Revista ACCION Agosto 2016 by jonasbernardo

SUMARIO

Nº 1608

72 COLABORADORES: Alfonso Alarcón, Santiago de Bernardo, Nicolás Carrasco, Sergio Hardasmal, Miguel Juan Payán, Jesús Martín, Juan Carlos Paredes, Juan S. Mas, Jesús Usero. FOTOGRAFIAS: Disney, EOne Films, Filmax, Hispano FoxFilm, Manga Films, Paramount, Sony Pictures, Tri Pictures, Universal, Vertigo, Warner Bros REDACCION Y ADMINISTRACION: C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 486 20 80 - Fax. 91 643 76 55 e-mail: redaccion@accioncine.es DIRECTORA PUBLICIDAD Y MARKETING: S. Román PUBLICIDAD: C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 279 93 58 - Fax. 91 643 76 55 e-mail: publicidad@accioncine.es SUSCRIPCIONES: Rosa Ruiz C/ La Higuera, 2-2ºB - 28922 Alcorcón (Madrid) Tel 91 486 20 80 - Fax. 91 643 76 55 e-mail: pedidos@accioncine.es www.accioncine.es DISEÑO Y MAQUETACION: Toralba EDITA: Norea y Aloman Ediciones S.L. IMPRIME: RIVADENEYRA

©Fotografía póster El ministerio del tiempo: Tamara Arranz

DISTRIBUYE: S.G.E.L. DEPOSITO LEGAL: M-9520-2012 ISSN: 2172-0517 Precio para Canarias y aeropuertos 3,65 € (Incluida Tasa Aérea) Impreso en España Printed in Spain

PROXIMOS ESTRENOS 18 72 74 76 77 78 79 80 81

ENTREVISTAS 12 14 16 66 68 70

Escuadrón suicida Star Trek. Más allá Nerve Al final del túnel Cuerpo de élite Cazafantasmas Cafe Society Mascotas Malas madres

COLECCIONABLES 33 45 53 55 57 59

TELEVISIÓN 41 43 90 92 94 96

Matt Damon Alicia Vikander Jai Courtney Clara Lago Leonardo Sbaraglia Chris Pine

Ilustración Star Wars© portada y póster ©Sergio Iniesta Fotografía portada Frank Ockenfels Fotografía portada Copyright: © Warner Bros. Entertainment Inc. https://www.facebook.com/sergioiniestaart

DIRECTOR: Héctor Alonso

Fichas actores Ficha serie TV: Vigilados Entrevista Kate Mulgrew Peaky Blinders Outcast Noticias TV

Fichas críticas Coleccionable actor clásico: Lee Marvin Ficha película mítica: Star Trek Ficha actor clásico: Bud Spencer Fichas películas clásicas Terrormanía

SECCIONES FIJAS 4 6 8 10

CARTEL-MANÍA 28 Magia en el cine 61 Carteles Western XXVIII SOBRE LOS COLECCIONABLES Encontraréis al centro de la revista los pósters. Si arrancáis éstos os encontraréis con las fichas en papel más grueso que está distribuido para que también se pueda separar de la revista. Lo mismo sucede con el coleccionable de ACTORES, se puede separar sin afectar al resto de la revista. Aunque para algunos pueda resultar liosa esta distribución, está pensada para poder coleccionar diferentes partes de la revista.

Hollywood Noticias Furia oriental Mundo fantástico

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CONTROLADO Nota de la redacción: ACCION es una revista abierta a todas las opiniones por lo que no necesariamente se indentifica con las de sus colaboradores. Reservados todos los derechos: esta publicación no puede ser reproducida, ni total, ni parcialmente. Como tampoco registrada en, o transmitida por, un sistema de recuperación de información, en ninguna forma ni por ningún medio, sea mecánico, fotoquímico, electrónico, magnético, electroóptico, por fotocopia, o cualquier otro, sin el permiso previo por escrit o de la editorial.

Iván

Sergio

Jesús

Héctor

Miguel

Juan Carlos

Santiago

Javier

CRÓNICA

CINE ORDEÑADO, SUPERHÉROES AGOTADOS Y MUERTOS VIVIENTES: ¡HAIL HYDRA! “Considerada así desde la muerte, la vida es sin duda producción de cadáveres”. Así lo afirmaba el filósofo marxista Walter Benjamin. Tras leer eso he rumiado mi propia teoría sobre el paisaje del audiovisual en nuestros días. Quizá a algunos lectores les va sorprender que haya escrito lo que viene a continuación, pero les prometo que no me ha poseído ningún demonio que no tuviera ya dentro desde hace tiempo (he pasado lista antes de escribir esto y están los mismos ocupas de siempre). Soy el mismo aficionado al cine de entretenimiento y evasión de siempre y, que yo sepa, no he sido abducido por ningún extraterrestre profanador de orificios a base de sonda. Pero quiero compartir con ustedes lo que el otro día comentaba con Telly Chavalas, mi compinche de aficiones cinéfilas y comiqueras: ¡empiezo a estar harto de superhéroes en el cine! ¡Estoy harto de franquicias y películas en cadena! Me agotan. No me importa, incluso aplaudo, que haya unas cuantas historias seriadas en el cine. Pero lo que está pasando ahora es pura locura que me hace pensar con nostalgia en aquellos tiempos ya cada vez más lejanos en los que la única franquicia de personajes que se asomaba a la cartelera era la del agente 007 con licencia para matar. Visto el paisaje audiovisual de nuestros días sospecho que a la hora de convertir sus propuestas en franquicias y contarlas por episodios la industria del cine ha creído seguir el camino de otros dos medios en los que tal estrategia se ajusta y funciona mejor –el cómic y la televisión–, pero en realidad se ha despertado en una pesadilla en la que está acercándose cada vez más a la serialización según se aplica en el lenguaje informático. Es decir: toman un objeto (personaje, historia, universo de ficción) y generan una secuencia de bytes preparada para ser almacenada o transmitida, de manera que mediante el posterior proceso de deserialización se pueda reconstruir el estado original del objeto. La deserialización sería el visionado de la película por parte del espectador, pero también esa numerosa colección de teaser, tráiler y materiales audiovisuales variados que acompañan, desde el exceso, el lanzamiento comercial de una película de la que ya lo sabemos casi todo antes de haber puesto nuestras posaderas en la butaca. Ese proceso de serialización y deserialización es una herramienta esencial para el lenguaje informático pero en lo referido al lenguaje audiovisual tiene abismales desventajas respecto a cómo se conciben las historias fragmentadas del cómic o las series de televisión. Aplicada al cine da como resultado el taylorismo de repetición fabril a la caza y captura del taquillazo que está matando muchas buenas ideas en el cine y lo está privando de esa magia esencial que debe acompañar a toda creación artística, por mucho que su objetivo sea llevar al mayor número posible de gente a pasar por taquilla. No tengo problema alguno con nuestra traducción actual del cine como heredero de los espectáculos de “pan y circo” que inventaron los romanos con sus peleas de gladiadores, naumaquias y desayuno de campeones para leones y otras fieras a base de mártires. Pero me gustaría que tuvieran un poquito más de talento creativo, imaginación y osadía, en lugar de vivir del refrito, la franquicia, la recreación (remake), el reinicio (reboot), el derivado (spinoff)... Por cierto, ya que estamos en esto de llamar a las cosas por su nombre convendría empezar a utilizar términos del castellano.

ACCIÓN

El segundo asunto que se me ocurre es que los superhéroes ya han muerto o están en ello, y los efectos secundarios de su segundo ciclo de vida en el cine están siendo devastadores. Algunos rumores hablan de una especie de guerra civil entre cine y cómic a la que acusan de los drásticos cambios de personajes clásicos que se están produciendo en las viñetas. ¿Será por eso que de repente el Capitán América es un agente de Hydra? Luego han reculado, pero se montó un buen zafarrancho de combate entre los seguidores del personaje con amenazas de muerte incluidas. Yo me lo tomé a chufla, tiré por el camino de Nietzsche y me compré una camiseta de Hydra para celebrarlo. Hail Hydra! ¡Corta un miembro y dos más ocuparán su lugar! ¿Y qué me dicen de Thor convertido en fémina? ¿Y de Iron Man, que en el último relanzamiento del personaje es una adolescente afroamericana de quince años? Dicen que es un esfuerzo por defender la diversidad, pero teniendo en cuenta que Iron Man ya había sido afroamericano cuando la armadura empezó a llevarla James Rhodes mientras que un alcohólico Tony Stark se bebía hasta el agua de los floreros (número 170, publicado en mayo de 1983), esto me suena más a huida hacia adelante a la caza de nuevos lectores… con riesgo de perder a los seguidores veteranos del personaje que ya tenían en el bote. La desesperada búsqueda de lo comercial por encima de todo es uno de los efectos secundarios de vivir en un bucle de crisis económicas. Hay más miedo que vergüenza. Por ejemplo, las productoras apuestan por el tráiler como herramienta promocional y nos destripan las películas, pero una firma de expertos en analizar el márketing tecnológico, RadiumOne, afirma que representan menos de una cuarta parte de los contenidos compartidos por la audiencia en las redes sociales, un 25 por ciento, superado por el 27 por ciento de comentarios que generan las críticas, aunque todavía por encima del 13 por ciento que ocupan los comentarios sobre el reparto. El último dato es significativo porque muestra cómo los actores parecen haber ido perdiendo el poder de convocatoria que poseyeron en otros tiempos frente a la invasión de franquicias e icónicos personajes del cómic, aunque inevitablemente sigan siendo una de las claves de la explotación del cine como máquina de evasión. Quizá por eso William Shatner asistirá a la Comic-Con para promocionar la nueva serie de Star Trek mientras el señor Hikaru Sulu interpretado por John Cho en Star Trek: más allá se etiqueta como el primer personaje gay en una franquicia cinematográfica; el reparto de Aliens celebrará en la Comic-Con el 30 aniversario de la película; Samuel L. Jackson sostiene que Mace Windu no murió en La venganza de los sith y que George Lucas está de acuerdo con la idea; JeanClaude Van Damme vuelve para Kickboxer: Retaliation y Steven Seagal y Dolph Lundgren se alían para protagonizar Deadly Arsenal, mientras Margot Robbie hace promoción de Suicide Squad describiendo el sistema de combate de Harley Quinn… y John Carpenter, director y maestro del terror, reivindica a los clásicos del asunto y de paso le arrea un palo a esa fiebre de reciclaje intensivo y falta de novedad de la que hablo, afirmando sobre la serie The Walking Dead: “Esa era una película que George A. Romero realizó en 1968. Han ordeñado eso y todavía lo siguen ordeñando”. No se puede decir más claro. Miguel Juan Payán

NOTICIAS

RODAJES • PROYECTOS • RUMORES Justin Lin director de Akira

FECHAS ESTRENOS 29 de julio Jason Bourne Los principios del cuidado Malas madres Zipi y Zape y la Isla del Capitán Tallulah

5 de agosto Escuadrón suicida Mascotas Regreso a casa (Coming home)

12 de agosto Al final del túnel Black Cazafantasmas El caso Fischer Nerve

19 de agosto La estación de las mujeres Los visitantes la lían Peter y el dragón Secuestro Star Trek: Más allá

26 de agosto Café Society Cuerpo de élite Kubo y las dos cuerdas mágicas La fiesta de las salchichas

Nota de la redacción: La fecha prevista de estreno está facilitada por las distribuidoras al cierre de la edición, y puede variar en función de la programación de las mismas.

ACCIÓN

Al director que convirtió la saga de Fast and Furious en una franquicia taquillera, Justin Lin, no le faltan “novias” ni nuevos encargos con los que llenar su agenda. Además de estar a punto de estrenar Star Trek: más allá, Lin tiene en cartera una película de artes marciales sobre el templo de Shaolin todavía sin título, la secuela del spin-off de la saga de Jason Bourne protagonizado por Jeremy Renner, la secuela de Space Jam protagonizada por LeBron James… y ahora encima Warner le ha señalado como su favorito para llevar al cine, en imagen real, la adaptación de Akira, un puesto que previamente han ocupado directores como Stephen Norrington o Jaume Collet-Serra.

Death Note, de Netflix Netflix comenzó el pasado 7 de julio el rodaje de su próxima película original, Death Note, de Adam Wingard, que se rodará en Canadá y Estados Unidos y protagonizan Nat Wolff (Ciudades de papel, Bajo la misma estrella), Margaret Qualley (Dos buenos tipos, The Leftovers) y Shea Whigham (Agente Carter, Boardwalk Empire). Se trata de la adaptación de la célebre serie de manga japonesa escrita por Tsugumi Ohba y Takeshi Obata, y el argumento gira en torno a un estudiante de instituto que encuentra un cuaderno con poderes sobrenaturales cuyo poseedor puede provocar la muerte de aquella persona de la que escriba el nombre e imagine su cara. Seducido por este poder, el joven empieza a matar a aquellos que cree que no son dignos de seguir viviendo. Los productores del largometraje, Roy Lee y Dan Lin, se han marcado el objetivo de “lanzar esta cautivadora historia para que tanto sus fieles seguidores como la audiencia global conociera esta oscura obra maestra. El talento y la diversidad quedan reflejados en reparto, guion y producción. Estos equipos denotan nuestra intención de mantener la esencia de la historia y su relevante concepto moral, un tema universal que no conoce barreras”. El estreno está previsto a nivel mundial en el canal Netflix para 2017.

Nuevo proyecto para Leonardo Dicaprio con Netflix Leonardo DiCaprio participa como productor en un nuevo proyecto con Netflix. Se titula The Outlaw Ocean y es una intriga de acción basada en una serie de seis artículos escritos por Ian Urbina, periodista de investigación, publicados en The New York Times Magazine, basados en la historia real de un equipo de vigilancia empeñado en la caza de un barco pesquero fugitivo durante 110 días. Se trata de uno de los casos más célebres de delincuencia y violencia en aguas internacionales.

Jim Carrey se pasa al terror La propuesta es interesante: Eli Roth como director y Jim Carrey como protagonista en Aleister Arcane, adaptación de la novela gráfica del mismo título publicada en 2004, obra de Steve Niles, que ya vio adaptado al cine su comic 30 días de noche. El proyecto de Aleister Arcane lleva más de una década dando vueltas por las mesas de los estudios de Hollywood. Su argumento gira en torno a un icónico presentador de un programa de terror en una televisión local, Aleister Arcane, el papel que interpreta Carrey, que de repente ve cómo su vida cambia cuando los padres de sus espectadores más jóvenes le obligan a dejar de emitir y tiene que adaptarse al paro, hasta que una sucesión de acontecimientos inexplicables se suceden en la localidad, fruto de una maldición a la que tendrá que enfrentarse.

Scott Eastwood en Pacific Rim 2 Scott Eastwood, el hijo de Clint, que puede ser una de las sorpresas de Suicide Squad, está en conversaciones para ser uno de los protagonistas de Pacific Rim 2, que se titulará Pacific Rim: Maelstrom y ya tiene fecha confirmada de estreno: 23 de febrero de 2018, según han anunciado Universal y Legendary Pictures. Eso significa que la película llegará a la cartelera una semana después de la de Pantera Negra y una semana antes de que Jason Statham presente su odisea marina con un tiburón prehistórico en Meg (Megalodon), una agenda de estreno que nos va a tener a todos los frikazos aficionados al cine muy ocupados. Jon Boyega será uno de los protagonistas de la secuela interpretando el papel del hijo del personaje que encarnó Idris Elba en la primera película. Su director será Steven S. DeKnight (director de las series Spartacus y Daredevil), Guillermo del Toro se queda como productor, y se presentará nuevo armamento y una ampliación del universo de los robots gigantes y los kaijus monstruosos. Pero además todo indica que Scott Eastwood va a añadir esta secuela a su lista de próximos trabajos, además de aparecer en la nueva peripecia de Fast and Furious y en Live by Night, lo próximo de Ben Affleck como director.

Idris Elba debuta como director Yardie es el título de la primera película de Idris Elba como director. Se trata de la adaptación de la primera novela de Victor Headley, publicada en 1992, y gira en torno al tráfico de drogas y el crimen organizado en el Londres de 1980. El argumento parte del personaje de D, un correo que lleva cocaína de Jamaica a la ciudad inglesa y desaparece en las calles con un kilo de polvo blanco que sus propietarios están empeñados en recuperar a cualquier precio y caiga quien caiga. De momento no hay reparto confirmado.

NOTICIAS

RODAJES • PROYECTOS • RUMORES

AGENDA 16/09/16 30/09/16 07/10/16 14/10/16 21/10/16 28/10/16 04/11/16 11/11/16 18/11/16

Ben-Hur Los Siete Magníficos Gambit Inferno Jack Reacher: Never Go Back Underworld 5 Doctor Extraño Sinister Six Animales fantásticos y dónde encontrarlos 16/12/16 Star Wars Anthology: Rogue One 30/12/16 Passengers 13/01/17 Power Rangers 10/02/17 Cincuenta sombras más oscuras 10/02/17 The Lego Batman Movie 03/03/17 Wolverine 3 10/03/17 Kong: Skull Island 17/03/17 Beauty And The Beast 31/03/17 Los Pitufos 31/03/17 Ghost In The Shell 14/04/17 Fast & Furious 8 05/05/17 Guardianes de la Galaxia 2 30/05/17 Alien: Paradise Lost 02/06/17 Wonder Woman 09/06/17 World War Z 2 07/07/17 Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales 07/07/17 Spider-Man: Homecoming 13/07/17 Los 4 Fantásticos 2 14/07/17 War for the Planet of the Apes 21/07/17 Dunkirk 28/07/17 Spider-Man 28/07/17 Transformers 5 04/08/17 Cars 3 11/07/17 Jungle Book 03/11/17 Thor: Ragnarok 17/11/17 La liga de la justicia 01/12/17 Spider Woman 15/12/17 Star Wars: Episodio VIII 09/02/18 Cincuenta sombras más liberadas 16/02/18 Black Panther 16/03/18 The Flash 04/05/18 Avengers: Infinity Wars-Part 1 25/05/18Han Solo Star Wars Anthology Film 08/06/18 Jurassic World Sequel 08/06/18 Godzilla 2 15/06/18 Toy Story 4 22/06/18 Transformers 6 06/07/18 Ant-Man and the Wasp 27/07/18 Aquaman 19/10/18 El libro de la selva: Orígenes 01/12/18 The Amazing Spiderman 3 08/03/19 Captain Marvel 05/04/19 Shazam 03/05/19 Avengers: Infinity Wars-Part 2 14/06/19 La liga de la justicia 2 21/06/19 Los Increíbles 2 28/06/19 Transformers 7 05/07/19 The Incredibles 2 19/07/19 Indiana Jones 5 03/04/20 Cyborg 29/05/20 Godzilla vs. Kong 19/06/20 Green Lantern Nota de la redacción: Son fechas previstas de estreno que pueden sufrir cambios de programación.

