Eximio by Gian Raoúl D'la Sierra

L Eximio Portafolio de Artistas

6-9 Giambattista Bodoni (1740 - 1813 / Italia / 73 años ) 10 - 13 Johann Wolfang von Goethe (1749 - 1842 / Alemania / 82 años) 14 - 17 Gustav Klimt (1862 - 1918 / Austria / 55 años) 18 -21 Vaslav Nijinsky (1890 - 1950 / Rusia / 61 años) 22 - 25 Federico Fellini (1920 - 1993 / Italia / 73 años) 26 - 29 Jessye Norman (1945 / Estados Unidos / 67 años)

Como todo oficio o vocación humana, el arte se compone de un espectro bastante amplio que contempla varios aspectos importantísimos para su desarrollo. Independiente del grado de relativo que pueda tener la apreciación del arte el cualquiera de sus presentaciones hay un ámbito vital y es el del papel de las personas en el arte. Mucho se habla por todos los medios de comunicación sobre el talento y las capacidades de ciertos hombres y mujeres que conquistan el reconocimiento en esta aldea global (teoría de Marshall Mcluhan). El estatus de “artista” se usa indiscriminadamente para referirse a cualquier persona que emita un mensaje de una forma ‘poco usual’ para su tiempo. Es un error semiótico y cultural descuidar la concepción de “Artista”. EXIMIO es un proyecto editorial que, con estricta convicción de la existencia de valores, virtudes, principios y requerimientos en el arte y su ejecución, busca recuperar el estatus que merece un artista en cualquiera que sea el campo de acción. Qué mejor manera que aprendiendo de los mejores. En esta primera edición reconocemos las ilustres carreras de forma cronológica de seis grandes maestros de: la tipografía, la escritura, la pintura, la danza, el cine y el canto. Este grupo de verdaderos artistas hicieron de sus vida y obra una completa composición artística de carácter eximio e ilustre. Recrear a groso modo su dedicación y filosofía de vida de estos personajes, que van desde 1740, pasando por Italia, Alemania, Austria, Rusia y Estados Unidos, hasta 1945.

J.W.V Goethe es masivamente conocido por su prosa y obras de teatro, los críticos literarios lo describen como uno de los exponentes más perceptivos y evocativamente imaginativos de la historia. “Fausto” es uno de los grandes triunfos de la literatura. Goethe pasó 60 años de vida leyéndolo, desmenuzar su esencia es una tarea titánica, pero que vale mucho la pena y el esfuerzo. No obstante, pocas personas tienen presente, sin embargo, que Goethe también produjo una importante cantidad de trabajos científicos que se centraron en temas tan diversos como las plantas, los colores,, el clima, la morfología y la geología. Él mismo creía que estos estudios científicos, en lugar de su obra literaria, serían reconocidos como su mayor contribución a humanidad. En su momento, la forma como Goethe abordaba la ciencia era muy inusual, ya que se alejó de un enfoque cuantitativo y materialista de las cosas en la naturaleza y destacó, en cambio, una relación íntima de primera mano entre los estudiantes y el objeto de estudio. El contacto vivencial y directo se convirtió en la base para la generalización y la comprensión científica. Contemporáneos de Goethe y de varias generaciones siguientes, sin embargo, ignoraron sus escritos sobre la naturaleza. Estos trabajos fueron vistos ya sea como descripciones artísticas subjetivas escritas por un diletante científico o como una forma de idealismo filosófico que arbitrariamente impone construcciones intelectuales en las cosas de la naturaleza. Goethe creía que los observadores no son todos iguales en su capacidad de ver. Cada persona debe desarrollar sus facultades de percepción a través del esfuerzo, práctica y perseverancia. "La naturaleza habla al alza a los sentidos conocidos del hombre", escribió, "a la baja a los sentidos desconocidos de su" . Si no podemos entender un fenómeno particular, debemos aprender a hacer un mayor uso de nuestros sentidos y "para llevar nuestro intelecto en de acuerdo con lo que le dicen”.

Teoría del Color Uno de los más claros ejemplos de cómo el científico poeta se aproximaba y amaba el estudio es su trabajo sobre el color y la luz. Crítico y escéptico de la teoría de Newton sobre ese mismo tema, Goethe comenzó sus propios estudios a fines de 1780 y publicó “Teoría del Color” (Zur Farbenlehre) en 1810.

Actuar es fácil, pe actuar según se pie difíc

, pensar es difícil; piensa es aún más ifícil.

