5 series animadas
que te dejarรกn pensando
AKIRA E l i m pac to d e
IMAGEN POR KATSUHIRO ร TOMO
NOTA
EDITOR
DEL
NIPPON TELEVISION, VAP
Nuestra revista está dirigida al público original de la animación, el adulto. Como actualmente el principal mercado de la animación ha pasado a los jóvenes, aquel público maduro se volvió mínimo. Por suerte, los creativos y directores han logrado mezclarlos con otros públicos con temas que no cualquier joven entendería o apreciaría. Aunque parezca una solución, esto diluyó la calidad que un adulto recibía de este medio Esta revista te brinda opciones para invertir tu tiempo sintiéndote adulto sin pena de un medio lleno de jóvenes. Un sincero agradecimiento -Ray Guevara
ÍNDICE BERSERK
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MÁS ALLÁ DEL JARDÍN
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EVANGELION
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ERGO PROXY
8
MONSTER
10
AKIRA
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CARTAS A VAN GOGH
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CHICO & RITTA
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LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNAGAS
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GHOST IN THE SHELL
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WALTZ WITH BASHIR
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ILUSTRACIÓN DE NICK CROSS
¡LA FANTASÍA OSCURA CON MÁS INFLUENCIA DENTRO Y FUERA DE JAPÓN!
POR RAY GUEVARA
Es una adaptación genial de un manga inadaptable. El trabajo de Kentaro Miura en el manga original es simplemente perfecto, tanto en arte, como en dominio de la narrativa. Así que una animación jamás podrá estar a su nivel, pero no por ello será mala; todo lo contrario, puede ser una obra maestra del anime japonés. Y es que, aunque le falten muchos detalles, escenas y demás, el anime de Berserk sigue siendo una historia grandiosa, oscura y compleja con personajes brillantemente escritos, profundos, carismáticos, y muy interesantes.
Gracias a su longitud (25 capítulos) tiene el suficiente tiempo como para mimar la trama y detenerse lo justo y necesario para que esta se desarrolle con fluidez, sin sentirse obligada o absurda. Se centra en sus personajes: sus formas de ser, evoluciones, metas; y más importante, se centra en las relaciones forjadas entre ellos. Sin prisa y con buena letra, este anime va relatando las desventuras de Guts en la Banda del Halcón junto con los miembros Griffith, Caska, Judeau, Pippin, Rickert y Corkus, mayoritariamente. No todo es mediante el diálogo ofrecido gratuitamente al espectador, a veces una mirada, un gesto, o un simple silencio cuenta la historia a la perfección; y es que los silencios en Berserk, como muchas personas ya ha comentado y analizado, son cruciales para captar la esencia original. El anime, a pesar de la censura, es violento, adulto y aterrador. No podía ser menos tratándose de Berserk, pues estas características mencionadas son algunos de los pilares imprescindibles de la historia original. El mundo en el cual la historia está ambientada es uno cruel y retorcido, sobre todo en los tramos finales, donde nos quedaremos atónitos por su final capaz de quitar la respiración, triste, injusto, pero genial.
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Todos sabemos que Guts es el mejor espadachín, que Griffith es un líder nato y oscuro, que Caska es una guerrera excepcional, o que Judeau tiene una labia de primera y es imposible no encariñarte con él. La banda sonora, imprescindible. Tiene ese aire siniestro y... “Berserkiano” insuperable que encaja con las escenas más oscuras y deprimentes; por otra parte, en los momentos emocionantes y bellos (de los cuales hay muchos en Berserk) es cuando muestra su máximo potencial, con unas piezas musicales que no solo están colocadas en un montaje milimétrico, sino que además son un placer acústico. Es cierto que ya han pasado 20 años y la animación, en cuanto a dinamismo y fluidez de movimientos, deja mucho que desear en comparación con otros animes actuales.
No obstante, eso queda relegado a un segundo plano. Porque a pesar de ello, porque en el resto de apartados, es una animación magistral. Cada imagen o plano contiene una cantidad de detalles cuidadísima, siendo indudablemente preciosos todos y cada uno de ellos. Además, hay algunos paneles directamente sacados del manga, que no hacen más que enriquecer el resultado. El uso del color también tiene un papel importante y consigue superar las expectativas, creando una atmósfera aterradora cuando es necesario, o por el contrario, siendo una colorida y silenciosa mañana nevada.
EPISODIO 25 , BERSERK 1997
EPISODIO 6 , BERSERK 1997
Puede que las batallas quizás no sean frenéticas, pero desde luego consiguen mantener al espectador en tensión. Mención especial para la Batalla de los 100 hombres, la primera lucha contra Zodd y el Eclipse. Lo bueno de todo esto, es que en Berserk el foco principal no son las peleas. Los mejores momentos del anime no son de acción; son aquellos de reflexión, de tranquilidad, los diálogos asombrosos entre personajes inconmensurables. Sirve tanto para introducir al mundo de Berserk a aquellos no entusiastas del manga; como para traer buenos recuerdos que nos harán amar un poco más el manga a todos los que primero nos leímos este y estamos faltos de Guts por culpa de los hiatos de Miura. Un anime excelente que podrás recordar y debatir en más de una ocasión.
Las escenas resaltan con el maravilloso arte que aumenta la emoción de cada momento.
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UN VIAJE A LO DESCONOCIDO
POR RAY GUEVARA
Desde la calidad de su animación ya resulta atractivo y si a eso le agregamos la atmósfera que lo envuelve, personajes e historia entonces tenemos una combinación ganadora. Es un trabajo que simplemente se siente hecho con amor. Patrick McHale, el creador, pulió cada detalle al máximo y nos entregó una historia redonda y mágica. Existe un piloto estrenado en 2013 pero la serie en sí (2014) cuenta con 10 episodios de 11 minutos cada uno que en suma hacen 1 hora 50 minutos, más o menos la duración de una película, no sobra ni falta nada y al verla lo peor que te puede pasar es quedarte con ganas de más. Y ya que estamos por estos rumbos, déjenme decirles que el doblaje de España es un verdadero encanto. Tal vez suene medio a tontería pero tiendo a asociar el acento español a tiempos antiguos o tonos serios, y esta asociación me sentó más que bien desde que la voz del narrador del primer capítulo comenzó a hablar, le añade el matiz definitivo de un cuento.