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Jon Boyega a las órdenes de Kathryn Bigelow A Jon Boyega se le acumula el trabajo. Además de cazar kaijus con los jager de Pacific Rim y recorrer las galaxias le ha fichado Kathryn Bigelow (En tierra hostil, La noche más oscura) para que se una al reparto de su película sobre los disturbios raciales de Detroit que tuvieron lugar en 1967. La película cuenta con guion de Mark Boal (colaborador de la directora en las dos películas citadas), que se centra en el motín de la calle 12, que empezó con una redada policial en un bar sin licencia y acabó convertido en uno de los disturbios más brutales de la historia de Estados Unidos, con 43 personas muertas y más de mil heridos.

Tom Hardy, reportero de guerra El protagonista de Mad Max: furia en la carretera no sale de una guerra –la Segunda Guerra Mundial de Dunquerque bajo la dirección de Christopher Nolan–, cuando ya está metido en otra. En uno de sus próximos trabajos, Tom Hardy encarnará a un famoso fotógrafo de guerra, Don McCullin, en una película que se basa en las memorias de este célebre reportero gráfico, tituladas Unreasonable Behavior. En ellas cuenta su recorrido vital desde un barrio y una familia pobre de Londres en plena Segunda Guerra Mundial hasta convertirse en uno de los más célebres fotoperiodistas trabajando para el Sunday Times desde finales de los sesenta hasta primeros de los ochenta. Su profesión le llevó a conocer y fotografiar las guerras de Vietnam, Camboya, Biafra, Uganda. El guion de la adaptación al cine es de Gregory Burke (71).

Peter Jackson, Steven Spielberg y George Lucas La alianza entre Peter Jackson y Steven Spielberg no se ha roto. Jackson sigue siendo el director encargado de llevar la segunda aventura de Tintín a la pantalla grande, pero parece que Spielberg no tiene prisa por poner en marcha esa secuela. Al menos, eso cabe deducir de sus últimas declaraciones a un medio de comunicación neozelandés, en las que asegura que Jackson estará en Tintín 2, pero actualmente no trabaja en esta película sino en un proyecto muy secreto para la compañía de Spielberg. El director de Tiburón asegura que cuando acabe esa otra película, Jackson se ocupará de dirigir la secuela del personaje creado por Hergé. Por otro lado, Spielberg ha anunciado que para la próxima película de Indiana Jones no solo contará con Harrison Ford como protagonista y John Williams como director, sino que todo el cuarteto de mosqueteros que crearon la saga del intrépido arqueólogo estará completo y George Lucas participará en la película como productor ejecutivo, apuntando: “Yo nunca haría una película de Indiana Jones sin contar con él. Eso sería una locura”. Lo que sí parece una locura es lo que ha declarado el productor Frank Marshall, quien afirma que el nuevo largometraje de la saga es una continuación de Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal. Por otra parte, el presidente de Disney, Bob Iger, ha declarado en una entrevista con The Hollywood Reporter que Indiana Jones 5 no será una película aislada, aunque no esperan construir un universo en torno al arqueólogo al estilo del que ya están desarrollando en Star Wars.

Underworld Blood Wars retrasada La quinta entrega de la saga de Underworld iba a estrenarse el próximo mes de octubre, pero ha sido retrasada hasta el 6 de enero de 2017 para los cines norteamericanos, una especie de regalo de reyes atrasado para los seguidores incondicionales de la vampiresa guerrera interpretada nuevamente por Kate Beckinsale. En Europa la película no verá la luz hasta un mes más tarde, metidos ya en la cuesta de febrero. El reparto se completa con Charles Dance, Lara Pulver y Theo James. Dirige Anna Foerster, que procede del mundo de los efectos visuales (Pitch Black, Independence Day, El día de mañana, Godzilla…) pero tiene experiencia como directora en series de televisión como Mentes criminales, Imborrable y Outlander. Foerster está en pleno proceso de paso al largometraje como directora y tiene en agenda la secuela de Código fuente y la película de intriga futurista Secret Hunter, basada en el libro de Ranulph Fiennes, en torno a una conspiración neonazi.

Más noticias sobre Cificom 2016 En este número de agosto, os traemos el siguiente invitado confirmado para CIFICOM 2016; Angus MacInnes, un actor inglés con una extensa carrera en cine y televisión desde 1975. Ha intervenido en La guerra de las galaxias, Superman II, Juez Dredd, Hellboy, Capitán Phillips y en la serie de TV Vikingos entre otras muchas interpretaciones tras varias décadas. Como véis, nos puede estar contando anécdotas y experiencias sin parar. Todavía puedes adquirir en venta anticipada las entradas para el IV salón de cine, ficción y coleccionismo de España CIFICOM, en Valencia los días 8 y 9 de octubre.

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Transformers: The Last Knight Michael Bay prosigue la explotación de la franquicia de los robots transformables nuevamente con Mark Wahlberg al frente del reparto del quinto largometraje de la saga y haciendo un fichaje de lujo para el reparto como es el de Anthony Hopkins. Además recupera a dos actores vinculados a la saga desde su principio: Josh Duhamel para el papel del coronel William Lennox y Tyrese Gibson como Robert Epps. Ambos eran fijos en la saga en las tres primeras entregas y ahora se explicará que pasó con ellos durante los acontecimientos narrados en la cuarta. De este modo, Michael Bay completa la maniobra para quitarse de encima la clave de aventura adolescente de la primera trilogía, representada por el personaje de Shia LaBeouf, que además se le estaba quedando ya algo crecidito para la peripecia, y lo sustituye definitivamente por Wahlberg. La otra novedad en el elenco humano del largometraje es el fichaje de la británica Laura Haddock en el papel femenino protagonista. La actriz, casada con Sam Claflin, protagonista de Antes de ti, ha destacado en televisión en las series Da Vinci’s Demons interpretando a Lucrezia Donati, y Luther, donde dio vida a Megan Cantor, interpretó el breve papel de la madre de Peter Quill en Guardianes de la galaxia y esta es su primera oportunidad para destacarse en una superproducción. Pero el productor y director ha anunciado además novedades en lo referido al reparto robótico del proyecto, como la incorporación de un nuevo transformer para esta nueva entrega, Squeeks, que presentó con una foto en un tuit, aparentemente ejerciendo el papel de mascota cómica acompañante de los protagonistas humanos. La quinta entrega sigue además la tradición de proponer cambio de vestuario para uno de los personajes favoritos de la franquicia y contará con un renovado Bumblebee Camaro de General Motors. Los rumores afirman que además The Last Knight podría dar pistas del argumento de la próxima película de Bumblebee en solitario, cuyo estreno está previsto para el año 2018.

FURIA ORIENTAL Por Iván E. Fernández

El hombre sin pasado indio y norteamericano La excelente acogida internacional del actioner surcoreano El hombre sin pasado, un thriller lleno de estupendas escenas de acción, ha provocado desde su estreno en 2010 no uno, sino dos nuevas versiones. La primera en llegar es Rocky Handsome, producción de Bollywood con la superestrella John Abraham y que vio la luz en su país natal el pasado mes de marzo, más testorerónica que la original. La segunda adaptación aún no se ha rodado, pero New Line ha adquirido los derechos para montar su propia versión. De momento no han trascendido más datos, pero durante este verano es muy probable que comencemos a recibir noticias del equipo técnico y artístico. Es evidente que el cine surcoreano está ofreciendo excelentes productos de acción y sobre todo thrillers, algunos de ellos también en la mira de Hollywood para realizar sus propias versiones, como Encontré al diablo. Y todo a pesar de tremendo fiasco que fue su remake de Oldboy con Spike Lee como director. Al menos respecto a la acción podemos estar tranquilos ya que el filme original permite transformarla, a unas malas, en una película de acción palomitera, cosa que es la original, pero que además ofrece unos toques de calidad que la hacen superar a otros estrenos contemporáneos occidentales.

Secuelas y remakes Si, es el pan de cada día. Si en la noticia anterior hablaba del remake de El hombre sin pasado, no puedo dejar de seguir hablando de otras nuevas versiones que se ponen en marcha con la preproducción, los rumores comienzan a salir y en algunos casos tenemos noticias oficiales. Entre los remakes, en Estados Unidos se han puesto manos a la obra con Lone Wolf and Cub: Final Conflict, adaptación del mítico manga de samuráis Lobo Solitario y su cachorro , que ya tuvo versión en imagen real en varias entregas japonesas con el gran Tomisaburô Wakayama como protagonista. El productor Steven Paul, a quien tenemos el dudoso honor de agradecer Tekken: Kazuya’s Revenge, ese desperdicio total de Kane Kosugi, tiene los derechos para adaptar la saga. Anteriormente hubo rumores de nuevos proyectos pero finalmente se han ido descartando para arrancar ahora con una nueva versión que podría llegar a tener a Justin Lin (Fast Five) como director. Por otro lado, el clásico de John Woo Un mañana mejor (A Better Tomorrow, 1986) tendrá remake de manos de Stephen Fung (Tai Chi Zero), quien ya trabaja en otra versión de otro filme de Woo, Un ladrón es siempre un ladrón (1991), pero que de momento siguen trabajando en sus guiones. Lo que sí tendremos es una anunciada cuarta entrega de la saga que inició y continuó Woo pero que finalizó Tsui Hark con una tercera entrega que ahora parece que tendrá continuidad con la cuarta parte que dirigirá Ding Sheng, director de las películas de Jackie Chan Pequeño gran guerrero (Little Big Soldier) y Acción policial (Police Story, 2013) y que ya ha presentado un teaser póster. Y ya que hablo de secuelas y he mencionado a Jackie Chan, se rumorea que la estrella hongkonesa coincidirá con Jason Statham y el mismísimo Steven Seagal en Viy 2: A Journey to China, secuela del filme ruso (coproducido por China) Viy de 2014 y que tendrá coreografías y secuencias de acción de mano del propio Jackie y su equipo. No se ha confirmado aún, pero todo parece indicar que será una realidad.

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Cine asiático en España La distribuidora Isaan Entertainment parece reactivarse lanzando en alquiler y venta la tercera entrega de Ip Man, titulada Dragon Master, con Donnie Yen repitiendo el papel del sifu de Wing Chun y encontrándose con Mike Tyson o Max Zhang en una de las indispensables del año. Sin llegar a igualar a las dos entregas anteriores, es una excelente película de artes marciales con coreografías del mismísimo Yuen Woo Ping. Sale en DVD en alquiler el 24 de agosto y en BR el 31. Aprovechando el verano, algunas distribuidoras se lanzan a estrenar algunos títulos como la surcoreana Asesinos , en alquiler desde el 24 de agosto o el anime de El niño y la bestia el 30. Y no será hasta septiembre que tendremos a Jackie Chan, el mismísimo día 2 sale en alquiler y venta Skiptrace, titulada en España Atrapa a un ladrón. El 14 es el turno de Steven Seagal y su Arma perfecta (Perfect Weapon), que de nuevo sorprende reapareciendo con su nueva hornada de producciones de bajo presupuesto. En cines, tenemos que conformarnos con Zhang Yimou y su Regreso a casa que se estrena este mes de agosto, el día 5 concretamente. Y le quedan pendientes alrededor de seis títulos en distintas fases de producción.

Gerardo Moreno, ilustrador de cine El coleccionista de cine está de enhorabuena gracias al trabajo de Gerardo Moreno. Su pasión por el séptimo arte, y en concreto por el del género de la acción, junto a su buen hacer, ha permitido que algunos de sus trabajos aparezcan como portadas, ilustraciones y diseños de DVD o BR, pósteres o calendarios. El realismo de sus obras nos deja en su galería espectaculares dibujos de Kickboxer o Pound of Flesh de Van Damme o el diseño para un pack en BR de la saga de Harry el Sucio. No olvida el cine clásico como El Cid de Charlton Heston, clásicos ochenteros como Top Gun o la saga de Indiana Jones, o el cine más actual, desde La milla verde hasta la reciente La Leyenda de Tarzán. Uno de los mejores ilustradores de cine que tenemos en España y que merece el reconocimiento de su trabajo y de quien esperamos en un futuro algún libro recopilatorio de su obra, indispensable para el buen amante del cine y todos aquellos que quieran tener en su casa obras de arte dedicadas al cine.

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Assassins’s Creed, paisajes y participación española La Inquisición, inevitable pieza de la leyenda negra sobre España, se incorpora a la adaptación al cine del videojuego Assassin’s Creed junto con paisajes y actores españoles que se suman al reparto internacional del largometraje que protagoniza Michael Fassbender y está ambientado en parte en la España del siglo XV. Rodada en Granada, Sevilla y Almería, la película contará con Javier Gutiérrez, premio Goya al Mejor Actor Principal por su trabajo en La isla mínima y actor habitual en el papel de Sátur en la serie Águila Roja, interpretando el papel del inquisidor Tomás de Torquemada. En la foto le vemos acompañado por el actor y excampeón de boxeo en peso pesado Hovik Keuchkerian, libanés de nacimiento, hijo de madre española, de Navarra, y padre armenio, que vive en Madrid desde los tres años. Keuchkerian interpreta a Ojeda, brazo armado de Torquemada, un antagonista de peso pesado para el personaje de Fassbender.

Deadpool 2 calienta motores Primera imagen promocional de Deadpool 2, la anunciada secuela de las aventuras cinematográficas del Mercenario Bocazas de la Marvel. La imagen es curiosa porque no solo define el tono de cachondeo respecto a las películas de los XMen al que ya le sacaron jugo en varios chistes de la primera entrega, sino que además mantiene esa vinculación casi morbosa con el personaje de Lobezno interpretado por Hugh Jackman, que forma parte del pasado cinematográfico más oscuro de Deadpool merced a su primera y muy fallida aparición en Lobezno: orígenes, una cuenta pendiente que Ryan Reynolds no parece estar dispuesto a dejar de cobrar siempre que pueda en clave de chiste a través de las gamberradas y la ruptura de la cuarta pared de su personaje, Wade Wilson. De paso, la imagen es también en cierto modo la expresión visual de la integración futura de Deadpool en el universo mutante de la Fox.

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M U N D O FA N T Á S T I C O FA N TA S Í A TERROR - GORE - CIENCIA FICCIÓN

No deberías perdértela: El regreso de los muertos vivientes Medical Supply es una empresa dedicada a los suministros médicos en cuyo almacén se acaba la jornada laboral y empieza el fin de semana con el festivo 4 de julio de por medio. Burt (Clu Gulager) indica a Frank (James Karen) que es hora de irse. Pero este prefiere estar una hora más para enseñar a su joven aprendiz, Freddy (Thom Mathews). Allí tienen esqueletos femeninos, bacinillas, artículos ortopédicos, sillas de ruedas… hasta cadáveres frescos. Freddy le pregunta qué es lo más extraño que ha visto y este le comenta si conoce La noche de los muertos vivientes, porque esta se basó en hechos reales, que tuvieron su origen en un derrame químico (de Trioxin) en el hospital de veteranos de Pittsburg en 1969, que hizo que los cadáveres revivieran. Le sigue contando que al final se mantuvo todo en secreto, pero que en el sótano del edificio hay unos bidones desde hace catorce años con restos de varios de ellos. Al mostrárselos, sin querer provoca un escape de gas tóxico y la plaga zombi se pone en marcha de nuevo. “Los hechos presentados en este filme son reales. Los nombres de personas y organizaciones son reales”, así comienza esta divertida mezcla de terror y comedia de 1985 de la mano de uno de los grandes guionistas del fantástico, Dan O’Bannon (Alien, el octavo pasajero, Lifeforce, Desafío total), que recuperó la saga de La noche de los muertos vivientes para darle un nuevo rumbo (con cuatro secuelas), coincidiendo prácticamente en cines con El día de los muertos de George A. Romero, que no quiso participar en esta producción. Con un reparto con James Karen y Thom Mathews, que repetirían en la secuela La divertida noche de los zombis, junto a Clu Gulager (El virginiano) o la scream queen Linnea Quigley (Night of the Demons), su banda sonora (con temas de The Cramps o The Damned) tuvo buena repercusión y se distribuyó con normalidad en nuestros cines.

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Albert Pyun sigue luchando Albert Pyun se apaga, tras enfermar de esclerosis múltiple, este año el propio director comunicaba que la demencia que la acompaña le impedía seguir trabajando, no obstante, sigue en activo con un nuevo filme. Albert Pyun es un realizador norteamericano de serie B, con más de 50 películas en su haber, que en muchos casos han ido acompañadas de divertidas anécdotas (o quizá no tanto), como cuando en pleno rodaje de El Capitán América se le acabó el rollo de película pero sin embargo hizo que los actores siguieran a lo suyo como si todo fuera estupendamente, o cuando en el rodaje de Road to Hell tuvo un problema con una de las cámaras, por lo que gran parte de lo filmado quedó inutilizado, lo que contribuyó a su larga gestación de varios años (de 2008 a 2015). Aunque sus filmes no suelen recibir buenas críticas (ha tocado desde el thriller, al cine de acción, pasando por el de fantasía o ciencia ficción, siempre con presupuestos muy pequeños, colaborando de manera habitual con el compositor Tony Riparetti), es recordado su trabajo en Cromwell, rey de los bárbaros, y especialmente su labor para la Cannon con Cyborg con Van Damme, Sueños radiactivos o Alien from L. A., por El Capitán América (el de las orejas pegadas) para una de las sucesoras de la Cannon, 21st Century Film Corporation, así como por sus colaboraciones con la Full Moon de Charles Band en Dollman o Arcade, o su saga de Némesis, colaborando con actores como Jean-Claude Van Damme, Christopher Lambert, Ice-T, Charlie Sheen o Steven Seagal. Su penúltimo filme es The Interrogation of Cheryl Cooper y sigue adelante con la ayuda del director de fotografía Michael Su (como codirector), con el que últimamente estaba produciendo la epopeya de ciencia ficción Interestellar Civil War.