Su teoría comienza con un examen de los colores fisiológicos. Goethe primero pide al lector a explorar el efecto de la oscuridad y la luz en términos generales. Pide analizar las experiencias como las siguientes, para llevarlos a cabo cuidadosamente como experimentos: (1) para mantener los ojos abiertos en un lugar totalmente a oscuras durante un tiempo, (2) para ver una superficie blanca, fuertemente iluminado, recurrir a los objetos moderadamente lighted. Goethe explica que, en el primer experimento, el ojo está "en la máxima relajación y la susceptibilidad", se siente "un sentido de privación" y se esfuerza para percibir hacia el exterior en el darkness. Los resultados del segundo experimento son el reverso de la primera: el ojo, "en un estado de Sobrecarga y poco susceptible en absoluto", se deslumbró y por un tiempo no puede ver el encendido moderadamente objects. Para Goethe, experimentos sencillos como estos tocan un aspecto esencial de ver humana: la oscuridad en el mundo de forma instantánea en el ojo produce una inclinación a la luz, la luz, una inclinación a la oscuridad. El funcionamiento del ojo indica una dialéctica activa entre la oscuridad y la luz: El ojo ", muestra su energía vital, su aptitud para recibir la impresión de que el objeto, precisamente, de forma espontánea tiende a un estado opuesto".

En nuestra época posmoderna de la fragmentación y la relatividad, de alguna manera debemos encontrar formas de llevar nuestros pensamientos, sentimientos y acciones en armonía tanto con nosotros mismos y con el mundo en que vivimos. la ciencia Goethe ofrece un enfoque rico e intuitivo a conocer la naturaleza y descubrir patrones y relaciones que son no sólo intelectualmente estimulante, pero también la satisfacción emocional y el método espiritual. Goethe enseña un modo de interacción entre las personas y el medio ambiente que implica la reciprocidad, la admiración, y la gratitud. Él nos ha querido encontrarse con la naturaleza con respeto y para descubrir cómo todas sus partes, incluidos nosotros mismos, pertenecemos. De esta manera, tal vez, llegamos a sentir más la atención por el mundo natural, que responde de nuevo con el significado.

De la Viena de Sigmund Freud, Gustav Mahler, Arnold Schönberg y Stefan Sweig; la misma ciudad de los grandiosos valses y la Belle Epoque proveine, sin un tinte de duda el artista más sobresaliente emergido de Fin-desiécle Vienne. Sus pinturas constituyen una sublime frontera entre tradición y modernidad / figurativo y abstracto. Sus retratos arduamente eróticos y sketches sexualmente cargados, sus paisajes estampados y composiciones misteriosamente alegóricas, son en un solo, refinado y perenne sentido artístico: joyas entre los más reconocidos trabajos de la historia del arte. Estamos hablando de Gustav Klimt.

" No e s t o y a co stu m b r a d o a h a b lar e n p ú b l i co o a e sc ri b i r , y me n o s to d a v í a s i s e trata d e mí mi sm o o mi t r a b a j o …

Klimt nunca se casó, nunca pintó un solo autorretrato y nunca pretendió ser de ninguna manera un revolucionario del arte. Rara vez salió de su Austria natal, pero en ocasionales visitas a París, dejó una gran impresión. Su objetivo principal era llamar la atención hacia los artistas vieneses subestimados y a su vez exportar su la escena de arte moderno más allá de las fronteras de Austria.

Q u i en q u i e r a sab er a l g o s o b r e m í , c o mo a r t i s t a di gn o d e i n t e r é s , de b e co n t e mp l a r m i s c u a d r o s co n ate n c i ó n e i n t e n tar reco n o ce r e n e llo s lo q u e s o y y lo q u e b u s co "

En este sentido, Klimt es responsable de ayudar a transformar a Viena en el centro de referencia para la cultura y las artes en el cambio de siglo. Sin embargo, su influencia en otros artistas y movimientos posteriores fue muy limitada. Muy del estilo en que Klimt veneró el trabajo de Hans Makart, pero finalmente se desvió de ese estilo; artistas jóvenes de Viena, como Egon Schiele y Oskar Kokoschka veneraron a Klimt desde el principio, pero sólo para madurar y convertirse en formas más abstractas y cuasi-expresionista de la pintura. Mientras que algunos críticos e historiadores sostienen que el trabajo de Klimt no debe incluirse en el canon del arte moderno, su obra -en particular sus pinturas fecha posterior 1900-, sigue siendo sorprendente por sus combinaciones visuales del antiguo y lo moderno, lo real y lo abstracto. Klimt realizó su obra más importante en una época de cambio y las ideas radicales, y estos rasgos son claramente evidentes en sus pinturas. Desde 1891 hasta 1897. Klimt fue un miembro de la Sociedad Cooperativa de Artistas, una organización muy conservadora cuya membrecía era esencial para cualquier artista que estuviera determinado en ganarse la vida. Desde el’87 Klimt y otros artistas pensaban que esta sociedad había ejercido una enorme influencia sobre arte austriaco asi que formaron su propio grupo llamado: la Asociación de Artistas Visuales Austriacos, enormemente conocida como “La Secesión”.

