Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa occidental durante los siglos XV y XVI. Fue un período de transición entre la Edad media y el mundo moderno. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas. La ciudad de Florencia, en Italia, fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento.
El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del Humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El nombre renacimiento se utilizó porque este movimiento retomaba ciertos elementos de las cultura clásica, griega y romana. Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, con nuevos enfoques en los campos de las artes, la Política, la filosofía y las ciencias, sustituyendo el teocentrismo medieval por cierto antropocentrismo.
Etapas del arte renacentista
La primera tiene como espacio cronológico todo el siglo XV, es el denominado Quattrocento, y comprende el Renacimiento temprano que se desarrolla en Italia.
La segunda, surge en el siglo XVI, se denomina Cinquecento, y su dominio artístico queda referido al Clasicismo o Renacimiento pleno, que se centra en el primer cuarto del siglo. En esta etapa surgen las grandes figuras del Renacimiento en las artes: Leonardo, Miguel Ángel, Rafael. Es el apogeo del arte renacentista. Este periodo desemboca hacia 1520-1530 en una reacción anticlásica que conforma el Manierismo, que dura hasta el final del siglo XVI.
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Características De forma genérica se pueden establecer las características del Renacimiento en: •
La vuelta a la Antigüedad. Resurgirán tanto las antiguas formas arquitectónicas, como el orden clásico, la utilización de motivos formales y plásticos antiguos, la incorporación de antiguas creencias, los temas de mitología, de historia, así como la adopción de antiguos elementos simbólicos. Con ello el objetivo no va a ser una copia servil, sino la penetración y el conocimiento de las leyes que sustentan el arte clásico.
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Surgimiento de una nueva relación con la Naturaleza, que va unida a una concepción ideal y realista de la ciencia. La matemática se va a convertir en la principal ayuda de un arte que se preocupa incesantemente en fundamentar racionalmente su ideal de belleza. La aspiración de acceder a la verdad de la Naturaleza, como en la Antigüedad, no se orienta hacía el conocimiento de fenómeno casual, sino hacía la penetración de la idea.
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El Renacimiento hace al hombre medida de todas las cosas. Presupone en el artista una formación científica, que le hace liberarse de actitudes medievales y elevarse al más alto rango social.
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Arquitectura
La arquitectura renacentista tuvo un carácter marcadamente profano en comparación con la época anterior y, lógicamente, surgirá en una ciudad en donde el Gótico apenas había penetrado, Florencia. A pesar de ello, muchas de las obras más destacadas serán edificios religiosos. Pintura En pintura, las novedades del Renacimiento se introducirán de forma paulatina pero irreversible a partir del siglo XV. Un antecedente de las mismas fue Giotto (1267-1337), pintor aún dentro de la órbita del Gótico, pero que desarrolló en sus pinturas conceptos como volumen tridimensional, perspectiva, naturalismo, que alejan su obra de los rígidos modos de la tradición bizantina y gótica y preludian el Renacimiento pictórico
Escultura Como en las demás manifestaciones artísticas, los ideales de vuelta a la Antigüedad, inspiración en la naturaleza, humanismo antropocéntrico e idealismo fueron los que caracterizaron la escultura de este período. Ya el Gótico había preludiado en cierta manera algunos de estos aspectos, pero algunos hallazgos arqueológicos (el Laocoonte, hallado en 1506, o el Torso Belvedere) que se dieron en la época supusieron una auténtica conmoción para los escultores y sirvieron de modelo e inspiración para las nuevas realizaciones.
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Manierismo Origen y características de Manierismo El manierismo es el nombre que se da al estilo artístico que se inicia en Italia en la tercera década del siglo XVI, y que se intuye en las últimas obras de Miguel Ángel y de Rafael (como en la Piedad Rondanini ) Es el momento en que se pierde lo más propio del clasicismo y la belleza clásica: proporciones, armonía, serenidad, equilibrio. El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere, en escultura sobre todo, la línea o figura serpentinata , en que las figuras se disponen en sentido helicoidal ascendente. Escultura manierista Algunos de los grandes representantes de la escultura manierista son Benvenuto Cellini, Juan de Bolonia y la Familia Leoni
Benvenuto Cellini Cellini fue un magnífico orfebre y un magnífico técnico (dominó todos los procedimientos). Algunas de sus mejores obras son: Perseo Perseo se encuentra de pie y desnudo. La figura se encuentra sobre un alto pedestal y soporta en su mano la cabeza de Medusa. Rompe un poco el equilibrio por la línea abierta (brazo separado).