Imprescindibles en blu-ray Siguen saliendo en alta definición joyas del fantástico en copias impecables y ediciones especialmente cuidadas más allá de nuestras fronteras a través de editoras foráneas (de las que las editoras piratas de nuestro país se van “apropiando” para sacarlas luego en penosas condiciones… si hasta una editora nacional para distinguirse claramente de estas ya incluye en sus contracarátulas el sello “¡edición oficial licenciada!”). Como siempre, lo mejor, el original y legal, aunque sea importado, por supuesto: La invasión de los ultracuerpos de Philip Kaufman, segunda versión (nada desdeñable) de esta clásica historia de invasiones alienígenas que va acompañada de entrevistas como la realizada a la actriz Brooke Adams o al guionista W. D. Ritcher, audiocomentarios del realizador o reportajes sobre cómo se hizo. Elvis, de John Carpenter, con Kurt Russell encarnando a esta leyenda del rock and roll, es un esmerado biopic sobre “the King” con entrevistas a Russell y Carpenter. Asimismo, ambos trabajaron en La Cosa, que sale en una impresionante edición (con nueva imagen y sonido) repleta de los extras ya conocidos más muchos otros, como nuevas entrevistas, o Manhunter de Michael Mann, con la versión cinematográfica y la del director (¡aunque faltan las otras seis que se conocen!) con entrevistas a parte del reparto o al responsable de la BSO, Michael Rubini.

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TERROR - GORE - CIENCIA FICCIÓN Por Santiago de Bernardo

Sitges 2016 viaja a las estrellas Sitges 2016, XLIX Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya (del 7 al 16 de octubre), cita ineludible del fantástico nacional e internacional, y en esta ocasión también para los trekkies, puesto que esta edición tiene como tema principal la saga creada por Gene Roddenberry, Star Trek, que cumple ya medio siglo, por lo que estará en Sitges el actor Walter Koenig (Chekov en la serie original y películas) recibiendo uno de los premios Màquina del Temps, momento en el que sin duda se recordará asimismo al actor que encarnaba a este personaje en la nueva saga reiniciada por JJ Abrams, Anton Yelchin, fallecido recientemente. Igualmente, se proyectará el documental (nacido del crowdfunding) For the Love of Spock de Adam Nimoy sobre la carrera de su padre Leonard Nimoy y su inolvidable encarnación de Spock. También habrá un desfile por las calles de la localidad barcelonesa, Star Trek Walk, así como dos exposiciones, una con cómics, figuras, maquetas, libros o merchandising, y otra con ilustraciones españolas que homenajean el universo de Star Trek.

Avance de la XXVII Semana de Terror de San Sebastián La Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián llega en 2016 a su vigésimo séptima edición dedicando un importante espacio al cine japonés, con el título “Japón fantástico, siglo XXI”, con un ciclo de películas niponas, en compañía de un libro y la presencia de invitados japoneses, que participaran en un encuentro abierto con el público. En el ciclo se proyectarán películas fantásticas surgidas en este país a partir del año 2000, tanto de importante presupuesto como de serie B, entre las que se espera lo nuevo de Takashi Miike, Terra Formars (que antes estará en Sitges), la adaptación del manga homónimo de ciencia ficción en la que un grupo de científicos va a Marte para hacer su atmósfera habitable para el ser humano, empleando algas para ello, y siglos después las consecuencias son palpables, así como Creepy de Terraformars Kiyoshi Kurosawa, con un psicólogo criminal que deja su trabajo de detective de la policía tras enfrentarse a un psicópata y que se cambia de casa con su mujer, pero cuyos vecinos le parecen algo extraños, más cuando una pequeña vecina le dice que el hombre que parece ser su padre no es tal, sino un extraño. El cartel de esta Semana está protagonizado por el actor español (de padre japonés) Óscar Reyes, que se hizo muy famoso por su papel de Machupichu en la comedia televisiva Aída, y que en este se convierte en un samurái después de la batalla. Además, entre las actividades paralelas se programará El faro del misterio, en la que se podrá participar con fotografías misteriosas y para la que se desarrollará incluso un videojuego, con la isla de Santa Clara como telón de fondo.

De festivales fantásticos Cuando estés leyendo esto ya se estará celebrando una nueva edición del coreano Bucheon International Fantastic Film Festival con la clausura a cargo de la película de animación Seoul Station de Yeon Sang-ho, una cinta sobre zombis con Seúl sufriendo una plaga de muertos vivientes y unas autoridades que optan por el exterminio y la cauterización definitiva. Allí estará la controvertida 31 de Rob Zombie (también en Sitges), con cinco personas secuestradas que deben jugar a un juego mortal de doce horas; Attack of the Lederhosenzombies, de Dominik Hartl, sobre una epidemia zombi en la que se ven afectados animales salvajes y gentes del lugar; Raiders!: The Story of the Greatest Fan Film Ever Made de Jeremy Coon y Tim Skousen, un documental sobre una película de fans de 1982 basada en En busca del arca perdida, que la replicaba plano a plano, que les costó rodarla a sus jóvenes creadores siete años de sus vidas, filmando cada verano, pero por una escena no pudieron concluirla, hasta ahora, o The Bodyguard de Sammo Hung, con Andy Lau, acerca de un guardaespaldas retirado que ha de volver a la acción para ayudar a su vecina, cuyo padre ha sido secuestrado por un grupo criminal. Por su parte, el germano Fantasy Filmfest que tiene lugar entre agosto y septiembre en varias ciudades alemanas como Berlín, Hamburgo o Fráncfort proyectará títulos ya mencionados como Terra Formars o Creepy, y otros como Abattoir de Darren Lynn Bousman, con un periodista que quiere conocer los secretos de una casa encantada; Imperium de Daniel Ragussis, en la que el actor Daniel Radcliffe se transforma en un agente del FBI para penetrar de manera encubierta en un grupo neonazi; la animada Kingsglaive: Final Fantasy XV de Takeshi Nozue, inspirada por el juego homónimo y con las voces de Sean Bean y Lena Headey; Under the Shadow de Babak Anvari, que nos retrotrae a la guerra Irán-Irak y una madre que cree que su hija está poseída por un malvado espíritu; o The Neighbor de Marcus Dunstan, sobre una pareja que tiene un vecino cuya apariencia asusta y cuyos actos lo harán aún más.

Adiós a Bud Spencer y Robin Hardy Con el fallecimiento del actor (cantante, escritor…) italiano Bud Spencer (Carlo Pedersoli), muere uno de los actores más populares y queridos del cine europeo. Y aunque este cómico es conocido especialmente por sus spaghetti westerns y cintas policíacas, con o sin Terence Hill (que lo han hicieron tremendamente popular durante varias generaciones, permitiendo además con sus éxitos que se produjeran películas más “artísticas” y menos rentables), también en su carrera tuvo cierto acercamiento al fantástico. Fue el mago Aladino en el filme de la Cannon de 1986 del mismo título de Bruno Corbucci, en El sheriff y el pequeño extraterrestre (1979) y El supersheriff (1980) de Michele Lupo como defensor de la ley tenía un curioso y divertido encuentro en la tercera fase; también se las tuvo que ver con enviados del cielo y del infierno en Un zapatón en el paraíso (Enzo Barboni, 1991), y volvió a encarnar a un policía en el psychothriller Al límite (Eduardo Campoy, 1997), sin olvidar su participación en el giallo de 1971 de Dario Argento Cuatro moscas sobre terciopelo gris. Y otro que nos ha dejado ha sido el realizador Robin Hardy, conocido especialmente por la fascinante El hombre de mimbre (1973), la película favorita de uno de sus protagonistas, Christopher Lee, y en cuya filmografía solo hay dos largometrajes más, uno de ellos, The Wicker Tree (2011), sería a la postre su último trabajo tras las cámaras, puesto que The Wrath of the Gods nunca llegó a rodarse (hubiera cerrado la trilogía iniciada por El hombre de mimbre).

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ENTREVISTA

MattDamon El regreso de Matt Damon al personaje de Jason Bourne se produce por todo lo alto, con la mejor compañía en el reparto y con una película que cumple expectativas y está al nivel de sus predecesoras. El actor, que ejerce también como productor, nos cuenta cómo ha sido ese retorno. ¿Cómo ha sido de exigente en su faceta como productor en este largometraje? Creo que no he sido muy exigente como productor, pero estas películas requieren gran cantidad de esfuerzo por parte de un montón de gente, y ha sido bonito volver a participar con el grupo con el que has trabajado durante muchos años. Pero realmente significa muchísimo trabajo, así que es una gran satisfacción haber conseguido hacer algo que funciona tan bien. La película tiene mucho en común con elementos reales que han ido surgiendo en la política internacional en los últimos años, como el caso de Edward Snowden. Bueno creo que es un tema de nuestro tiempo este dilema de los derechos civiles frente a la seguridad. Lo que queríamos advertir en la película es que el mundo ha cambiado tanto desde 2007, cuando salió la última entrega, que este dilema era algo que no nos planteábamos en aquel momento y que ahora sí que nos tenemos que plantear. Todos tenemos que informarnos y reflexionar sobre las repercusiones de toda esta tecnología que está evolucionando tan rápido y lo que esto significa para nosotros y para nuestras democracias. Es tremendamente importante. Nuestro planteamiento es que aparte de que esta película tiene que ser entretenimiento también debe reflejar que le afecta la actualidad. En las últimas tres películas se trataba sobre todo de la presidencia de Bush y la guerra contra el terrorismo. Y hay un motivo por el que elegimos como localización Londres, Madrid o Nueva York, que aunque nunca lo dijimos explícitamente eran las ciudades que habían sido afectadas por el terrorismo. Por eso situamos la acción ahí. Así que siempre intentamos que nuestro personaje recorra los paisajes del mundo en el que todos estamos pensando en nuestro día a día. Por eso en esta película hemos empezado con Grecia, hemos pasado por Londres y también por Las Vegas. Y siempre tiene que haber una temática dentro de estas películas que nos haga sentir que son contemporáneas. ¿Qué opina de las filtraciones de información clasificada que se han producido? Ese es el motivo de que esto sea un gran tema dentro de nuestra película, porque es la cuestión fundamental en nuestros tiempos. Siempre va a haber una fricción entre el aparato gubernamental destinado a cuidar de la seguridad y las libertades civiles. Las personas que nos cuidan dicen que cuanto más se sepa mejor pueden cuidarnos, pero muchos no estamos de acuerdo. Estoy increíblemente agradecido de que hayamos podido saber lo que estaba ocurriendo. Esta es una pregunta que tenemos que hacernos todos en cada país. ¿Cree que una hipotética victoria de Donald Trump en las próximas elecciones de Estados Unidos podría incorporarse al argumento de la saga de Jason Bourne? Si Trump gana las elecciones no creo que ni siquiera Jason Bourne pueda salvar el mundo. En cierta ocasión declaró que si no estaba Paul Greengrass en la película usted no la interpretaría. ¿Es porque duda de que otro director pueda dar con el tono de la saga o se trata de una predilección afectiva? Confío en muchos otros directores. Pero se trata un poco de la relación que tenemos en esta franquicia desde que nos reunimos hace 16 años para hablar del proyecto y Paul me dijo que creía que había un hueco para hacer algo diferente a James Bond, que se podía crear un

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nuevo personaje, y fue una idea muy interesante. Creo que podría plantearme hacer otra película de Jason Bourne con otro director, pero siempre me he sentido vinculado a Paul porque creo que entiende perfectamente esta franquicia, y no me imagino haciéndola sin él. La franquicia de Jason Bourne juega en el género de espionaje con claves propias, pero está integrada en el mismo género que otras dos potentes franquicias del cine de espionaje, la saga de James Bond y Misión: Imposible. ¿Qué cree que aporta la saga de Jason Bourne frente a estas otras propuestas? ¿Son sus argumentos intercambiables? No, en absoluto, no creo que se puedan intercambiar. Cada franquicia es específica, tiene sus propios temas y pienso que hay espacio para las tres. La franquicia de James Bond es impresionante, lleva viva desde hace cincuenta años, que es algo increíble, y lo que ha hecho Tom Cruise con Misión: Imposible también es impresionante. Hay espacio para todos. Es tan difícil hacer una película que no puedes pensar en lo que están haciendo otras franquicias, solo puedes centrarte en cómo va a encajar todo en el contexto de tu propia historia. Según ha declarado, le ha costado prepararse físicamente para esta nueva aventura como Bourne. Desgraciadamente todavía no han inventado una pastillita para ponerse en forma, así que sí. Es el mismo régimen que seguí cuando tenía 29 años, solo que ahora es más duro. Hay que seguir una dieta, hay que ir al gimnasio dos veces al día. Es mucho trabajo. Y no es nada divertido. Yo no se lo recomendaría a nadie. ¿Cuál es su escena favorita en la película? Todas mis escenas con Alicia Vikander. Si decidiera retirarse de la saga, ¿le gustaría que continuara? ¿Qué actor cree que podría hacer su papel? ¡Ese actor todavía no ha nacido! (Risas). A mí me encanta el papel, y siempre que Paul (Greengrass) quiera hacerlo me encantaría volver y hacerlo otra vez. Debido a la estructura de la serie, Bourne no es como James Bond, en la que puedes ver las películas en órdenes distintos e incluso puedes cambiar al actor que interprete a James Bond, sino que Bourne tiene una sucesión cronológica. Pero esto es una franquicia, y eso significa que alguien tiene que ser Jason Bourne. Yo estoy seguro de que en algún momento alguien me va a sustituir, y que puede ser un hombre o incluso una mujer. Universal tiene estos derechos y los va a explotar, y esto significa que llegará un momento en que yo no pueda hacerlo, y desde luego tiene mi bendición. Haga lo que haga con el resto de las franquicias, seguro que lo hace estupendamente. Sé que ha estado trabajando desde el comienzo con la propiedad de los derechos de Ludlum y estoy seguro de que está buscando la forma de aprovecharlo. Tiene mucho sentido que lo haga. ¿Le tienta el reto de ejercer como director? ¿Piensa proseguir su carrera como guionista? Me encantaría dirigir. Estuve a punto de hacerlo varias veces. Escribí una película que iba a dirigir, pero al final la agenda no cuadraba y en el último momento me tuve que echar atrás. He tenido muchísima suerte con los directores con los que he trabajado. El éxito de la saga de Jason Bourne me ha permitido conocer directores que quizá no habría podido conocer de no haber existido esta saga, así que he visto trabajar durante miles de horas a los grandes del mundo, y estoy deseando encontrar algo que pueda dirigir. Miguel Juan Payán

ENTREVISTA

AliciaVikander La actriz que se convirtió en revelación con su papel de robot en Ex Machina y ganó el Oscar a la Mejor Actriz por su interpretación en La chica danesa acompaña a Matt Damon en el regreso a las pantallas de Jason Bourne, donde interpreta uno de los personajes más interesantes de la película. Nacida en Suecia en 1988, Alicia Vikander lleva una temporada de lujo en lo que se refiere a su profesión. No solo ha ganado varios premios, sino que ha tenido la oportunidad de dar el salto en Hollywood desde las producciones más modestas de cine independiente a una franquicia de éxito en clave de superproducción de la mano de Jason Bourne, película en la que interpreta a una agente de la CIA experta en tecnología encargada de controlar las filtraciones de información y las incursiones de los hackers en los ordenadores de la agencia norteamericana, algo que la ha puesto en contacto con una generación que ha protagonizado el cambio tecnológico en el mundo del espionaje en los últimos años. En las fechas en que presentó la película en Madrid estaba rodando en la capital de España y en Toledo su nueva película, Submergence, de Wim Wenders, que protagoniza junto a James McAvoy, y pronto la veremos también en La luz entre los océanos, dirigida por Derek Cianfrance y acompañada por Michael Fassbender y Rachel Weisz. Además, será la nueva Lara Croft en el relanzamiento de la franquicia cinematográfica Tomb Raider. Las filtraciones de datos clasificados son el tema central del argumento de la película. ¿Qué opina sobre el debate derechos civiles o más seguridad? Creo que todos tenemos unas libertades y un derecho a la privacidad que no podemos ceder. ¿Qué opina del Brexit? Me siento europea y el Brexit lo he vivido con tristeza, aunque creo que eso puede servir para que reflexionemos más sobre lo importante que es expresar nuestra opinión votando. En los últimos tiempos se está manifestando una corriente de opinión que pide que se haga una versión femenina de James Bond. ¿Qué opina sobre la posibilidad de hacer un Jason Bourne femenino? Mucha gente me ha preguntado acerca de esto y creo que es imposible. Creo que Matt Damon va a vivir y morir con este personaje. Ahora que conozco esta franquicia desde dentro me parece que Matt ha demostrado que es un actor fantástico y creo que lo que ha hecho con esta franquicia ha sido crear ese personaje y personalizarlo. Por el contrario, en lo que se refiere al mundo de James Bond, hay una tradición según la cual el personaje ha ido pasando de un actor a otro, y allí si puedes tener una mentalidad abierta. Creo que en las últimas películas Daniel Craig ha hecho algo totalmente nuevo con el personaje, y muy fresco, y si siguen haciéndolo así es muy posible que llegue a ser indiferente que el personaje lo interprete un hombre o una mujer. ¿Cree que las historias y situaciones que se dan en las franquicias de espionaje actuales, Bourne, Bond, Misión: Imposible, son cercanas o prácticamente las mismas? Creo que cada una tiene su propia personalidad, pero no puedes pensar en lo que están haciendo los otros. En eso estoy totalmente de acuerdo con lo que opina Matt Damon. Ocurre lo mismo en el drama: no puedes pararte a pensar en lo que están haciendo los otros, sino que te fijas en lo que estás haciendo tú, en tu historia y en cómo contarla. ¿Cuáles son las ventajas y los inconvenientes de rodar una película en Hollywood? ¿Qué opina del machismo del que algunos acusan a la industria norteamericana? Recuerdo que la primera vez que leí el guion de Jason Bourne me intrigó mucho el papel de Heather Lee, mi personaje. Me pareció que tenía muchas capas y era muy interesante. Ella refleja lo que ha

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ocurrido en estos últimos diez años, desde la última película, cuando estaba James Allen dirigiendo la CIA. Me dio la impresión de que era muy interesante tener a un personaje femenino tan importante en la saga. Y creo que hemos llegado a un punto en que es importante que nos aseguremos de que haya más mujeres no solo delante sino también detrás de las cámaras, escribiendo y dirigiendo. Creo que Hollywood es un lugar maravilloso para hacer películas. El problema podría ser que no hay tanta diversidad como debería y tenemos que asegurarnos de que eso cambie. Si tuviera que elegir, ¿con qué escena de la película se quedaría como favorita? Voy a elegir una escena en la que no participé, pero que me demostró lo que podían hacer en esta película, la escena de persecución en Las Vegas. Pensaba que no se podía hacer eso, y lo hicieron. Me subí a un ático y no podía creer lo que estaba viendo, los coches volar y salir disparados por los aires. Me pareció que nunca se había hecho algo así, fue algo fantástico. ¿Qué le gustaría hacer ahora? He tenido mucha suerte con mi carrera, pero me gustaría seguir explorando y probar nuevas cosas. Todavía no he probado a escribir, pero creé una empresa el año pasado y quiero empezar con la producción de películas. ¿Cambió algún aspecto de su personaje desde el guion hasta el momento de empezar a rodar? Creo que mi personaje estaba ya totalmente allí, en el guion. Yo me metí en mi personaje desde que leí el guion, porque ya estaba muy elaborado. Una de las cosas que me gustó es que tenía esa autenticidad que me hacía sentir que aunque fuera una película de acción estaba en un mundo real. En el rodaje siempre se trataba de hacer que todo funcionara. Había extras que estaban haciendo lo que realmente hacen en su profesión en la vida real. Así que estos profesionales de la vida real también podían asistirnos si teníamos dudas para que la acción resultara auténtica. Creo que mi personaje es un símbolo de lo mucho que ha cambiado el mundo en estos años. Tuve oportunidad de conocer a personas que se dedican a este tema y son gente que no solo tiene información mediante la tecnología, sino que incluso puede influir en nuestra forma de vivir y tomar decisiones. Realmente impresiona muchísimo. Es gente que tiene tres doctorados y que empezó a trabajar en la compañía con 19 años. Siempre es muy interesante en las películas tener la ocasión de conocer a gente de verdad y aprender con esas personas. Para mí ha sido muy interesante tener la oportunidad de interpretar a Heather Lee, que forma parte de esta generación que domina la tecnología. ¿Hubo algo que se le resistiera especialmente en este rodaje? En el plató, la gran mayoría eran hombres. Tuve que aprender grandes cantidades de diálogo bastante técnico y me costó. Pero en cuanto conseguí controlarlo, empecé a pasarlo realmente bien. En general, todos los personajes en las películas Bourne están muy motivados, pero también muy solos. No tienen compañía, están totalmente entregados a su cometido, como si estuvieran en un túnel y su objetivo se encontrase en la otra punta. Por eso creo que están tan solos, porque son incapaces de confiar en nadie.