“GREG” OVER THE GARDEN WALL 6
A varios latinoamericanos, y me incluyo, no suelen gustarnos las versiones dobladas en “Español España” —en mi caso es por haberme acostumbrado primero a la versión latinoamericana—, en varias ocasiones uno no entiende las expresiones usadas o simplemente nos suena curioso pero las voces que eligieron para doblar Over the Garden Wall son simplemente perfectas. Este doblaje no se interrumpe con el tono de la historia sino que contribuye aún más a crearlo, las voces suenan apacibles y es todo un gusto oírlas, incluso lo pondría sobre el original. Nuestro cartoon desde los primeros segundos se adueña de un tono similar al de los cuentos de los hermanos Grimm. Oscuro, misterioso y mágico por igual. La historia trata de —e inicia con— dos hermanos que de pronto se ven perdidos en un bosque e intentan encontrar el camino que les lleve a casa. Hasta aquí seguramente ya han hecho alguna analogía con los cuentos de hadas clásicos. Pero Over the Garden Wall es mucho más que eso. A pesar de sus declaradas intenciones de volver a su hogar los hermanos se internan a cada paso más profundamente en un viaje hacia “Lo Desconocido”, nuestros protagonistas en
ILUSTRACIÓN DE NICK CROSS
ningún momento esperan —ni sospechan— lo que pueden encontrar delante (a decir verdades ni uno como espectador puede estar seguro de nada). “Lo Desconocido” (“The Unknown” en su idioma original) puede interpretarse como si se tratase de un lugar real o una referencia a su ignorancia sobre el futuro y lo que han de
enfrentar. La cosa se complica cuando se enteran de que en el bosque mora un peligroso ente denominado “La Bestia” acechando en la oscuridad. Despierta un profundo temor en todos. Este tono oscuro podría fácilmente tornarse depresivo y opresivo de no ser porque cuenta con humor, uno que otro musical (los que corren a cargo de Greg son muy simples pero pegajosos y adorables) y sobre todo con esos maravillosos personajes.
OVER THE GARDEN WALL CAPÍTULO DOS
Over the Garden Wall tiene un compendio de temas muy amplio y bien enlazado. Los principales para mí son: la familia, la esperanza y el miedo.En el lado de la familia tenemos (obviamente) la relación de Wirt y Greg y otras historias secundarias que refuerzan el mensaje. Respecto a los protagonistas, durante el primer episodio el leñador le dedica esta frase a Wirt después de que Greg hace un desastre: “—Muchacho, no entiendes nada. ¡Tú eres el hermano mayor, tú eres el responsable de ti y de lo que haga tu hermano!” “BEATRICE” OVER THE GARDEN WALL
ILUSTRACIÓN DE NICK CROSS 7
EVANGELION
EPISODIO 9, ESTUDIO GAINAX
¡ÁNGELES, SECRETOS Y ROBOTS! ¡SÚBETE AL EVA! POR RAY GUEVARA
UNIDAD 00, DISEÑO DE GAINAX
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La historia de Neon Genesis Evangelion se desarrolla en el año 2015 (si amigos, esto apenas sucedió el año pasado en Japón), en el cual, la humanidad se ve amenazada por la aparición de seres misteriosos los cuales reciben el nombre de “Ángeles”. Para poder derrotarlos, NERV, una organización creada por la ONU situada en Japón, decide crear una especie de robots gigantes que reciben el nombre de “Evangelion´s” o “Eva´s” para abreviar. Así pues, a lo largo del anime veremos la historia a través de los ojos de Shinji Ikari, un joven de 14 años el cual es el protagonista y además, uno de los pilotos de estos gigantescos robots; el cual se ve involucrado en una lucha por salvar a la Tierra de los “Ángeles” como el mismo en una lucha psicológica y emocional consigo mismo debido a las múltiples situaciones y cambios que está experimentando en su vida.
EPISODIO 1, ESTUDIO GAINAX Esa es en resumen la premisa que sigue Evangelion. Ahora bien, enfocándonos un poco más en esta, se puede decir que básicamente consiste en que los “Eva´s” tienen que enfrentar a los “Ángeles”. A pesar de que en esencia es algo básica debo decir que es entretenida debido a los varios enfrentamientos que se presentan. Las peleas son muy vistosas y diversas, ya que los que cada uno de los “Ángeles” que aparecen tiene sus propias características y movimientos que los diferencia el uno de otros; lo cual esto genera que las batallas sean algo estratégicas y tengan que planificarse, lo que agrega seriedad al asunto. No obstante, en la serie llegan a ver momentos de comedia y picardía que contrastan con la seriedad y acción y llegan a ser divertidos y entretenidos de ver.
En cuanto a la ambientación, debo decir que para ser un anime de hace20 años con temática futurista este no lo parece; los entornos están muy de acuerdo a nuestra vida contemporánea y la mayor parte del tiempo parece que es una realidad simple en la que la tecnología está muy avanzada; bastante parecido a nuestra época contemporánea. Uno de los puntos más fuertes que tiene Evangelion es que tiene personajes muy variados y con su propia personalidad. Cada uno de ellos tiene su propia forma de actuar y de pensar cuando interactúan con algún otro de los personajes y al mismo tiempo a lo largo de la serie esto va cambiando debido a las situaciones que se van presentando y a como estos reaccionan ante estas; lo cual agrega mucha variedad y presenta diferentes puntos de vista de los hechos acontecidos de acuerdo a la interpretación que cada personaje tiene al respecto.
¡Cada angel es más difícil de vencer que el anterior!
EPISODIO 3, ESTUDIO GAINAX PERSONAJES PRINCIPALES, ESTUDIO GAINAX
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ERGO PROXY HORA DE DUDAR DE LA REALIDAD POR RAY GUEVARA Innovadora, interesante, con un estilo visual muy diferente a lo habitual, y un argumento que une misterio y filosofía. Son calificativos complicados de otorgar a una serie de animación original, pero Ergo Proxy cumple con las espectativas. Una de las mejores propuestas para los amantes de los géneros experimentales, la ciencia ficción futurista post apocalíptica, y sobretodo para gente con muchas ganas de pensar. He aquí uno de los seinen mas misteriosos oscuros y profundos desde la publicación de Serial Experiments: Lain. Y es que en Ergo Proxy, ya solo la originalidad de los diseños es un punto fuerte: Empezando por la protagonista, Lil Mayer (Re-L Mayer en el doblaje es-
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pañol), con su ropa siempre oscura y su permanente maquillaje en los ojos característico, o los cyborgs de esta serie, llamados Autoraves, que tienen un concepto artístico totalmente diferente de lo visto hasta ahora y cuya primera calificación seria la de «extraños». De apariencia antropomorfa, carecen de boca móvil en la mayor parte de los casos y sus cabezas manifiestan almismo tiempo inexpresividad y tristeza. Esta «inhumanidad humana» creara varios de los puntos de inflexión del argumento, si bien hay un segundo tipo, los Entourages, cuya apariencia ya es mas humana, como por ejemplo Pino, uno de los personajes principales.
ESTUDIO MANGLOBE
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En los escenarios se mantiene esa línea como no podía ser de otro modo: Escenarios futuristas y prósperos al comienzo de la serie, que contrastan con la decadencia gótica de las vestimentas y el estilo renacentista de ciertos autoraves, que luego dejara parte a lugares desolados y desérticos, donde la oscuridad seguirá jugando un papel fundamental.
