos. Pero, claro, todo cambia si, sin

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esperarlo, recibes una llamada desde un número extraño. “Hi, I’m calling from the Stranger Festival”. Tal cual, mi respuesta no pudo ser otra: “Oh my God, are you joking?”. Efectivamente, la cosa había ido mejor de lo esperado; estaba entre los cinco finalistas y la organización me invitaba a Ámsterdam para vivirlo en primera persona. No hace falta explicar el grado de temblor de manos en ese momento. Lo que empezó siendo un auto-

rretrato en vídeo para una asignatura se había convertido en un billete de avión con todos los gastos pagados. No era un mal comienzo, desde luego.

Cuando nos encargaron el vídeo en clase solo había una consigna, que nos describiese, un autorretrato audiovisual.

El síndrome de la hoja en blanco no duró mucho esta vez, cosa poco habitual, y enseguida hice una lista con factores que describiesen mi personalidad. Como

estas cosas es más fácil percibirlas desde fuera, pedí a las personas que mejor me conocen que hiciesen su propia lista.

Concluido el proceso, todas parecían encajar entre sí bastante bien, así que era el momento de pensar en un formato y un hilo conductor.

Desde el principio tuve claro que el formato de videoclip me hacía sentir cómodo, así que para qué darle más vueltas. Y ya que iba a ser así, la canción y su

letra debían encajar conmigo y con la lista de factores. También esto fue fácil, escogí Una cosa o dos del grupo La casa azul, que mezcla indie y pop, y que encajaba a la perfección. Lo de ser uno de mis grupos favoritos, supongo, influyó.

Más tarde contacté con Guille Milkyway –vocalista, compositor y único elemento del grupo (y, sí, aun así es un grupo)– para pedirle su permiso para utilizar su canción en el festival.

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El día del rodaje ya tenía una idea definida de lo que quería. Una historia de principio a fin, con sentido completo y con muchos, muchos mensajes. Seguro que una gran parte de ellos son difíciles de entender por alguien que no me conozca, pero por una vez que ser egocéntrico estaba justificado… ¿por qué evitarlo? No obstante, durante las siete semanas que duró el montaje del vídeo aparecían nuevos conceptos que revestían la idea origi-

nal de más sentido, humor y simbolismo.

Parte fundamental de esto fueron las dotes interpretativas de Icíar, la chica que aparece conmigo y que cumple las funciones de musa moderna en muchos momentos.

Es difícil explicar todo lo que el vídeo simboliza. Me gusta enseñárselo a personas muy diferentes entre sí y conocer su opinión para saber si he logrado transmitir el mensaje. Es muy gratificante cuando alguien es capaz de reconocer al menos

uno solo de los guiños. Pero, básicamente, es una historia de confrontación personal, de lucha interna, de muestra de sentimientos, ilusiones y optimismo.

En fin, llegó el gran día. Ya había estado anteriormente en Ámsterdam, pero esta vez la viví de forma diferente. Puede que fuese viajar solo y la parte de introspección que tienen estas experiencias, pero pocas ciudades me han enganchado como ésta. Era todo ciertamente abru-

mador, todo estaba pensado para que no tuviese ningún problema –aprovecho la ocasión para decir que la organización fue fantástica–. Más abrumador aún cuando Arte, el canal germano-francés, había mandado a un equipo de tres personas para entrevistarme y hacer un reportaje.

Seguramente ésa fue una de las mejores experiencias del viaje. Unos meses después de empezar a grabar el vídeo estaba en Ámsterdam hablando a una cámara y

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un periodista alemán sobre lo que había hecho. Como he dicho al principio, difícil de imaginar.

El recinto donde se celebró el festival consistía en dos antiguas fábricas al norte de Ámsterdam, diáfanas y de techos altísimos. Multitud de pantallas mostraban los vídeos finalistas, cada una con unos auriculares para no entorpecerse entre sí. Y aquí llegó el gran contratiempo. El

monitor en el que se mostraba mi vídeo estaba mal configurado y no se veían los subtítulos –ni la parte superior del vídeo–.

Una gran desventaja, considerando que la canción era en español. Con mi conocida fama de insistente intenté que lo solucionasen, pero no hubo forma. Pero no se trataba de sufrir, así que, de verdad, la experiencia fue muy positiva. Se impartían talleres de vídeo, preproducción,

planteamiento de una idea, crítica de vídeo… Todos ellos entretenidos y didácticos, que no hacían sino confirmar que las cosas estaban bien hechas y bien planificadas. La gala de finalistas fue el colofón de una buena experiencia. No gané, pero siempre recordaré los aplausos cuando apareció mi vídeo en las pantallas, lo que aprendí y todo lo que significó una experiencia de esta clase.

No quiero terminar sin darle las gracias a Pedro Medina, que con sus clases motivó mi esfuerzo para crear la pieza.

No será el mejor vídeo del mundo, pero ha supuesto un empujón y una ilusión para continuar haciendo lo que de verdad me gusta.

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La entrega de diplomas es, sin duda, la hora de reconocer el final de una exitosa trayectoria y el inicio de los verdaderos retos. Es también el momento de hacer balance, valorar los resultados de los proyectos planteados para el último año de formación, siempre dentro de un diálogo entre el mundo empresarial, que aporta la necesaria dosis de “realidad”, y la profundización en lo que quiere decir la cultura del proyecto.

Para ello hace falta un nivel de exigencia

alto técnica y humanamente, porque educar quiere decir algo más que transmitir unos conocimientos meramente técnicos.

Esperamos que la formación recibida durante estos años sirva a nuestros alumnos para desarrollarse a todos los niveles en el futuro. Sin duda, estos resultados nos llenan de orgullo y aquí hay una muestra de ello, que podrá verse con más profundidad en el catálogo de Zona de emergencia 08, en abreelojo.com e iedmadrid.com.

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IED Design

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IED Design El proyecto Design para la otra realidad ha demostrado que los diseñadores pueden, y deben, ser partícipes fundamentales de los nuevos retos sociales que surgen en la medida en que la población, su entorno y los recursos naturales son alterados descontroladamente. Este proyecto final de carrera ha servido a los alumnos como una experiencia no solo profesional, sino también ética y moral, y les ha permitido acercarse a realidades cotidianas en circunstancias de precariedad muy duras, obligándoles a comprender y a enfocar el diseño como una incalculable herramienta para mejorar la calidad de vida de millones de personas.

Las diferentes propuestas de este proyecto dejan claro la importancia del proceso de diseño, desde su investigación hasta la utilización de los productos diseñados, donde se aplican todos los conocimientos de sostenibilidad, accesibilidad y ecodiseño aprendidos durante los años de estudio en el IED, como también la amplia gama de soluciones que pueden aportar partiendo de las diferentes situaciones de emergencia que padece el 90% de la población.

Victoria de Pereda Directora de la Escuela de Design

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IED Design Industrial Design para la otra realidad

1. Pablo Montilla

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IED Design Industrial Design para la otra realidad

1. Sara Millara 2. Paul Heredia

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IED Design Industrial e Interiores Design para la otra realidad

1. Deborah Cohen 2. Susana Fariña

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IED Design Interiores Design para la otra realidad

1. Joost de Bleeckere 2. Laura Ann Bloomfield

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IED Design Interiores Design para la otra realidad

1. Emma Masiero 2. Jose Powell 3. Valeria Palacios

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IED Artes Visuales

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IED Artes Visuales Diseño Gráfico Después de los años de iniciación, para el último curso, se incrementó el grado de dificultad, planteando temas de tesis más abstractos. Los tres temas elegidos tienen que ver con lo sensorial y se han planteado de manera muy abierta, para permitir que los alumnos tengan espacio para interpretaciones personales: cuerpo, música y gastronomía son las temáticas de este año.

El vínculo con nuestro cuerpo, la manera de relacionarnos a través de él con los demás, su capacidad expresiva, el culto al cuerpo y su importancia social, el cuerpo y el deporte… han sido algunos de los enfoques que personalmente han diseñado cada uno de nuestros alumnos.

La música evoca situaciones y sentimientos, es una forma de expresión y la compañía indispensable a lo largo de nues-

tra vida, siendo el lenguaje artístico más abstracto y, por ello, más universal, como bien han sabido entender varios de los proyectos presentados.

Por último, ha sido francamente interesante estudiar la gastronomía como campo de acción, entendiéndolo como una rica experiencia sensorial. Su importancia en las diferentes culturas y su capacidad para transmitir sensaciones, su influencia en las relaciones sociales y su potencial creativo… han servido de inspiración a nuestros alumnos.

Todo ello en conjunto ha creado unas excelentes tesis, que nos hacen confiar en el prometedor futuro profesional de los diplomados en 2008.

Eugenia Alcorta Coordinadora del Área de Gráfico

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IED Artes Visuales Diseño Gráfico El cuerpo

1. Ana Codorniú 2. Elena Muñoz

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IED Artes Visuales Diseño Gráfico El cuerpo

1. Beatriz González 2. Flor Bril

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IED Artes Visuales Diseño Gráfico La música

1. Lidia Antón 2. Virginia de Diego

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IED Artes Visuales Diseño Gráfico La gastronomía

1. Óscar Aníbal Pozuelos 2. Anita Sundby

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IED Artes Visuales Diseño Digital Un año más la última promoción retoma el trabajo de las anteriores. Un año más vivimos un momento clave para el futuro de una generación de diseñadores. Un año más nos descubrimos a la hora de cuantificar tanto esfuerzo. Y es que para los que hemos vivido el día a día las siete promociones del Área de Digital, para los que hemos visto su evolución y hemos sentido como propios tantos sueños, volver la mirada hacia el aprendizaje de un diseñador que estuvo aquí, de una cabeza pensante, de un individuo autónomo que pasó por el IED Madrid, es un ejercicio que nos produce una serie de sensaciones difíciles de precisar, que nos hacen sentir bien y que nos devuelven al presente con cierta nostalgia, a la vez que nos recuerda que tenemos un compromiso adquirido con el futuro.

Desde el Área Digital hemos apostado siempre por un enfoque orientado a concebir el diseño en un sentido amplio, donde separar el diseño por áreas es atender a cuestiones de marketing, de las

cuales nos declaramos oficialmente aburridos. Nuestros alumnos diseñan experiencias, avalan la cultura del proyecto con la construcción de una cultura propia rica en referentes, generan conceptos y luego toman pequeñas decisiones que asumen con solvencia técnica para llegar a un resultado, para colmar las expectativas de un encargo, para ser honestos con ellos mismos.

La presente tesis se reencuentra con la herencia de las ediciones anteriores. Cortinillas, spots, ids, cabeceras, títulos de crédito, piezas conmemorativas, son los contenedores del esfuerzo creativo de diecinueve alumnos. También representa la culminación de un ciclo y el primer paso para formar parte de una profesión y con el tiempo hacerla más digna. Estamos convencidos de ello y les deseamos la mejor de las suertes. Nuestra enhorabuena.