Miguel Juan Payán

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JaiCourtney Lo primero, ¿qué puede contarnos de esta película? ¿Qué puede contarnos de Escuadrón Suicida? Bueno, como sabes, está basada en los cómics del mismo nombre, y trata sobre cómo un grupo de villanos es reunido por el Gobierno para derrotar a auténticos villanos, básicamente (risas). Han sido encerrados y les ofrecen un trato si consiguen llevar a cabo su misión. Más o menos eso es… David Ayer ha comentado que la película es Doce del patíbulo con supervillanos. ¿Es cierto? ¿Es ese el tono de la película? Sí, ese es el tono de Escuadrón Suicida. Tiene algo de Doce del patíbulo. Tienes a lo peor de lo peor, y los pones a trabajar juntos debido a sus habilidades únicas, y quizá sean capaces de hacer algún bien. ¿Y qué hay de su personaje, el Capitán Búmeran, un personaje bien conocido por los fans de DC? Sí. El Capitán Búmeran es obviamente un australiano, que no formaba parte de algunas de las encarnaciones antiguas de este grupo en los cómics. Es un tipo que no duda en apuñalarte por la espalda, que solo se preocupa por sí mismo, que hará lo que sea para conseguir lo que quiere… En ese sentido, es un saco de mierda, realmente (risas). Ha sido un personaje muy divertido de interpretar. En la película representa en parte el papel del payaso de la clase, y su cometido a veces es el del alivio cómico… Me lo he pasado muy bien interpretándolo. Hemos visto al personaje no hace mucho en televisión, en la serie Arrow. ¿Vio esa encarnación o ha intentado alejarse por completo de él? ¿Sabes? Podría mentirte y decirte que no he visto la serie jamás y que no sé cómo es la representación del personaje en Arrow, pero no sería cierto. La he visto, he visto la serie. De hecho, creo que apareció por primera vez al tiempo que nosotros empezábamos la producción de la película. Como australiano y como alguien que hace su propia investigación del personaje, no creí necesario tomar como inspiración la interpretación de nadie más. Me siento bastante seguro de mi conexión con el personaje. Ahora que el universo DC empieza a presentarse en cines, ¿dónde encaja Escuadrón Suicida y qué clase de película vamos a encontrarnos? Es una película cargada de energía, de alto octanaje… Es divertida, es oscura, tiene un trasfondo emocional… Es fantástica, en el sentido del mundo en el que se presenta, pero la acción es muy real y fenomenal. Creo que es distinta a nada que hayamos visto en este género con anterioridad. Muchos de los cómics que son llevados al cine son algo con lo que la audiencia está muy familiarizada. Pero el hecho de que estos personajes en su mayoría sean algo nuevo para la gente, nos da la oportunidad de ofrecer algo muy diferente. No están tan ligados a las interpretaciones previas de estos personajes, y eso nos da algo más de libertad. Y creo que esta película representa esa libertad que hemos tenido. ¿Significa eso que David Ayer les dio libertad a la hora de componer los personajes? ¡Sí, por supuesto! David es una persona que tiene las ideas muy claras, pero no en el sentido de que nos encontremos con una dicta-

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dura en la que las cosas solo pueden ser de una u otra forma. Es mucho más un colaborador, y nos hizo tener un largo proceso de ensayos, que sirvió para que el reparto, con el tiempo, creásemos una relación entre todos y cada uno de nosotros. Construimos una base de confianza, trabajamos en el guion, y los personajes fueron desarrollándose. David sabía quiénes necesitaba que fuesen estos personajes, pero depende por completo de su reparto. Junta a un gran reparto, gente que sabe que va a hacer el trabajo, en ese sentido, y a partir de ahí trabajamos juntos para encontrar lo correcto para cada personaje. Ya que hablamos de David Ayer, el director, ¿qué aporta un hombre como él a una gran película de superhéroes, o supervillanos, como esta? Creo que aporta un gran sentido de la autenticidad. En todas sus películas exige a sus actores que se metan realmente bajo la superficie y la piel de sus personajes, y si hay algunas habilidades que haya que aprender, te hace entrenarlas, ya sean artes marciales, acrobacias, o hacer instrucción si tu personaje tiene un trasfondo militar. En ese sentido, David te hace trabajar al máximo, para dar ese tono de autenticidad, de credibilidad. La preparación para esta película fue muy larga, la más larga que yo haya tenido en mi carrera. Y lo que eso consigue es que todos entremos en el espacio creativo en igualdad. No todo el mundo hace la misma preparación, cada uno preparó sus distintas habilidades, pero todos llegamos a este espacio, listos para trabajar. Lo bueno de todo eso es que operas a un nivel de compromiso y energía en el que él puede sacar lo mejor de ti. Nadie se toma ese trabajo en preparar el espacio creativo, muchas veces llegas, sueltas tus frases y te vas. David crea esa atmósfera en la que quieres dar lo mejor de ti mismo. Y él va a sacar lo mejor de ti. No te va a dar una palmadita en la espalda cuando lo haces bien. Es una atmósfera a veces incómoda, en cierto modo. Pero es todo en interés de crear el mejor trabajo posible. Es muy fácil querer trabajar duro para él. Con lo que está comentando, imagino que una película así solo puede funcionar en pantalla si hay una gran química entre el reparto. Sí, totalmente de acuerdo. Creamos una base de confianza entre nosotros desde el principio… Creo que tuvimos la suerte de caernos muy bien como individuos. Nos convertimos en fans los unos de los otros, y nos apoyamos los unos a los otros… Todo el mundo quería que los demás hiciesen un gran trabajo, y, en cierto sentido, nos ayudamos a superar el proceso de hacer la película. Tengo que preguntarle por algo de lo que todo el mundo habla. El nuevo Joker que interpreta Jared Leto… Claro, obviamente es uno de los villanos más icónicos de todos los tiempos. ¿Sabes qué? Creo que su interpretación va impresionar mucho a la gente. Creo que es duro enfrentarse a algo así, cuando hay tantas expectativas, y cuando te pueden comparar con tantas encarnaciones. Incluso cuando estábamos haciendo la película se oía hablar de esto y aquello, y que sería muy difícil estar a la altura de los anteriores… Creo que la gente se va a olvidar de eso al momento. Él ha hecho su propio trabajo, ha aportado ideas muy específicas y creo que lo que ha hecho es muy emocionante. Es un gran papel y creo que ha hecho un gran trabajo con él. Jesús Usero

Fotógrafo: Lorenzo Agius

El actor australiano Jai Courtney captó nuestra atención en la gran serie Spartacus, con la que saltó a la fama. Desde entonces le hemos visto tomar papeles míticos como el de Kyle Reese en Terminator: Génesis, o el hijo de John McClane en la quinta entrega de La jungla de cristal. Y ahora es parte del Escuadrón Suicida, como el Capitán Búmeran. De la película y todo lo que vamos a encontrarnos en ella nos habla en esta entrevista en exclusiva con ACCIÓN.

El próximo 5 de agosto de 2016 la imagen que tenemos del cine de superhéroes podría cambiar radicalmente. David Ayer se dispone a dar otra vuelta de tuerca a este tipo de historias para llevarlas hasta otro nivel con su Escuadrón Suicida.

a idea de un puñado de supervillanos reclutados como héroes a la fuerza constituye ya un argumento suficientemente interesante para hacer de Suicide Squad una de las películas más esperadas del año. Además el Joker de Jared Leto y la rubia Harley Quinn que interpreta Margot Robbie parecen tener todas las cartas en la mano para coronarse rey y reina de la taquilla del verano. ComScore, una empresa dedicada a rastrear las conversaciones on-line sobre los próximos estrenos incluso asegura que Suicide Squad supera a Rogue One, el próximo evento de Star Wars, en número de citas y conversaciones en los chats de Internet. Obviamente, Suicide Squad se estrena en verano y Rogue One no llegará a los cines hasta final de año, pero no deja de ser un detalle significativo respecto a la expectación generada por el Escuadrón Suicida del cine. Desde que se anunció el proyecto bajo la etiqueta “película con supervillanos de la DC como protagonistas”, adaptando los cómics y personajes de Escuadrón Suicida creados para las viñetas por John

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Ostrander, los aficionados al cinecómic y las películas de superhéroes en clave blockbuster no han dejado de incrementar su interés por Suicide Squad. Además, las noticias sobre el Joker de Jared Leto no dejan de aumentar las ganas del público por ver esta nueva versión del carismático supervillano, antagonista por antonomasia de Batman, quien dicho sea de paso también se ha unido a la fiesta y aparecerá en la película en su reencarnación como Ben Affleck. Los peores supercriminales del universo DC, encerrados en el área de máxima seguridad de la prisión de Belle Reve –cuyo exterior se presenta en unas imágenes que por lo que respecta a fotografía recuerdan Corazones de acero, la hazaña bélica dirigida también por David Ayer, lo cual es lógico, porque este largometraje cuenta con el mismo director de fotografía, el ruso Roman Vasyanov–, reciben una oferta que no podrán rechazar: salvar el mundo en operaciones encubiertas al servicio de una agencia secreta del Gobierno, a cambio de

clemencia por sus delitos. El problema es que quizá no sea tan buena idea montar un equipo con las mentes más inestables y los tipos más peligrosos del planeta, entregarles el arsenal más potente de que dispone el Gobierno y enviarlos a una misión para derrotar a una enigmática entidad. La oficial de inteligencia Amanda Waller (Viola Davis) ha seleccionado a un dispar grupo de asesinos y delincuentes con absolutamente nada que perder con el fin de utilizarlos como carne de cañón. Y ellos no están dispuestos a ser víctimas de las maquinaciones de la agencia que los ha soltado como a los perros de la guerra. Los antecedentes de David Ayer como guionista y director hacen que muchos aficionados se froten las manos en lo que puede sacar de este tipo de esquema argumental y con el reparto de actores que cuenta en su primera incursión como director en el universo de los superhéroes y sobre todo de los supervillanos de la editorial DC. Como guionista, la huella de David Ayer ha quedado en dos películas que siempre

causan buen recuerdo entre los aficionados al cine policíaco, Día de entrenamiento y Dark Blue. Muchas de las características que imprimió a las mismas y a sus personajes desde las teclas se han manifestado posteriormente en su carrera como director en un puñado de películas todas ellas recomendables que han destacado por profundizar en los personajes más allá de lo que suelen permitir las fórmulas de los géneros que aborda, lo que inevitablemente hace más interesantes sus películas. Esa característica puede ser una de las mejores bazas de Suicide Squad, abriendo además puertas a una manera distinta de entender el cine de superhéroes. Me refiero a películas tan recomendables como Vidas al límite, Sin tregua, Dueños de la calle, Sabotage y Corazones de acero, que constituyen una excelente tarjeta de visita para este Escuadrón Suicida de los villanos más temibles de la editorial DC. Will Smith fue uno de los primeros nombres estrella vinculados al reparto y el principal anzuelo para llamar la atención de la taquilla sobre

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el proyecto de Suicide Squad, pero a medida que circulaba material visual y rumores sobre la película y se iban incorporando nuevos nombres al reparto, fue cada vez más evidente que el largometraje trabaja sobre la base del protagonismo coral. Esa fórmula que encaja perfectamente con las dos películas anteriores dirigidas por David Ayer, Sabotage y Corazones de acero, en las que el grupo era el verdadero protagonista del relato. Un grupo que en los cómics apareció por primera vez en el número 25 de la primera serie de la colección The Brave and the Bold, publicado en septiembre de 1959, escrito por Robert Kanigher, que fue el primero en acuñar en las viñetas la expresión escuadrón suicida para etiquetar a un grupo de personajes reclutados para combatir todo tipo de amenazas disparatadas como gigantes, dinosaurios, alienígenas… Reclutados para trabajar a las órdenes de la Fuerza de Choque X, una agencia secreta del Gobierno, el Escuadrón Suicida estaba formado por paramilitares y metahumanos con poderes diversos que se aliaron por primera vez en la Segunda Guerra Mundial bajo las órdenes del capitán Richard Flag, padre. El primer Escuadrón Suicida lo componían soldados condenados por distintas faltas que preferían formar parte del grupo antes que someterse a un consejo de guerra, detalle que llevó al director David Ayer a establecer un vínculo esencial con la película Doce del patíbulo (Robert Aldrich, 1967), que define su visión cinematográfica del grupo como una especie de doce del patíbulo en el universo de los superhéroes de la DC sin renegar de las raíces de sus personajes en las propias viñetas que los engendraron. Posteriormente ese primer grupo de personajes dio paso a

una remodelación del concepto para el cómic llevada a cabo por John Ostrander en 1987, redefiniendo el concepto como un grupo de supervillanos capturados en plena era Reagan y obligados por el Gobierno (con el presidente Ronald Reagan al frente) a aceptar misiones suicidas en una serie de operaciones encubiertas, lo que dio lugar, como explica el propio David Ayer, a una rica y variada colección de personajes y aventuras que abarca más de cien personajes desde la creación del primer Escuadrón Suicida hasta el renacimiento de la colección en el evento de DC Los nuevos 52 que se empezó a publicar en 2011. Una larga tradición que planteó a Ayer su primer reto como traductor del cómic al cine: elegir a los integrantes de su Suicide Squad cinematográfico, algo que hizo mientras escribía el primer borrador del guion al tiempo que montaba su hazaña bélica Corazones de acero, que inevitablemente se convirtió en una poderosa influencia en este otro largometraje. La primera pista de por dónde quería desarrollar la película le llegó al director precisamente a través de esa selección de personajes cuando se dio cuenta de que el primero con el que estableció una conexión fue el de la doctora Harleen F. Quinzel (Margot Robbie), de la que le atrajo su historia de encuentro con el Joker que va a llevarla a un punto de ruptura desde el que se convertirá en una persona totalmente distinta e independiente. Ese viaje de la doctora Quinzel camino de convertirse en la supervillana Harley Quinn es para David Ayer una metáfora del viaje que hacen todos los personajes de Suicide Squad. El segundo reto que se planteó Ayer fue reinventar al personaje del Joker dando su propia versión de él. Frente al Payaso interpretado

por César Romero en la serie de televisión Batman de los años sesenta, el gánster enloquecido al que dio vida Jack Nicholson en el Batman de Tim Burton y esa especie de supervillano nihilista que a ratos parece recién salido de Más allá del bien y del mal o de La genealogía de la moral de Friedrich Nietzsche que encarnó Heath Ledger en El caballero oscuro, el Joker interpretado en Suicide Squad por Jared Leto tiene casi más en común con el Patrick Bateman de la novela American Psycho: es lo que el productor de la película, Charles Roven, define como una visión más social y por ello más inquietante del personaje, un hombre de negocios de éxito y muy inteligente que se convierte en un sociópata. Esa reinvención del Joker marca el camino para lo que David Ayer ha definido como la versión 2.0 de las películas de superhéroes protagonizadas por un grupo de personajes con un pasado que estuvo a punto de destruirlos y los convirtió en seres aislados que finalmente se reúnen para ir tras un objetivo de alto valor estratégico y rescatarlo, pero cuando finalmente ponen en marcha la misión se dan cuenta de que ese es solo el principio… Miguel Juan Payán TRAILER: http://youtu.be/v4mn3OAhzi0

EE UU, 2016 DIRECTOR: DAVID AYER GUION: DAVID AYER BASADO EN EL COMIC DE JOHN OSTRANDER FOTOGRAFIA: ROMAN VASYANOV MUSICA: STEVEN PRICE INTÉRPRETES: MARGOT ROBBIE (DR. HARLEEN F. QUINZEL / HARLEY QUINN), CARA DELEVINGNE (JUNE MOONE / ENCANTADORA), WILL SMITH (FLOYD LAWTON / DEADSHOT), BEN AFFLECK (BRUCE WAYNE / BATMAN), JARED LETO (THE JOKER), SCOTT EASTWOOD, JAI COURTNEY (CAPTAIN BOOMERANG), JOEL KINNAMAN (RICK FLAG), ADEWALE AKINNUOYE-AGBAJE (WAYLON JONES / KILLER CROC), VIOLA DAVIS (AMANDA WALLER), KAREN FUKUHARA (TATSU YAMASHIRO / KATANA) DURACION: 130 MIN. DISTRIBUYE: WARNER BROS

Amanda Waller y el enigma de Scott Wastwood Junto al personaje de Deadshot interpretado por Will Smith, el Joker de Jared Leto, la Harley Quinn de Margot Robbie, el otro personaje que destaca en la construcción dramática de Suicide Squad es Amanda Waller, la jefa de este grupo de inadaptados obligados a evolucionar con reticencia desde el papel de supervillanos al de héroes. Waller apareció por primera vez en los cómics en el número 1 de la colección Legends, publicado en noviembre de 1986. Tras descubrir unos viejos expedientes sobre la Fuerza de Choque X y sus dos divisiones, Argent y Escuadrón Suicida, se propuso resucitar esta última. El personaje se ha convertido en un caramelo para algunas de las actrices afroamericanas destacadas del cine y la televisión. Le puso voz CCH Pounder en la serie de animación La Liga de la Justicia y en el largometraje de dibujos animados Superman/Batman: enemigos públicos. Un icono del cine de blaxploitation como Pam Grier encarnó a Waller en tres capítulos de la serie Smallville. También apareció en el fallido largometraje Linterna Verde protagonizado por Ryan Reynolds en 2011, encarnada por Angela Bassett, aunque allí la rebautizaron como “doctora Waller”. Y cuando la serie Arrow desarrolló su propia versión “doméstica” del Escuadrón Suicida le dio el papel a Cynthia Addai-Robinson. Frente a todos estos antecedentes, la Amanda Waller de Suicide Squad está interpretada por Viola Davis, nominada al Oscar como Mejor Actriz Secundaria por La duda y como Mejor Actriz Principal por Criadas y señoras. David Ayer afirma que su versión del personaje es pieza esencial de su película porque saca la fórmula del carril de lucha del bien contra el mal para llevarla hasta un territorio de enfrentamiento del mal contra el mal, un duelo en el que Waller es indudablemente lo peor de lo peor. Davis define a su personaje como “temible e implacable. Su poder es la inteligencia y una absoluta falta de remordimientos”. La actriz afirma que su libro de cabecera para preparar el personaje fue Confessions of a Sociopath: A Life Spend Hiding in Plain Sight, de M. E. Thomas. Otro elemento destacado y que puede dar curiosas sorpresas en el reparto es el papel que interpreta Scott Eastwood, que se ha mantenido en secreto pero ha dado lugar a todo tipo de rumores entre los cuales destaca el que se deduce del nombre que el personaje del actor lleva en el pecho en una de las fotos de rodaje, S Wilson, la posibilidad de que el hijo de Clint Eastwood interprete el papel de Slade Wilson, es decir, Deathstroke, también conocido como The Terminator. Manu Bennett interpretó el personaje en la serie Arrow. La especulación cobró fuerza cuando el propio David Ayer publicó en las redes sociales una foto misteriosa que parecía aludir a Deathstroke...