Ergo Proxy es una serie con poco movimiento, ese oscurantismo visual se transmite al argumento y todo va muy lento, dejándole al espectador el tiempo necesario para pensar, pero sin llegar a convertirse en aburrido, como ocurre con otros animes oscuros, como por ejemplo Shigurui (Solo en la version animada), sin que por ello eso signifique que la animación es mala. Romdo es una utopía. Sus habitantes disfrutan de un estilo de vida ciudadano casi perfecto y los trabajos duros son llevados a cabo por autoraves, así mismo,
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la administración es llevada a cabo por supercomputadores que optimizan los rendimientos y recursos sociales al máximo. Y es que la utopía es en realidad una antiutopia. Romdo comparte las características de dos de las grandes obras de ciencia ficción de todos los tiempos: Por una parte 1984, de George Orwell, ya que en Ergo Proxy, en Romdo concretamente, también hay una especie de Gran Hermano invisible que controla a la población, con la diferencia de que aquí los ciudadanos no son conscientes de ello, no hay el miedo colectivo presente en 1984, ya que aquí la gente simplemente vive feliz y conforme al orden establecido. No existe ni la delincuencia ni el librepensamiento. Y la segunda, como no podía ser de otro modo, es Un Mundo Feliz, de Aldous Huxley, ya que Romdo si que se asemeja realmente a esa sociedad distópica donde todo parece perfecto y sus ciudadanos simplemente se preocupan de pasar sus días sin preocupaciones.
ESTUDIO MANGLOBE
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Por
JOHANNA GALICIA Año 1986, Kenzo Tenma es el reconocido neurocirujano de alto reconocimiento por su enorme habilidad en el area del Hospital Memorial Eisler, en Düsseldorf. Un hombre de mucha ética y moral hacía su trabajo. Es el esposo de Eva Heinemann, la hija del director del Hospital, quién a su vez, ve claramente un futuro prometedor en Tenma. Sin embargo, la corrupción invade al hospital, colocando como prioridad a los pacientes con dinero o de alto rango social. Ante esta forma de función en el lugar, en una llegada de los pequeños gemelos Liebert que recién llegan de una masacre dónde sus padres adoptivos fueron asesinados, y el alcalde de la ciudad en estado crítico de trombosis, se le ordena como prioridad a Tenma tratar al alcalde y dejar morir al niño Liebert quién llega con una bala incrustada en la cabeza.
Monster comenzó como una serie de manga escrita e ilustrada por Naoki Urasawa. El manga comenzó su socialización en el año 1994 en la revista Big Comic Spirits de Shogakukan concluyendo en 2001 con dieciocho volúmenes compilados. Tres años más tarde, Madhouse asume la adaptación al anime de la obra de Urasawa
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Sabiendo que el niño llegó primero y él es el único capaz de tratar una herida tan delicada, Kenzo desobedece esta orden superior y trata al gemelo Liebert, provocando con ello la muerte del alcalde, pero salvando la vida del niño. Las consecuencias de sus actos le costaron su futuro laboral y el abandono de su esposa. Ante la caída de Tenma varios doctores salieron beneficiados, sin embargo cada uno va muriendo poco a poco. Y como si no fuera suficiente, los gemelos Liebert desaparecen poco después sin dejar rastro alguno. Puesto que Tenma es el único beneficiado de estas muertes, se le acusa de los asesinatos como principal sospechoso, pero a falta de pruebas, el caso queda aparcado. Nueve años después, tratando de recuperar su vida, Kenzo Tenma se encuentra con el niño ya adulto, asesinando frente a sus ojos. La vida de Tenma, en ese momento, apenas comenzaba a abrirse paso a un punto crítico de desesperación, acosamiento de múltiples asesinatos por todo el mundo que parecen de un modo u otro tener mucho que ver con él.
Hay muchas cosas que se pueden hablar del anime Monster. Comenzando con la trama, me atrevo a decir que es una de las mejores desarrolladas.Todo tiene una conexión y los actos de cada personaje tienen consecuencias mayores durante los capítulos. Abriendo cada vez más misterios que dejan trastocado y desubicado a más de uno por su impacto en la historia, cuando se creía que se habían finalmente abierto totalmente el telón a la verdad, resulta que apenas se daba introducción a algo mucho mayor. El manejo de los personajes es uno de los fuertes más grandes de este Anime, con el paso del tiempo conocemos la mejor la personalidad de cada uno, sus actos son muy acordes a las situaciones y jamás se ve algo de manera forzada. El cómo Tenma se ve envuelto en estos horribles acontecimientos que parece ser sólo la fachada creada para guardar algo descomunal por aquel “Monstruo” que nueve años atrás salvó, y que le costó no sólo su vida sentimental, sino laboral. Los sucesos son muy realistas y sin duda alguna impredecibles, la Psicología en todo está muy bien empleada y escenas que se presentan que no son precisamente el foco principal de todo, pero que aún así tienen consecuencias de una u otra manera. El desarrollo y el como cada uno se ve envuelto sin quererlo o no deja enganchado probablemente a cualquiera. También es
admirable como, aunque Kenzo Tenma sea el personaje principal, otros personajes tienen una participación muy marcada en el avance de la animación. Sin duda en más de un capítulo saca bastante tensión en uno, brincos inesperados y la sensación de que uno mismo está viviendo la situación. Se revive de una manera increíble el realismo en el curso de los capítulos. Los personajes son otro punto a gran favor, muy realistas, sin exagerar en facciones de estilo caricaturesco o cabello de colores extravagantes. En realidad, es muy acorde a la lógica, nada sobrenatural sin embargo se exprime con maestría los escenarios, los efectos de sonido La Banda Sonora acompaña la escena con temas de persecución, suspenso y combinación de todo un poco en instrumentos, perfectamente acordes a la historia, también se ha hecho un gran trabajo en este ambiente. El Opening es fúnebre y con un estilo de temática oscuro, que llama la atención en más de un aspecto. Sin duda alguna es una de las mejores tramas y que definitivamente se debe tomar el tiempo para ver, vale totalmente la pena y deja siempre con sensaciones a flor de piel conforme uno mismo se va envolviendo en el enorme acertijo que conforma el Anime Monster, el cual es uno de los mejores que he visto.
“Si ya son conocedores del animé (y disfrutaron de historias populares como Death Note), Monster es exactamente lo que están necesitando. Y si no disfrutan de este medio, aun así creo que van a encontrar deleite en este colosal relato de suspenso y crimen” Luciano Sivori Ingeniero y escritor. Amante de la literatura y el cine
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AKIRA Por
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JOHANNA GALICIA
Un 16 de julio pero de 1988 llegó a las salas de cine un título que cambiaría la historia del cine de animación para siempre (y del cine en general): Akira. No es una exageración decir que esta cinta es una de las películas más importantes del anime y que luego de 30 años de estrenarse en el cine su influencia sigue tocando a artistas de todas las áreas.
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¿Qué es
AKIRA?