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Salero con Neptuno y Venus
Es una extraordinaria pieza de oro lo que demuestra su categoría también como orfebre.
Pintura manierista
Correggio
Correggio era natural de Parma. Sus trabajos se caracterizan por los desnudos sensuales, el brillo frío de sus colores y el hábil manejo de los escorzos además de la originalidad en el tratamiento de la perspectiva.
El Cisne
Es una composición con paisaje, donde proliferación de figuras en una especie de friso.
Las posturas son anticlásicas, por ello los cuerpos se retuercen y se establece una línea serpentinata. Existe un gran protagonismo de la luz.
Ora
importante
obra
de
Correggio
es
Júpiter
y
Atiope
Parmigianino
Su obra más importante es La Madonna del cuello largo. En esta obra las proporciones son alargadas y se emplean colores convencionales.
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Arquitectura manierista En la arquitectura manierista, los edificios pierden la claridad de composición y pierden solemnidad con respecto al clasicismo pleno. En los edificios se multiplican los elementos arquitectónicos, auque no cumplen una función arquitectónica.
La decoración gusta por compartimentar las fachadas de los edificios.
Iglesia del Jesús en Roma Es el modelo de arquitectura de la Contrarreforma, sobre todo de las iglesias de la Compañía de Jesús. Tiene planta de cruz latina y el transepto apenas sobresale. Es de nave única con capillas laterales entre los contrafuertes con poca luminosidad (ideales para la meditación). Sobre éstas hay una tribuna. En el crucero hay una cúpula.
Villa Caprarola para la Familia Farnesio Esta villa tiene patio circular en el centro. Presenta una decoración perfecta de la arquitectura con los espacios. Las escaleras externas que corresponden con escaleras interiores son fastuosas con gran decoración.
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El arte barroco en sus más amplias manifestaciones artísticas es un fenómeno complejo de índole social, político y religioso.
El barroco es la continuación al manierismo italiano que prevalece durante la primera mitad del siglo XVI. Si el manierismo comienza a usar los cánones clásicos con artificiosidad, el barroco que le sucede abandona la serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos. Por tanto, la tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación.
Origen del Arte Barroco
Causas Político religiosas
Se suele decir que el Arte Barroco es el arte de la Contrarreforma. Para reaccionar contra la severidad e iconoclastia del Protestantismo, la Iglesia Católica alentó la edificación de templos con profusión de escultura.
También dirigió a los artistas a alejarse de los temas paganos que tanta aceptación tuvieron durante el Renacimiento, así como evitar los desnudos y las escenas escandalosas.
Tanto en las artes visuales como en la música, la influencia de la Iglesia sobre los artistas iba dirigida a emocionar y enardecer la devoción mediante estímulos psicológicos.
Estas normas aparentemente conservadoras y austeras derivaron, sin embargo, en este arte suntuoso y recargado que llamamos Barroco.