Deadshot Will Smith Deadshot apareció por primera vez en las viñetas en el número 59 de la colección de Batman, publicado en julio de 1950. Su verdadero nombre era Floyd Lawton, un mercenario rubio de ojos azules y 1,86 metros de altura, experto en todo tipo de armas de fuego que, para su traslado al cine, se ha convertido en Will Smith. Considerado como uno de los mejores tiradores del mundo, en el cómic se unió al Escuadrón Suicida por invitación del coronel Rick Flag y contó en las viñetas con miniserie propia escrita por el creador del Escuadrón Suicida, John Ostrander. Según Smith, que parece haber firmado para repetir en la segunda película y se ha preparado intensivamente en el manejo de armas de fuego para interpretar el papel, su principal reto con Deadshot, personaje que ha aparecido previamente en las series Smallville y Arrow, fue meterse en la cabeza de un asesino que acepta dinero por matar gente.

Encantadora Cara Delevingne Hay quienes apuestan que June Moone, alias la Encantadora puede ser la gran villana de Suicide Squad. Cara Delevingne le ha sabido sacar el máximo jugo al aspecto y la conducta extrema de este personaje que nació en los cómics en el número 187 de la colección Strange Adventures, publicado en abril de 1966 y que en muchos aspectos recuerda algunos poderes y atributos del Doctor Extraño de la Marvel… Aunque en la película Ayer y Delevingne la han llevado hacia un territorio más siniestro. Delevingne define el personaje como una aventurera a la caza de lo excitante que lleva dentro la personalidad de una antigua hechicera que es absolutamente incontrolable. La actriz se pasaba cuatro horas diarias en la silla de maquillaje escuchando al grupo Megadeth para ponerse en situación.

Capitán Boomerang Jai Courtney George Digger Harkness, alias Capitán Boomerang, apareció por primera vez en el cómic en el número 117 de la colección Flash, publicado en diciembre de 1960 y es uno de los personajes que más han tenido que modificar desde las viñetas al cine para darle verosimilitud visual. Experto lanzador de bumeranes trucados a los que ha dotado de variantes armamentísticas muy originales, este australiano está interpretado por un compatriota de las antípodas, Jai Courtney (ver entrevista exclusiva en este mismo número) que en un elenco tan lleno de personajes extremos y disparatados tenía la misión de ser uno de los más salvajes e imprevisibles.

Joker Jared Leto Ganador del Oscar al Mejor Actor de Reparto por su trabajo en Dallas Buyer Club, Jared Leto se ha lanzado con ganas a la piscina de la locura para dar su propia versión del Joker, el archivillano de los cómics de la editorial DC, antagonista esencial de Batman, que incluso cuenta con notable protagonismo en algunas de las más carismáticas novelas gráficas de la saga de Batman, como La broma asesina (guion de Alan Moore, dibujos de Brian Bolland, publicada en 1988) y Una muerte en la familia (guion de Jim Starlin, dibujos de Jim Aparto, publicada en diciembre de 1988 y enero de 1989). El personaje es un reto para el actor habida cuenta de la popularidad alcanzada por sus antecesores en el papel, especialmente con las encarnaciones del personaje de Jack Nicholson en Batman de Tim Burton, Heath Ledger en El caballero oscuro, Mark Hamill en la versión de animación de La broma asesina o Cameron Monaghan en la serie Gotham. El actor y líder del grupo 30th Seconds to Mars afirma que Joker es una rara oportunidad de reinterpretar al personaje y traerlo de vuelta a la vida como un interesante contrapunto a la bondad del mundo. Quienes han sido testigos de la transformación de Jared Leto en el Joker aseguran que el actor estuvo metido en el papel en todo momento, incluso entre tomas y cuando no rodaba, lo que ha dado lugar a una especie de seudoleyenda urbana sobre las muchas disparatadas hazañas del Letojoker durante el rodaje, siempre con un punto de locura marcado en los ojos del actor prácticamente fundido por completo con su personaje. La zambullida en el lado oscuro de Leto puede convertirse en el gran fenómeno cinematográfico de la temporada y no es arriesgado ni prematuro apostar que puede ser incluso candidato al Oscar. Además de repartir regalos inquietantes a sus compañeros de reparto, como bolas anales, condones usados, un cerdo muerto y revistas pornográficas que recibieron Will Smith, Margot Robbie y compañía, el Joker de Leto está inspirado en su aspecto por los cómics y las películas de Alejandro Jodorowsky y por los jefes de los carteles de la droga mexicanos.

Rick Flag Joel Kinnaman En los cómics, es el hijo del Capitán Flag, creador del primer Escuadrón Suicida. Reclutado por Amanda Waller, Rick Flag ejercía como comandante de campo del nuevo escuadrón formado por delincuentes superhumanos. En la película es el coronel Rick Flag, un tipo duro, activo del Gobierno de alto nivel con muchas muertes y muchos compañeros caídos a sus espaldas. Su reto es demostrar que puede ejercer como niñera de los imprevisibles miembros del Escuadrón Suicida, entre los cuales Deadshot es su principal reto, aunque pueda mantener al resto de componentes del grupo entretenidos a base de dejarles desatar su capacidad de destrucción durante las misiones.

Killer Croc Adewale Akinnuoye-Agbaje La infancia le jugó una mala pasada a Waylon Jones, víctima de una enfermedad que le dejó la piel convertida en algo similar al pellejo de un reptil. En los cómics la primera aparición de Killer Croc se produjo en el número 357 de la colección de Batman, publicado en enero de 1984, donde se le presentaba como luchador con cocodrilos, gánster y asesino dotado con una fuerza sobrehumana, piel gruesa y dientes y garras afiladas que ponen de manifiesto lo que piensa del personaje el actor encargado de interpretarlo, quien lo etiqueta como un caníbal presa de ataque de furia que le convierten en el peso pesado del grupo.

Katana Karen Fukuhara A Tatsu Yamashiro, alias Katana, ya la conocen los seguidores de la serie Arrow. El personaje nació en el cómic en el número 200 de la colección The Brave and the Bold, publicado en julio de 1983, ocupando un espacio destacado entre los héroes y heroínas dotados de habilidades en el campo de las artes marciales, en el que además cuenta con el poder especial de su espada, Soultaker, que alberga las almas de todos aquellos que ha matado en combate. En la película su misión es guardarle las espaldas a Rick Flag frente a los miembros más incontrolables del escuadrón. Según la actriz es un personaje marcado por sus códigos morales, que sirve como reserva ética del grupo.

Harley Quinn Margot Robbie El personaje que interpreta Margot Robbie en Suicide Squad es uno de los más imitados por las aficionadas a disfrazarse en convenciones de cómic y variantes en todo el mundo. Apareció por primera vez en los cómics en el número 1 de la colección Batman: Harley Quinn, publicado en octubre de 1999, así que es una incorporación relativamente reciente a la galería de supervillanos del universo de la editorial DC, pero no obstante esta rubia de ojos azules, 60 kilos, 1,69 de estatura, habilidades como acróbata que en las viñetas consiguió después de quedar expuesta a los remedios naturales de Hiedra Venenosa (personaje que interpretara Uma Thurman en Batman y Robin y al que hemos visto también en su versión infantil en la serie Gotham), se ha ganado ya a pulso un lugar entre las estrellas de la editorial. Todo indica que su popularidad va a incrementarse aún más con su contribución a Suicide Squad y que en su bolsa de trucos, esta especie de versión femenina del Joker guarda todavía muchas sorpresas. La propia Margot Robbie define el personaje como una adicta a provocar el caos y la destrucción. Es una ferviente admiradora del Joker, con el que mantiene una relación disfuncional que es uno de los motores de la película, a medio camino entre la comedia disparatada y el romance. Todo indica que los responsables de la productora Warner Bros. tiene grandes planes para el personaje entre los cuales además de reclutarlo nuevamente para Suicide Squad 2 está su propio largometraje como protagonista. Robbie ha tenido que preparar físicamente el papel para ponerse a tono con el característico estilo de acróbata que utiliza Harley Quinn en sus combates, pero el verdadero reto para la actriz, además de enfundarse y aplicarse todos los complementos de vestuario y maquillaje, tatuajes incluidos, que luce el personaje, lo que le llevaba bastante tiempo cada día antes de empezar la filmación, fue la evolución desde la psicóloga Harleen Quinzel hasta la psicópata Harley Quinn, seducida por el Joker.

CARTEL-MANÍA

Fantasmas en el cine El regreso a la cartelera de los Cazafantasmas nos da pie para repasar ocho icónicas películas con fantasmas, además de proponeros en el texto de introducción otras alternativas para que daros un atracón de espíritus destacando los vínculos del cine clásico con las variantes más modernas del tema. Las raíces literarias de las historias de fantasmas que nos ha propuesto el cine se remontan a obras sobre Don Juan Tenorio, el Hamlet de Shakespeare, Cuento de Navidad de Charles Dickens o en una clave más humorística Blithe Spirit, obra de teatro de Noël Coward que él mismo adaptó al cine para la película Un espíritu burlón, dirigida en 1945 por David Lean con Rex Harrison como protagonista, muchos otros cuentos y fábulas relacionados con espíritus, ánimas y aparecidos que salpican las páginas de la literatura universal. Aunque mi lectura favorita y la que les recomiendo como punto literario más cercano a las peripecias de los Cazafantasmas cinematográficos es la serie de divertidas aventuras de Carnacki, el cazafantasmas, el detective psíquico creado por William Hope Hodgson. En el cine muchas de esas referencias cobraron carta de identidad desde el primer momento merced a las películas de trucos de George Méliès, por ejemplo en los fantasmas transparentes de La cueva de los demonios (1898), o La casa encantada (1908), dirigida por Segundo de Chomón, el “Méliès español”. Por la vía de la comedia conviene no perderse Una pareja invisible (1937), dirigida por Norman Z. McLeod y protagonizada por Cary Grant y Constance Bennett, cuenta las peripecias de una pareja de enamorados que descubren que están muertos pero siguen interactuando con los vivos. Tuvo dos secuelas, La pareja invisible se divierte (1938) y La mujer fantasma (1941), además de numerosas versiones y remakes. Es un claro antecedente de otro título icónico en el tema fantasmal, Bitelchus (1988), de Tim Burton. Otro título recomendable es El fantasma va al Oeste (1935), dirigida por René Clair y protagonizada por Robert Donat, con la historia de un castillo escocés que es trasladado piedra por piedra hasta Estados Unidos con fantasma incluido. Igualmente gamberras y divertidas son las dos primeras películas de Los Cazafantasmas , dirigidas por Ivan Reitman en 1984 y 1989, Agárrame esos fantasmas (1996), dirigida por Peter Jackson con Michael J. Fox como protagonista en una clave similar, y Los fantasmas atacan al jefe (1988), adaptación bastante libre y situada en el siglo XX de la novela de Charles Dickens Cuento de Navidad, que fue más fiel-

ACCIÓN

mente trasladada al cine en la producción de animación dirigida por Robert Zemeckis en 2009. Y ya metidos en el territorio del entretenimiento para todos los públicos, no deben olvidar la adaptación del fantasma Casper que nació en el cómic en los años treinta y llegó al cine a mediados de los noventa con Casper (1995), de Brad Silberling. Y para darle un aire oriental y de artes marciales y aventuras al asunto, nada mejor que Una historia china de fantasmas (1987), dirigida por Siu-Tung Ching. En clave de drama romántico conviene ver otros dos clásicos de Hollywood. El primero es un cruce con el cine bélico titulado Dos en el cielo (1943), dirigida por Victor Fleming con Spencer Tracy interpretando a un piloto que muere y es enviado como espíritu guardián a proteger a otro piloto novato que se entrena para el combate, dando lugar a una curiosa peripecia de triángulo sentimental. Steven Spielberg rodó un remake con Richard Dreyfuss en el papel de Tracy y cambiando la guerra por los pilotos que se dedican a extinguir incendios, bajo el título de Always, para siempre (1989). El otro título imprescindible del tema que nos ocupa es Jennie (1948), dirigida por William Dieterle con Joseph Cotten interpretando a un pintor inspirado por sus encuentros con una joven fantasmagórica que encuentra en varias ocasiones y acaba siendo la musa de la que se enamora en una historia de romance imposible. Es un antecedente muy remoto de más recientes aproximaciones románticas al asunto de los fantasmas ente las cuales la reina de la taquilla fue sin duda Ghost (más allá del amor) (1990), dirigida por Jerry Zucker con Patrick Swayze y Demi Moore como coprotagonistas. Atendiendo a las facetas más inquietantes del asunto en su clave más oriental y exótica no deberían perderse El más allá (Masaki Kobayashi, 1964), precedente de dos icónicos títulos del cine de terror fantasmagórico japonés dirigidos por Hideo Nakata como The Ring, el círculo (1998) y Dark Water (2002), a los que podríamos añadir La maldición (Takashi Shimizu, 2002), Retratos del más allá (Masayuki Ochiai, 2008), o la película coreana Dos hermanas (Jee-woon Kim, 2003). Otros títulos esenciales que tener en cuenta son Historia macabra (John Irvin, 1981), basada en una inquietante novela de Peter Straub, El más allá (Lucio Fulci, 1981), Poltergeist (Tobe Hooper, 1982), otros títulos que hemos abordado en la revista en el momento de su estreno: El sexto sentido (M. Night Shyamalan, 1999), Lo que la verdad esconde (Robert Zemeckis, 2000) y El espinazo del diablo (Guillermo del Toro, 2001), que precisamente se basa en una de las películas incluidas en esta entrega de “Cartelmanía”… Miguel Juan Payán

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SUSPENSE

EL FANTASMA Y LA SEÑORA MUIR

The Innocents 1961; Reino Unido, EE. UU; Blanco y negro; Director: Jack Clayton; Guión: John Mortimer, Truman Capote, William Archibald; Música: George Auric; Fotografía: Freddie Francis; Intérpretes: Deborah Kerr, Peter Wyngarde, Michael Redgrave, Megs Jenkins, Martin Stephens, Pamela Franklin, Clytie Jessop, Isla Cameron, Eric Woodburn; Duración: 100 minutos.

Basada en la novela de Henry James, Otra vuelta de tuerca, es una de las más inquietantes historias de fantasmas que ha dado el cine, y por extensión una de las mejores películas sobre el asunto que nos ocupa, con una influencia en títulos posteriores y en una particular manera de entender el cine de terror más bien como ejercicio de intriga inquietante, caso –por ejemplo– de películas como Los otros, de Alejandro Amenábar, que le debe mucho a este largometraje, y El orfanato, de Juan Antonio Bayona, poderosamente influidas por este excepcional trabajo de Jack Clayton. Una joven institutriz –cuya edad se incrementó para la versión cinematográfica al efecto de poder ser interpretada por la ya madura Deborah Kerr en uno de sus mejores trabajos–, dos niños que tiene que cuidar, una mansión victoriana y unas muertes extrañas dieron como resultado en manos de Henry James una de las grandes obras de la literatura universal y el molde perfecto de las novelas de fantasmas. De hecho, la premisa fantasmal está ya expresada en el título, esa otra vuelta de tuerca que ha dado la naturaleza para crear seres inexplicables desde el punto de vista de lo material. El perfeccionismo del director de la película rindió homenaje al original literario, traducido en largos fundidos cruzados en las transiciones de las escenas, con elementos subliminales incorporados a la fórmula y registrando tanto en su trabajo de dirección con Kerr como en el tono general de su adaptación la influencia de John Huston, cineasta con el que Clayton había colaborado previamente y que era uno de los mejores adaptadores de literatura al cine de Hollywood, además de haber dirigido a Deborah Kerr en Solo Dios lo sabe y sobre todo en La noche de la iguana, una poderosa influencia para el trabajo de la actriz en este otro largometraje. Kerr siempre consideró esta película su mejor trabajo ante las cámaras, algo en lo que coinciden muchos críticos y analistas, incluyendo a François Truffaut, que calificó Suspense como una de las mejores películas del cine británico, también muy influyente en trabajos posteriores de fotografía. M.J.P.

The Ghost and Mrs. Muir 1947; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Joseph Leo Mankiewicz; Guión: Philip Dunne; Música: Bernard Herrmann; Fotografía: Charles Lang; Intérpretes: Gene Tierney, Rex Harrison, George Sanders, Edna Best; Duración: 104 minutos.