Akira empieza como un manga de más de dos mil páginas escrito y dibujado por Katsuhiro Otomo, el cual comenzaría su carrera como dibujante de manga a comienzos de la década de los 70. Lo hacía en Action Comics con títulos como The Gun Report o Fireball, pero no fue hasta comienzos de los 80 cuando comenzó a darle vueltas a una idea que tenía en la cabeza. El artista había crecido en Hasama (prefectura de Miyagi, Japón) en los convulsos 60, el cóctel para que hoy exista Akira fueron sus viven-
cias en una época de grandes cambios, con continuas manifestaciones de estudiantes y revueltas, todo ello bajo un marco un tanto caótico y en un país de contraste con su pasado reciente tras la Segunda Guerra Mundial. A su vez, Otomo sentía predilección por muchas cintas clásicas de los 60 y 70 con un claro y marcado tono contracultural, films como Easy Rider, Bonnie and Clyde o Five Easy Pieces fueron una influencia para el artista que luego se plasmaría en Akira. “Presentó un anime como nunca en Occidente se había visto: era humorístico, fantástico, erótico, violento, etc. Nos mostró historia y animación hecha para adultos, presentando el anime como una forma de arte y de crítica social sumamente poderosa” Robbie Barrera, matemático y amante de la cultura popular.
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El manga vio la luz en 1984 en Japón, siendo un rotundo éxito desde el principio. Con todo, lo realmente histórico fue que los tomos se convirtieron en pioneros exportando esa parte de la cultura japonesa en occidente. Marvel Comics se hacía con los derechos para su publicación en Estados Unidos y Europa y el resultado fue un impacto tremendo, una obra extensa que popularizaba la narrativa de un país hasta ese momento fuera del circuito americano. Tanto fue así, que pasado el tiempo y tras la reedición en 6 tomos en blanco y negro (igual que el original), Akira se haría con el Premio Eisner 2002 de obra extranjera, algo así como los Oscar en su liga. La trama se sitúa en el año 2019, 38 años después de la Tercera Guerra Mundial, que dejó Japón arrasado por las bombas atómicas y actualmente se encuentra al borde del colapso por las continuas revueltas y crisis políticas. Trata la historia de Kaneda y Tetsuo, dos jóvenes pertenecientes a una banda de moteros juvenil que actúa al margen de la ley en la ficticia ciudad de Neo Tokio. Durante una carrera nocturna de la banda,Tetsuo sufre un accidente con su moto debido a un extraño niño con aspecto de anciano que se encontraba en medio de la carretera, siendo Kaneda el único aparte de Tetsuo que ve al misterioso niño antes de que desaparezca misteriosamente. Tras esto, un convoy militar aparece y se lleva a Tetsuo sin dar explicaciones y, tras experimentar con él, descubren que es poseedor de algo conocido como la energía absoluta, por lo que deciden mantenerlo encerrado para controlarlo.
Mientras Kaneda busca a su amigo y las revueltas se suceden, conoce a una misteriosa mujer con la que se alía para descubrir los planes de los militares, la ubicación de su amigo y la verdad sobre el misterioso Akira. Al mismo tiempo, Tetsuo va descubriendo sus poderes y se vuelve cada vez más violento e incontrolable, llegando a ser un peligro para toda la ciudad. No contento con la antología que tenía entre manos, Otomo decidió producir la película en esa época, finales de los ochenta, el autor aún no había terminado el manga que llegaría finalmente dos años más tarde, en 1990. Esta es la razón por la que el anime tiene un final (bastante) diferente. En cualquier caso, se trata de Otomo en ambas facetas. El creador del cómic quiso trasladar su obra a la animación en un esfuerzo titánico, tanto fue así, que para la producción se necesitó de la ayuda de varias compañías bajo el paraguas de lo que se llamó Comité Akira. La idea: construir un film único y excelso con un universo propio, una obra tremenda y ambiciosa donde el autor no quería dejar escapar ningún detalle ni épica de la historia. Hablamos de un presupuesto de más de mil millones de yenes (lo que supondrían casi 10 millones de dólares) y hablamos de hace más de 25 años. Se trataba por tanto de la obra más cara jamás realizada en el país. Otomo finalmente conseguiría la financiación a través del Comité Akira, un consorcio de grandes empresas del país unidas para sacar adelante un macro-proyecto de animación (una apuesta que aún hoy resulta increíble).
En varias entrevistas con la edición de los EE.UU. de Shonen Jump, Masashi Kishimoto, creador de Naruto, ha citado el manga y el anime de Akira como determinantes, en particular en la base de su carrera como mangaka.
Lograba unir a ocho gigantes para la financiación del anime: Bandai, Toho, Laserdisc Corporation (sí, también), Kodansha, Mainichi Broadcasting System, TMS Entertainment, Hakuhodo Incorporated y Sumitomo. Para entender el alcance de la obra, nada mejor que refrescarla con números. Obviamente no sabemos lo que le hubiera pasado al autor de no haber tenido éxito, quizá nunca hubiéramos visto llegar su obra a occidente, pero Akira tuvo un rotundo impacto en el país con una recaudación de 6,3 mil millones de yenes (casi 50 millones de dólares) solo en la taquilla nipona de 1988. El salto a occidente y el paso de los años han conformado a la producción como una obra de culto, y posiblemente junto a Miyazaki, en el máximo exponente de la cultura de animación japonesa. 17
Otro de los campos en los que Akira sobresale es en la propia factura y realización de una producción anime, en su dibujo y estética cyberpunk, que inspiró a obras posteriores tanto orientales (Ghost in the Shell) como occidentales (Matrix) erigiéndose como uno de los padres de este concepto, tanto artístico como argumental. A pesar de que la película se compone de 160.000 dibujos, el detalle este cuidado con una precisión absoluta. Por último, existen un gran número de elementos icónicos y referencias de la obra que con el tiempo se han granjeado la categoría de “culto”, pero si tuviera que elegir una, sin duda esa es la mítica moto de Kaneda, símbolo del liderazgo sobre los moteros. Inspirada en Tron (1982), con su diseño único, sus tonos rojos vivos y sus múltiples detalles, se ha convertido en todo un icono de la película y en uno de esos elementos que la gente siempre recuerda cuando piensa en la cinta. Si hacemos caso a una de las páginas que el mismo Otomo da por buena, en Akira2019, estamos ante una moto eléctrica (¿Honda?) de 154 Kg de peso con una carga máxima de dos horas de duración. Una máquina que pasaría de 0 a 400 metros en 9,8 segundos y de 0 a 100 Km/h en 8,7 segundos. Su velocidad máxima sería de 243 Km/h y vendría equipada de serie con ordenador integrado, radar, sistema de navegación automática y lector de CDs (estamos en los 80, aunque con vistas a un Tokio de 2019). A pesar de los 30 años de su estreno, Akira ha sobrevivido como una joya imperecedera del cine de animación que supuso una innovación sin precedentes y sentó las bases de género de la animación para adultos. Su historia, su dibujo y su alcance a nivel mundial cambiaron no solo la animación, sino que, indirectamente, también desarrollaron una nueva cultura a nivel mundial basada en las series y películas de animación de cualquier país y con cualquier temática, destacándose, como no, la animación japonesa.