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Arquitectura
La arquitectura barroca asumió unas formas más dinámicas, con una exuberante decoración y un sentido escenográfico de las formas y los volúmenes. Cobró relevancia la modulación del espacio, con preferencia por las curvas cóncavas y convexas, poniendo especial atención en los juegos ópticos (trompe -l'œil) y el punto de vista del espectador. También cobró una gran importancia el urbanismo, debido a los monumentales programas desarrollados por reyes y papas, con un concepto integrador de la arquitectura y el paisaje que buscaba la recreación de un continuum espacial, de la expansión de las formas hacia el infinito, como expresión de unos elevados ideales, sean políticos o religiosos
Escultura
La escultura barroca adquirió el mismo carácter dinámico, sinuoso, expresivo, ornamental, que la arquitectura —con la que llegará a una perfecta simbiosis sobre todo en edificios religiosos—, destacando el movimiento y la expresión, partiendo de una base naturalista pero deformada a capricho del artista. La evolución de la escultura no fue uniforme en todos los países, ya que en ámbitos como España y Alemania, donde el arte gótico había tenido mucho asentamiento — especialmente en la imaginería religiosa—, aún pervivían ciertas formas estilísticas de la tradición local, mientras que en países donde el Renacimiento había supuesto la implantación de las formas clásicas (Italia y Francia) la perduración de estas es más acentuada. Por temática, junto a la religiosa tuvo bastante importancia la mitológica, sobre todo en palacios, fuentes y jardines
Pintura
La pintura barroca tuvo un marcado acento diferenciador geográfico, ya que su desarrollo se produjo por países, en diversas escuelas nacionales cada una con un sello distintivo. Sin embargo, se percibe una influencia común proveniente nuevamente de Italia, donde surgieron dos tendencias contrapuestas: el naturalismo (también llamado caravagismo), basado en la imitación de la realidad natural, con cierto gusto por el claroscuro —el llamado tenebrismo—; y el clasicismo, que es igual de realista pero con un concepto de la realidad más intelectual e idealizado. Posteriormente, en el llamado «pleno barroco» (segunda mitad del siglo XVII), la pintura evolucionó a un estilo más decorativo, con predominio de la pintura mural y cierta predilección por los efectos ópticos (trompel'oeil) y las escenografías lujosas y exuberantes
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Neoclasicismo a la corriente literaria y artística predominante en Europa durante el siglo XVIII y que se proponía como principal objetivo restaurar el gusto y las normas propuestas por el Clasicismo. Recordemos, que el clasicismo fue una tendencia estética cuya base la constituía la imitación de los modelos de la antigüedad griega o romana, que valoraban la armonía de las proporciones del objeto artístico.
Entonces con el claro deseo de recuperar aquel pasado se empezaron a desarrollar diferentes expediciones que justamente se proponían conocer las obras antiguas en el lugar en el que habían sido pergeñadas. Así viajeros, artistas, críticos y eruditos viajaban a los grandes centros culturales de la antigüedad para recuperar la historia e ilustrarse más y más sobre ella.
Mientras duró, la Arquitectura Neoclásica se propuso la realización de construcciones que contribuyan a la mejora de la calidad de vida de los hombres, tales como las bibliotecas, museos, hospitales, parques, teatros, entre otros. Muchas obras conservaron el carácter monumental aunque la base siempre era la lógica. Modelos de edificios como los de Egipto, Asia Menor, Roma y Grecia se transforman en únicos referentes, todos los arquitectos de la época los emplearán.
Por su lado, las esculturas eran realizadas mayormente en mármol blanco sin policromar, porque se creía que así se las dotaba de un aire de sencillez y pureza, que se contraponía ciertamente al recargado barroco, en tanto, el desnudo y el retrato ocuparon un lugar preferencial dentro de la escultura.
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La Ilustración como una época histórica estuvo relacionada con los que se denominó "Iluminismo", surgido y desarrollado en países tales como Inglaterra y Francia principalmente, tuvo su impronta como corriente de pensamiento, atravesando diferentes ámbitos de la sociedad, desde la cultura, la política, el arte y en fin, configurando en su totalidad las formas de vivir y de relacionarse las personas entre ellas. De ese nombre otorgado, es que a los siglos que abarca el predominio del Iluminismo se los conoce como los Siglos de las Luces. El principal sustento del pensamiento del Iluminismo fue plantear que, a partir de la razón, y del impulso de ella como manera de vivir para comprender el mundo, el entorno que rodea al hombre, también se podría encontrar solución a algunos de los males que en esa época se consideraban más urgentes de resolver como el caso de la pobreza o de la ignorancia.