Basada en la novela de R. A. Dick, seudónimo de Josephine Leslie, que en el momento en que sus derechos de adaptación fueron adquiridos por el estudio 20th Century Fox solo se había publicado en Inglaterra, así que anduvieron muy listos en Hollywood para ver el potencial del original literario trasladado al cine. Fue nominada al Oscar a la Mejor Fotografía en blanco y negro, es una de las mejores comedias románticas del Hollywood de los años cuarenta y fue la principal responsable de que su protagonista masculino, Rex Harrison, pudiera optar a construirse una carrera en el cine estadounidense de relevancia internacional, ejerciendo como galán. Su compañera femenina, Gene Tierney, una de las estrellas femeninas del cine negro clásico en clave de mujer fatal, encontró inicialmente correoso el papel de la señora Muir del título e intentó construirlo sobre la base de los papeles de screwball comedy que habían modelado actrices como Barbara Stanwyck en Bola de fuego, Katharine Hepburn en La fiera de mi niña o Rosalind Russell en Luna nueva, pero tras varios días de rodaje quedó claro que ese registro humorístico más superficial no funcionaba y su dinamismo necesitaba reposarse para dar lugar a una interpretación más introspectiva del personaje que fue la que finalmente le propuso el director, dando lugar a una de las mejores interpretaciones en la carrera de la actriz… y a jornadas de rodaje suplementarias para volver a filmar todo lo que ya estaba rodado con ese otro registro. La película es un interesante precedente de la taquillera Ghost que protagonizaron Patrick Swayze y Demi Moore, y tiene a su favor uno de los más conseguidos cruces o sinergia de géneros de la historia del cine, dando lugar a toda una corriente de mezclas entre la comedia romántica y el cine fantástico. Meses después del estreno de la película, esta fue adaptada para la radio en una pieza de una hora de duración con Charles Boyer y Madeleine Carroll en los papeles principales, y entre 1968 y 1970 volvió a ser adaptada –en esta ocasión a la televisión– en formato de serie, protagonizada por Edward Mulhare y Hope Lange. M.J.P.

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HASTA EL VIENTO TIENE MIEDO

LA CASA ENCANTADA

1968; México; Color; Director: Carlos Enrique Taboada; Guión: Carlos Enrique Taboada; Música: Raúl Lavista; Fotografía: Agustín Jiménez; Intérpretes: Marga López, Maricruz Olivier, Norma Lazareno, Alicia Bonet, Renata Seydel, Elizabeth Dupeyrón, Rita Sabre Marroquín, Irma Castillón, Rafael Llamas, Sady Dupeyrón; Duración: 88 minutos.

1963; Reino Unido, EE. UU; Blanco y negro; Director: Robert Wise; Guión: Nelson Gidding; Música: Humphrey Searle; Fotografía: Davis Boulton; Intérpretes: Julie Harris, Claire Bloom, Richard Johnson, Russ Tamblyn, Ray Compton, Rosalie Crutchley, Lois Maxwell; Duración: 112 minutos.

Terror gótico es la clave que aplica al género esta producción mexicana, una de las películas de culto en el cine de este país, proyectada habitualmente el Día de Todos los Santos, el día de los muertos. La historia se desarrolla en el seno de una escuela interna para féminas cuyos profesores ejercen sobre las alumnas un férreo control aplicando duras normas de disciplinas. La tensión que esto genera en el lugar se complica además con la aparición del fantasma de una antigua alumna que se suicidó y que acosa a un grupo de compañeras que han tenido que quedarse en el centro castigadas durante las vacaciones sin conseguir que la intolerante directora permita a las muchachas salvarse abandonando la escuela. Es una fábula fantástica e interesante, porque bajo la capa de la historia de género de terror incluye pinceladas argumentales sobre el ejercicio y el abuso de poder que incorporan cierto sadismo a la situación argumental, luego redescubierto como influencia en otros títulos básicos del terror como La residencia, de Narciso Ibáñez Serrador, o El espinazo del diablo, de Guillermo del Toro, que tomó el punto de arranque general de este clásico del cine de terror mexicano para adaptarlo más allá de la propia naturaleza del mero remake al paisaje social de la Guerra Civil española. Por otra parte, se rodó una nueva versión de Hasta el viento tiene miedo dirigida en 2007 por Gustavo Moheno y que en aras de la actualización de la trama traslada el argumento a una clínica para enfermas de anorexia, drogas y otras patologías de carácter psicológico. El reencuentro con el icónico precedente se saldó como intento fallido de reproducir los logros de aquel, fundamentalmente por la inclinación a convertir la nueva versión en un melodrama de subtrama lésbica que se apartaba de las claves esenciales del precedente. La película original de los años sesenta había sido de hecho un revulsivo para el terror mexicano, afincado hasta ese momento en la explotación de los encuentros de los luchadores enmascarados tipo Santo, el Enmascarado de Plata y Blue Demon, con distintas variantes de los monstruos clásicos del terror estadounidense. M.J.P.

Basada en la novela The Haunting of Hill House, de Shirley Jackson, es uno de los títulos clásicos del cine de terror psicológico y volvió a ser adaptada al cine en el año 1999, con menor acierto, aunque el remake tenía un reparto de lujo con Liam Neeson, Catherine Zeta-Jones, Virginia Madsen y Owen Wilson como principales reclamos y un buen trabajo de Lily Taylor en clave protagonista, aunque se dejaron llevar por el espectáculo y la parafernalia visual descuidando lo que fue precisamente el mejor acierto de la versión de los años sesenta que aquí nos ocupa, que es su capacidad para generar intriga e inquietud a base de una modélica puesta en escena de uno de los más competentes cultivadores de esta variante del género del escalofrío cinematográfico, Robert Wise, que cuenta en su haber en esta parcela títulos tan significativos como La venganza de la mujer pantera y El ladrón de cadáveres. Colaborador de Wise en una de sus mejores películas, Quiero vivir, el guionista Nelson Gidding recibió el encargo de adaptar la novela del propio director y tardó seis meses en completar la adaptación, en la que volcó su teoría sobre el original según la cual el tema central de la trama no eran tanto los propios fantasmas como el control mental, a pesar de que la propia autora de la novela le había aclarado que su historia era esencialmente una fábula sobrenatural. Los elementos de control mental fueron por tanto introducidos en la película por el propio Gidding, partiendo de esa trama central en la que un investigador de los fenómenos paranormales reúne a un grupo seleccionado de personas para utilizarlas como conejillos de indias en un experimento que lleva a cabo en una mansión donde supuestamente se están produciendo manifestaciones de lo sobrenatural. Además la película fue pionera en la presentación de un personaje de lesbiana no negativo o depredador, y en lo visual en todo momento buscó Wise crear una tensión claustrofóbica en el espectador trabajando con los ángulos de cámara y la decoración, con puntos de vista y posiciones de cámara bajas así como con los movimientos de cámara que superan el remake. M.J.P.

The Haunting

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LA LEYENDA DE LA MANSION DEL INFIERNO The Legend of the Hell House 1973; Reino Unido; Color; Director: John Hough; Guión: Richard Matheson; Música: Delia Derbyshire, Brian Hodgson, Dudley Simpson; Fotografía: Alan Hume; Intérpretes: Pamela Franklin, Roddy McDowall, Clive Revill, Gayle Hunnicutt, Roland Culver, Peter Bowles, Michael Gough; Duración: 95 minutos.

Richard Matheson adaptó su propia novela, en la que sitúa a un grupo de especialistas en asuntos paranormales, además del único superviviente de la anterior visita de investigación a la casa infernal del título, para poder analizar los extraños fenómenos que allí se producen. Dicho sea de paso, ese superviviente, el médium interpretado por el gran Roddy McDowall, está entre lo mejor de la película, y también entre lo más inquietante por el desvarío mental que se le supone tras su primera experiencia en el lugar. El material de base es en esencial el mismo de la novela que dio lugar a otra película incluida en esta selección de carteles, La casa encantada, pero Matheson buscó un camino que renuncia a trabajar con lo ambiguo y va directamente a una clave de exposición que encaja bien con el tipo de terror que se escribía y se rodaba en los años setenta, más explícito tanto en lo sangriento como en lo sexual. La adaptación al cine cambió la localización de los acontecimientos que se narran de Maine, el lugar donde se desarrolla la historia en la novela, a Gran Bretaña, propiciando así un mayor acercamiento a la rica propuesta de cine de terror británico que el director de este largometraje, John Hough, conocía de primera mano y había cultivado en producciones del estudió inglés Hammer Films como Drácula y las mellizas. Ello presta un cierto grado de exotismo y cambio respecto a la manera de concebir el terror en el cine estadounidense, con Hough luciendo una propuesta visual que arranca de forma contundente con la llegada de los protagonistas a la mansión que da título al filme en contrapicado y dejando con acertado efectismo que la casa se imponga sobre ellos como una especie de gigantesco monstruo con su tejado perdido casi entre la niebla, amenazando con devorarlos. Grandes angulares y algún que otro zoom son la huella del estilo del cine de los años setenta para envolver al espectador con lo que se cuenta en la pantalla. M.J.P.

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AL FINAL DE LA ESCALERA The Changeling 1980; Canadá; Color; Director: Peter Medak; Guión: William Gray, Diana Maddox; Música: Rick Wilkins; Fotografía: John Coquillon; Intérpretes: George C. Scott, Trish Van Devere, Melvyn Douglas, Jean Marsh, John Colicos, Barry Morse, Madeline Sherwood, Helen Burns, Frances Hyland, Ruth Springford, Eric Christmas, Roberta Maxwell, Bernard Behrens, James B. Douglas, J. Kenneth Campbell, Chris Gampel, Michelle Martin, Voldi Way, Janne Mortil, Terence Kelly, Robert Monroe, Hagan Beggs, Anna Hagan, Antonia Rey, Sammy Smith, Paul Rothery, Bruce MacLeod, Fred Latremouille, Sear Johstone, Adam Earle, Carl Boychuk; Duración: 107 minutos.

Basada en una historia de Russell Hunter, es una de las películas de terror más apreciadas por muchos aficionados al género de esta publicación y sin duda una de las que mejor trabaja el tema de los fantasmas como herramientas para lo inquietante y bajo el despliegue del terror psicológico. El matrimonio formado en la vida real por Scott y Van Devere protagoniza una trama de ficción que según el autor de la novela está basada en hechos reales, concretamente en sus propias experiencias cuando vivió en la mansión Treat Rogers, de Colorado. Scott da vida a un compositor, John Russell (ojo al nombre del novelista utilizado como apellido del personaje), que deja su domicilio en Nueva York para establecerse en el estado de Washington como forma de superar las traumáticas muertes de su esposa y su hija como consecuencia de un accidente de tráfico. Para ello alquila una mansión señorial victoriana de aspecto inquietante en la que espera hallar la paz, pero lo que se encuentra son una serie de manifestaciones sobrenaturales relacionadas con el fantasma del heredero asesinado de una poderosa familia del lugar. Tras las manifestaciones sobrenaturales se encuentra pues una intriga interesante digna de novela policíaca de cuarto cerrado, estilo Agatha Christie, dando lugar a una mezcla de géneros que aporta un mayor interés para el espectador, con el compositor convertido en una especie de detective amateur. El cine italiano rodó una especie de variante no oficial titulada Per sempre y rodada para la televisión en 1987 por Lamberto Bava. En el mercado americano esa película se tituló The Changeling 2, intentando rebañar el éxito de la primera. El largometraje ha sido poderosa influencia en películas como The Ring, Insidious, Tesis o Los otros. M.J.P.

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EL RESPLANDOR The Shining 1980; EE. UU., Reino Unido; Color; Director: Stanley Kubrick; Guión: Diane Johnson, Stanley Kubrick; Música: Wendy Carlos, Rachel Elkind; Fotografía: John Alcott; Intérpretes: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd, Scatman Crothers, Barry Nelson, Philip Stone, Joe Turkel, Anne Jackson, Tony Burton, Lia Beldam, Billie Gibson, Barry Dennen, David Baxt, Manning Redwood, Lisa Burns, Louise Burns, Robin Pappas, Alison Coleridge, Burnell Tucker, Norman Gay, Vivian Kubrick, Paul Desbois, Bertha Lynn, Derek Lyons, Chris Parsons, Glenn Rinker; Duración: 148 minutos.

Entre las versiones de distinto metraje de esta película, la original sin cortes está en 146 minutos. La copia que circuló en Europa está en 119 minutos de duración, pero la más larga ha llegado a ser proyectada en alguna ocasión con motivo de festivales y recuperaciones en sesiones especiales, por ejemplo hace unos años en el cine Palafox de Madrid. La edición especial incluye los comentarios de Garret Brown, creador de la steadycam con la que hizo maravillas en este largometraje, que es una de esas adaptaciones al cine que mejora automáticamente lo que proponía la novela. Si bien Stephen King discrepaba y no quedó nada conforme con lo que había hecho Kubrick con su novela, lo cierto es que el director mejoró en muchos aspectos la propuesta que había hecho el escritor, completando así la que para quien esto escribe es la última obra maestra indiscutible del terror al menos hasta el momento en que trazo estas líneas. Es además título básico en el tema que nos ocupa, pues los fantasmas son materia prima esencial para narrar el descenso a los infiernos de la locura del protagonista, uno de los trabajos más difíciles y esforzados de Jack Nicholson luchando consigo mismo y contra la sobreactuación. Durante todo el largometraje, el actor trabaja como un funámbulo que se desplaza por un delgado cable tendido entre la sobriedad y el exceso caminando sobre el abismo del caos. Otro colaborador esencial de la película, el músico Wendy Carlos, padre del sintetizador y de la música electrónica, tiene también voz en otro de los documentales extras incorporados a la edición que cito, explicando cómo abordó la ilustración musical de esta compleja película cuyo reiterado visionado añade siempre nuevas claves a la tragedia sangrienta que envuelve a la familia Torrance, padre, madre e hijo, aislados en el Overlook, sin duda el más famoso lugar de descanso del cine de terror junto con el Motel Bates de Psicosis. M.J.P.

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AMENAZA EN LA SOMBRA Don’t Look Now 1973; Reino Unido, Italia; Color; Director: Nicolas Roeg; Guión: Alan Scott, Chris Bryant; Música: Pino Donaggio; Fotografía: Anthony B. Richmond; Intérpretes: Donald Sutherland, Julie Christie, Clelia Matania, Hilary Mason, Massimo Serato, Giorgio Trestini, Renato Scarpa, Leopoldo Trieste, Ann Rye, David Tree, Sharon Williams, Nicholas Salter, Bruno Cattaneo, Adelina Poerio; Duración: 110 minutos.

Basada en un relato corto de Daphne Du Maurier, gira en torno a un matrimonio que viaja a Venecia para intentar superar la reciente muerte de su hija, aprovechando el trabajo para restaurar una iglesia que le ha surgido al marido. En la ciudad italiana entran en contacto con dos hermanas, una de las cuales asegura tener poderes de clarividencia y avisa a la pareja de que su hija fallecida está intentando ponerse en contacto con ellos para avisarlos de un peligro inminente. Inicialmente, el padre se muestra escéptico, pero a medida que progresa la trama empieza a tener experiencias y visiones que le llevan a dudar. La película es particularmente interesante más por su trabajo como propuesta de intriga inquietante que como terror visceral y directo. Además, tiene a su favor centrarse en las devastadoras consecuencias psicológicas de la muerte de un ser querido, especialmente si es un niño de corta edad, en los padres supervivientes. Por otra parte, su mejor baza está en el montaje de Graeme Clifford, que fue innovador para su época utilizando reiteradamente flashbacks y flashforwards que intentan materializar visualmente en la pantalla la experiencia de la precognición, y al mismo tiempo juegan con las propias percepciones del espectador involucrándole aún más directamente en los acontecimientos que se narran. La utilización de elementos cotidianos, familiares para todo el público, como motivos recurrentes asociados a lo inquietante, y el uso de colores para desatar emociones en el espectador son otros aspectos destacados del montaje y el trabajo de presentación visual que hacen destacar esta propuesta sobre otras de su misma época. En lo referido a lo anecdótico, es curioso que en el momento de su estreno todo ese talento en el trabajo con las imágenes pasara a segundo plano engullido por la polémica morbosa que se generó en torno a unas escenas de sexo y desnudo incluidas en el largometraje protagonizadas por sus protagonistas. Es una excelente muestra de cómo trabajar con la fórmula básica del terror gótico con historia de fantasmas para plantear temas psicológicos más actuales. M.J.P.

SI DIOS QUIERE

STEVE MCQUEEN: THE MAN & LE MANS

(Se Dio vuole) Italia, 2015; Dirección: Edoardo Maria Falcone; Producción: Mario Gianani y Lorenzo Mieli; Fotografía: Tommaso Borgstrom; Guion: Edoardo Maria Falcone y Marco Martani; Música: Carlo Virzì; Intérpretes: Marco Giallini (Tommaso), Alessandro Gassman (Don Pietro), Laura Morante (Carla); Duración: 87 min.; Estreno en Italia: 9-4-2015; Estreno en España: 10-6-2016; Distribuye: A Contracorriente

SINOPSIS Tommaso es un hombre al que le gusta controlar las riendas de su vida familiar. El tipo es un cirujano de éxito déspota y mandón, actitudes que traslada del hospital a su casa. Aunque los suyos no están por la labor de cumplir los objetivos impuestos por el patriarca. Precisamente, entre los insurrectos se halla el único hijo varón del protagonista: un muchacho que abandona los estudios de medicina para ser sacerdote. Nada más conocer la noticia, Tommaso se lanza en busca del cura al que considera el máximo culpable de la decisión de su vástago. PARA RECORDAR Edoardo Maria Falcone aprovecha la herencia de la comedia italiana de toda la vida, para crear una obra no exenta de momentos brillantes, siempre sujetos a los diálogos resultones y a los enredos delirantes. Virtudes humorísticas que el director usa en cada giro argumental, apoyado en un elenco interpretativo realmente eficaz a la hora de encarnar a los personajes. PARA OLVIDAR La sensación de falta de frescura en la evolución de una historia. El guion pierde rápidamente su elemento de sorpresa, para instalarse en la relación bastante moralizante del cirujano escéptico y el sacerdote iluminado. Todo un tópico que sigue fielmente las directrices de numerosos filmes anteriores. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… alargado de la serie Don Mateo.

La trama no desentonaría como un capítulo

EE UU y Reino Unido, 2015; Dirección: Gabriel Clarke y John McKenna; Producción: Gabriel Clarke y John McKenna; Fotografía: Matt Smith; Música: Jim Copperthwaite; Intérpretes: Steve McQueen (Himself, archive footage), Chad McQueen (Himself ), Neile Adams (Herself); Duración: 102 min.; Estreno en EE UU: 13-11-2015; Estreno en España: 3-6-2016; Distribuye: Karma Films.

