UNIVERSIDAD REY JUAN CARLOS (FUENLABRADA) TRABAJO DE HISTORIA DEL ARTE GRADO DE BELLAS ARTES FUENLA BRADA
Carlos Sánchez Martínez J.Manuel Garcia Ruiz Alicia Plaza Aliaga Laura Lucero Navas
INDICE
-Introducion pág. nº 3 -Biografia de Goya pág. nº 3,8 -Historia del Museo del Prado pág. nº 9, 11 -El quitasol pág. nº 12,13 -El Coloso pág. nº 14,15 -El 3 de mayo en 1808 en Madrid pág. nº16,17 -Conclusión pág nº 18 -Bibliografia y webgrafia pág. nº 19
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INTRODUCCIÓN
Para la realización de este trabajo fuimos al museo del Prado (Madrid) para hacer la investigación de Goya y sus obras ya que el museo contiene una gran colección de los cuadros más importantes del artista. Las obras que hemos escogido de Goya han sido El quitasol, de la segunda época de Goya cuando hacia tapices, El 3 de mayo los fusilamientos y El Coloso de su época oscura. La metodología que hemos usado ha sido teórico apoyados por el libro colecciones de pintura de Lunwerg editorial
BIOGRAFIA DE GOYA Nación en el 1746 en Zaragoza, fue un pintor de reconocimiento tardío, le rechazaron dos concursos de la academia de San Fernando en 1763 y 1769, no logró obtener el título de maestro en pintura hasta el tercer examen, cuando lo hubo obtenido viajó a Roma donde descubrió el arte por si mismo, a su vuelta, tras un periodo en el que no le interesaba demasiado su reputación, fue 1773 fue cuando se produjo un cambio visible el cambio en sus obras y su carrera. Fue también ese año cuando hizo su primer autorretrato, se cree que con motivo de su boda. Se casó con Josefa Bayeu, hermana de uno de sus mejores amigos, Ramón Bayeu, con ella tuvo siete hijos, de los cuales solo uno llegó a edad adulta, Javier, nacido en 1784 Siempre innovador a su tiempo se adelantaba a todos los movimientos de Europa, desde el romanticismo al surrealismo, pasando por el impresionismo y el expresionismo.
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Es por ello considerado el Padre del Arte Contemporáneo. Cultiva todos los géneros destacando sus retratos (durante toda su vida hizo numerosos autorretratos) y sus escenas costumbristas que captan a la perfección el Madrid de la época. Nunca abandonó los temas populares y en ellos se mezcla la más mordaz crítica social, con el más sofisticado estudio antropológico. Se dice que el pintor era extremadamente tacaño y que en los retratos que realizó, si el retratado quería que se le vieran las manos, debía pagar un suplemento. Quizás por ello no aparecen muchas manos en sus obras por encargo. En 1780 ingresa en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando con el cuadro Cristo en la cruz, que en la actualidad guarda el Museo del Prado de Madrid. El 18 de marzo de 1785 es nombrado subdirector de pintura de la Academia de San Fernando. Por fin, el 25 de junio de 1786, Goya y Ramón Bayeu obtienen el título de pintores del rey con un interesante sueldo de 15.000 reales al mes
Autorretrato de Goya (1775) foto sacada del Museo Goya - Ibercaja Zaragoza HISTORIA DEL ARTE
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A sus cuarenta años, el que ahora es conocido en todo Madrid como Don Paco se ha convertido en un consumado retratista, y se han abierto para él todas las puertas de los palacios y algunas, más secretas, de las alcobas de sus ricas moradoras, como la duquesa de Alba, por la que experimenta una fogosa devoción. Aficionado a los toros, se siente halagado cuando los más descollantes matadores, Pedro Romero, Pepe-Hillo y otros, le brindan sus faenas, y aún más feliz cuando el 25 de abril de 1789 se ve favorecido con el nombramiento de pintor de cámara de los nuevos reyes Carlos IV y doña María Luisa de Parma. Pero poco tiempo después, en el invierno de 1792, cayó gravemente enfermo en Sevilla. Durante aquel año sufrió lo indecible; tras meses de postración, empezó a recuperarse, pero, como secuela de la enfermedad, había perdido capacidad auditiva. Además, andaba con dificultad y presentaba algunos problemas de equilibrio y de visión. Se recuperaría en parte, pero la sordera sería ya irreversible de por vida. La historia ha especulado en múltiples ocasiones sobre cuál fue la enfermedad de Goya. Los médicos (fue atendido por los mejores facultativos del momento) no coincidieron en cuanto al diagnóstico. Algunos achacaron el mal a una enfermedad venérea, otros a una trombosis, otros al síndrome de Menière, que está relacionado con problemas del equilibrio y del oído. También, más recientemente, se ha creído que podía haberse intoxicado con algunos de los componentes de las pinturas que usaba. Comenzaba así otra etapa artística de Goya, retratando la sociedad y el mundo como lo veía con sorprendente claridad y lucidez, aunque debido a los problemas de audición tuvo que renunciar a su puesto en la Real Academia de las Artes de San Fernando. Desde la infancia era amigo de Martín Zapater, le escribía cartas donde dejaba constancia de pormenores de su economía y de otras materias personales y privadas. En una carta fechada el 2 de agosto de 1794, menciona su relación sentimental con la duquesa de Alba: “Más te valía venirme a ayudar a pintar a la de Alba, que ayer se me metió en el estudio a que le pintara la cara, y se salió con ello; por cierto que me gusta más pintar en lienzo, que también la he de retratar de cuerpo entero.”