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Si hay una obra que inspiró a Otomo para desarrollar Akira, esa fue sin duda Tetsujin 28-go (Iron Man 28 en muchos países), un manga de finales de los 50 que pasó a anime unos años más tarde. Tal es así, que Otomo llamó a los personajes de Akira como los de la obra a la que rinde homenaje.
Cartas de Van Gogh
Por JOHANNA
GALICIA
Un año después de la muerte de Vincent van Gogh, el cartero Roulin le pide a su hijo Armand que entregue personalmente la última carta de Van Gogh a su hermano, Theo, después de que sus intentos previos de enviársela hubieran fallado. A pesar de no haber apreciado a Van Gogh, Armand acepta con disgusto debido al afecto de su padre por el pintor. El cartero Roulin reconoce la enfermedad mental de Van Gogh y culpa a los otros ciudadanos por condenarlo al ostracismo y expulsarlo.
Una bellísima muestra de que las técnicas de animación en el cine van mucho más allá de las películas “de dibujitos” para niños es Cartas de Van Gogh (Loving Vincent, Reino Unido-Polonia, 2017). Se trata de toda una declaración de amor para un artista fuera de serie, que también fue un ser humano atormentado por el dolor:Vincent van Gogh. Lucero Solórzano
Armand visita a Père Tanguy, quien le informa que Theo, que sufría de sífilis, empeoró y murió poco después a la muerte de su hermano. Recuerda su tiempo en París con Van Gogh, así como la tensa vida familiar de este último y su eventual elección por el arte después de fracasar en diferentes carreras. Mientras describe el funeral de Van Gogh, menciona que el Dr. Gachet, quien acogió a Van Gogh después de que saliera del sanatorio y con quien compartía un amor profundo por el arte. Armand decide quedarse en la misma posada en la que estuvo Van Gogh durante el tiempo que pasó por esa zona. Armand visita al barquero local, quien le informa que Van Gogh mantuvo una relación cercana con la hija adoptada del Dr. Gachet, Margarita. Armand se reúne con Margarita, quien afirma que no tenía una relación íntima con Van Gogh y lo rechaza después de que sugiere que el estado de ánimo suicida de Van Gogh ocurrió después de que su padre discutiera con el pintor y le prohibiera a Van Gogh que la viera. Armand continúa investigando la muerte de Van Gogh y cuestiona por qué decidió volver a la posada después de haberse disparado en el estómago, en lugar de dispararse de nuevo en la cabeza. Después, Armand descubre que el disparo que hirió de muerte a Van Gogh provino de una ubicación diferente a la reportada. Armand le dice a Margarita su teoría de que René accidentalmente le disparó estando borracho a
Van Gogh, quien se negó a revelar la verdad para proteger al chico. Margarita le dice que sin importar lo que hubiese sucedido,Van Gogh estaba muerto y su vida importaba más que las circunstancias de su muerte. El doctor rechaza la teoría de Armand, diciéndole que el estado de ánimo de los pacientes con depresión puede variar muy rápidamente, y que pudo haber pasado fácilmente de calmado a suicida en seis semanas. El sentimiento de culpa que Gachet admite se debe a que tenía envidia del talento de Van Gogh y de su compromiso con el arte, y que la discusión había ocurrido después de que Van Gogh hubiera acusado a Gachet de que era demasiado cobarde para seguir su auténtica pasión. Armand regresa a casa, y el cartero Roulin recibe posteriormente a la viuda de Theo, Johanna, quien le agradece a Armand por entregar la carta y le entrega otra de Van gogh a ella firmada “Tu querido Vincent.” 19
¿Qué hay detrás de“Cartas aVan Gogh”? Cartas de Van Gogh fue estrenada en junio del 2017 en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy (en francés Festival International du Film d’Animation d’Annecy, FIFA). La película cuenta con una producción esencialmente polaca, con aportes del Reino Unido. Fue escrita y dirigida por Dorota Kobiela y Hugh Welchman. Su desarrollo fue financiado por el Instituto Polaco de Películas (Polski Instytut Sztuki Filmowej), y parcialmente mediante una campaña de Kickstarter. Los creadores del film escogieron usar pintores entrenados clasicamente en lugar de animadores tradicionales. Welchman declaró que quería evitar animadores que tuvieran «estilos personalizados» y en su lugar optó por personas que «eran pintores de óleo puros». En total, hubo 125 pintores responsables de la animación. Este trabajo resultó ser más grande que la visión original debido a las dificultades para obtener el financiamiento, resultando en un horario más pequeño en el que debía trabajar el equipo.
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Existieron, en total, alrededor de 5 000 aspirantes, muchos de los cuales se interesaron después de ver en línea un «teaser de reclutamiento» para el proyecto. En total 65 000 pinturas fueron hechas, sin embargo, al terminarlas se retiraba la pintura con espátulas y se comenzaba la siguiente pintura por lo que solo 1,000 fueron las que sobrevivieron; de las cuales 800 fueron vendidas y las restantes usadas en estrenos y funciones especiales. La película ganó el premio Película Internacional más popular en el Festival Internacional de Cine de Vancouver de 2017. Ganó el Premio de la Audiencia en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy1 de 2017 y el Golden Goblet a la Mejor Película Animada en el Shanghái International Film Festival. Ganó el Festival de Cine Inédito de Mérida (FCIM) después de obtener la puntuación más alta en la historia del evento. El 9 de diciembre de 2017, la película ganó el premio Mejor Película Animada en la 30ma edición de los Premios del Cine Europeo en Berlin.
Los realizadores Dorota Kobiela y Hugh Welchman utilizaron una línea narrativa sobre el misterio de la muerte del pintor, para mostrar una deslumbrante propuesta de arte fílmico, que es como un lienzo en movimiento. En esta producción nada importa tanto como la imagen. Ni siquiera la vida de Vincent, quien, por lo demás, ni siquiera es protagonista.La maravilla se encuentra en esta obra maestra de la animación, que pudo ser concebida únicamente por realizadores enamorados del holandés y su fascinante destino trágico, en el que se enlazan amor fraternal y locura. El hechizo por su técnica se encuentra en este insólito film, el primero de su tipo en la historia, que muestra miles de cuadros, cada uno pintado a mano por más de 100 magníficos artistas, que pudieron adentrarse en el prolífico legado pictográfico, y transportarlo a la imagen que adquiere vida.