Carlos Brenes Coordinador del Área de Digital Javier Olivares Co-director de las Tesis de Digital

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IED Artes Visuales Diseño Digital

1. Alba Larrea 2. Alejandro Baqué 3. Fernando Vera

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IED Artes Visuales Diseño Digital

1. Diana Bobo 2. Iratxe Lezameta

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IED Artes Visuales Diseño Digital

1. Manuel Martínez 2. Paula Villanueva 3. Rodrigo Ventura

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IED Artes Visuales Diseño Digital

1. Rafael Gálvez 2. Luis Lechosa 3. Sandra Hernández

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IED Artes Visuales Diseño Digital

1. Sergio Tomasa

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IED Artes Visuales Diseño Virtual La imagen de síntesis definida en 1960 como “Computer Graphics” por William Fetter ha representado otra de las revoluciones de la creación gráfica de la segunda mitad del siglo XX, depositaria de tendencias y nuevas ideas creativas.

nos, conocedores de todo el proceso creativo y técnico. El proyecto de tesis del Área de Diseño Virtual culmina un recorrido que muestra las diversas especialidades implicadas en la creación de una historia de animación 3D.

El Área de Diseño Virtual marca una senda profesional hacia la formación del animador 3D desde la base del crecimiento creativo y el conocimiento cultural, metodológico y técnico. La infografía como vehículo con lenguaje propio para expresar nuevas ideas en la vanguardia del pensamiento y el proyecto de tesis como su materialización.

La tesis es el momento de liberar todo el frenesí creativo que surge cuando nuestros alumnos se saben creadores absolutos de mundos e historias que tan solo residen en su imaginación, y que el lenguaje ilimitado de la infografía permite materializar.

Héctor Moratilla Coordinador del Área de Virtual

Nuestra apuesta es firme en la formación de animadores e infógrafos bue-

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IED Artes Visuales Diseño Virtual

1. José Carlos Marcos Barba 2. Ángel Revuelta González-Herrera

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IED Artes Visuales Diseño Virtual

1. Moisés Perera Rincones 2. David Virseda Barriga 3. Tania Jaramillo Saban 4. Juan María Romero Casares 5. Jorge Mulero Pérez 6. Albar Semprún Wilde 7. Álvaro Alba Rosado 8. Rafael García González 9. Ana Sanz González 10. Krystel Russo Santamaría 11. Camila Escat García

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IED Moda Lab

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IED Moda Lab La tesis es el último proyecto de escuela y debería establecerse como puente hacia la profesionalidad y la autonomía.

Aprender a trabajar de forma independiente, desarrollar unos propios parámetros de exigencia y autodisciplina son objetivos fundamentales.

Algunos proyectos describen viajes al interior, al pasado, a lo más oculto de cada uno, a lo intangible: vínculos, dolor, culpabilidad y alivio, stress, sentimientos amputados, nudos internos que se van deshaciendo…

Son proyectos que definen su fuerza y sus debilidades. Otros son capaces de despegarse de su propio universo y adentrarse en la realidad del mundo global, el de ahora y quizás el del futuro: moda sostenible, moda y desarrollo, función, multidisciplinaridad… Son proyectos reales, precisos, investigados y bien definidos. Hay mucha presencia del blanco y negro, colores piel y tonalidades de grises, cueros marrones o napas en colores pálidos… La fuerza reside en el tratamiento de las superficies y en la utilización de diversos materiales.

Hay mucho trabajo manual, punto, nido de abeja, crochet… La prenda como soporte de experimentación textil, investigación con tintes naturales, tratamientos y otras

sustancias. No hay miedo a usar piel, tratada, lavada, encerada, serigrafiada, bañada en vino tinto e incluso enterrada durante semanas para lograr un efecto envejecido, aportando alma a la prenda. La sastrería clásica masculina está sutilmente presente, pero siempre aligerada y transformada en algo más suave, más contemporáneo y con más caída. Multitud de vestidos, largos o cortos, siempre con una fuerte connotación “muy couture”.

La tesis no acaba en el producto, crece con la comunicación gráfica y visual. El vídeo es uno de los formatos cada vez más usado por las nuevas generaciones de diseñadores de moda: vídeos making off, de colección, experimentales, explicativos… Ante una imagen única y definitiva que puede evocar la clásica fotografía de moda, puede incluir muchos más elementos y matices, y transmitir una imagen más compleja y sutil de un producto de moda.

Desarrollar una visión propia, con un lenguaje específico y ser capaz de comunicarlo sin palabras se convierte en el reto final del proyecto de tesis.

Isabel Berz Directora de IED Moda Lab

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IED Moda Lab Tesis 2008

1. Eugene Kim Foto: Rafa Gallar

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IED Moda Lab Tesis 2008

1. Fernando Fares Foto: Carmen-sita

2. Andrea Manzano Foto: Marian Campoy

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IED Moda Lab Tesis 2008

1. Andrea Trejo Foto: Marian Campoy

2. Elena Muñoz Foto: Rafa Gallar

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IED Moda Lab Tesis 2008

1. Sabela Tobar

Foto: Ximena Garrigues y Sergio Moya

2. Marta Ferrao Foto: Rafa Gallar

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IED Moda Lab Tesis 2008

1. Pascal Moscheni Foto: Ra煤l C贸rdoba

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IED Moda Lab Tesis 2008

1. Carlos López Foto: Carlos López

2. Verónica del Olmo Foto: Rafa Gallar

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IED Moda Lab Tesis 2008

1. Ainhoa Viciano Foto: Rafa Gallar

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IED Moda Lab Tesis 2008

1. Mª Luisa Negri Foto: Rafa Gallar

2. Melanie Lucienne Foto: Rafa Gallar

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IED Moda Lab Tesis 2008

1. Genoveva Ord贸帽ez Foto: Rafa Gallar

2. Esther Sancho Foto: Rafa Gallar

3. Saveria Casaus Foto: Rafa Gallar

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IED Master

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IED Master El objetivo de la formación de postgrado de IED Master converge hacia una un tipo de cursos en los que conviven la investigación y la innovación con las exigencias de la producción y del mercado actual. La vinculación con el mundo empresarial se ha reforzado mediante nuevos convenios y colaboraciones que han promovido la actualización de contenidos de los programas didácticos y han implementado la presencia de docentes cuyo perfil es de profesionales en activo altamente cualificados.

El año académico 07-08 ha contado con más de 30 cursos. Durante este periodo se han impartido: un Master RSP, 12 Master de 400 y 500 horas, 15 cursos de Formación Avanzada, 4 cursos de Especialización y uno de Introducción. Para llevar a cabo esta programación se ha reconfigurado la estructura de IED Master manteniendo la organización natural de las 4 escuelas tal como ocurre en las diplomaturas trienales, ampliando también su staff interno para mejorar la relación diaria entre el alumno, el docente y sus necesidades.

Paralelamente se han desarrollado numerosas actividades culturales con el fin de complementar y enriquecer la formación académica de nuestros alumnos: conferencias, exposiciones, eventos, encuentros con los más destacados intelectuales y profesionales del diseño nacionales e internacionales… que han convertido el Aula Magna de IED Master en un gran laboratorio de tendencias.

Esta breve selección de trabajos quiere ser testigo de un año intenso y convertirse en el documento que recuerde las experiencias y resultados obtenidos después de una enriquecedora experiencia formativa de postgrado. Esperamos que todos los que hayan pasado por aquí este curso, participando en alguna de las experiencias que ha ofrecido el programa formativo 07-08, se vayan con la sensación de haber vivido en primera persona el contacto con la creatividad, la profesionalidad y, sobre todo, ¡la pasión por el diseño! Todo el staff de IED Master Madrid os desea mucha suerte y mucho éxito.

Dario Assante Director de IED Master

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IED Master Design Interiorismo

1. Luis Felipe Rodríguez

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IED Master Intensivo Dise帽o de Moda Taller de Ilustraci贸n Ivan Soldo

1. Sandra Sotiriu

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IED Master Estilismo y Fotografía

Esmeralda Aguirrezabala Valentina Busso Celia Chicharro Esther Galea Trinidad González Asunción Múgica Beatriz Rey Carolina Sanchiz Giulia Vercelli Adrián de la Peña Mar Pulido Mercedes Ozalla Raquel Sáez 1. Foto: Raffaella Gnecco 2. Foto: Javier Aramburu

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IED Master Intensivo Diseño de Moda

1. Rosa Navas

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IED Master Diseño Textil y Superficies

1. Nicolle Pérez

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IED Master Diseño Textil y Superficies

1. Mariana Bernardes

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IED Master Diseño Editorial

1. Marta San Martín 2. Haydee Méndez

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IED Master Motion Graphics Design

1. Rubén García 2. Vannia Palacio

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IED Master Motion Graphics Design

1. Arturo Amador González 2. Luisa Fernández Ashton

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Más allá de los edificios. XI Bienal de Arquitectura de Venecia POR: PEDRO MEDINA

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En Eupalinos o el arquitecto, Paul Valéry enfrenta la investigación abstracta al imperativo de la belleza, pero el mismo Sócrates llega a reconocer que podrían convivir la naturaleza filosófica y la poética, disolviéndose la dicotomía conocer/construir en la figura del poeta-filósofo, donde el conocimiento está en construcción.

En medio de la velocidad de nuestros días, se hace cada vez más imperioso pararse a pensar los porqués de las cosas, nuestra situación en el mundo y todas esas preguntas que no por repetidas son menos necesarias. En el caso de las artes, en este siglo se ha consolidado un modelo periódico que se suma

a las habituales espacios de legitimación como son las instituciones, la crítica y el mercado. Me refiero evidentemente a las bienales y encuentros similares, sobre los que ya hemos reflexionado en otras ocasiones, principalmente en el número 9 de AEO. Este modelo parece ir perdiendo vigencia, sobre todo por culpa de la falta de valentía de sus comisarios, su entrega a lo mediático o al mercado y, en definitiva, por el “adelgazamiento” de sus propuestas, que ya apenas legitiman movimientos o derivas claras. No obstante, sí hay que reconocer que las bienales siguen siendo un lugar de encuen-

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El arquitecto abandona su estudio y queda inmerso en la metrópoli y lo suburbano, se cuestiona y explora nuevos medios de intervención.

La arquitectura se vuelve imagen en movimiento y crea nuevos escenarios como rechazo de un futuro desconcertante o para mostrar una nueva alternativa de la realidad.

¿Es posible hoy día planificar y realizar un proyecto en un mundo cada vez más complejo?

Perseguimos la idea de crear una arquitectura voluble como las nubes, para ser capaces de crear proyectos variables y dinámicos que sean factibles y llevarlos a la práctica.

(Emiliano Gandolfi: Un manifiesto posible)

(Coop Himmelb(l)au: La arquitectura de las nubes)

Marco Navarro-Nova Habitar extranjero - 01.

Mazara del Vallo. 2008 Foto: J. Maseda y P. Medina

tro, un gran escaparate de cada uno de los países, instituciones, personalidades y marcas involucradas en ellas y una cita que la prensa no debe perderse, porque siguen siendo una buena ventana desde la que asomarse a lo por venir.