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El 9 de junio de 1796 muere el duque de Alba, y en esa misma primavera Goya se traslada a Sanlúcar de Barrameda con la duquesa de Alba, con quien pasa el verano, y allí regresa de nuevo en febrero de 1797. Durante este tiempo realiza el llamado Album A, con dibujos de la vida cotidiana, donde se identifican a menudo retratos de la graciosa doña Cayetana. La magnánima duquesa firma un testamento por el cual Javier, el hijo del artista, recibirá de por vida un total de diez reales al día Fue muy sonado el rumor de que había pintado desnuda a la Duquesa de Alba La Maja Desnuda, aunque existen varios ejemplos de que lo hizo vestida, una de las leyendas es que la pinto vestida por una cara del bastidor y desnuda en el reverso, técnica muy aplicada en Francia en aquella época. El primer trabajo de Goya para Cayetana fue maquillarla, cada vez que había una fiesta en palacio le pintaba los coloretes. Muchas obras de temática erótica, que le costaron algún disgusto con la Inquisición, una institución que siempre (y discretamente) rechazó. En España, en aquel tiempo, resultaba raro y hasta algo peligroso pintar a una mujer desnuda; Sobre todo a una noble… Tuvo que retirar originales colecciones que estaban a la venta, antes de tener problemas con la Santo Tribunal. En 1799, su sueldo como primer pintor de cámara asciende ya a 50.000 reales más cincuenta ducados para gastos de mantenimiento. En 1805, después de haber sufrido dos duros golpes con los fallecimientos de la joven duquesa de Alba y de su muy querido Zapater, se casa su hijo Javier, y en la boda conoce Goya a la que será su amante de los últimos años: Leocadia Zorrilla de Weiss. El 3 de mayo de 1808, al día siguiente de la insurrección popular madrileña contra el invasor francés, el pintor se echa a la calle, pues tiene más de sesenta años y mira insaciable lo que ocurre con ello, pintará el Dos de mayo, conocido también como La carga de los mamelucos en la Puerta del Sol de Madrid, y el lienzo titulado Los fusilamientos del 3 de mayo en la montaña del Príncipe Pío de Madrid. En Los fusilamientos del 3 de mayo, la solución plástica a esta escena es impresionante: los soldados encargados de la ejecución aparecen como una máquina despersonalizada, inexorable, de espaldas, sin rostros, en perfecta formación, mientras que las víctimas constituyen un agitado y desgarrador grupo, con rostros dislocados, con ojos de espanto o cuerpos yertos en retorcido escorzo sobre la arena encharcada de sangre. Un enorme farol ilumina violentamente una figura blanca y amarilla, arrodillada y con los brazos formando un amplio gesto de desafiante resignación: es la figura de un hombre que está a punto de morir.