De esta corriente de pensamiento entonces forma parte el neoclacisismo, que abarcó la esfera cultural de la Ilustración. Como una "nueva" (neo) etapa del clacisismo de Grecia y de Roma, se revalorizó todo el legado artístico y cultural que estas civilizaciones habían dejado. La arquitectura por ejemplo se caracterizó por imponentes y majestuosas construcciones, que tenían como características principales la inclusión de columnas grandes al estilo griego y espaciosos pasillos interiores.
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Arquitectura
La arquitectura puede ser analizada como una rama de las artes social y moral. La Enciclopedia le atribuyó la capacidad de influir en el pensamiento y en las costumbres de los hombres. Proliferan así las construcciones que pueden contribuir a mejorar la vida humana como hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques, etc., pensadas con carácter monumental. Esta nueva orientación hizo que se rechazara la última arquitectura barroca y se volvieran los ojos hacia el pasado a la búsqueda de un modelo arquitectónico de validez universal. Nacen movimientos de crítica que propugnan la necesidad de la funcionalidad y la supresión del ornato en los edificios. Francesco Milizia (1725-1798) en Principi di Architettura Civile (1781) extendió desde Italia las concepciones rigoristas a toda Europa. Mientras, en Francia, el abate MarcAntoine Laugier (1713-1769) propugna en sus obras Essai sur l'Architecture (1752) y Observations sur l'Architecture (1765) la necesidad de crear un edificio en el cual todas sus partes tuvieran una función esencial y práctica y en el que los órdenes arquitectónicos fueran elementos constructivos y no sólo decorativos, todo ello para hacer una arquitectura verdadera: la construida con lógica.
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Escultura
las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol blanco, sin policromar, puesto que así se pensaba que eran las esculturas antiguas, predominando en ellas la noble sencillez y la serena belleza que Winckelmann había encontrado en la estatuaria griega. En este mismo sentido habían ido las teorías de Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781) que en su libro Laocoonte, o de los límites de la pintura y de la poesía (1766) había tratado de fijar una ley estética de carácter universal que pudiera guiar a los artistas; sus concepciones sobre la moderación en las expresiones y en el plasmado de los sentimientos son reglas que adoptará el modelo neoclásico.
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Pintura
Los pintores, entre los que destacó Jacques-Louis David, reprodujeron los principales hechos de la revolución y exaltaron los mitos romanos, a los que se identificó con los valores de la revolución.
La claridad estructural y el predominio del dibujo sobre el color son algunas de las principales características formales de la pintura neoclásica. Obras como el Juramento de los Horacios, por ejemplo, plantean un espacio preciso en el que los personajes se sitúan en un primer plano. Jean Auguste Dominique Ingres (1839-1867) aunque no fue un pintor neoclásico, tiene obras -como La Fuenteque representan este movimiento artístico.
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Neogótico es la denominación de un movimiento artístico historicista, principalmente arquitectónico y decorativo.
Por su común rechazo al racionalismo neoclásico, es un estilo vinculado con el Romanticismo, y por sus implicaciones políticas, con el nacionalismo. Como arquitectura historicista es una reelaboración que reproducía el lenguaje arquitectónico propio del arte gótico medieval con formas más o menos genuinas. Los que lo consideran una desvirtuación del estilo gótico original, lo denominan peyorativamente «pseudogótico».
Entre los primeros ejemplos estuvieron dos mansiones escocesas construidas o remodeladas por William Adam:1 el Inveraray Castle2 (1746) y el Culzean Castle (1777).3 También en Escocia, Walter Scott, autor de novelas medievalistas, construyó en estilo neogótico su mansión de Abbotsford House (1824).