En el caso concreto de la arquitectura, no cabe duda de que este tipo de reflexiones son un continuo poner al día cuáles son las cuestiones fundamentales para el desarrollo de lo cotidiano. Las implicaciones por ello van más allá de consideraciones elitistas –al menos en principio–, puesto que afectan a la decisión sobre los espacios que habitamos y donde desarro-

llamos nuestra vida. Es, por tanto, el arte donde la dimensión práctica se manifiesta con más claridad y donde históricamente se ha mostrado la luz, el temor o la miseria de los tiempos.

Tan vinculado –aunque todas las artes lo han estado– a la exposición del poder político, pero también a las necesidades del ciudadano medio, desde la arquitectura podemos pensar qué es lo que se decide en cada momento histórico. Al respecto, es interesante ver la propaganda o los escritos de personajes vinculados a la arquitectura en momentos difíciles. Por ejemplo, a través de Ebenezer

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Howard, no solo descubrimos un modelo alternativo de ciudad más cercano a una vida sana y natural, frente a la vida nerviosa de la ciudad, sino que recuperamos la idea de “comunidad”, ya perdida en la individualidad de la metrópolis; o, tras la Gran Guerra, se pueden rastrear las dudas existenciales de personajes como Bruno Taut y su deseo de no ser cómplice del progreso de la técnica, que no solo permitía las grandes formas de la arquitectura, sino también el asesinato de grandes masas de personas.

Si nos preguntamos hoy qué es lo que entendemos por “arquitectura” o “urbanismo”, probablemente apreciemos inmediatamente que hoy son términos bastante elásticos y que han ido ganando en complejidad, igual que ocurre con el mundo en el que vivimos. Por una parte, hay que tener en cuenta la hibridación que inunda todo, especialmente los lenguajes artísticos y, por otra, la creciente globalización gracias a la tecnología que no solo ha revolucionado el universo de la comunicación, sino también las herramientas de trabajo. Por ello, no es conveniente pensar únicamente desde el interior de las mismas disciplinas, haciéndose evidente no solo la necesidad de artistas, sociólogos y filósofos que aporten palabras y modelos de interpretación y representación de aquello que está aconteciendo, sino que también se impone un tipo de relación e intercambio

“arquitectura” o “urbanismo”... hoy son términos bastante elásticos y que han ido ganando en complejidad.

Pabellón de la República Popular China Arquitectura genérica Comisarios: Zhang Yonghe, Zhong Acheng, Yung Ho Chang Foto: J. Maseda y P. Medina Instalación de entrada a Architecture Beyond Building Comisario: Aaron Betsky Foto: J. Maseda y P. Medina

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...urge una reflexión sobre la digitalización de los modos de creación y las posibilidades que éstos abren, además de su pertinencia o no para la creación de un nuevo concepto de habitar.

An Te Liu Cloud Foto: J. Maseda y P. Medina

de conocimiento más basado en la red de puntos de vista que en el estudio establecido por diversos especialistas.

Esta anulación de “castas” nos sitúa en el terreno de un nuevo tipo de discusión y análisis político-social sobre cuáles son hoy día las formas más convenientes para construir nuestro “habitar”, en el amplio sentido de la palabra y en un mundo que ha hecho del exilio una de sus formas más habituales.

Sin embargo, esta perspectiva más social también debe tener en cuenta que la arquitectura siempre se ha encontrado determinada inevitablemente por las posibilidades técnicas, que condicionan sus formas.

De hecho, no hay que olvidar su origen. Si atendemos a la raíz griega de la palabra “arquitecto”, arkitékton, literalmente ésta quiere decir “el primero, principal” (arki), de los “artesanos, carpinteros, constructores” (tékton); es decir, “el obrero más importante”. Sin duda, con esta palabra ocurre igual que con la palabra techné, que en la actualidad se utiliza para “arte” y cuyo origen remite a una técnica o procedimiento cuyo fin es conseguir un resultado concreto en el campo de la ciencia, la tecnología, la educación o el arte. En ambos casos son palabras que necesitan una actualización, no so-

lamente por status, sino principalmente porque parecen limitar la indudable dimensión conceptual y menos “obrera” que los comportamientos arquitectónicos y artísticos vienen mostrando, especialmente en las últimas décadas.

Más allá de cuestiones etimológicas, es cierto que estos ámbitos de creación demandan un tipo de consideración más amplia, universal y abstracta, por no decir que se debe considerar la complejidad creciente de cualquier ámbito en el actual clima de globalización, unido a otra realidad a tener en cuenta: precisamente cuando nos movemos en el ámbito de

los instrumentos, éstos han cambiado radicalmente y, en el caso concreto de la arquitectura, urge una reflexión sobre la digitalización de los modos de creación y las posibilidades que éstos abren, además de su pertinencia o no para la creación de un nuevo concepto de habitar.

Por ello, el avance tecnológico convive con las políticas en torno a la arquitectura y los valores que éstas pueden determinar, bien sean culturales, comerciales o intelectuales. Ésta es una situación que reclama foros de debate sobre el momento actual. ¿Cuáles podrían ser? A pesar de la mencionada pérdida de fuerza

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...Aaron Betsky no parte de los edificios, porque los considera “las tumbas de la arquitectura”.

Asymptote: Hani Rashid + Lise Anne Couture Prototyping the Future: Three Houses for the Subconscious. 2008 Foto: J. Maseda y P. Medina

intelectual de las bienales como lugar de propuesta y legitimación de movimientos y tendencias, la Bienal de Venecia es una cita irrenunciable y este año se presentaba como una posibilidad de reflexión que, sin embargo, no ha podido de nuevo evitar que la espectacularidad se impusiera sobre las cuestiones de fondo.

Ahora nos acercamos a esas “emergencias” de la arquitectura, recordando que la propia idea de emergencia sugie-

re una irrupción que incorpora cierto nivel desestabilizador. ¿Es éste el caso de la Bienal de Venecia de este año? A diferencia de la pasada bienal, donde Richard Burdett estudió –teniendo muy presente la posición del ciudadano– el tejido social implícito en las soluciones concretas proyectadas para varias megalópolis, o Less Aesthetics, More Ethics, de Massimiliano Fuksas, esta edición se sitúa en la estela de otras de carácter más formal.

El comisario de esta bienal, Aaron Betsky, no parte de los edificios, como ocurría en el Next de Deyan Sudjic, porque los considera las “tumbas de la arquitectura”.

Pretende abordar la arquitectura como el modo de pensar y organizar el espacio que nos rodea. Sin embargo, este concepto más allá del construir, que apunta Betsky más como deseo de pensamiento que como tesis fuerte, halla con facilidad la incomprensión una vez que desaparece la fascina-

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La arquitectura actualmente se enfrenta a un nuevo panorama.

La ciencia se concentra ahora en el estudio del clima, unido a la preocupación constante por el calentamiento global que vuelve a abrir un paisaje humanista.

(Philippe Rahm: Arquitectura metereológica)

Zaha Hadid Architects Lotus, Perspective – Open Computer Generated Image. 2008 Cortesía: Zaha Hadid Architects y Fondazione La Biennale di Venezia

Los campos estarían repletos, casi como si estuvieran ocupados por un elemento fluido. Podríamos pensar en meteoros o en líquidos en movimiento, estructurados en ondas irradiantes, en flujos laminales y en vórtices en espiral. Nos gustaría pensar en una gran cantidad de edificios que se mueven a la deriva a través del paisaje.

(Zaha Hadid & Patric Schumacher: Manifiesto parametrista)

ción, debido a que el discurso expositivo es presa de una gran seducción por el experimento que no resuelve ni genera nada, estando más cerca de un conjunto de atractivos fuegos artificiales que de la verdadera construcción de un discurso propositivo, puesto que constatar que la realidad se está transformando en un mundo global y digitalizado no supone plantear ninguna tesis nueva, sobre todo si pretendemos averiguar la posición de un nuevo tipo de habitar, especialmente desde una perspectiva social.

No obstante, su mayor virtud es que esta bienal ha sido concebida como un foro, a pesar de que éste no adquiere verdadera unidad más que gracias a los elementos gráficos y modulares diseñados por Thonik. Y es que no se llega a generar un verdadero debate, sino que más bien se convierte en una platea con múltiples puntos de vista y entregada más a la exuberancia que al estudio de los problemas, lo que provoca en el espectador más que el anticipo de la realidad, la efectiva ausencia de ésta. Betsky acaba cayendo en la espectacularidad de las retóricas reinantes mientras plantea preguntas que muchas veces no hacen más que visitar lugares comunes sin ahondar en ninguno de ellos.

La bienal, sin embargo, sí que constata la decidida hegemonía de la generación marcada por el ordenador e Internet.

Entregados a esta realidad es cuando

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Gehry partners, LLP Ungapatchket. 2008 Foto: J. Maseda y P. Medina

aparecen las formas más sorprendentes, como los objetos fluidos de Asymptote o de una Zaha Hadid que no plantea ya muebles para una casa, sino mueblescasa. De hecho, esta apuesta por lo digital se ve explicitada con la concesión del León de Plata a Greg Lynn, aunque su exhibición de muebles “reciclados” (o más bien decapitados) no convenza a nadie; si bien es cierto que estas desafortunadas piezas tampoco hacen justicia a su trayectoria como arquitecto.

Destacan otras obras como las de Coop.

Himmelb(l)au, aunque tal parafernalia recuerda a otros artistas como Rafael Lozano-Hemmer, quien en la bienal del año pasado optaba por medios similares con mucha más sencillez, eficacia y carga poética. Y en la transición hacia otras posibilidades, el León de Oro de este año, Frank Gehry, nos enseña sus innovadoras formas en un material inesperado: la madera.

A pesar de la dispersión de miradas, en el recorrido van haciéndose explícitas algunas ideas, como la de interconexión, obvia en piezas como The evening line, una gran malla mutable que veremos este año en otros muchos eventos, también en la instalación de Vicente Guallart y, sobre todo, en ese contexto excepcional que es Roma, devenida comunidad en Uneternal City, donde sobresale el trabajo visual y de intercambio de información diseñado por N!studio.

Un balance rápido de la exposición principal, situada en la Cordelería del Arsenal de Venecia, puede terminar con facilidad en la perplejidad, especialmente porque tras la fascinación inicial, no parece haber propuestas que profundicen en los retos del mundo actual, quedando únicamente presos de la espectacularidad propiciada por los nuevos medios; no siendo tampoco éstos un grandísimo alarde de tecnología más allá de la materialización física de formas digitales.

Salvando las distancias, ¿no encontrábamos ya muchas de estas cuestiones en conceptos como las plug-in cities de Peter Cook o las walking cities de Ron Herron. Con una clara diferencia: Archigram proyecta el deseo de crear pensamiento en torno a nuevas formas de comunicación y modelos habitativos, intentando adaptarse a la ubicuidad de las sociedades contemporáneas. Sin embargo, en la propuesta de Betsky no hay más que una sana intención de crear debate, sin que nadie dialogue o cree respuestas realmente.