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Durante la llamada Guerra de la Independencia Española (1808-1814), Goya irá reuniendo un conjunto de estampas que reflejan en todo su absurdo horror las barbaridades de la contienda. Son los llamados Desastres de la guerra, en los que no pretende mostrar tanto los hechos si no como la crueldad humana. Sigue latente el pesimismo de Goya en sus obras según sus desgracias se van aconteciendo. En 1812 muere su esposa, Josefa Bayeu; entre 1816 y 1818 publica sus famosas series de grabados, la Tauromaquia y los Disparates; en 1819 decora con profusión de monstruos y sórdidas tintas una villa que ha adquirido por 60.000 reales a orillas del Manzanares, conocida después como la Quinta del Sordo: son las llamadas “pinturas negras”, plasmación de un infierno aterrante, visión de un mundo odioso y enloquecido. En el invierno de 1819 cae gravemente enfermo pero es salvado in extremis por su amigo el doctor Arrieta, a quien, en agradecimiento, regaló el cuadro titulado Goya y su médico Arrieta (1820, Institute of Art, Minneápolis). En 1823, tras la invasión de los Cien Mil Hijos de San Luis, contingente del ejército francés venido para derrocar el gobierno liberal, se ve obligado a esconderse y al año siguiente escapa a Burdeos, refugiándose en casa de su amigo Moratín.
El 2 de mayo de 1808 en Madrid o ‘’La lucha con los mamelucos” foto sacada del Museo del Prado
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La colección de pinturas negras se componer por catorce obras murales: Estos murales fueron trasladados a lienzo a partir de 1874, y actualmente se conservan en el Museo del Prado de Madrid. La serie, a cuyos óleos Goya no puso título, fue catalogada en 1828 por el amigo de Goya Antonio de Brugada3 y se compone de los siguientes lienzos: Átropos o Las Parcas, Dos viejos o Un viejo y un fraile, Dos viejos comiendo sopa,Duelo a garrotazos o La riña, El aquelarre, Hombres leyendo, Judith y Holofernes, La romería de San Isidro, Dos mujeres y un hombre, Peregrinación a la fuente de San Isidro o Procesión del Santo Oficio, Perro semihundido o más simplemente El perro, Saturno devorando a un hijo, Una manola: doña Leocadia Zorrilla y Visión fantástica o Asmodea El maestro murió en Burdeos, hacia las dos de la madrugada del 16 de abril de 1828, tras haber cumplido ochenta y dos años, siendo enterrado en Francia. En 1899 sus restos mortales fueron sepultados definitivamente en la ermita de San Antonio de la Florida En Madrid, cien años después de que Goya pintara los frescos de dicha iglesia (1798). En el Museo del Prado se conserva La joven de Burdeos o La lechera de Burdeos (1825-1827), una de sus últimas obras. Pero acaso su auténtico testamento había sido fijado ya sobre el yeso en su quinta de Madrid algunos años antes: Saturno devorando a un hijo, es sin duda, una de las pinturas más inquietantes de todos los tiempos, síntesis inimitable de un estilo que reúne extrañamente lo trágico y lo grotesco, y espejo de un Goya visionario, sutil, penetrante, lúcido y descarnado.
Saturno 1820 - 1823 foto sacada del Museo del Prado Madrid HISTORIA DEL ARTE
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HISTORIA DEL MUSEO
El Museo Nacional del Prado, en Madrid, España, es uno de los más importantes del mundo, así como uno de los más visitados (el decimoctavo en 2013 entre los museos de arte). Singularmente rico en cuadros de maestros europeos de los siglos XVI al XIX, según el historiador del arte e hispanista Jonathan Brown «pocos se atreverían a poner en duda que es el museo más importante del mundo en pintura europea». Los inicios del museo del Prado fue por José Moñino y Redondo, conde de Floridablanca y Primer Secretario de Estado del rey Carlos III, como Real Gabinete de Historia Natural, en el marco de una serie de instituciones de carácter científico (pensadas según la nueva mentalidad de la Ilustración) para la reurbanización del paseo llamado Salón del Prado. Con este fin, Carlos III contó con uno de sus arquitectos predilectos, Juan de Villanueva, autor también del vecino Real Jardín Botánico y del Real Observatorio Astronómico, con los que formaba un conjunto conocido como la Colina de las Ciencias. El proyecto arquitectónico de la actual pinacoteca fue aprobado por Carlos III en 1786. Supuso la culminación de la carrera de Villanueva y una de las cimas del Neoclasicismo español, aunque dada la larga duración de las obras y avatares posteriores, el resultado definitivo se apartó un tanto del diseño inicial. Las obras de construcción se desarrollaron durante los reinados de Carlos III y Carlos IV, quedando el edificio prácticamente finalizado a principios del siglo XIX. Pero la llegada de las tropas francesas a España y la Guerra de la Independencia dejaron su huella en él; se destinó a fines militares (cuartel de caballería) y cayó prácticamente en un estado de ruina; las planchas de plomo de los tejados fueron fundidas para la fabricación de balas. Gracias únicamente al interés manifestado por Fernando VII y, sobre todo, por su segunda esposa, Isabel de Braganza, se inició, a partir de 1818, la recuperación del edificio, sobre la base de nuevos diseños del propio Villanueva, sustituido a su muerte por su discípulo Antonio López Aguado.