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El neogótico en Francia
La época napoleónica, en la que predomina el estilo imperio y el neoegipcio, no fue proclive al neogótico, que ha de esperar al cambio político y cultural que supone la Restauración. Los Borbones incentivaron a los jóvenes arquitectos a contactar con el pasado artístico del reino de Francia medieval. Entre ellos destacó Jean-Baptiste-Antoine Lassus14 y su discípulo Eugène Viollet-le-Duc, que trabajó con Lassus en obras de restauración como la de Notre-Dame y la de la Sainte Chapelle, ambas en la isla de la Cité de París. El neogótico en España El estilo neogótico se integró en España a finales del siglo XIX; terminándose bajo sus criterios las fachadas de algunas catedrales medievales, como la la de Barcelona y la de Cuenca (Vicente Lampérez) o la remodelación de San Jerónimo el Real (donde se utilizan también elementos neomudéjares y neo-isabelinos) y levantándose otras, como la San Sebastián. Con más libertad se empleó en casas particulares como el palacio de Sobrellano (Comillas), el palacio de la marquesa de Cartago18 (Ciudad Rodrigo) o el palacete Laredo (Alcalá de Henares, también mezclado con elementos neomudéjares). Particularmente en Cataluña el neogótico fue fomentado por la emergente conciencia nacionalista de la burguesía local, interesada en entroncarse con el pasado medieval (Barrio Gótico de Barcelona, modernismo catalán).
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El neogótico en el Reino Unido
Al final de la década de 1820, el joven Augustus Pugin trabajaba en decoraciones de estilo gótico en muebles de lujo para los fabricantes Morel y Seddon, que estaban redecorando el castillo de Windsor por encargo de Jorge VI. Pugin también trabajó para los tesoreros reales Rundell Bridge and Co. a partir de 1828, y más tarde trabajó en la decoración del palacio de Westminster. En su libro Contrasts (1836), expresó su admiración no sólamente por el arte medieval, sino por todo el "espíritu medieval", afirmando que la arquitectura gótica era el producto de una sociedad más pura. En The True Principles of Pointed or Christian Architecture (1841), sugirió que los artesanos modernos que busquen emular el estilo de la fabricación medieval deberían igualmente reproducir sus métodos. Creía que la arquitectura gótica era la verdadera arquitectura cristiana, afirmando incluso que el arco apuntado había sido fruto de la fe. Las más célebres obras de Pugin fueron las cámaras del Parlamento de Westminster, que concibió en dos campañas (1836–1837 y entre 1844 y 1852) junto con el arquitecto clasicista Charles Barry. Pugin se responsabilizó de la decoración exterior y los interiores, mientras que Barry se ocupó del diseño simétrico de la construcción.
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Exotismo Es una actitud cultural de gusto por lo extranjero. El fenómeno se constata habitualmente en la historia de las civilizaciones en expansión. La curiosidad de la sociedad romana por las religiones de los márgenes de su Imperio, o los periodos de apertura de la historia de China a la cultura europea podrían ser muestras de exotismo. No obstante, esta actitud se produjo con más amplitud y variedad en Occidente, con el proceso de globalización que va desde la era de los descubrimientos al comercio globalizado actual, pasando por el colonialismo.
En toda Europa, y especialmente en España, la recepción de los productos y expresiones americanas había abierto ya desde el siglo XVI la nueva sensibilidad hacia lo exótico, que está en el origen del mito del buen salvaje. Las relaciones con Asia son incluso mayores que las que pudiera tener Francia, y se producían a través de Filipinas y de las misiones jesuitas. La filosofía de Confucio es recibida y la sociedad china comparada con la europea, del mismo modo que en China se hace lo propio (Baltasar Gracián pudo poner un ejemplo moral con el Discreto Taicosama).
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Arte En Historia del Arte, el término exotismo se aplica específicamente al final del siglo XIX No debe confundirse con el término orientalizante, periodo de la Edad Antigua en que la cerámica y la escultura griega (y por extensión el Mediterráneo occidental) recibe la influencia de Oriente Próximo (siglo VIII a. C.)
En música, el exotismo es un género en el que los ritmos, las melodías y los instrumentos buscan la evocación de la atmósfera de tierras o épocas lejanas, como por ejemplo Daphnis et Chloé y Tzigane pour Violon et Orchestre de Maurice Ravel u otras obras de Debussy y de Rimsky-Korsakov.
Al igual que el orientalismo, el exotismo en pintura y en artes decorativas se asocia con la opulencia y la sensualidad ornamental
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