A propósito de la exposición Artes y arquitectura, Germano Celant afirmaba que en este momento histórico la arquitectura está más a la moda que la moda.

Y esa dinámica parece haber seducido a Betsky. Aun así, toda experimentación parece esconder el deseo de utopía. Éstos son precisamente los términos en los que se plantea el Pabellón de Italia.

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Matthew Ritchie & Aranda / Lasch The evening line. 2008 Foto: J. Maseda y P. Medina

En esta ocasión Emiliano Gandolfi (entrevista a Gandolfi en Second Life) ha acompañado a Betsky, y su mano se nota al incluir otros arquitectos que hacen un análisis exhaustivo de micro-realidades y singularidades deslocalizadas. Es ahí donde esta bienal, aunque sea brevemente y en segundo término, aborda la dimensión más humana de la arquitectura con el fin de activar agentes políticos y sociales.

En líneas generales, aquí encontramos transformaciones urbanas causadas por conflictos, como las tensiones ligadas a la globalización o la sostenibilidad

ecológica, lo que apunta a arquitecturas marginales, híbridas, improvisadas, nómadas… donde quizás pensar –ahora sí– otras arquitecturas que no olvidan la experimentación formal, pero que se sitúan en el camino de la construcción de un mundo mejor, planteando –como diría Yona Friedman– una “utopía realizable”, que se opone a la realidad histórica existente y que adopta su fuerza desde la racionalidad, frente a la locura de los tiempos que corren.

Dentro del hábitat discontinuo del Pabellón de Italia existen fragmentos interesantes, como es la visión del mundo

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actual a través del conjunto de relaciones originadas en los locutorios telefónicos, como muestra Diego Barajas; las recetas urbanas de Santiago Cirugeda; o la atractiva y radical Distopía sostenible de Stefano Boeri, que se traduce en una ética urbana no antropocéntrica; junto a la más fascinante y sutil instalación de Herzog & de Meuron (con Ai Wei Wei ) en el corazón de este pabellón. Se demuestra así que el experimento no solo lleva al ar-

tificio, sino también al ámbito de las propuestas; sin estar reñido por ello con un espíritu que tiene en el horizonte utopías formales y conceptuales. En este sentido, la propuesta de Barajas es una de las más interesantes, enseñándonos un lugar no solo desde el que construir, sino sobre todo desde el que pensar, frente a la obvia dispersión territorial y relacional, siendo estos locutorios una poderosa metáfora del mundo en el que vivimos.

De hecho, Husos investiga lo existente y sus derivas, destacando la biodiversidad, las distintas interconexiones que hay en el mundo y, en suma, lo translocal para crear y salvar formas de vida social y biológica.

Estas obras, junto con las muestras de algunos pabellones nacionales, permiten hacer una radiografía de la situación actual, siendo interesantes aquellos puntos en los que coinciden dos grandes obsesiones: la importancia de los procesos y

Stefano Boeri Sustainable dystopia Foto: J. Maseda y P. Medina HUSOS (Diego Barajas, Camilo García y Francisco Amaro) Edificio-jardín con espacio y plantas con néctar para mariposas EGSPNFC Cortesía: HUSOS y Fondazione La Biennale di Venezia

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Droog and KesselsKramer S1NGLETOWN Foto: Liz Hingley Cortesía: Fondazione La Biennale di Venezia Taipei, Next-gene 20: Grand land architecture international project Comisarios: Yu-Tung Liu y Tai-Nien Lu Foto: J. Maseda y P. Medina

ese campo de batalla que es la identidad.

En este sentido, destacan pabellones como el de Gran Bretaña, donde, a través de la exhibición de viviendas públicas, se revelan las dimensiones económicas y políticas implicadas en cada construcción. O justo delante del pabellón británico, en este jardín idílico de las naciones, Estonia aparece en forma de gaseoducto que comunica Alemania y Rusia. Mientras tanto, en el pabellón de Polonia, ganador del León de Oro, se explora la vida posterior de los edificios, llegando a soluciones híbridas entre lo kitsch y lo

decadente. Pero llegados a este punto, ¿cuáles son las ideas? Pocas, aunque Dinamarca plantea un pabellón donde la investigación y la exposición de casos concretos nos remiten a una realidad: los networks generan acción colectiva. Sin embargo, también podría quedar el vacío que evidencia Bélgica como denuncia de ese escaparate de vanidades que es la propia Bienal. ¿Qué queda pues? Quizás el poder de la paradoja, porque tras ella solo queda posibilidad. En definitiva, Betsky ha intuido que en un momento de desterritoria-

lización de lo político, es difícil dar soluciones, por lo que habrá que reconocerle que lo importante es interrogarse sobre la realidad. No obstante, hace falta generar pensamiento sobre los cambios que están acaeciendo. Al menos Betsky nos enseña que ésta será una labor difícil, con un recorrido todavía muy largo.

Si intentamos percibir entonces este encuentro dentro de la construcción de una teoría sobre el devenir de la arquitectura, quizás deberíamos recordar intentos como el de Martin Heidegger, quien en 1951 pronunciaba en el marco de las

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Ahora que la era mecánica llega a su fin, los arquitectos deberían asumir esta función para no caer en una realidad más real que la real, creada por los seres humanos.

La revolución digital no debe renunciar necesariamente a los prototipos precedentes, sino que debe apropiarse de ellos, distorsionarlos, para hacer una arquitectura más aplicable, híbrida, real.

(Penezi’c & Regina Architects: Manifiesto de la contrarrevolución digital en arquitectura)

La arquitectura no debe arder… puede quemar bajo las cenizas. (…)

Rechazamos la imagen fácil y simplista; rechazamos la falsedad de la función, del dogma social, de la ecología, de la tecnología.

La arquitectura debe encarnar todas estas cosas juntas, o quizás ninguna de ellas.

(Barkow Leibinger Architects: Manifiesto futurista ‘metodológico’)

... vivimos en un entorno conectado por redes, no solo tecnológicas, sino también afectivas, comerciales, de investigación.

Darmstädter Gespräche Construir, habitar, pensar para plantear el proyecto de reconstrucción del mundo tras la catástrofe de la guerra, para preguntarse cómo es posible “habitar el mundo”. Sin duda, no se le podía pedir a Betsky que vaticinase la crisis que ahora domina todo, pero sí es cierto que, en suma, estas tres dimensiones no actúan armónicamente en su discurso expositivo, imponiéndose su perplejidad y fascinación ante el momento que vivimos más que la verdadera construcción de un proyecto.

Sin duda, ahora más que nunca, urge pensar este proyecto; una tarea que debe

ahondar necesariamente en consideraciones de corte sociológico y ambiental más allá de las meras formas que puedan adornar este discurso, puesto que vivimos en un entorno conectado por redes, no solo tecnológicas, sino también afectivas, comerciales, de investigación… que no deben olvidar conceptos como el de solidaridad frente a otro tipo de consideraciones.

Aparece de nuevo el término “utopía”, término que, a partir de la novela Año 2440 de Sebastien Mercier (1770), se vio determinado por la idea rousseauniana de perfectibilité, por lo que las miradas

se trasladaron del espacio al tiempo y del presente al futuro, estableciéndose por primera vez las etapas de un acercamiento progresivo, aunque jamás resuelto, que tiene como horizonte una sociedad perfecta. Sin duda, entre el deseo y la realidad, todavía hay un gran trecho, aunque sin duda hay que pensar nuevos conceptos ligados a valores emergentes en sintonía con un profundo análisis de la actual situación mundial. Probablemente ésta sea la complicada tarea del próximo comisario de la Bienal de Venecia. Veremos dentro de dos años.

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CLÁSICOS COLECCIONABLES

ELSA SCHIAPARELLI por Elena Velasco INEZ VAN LAMSWEERDE y VINOODH MATADIN por Cristina Bartl THEO JANSEN por Fernando García

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ELSA SCHIAPARELLI POR: ELENA VELASCO

schiaparelli.com

Diseñadora de moda (Roma 1890París 1973) Provocadora, controvertida y feroz rival de Coco Chanel, Elsa Schiaparelli revolucionó la alta costura durante la época de entreguerras del siglo pasado.

Elsa Schiaparelli era hija de la nobleza italiana. No tuvo que esforzarse mucho para conseguir lo que quería, así que se tomó su vida con humor, pese a que su marido la abandonó y tuvo que ponerse a trabajar después de que éste dilapidara su dote en Estados Unidos, por lo que decidió volver a Francia con su hija.

En el período de entreguerras y después del Crack del 29, comenzó su andadura como diseñadora. Su propuesta era frívola y desenfadada. Su ropa era para mujeres decididas que se reían de sí mismas y de todo lo que les rodeaba.

De la noche a la mañana, Schiaparelli se convirtió en “lo último de París”. Dicen que inventó las cremalleras pero no es cierto, aunque fue de las primeras en darle importancia. Sus vestimentas sport, sus trajes de calle y de noche harían furor entre las elegantes de la capital francesa.

Las damas que no querían llamar la atención vestían Chanel; las atrevidas, las que no temían llamar la atención, vestían Schiaparelli. Vestir Schiaparelli significa automáticamente adquirir confianza y ser chic, independientemente de que una fuera guapa o no.

Si Coco Chanel le dio austeridad al guardarropa femenino, Schiaparelli le dio adornos y fantasía, sentido del humor y color (“lo que yo hago es inimitable”).

Chanel primero la ignoró, pero luego vio que sus propuestas se convirtieron en algo real y que debía tenerla en cuenta.

Pronto Schiaparelli ocupó un lugar en la moda francesa, gracias a la exhuberancia de su expresividad y su

proximidad al surrealismo, dadas sus amistades con los artistas de la época que representaban esta corriente, o que se encuadran también dentro del dadaísmo. Era íntima de Cocteau, Salvador Dalí, Marcel Vertes, Tristan Tzara, Francis Picabia y Man Ray, entre otros, cuyo espíritu influyó totalmente en sus creaciones.

De ahí se lanzó a la confección, e innovó no solo con los cortes y los patrones, sino también con los accesorios, botones y sombreros. Sus colecciones eran temáticas basadas en el arte y en la naturaleza. Para ello contaba con la ayuda de los fabricantes para que hicieran las telas a su gusto.

Con ayuda económica de la escritora de Los Caballeros las prefieren rubias, Anita Loos, creó jerseys muy originales con dibujos africanos, muy atrevidos para la época; aunque habría también que comentar que estaban tejidos por refugiadas armenias en régimen de semiesclavitud.

Estuvo años diseñando para el cine, creando vestuario para películas de Zsa Zsa Gabor y Mae West. Su influencia en la moda de la época fue innegable; de hecho, casi todos los bocetos de los años treinta corresponden a ella, vestidos de noche con capucha, guantes con uñas encarnadas y estampados increíbles de mariposas.

Se superaba siempre a sí misma, en sus diseños, desfiles y presentaciones, convertidos en verdaderos espectáculos teatrales. Le daba su toque a estas pequeñas locuras, con formas fantasiosas, utilizando zapatos como sombreros o diseñando bolsas de mano en forma de teléfono.