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El 19 de noviembre de 1819 se inauguraba discretamente el Museo Real de Pinturas (primera denominación del museo), que mostraba algunas de las mejores piezas de las Colecciones Reales españolas, trasladadas desde los distintos Reales Sitios. En este comienzo el museo contaba con 311 cuadros expuestos en tres salas, todos ellos de pintores de la escuela española, aunque almacenaba muchos más. En años sucesivos se rado fueron evacuadas durante la Guerra Civil.23 Sufrieron un largo periplo a lo largo de diversos lugares del levante español(Valencia, irían añadiendo nuevas salas y obras de arte, destacando la incorporación de los fondos del Museo de la Trinidad, creado a partir de obras de arte requisadas en virtud de la Ley de Desamortización de Mendizábal (1836). Dicho museo fue absorbido por el Prado en 1872. Una gran parte de las obras maestras del PCataluña) hasta llegar a Ginebra. Al finalizar la contienda se reintegraron al museo tras casi tres años de ausencia. A pesar de diversas ampliaciones de alcance menor, el Prado sufría limitaciones de espacio, más graves a partir de los años 60, cuando el boom turístico disparó el número de visitantes. Poco a poco, la pinacoteca se adaptó a las nuevas exigencias técnicas; el sistema de filtrado y control del aire se instaló en los años 80, coincidiendo con la restauración de muchas pinturas de Velázquez. El tejado, construido con materiales dispares y mediante sucesivos remiendos, sufrió ocasionales goteras, hasta que en 1995 se convocó un concurso restringido para su remodelación integral, ganado por los arquitectos Dionisio Hernández Gil y Rafael Olalquiaga, ejecutándose las obras entre 1996 y 2001.
Exterior del Museo del Prado foto realizada por J.Manuel Garcia Ruiz HISTORIA DEL ARTE
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Hoy en día se puede considerar el museo del Prado como uno de los museos más importantes de arte por su contenido de grandes obras de artistas principal atractivo radica en la amplia presencia de Velázquez, el Greco, Tiziano, Rbens, El Bosco de los que posee las mejores y más extensas colecciones que existen a nivel mundial, a lo que hay que sumar destacados conjuntos de autores tan importantes como Murillo, Ribera, Zurbarán, Rafael, Veronese, Tintoretto, Van Dyck o Poussin, por citar solo algunos de los más relevantes. Pero el artista que vamos hacer mención por su importancia en la historia es Goya, el artista más extensamente representado en el museo. En el museo del prado tiene muchas obras de Goya, y la que vamos analizar van a ser El quita sol, El 3 de mayo y el coloso.
Entrada exterior del Museo del Prado Foto realizada por Alicia Plaza Aliaga
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EL QUITASOL
Obra: El quitasol Autor: Francisco Goya. Cronología: Hacia el 1778 Estilo: Neoclásico con influencias del Rococó Técnica: Primero cartón y luego óleo sobre lienzo Localización: Museo del Prado. Dimensiones: 104 x 152 cm Imagen sacada de la pagina del Museo del Prado
Composición La composición es cerrada, se encuentra entre la pared y el árbol del parque o paisajes. El punto central del cuadro es el rostro de la joven en la que se centra nuestra mirada. En la composición podemos ver un triángulo que enmarca a la joven, esta figura geométrica induce a estabilidad.