SINOPSIS En 1970, el actor Steve McQueen acometió el rodaje más complicado de su carrera, con el filme Las veinticuatro horas de Le Mans. Numerosos accidentes entre los miembros del equipo, guiones inexistentes, deserciones preocupantes en apartados como el de la dirección y exceso de fiebre creativa fueron algunos de los obstáculos que atentaron contra la realización de esta mítica película. Problemas que Gabriel Clarke y John McKernna reproducen con material audiovisual inédito, y testimonios de los supervivientes y familiares de SMcQ. PARA RECORDAR El magnetismo que transmiten las escenas en las que participa el llamado Rey del Cool. El protagonista de La gran evasión era un maestro en seducir a la cámara, en cualquier entorno y situación. A través de su inmensa figura, el documental consigue elevar su discurso por encima de las revelaciones que aportan las valiosas declaraciones de algunos privilegiados que compartieron experiencias con el icono del cine. PARA OLVIDAR Una cierta tendencia a presentar los hechos de forma bastante plana. El atractivo Leitmotiv que sustenta el largometraje merecía una mayor implicación e inventiva por parte de Clarke y McKenna. Aunque lo que más rechina en este esforzado trabajo de investigación es el innecesario e indigesto preliminar, consistente en recalcar la importancia de la estrella de Bullitt en el Hollywood de finales de los sesenta. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Sin duda, las obras destinadas a dar a conocer el lado oculto y rutinario de los ídolos artísticos. Movies como Joy Divison, de Grant Lee; o George Harrison: Living in the Material World, de Martin Scorsese.

EN CONCLUSIÓN Correcta y entretenida obra que, sin embargo, no aporta muchas distinciones con respecto a comedias transalpinas de un corte similar. Asimismo, al igual que en los títulos de parecida factura, lo mejor está en el cuadro actoral; donde destacan las caracterizaciones de Marco Giallini, Alessandro Gassman y Laura Morante, como Tommaso, Don Pietro y Carla (la esposa del primero). J.M. HHHHH

EN CONCLUSIÓN Aún desenfocado y con mensajes contrarios a su calidad humana, Steve McQueen es un excelente gancho para hacer que un producto audiovisual funcione en pantalla. J.M. HHHHH

GREEN ROOM EE UU, 2015; Dirección: Jeremy Saulnier; Producción: Neil Kopp, Victor Moyers y Anish Savjani; Fotografía: Sean Porter; Guion: Jeremy Saulnier; Música: Brooke Blair y Will Blair; Intérpretes: Anton Yelchin (Pat), Imogen Poots (Amber), Alia Shawkat (Sam); Duración: 95 min.; Estreno en EE UU: 29-42016; Estreno en España: 10-6-2016; Distribuye: Good Films

SUMMER CAMP España y EE UU, 2015; Dirección: Alberto Marini; Producción: Julio Fernández y Peter Safran; Guion: Alberto Marini y Danielle Schleif; Música: Arnau Bataller; Intérpretes: Diego Boneta (Will), Jocelin Donahue, Maiara Walsh; Duración: 81 min.; Estreno en España: 10-6-2016; Distribuye: Filmax

SINOPSIS Un grupo punk de tercera es contratado para actuar en un bar de carretera de mala muerte lleno de skinheads. Allí, ya cuando se marchan, son testigos de algo que no debían haber visto, lo que les lleva a tener que luchar por su supervivencia.

SINOPSIS Los monitores de un campamento de verano situado en España, se preparan para disfrutar de la última noche antes de la llegada de los niños. Las cosas se torcerán cuando empiecen a atacarse, convertidos en bestias, siendo cazadores y presas en distintos momentos…

PARA RECORDAR La nueva película de Jeremy Saulnier es una mezcla de cine de supervivencia, thriller y gore (muy moderado) que te atrapa desde el principio con este grupo de músicos jóvenes y algo descerebrados, y te lleva a su tortuoso camino por permanecer con vida en un territorio tan claustrofóbico como peculiar. Encerrados gran parte de la película en la Green Room del título, la película sabe moverse astutamente para no dejar que la tensión decaiga siempre, y para no caer en los más manidos caminos del género (no convierte a los protagonistas en superhéroes en cuestión de minutos), pero manteniendo un aire de lugar común, conocido. Al administrar el gore con inteligencia, cuando aparece lo hace para impactarnos y dejarnos sin aliento. Le aporta un realismo sucio y cruel. El reparto está más que bien, pero hay que destacar al tristemente desaparecido Anton Yelchin, a Imogen Poots y sobre todo a un sensacional Patrick Stewart, cuya presencia supone una amenaza para los protagonistas incluso cuando solo se escucha su voz. Hay sorpresas, y un final muy satisfactorio. Y hay un director que aprovecha muy bien el espacio y los pocos medios de los que dispone. El resultado es brillante.

PARA RECORDAR Hay que reconocerle a la primera película como director de Alberto Marini, guionista conocido por películas como Mientras duermes o El desconocido, el enorme ritmo que le aplica a una historia que podría ser una sucesión de tópicos, pero que sabe esquivarlos cambiando continuamente las reglas del juego, haciendo que los personajes pasen de ser perseguidos a perseguidores en cuestión de momentos, jugando además con el tema de la amnesia, lo que permite que continúen las dudas y sospechas. Una entretenidísima mezcla de cine de terror y suspense muy bien hilvanada, que sabe ser impactante cuando debe, y que no da tiempo al espectador a pensar en sus varios problemas de guion. No hay forma de aburrirse con la película. Y el final es de los que gustan a los fans del género.

PARA OLVIDAR Nada. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Tiene mucho en común con Blue Ruin, la película anterior de Saulnier, y elementos que recuerdan a La presa o Defensa. No son malas referencias… EN CONCLUSIÓN Una auténtica sorpresa que ha llegado de la nada casi, y que se convierte en una delicia para los fans del género. J.U. HHHHH

PARA OLVIDAR El guion tiene momentos que uno supera debido al ritmo. Desde los tópicos de los personajes, que apenas están dibujados y son poco más que marionetas en el juego que propone el director y guionista, hasta esa explicación, ese porqué totalmente innecesario y cogido muy por los pelos. Es decir, lleva a una situación en la caravana que se disfruta, pero lo que les hace convertirse en bestias… cuesta aceptarlo sin reírse. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… [Rec], 28 días después… pero mezclados con Viernes 13. EN CONCLUSIÓN Curioso híbrido de géneros dentro del género, con gotas de slasher, peli de zombis, supervivencia y thriller de suspense. Muy entretenida y disfrutable. J.U. HHHHH

EDDIE EL ÁGUILA

DOS BUENOS TIPOS

(Eddie the Eagle)

(The nice guys)

Reino Unido, EE UU y Alemania, 2016; Dirección: Dexter Fletcher; Producción: Adam Bohling, Rupert Maconick y David Reid; Fotografía: George Richmond; Guion: Sean Macaulay y Simon Kelton; Música: Matthew Margeson; Intérpretes: Hugh Jackman (Bronson Peary), Taron Egerton (Eddie Edwards), Christopher Walken (Warren Sharp); Duración: 105 min.; Estreno en Reino Unido: 28-3-2016; Estreno en España: 10-6-2016; Distribuye: Hispano Foxfilms; Reportaje en Nº 1606

EE UU, 2016; Dirección: Shane Black; Producción: Joel Silver; Fotografía: Philippe Rousselot; Guion: Shane Black y Anthony Bagarozzi; Música: David Buckley y John Ottman; Intérpretes: Russell Crowe (Jackson Healy), Ryan Gosling (Holland March), Kim Basinger (Judith Kuttner); Duración: 116 min.; Estreno en EE UU: 20-5-2016; Estreno en España: 10-6-2016; Distribuye: Tripictures

SINOPSIS Un joven británico se empeña en ser deportista olímpico en contra de todos los pronósticos.

SINOPSIS Un detective alcoholizado y viudo y un matón que cobra por dar palizas se ven metidos en un caso de asesinato relacionado con la industria del porno.

PARA RECORDAR Se queda a dos pasos de ser un telefilme más o menos aseado merced al trabajo de Hugh Jackman y Taron Egerton y al final resulta en una película de deporte y superación muy divertida. Sale adelante sobre todo porque sabe recrear con gran dinamismo narrativo y mucha habilidad para manejar los personajes y la fórmula de la historia real de superación sin caer en el melodrama cansino. Mantiene un envidiable tono de optimismo que bien necesitamos en estos tiempos que vivimos. Egerton se crece con este papel y demuestra las cualidades actorales de un todo terreno y versatilidad que le hacen subir enteros en su carrera. Jackman deja de lado la obviedad de algunos de sus papeles de macho man para componer un personaje más interesante y humano. Las pinceladas de humor son pocas, pero bien aprovechadas. Más que de gags concretos se puede hablar de un tono de humorada que baña todo el relato. Además, saca buen partido visual al deporte en el que se desarrolla sin caer en la trampa del documentalismo, sino que trabaja muy bien centrar el tono de vértigo en esas rampas a las que se enfrenta el protagonista, sin recrearse en exceso en ese elemento.

PARA RECORDAR Dos protagonistas con buena química entre sí que pueden con todo sin despeinarse y nos hacen pasar un rato muy divertido viendo esta comedia de acción que vale como ligera sátira del género policial y la fórmula de las películas de colegas. Sobre todo en su arranque y en su primera hora y pico funciona bien como evasión y entretenimiento. Dan ganas de volver a ver a Russell Crowe y Ryan Gosling en otra peripecia. Es curioso el repaso que hace el director y guionista, Shane Black, a su propio trabajo, una mirada ligeramente sarcástica y levemente autocrítica a sus filias y sus fobias como guionista y cultivador de las buddy movies.

PARA OLVIDAR Nada. Cumple con sus objetivos mucho mejor de lo esperado tratándose de la fórmula “basada en hechos reales”. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Es mejor que El descenso de la muerte, otra película sobre deportes de invierno con Robert Redford y Gene Hackman. EN CONCLUSIÓN Buena lección sobre cómo sacar partido a un hecho anecdótico. M.J.P. HHHHH

PARA OLVIDAR Después de la fiesta de la mansión el ritmo empieza a decaer y baja mucho la narración de la intriga, se prescinde de la lógica más elemental en lo que se refiere a la propia trama criminal del relato, el caso propiamente dicho, y Black reposa toda la eficacia en el hecho de que Crowe y Gosling van a mantener alto el pabellón solventando varias vías de agua en el guion. Además, no aprovecha bien el potencial humorístico del personaje de Crowe y del propio actor, expresado en la primera parte de la historia –la mujer dejándole–, pero diluido paulatinamente en el resto. Desperdiciado también el personaje de Kim Basinger. Lástima. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El último boy scout. EN CONCLUSIÓN Divertida y entretenida, aunque no tenga ni pies ni cabeza. M.J.P. HHHHH

EXPEDIENTE WARREN: EL CASO DE ENFIELD

(The conjuring 2)

CAPITÁN KOBLIC

EE UU, 2016; Dirección: James Wan; Producción: Rob Cowan, Tony DeRosa-Grund y Peter Safran; Fotografía: Don Burgess; Guion: Carey Hayes y Chad Hayes; Música: Joseph Bishara; Intérpretes: Patrick Wilson (Ed Warren), Vera Farmiga (Lorraine Warren), Madison Wolfe (Janet Hodgson); Duración: 134 min.; Estreno en EE UU: 10-6-2016; Estreno en España: 17-6-2016 ;Distribuye: Warner Bros; Reportaje en Nº 1606

Argentina, 2016; Dirección: Sebastián Borensztein; Producción: Sebastián Borensztein, Pablo Bossi y Juan Pablo Buscarini; Fotografía: Rodrigo Pulpeiro; Guion: Sebastián Borensztein y Alejandro Ocon; Música: Federico Jusid; Intérpretes: Ricardo Darín (Koblic), Inma Cuesta (Nancy), Óscar Martínez (Velarde); Duración: 92 min.; Estreno en Argentina: 14-4-2016; Estreno en España: 17-6-2016; Distribuye: DeA Planeta.

SINOPSIS El matrimonio Warren viaja a Inglaterra para ocuparse de un extraño caso de actividad sobrenatural mientras sobre ellos pende una premonición de muerte.

SINOPSIS Después de participar en uno de los temidos “vuelos de la muerte” de la dictadura argentina, un piloto decide huir y perderse en un pequeño pueblo.

PARA RECORDAR Mejor que la primera. Me ha gustado más. Acierta al tratar brevemente y como preludio de la verdadera historia un tema reiteradamente abordado y gastado ya por el cine como es Amityville. Construye su guion con más variantes y sorpresas que la primera entrega. Expediente Warren estaba muy bien dirigida, pero aquí la pericia de James Wan para construir terror visualmente se une a un guion más compacto, mejor trabajado, más interesante y que saca el máximo partido al apunte exótico del traslado de la trama a Inglaterra y a un entorno eminentemente urbano. Además los dos protagonistas sacan más partido a su trabajo de construcción de personajes porque los conocen mejor y además están mejor desarrollados. Maneja bien los dos relatos que se desarrollan en paralelo, el de los Warren y el de la familia acosada por la posesión. Es más cercana y por tanto más terrorífica. Y no reitera fórmulas ya explotadas como ocurría con El exorcista, Poltergeist o Amityville. La niña poseída, que se da un aire a la Natalie Portman de Leon el profesional está al nivel de los dos protagonistas adultos. La capacidad para bromear con las claves del cine de terror en la secuencia con el cuadro muestra lo dominado que tiene el género James Wan. PARA OLVIDAR Nada. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Mejora resultados de Expediente Warren e Insidious 1 y 2. EN CONCLUSIÓN Me ha gustado más que la anterior, tiene más personalidad. Lo mejor que ha dirigido James Wan hasta el momento. M.J.P. HHHHH

PARA RECORDAR Sobre todo los dos personajes principales, el protagonista huido interpretado por el infalible Ricardo Darín, y la mujer que se encuentra en su camino de fuga a la que da vida Inma Cuesta. La actriz española consigue con su trabajo que a pesar de la brevedad con que su personaje entra en la trama, este vaya creciendo en todo momento, hasta convertirse en el respaldo principal del personaje protagonista y haciendo creíble una historia de enlace sentimental que se sobrepone al tópico que la marcara en principio. PARA OLVIDAR El guion descuida o no saca el máximo partido al reparto de personajes secundarios, la fauna del lugar, desde el sheriff hasta el marido burlado. Están pero no están, o pasan brevemente casi como una pincelada. La falta de fuerza en esos personajes merma el rendimiento del conjunto de la historia. Los flashbacks intermitentes no son el mejor recurso por estar fragmentados en exceso en lugar de unidos como un eco del pasado que vuelve para atrapar al personaje principal, tema recurrente del cine negro correctamente invocado pero no del todo bien aplicado. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El cine negro argentino, muy interesante siempre desde una manera con personalidad de contemplar y aplicar las fórmulas del género : Crónica de una fuga, Un oso rojo, Nueve reinas, El secreto de sus ojos… EN CONCLUSIÓN Interesante cine negro con algunas pinceladas finales de western que no se deja anular por la clave político-social con la que arranca el relato. M.J.P. HHHHH

LA LEYENDA DE BARNEY THOMPSON

NINJA TURTLES: FUERA DE LAS SOMBRAS

(The Legend of Barney Thomson)

(Teenage Mutant Ninja Turtles 2: Out of the shadows) EE UU, 2016; Dirección: Dave Green; Producción: Michael Bay, Andrew Form y Bradley Fuller; Fotografía: Lula Carvalho; Guion: Josh Appelbaum y André Nemec; Música: Steve Jablonsky; Intérpretes: Megan Fox (April O'Neil), Will Arnett (Vernon Fenwick), Stephen Amell (Casey Jones); Duración: 112 min.; Estreno en EE UU: 3-6-2016; Estreno en España: 17-6-2016; Distribuye: Paramount; Reportaje en Nº 1606

SINOPSIS Tras salvar a Nueva York en la primera entrega, las tortugas siguen viviendo en las sombras. La alianza entre su peor enemigo y un nuevo villano, además de tener que vivir siempre alejados de la vida normal, les hará verse obligados a decidir si salir a la luz pública o seguir escondidos en las alcantarillas. PARA RECORDAR Sin complejos, sin complicaciones y sin plantearse siquiera si lo que están haciendo realmente es algo más que puro entretenimiento. La segunda entrega funciona mejor que la primera pese a sus defectos (casi los mismos), debido a que tiene un ritmo mucho más alto que la anterior, con muy pocos momentos de calma que nos llevan a una continua aventura de las tortugas, de un lugar a otro, siempre haciendo algo. Hasta el drama que plantean es curioso, y es presentado elegantemente y sin cargar nunca las tintas, cosa que sí se hacía en la primera parte. Megan Fox, Laura Linney y Will Arnett se lo pasan pipa y se nota. PARA OLVIDAR Por el contrario, Stephen Amell sigue teniendo serios problemas para transmitir algo a la audiencia. Es la parte más floja del reparto, y se le nota bastante perdido. La película está destinada al público infantil y juvenil, así que los adultos pueden encontrarla demasiado simple. Y tiene menos artes marciales. Vamos, que para ser ninjas, se pegan poco. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… El espíritu es el de Transformers o GI Joe, pero esta vez todavía más cerca de la serie de animación de los ochenta y de las películas de los noventa. No del cómic original. EN CONCLUSIÓN Más movida y con más ritmo que la primera, pero nada más. Es entretenimiento sin complejos, y como tal debe ser visto, nada más. J.U. HHHHH

DIOSES DE EGIPTO (Gods of Egypt) EE UU, 2016; Dirección: Alex Proyas; Producción: Basil Iwanyk y Alex Proyas; Fotografía: Peter Menzies Jr.; Guion: Matt Sazama y Burk Sharpless; Música: Marco Beltrami; Intérpretes: Gerard Butler (Set), Nikolaj Coster-Waldau (Horus), Brenton Thwaites (Bek); Duración: 126 min.; Estreno en EE UU: 26-2-2016; Estreno en España: 26-6-2016; Distribuye: eOne Films; Reportaje en Nº 1606