Su máxima aspiración era causar sensación, por lo que su última colec-

ción se llamó precisamente Shocking Elegance (Sorprendente Elegancia).

Creó varios perfumes bajo nombres aún mas increíbles e impactantes (su perfume Shocking representaba un torso de mujer), que gozaron del fervor del público hasta el cierre de la firma a mediados de la década de los cincuenta.

Para que luego digan que la moda no es un reflejo de la sociedad. Hasta su muerte, en 1973, vivió de los ingresos derivados de sus perfumes.

Si fue un referente en su época, no ha sido indiferente para los diseñadores actuales. Galliano, Marc Jacobs, Versace o Armani le deben mucho a la italiana. Mientras tanto, el cíclico sistema de la moda sigue igual, a la espera de otra revolución.

BIBLIOGRAFÍA: * François Baudot: Elsa Schiaparelli, New York: Universe-Vendome, 1997. * Dilys Blum: Shocking: the art and fashion of Elsa Schiaparelli, Philadelphia: PA Philadelphia Museum of Art, 2003. * Mª José Mir Balmaceda: La moda femenina en el París de entreguerras: las diseñadoras Coco Chanel y Elsa Schiaparelli, Barcelona: Edición Internacional Universitaria, 1995. * Palmer White: Elsa Schiaparelli, empress of Paris fashion, New York: Rizzoli, 1986.

INEZ VAN LAMSWEERDE y VINOODH MATADIN POR: CRISTINA BARTL

airdeparis.com Fotógrafos (Ámsterdam Ámsterdam 1961-)

1963-,

Inez van Lamsweerde y Vinoodh Matadin han sido pareja y colaboradores inseparables desde que se conocieron en la Academia de Arte de Ámsterdam en 1986.

La primera vez que esta pareja trabajó junta fue cuando Vinoodh, que estudiaba Diseño de Moda en la Academia de Ámsterdam, le pidió a Inez, conocida por sus espectaculares y originales tomas, que sacara fotos a sus colecciones.

Vinoodh quedó tan impresionado por la amplia visión artística de Inez que decidió dejar su propia marca y embarcarse a trabajar con ella.

La carrera de ambos ha transcurrido siempre en la frontera del arte

contemporáneo y el trabajo comercial dando saltos arbitrariamente de las revistas más internacionales a las salas de los museos más “artys”: de V Magazine a la Bienal de Venecia, del Vogue París al Whitney Museum en Nueva York.

Su primer trabajo artístico, Thank You Thighmaster (1993), compara muñecas de tamaño real con modelos de carne y hueso, creando una antítesis entre glamour y horror.

Final Fantasy (1993) es una fusión de características adultas en cuerpos adolescentes, inspirado por la generación de modelos andróginas como Kate Moss.

Era su particular manera de cuestionar al niño como símbolo de inocencia.

Ambos trabajos fueron desarrollados mientras van Lamsweerde cursaba estudios posteriores en el Centro de Arte Contemporáneo de Nueva York.

Más adelante vendría el impactante The Forest, que se resume en modelos masculinos con partes del cuerpo femeninas.

Inez fue también la co-directora del videoclip de Björk Hidden Place y fotografió la portada de los volúmenes del 1999, Vespertine (2001) y Medulla (2003). Además, ha sido recientemente galardonada con el segundo puesto de retratos en la categoría de World Press Photo por sus fotografías de Charlize Theron, tomadas en colaboración con Matadin para el New York Times Magazine.

Van Lamsweerde y Matadin han sido, sin duda, los artistas de moda más creativos. Hay que destacar que fueron de los primeros grandes fotógrafos en manejar las nuevas cámaras e implicarse en la era digital. Fueron pioneros en introducir manipulaciones digitales,

lo cual les permitió crear trabajos en los que se cuestionaba el género y la sexualidad, la realidad, la superficialidad y la identidad de sus personajes.

En 1997 colaboran por primera vez con el dúo de diseñadores y directores de arte franceses M/M París para Yohji Yamamoto, que dio como resultado una campaña que se ha convertido en un icono para la historia de la fotografía de moda.

La pareja ha trabajado con grandes editoriales como las Vogue italiana, francesa, americana e inglesa, así como V Magazine, Self ServiceVisionaire, Another Magazine, VMAN y Fantastic Man, entre otras. También han fotografiado campañas publicitarias para Louis Vuitton, Balenciaga, Helmut Lang, Chloé, Miu Miu, Stella McCartney, Givenchy, Yves Saint Laurent, Just Cavalli, Miss Sixty y Viktor & Rolf.

Cuentan con clientes como Björk, Brad Pitt, Janet Jackson, Tom Cruise, Jude Law, Natalie Portman y Madonna, y con devotos de su trabajo muy especiales como el diseñador Oliver Theyskens.

Sus fotografías inquietantes y llenas de movimiento congelado, en las que el cuerpo de la mujer adquiere siempre un gran protagonismo, requieren segundas y terceras lecturas.

Frivolizan con el cuerpo humano y lo muestran como un producto más de consumo. Además, tienen un estilo depurado que produce imágenes nítidas e intensas.

Quizá es por esta riqueza de matices e interpretaciones que podemos hablar ya de un estilo totalmente propio, personal y fácilmente reconocible.

BIBLIOGRAFÍA: * Camilla Nickerson y Neville Wakefield: Fashion: photography of the nineties, New York: Scalo, 1996. * Inez van Lamsweerde & Vinoodh Matadin: Photographs, Catalogue, Pitty Immagine Discovery, Florence: Schirmer/Mosel, 2001. * Benjamin Weil: Inez van Lamsweerde: Fashioning the Human Body, Stockholm, 1996.

THEO JANSEN POR: FERNANDO GARCÍA GARCÍA

strandbeest.com

Artista y diseñador industrial (Den Haag 1948-) Recientemente Theo Jansen ha saltado a la fama gracias a la creación de una nueva “forma de vida”. Se trata de sus Stranbeest (bestias de la playa), seres que tienen tal apariencia animal que podemos confundirlos con gigantescos insectos o esqueletos de animales prehistóricos. En realidad están fabricados con tubos flexibles, botellas de plástico y cinta adhesiva.

El trabajo de Theo Jansen se centra en el diseño y construcción de grandes piezas con apariencia de esqueletos animales que pueden desplazarse por sí mismos utilizando la fuerza del viento. En sus obras fructifica la unión entre técnica y belleza.

Dicho por él mismo: “las divisiones entre arte e ingeniería solo existen en nuestras mentes”.

Jansen se dedica a construir vida artificial mediante el uso de programas informáticos basados en algoritmos genéticos. Estos programas se usan para investigación y desarrollo en multitud de disciplinas, desde la ingeniería a la medicina, y se caracterizan por ser capaces de evolucionar por sí mismos.

Usando este tipo de programas para resolver la evolución de estructuras móviles basadas en formas animales, Jansen crea estructuras que funcionan como sistemas complejos.

Su diseño permite que se muevan sin necesidad de motores, sensores electrónicos o cualquier otro tipo de tecnología avanzada. Están concebidas para desenvolverse de manera autónoma en la estrecha franja entre el mar y las dunas de las playas holandesas, utilizando el viento como energía para desplazarse.

Desde su laboratorio en Ypenburg, Jansen estudia la historia de la evolución

biológica con el objetivo de construir nuevas generaciones de criaturas que mejoren sus aptitudes y adaptación al hábitat designado por su creador: la playa.

Ya ha desarrollado siete generaciones de Strandbeest. Algunas de sus criaturas más recientes pueden alojar un pasajero humano en su interior y seguir moviéndose sin viento gracias a un ingenioso sistema de pistones y botellas de plástico que almacenan aire comprimido.

Para otros ha desarrollado un sistema que ancla la criatura a la arena cuando percibe que el viento es demasiado fuerte como para seguir de pie. Su sueño es que un día sus criaturas comiencen a evolucionar sin su ayuda y puedan continuar con sus vidas como cualquier otro organismo, sujetas a los ciclos de la naturaleza.

Durante los años de la reciente revolución digital, los trabajos de este artista e ingeniero holandés eran

considerados por muchos como rudimentarios, sobre todo comparados con las sofisticadas investigaciones desarrolladas en el área de la robótica.

Hoy empezamos a entrar en un escenario marcado por el inminente cambio climático y el colapso de los

ecosistemas, en el cual urge buscar ideas y tecnologías que nos permitan abrazar modelos de desarrollo más sostenibles.

En este contexto, el trabajo de Theo Jansen es un ejemplo imprescindible y una fuente de inspiración para las más diversas disciplinas.

BIBLIOGRAFÍA: * H.J.A. Hofland: Theo Jansen: Strandbeesten van Theo Jansen, Amsterdam: Ludion, 2002. * Theo Jansen: Ideologiese aanpassing in het basisonderwij; observaties in vier acholen, Nijmegen: Socialistiese Uitgeverij Nijmegen, 1975. * Theo Jansen: Klimmen in lucht: reflecties, Nijmegen: SUN, 1996.

UNIVERSO MODA

New York, London y… ¡MADRID! ABRE EL OJO Nº 11 · p. 123 de 145

Madrid

Londres

Septiembre es uno de los meses más movidos en el mundo de la moda. Es el gran mes de las revistas, con los mejores reportajes, con los famosos más famosos y las prendas que marcarán tendencia los próximos seis meses. Pero septiembre es también el mes de las pasarelas internacionales; todas siguen un orden preciso: Nueva York, Londres, Milán y París. ¿Pero dónde está Cibeles? La relevancia internacional de nuestra querida pasarela es casi inexistente, pero coincide en fechas con la London Fashion Week. Este año algo

extraño está ocurriendo en nuestra pasarela, será el cambio de nombre de Cibeles a Madrid Fashion Week o la creación de un segundo catwalk, pero las propuestas han mejorado. Todavía no es momento de desvelar los detalles, será mejor ir por orden pero antes una pequeña reflexión económica.

Esta temporada es un poco más especial que las otras. Es por todos sabidos que estamos pasando una de las peores crisis a nivel mundial. Los más catastrofistas dicen que podía llegar a ser peor

que el Crack del 29, pero creo que eso es exagerar demasiado. Lo que sí es cierto es que es peor que la crisis del 2000 (la llamada Crisis de las .com). Pero todo esto tiene que ver con la moda, todo. El sector textil no es uno de los más fuertes y el precio de los materiales está muy ligado al precio del petróleo. Además, durante estos últimos años, la inversión en publicidad ha sido mucho mayor debido a la gran competencia que hay en firmas de prêt-à-porter. Esto provoca que muchas firmas tengan que pedir créditos

para poder lanzar las colecciones. Aquí se juntan otros dos problemas: la subida de los tipos de interés y el descenso severo de las compras. Con todos estos problemas, la única salida viable que ha visto la gran mayoría de firmas es apostar sobre seguro, no innovar en las colecciones, rediseñar los looks que han acaparado más portadas y editoriales, aumentar las propuestas de básicos…

La clientela no puede permitirse ahora comprar solo prendas para seis meses, su uso tiene que ser mayor.