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Contexto historico Se puede apreciar que esta obra es de la segunda época de goya (1775-1792). Debido a que su trabajo en esa etapa se centraba en la realización de cartones y bocetos para la Real Fábrica de Tapices y también por la influencia francesa. El Cartón era para un tapiz cuyo motivo principal es una elegante joven, a la que un majo protege del sol con una sombrilla o quitasol. Pudo tener como modelo una obra del pintor francés Jean Ranc, Vertumno y Pomona, ahora en el Musée Fabre, de Montpellier, aunque Goya transformó el asunto mitológico en una escena de la vida moderna. El tapiz resultante de este cartón colgaba en el comedor de los príncipes de Asturias (el futuro Carlos IV y su esposa María Luisa de Parma) en el Palacio de El Pardo en Madrid. La serie de la que forma parte se componía de diez tapices de asuntos “campestres” (todos conservados en el Museo del Prado, siendo su composición ya en estos años de invención del propio Goya, como consta en los documentos relativos al encargo. Análisis En la obra podemos apreciar una gran relevancia a la luz y sus efectos jugando un gran papel en la sombrilla que sirve para matizar y sombrear diferentes zonas mientras que en otras la fuerte incidencia del sol hace que destaquen los tonos amarillos que dotan a la escena de con gran alegría. Los colores son luminosos con predominio de los tonos pastel de influencia rococó. Entre otros el amarillo y azul de la joven y el secundario verde de la sombrilla o más apagados como en la zona matizada por la sombrilla , los ocres del majo o los contrastes de tonos como los que se observan en el hombro del majo o los tonos verdosos del cuello de la joven. La pincelada empieza a ser suelta como se percibe en el perrillo. No existe mucha profundidad se insinúa algo con el paisaje vaporoso con sfumato y con la dirección del mango de la sombrilla. El ritmo aunque algo estático viene marcada por el juego de miradas del majo.
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EL COLOSO
Obra: El Coloso Autor: Francisco Goya. Cronología: hacia el 1808-1812 Estilo: pinturas negras de Goya Técnica: óleo sobre lienzo Localización: Museo del Prado. Dimensiones: 116 x 105 cm Imagen sacada de la pagina del Museo del Prado Impresionante pintura de Goya que nos muestra las terribles consecuencias de la guerra de la independencia, también atribuida a dos grandes cuadros, “El dos de mayo de 1808 en Madrid; la carga de los mamelucos, 1814 y “Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808,1814. Una serie de grabados Desastres y este enigmático cuadro, que en el inventario de los bienes de Goya del año 1812 lleva el título de Un gigante, que por su similitud con un grabado (El coloso, 1808) empezó más tarde a ser mencionado.
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Contexto historico Glendinning en 1963, propuso que el cuadro podría haber sido derivación del poema patriótico de Juan Bautista Arriaza, “La profecía del Pirineo”, escrito durante los años de la guerra de la Independencia. En las estancias quinta y sexta el poeta describe la figura de un coloso sobre los Pirineos, que defiende a sus habitantes de la invasión, y al final vence a Napoleón. El Coloso presenta un paisaje en el que una figura masculina de proporciones gigantescas camina de espaldas, rodeada de nubes, con sus ojos cerrados y el puño izquierdo levantado. En la parte baja , todo de tamaño muy reducido, hombres y mujeres, carruajes y animales corren o se detienen en su huida. Se observa que el coloso está casi de espaldas a la muchedumbre que huye, se refleja el terror , el miedo. El coloso cuadro cargado de mucha simbología, se puede identificar con Napoleón en la guerra de la independencia. Muestra a un gigante sobre las tierras de España. El paisaje de La pradera de San Isidro, de 1788, indica bien cómo estructura Goya sus espacios, como da entrada al primer término y consigue la sensación de una llanura hasta el río, situando a la muchedumbre en primer plano. En esa pradera, se puede percibir como prevalece la armonía .Su pintura refleja ese suelo de Madrid arenoso con su vegetación en los montes de matorrales y arbustos dando profundidad a la obra. Analisis Los caballos no se definen bien, hechos a manchas tienen un movimiento brusco y las nubes envuelven a la figura central, el gigante. Es una obra poco realista sus personajes hacen que se desenvuelvan en un ámbito poco natural. Predomina el color oscuro sobre el dibujo y destacan produciendo un contraste con las zonas claras alrededor del gigante. Sus pinceladas gruesas con tanto movimiento y de una tonalidad oscura hacen que construyan las formas y determinen la luz. Aparecen animales como un asno, que se queda inerte y Goya a los animales parlantes les da un simbolismo de cataclismo social y de inversión de valores. Si su simbolismo ofrece interés como reflejo de un momento histórico, El coloso constituye el último estilo, el de las pinturas negras, iniciando aquí su ciclo Goya colocó inicialmente al gigante de frente al espectador y con su brazo izquierdo apoyado en la cadera, pero resultaba más estático y al girarlo aumentó su dramatismo y su indefinición misteriosa. Perteneciente a la pintura pre-expresionista. