La técnica de baile, el arte de la coreografía y la música de ballet se han construido con grandes aportaciones rusas. Aunque el propio ballet moderno ruso de inicios del siglo XXI está anclado en la tradición y no se desarrolla tan intensamente como en EE. UU. o Europa, la escuela legendaria de ballet sigue produciendo bailarines casi universales gracias a su alto nivel técnico. Lo que vio Rusia el 8 de febrero de 1673 como el primer espectáculo de ballet de su historia fueron bailes lentos y muy ceremoniosos que consistían en cambios de poses refinadas, inclinaciones y pasos. Todo esto, llamado El ballet sobre Orfeo y Eurídice, estaba alternado con recitación y canto. Aunque no quedó nada de esta diversión del zar Alejo (Alexéi Mijáilovich), la fama del verdadero ballet ruso, que aparecería siglos más tarde, llega hasta nuestros días. Fue el zar Pedro el Grande quien estableció la enseñanza obligatoria de baile a los alumnos de los colegios para la nobleza. La corte del famoso reformador ruso conoció los conjuntos de ópera y ballet extranjeros. Los hijos de los siervos de los cortesanos fueron los alumnos de la primera escuela de ballet de Rusia en 1738. Doce chicos y doce chicas se convirtieron en bailarines profesionales y desde entonces se recuerda el nombre de uno de sus miembros, el bailarín Timoféi Búblikov. La madurez creativa del arte del ballet ruso llegó con el coreógrafo francés Charles-Louis Didelot en el primer cuarto del siglo XIX. En ese periodo se formó ya la escuela nacional de ballet, donde los rasgos principales eran sinceridad, sentido profundo de los espectáculos y técnica virtuosa de baile.
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Coreógrafo y bailarín
Primero conquistó Rusia con su arte como bailarín para después crear más de 50 nuevos espectáculos. En sus espectáculos se cristalizó el estilo clásico que dominaría después a finales del siglo XIX e inicios del siglo XX. Los papeles principales recaían sobre mujeres, que podían actuar de solistas durante todo el espectáculo. Lo segundo en importancia para Petipa era la interpretación de los protagonistas; no se trataba solo de buenos pasos, debía haber sentimiento dramático. Introdujo conceptos como pas de deux (en español “paso a dos”) donde una pareja de bailarines ejecuta los pasos conjuntamente, el adagio con el bailarín, interpretaciones solistas denominadas “variaciones” y la parte final con la participación de todos los miembros del ballet.
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Fue el compositor Piotr Chaikovski quien demostró durante el trabajo con Marius Petipa que la creación de la música de ballet no merma la dignidad de un músico serio y que la misma música no es un simple acompañamiento de la danza, un “género bajo de arte musical”. Con su música romántica salvó el ballet ruso de la crisis porque en aquel tiempo en el arte ruso y la literatura reinaba el realismo, un estilo poco conveniente para el ballet de aquella época con su convencionalismo de la mímica en el escenario.
La colaboración con el maestro ruso fue una fuente de inspiración para Petipa. Creó con él La bella durmiente (1890), una obra considerada genial por “llegar a la cima de la perfección clásica con que destaca el arte del ballet”, según varias generaciones de amantes y críticos de ballet. Otros dos espectáculos, El cascanueces y el Lago de los cisnes, ambos también con música de Piotr Chaikovski, los creó con Lev Ivanov, el autor de algunas de las escenas más famosas de estas obras. Hasta nuestros días se conservan las coreografrías que Petipa creó para el cuerpo de ballet en Giselle. Algunos de sus espectáculos que siempre destacaron por su fuerza poética están reconstruidos. Entre otros espectáculos famosos de Petipa se encuentran Don Quijote (1869, música de Ludwig Minkus), Raimonda (1898, música de Alexánder Glazunov) y Arlequinada (1900, música de Ricardo Drigo). También reconstruyó los ballets La sílfide (música de Jean Schneitzhöffer) y Coppélia (música de Léo Delibes).
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Compañía de la que surgirían muchos bailarines y coreógrafos famosos.