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Nueva York Una de las primeras firmas que ya está notando la crisis es Viktor and Rolf.

Durante el verano cerró su tienda emblemática en Milán y acaban de anunciar que no desfilarán en París durante la Semana de la Moda, sino que ofrecerán su colección por Internet. Aunque si hay un sector en el que no han descendido las ventas sino aumentado es el del lujo, plagado de nuevos multimillonarios como los rusos, que ven cómo su capital sube a la vez que el precio del barril del brel. A nosotros nos supone un dolor de cabeza cada vez que vemos una subida de los carburantes, y a sus queridas mujeres una alegría, ya que se podrán comprar un nuevo bolso de cocodrilo de Tod´s o una nueva pulsera de diamantes de Bvlgari, ¡qué ironía! Tras esta breve reflexión, vamos a entrar en materia.

Inauguró el calendario de desfiles de primavera-verano la N.Y.F.W. (New York Fashion Week). Las propuestas de los diseñadores americanos son las más comerciales, venden a sus compradoras una revisión de las últimas tendencias llevadas por las “celebritis” que tanto idolatran.

Para analizar esta pasarela es mejor analizar esas prendas que tanto hemos visto durante estos últimos meses. Los famosos vestidos banda de Herve Leger han sido unos de los más vistos en las alfombras rojas, es por ello que marcas como Quita Abatae o Alexander Wang los han incorporado a sus propuestas. Una de las colecciones que también ha sido revisada en N.Y.F.W. ha sido la de otoño-invierno de Balenciaga. Sus chaquetas armadas y sus extrasexy L.B.D. (little black dress) han sido inspiración para las marcas Proenza

Schouler y Óscar de la Renta. Esto es una pequeña muestra de las copias que se pudieron ver, pero también hubo cosas buenas, mejor dicho muy buenas, como la colección de Monique Lhuiller. Unas propuestas femeninas y románticas, con una paleta de colores exquisita: blanco, oro, teja y turquesa; sin olvidar el tono de la próxima temporada, el empolvado.

Vestidos sencillos pero muy cuidados, dignos de auténticas estrellas, de mujeres que no necesitan un gran vestido para poder recoger todos los flashes y acaparar portadas que pronto serán olvidadas.

Sus vestidos son para aquellas damas elegantes cuya imagen siempre perdurará en la memoria.

Antes de cerrar con la N.Y.F.W., quiero hacer una mención especial a la colección de Marc Jacobs. La he analizado varias veces y sigue sin gustarme. Las colecciones de Marc Jacobs son siempre dispares, buscan siempre el escándalo, pero esta vez se ha pasado. Una colección barroca, inspirada en My Fair Lady, que viste a las mujeres con faldas de talle alto donde combina el tartán con materiales metálicos. Vuelve a resucitar las chaquetas con hombreras y sus bolsos de patchwork que mezclan el estampado de leopardo en vinilo con pieles de pitón de diferentes colores. No hay belleza, elegancia, ni tan siquiera algo de coherencia en muchas de sus propuestas. La silueta que dibuja su mujer desconcierta al ojo,

que no es capaz de posarse en ningún elemento porque se siente oprimido por la complejidad de los looks que propone.

Después de NY llegó la London Fashion Week. Podríamos hacer dos bloques con esta pasarela. Por un lado, las propuestas comerciales que enamorarán a más de una mujer el próximo verano; a destacar la colección de Paul Smith con sus vestidos vaporosos con unos finos estampados florales en degradé.

Otra colección dentro de este bloque es la de Vivienne Westwood. Desde trajes de chaqueta, pasando por vestidos de cocktail, hasta llegar a camisetas con la palabra “VENUS” serigrafiada. Desfiló para Westwood una de las it-girl de la temporada, Alexa Cheng, y además contó con la presencia en el front row de Kate Moss. El segundo bloque está formado por los diseñadores más vanguardistas, como es el caso de Basso&Brooke.

Vestidos sencillos confeccionados con unas exquisitas sedas estampadas en infinidad de colores que aúnan motivos geométricos con grabados florales japoneses. En este bloque hay que incluir la nueva colección de Markus Lupfer para Armand Basi. Sorprende que, en cada una de sus propuestas, saca de repente a las modelos con chaquetitas que tienen un lado en tela de punto a rayas y la otra mitad en gasa semitransparente; o faldas globo combinadas con cuerpos con volantes en la cintura, para luego deleitarnos

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Somos muy descarados y copiamos precisamente las prendas que han aparecido más veces en las revistas durante este verano.

Nueva York con unos preciosos L.B.D. con una sola manga y detalles de punto.

Ahora es el turno de pasar a nuestra pasarela, la nueva Cibeles Madrid Fashion Week. Éste es el primer año que en general me sorprende, para bien, las propuestas de los diseñadores nacionales. Claro, siempre hay excepciones pequeñas, pero es importante comentarlas. Me estoy dando cuenta de que a los españoles se nos da muy mal copiar. Somos muy descarados y copiamos precisamente las prendas que han aparecido más veces en las revistas durante este verano. Desde los vestidos griegos

de Lanvin a los rockeros e híperajustados de Balmain; también nos gusta la houte couture de Valentino y Elie Saab.

No todo han sido copias en la M.F.W., la colección presentada por Amaya Arzuaga se centra en el lazo XXL, que acaricia la silueta de la mujer vestida por minivestidos palabra de honor en negro. También hace uso en su colección de nuevos materiales como la fibra óptica, que da un aire futurista a sus modelos.

Una de las premisas en las que coinciden varios diseñadores nacionales es en la comodidad. Desde Ailanto, con una

colección hippy en la que predominan colores como el azul energy, sin olvidar los estampados de la firma, hasta Sita Murt, que también apuesta por la comodidad con prendas más románticas, a destacar sus minivestidos de punto en gris perla y los pantalones Harem. La colección presentada por Davidelfín es más light que en otras ocasiones; comercial podría ser la palabra perfecta para definirla, pero no es la moda una gran empresa?

Hay que ser realista en los tiempos que corren y dejar de lado las estridencias, y

lo estamos viendo no solo en Davidelfín, sino en otros muchos diseñadores internacionales. Aun siendo una colección comercial, para mí es una de las mejores que he visto. Faldas lápiz o monos para la mujer y para el hombre, trajes de chaqueta con brillos metálicos o en materiales tecnológicos. Los tonos utilizados: rosa palo, grises, blancos y negros. El premio L´Oréal de este año fue para el diseñador Juanjo Oliva, que impresionó con las tres últimas propuestas que cerraron el desfile: vestidos en color crema con volumen gracias a un minucioso nido de abeja.

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UNIVERSO MODA

Armand Bassi

Recuerdos de verano

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Bread&Butter

Ahora que el otoño está entrando poco a poco, notamos que los días se acortan y las tardes son cada vez mas frías. En mi armario van apareciendo los primeros jerseys, las bermudas y bañadores se van agolpando en el fondo, la oscuridad se apodera de un lado del armario que no se volverá a abrir hasta dentro de un año. Al igual ocurre con mis recuerdos de estos últimos meses de verano, que son empujados al fondo de la memoria por una inmensa cantidad de obligaciones.

El verano comenzó este año unos días antes, el 14 de junio, con la gran inaugura-

Fotos: Celso Bravo

ción de la Expo Zaragoza 2008, situada en el cauce del río Ebro y con una misión muy clara: concienciar a los visitantes sobre el uso responsable del agua a través de sus 22 pabellones, ideados por reconocidos arquitectos de todo el mundo, que aúnan modernidad con criterios de sostenibilidad y ahorro energético. Entre las obras cabe destacar el enorme acuario fluvial (el mayor de agua dulce de toda Europa).

Poco después, durante la primera semana de julio, tuvo lugar en Barcelona la feria de moda urbana más importante de Europa, el Bread&Butter, situada en la

Plaza de España y a los pies de la impresionante fachada del Museo de Arte de Cataluña. Estaba dividida en cinco áreas, donde se podían observar las tendencias para el próximo verano de marcas de todo el mundo. Una de las firmas de las que más se habló fue de la holandesa Cold Method, especializada en ropa de caballero. Su colección para el próximo verano es ¡brillante! Cómoda, elegante, con unos acabados en las americanas y pantalones que no tienen nada que envidiar a las grandes firmas, al igual que la calidad de los materiales. El único impedimento es

que todavía no tienen tienda aquí, así que si vais de viaje por alguna de las capitales de Europa buscad una de sus tiendas.

Durante el Bread&Butter hay fiestas por toda Barcelona. Una de las más importantes es la de Custo, que este año, según tengo entendido, fue en el Palacio de Pedralbes. Hay que recordar que uno de los escándalos del verano en el sector de la moda española viene de la mano de Custo, quien pretendía establecer acciones legales contra la firma también catalana Desigual (digo “pretendía” porque en eso se ha quedado). Supuestamente Desigual

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Bottega Veneta

Ya no compran un simple traje sino el must have de la temporada.

copiaba la colección de Custo año tras año y su expansión de mercado también era igual. En mi opinión, creo que esto no ha sido nada más que publicidad gratuita para las dos empresas. Hace unos meses leí un artículo donde se explicaba que ambas marcas fueron creadas casi a la vez en Cataluña e influidas por los mismos artistas. Es normal que su ropa se parezca, pero no creo que haya copia; estas empresas van dirigidas a clientes con diferente poder económico.

Desde París y Milán nos llegaron, durante el mes de julio, las propuestas para hombre para el próximo verano. Las colecciones de hombres siempre han estado en un segundo plano, pero temporada tras temporada se están abriendo un hueco en un mundo dominado por mujeres. Esto viene dado por un consumidor cada vez más exigente, que empieza a demandar diseño, calidad y comodidad. Ya no compran un simple traje sino el must have de la temporada. Se fijan en estrellas como Jude Law, Orlando Bloom…, que desde hace unos años ocupan las primeras filas del front row. La moda no es solo cosa de mujeres como vemos con las propuestas que nos acercan casas como la italiana Bottega Veneta. Con una colección fresca y cómoda, los trajes se tiñen de colores como el azul eléctrico y el caoba, las americanas con cuellos mao o cuadros de Vichy, una de las tendencias del próximo verano que también recoge Junya Wata-

nabe. Los pantalones pitillo empiezan a desaparecer, cosa de la que me alegro; la figura slim que impuso hace unos años Heidi Slimane, ha hecho mella en más de un hombre que se ha visto obligado a perder peso para poder entrar en los trajes de Dior Homme. Es el caso de Karl Lagerfeld (simplemente no digo nada).

Ahora vuelven los pantalones anchos y si son con rayas como si fueran pijama mejor que mejor. Éstas son propuestas de Bottega Veneta y Dolce&Gabbana (alguna de las dos firmas tiene un infiltrado. Sus colecciones son bastante similares).