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado, en Madrid. Francisco de Goya fue un pintor aragonés que se adelantó a su tiempo iniciando nuevas tendencias artísticas. Sus obras revelan que fue un artista muy comprometido con su época. El Coloso pertenece a la pintura pre-expresionista, que es un estilo propio de Goya que más tarde inició el camino artístico del expresionismo, que es una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. Con esta obra Goya quiere transmitir de forma simbólica como las tropas del Imperio Francés, al mando de Napoleón, invadieran España y colocaron como monarca a Jose I, hermano del general francés. Llamamiento de crítica hacia las tropas napoleónicas HISTORIA DEL ARTE
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El “3 de mayo de 1808 en Madrid Obra: El “3 de mayo de 1808 en Madrid” o “Los fusilamientos Autor: Francisco Goya. Cronología: hacia el 1813-1814 Estilo: pinturas negras de Goya Técnica: óleo sobre lienzo Localización: Museo del Prado. Dimensiones: 268 x 347 cm Imagen sacada de la pagina del Museo del Prado
Contexto historico El 2 de Mayo de 1808, el pueblo de Madrid se levanta contra las tropas napoleónicas, que en ese momento histórico dominaban una amplia zona de la península. Finalizada la guerra de la Independencia en 1813, las Cortes españolas y el ayuntamiento de Madrid manda pintar a Francisco de Goya una serie de cuadros (pintaría en concreto dos: “El 2 de mayo de 1808 en Madrid” o “La lucha con los mamelucos”, y El “3 de mayo de 1808 en Madrid” o “Los fusilamientos”) como conmemoración y la entrada del rey Fernando VII en Madrid, y que serían para uso privado de palacio. HISTORIA DEL ARTE
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Francisco de Goya, impresionado por los acontecimientos, da un giro radical a sus pinturas, de estilo clasicista, y comienza a pintar de modo que se fija más en lo expresivo y natural de los personajes; utiliza las luces y las sombras con carácter simbólico. Incluso en la composición, deja fuera de campo parte de los personajes, como si fuese una instantánea fotográfica, algo novedoso para la época. Otras de las innovaciones que incorpora a sus obras son la de los personajes fuera de campo, las líneas de composición, que ya no guardan un orden geométrico como se utilizaba en el estilo clasicista, sino que juega con ellas de modo desordenado pero equilibrado; el cuadro aparece como inacabado, intencionadamente, con pinceladas que parecen que están sin terminar. En cuanto al lugar de la escena que representa Goya en el cuadro, hay diversas fuentes; pero se piensa que fue cerca del Palacio Real de Madrid, incluso se baraja la posibilidad de que fuese en la Puerta del Sol, ya que el monumento que aparece en el fondo es de la zona monumental de entonces, cogiendo la perspectiva de alguna sus iglesias. Análisis Respecto a los colores, Goya reduce la paleta cromática básicamente a tres colores: grises, ocres y blancos; además del rojo, lo que acentúa el trágico y dramático momento representado. Otro punto a destacar, es que la obra fue restaurada en el 2007 y 2008, dándole el lustre original; ya que en el año 36, cuando era transportado en camión, sufríó un accidente quedando deteriorado
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CONCLUSIÓN
Francisco Goya fue alguien que sabía cual era su vocación y aunque el camino para perseguir el éxito no le fue fácil ni regalado desde el principio, supo ser persistente y hacerse valer. Tuvo alguna amistad influyente y un gran golpe de gracia en formar parte de la Casa Real como pintor, en este capítulo, el mayor golpe de gracia pudo habérselo dado su relación con la Duquesa de Alba. Pero sin duda nada tienen que ver sus relaciones personales con su verdadero talento. Francisco Goya pintaba sus vivencias y la sociedad que le rodeaba, se plasman muchos cambios en su obra según evoluciona su vida y pasa por diferentes fases, alegrías y desgracias. Muy adelantado a su tiempo, sus imágenes surrealistas y la serie negra es inmensamente sobre cogedora aún hoy en la actualidad.
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BIBLIOGRAFIA Y WEBGRAFIA
Bibliografia Lunwerg editores El Prado colecciones de pintura Webgrafia Museo del Prado.es abc.es - estudio coloso Goya atribuciรณn arte.laguia2000.com artehistoria.com fundaciongoyaenaragon.es
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