Toda la historia transcurre en una sobrecogedora atmósfera que repite los trazos furiosos del artista, que pintaba, de acuerdo con la leyenda, en un trance de insanidad y excesiva sensibilidad motivada por un desequilibrio emocional que, según conocedores, se plasma en sus colores sombríos y la crudeza de sus oleos. Vincent Van Gogh (Robert Gulaczyk) creó obras soberbias en el estilo postimpresionista, con una interpretación personalísima del mundo. Es en ese universo de colores palpitantes donde los personajes se sumergen y viven un drama que contiene, en su centro, el misterio sobre la muerte del creador de La noche estrellada. Un año después del deceso, Roulin (Douglas Booth), el hijo del cartero, va a la que fue la última parada del artista, en el sur de Francia. Busca a quién entregar una carta que le había enviado a su hermano Theo, ya para entonces fallecido. En esos días conocer a personas que lo vieron y que fueron sus modelos. Además, se entera de detalles sobre su muerte que, al parecer, no fue producto de un suicidio, como señala la versión oficial, nunca sólidamente confirmada. Los recorridos detectivescos de Roulin son una excelente excusa para que se muestren los cuadros del artista, en su forma original y luego, con movimiento. Los oleos de la naturaleza y los seres humanos vibran, con una mágica sobre posición de imágenes, que expresan una profunda dimensión emocional en esos rostros hechos con pinturas de aceite, con centenares de pequeñas estrías y facciones agresivas, como si los hubiera ensayado el mismo autor desde ultratumba. Pero, aunque la película es un excepcional trabajo de imagen activa, luce accesible únicamente para los iniciados. Cualquiera puede disfrutar del espectáculo del cine mezclado con la pintura, en esta originalísima propuesta, aunque el goce se completa con el conocimiento de la obra total, que muestra los autorretratos, los paisajes, y las personas que conoció y que fueron inmortalizadas por su pincel milagroso. Quien no sepa qué ocurrió con la oreja de Van Gogh probablemente se extraviará en el relato. De cualquier manera, con conocimiento o no de la herencia creativa del holandés, Cartas de Van Gogh es un deleite para los sentidos.
“Loving Vincent (su título en inglés), no es un trabajo más sobre la hiper documentada vida y obra del entrañable pintor, ya que tiene varios valores agregados: estamos ante la primera película pintada al oleo fotograma por fotograma (bajo la técnica rotoscópica, donde se calcó el movimiento de actores reales). Cartas de Van Gogh es una película emotiva y educativa a la vez, enseña y homenajea las pinturas que marcaron una influencia importante en la plástica mundial.” Deidalí Gómez
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Mejor película de animación Es una película casi en el corte del melodrama que habla fundamentalmente de dos cosas: la música y el amor. La música como motor narrativo, como expresión artística y espiritual, como complemento y cómplice. En ella, las melodías juegan un papel unificador y cohesionador, es un pegamento para la historia y para la vida de los protagonistas. Además es la razón de la existencia de los personajes. Por otro lado, un segundo tema se hace presente en la obra de Trueba: el amor, en muchas dimensiones, ya sea de Chico hacia Rita, de ambos hacia la música, el amor eterno que supera los obstáculos y trasciende a la barrera del tiempo; el amor que lucha y persiste hasta encontrar su senda; aquel que existe hacia uno mismo (casi como egoísmo); el patriotismo; pero sin importar la forma en la que se representa, el amor está en los 94 minutos del filme. Además de la historia de amor, cabe destacar el importante momento que retrata la película con respecto al desarrollo del jazz latino. Justo cuando en Nueva York comenzaban los clubes de jazz y muchos músicos cubanos abandonaban su tierra para ir a llenar de música el resto del planeta, es 22
el preciso momento que se vive en esta película. Muchos nombres importantes en el jazz, clubes, intérpretes, músicos, y secuencias con una atmósfera underground y de total libertad musical, llenan la pantalla por momentos, aderezando la historia de amor. No cabe duda que la mancuerna que han formado los realizadores ha sido una unión atinada. Javier Mariscal, que ha realizado una gran y variada cantidad de ilustraciones, identidades, proyectos visuales y muchas otras piezas, ha sido el encargado de darle vida a una Cuba de la que sólo quedan restos segmentados. Cuba se quedó varada en la historia, es una cápsula del tiempo que ha logrado enmarcar ese esplendor y que se plasma a cada segundo de la película. Trueba por su parte le ha regalado una vida única a la película, con una cadencia digna del bolero y el son. El director y escritor de la película ya había coqueteado antes con la música latina, gracias a su documental Calle 54 que fue multigalardonado por su realización y que además se vuelve un documento muy valioso. por la cantidad de talento que reúne. En este lugar, en una época de esplendor, alegría y
Después de este acercamiento y con el apoyo de uno de los mejores músicos cubanos, Bebo Valdés, se puede lograr una banda sonora sólida, armónica y llena de calidad. Su música, especial y única, ha sido interpretada en su mayoría por el mismo Valdés, quien ha sido el modelo de inspiración para Trueba. Es innegable la aportación que tiene esta cinta a la historia de la animación, al musical y a los documentos que muestran un fragmento más en la vida de una Cuba del siglo XX, que aún conserva los vestigios de sus mejores años. Chico & Rita es un homenaje a la música que tres grandes han querido regalarle al mundo, para recordarle que la isla aún existe y siempre vivirá a través de su música. Antes de ver la película, mucha es la expectativa y más aún al pensar en el posible resultado de la unión de una indescriptible banda sonora (producida e interpretada por
Bebo Valdés), una dirección de la mano de Fernando Trueba (Calle 54, 2000) y dibujos creados por uno de los diseñadores y artistas españoles más emblemáticos de los últimos años: Javier Mariscal.
Edicion de pagina por Eduardo Garcia
La combinación de todo lo anterior da como resultado una fiesta de música y amor, que narra una historia común, aderezada con el sabor de los cubanos y la intimidad de una pareja, orquestada con la música popular y las nuevas tendencias del jazz, todo visto a través de un dibujo que se pinta con los colores de las sensaciones y la musicalidad. Retratar a una Cuba esplendorosa y vibrante resulta posible gracias a la utilización de la animación, que aunada a la concepción gráfica y visual ha dado como resultado una película única en su tipo, que llena la vista de trazos y colores. Esta cinta junto con otras como Las trillizas del Belleville (2002), Film Noir (D. Jud Jones, Ritsto Topaloski, 2007) , forman parte de la animación para un público adulto, 23
LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNGAS Una historia que te hará llorar L
a película narra la historia de Seita, un adolescente que trata de proteger a su hermana pequeña Setsuko mientras la guerra se acerca a su fin. Cuando su madre muere en un bombardeo, Seita y Setsuko, incapaces de comunicarse con su padre, almirante de la marina, se refugian en casa de su tía. Pero la convivencia no funciona como a los hermanos les gustaría y se marchan a vivir solos en una cueva. Allí, ambos malviven con el poco dinero que les queda hasta morir de inanición. Takahata nos muestra la muerte de Seita nada más empezar la película, y es su fantasma el que se convierte en narrador de la historia. De un plumazo, se marca el tono inevitablemente trágico de la película y se anuncia que lo importante no está aquí en la trama. Sin embargo, el objetivo de La tumba de las luciérnagas tampoco es instalar al espectador en la desesperanza y regodearse en ella durante hora y media. Takahata evita este peligro trabajando con dos 24
realidades en constante conflicto. Todos los esfuerzos de Seita están encaminados a evitar que su hermana de cuatro años sufra: le oculta la muerte de su madre, decide abandonar la seguridad de la casa de su tía cuando Setsuko comenta que no le gusta y busca comida desesperadamente para alimentarla y mantenerla viva. Así, el joven va construyendo una realidad en la que solo existen su hermana y él, apartados del mundo y de la guerra. Cuando los dos van a la playa a jugar y bañarse, él impide que su hermana mire a un cadáver oculto entre dos barcas, de la misma forma que la entretiene haciendo ejercicios en una barra en el momento en que la niña se entera de que su madre está enferma.