Tres colecciones muy diferentes, pero a mi parecer muy buenas, son las de Burberry, con predominio de colores mostaza y verde caqui y jerseys oversize de punto fino. Gucci, de mano de Frida, nos trae las propuestas más comerciales con colores ácidos y unos complementos que quitan el hipo, como los bolsos en napa naranja. Ahora pasamos a otro bolso perfecto, el reinventado Messenger de Prada, esta vez en azul petróleo y correas de cuero.

La colección de Prada, como ocurre casi siempre, tiene los mismos detractores que seguidores. La prenda más in que propone Miuccia Prada es una gabardina de látex.

No le encuentro utilidad porque el látex no abriga, pero aun así creo que es un diseño muy atrevido.

Dos firmas catalanas han traspasado este año los Pirineos para llegar a París: Armand Basi y Antonio Miró. Estas dos

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080 Barcelona

firmas tienen muy claro que el futuro está fuera de España. Basi tiene tienda desde hace unos años en Londres y Moscú. Antonio Miró, que ya ha presentado en otras ocasiones en París, nos trae una colección para hombre inspirada en Sudamérica, un hombre viajero que se escapa del mundo cibernético. Una colección, a mi gusto, exquisita por su frescura. Además, este verano, Basi está de enhorabuena. La princesa que ha sido elegida una de las mujeres más elegantes por style.com tras su cambio de look -ahora la vemos vistiendo con prendas más acordes con su juventud y

Fotos: Celso Bravo

silueta- les ha elegido como marca de cabecera junto con otras firmas españolas.

Pocas semanas después llegaron los desfiles de haute couture. La casa Dior abrió la semana de la mano de Galliano.

Esta vez me sorprendió su exquisito refinamiento. No tuvo que hacer uso de diseños imposibles para conseguir la ovación de su público. Pudimos ver vestidos de aire vintage que marcaban una preciosa cintura avispa en sus modelos, trajes de dos piezas con transparencias, print animal, volumen a base de volantes en los vestidos, pura magia. Una anécdota sobre esta co-

lección es que hace dos meses la top Eva Herzigova lucía un espectacular vestido transparente en Cannes. En esa ocasión nadie sabía quien lo firmaba. Fue Galliano quien le prestó una de sus creaciones antes de que fueran vistas en la pasarela.

Era muy esperada la primera colección de Alessandra Facchinetti para Valentino.

Yo no creo que haya conseguido estar a la altura del último emperador (título del documental que recoge el trabajo de Valentino). Aun así, Facchinetti apunta maneras para ser una de las grandes; sigue el aire clásico de la firma y es capaz de

añadir su toque personal a una colección donde predominan los blancos rotos y los empolvados. Esta temporada volvió a formar parte del grupo de los elegidos Josep Font, con una colección exquisita donde se ven sus raíces españolas, vestidos con detalles de pedrería y una paleta cromática que nos lleva del binomio blanco-negro a colores ácidos y que deleitaron a todos los presentes.

Pero, durante el verano, también pudimos escuchar noticias malas dentro del sector de la moda. Con la llegada de la crisis se están empezando a reducir

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Dolce&Gabbana

puestos en diferentes talleres de la península. Esto se debe a que en estos últimos meses ha disminuido notablemente el nivel de ventas. Hasta las grandes multinacionales se están viendo resentidas. Antes de la llegada de las rebajas tenían enormes stocks, lo que les ha hecho olvidar poner enormes descuentos. Hace unos años era impensable ver descuentos en tiendas de lujo de hasta el 70% en las primeras semanas de julio, y más aún ver carteles grandes en sus escaparates. Un síntoma de la

llegada de la crisis es que el largo de las faldas empieza a aumentar este invierno.

Antes de cerrar este breve resumen del verano, quiero hacer mención a la segunda edición de la pasarela 080 BCN. Esta pasarela es una plataforma para nuevos diseñadores como es el caso de la firma EBP (Eduard Ballester Pi), aunque este antiguo estudiante del IED Madrid ya lleva unos cuantos desfiles a sus espaldas.

Sus propuestas para hombre son estudiados trajes sastre de colore beige, bermu-

das hechas con materiales tecnológicos y, lo mejor, los dibujos que se posan en camisetas y chaquetas. También pudimos ver a la firma belga Lutz, que trajo para el 080 una retrospectiva de sus ocho años en el mundo de la moda. Lutz está formada por dos diseñadores: un ex-alumno de Central Saint Martin’s College de Londres y un ex-director artístico de lanzamiento de perfumes y coordinador de moda. Sus colecciones se venden en las tiendas más exclusivas de todo el mundo.

La plataforma 080 BCN, además de pasarela, alberga un showroom. De esta manera se intenta impulsar la compra de las colecciones. Una de las marcas que más me impactó por su calidad fue la de Teresa Helbig; sus vestidos en tonos empolvados están cargados de detalles de alta costura. Faldas con infinidad de volantes o túnicas con detalles de pedrería son algunos ejemplos para una firma donde la máxima es la calidad de los materiales.

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EL DISEÑO DEL GUIÓN Tropa de Élite

Tropa de Élite. 2007, Brasil/Argentina. Guión de José Padilha, Bráulio Mantovani y Rodrigo Pimentel. Dirección de José Padilha.

TERCERA ENTREGA POR: ANGELA ACCORSI ABRE EL OJO Nº 11· p. 133 de 145

Estructura capitaneada por una voz en off La siguiente sinopsis es la que da Wikipedia: “Río de Janeiro, 1997. Nascimento, capitán del BOPE, la Tropa de Élite de Río de Janeiro es asignada para comandar uno de los equipos que tienen como misión apaciguar la favela de Turano con motivo de la visita del papa Juan Pablo II de aquel año. El plan, realizar incursiones constantes a la favela, le parece una idea desca-

bellada, sin embargo, tiene que cumplir las órdenes mientras encuentra un sustituto.

Su mujer, Rosane, está al final de su embarazo y todos los días le pide que salga de la línea del frente del Batallón”.

Como sinopsis es bastante correcta. Sin embargo, desde el punto de vista dramático habría que cambiar el orden en que aparecen los dos objetivos de Nascimento, que son:

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1) Apaciguar la favela de Turano por la visita del Papa (que ha decidido quedarse a dormir nada más y nada menos que encima del monte de Turano).

2) Encontrar un sustituto.

El objetivo dramático de Nascimento es encontrar un sustituto. La llegada del Papa es lo que se le opone: la misión necesita a Nascimento, por lo tanto, no puede dejar el BOPE. Ambos objetivos aparecen en el 1er Acto y se mantienen hasta el 3º pero, mientras que el de salvaguardar la seguridad del Papa se resuelve hacia la mitad del 3º, el de encontrar a un sustituto lo hace en el último segundo de la película.

Ésta no es la única señal. A lo largo de toda la historia vemos cómo va creciendo el estrés que le produce a Nascimento su pertenencia al BOPE, el cuerpo de policía militar más duro y violento de Brasil. Entrar al BOPE (Batallón de Operaciones Policiales Especiales) es “ir a la guerra”. Nascimento ya estaba cansado de ir a la guerra, pero a ello se suma ahora un incidente desencadenante: el nacimiento de su hijo. Su salida tiene que ser inminente.

Voz en off: Aristóteles dijo que “la tragedia no es imitación de personas, sino de una ac-

ción”, y también que “las causas naturales de las acciones son dos: el carácter y el pensamiento [de quien actúa]”. Que el drama se narra en acciones, es lo primero que se enseña a un guionista. Recursos como la voz en off suelen provocar rechazo en gran parte de los creadores de cine. La voz en off tiene la cualidad de reflejar los pensamientos de los personajes.

Hay quien dice que en Tropa de Élite sobra. Pero, en esta película, acción hay mucha y está muy bien hilada. Lejos de querer reemplazar la acción, la voz en off –aunque venga del mismo Nascimento– actúa casi como un personaje más, un

ojo omnisciente que analiza el complejo entramado del narcotráfico y las personas en éste involucradas, una guerra en la que todos pierden de manera trágica. ¿Se trata de literatura dentro del cine?

Sí, pero, ¿por qué debería extrañarnos en una época marcada por la mezcla de disciplinas artísticas? Tropa de Élite, además, pretendía ser un documental. No pudo serlo por la resistencia que opuso el mismo BOPE, pero era lógico que gran parte de las ideas fueran concebidas a manera de ensayo. Esto contribuye a que no desentonen momentos muy puntuales en los que la voz en off sí ocupa el lugar de la acción.

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¿Se trata de literatura dentro del cine? Sí, pero, ¿por qué debería extrañarnos en una época marcada por la mezcla de disciplinas artísticas?

Veamos un ejemplo en el 1er Acto.

Acto 1º: Una ventaja de la voz en off es que nos permite empezar la película con cualquier fragmento de la historia y luego volver atrás, sin despistarnos por la pregunta dramática.

El 1er Acto dura 49 minutos, pero los primeros 8 –el concierto en Turano con despliegue policial– pertenecen temporalmente al 2º Acto y anticipan el punto medio. Todo lo que ocurre entre estas dos apariciones del concierto es un flashback.

A partir del punto medio, en cambio, la acción ocurre en tiempo “presente”. “Pre-

sente” es un decir, porque la narración –marcada por la voz en off– está en tiempo pasado de principio a fin. En pocas palabras, se trata de una historia que ha ocurrido en el pasado y en la que la primera mitad es un flashback.

Cerca del minuto 11, la mujer de Nascimento, Rosane, le dice que con un hijo a punto de nacer no puede seguir en el BOPE, es demasiado peligroso. Nascimento le contesta que por ahora es imposible, pero en off dice que sí, que es hora de encontrar a un sustituto. Acto seguido aparecen Matías y Neto, en su primer día como aprendices en la PM (Policía Metropolitana). Nascimento aún no los conoce,

pero nos revela que ellos dos serán los candidatos para tomar su lugar.

En el minuto 49, el superior de Nascimento le deniega su solicitud de dejar el BOPE. No hemos visto a Nascimento pidiéndolo, no sabemos en qué momento del 1er Acto ha ocurrido la definición del objetivo, pero da igual.

La pregunta dramática ¿encontrará Nascimento un sustituto? ha quedado clara y el juego de los tiempos es interesante. La respuesta del 1er Acto a esa pregunta es “No”: el BOPE lo necesita para la misión del Papa.

49 minutos para un 1er Acto son muchos, pero permiten presentar bien a

Neto y Matías, dos jóvenes honestos y bien intencionados aspirantes a policías.

Esto potencia el arco del personaje y, al mismo tiempo, hace que los aceptemos a medida que se van transformando.

Acto 2º: Nascimento en off: “Fue una ironía del destino: el mismo día en que perdí la esperanza de salir del BOPE comenzó una historia que cambiaría el rumbo de mucha gente, para mejor y para peor”.

Es el primer punto de giro. La historia a la que se refiere Nascimento la pone en marcha Neto con la ayuda de Matías. Consiste en robarle al Coronel

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de la PM una de las pagas que recibe gracias a sus trampas y, con ese dinero, comprar los repuestos de coche que necesita.