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l florecimiento del ballet ruso en el inicio del siglo XX empezó a influir en Europa, EE. UU. y Asia gracias al legendario empresario Serguéi Diáguilev, a través del cual el mundo conoció los tesoros de la cultura rusa. El triunfo de ballet ruso en Europa, junto con su pintura, música e iconos, empezó gracias a las Temporadas Rusas organizadas por Diáguilev primero en París y después en muchas capitales europeas y americanas. En 1909 por primera vez llevó el ballet ruso fuera de sus fronteras. “Entonces en los teatros de ópera imperiales de San Petersburgo y Moscú había unos 400 artistas de ballet. Tenían la escuela de baile perfecta y bailaban los ballets tradicionales clásicos. Conocía muy bien todas estas obras dado que durante dos años fue la mano derecha del director de los teatros imperiales. No pudo obviar que entre los bailarines jóvenes había una cierta reacción contra las tradiciones clásicas que guardaba celosamente Marius Petipa. Los ballets que componían el programa, tanto los creados especialmente para las temporadas de Diáguilev, como los traídos desde Rusia, representan un collar de perlas de la cultura rusa que solo se puede comprender con la descripción del aporte de los coreógrafos.
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A la realización de esta síntesis de artes Diáguilev dedicó casi toda su vida desde aquel momento. El nacimiento del nuevo espectáculo sintético de ballet podía servir para interpretar tanto un drama filosófico, como una sátira o una parodia. Entre los participantes estaban grandes pintores, Olga Spesívtseva, Ida Rubinshtéin, Vatslav Nizhinski). Organizadas por Diáguilev primero en París y después en muchas capitales europeas y americanas.
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Core贸grafo destacado del conjunto de Di谩guilev
“...No dejaba de predicar que la música no era un acompañamiento simple de los pasos rítmicos, sino una parte importantísima del mismo baile y que la calidad de la inspiración coreográfica destaca por la calidad de la música” (de la obra de Serguéi Lifar Diáguilev y sobre Diáguilev, Moscú, 2005).
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ijaíl Fokin es un heredero revolucionario de Marius Petipa. Tenía muchas dudas sobre la inmutabilidad de las reglas estrictas y los supuestos en los que basaba Petipa. Para él la síntesis del arte (música, baile y diseño de decorados y trajes). Creó nuevas formas de baile y movimientos plásticos más ricos. Entre sus espectáculos más destacados se encuentran dos obras con música de Ígor Stravinski, El pájado de fuego (1910), basado en el cuento popular del mismo nombre, y Petrushka (1911), donde en el fondo de las fiestas populares en un teatro de feria los muñecos sufren un drama de amor y celos. Entre sus logros más destacados están la estilización de ballets como Shejerezada (también conocido como “Scheherazada”), Cleopatra, Dafnis y Cloe, El atardecer de un fauno y El gallo de oro. Estas obras revelan su excelente conocimiento de las naciones, de su historia, revela una erudición que pocos coreógrafos rusos tenían. Además hizo del cuerpo de ballet un participante de igual relevancia que el resto de participantes en el escenario.
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Pรกvlova fue una de las bailarinas mรกs romรกnticas de toda la historia de ballet ruso.
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aradójicamente, tenía muchas imperfecciones desde el punto técnico, falta de musicalidad y de sentido del ritmo, abusaba del juego para producir un efecto y el grado de apertura de sus pies era insuficiente, lo que es casi imposible en una buena bailarina. “Pero cuando Anna Pávlova bailaba en el escenario Giselle o un cisne muriendo, se hacía transparente, inalcanzable, intangible e incorpórea… Ya no era Anna Pávlova ni una bailarina, sino una Giselle eternamente muriendo y siempre resucitando en la existencia transmundana como un fantasma ligero y blanco. Era un cisne siempre muriendo…. Este cisne moría una y otra vez en el escenario de manera que en cada espectáculo veíamos a Anna Pávlova por última vez; ella moría y así hacía la frontera finísima que dividía la vida de la muerte, la mujer bailarina y su fantasma, la realidad y el cuento, sueño, leyenda, y así moría que cuando en el último, el más último momento desapareció esta frontera, percibimos este paso de Anna Pávlova como una inevitable continuación de la leyenda…” (cita de la obra de Serguéi Lifar Diáguilev y sobre Diáguilev, Moscú, 2005).