Imágenes por: Eduardo Garcia
Mirada solo desde esta perspectiva, La tumba de las luciérnagas podría ser un sentido melodrama sobre los esfuerzos de un joven por preservar la inocencia de su hermana. El resultado no estaría muy lejos del de La vida es bella (La vita è bella, Roberto Benigni, 1997), pero la mirada de Takahata es mucho más compleja que la de Benigni, y también más cruel (u honesta). Al mantener el foco narrativo férreamente clavado en Seita, la película nos permite ver lo que el chaval ve, ese Japón en ruinas, pero también sus fantasías. Seita sueña con volver a la época anterior a la guerra, volver a estar protegido bajo la sombra de su cariñosa madre y la imponente figura paterna, ese almirante al que solo se muestra erguido como un palo y uniformado, militar antes que padre. Es a esta época a la que hace referencia cuando, en mitad de la noche, se despierta canturreando una canción bélica que habla sobre aplastar al enemigo. Al terminar una estrofa, Seita juega a ametrallar a sus enemigos mientras imita el ruido de las balas con la boca. Es en este momento, con un gesto muy sutil, cuando Takahata nos indica que no hemos estado viendo lo que creíamos. Cuando Seita vuelve a tumbarse y se acurruca junto a su hermana buscando algo de calor humano, ella le echa quejándose de que no le deja dormir. Entonces se hace evidente hasta qué punto Seita necesita a Setsuko mucho más que la hermana a él.
“La novela comienza en el instante en elque el protagonista,Seita, agoniza en la estación de ferrocarril de Sannomiya, en medio de sus propios excrementos y ante la mirada impávida de los transeúntes” Este muchacho que anhela volver al Japón glorioso que iba a poner de rodillas a sus enemigos y conquistar el mundo está usando a su hermana como escudo para negar la realidad que le rodea, le oprime y le entristece hasta niveles que es incapaz de procesar. Pero Takahata se asegura de que este acto de negación no esté reñido con el amor que Seita siente por Setsuko, trabajando siempre con esa dualidad que mencionaba Kurosawa. La tumba de las luciérnagas es tanto la historia de un país sumergido en el proceso de duelo de su fantasía belicista como la de dos hermanos que luchan por seguir juntos, seguir vivos y seguir queriéndose. La tumba de las luciérnagas es una de las primeras películas de animación japonesa que busca el realismo en la representación de Japón (algo que tradicionalmente se consideraba de mal gusto, como veíamos en relación a La princesa encantada), alcanzando unas cotas de extremo detalle en la construcción de los escenarios. Al mismo tiempo, es también pionera en usar contornos marrones para los dibujos en lugar del tradicional negro, lo que dota a la película de un aspecto más suave, menos agresivo. Para asegurarse de que el mundo secreto de los niños y el de la realidad bélica se mantienen separados, Takahata elabora con música el primero mientras mantiene un estricto silencio en la segunda, una estrategia que va poco a poco rompiendo para indicar que la tragedia ya no puede ser contenida y se cuela por las cada vez más grandes grietas de la fantasía de Seita. Todo esto favorece una atmosfera en la que se integra un realismo poco común con un aire de ensoñación que en ocasiones se torna pesadillesco.
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Ghost In The Shell El vigilante del futuro Ghost in the Shell es una de las franquicias más populares no solo de su casa productora, Production I.G, sino también de la industria de la animación japonesa de todos los tiempos. Junto con Akira, Ghost in the Shell es uno de los clásicos de género ciberpunk más reconocidos e influyentes de la historia. En 1995, luego de su gran éxito con la franquicia Patlabor, Mamoru Oshii consiguió su consagración como director de culto al dirigir su obra cumbre: Ghost in the Shell. Con el guión de Ito Kazunori -también involucrado en la franquicia Patlabor y en el primer borrador del guión de Nausicaä -, Oshii se encarga de llevar el concepto del conocido manga de Masamune Shirow a la pantalla, marcando un punto cúspide en su carrera, logrando obtener grandes críticas y especial reconocimiento por parte de todo occidente. Y no es para menos. Ghost in the Shell hace gala de una dirección exquisita e impecable, siendo una experiencia visual de primera calidad que acompaña a una historia intrigante y demandante. En un mundo donde la dependencia tecnológica a llegado a niveles impensados, Ghost in the Shell nos trae el primer acercamiento a un mundo donde la delgada línea entre el humano y la máquina parece difuminarse lentamente. La gran preocupación por la pérdida de una humanidad que es comprimida por una acelerada evolución tecnológica de la cual dependemos a niveles insospechados. 26
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host in the Shell se desarrolla en una sociedad cada vez más computarizada, donde cada vez más los humanos empiezan a depender de la tecnología. Los cuerpos empiezan a ser remplazados por partes mecánicas, y los cyborgs son cada vez más comunes. La mayor Kusanagi, el personaje principal de la franquicia, es uno de estos cyborgs. Su cuerpo es totalmente robótico y solo su cerebro humano, siendo este hecho lo que abre la película, ya que es su naturaleza lo que va a llevar a cuestionar su humanidad. Ella forma parte de una unidad de la policía encargada de los crímenes informáticos, la cual se va a topar con uno de los criminales más peligrosos de la época: el “Puppet Master” – o Maestro de Marionetas. Un hacker, que gracias a esta nueva mixtura entre lo robótico y lo humano, es capaz de hackear la mente de humana y robar información o alterar recuerdos. Es en este contexto que se desarrolla la búsqueda por este enemigo, el cual despierta nuevas interrogantes sobre la humanidad real de los cyborgs. ¿Qué es un ser humano? ¿Qué es el alma? ¿Qué me conforma como individuo? La película tiene esa melancolía, reflexión sobre el ser, esas frases espectaculares para reflexionar sobre varios temas. Sin lugar a duda una trama que desborda en significados que, si bien dada su corta duración, no desarrolla todo el abanico de posibilidades que tiene, logra un caldo de cultivo interesante para desarrollar como franquicia. Entrar sin saber nada de la franquicia a la película dificultó un poco mi entendimiento de la película, en su totalidad, pero con una segunda y hasta tercer revisión esta empieza a tomar más y más forma. Es una película que ha envejecido bien, es como un buen vino, tanto por su apreciación técnica como por su planteamiento argumental que está más vigente que nunca.