La Secesión tenía tres objetivos: proveer a jóvenes artistas de oportunidades para exhibir sus trabajos con regularidad; llevar a Viena los mejores artistas extranjeros y publicar su propia revista, Ver Sacrum. La utópica generación en la que Klimt se formó creía que solo el arte podía salvar al hombre. Así, se convirtió en un tiempo de unificación artística. Esa idea motivó a crear una exposición en 1902 en honro al escultor Max Klinger, cuya obra del músico Ludwig Van Beethoven fue la pieza central del evento, junto con las ornamentales abstracciones de Klimt. La gran mayoría de artistas consideraban a Beethoven la encarnación de un genio cuyo trabajo provenía de la glorificación del amor y la abnegación que se necesita para salvar a la humanidad. Años posteriores, Klimt comenzó a trabajar en lo que es hoy la obra más aclamada de su periodo dorado: El beso. Este cuadro fue comparado con la Mona Lisa de Da Vinci, al punto que ambos provocaban la misma fascinación. El dibujo muestra un hombre claramente dominando los deseos de una mujer y tomando la iniciativa de un beso. LA mujer yace resignada en sus brazos. La manta que los envuelve a ambos transforma el tabú del beso que encantó no solo a la crítica que antes había sido despiadada con Klimt y sus provocadores dibujos, sino también a nichos más puritanos de la burguesía.

Desde su periodo dorado, el mundo de Klimt siempre estuvo habitado por una libido muy poderosa. Klimt siempre pintó lo que más le interesaba a él: el enloquecedor erotismo femenino. Curiosamente, él pintaba a las mujeres desnudas antes de colocarles ropa en sus cuadros. El tiempo transcurrió y las expresiones artísticas en Europa empezaban a resonar más. El estilo dorado de Klimt perdió un poco su atractivo con el auge del expresionismo. Klimt quedó asombrado con la vasta paleta de colores que con-

tenían los cuadros de Munch, Bonnard o Matisse. Así que, una vez más, Klimt demostrar su impresionante habilidad de cambiar. Este nuevo estilo lo manifestó en retratos tales como el de Mäda Primavesi. Esto redefinió el concepto de feminidad de Klimt y su impresión en el lienzo fue notable. En enero 11 de 1918, Klimt sufrió una embolia, a la que había temido toda su vida. Menos de un mes después una neumonía lo afecto tremendamente hasta matarlo. Se tiene la concepción de que su muerte sucedió en el momento adecuado. Después de eso, el mundo cayó en la primer aguerra mundial y se transformó completamente. El arte fue considerado cada vez menos desde ese momento. Además la amada Austria de Klimt quedó reducida a una republica pequeña y sometida y Viena apenas comenzaba a sumergirse en la nostalgia de su época dorada.

"Soy un filósofo impensante. Un filósofo del sentimiento, soy quien muere cuando no es amado. No soy Nijinsky del mundo, soy Nijinsky de Dios" Es muy probable que la figura de Vaslav Nijinsky sea la estructura más cautivadora y controversial en el mundo de la danza. Partiendo de eso, aproximarse al perfil psicológico de un artista como crea la necesidad de situarnos en las esferas socioculturales de Los Ballets Rusos, donde desarrolló su carrera, y tratar de visualizar el mundo como ello hacía, con todo el riesgo que eso implica, para apreciar mejor su gran aportación cultural y artística en la historia de la danza y la contemporaneidad.

El primer instrumento que tuvo el hombre fue su propio cuerpo. En términos históricos y morfológicos, el ser humano ha logrado desarrollar su capacidad mental a través de la destreza y composición de movimientos de su cuerpo. Por el momento hemos conocido artistas que han diseñado, construido, Pintado, personificado, ahora es momento de abstraer la capacidad del cuerpo para ser arte en movimiento: la danza. Es considerada una de las actividades artísticas antiguas del mundo más complejas y demandantes; las razones que sustentan tal idea pueden, y están, manifestándose bellamente todo el tiempo pero solo pueden ser entendidas si se logran sentir. ¡Sentir! Ese es el core de la danza. Su disciplina consiste en mover el cuerpo guardando una relación consciente con el espacio e impregnando de significado el ambiente que se está creando con una determinada emoción. El acto de danzar es un fenómeno interior musical, porque interioriza ritmo y lo hace visible. Por tanto implica belleza. Porque la música es belleza armónica y el cuerpo es belleza simétrica. De esto, solo puede inferirse que es natural que solo aquellas personas con la capacidad de abstraer una emoción y expresarla con maestría, al mismo tiempo que entregan un mensaje con su acto, puedan ser considerados artistas de la danza. Como lo fue Vaslav Nijinsky.