En este caso la voz en off garantiza que funcione un cambio en la dirección de la acción hacia el 2º Acto aunque sea provocado por alguien que no es el protagonista.

Nascimento es, en este momento, un protagonista pasivo. Pero da igual. Funciona.

La primera parte del 2º Acto está armada para construir el encuentro entre Nascimento y Neto/Matías, que ocurre durante el concierto en el monte Turano (el mismo que abre la película).

Poco después, en el minuto 67, se da –en apenas unos 50 segundos– esta sucesión de hechos: Neto pregunta a los del BOPE qué tienen que hacer él y Matías

para entrar al cuerpo, Nascimento acude a la cuna de su hijo recién nacido (el incidente desencadenante irrumpe), aparece el título “EL SUSTITUTO” y a Nascimento le conceden su retirada. Es el punto medio.

A partir de aquí empieza la 2ª parte del 2º Acto. Estos cerca de 22 minutos están armados en torno a la búsqueda del sustituto adecuado, tarea nada fácil. Los candidatos van cayendo uno a uno frente a durísimas pruebas. Matías y Neto las van superando, pero es como si el candidato perfecto se hubiera escindido en dos partes: la inteligencia (Matías) y el corazón/coraje (Neto). El cerco se va cerrando y Neto empieza a liderar cada vez más la lista, por su ímpetu, hasta que se acaban las pruebas y llega el momen-

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to de enfrentarse a enemigos de verdad.

Allí Nascimento se da cuenta de que cederle su puesto sería un error. Neto está muy loco, no piensa, es pura acción, y él necesita a un sucesor que piense. Quiere echar marcha atrás pero Rosane lo presiona y convence, para que no lo haga.

Nascimento elige. Mal, pero elige. Es el 2º punto de giro.

Minuto 90. Final del 2º Acto, enfatizado por el título: MISIÓN CUMPLIDA. Considerando que el lema del BOPE es “misión dada, misión cumplida”, este título ayuda a introducirnos en el final.

Acto 3º: Nascimento incluye a Neto como cabecilla en la operación del Papa y, como era de esperar, hace en el barrio una considerable limpieza. Pero los temores de Nascimento eran reales y Neto cae muerto por Bahiano, jefe del trapicheo del barrio. A su muerte le sigue una cola de venganza, muertes y separaciones, un clímax que se expande como plaga a todos los grupos implicados.

Pero al que más afecta es al amigo de infancia de Neto, el reflexivo Matías.

En él, la rabia se transforma en violencia.

Matías la arroja encima de todo y de todos, intimida, golpea, amenaza. Nascimento aprovecha este nuevo sentimiento y aprieta las tuercas hasta que, finalmente, ve nacer a un verdadero policía, alguien digno de entrar al BOPE. Ahora sí que se puede marchar.

Si alguien que haya visto Tropa de Élite se pregunta quién es el antagonista, que cuente cuántas veces aparece la palabra “Sistema”.

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TRES ENTREVISTAS A GILLO DORFLES POR: FÉLIX BELTRÁN, Universidad Autónoma Metropolitana. México D.F.

El diseñador gráfico y artista plástico Félix Beltrán entrevistó a Gillo Dorfles, pintor, flósofo y crítico de arte, además de fundador del Movimiento

de Arte Concreto y miembro del Comité Científico del IED Madrid, para acercarnos a su visión de la educación visual, el estilo y el diseño industrial.

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Todo lo que percibimos es educación visual, tan importante como la educación literaria o alfabética, pero hay que saber transmitirlo y cómo darle un tratamiento adecuado.

ACERCA DE LA EDUCACIÓN VISUAL Félix Beltrán: ¿En qué consiste la educación visual?

Gillo Dorfles: Todo lo que percibimos es educación visual, tan importante como la educación literaria o alfabética, pero hay que saber transmitirlo y cómo darle un tratamiento adecuado. Pienso que todo aquel que quiera ser artista o científico o profesional debería tener desde los primeros años una educación artística, tanto de arte antiguo como de arte contemporáneo.

F.B.: ¿Históricamente cuántas etapas encuentra en la educación visual?

G.D.: Es difícil contar las diferentes etapas, sin embargo, sí podemos hablar de una educación infantil en donde el dibujo a esa edad ha sido estudiado abundantemente, sobre todo por los psicólogos de la escuela de Jean Piaget, por Herbert Read, etc. Se parte de un diseño espontáneo llamado Scribble (escarabajo) para llegar a los dibujos simbólicos y realistas que el niño aprende a hacer en la escuela. Las siguientes etapas se dan en la escuela o en el instituto de diseño para las personas que desean ser artistas o diseñadores.

F.B.: ¿Qué ventajas tienen los nuevos medios para la educación visual?

G.D.: Las ventajas de los avances científicos para la educación visual son notabilísimas. Por medio de la televisión el niño aprende a ver muchas cosas que antes no veía, aunque no todas sean positivas. El mismo cine o la fotografía pueden ser usados como medios importantes para la educación visual. Munari, en Italia, ha realizado experiencias importantes con niños de la escuela elemental mediante cámaras de cine, para enseñarles a darse cuenta de la visualización a través de ese aparato.

F.B.: ¿Qué etapa considera usted que es más fructífera?

G.D.: Creo que la más positiva es la infancia, ya que se ve claramente cuando los niños han sido educados por medio de una educación visual libre, no coercitiva.

Estos niños están más destinados a desarrollar autónomamente sus cualidades creativas, a diferencia de aquellos que han sido educados con sistemas rígidos, diseños geométricos o naturalistas.

F.B.: ¿Históricamente, qué etapa considera que probablemente propiciaba una educación visual más adecuada para los sentidos?

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...estilo es el modo de creación artística que responde a determinadas reglas vigentes en un determinado período y que está sujeto a variaciones.

G.D.: Probablemente en las épocas antiguas. Por ejemplo, en el Renacimiento era más fácil que la educación fuese unitaria porque existía un único estilo y una única regla artística; ahora, con la existencia de muchísimas tendencias y tan diversas, no se puede hacer más uso de ellas.

ACERCA DEL ESTILO F.B.: ¿Cómo definiría el estilo?

G.D.: Podemos decir que el estilo es el modo de creación artística que res-

ponde a determinadas reglas vigentes en un determinado período y que está sujeto a variaciones.

F.B.: ¿Cuál considera que es el estilo principal de la pintura actual dentro de la entropía de estilos?

G.D.: En un siglo como el nuestro es difícil hablar de un único estilo en la pintura actual; podemos hacer coincidir el estilo con las principales tendencias que hemos visto alternadas, podemos hablar de un estilo divertido que indudablemente duró unos años; era un estilo art-decó. Después de estos estilos tuvimos los

grandes movimientos que quizá sí pueden ser comprendidos todos en el nombre de arte abstracto, es decir, Cubismo, Futurismo, Constructivismo. Todos éstos encabezan el movimiento de arte abstracto, que duró al menos 50 años y que podemos considerar el estilo dominante del siglo en que vivimos.

F.B.: ¿Dónde encuentra sus raíces este estilo?

G.D.: Este estilo tiene sus raíces en la revuelta contra el naturalismo. Posteriormente derivaron las demás tendencias que encontramos hasta nuestros días.

Por ejemplo, el expresionismo abstracto americano, el Op Art, es decir, el arte óptico, todos los movimientos cinéticos, el arte programado, el Body Art, el Land Art, que son formas artísticas de otro tipo propiamente porque eran indicios del agotamiento del arte abstracto.

F.B.: ¿Considera que en la pintura actual el estilo es valorado en exceso?

G.D.: Con mucha frecuencia la pintura de los últimos tiempos se ha vuelto una moda en este sentido, hay artistas que tienen una dirección más por moda que por auténtica necesidad.

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ACERCA DEL DISEÑO INDUSTRIAL

El diseñador se convierte en un verdadero obrero cultural con gran responsabilidad, no solo técnica y económica, sino también cultural.

F.B.: ¿Cómo definiría el diseño industrial propio de las presentes circunstancias?

G.D.: En este momento el diseño industrial atraviesa por una fase de crisis profunda. Junto a las indispensables razones funcionales, entran en juego también las razones de tipo psicológico, de tipo antropológico y, sobre todo, de tipo estético, donde las premisas funcionales vigentes no son suficientes para juzgarlo.

F.B.: ¿Qué papel desempeña la ciencia en el diseño industrial?

G.D.: La ciencia o, mejor dicho, los conocimientos tecnológicos y científicos son indispensables en cualquier obra de diseño industrial y también en aquellas que están ligadas a los mecanismos. En este caso, naturalmente, la forma del objeto no podrá depender del mecanismo que está contenido en la característica de este objetivo. Con el desarrollo del diseño industrial, para las grandes masas ha sido in-

dispensable crear objetos a través de una venta masiva del objeto.

F.B.: ¿Cómo afronta el diseño industrial las diversas aspiraciones del público?

G.D.: La importancia del público resulta naturalmente fortísima; el objeto es creado para ser vendido. Por una parte se da un proceso de educación del público por parte del diseñador, y por otra, una dependencia parcial del diseñador por lo que es el gusto y las diversas aspiraciones del público.

F.B.: ¿Entonces el diseñador se vuelve un trabajador cultural?

G.D.: El diseñador se convierte en un verdadero obrero cultural con gran responsabilidad, no solo técnica y económica, sino también cultural. El diseñador es un artista como lo es el arquitecto, el diseñador gráfico o cualquier obrero del campo de la visualidad no debe conocer solamente los conocimientos teóricos del producto sino también el arte, el entorno y los aspectos que hacen del ser humano partícipe de la obra.

BIBLIOGRAFÍA FUNDAMENTAL DE GILLO DORFLES: * Oscillazioni del gusto e l’arte moderna, Milano: Lerici, 1958; Las oscilaciones del gusto, Barcelona: Lumen, 1974.

* (Ed.): Kitsch. Antologia del cattivo gusto, Milano: G. Mazzotta, 1972; El kitsch. Antología del mal gusto, Barcelona: Lumen, 1973. * (Ed.): Mode & Modi, Milano: G. Mazzotta, 1979; Moda y modos, Valencia: Engloba, 2002. * Simbolo, comunicazione, consumo, Torino: G. Einaudi, 1980; Símbolo, comunicación y consumo, Barcelona: Lumen, 1984. * Design: percorsi e trascorsi, Milano: Lupetti, 1996.

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Asymptote: Hani Rashid + Lise Anne Couture Prototyping the Future: Three Houses for the Subconscious. 2008 A través de formas naturales se proyecta una arquitectura híbrida, ambigua y con múltiples interpretaciones, donde las formas se vuelven demasiado pequeñas para ser edificios y demasiado grandes para ser objetos. Por ello, se definen como “estructuras arquitectónicas objeto”, limitadas por los factores forma y recuerdo, movimiento y efecto, condiciones atmosféricas y resultado.

Esta pieza llega a un nivel donde la innovación tecnológica y digital, unida a los recursos arquitectónicos actuales, permiten crear nuevas funciones y organizar espacios, para hacer posible una arquitectura proyectada hacia el futuro.

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