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Pas
Primera posici贸n: Mantenga los talones juntos con los pies volteados hacia afuera en la l铆nea recta.
sos basicos del b
Segunda posición:
Tercera posición:
Voltea los pies hacia afuera en línea recta, separándolos por treinta centímetros..
Voltee los pies hacia afuera, ponga los talones juntos, uno y el otro atrás.
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Considerada la mรกs grande bailarina italiana desde Carla Fracci
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studió danza en La Scala y desde los 15 años en Londres en el Royal Ballet School. Ganó el Prix de Lausanne en 1980 uniéndose al Royal Ballet en 1981. Con la compañía creó roles en L’Invitation au voyage, Valley of Shadows, Isadora, Consort Lessons, Different Drummer y Chanson. Su repertorio incluyó Illuminations, Return to the Strange Land, The Sleeping Beauty, Afternoon of a Faun, The Two Pigeons, El lago de los cisnes, Mayerling, Manon y Juliet en Romeo and Juliet, Voluntaries, Konservatoriet, Cinderella, La Bayadère y Les Biches. En 1985 se unió al American Ballet Theatre donde realizó una importante parte de su carrera junto a sus partenaires Julio Bocca y Roberto Bolle de La Scala a quien invitó para sus funciones de despedida en el ABT como Julieta. También bailó con Rudolf Nuréyev (1988), Mikhail Baryshnikov, Anthony Dowell, Patrick Dupond, Peter Schaufuss, Maximiliano Guerra, Laurent Hilaire, Angel Corella y Manuel Legris. Se retiró en junio de 2007. Tiene dos hijas con el fotógrafo italiano Fabrizio Ferri. En 1982 ganó el Olivier Award y en 2005 fue condecorada Cavaliere della Repubblica Italiana.
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Una de las artistas hispanas consagradas en la escena mundial del ballet.
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ació en Buenos Aires, Argentina, y estudió en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón de donde salió con las más altas calificaciones. Estudió, desde los 7 años, con cursos con Olga Ferri. Continuó sus estudios en la Escuela de Ballet de Minsk en la actual Bielorrusia. Al regresar a Buenos Aires, fue elegida para bailar Don Quijote en el Teatro Colón. Recibió el diploma de finalista en el XIV Concurso Internacional de Varna, Bulgaria, a los 14 años y Natalia Makarova, miembro del Jurado de ese Concurso, la invitó a tomar clases con ella en el English National Ballet en Londres. A pedido del maestro Héctor Zaraspe, profesor de la Juilliard de Nueva York, Paloma realiza una audición en la School of American Ballet (la más importante de los Estados Unidos y una de las tres más prestigiosas del mundo) de la misma ciudad, en donde inmediatamente ingresa en el curso más avanzado. Recibe la Beca de la Fundación Antorchas para “Artistas Consagrados” para seguir estudios de perfeccionamiento en la misma escuela. Causó tal impresión, que fue elegida para el rol principal en Raymonda Variation de George Balanchine en el Workshop anual de la Escuela.
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Gran pintor francĂŠs impresionista (1834-1917)
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Pintor impresionista francés. A pesar de que inició sus estudios de derecho, gracias a la desahogada economía familiar y al beneplácito de su padre (cuya cultura y sensibilidad ante lo artístico resultó fundamental en su etapa de formación), Edgar Degas se dedicó bien pronto a la pintura. En 1853 ingresó en el taller del pintor Barriasy y en 1854 recibió las enseñanzas de Louis Lamothe, seguidor de Ingres. 24
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La mujer se convierte en protagonista de gran parte de la obra de Degas, y ocupando un lugar privilegiado hallamos a las bailarinas. Degas tiene hasta 600 obras basadas en el ballet. ÂżPor quĂŠ el ballet? ÂżQue tenĂan las bailarinas? 26