Su persona es un mito. Lleno de agujeros oscuros y profundos en los cuales logró perfeccionar su arte a cambio de su estabilidad mental. Creó un mundo perfecto a partir de la danza. “El Ojo es una estructura circular. Por ende perfecta. Todo viene del círculo que Dios hizo. El ojo es un teatro y el cerebro, también circular, es la audiencia. Yo soy un ojo y la humanidad el cerebro”. El arte de Nijinsky le sirvió asimismo de refugio pues la realidad del mundo exterior se le hacía insulsa e insoportable. Registro y prueba indudable de la “filosofía sentimental” de Nijinsky es su diario <<Cahiers>>. El extenso manuscrito es visceral, impactante y metafísico, Tal como las coreografías que compuso. Lo escribió durante 1918 y 1919 en Saint-Moritz, Suiza. Día y noche quería llorar pero “Dios me ordena que escriba. No quiere que me detenga. Mi mujer llora y llora. Yo también. Temo que el médico venga y me diga que mi mujer llora mientras yo escribo.

Pero no iré con ella porque no merezco reproches. No sé qué escribir pero Dios desea que lo haga. [...] Soy un hombre sencillo que ha sufrido mucho. Creo que he sufrido más que Cristo. Amo la vida y quiero vivir, llorar, pero no puedo... Siento un dolor tan grande en mi alma, un dolor que me atemoriza. Mi alma está enferma. Mi alma, no mi espíritu. Los médicos no entienden mi enfermedad”. Ni la enfermedad ni su esencia. Solo era posible comprender lo que trataba de decir cuando danzaba. Y es por eso que fue un artista porque no se limitó a mover rítmicamente su bello, desproporcionado, pero estilizado cuerpo a una melodía, sino que logró que la música se incorporara a su cuerpo y a sus sentimientos para que se manifestaran con belleza y expresará: miedo, pasión, lujuria, encanto, dulzura, inocencia, poder, amor. Hasta él mismo se encantó y sólo pudo concebir un amor más grande que el suyo, el de Dios. Los trazos, dibujos y versos de su diario demuestran una profunda obsesión que tuvo por Dios. O tal vez, era la ansiedad que su público entendiera a Dios a través de él: “Todas las personas tienen sentimiento, pero para ellas la naturaleza de ese sentimiento es algo oculto. Y para explicarla quiero escribir este libro. Muchos observarán que en él no expongo sino opiniones personales; lo que pasa es que estoy convencido de que mi punto de vista es acertado, pues me ha sido transmitido por Dios. Dios está en mí. He cometido errores, pero los he reparado con mi propia vida y sufriendo a causa de ellos más que nadie en este mundo”. Su identidad se trasformó de la mano de su danza. Inició como un niño poco llamativo en una familia de bailarines polacos; pasó a ser un joven intrépido, encantador y desaforado; se convirtió en un ícono del arte y en la personificación de la belleza artística y terminó como un ente de emociones profundas y de espiritualidad transgresora. No hay duda que solo estuvo cuerdo mientras encarnaba espíritus, seres mitológicos o personajes idílicos. La Primera Guerra Mundial lo sumió en un período de aislamiento e inactividad que inevitablemente, le llevó a la locura.

Sin un escenario donde purgar su esnecia, Vaslav paso sus ultimos años en un mundo que él mismo creó. Un unvierso pararelo lleno de amor, junto a su amado Dios.