“Tratando de ganar tu libertad has terminado siendo prisionero y tal vez nosotros estemos en la misma situación” Los dos grandes personajes de la película son la mayor Kusanagi, como eje central del argumento filosófico que conforma el corazón de la trama. Es en realidad ella quien guía toda la película y en la que se centra el aparato argumenta y de evolución de personaje. Mientras que por otro lado, el “Puppet Master” va a ser quien sirva para desarrollar más la complejidad de la vida humano-cibernética, trayendo más reflexiones sobre lo que es o no es estar vivo, aunque todo relacionado a Kusanagi como personaje. Si bien creo que también Batou logra ser un personaje secundario-principal interesante, este en realidad solo tiene un par de escenas que sirven en tanto están relacionadas con Kusanagi como el eje, siendo bastante dejado de lado pese a mi interés por saber más de él. Si bien hubiese sido interesante poder profundizar un poco más en la unidad completa de Kusanagi y también en el mundo en el que se desenvuelve a través de todos los líos políticos que se entrecruzan con el caso, quedo complacida con cómo se retrata el problema a través de ella como centro. 27
No solo creo que la calidad de animación es espectacular, tanto que para los estándares actuales sigue siendo impecable, sino que lo que le da validez total al despliegue de talento visual es la dirección que Ghost in the Shell tiene para transportar todos nuestros sentidos al año 2029 donde la humanidad empieza a ser cuestionada por la cyborg-ización de la sociedad. La calidad del detalle en cada una de las escenas es una delicia que sumada al planteamiento escenográfico lo deja a uno deslumbrado por el talento del equipo de animación. Cada toma que se tiene, cada pequeño detalle que está en la película tiene un significado y un porqué de estar allí, y por ello ver la serie reiteradas veces se conforma siempre como una nueva experiencia para el espectador, el cual no hace más que seguir nutriéndose de la narración visual que tiene la película. Ghost in the Shell (1995) es una obra de arte animada y tiene un puesto bien merecido como obra de culto. Al verla uno pareciese estar viendo una dirección dada para artistas de carne y hueso, la cual deslumbra por si sola. Uno de los aspectos más destacables y recordados de esta cinta es, sin duda, su apartado visual. El estudio Production I.G realizó un trabajo sobresaliente en animación. Incluso en la actualidad resulta del todo admirable, por ejemplo, contemplar la maravillosa recreación de las escenarios futuristas. Los set-pieces de acción son espectaculares y los movimientos de los personajes resultan de lo más naturales y orgánicos. La música, por otro lado, es ciertamente maravillosa. Las notas de Kenji Kawai te transportan a otro mundo y te dan una sensación entre extraña y placentera. Justo como la película. Edicion por Juan Pérez.
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WALTZ WITH BASHIR
La película toma el título de una escena de la misma, en la que el Shmuel Frenkel, el comandante de la unidad de infantería, coge una ametralladora MAG y baila disparando contra los francotiradores que habían rodeado a su unidad en una calle llena de carteles del político libanés Bashir Gemayel.
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Es una película de animación, pero es también un documental. Es una película de animación documental que incluye también imágenes, cómo llamarlas, ¿reales?, ¿documentales? Llamémoslas “de archivo” no animadas. Es una película documental de animación cuya propia realización es parte fundamental del relato. Es también una película documental de animación que narra los intentos de un ex miembro de las fuerzas militares israelíes por recuperar la memoria de su presencia en el ataque al Líbano en 1982, específicamente en la invasión conocida como la “masacre de Sabra y Shatila”. Si bien la matanza fue perpetrada por miembros de un grupo cristiano armado libanés, ésta fue llevada a cabo gracias a la complicidad y anuencia de la milicia israelí que controlaba los campos de refugiados invadidos. Es, entonces, desde esta perspectiva, la mirada del victimario, del atacante, que intenta entender, que no justificar, qué hacía allí y cómo.
A mediados de los años ochenta, después de hacer la mili en el ejército israelí, hizo realidad un sueño, el de dar la vuelta al mundo. A las dos semanas de marcharse y en el segundo país, se dio cuenta de que no era lo suyo. Se instaló en una pensión del sudeste de Asia y empezó a escribir cartas a sus amigos en las que se inventó una vuelta al mundo. La experiencia le convenció para estudiar cinematografía. Su película de fin de curso, Comfortably Numb (1991), en la que cuenta de forma cómica y absurda la experiencia de sus amigos y parientes durante los ataques de los misiles iraquíes en la Guerra del Golfo, ganó el Premio al Mejor Documental del Año. Entre 1991 y 1996 realizó varios documentales para la televisión israelí, sobre todo en los territorios ocupados. En 1996 escribió y dirigió Clara Hakedosha (Santa Clara), un largo basado en una novela del escritor checo Pavel Kohout. La película fue galardonada con varios premios en Israel, Mejor Película y Mejor Director, entre otros. También ganó el Premio del Público en el Festival de Berlín. A continuación realizó varias exitosas series documentales y un segundo largo de ficción, Made in Israel (2000), un cuento futurista acerca de la búsqueda del último nazi. Su primera incursión en el mundo de la animación surge con la serie documental “The Material That Love is Made of” (2004). En los tres primeros minutos animados de cada capítulo, unos científicos exponen sus teorías acerca de la evolución del amor.
En junio de 1982, el ejército israelí invadió el sur del Líbano como represalia por los continuos bombardeos infligidos a las poblaciones del norte de Israel desde aquel país. El gobierno israelí pensaba ocupar una franja de seguridad de 40 kilómetros, impidiendo así que los misiles palestinos alcanzasen Israel. Pero Ariel Sharon, el entonces ministro de Defensa israelí, desarrolló un plan tan imaginativo como fantástico: se trataba de ocupar Líbano hasta el mismo Beirut. Eso permitiría a su aliado cristiano Bashir Gemayel convertirse en presidente del Líbano, así como erradicar la amenaza al norte de Israel y consolidar sus posiciones contra Siria, país fronterizo con Líbano y que Israel siempre ha considerado como su peor enemigo. El gobierno aprobó una penetración de 40 km de profundidad, pero el ejército israelí se lanzó hacia Beirut. A la semana habían tomado Líbano y estaban a las afueras de Beirut. Pero entonces surgieron varias preguntas: ¿Qué hace el ejército en una capital extranjera, lejos de su casa? ¿Por qué mueren soldados israelíes a diario en acciones bélicas que poco tienen que ver con la protección de la frontera norte de Israel? El paralelismo con la guerra de Vietnam era inevitable.
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