" Cantar es para mí una expresión física, emocional, espiritual, intelectual de mi respiración ". El canto, esa magnífica capacidad humana de embellecer una palabra con ritmo y armonía. Dejemos por un momento el arte de la composición a un lado y sumerjámonos en la magia de la voz. Miles de cantantes en el mundo entonan sus voces, algunos desde temprana edad, y logran consolidar una vida plena y llena de éxitos y reconocimiento. Pero son pocos los maestros de este instrumento quienes pueden ser considerados artistas de la música, pues la voz es un regalo divino pero a su vez una vocación. ¿Alguna vez una voz ha hecho que su percepción del tiempo se congele o su mundo se torne etéreo? Es una e las sensaciones más extrañas que se puedan sentir pero de las mejores y poco comunes. No sucede con frecuencia a causa de un trasfondo metafísico entre el o la cantante y su voz. Son casos excepcionales, ejemplo de integridad, disciplina y majestuosidad. En sus palabras, Jessye Norman. “Yo diría que mi voz es una muy buena amiga, que con el paso del tiempo hemos intimado mucho. Hoy entiendo a esta miga mucho mejor que hace algunos años. Y en este punto de mi vida estoy muy satisfecha porque puedo pedirle que haga todo lo que quiero, y ella dice:”Muy bien, Vamos a probar”. “Cantar me permite expresarme de un modo que me resultaría muy difícil sin música. Algunos de los textos que canto los escribieron personas que tenían una profunda comprensión de todo lo humano, una gran sabiduría y profundidad espiritual. He sentido un gran placer con las palabras de Virgilio, Racine o Goethe. Es un privilegio poder contar con estos textos.

Y debo decir, que me encanta la disciplina que se necesita para sacar el aire de mis pulmones, hacerlo pasar con un gran control por mis cuerdas vocales, para generar así –la mayoría de las vecesla nota correcta. El timbre, el sonido real que luego oye el público tiene mucho que ver con la expansión natural de mi pecho, la forma de mi garganta y la altura del interior de mi boca. Y por supuesto, yo no tengo nada que ver con eso. Y estoy agradecida por ello más de lo que puedo expresar.

Creo que llega un momento en la vida de un cantante, o un intérprete, en que te partas y dices: Bien, he hecho lo que probablemente se esperaba de mí; me he presentado en esos lugares e que debería haber cantado” Pero creo que llega el momento en que tienes que decir: Ok, el modo en que se realizan hoy estas interpretaciones u obras simplemente no se ajustan a mi espíritu. Así que, en orden de vivir una vida feliz, y que sea mejor para mi espíritu y para mi alma, es mejor hacer otras cosas. Antes que nada debo sentarme con la música en soledad y comprender su arquitectura. Una vez que la haya interiorizado, sabré la esencia de la ópera y sus personajes. Pero se necesita mucho hasta trabajo hasta que comprendes cómo puedes dejar que sencillamente suceda el fluir natural de la respiración y de ese modo también cantar con naturalidad. Es algo que creo cada cantante debe estar reaprendiendo constantemente”. Siempre me encuentro sorprendida por la percepción de algunas personas cuando dicen que al parecer soy algo excéntrica y extremadamente difícil de tratar. Sobre eso, sólo puedo decir que si estar preparada para un ensayo, y hablo de un verdadero ensayo no solo una lectura; estar puntual a un compromiso profesional o esperar que mis compañeros de trabajo se tomen la interpretación de la música tan en serio como lo hago yo… si eso significa ser difícil, ¡entonces soy difícil! Porque simplemente no veo el punto, ¿Por qué molestarse para ser mediocre? ¿Por qué molestarse si no vas a dar ese día lo mejor de ti mismo? ¿Porqué quedarse a mitad de camino? Entonces, si a los otros les resulta difícil comprender esta actitud, lo siento mucho, pero así es como yo veo el mundo. Es así como son las cosas.

Siempre intento diferenciar entre soledad y estar solo. En cierto que hay una larga lista de cosas que no he experimentado porque me he dedicado a cantar y estoy segura de que estoy pagando un precio por eso. Me encantaría pasar más tiempo con mi familia y con amigos, pero no siento que por el hecho de poder lograr algo profundo o importante, ¿Por qué tiene que ser fácil? No creo que sea necesario renunciar a todo para dedicarse a esa meta, pero tampoco creo que sea razonable pensar que puedas tener todo a la vez en la vida. Acepto los momentos de soledad como espacios de cambio y progreso interior. Incorporo mucha fuerza del hecho que he sido tallada en una madera tan dura. Que mis antepasados, como muchos otros afroamericanos, llegaron a padecer cosas que ni siquiera puedo imaginar. Leer sobre eso, no es suficiente. No hay punto de comparación para lo que ellos soportaron. ¡Pero sobrevivieron! Es por eso que hoy, en mi trabajo, mi profesión, en mi deseo de contribuir con algo a este mundo, mi columna vertebral es rígida y mi espíritu indomable, porque estoy hecha de una madera muy dura. Para mi propio entierro me gustaría música de Fauré, Bach, una o dos canciones poco conocidas de Schubert y algunas de las canciones que cantaba cuando era niña. El título de la canción es “Dios velará por ti”.