SINOPSIS Horus va a ser coronado rey de Egipto, pero las cosas se tuercen con el golpe de Estado entre los dioses que da su tío Set asesinando a su padre Osiris. PARA RECORDAR Me parece que ha recibido más palos de los que merecía. Es una aventura entretenida cuyo ritmo no decae y aunque no está a la altura de lo que nos tiene acostumbrados Alex Proyas, funciona bien como peripecia fantástica de evasión con monstruitos y mitología. Argumentalmente gana peso en la vinculación de aventura entre el protagonista dios, Horus, y el humano que le sirve como socio de peripecias. La fórmula de película de itinerario y descubrimiento aporta solidez al relato. La guerra de Ra contra la oscuridad es otro punto interesante. PARA OLVIDAR Es una película fuera de su tiempo, y además la traiciona su intento de ser espectacular a costa de invocar unos efectos visuales que no vienen al caso y devalúan el trabajo de los actores, especialmente en el momento en que Nicolaj Coster-Waldau y Gerard Butler tienen que dejar paso a unos dibujos animados transformándose en formas animales que recuerdan, en negativo, a los personajes de Los caballeros del zodíaco. Le sobra algo de metraje. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… A ver, en los años setenta, junto a películas como El viaje fantástico de Simbad, Furia de titanes o las películas de temas mitológicos tipo péplum, habría sido un éxito. Hoy está un poco fuera de juego. Más cerca de Ira de titanes y Hércules, el origen de la leyenda, o Hércules. EN CONCLUSIÓN Entretenida fantasía de evasión y aventuras para pasar el rato al fresco en el cine. M.J.P. HHHHH

Reino Unido, 2015; Dirección: Robert Carlyle; Producción: Holly Brydson, Brian Coffey y Richard Cowan; Fotografía: Fabian Wagner; Guion: Richard Cowan y Colin McLaren; Intérpretes: Robert Carlyle (Barney), Ray Winstone (Holdall), Emma Thompson (Cemolina); Duración: 90 min.; Estreno en Reino Unido: 24-7-2015; Estreno en España: 17-6-2016; Distribuye: Selecta Vision

SINOPSIS Barney Thompson es un pobre tipo con mal genio cuya vida está tan estancada como la del policía Holdall encargado de perseguir a un asesino en serie. Las peripecias de ambos acaban cruzándose. PARA RECORDAR Emma Thompson, genial como madre del protagonista con un personaje que además le permite lucirse hasta el último momento en que permanece en pantalla, devorando a sus compañeros de reparto masculinos. Brillante la creación de un personaje, Cemmolina, que merece película propia. Considerando que además la película parece un homenaje muy peculiar del protagonista y director, Robert Carlyle, al cine de suspense de Hitchcock, y más concretamente a Pero ¿quién mató a Harry?, el primer trabajo para el cine de Shirley Maclaine, el papel de Thompson parece casi un homenaje particular a los personajes de señora madura deslenguada y atroz que pueblan la filmografía de esta otra actriz. Muy bien también Ray Winstone en una parodia del poli duro fuera de juego por los cambios socioculturales que se operan a su alrededor. Carlyle sabe elegir muy bien los planos y tiene un instinto visual para narrar que añade calidad al asunto. PARA OLVIDAR Robert Carlyle es el personaje que no acaba de explotar del todo en la película, especialmente comparado con sus dos compañeros de reparto, a los que parece ceder toda la fuerza ante las cámaras para ocuparse de sus tareas como director. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Está entre una comedia de los hermanos Coen, con ecos argumentales de El hombre que nunca estuvo allí, aunque aquí se homenajea más el relato de intriga que el cine negro, y una de Hitchcock tipo Pero ¿quién mató a Harry? EN CONCLUSIÓN Divertida y con momentos muy hilarantes. M.J.P. HHHHH

MALDITOS VECINOS 2

(Neighbors 2) EE UU, 2016; Dirección: Nicholas Stoller; Producción: Evan Goldberg, Seth Rogen y James Weaver; Fotografía: Brandon Trost; Guion: Andrew Jay Cohen y Brendan O'Brien; Música: Michael Andrews; Intérpretes: Zac Efron (Teddy Sanders), Seth Rogen (Mac Radner), Rose Byrne (Kelly Radner); Duración: 92 min.; Estreno en EE UU: 20-5-2016; Estreno en España: 24-6-2016; Distribuye: Universal

SINOPSIS Cuando el matrimonio compuesto por Mac y Kelly parece tener encauzada su vida, con un nuevo hijo en camino y habiendo vendido su casa, una nueva hermandad, de chicas en esta ocasión, se muda a la casa de al lado. La misión será echarlas para evitar que los compradores de su casa se echen atrás en el trato. PARA RECORDAR Repitiendo la fórmula de la primera película, lo que funciona a medias, la película sabe aprovechar sus puntos fuertes y no alargar las situaciones. Recupera elementos de la primera entrega, como todo su reparto, pero además le añade a Chloë Grace Moretz y el grupo de jóvenes universitarias que junto a ella resultan ser aún más salvajes y peligrosas que los chicos de la primera entrega. La película además lleva un mensaje feminista, completamente necesario, pero quizá algo… mal planteado. Y en poco más de 85 minutos además consigue hacer reír por momentos, a ráfagas, con indudable calidad. No es continuo, pero momentos como los de los juguetes sexuales, el payaso, la fiesta final… mantienen el interés y las risas en el conjunto. No siempre es así, pero cuando saca risas, las saca a lo grande. El reparto funciona como un mecanismo bien engrasado en el que todos saben qué deben hacer. PARA OLVIDAR Repite demasiadas situaciones de la primera película, demasiados momentos calcados, que son mucho menos graciosos la segunda vez. Y tiene la posibilidad de ir más lejos que la primera parte, ser más salvaje, y a veces no lo consigue. No remata la faena. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… La comedia gamberra, heredera de Despedida de soltero o Desmadre a la americana, que llega a Resacón o la primera entrega de Malditos vecinos. Esta es peor. EN CONCLUSIÓN Divertida, pero inferior secuela que no es tan gamberra como debería. J.U. HHHHH

ESPERANDO AL REY

(A Hologram for the King)

BUSCANDO A DORY

Alemania, EE UU, Reino Unido y Francia, 2016; Dirección: Tom Tykwer; Producción: Stefan Arndt, Gary Goetzman y Arcadiy Golubovich; Fotografía: Frank Griebe; Guion: Tom Tykwer; basado en la novela ‘Un holograma para el rey’, de Dave Eggers; Música: Johnny Klimek; Intérpretes: Tom Hanks (Alan), Ben Whishaw (Dave), Tom Skerritt (Ron); Duración: 98 min.; Estreno en Alemania: 28-4-2016; Estreno en España: 1-7-2016; Distribuye: DeA Planeta

(Finding Dory)

SINOPSIS Alan es un hombre confuso por los giros inesperados que le ha deparado la vida en los últimos años. Experto comercial de comunicaciones tecnológicas, el citado individuo ve cómo su rutina diaria ralentiza su paso, frente a un rocambolesco viaje a Arabia Saudí; lugar al que acude para convencer a un jeque amigo de que adquiera los servicios de su empresa. PARA RECORDAR El surrealismo, mediado por una cierta constancia con la realidad, es lo que mejor define esta historia sin excesivos anclajes con la lógica rectora. Tom Tykwer entiende a la perfección el mensaje oculto en la novela original de Dave Eggers, y construye con él la personalidad del papel que encarna el convincente y sobrio Tom Hanks (quizá el elemento más sobresaliente de esta distorsionada producción). PARA OLVIDAR Los ramalazos de comedia están puestos a brochazos en el libreto, y lo único que consiguen es generar la desconexión y el cansancio. Así, la trama avanza a trompicones, sin saber muy bien en qué terreno quedarse. En tal caos de imágenes supuestamente delirantes, también se echa de menos una mayor conciencia social, respecto a las limitaciones ciudadanas existentes en el país donde transcurre el argumento. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Hay muchos puntos de homenaje sutil a Atrapado en el tiempo, la excelente obra de Harold Ramis.

EE UU, 2016; Dirección: Andrew Stanton y Angus MacLane; Producción: Lindsey Collins; Fotografía: Jeremy Lasky; Guion: Andrew Stanton; Música: Thomas Newman; Duración: 103 min.; Estreno en EE UU: 17-6-2016; Estreno en España: 22-6-2016; Distribuye: The Walt Disney; Reportaje en Nº 1606

SINOPSIS Dory, la desmemoriada, tiene la oportunidad de buscar a sus padres… si es capaz de no olvidarse de que está buscando a sus padres, claro. En el viaje la ayudarán los inefables Nemo y Marlin y un nuevo grupo de compañeros de aventuras. PARA RECORDAR Antes que nada, aclaro que me gusta más y me río más con la versión en castellano de Dory que hace Anabel Alonso que con la original. Me pasó con la primera, Buscando a Nemo, y me pasa con esta. Dicho eso, me parece más divertida que la primera película porque se libera en parte del tono más llorón y retentivo del personaje de Marlin, el padre preocupado, para entregarse más gozosamente a la aventura por la aventura, en una historia de búsqueda más distendida que además se desarrolla en el entorno de un parque zoológico acuático que permite la incorporación de nuevos personajes como el pulpo, el tiburón ballena y los leones marinos que son buenos fichajes. El chiste de Sigourney Weaver es una buena medida del tono fluido en el que se van desgranando las distintas aventuras que afrontan los personajes en esta nueva odisea que al acercarse más a un entorno humano resulta aún más cercana y envolvente para los espectadores, invitados a mirar los parques zoológicos desde el otro lado de la jaula. PARA OLVIDAR Nada. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Ratatouille, Madagascar.

Buscando a Nemo, Los Increíbles, Toy Story,

EN CONCLUSIÓN Tykwer vuelve a traer a colación el tema de la búsqueda de la identidad en el hombre contemporáneo, normalmente asfixiado por una sociedad que tiende a uniformar los anhelos de todos y todas. Una apuesta psicológica que tiene ciertos destellos de interés, pero estos quedan pronto eclipsados por la desesperanza que aporta una farragosa narración fílmica. Con todo, Tom Hanks brilla con un trabajo verosímil y convincente. J.M. HHHHH

EN CONCLUSIÓN Buena evasión para toda la familia que además recupera la cualidad de las producciones de Pixar para funcionar con espectadores de todas las edades y entretener tanto a mayores como a pequeños. M.J.P. HHHHH

INDEPENDENCE DAY: CONTRAATAQUE 12

DEMOLICIÓN

( Independence Day: Resurgence)

(Demolition)

EE UU, 2016; Dirección: Roland Emmerich; Producción: Dean Devlin, Roland Emmerich y Harald Kloser; Fotografía: Markus Förderer; Guion: Carter Blanchard; basado en los personajes creados por Roland Emmerich y Dean Devlin; Música: Harald Kloser y Thomas Wanker; Intérpretes: Liam Hemsworth (Jake Morrison), Jeff Goldblum (David Levinson), Bill Pullman (President Whitmore); Duración: 120 min.; Estreno en EE UU: 24-6-2016; Estreno en España: 1-7-2016; Distribuye: Hispano Foxfilms; Reportaje en Nº 1607

EE UU, 2015; Dirección: Jean-Marc Vallée; Producción: Lianne Halfon, Sidney Kimmel y Thad Luckinbill; Fotografía: Yves Bélanger; Guion: Bryan Sipe; Intérpretes: Jake Gyllenhaal (Davis), Naomi Watts (Karen), Chris Cooper (Phil); Duración: 101 min.; Estreno en EE UU: 8-4-2016; Estreno en España: 29-4-2016; Distribuye: F & P Media

SINOPSIS Davis es un hombre sin capacidad para demostrar sus sentimientos a los demás. La muerte de su esposa, en un trágico accidente, descubre al exitoso agente de bolsa e inversiones que no puede llorar el fallecimiento de la mujer con la que estaba casado. Todo un dilema que obliga al protagonista a replantearse su existencia, con el fin de acabar con una sensación tan desagradable. PARA RECORDAR Hay algo que atrapa al espectador desde las primeras escenas, en las que la extrañeza por lo que sucede en la pantalla anima a esperar los acontecimientos con un interés creciente. Jean-Marc Vallée aprovecha ese elemento de surrealismo social, y lo aplica acertadamente a una historia que guarda más de un as a cada giro argumental. PARA OLVIDAR Quizá por no desconcertar demasiado, el director intenta conducir el argumento por una cierta lógica rectora y moralizante conforme la obra se acerca al desenlace. Un auténtico error, ya que cuando mejor está la narración es en las vaporosas atmósferas por las que se mueve el atípico Davis. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Demolición tiene bastantes similitudes creativas con El compromiso, de Elia Kazan; Un hombre de suerte, de Lindsay Anderson; y Mr. Jones, de Mike Figgis. EN CONCLUSIÓN En un mundo como el actual, donde cualquier comportamiento está uniformado por la masa dominante, bueno es darse un baño de ilógica al estilo de la letra de “The Ilogical Song” (el hit de Supertramp). Un vehículo perfecto para que Jake Gyllenhaal saque petróleo de su brillante caracterización como Davis. Aunque, en el asunto interpretativo, también sería justo recalcar los enriquecedores trabajos de la eficaz Naomi Watts y del joven Judah Lewis (quien deslumbra con su desparpajo y naturalidad, en la piel del quinceañero Chris). J.M. HHHHH

SINOPSIS Vuelven los invasores alienígenas con una nave más grande y planes para conquistar el planeta justo el 4 de julio. PARA RECORDAR Lo realmente interesante del argumento está en tres elementos de la película: primero, el viaje del personaje de Julius (Judd Hirsch) desde su intento de vender su libro a un puñado de ancianos hasta convertirse en el único adulto de un puñado de niños perdidos en pleno éxodo; segundo, el personaje del jefe africano enfrentado a los alienígenas supervivientes del primer ataque durante diez largos años de guerrilla, y todo lo que rodea a dicho personaje, la investigación de la nave, y tercero, la incursión de los pilotos en la nueva nave invasora que tiene su propio paisaje interior en clave de Vietnam, con combate en la jungla incluida. En cualquiera de esas tres líneas argumentales hay una historia más interesante que lo que finalmente nos cuentan. Lástima que nos las aprovechen. PARA OLVIDAR La repetición de los elementos de la primera, hasta el punto de que insiste cansinamente en las mismas claves patrioteras que ya no están de moda ni siquiera en el cine de Hollywood más simplón. La falta de personalidad frente a la película precedente. La falta de recursos del guion y su inclinación a acomodarse en los tópicos –chico salva chica–, sin contrarrestarla con la capacidad de construir una serie de giros realmente interesante o madura. Ejemplo: secuencia de la chica hablando por Skype o similar con su noviete Hemsworth, que está en la Luna… con un plano que pide a gritos complicar la trama incluyendo al hijo del personaje de Will Smith y montando un triángulo de tensión sexual irresoluble. TE GUSTARÁ SI TE GUSTÓ… Es un poco mejor que Independence Day, pero cae en sus mismos errores. EN CONCLUSIÓN Simplón intento de cine de explotación con despliegue visual costoso. M.J.P. HHHHH

SACHA BARON COHEN (Sacha Noam Baron Cohen)

MELISSA MCCARTHY (Melissa Ann McCarthy)

13 de octubre de 1971, Hammersmith, Londres, Inglaterra, Reino Unido.

26 de agosto de 1970, Plainfield, Illinois, EE. UU.

Altura. 1,91 metros. Estado civil. Desde el 15 de marzo de 2010 está casado con la actriz Isla Fisher, con la que tiene tres hijos. La pareja lleva conviviendo muchos años, y su primera hija nació en 2007. Deportes favoritos. Se considera un gran fan de la lucha libre americana, y es amigo personal de John Cena. Debut profesional. Nada podía hacer pensar que el educado, sutil y encantador en la vida privada Sacha Baron Cohen acabase convirtiéndose en un cómico conocido por su humor muchas veces salvaje. Estudió historia en la Universidad de Cambridge, y pensó incluso en sacarse el doctorado, pero también participó en el Cambridge University Amateur Dramatic Club, en obras como Cyrano de Bergerac, y decidió dedicarse al mundo del espectáculo. Fue modelo y en 1995 ya presentaba un programa de televisión. Como actor debuta en televisión con Jack and Jeremy’s Police 4 ese mismo año, y en 2000 lo hace en cine con The Jolly Boys’ Last Stand. Personajes. Por supuesto los tres que le hicieron famoso, con los que empezó en su show de televisión Da Ali G Show, que pasaron luego al cine. Hablamos de Ali G, Borat y Bruno. Premios. Nominado al Oscar al Mejor Guion por Borat en 2007. También fue nominado al Globo de Oro por su interpretación en esa película. Filmografía básica. The Jolly Boys’ Last Stand (2000), The Eleven O’Clock Show (1998-1999), Da Ali G Show (2000-2004), Ali G anda suelto (Ali G Indahouse, 2002), Pasado de vueltas (Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby, 2006), Borat (Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan, 2006), Bruno (2009), La invención de Hugo (Hugo, 2011), El dictador (The Dictator, 2012), Alicia: a través del espejo (Alice through the Looking Glass, 2016), Agente contrainteligente (Grimsby, 2016). Frases. “Me parece que Scorsese hace películas para él mismo. Es un artista. Y es uno de los últimos que quedan. Deberíamos respetar eso”. ¿Sabías que…? Casi nunca concede entrevistas o hace apariciones públicas como él mismo, y suele hacerlo como uno de sus personajes. Llegó a dar un discurso en Harvard como Ali G.

SISSY SPACEK (Mary Elizabeth Spacek) 25 de diciembre de 1949, Quitman, Texas, EE. UU. Altura. 1,60 metros. Estado civil. Casada con el diseñador de producción (El renacido) y ocasional director Jack Fisk, desde el 12 de abril de 1974. El matrimonio, que dura ya más de 40 años, tiene dos hijas. Apodo. Sissy es el apodo que le pusieron sus hermanos cuando crecían juntos. Debut profesional. Marcada por una tragedia familiar, la muerte de su hermano por leucemia en 1967, la actriz decidió no ir a la universidad y perseguir sus sueños de convertirse en actriz, lo que la llevó al acabar el instituto a trabajar como modelo para la agencia Ford y para Andy Warhol. Con la ayuda de su primo, el actor Rip Torn, se matricula en el Actor’s Studio de Lee Strasberg, y de allí pasa a debutar en cine en 1972 en Carne viva. En 1973 debuta en televisión en Amor a la americana. Personajes. Su primer papel protagonista en una serie de televisión le ha llegado justo ahora, como Sally Rayburn en la serie de Netflix Bloodline. También fue Lorena en la miniserie Calles de Laredo. Premios. Ganadora del Oscar en 1981 por Quiero ser libre. Nominada en otras cinco ocasiones. Ganadora de tres Globos de Oro y nominada en otras cuatro ocasiones. Filmografía básica. Carne viva (Prime Cut, 1972), Malas tierras (Badlands, 1973), Carrie (1976), Quiero ser libre (Coal Miner’s Daughter, 1980), Desaparecido (Missing, 1982), Cuando el río crece (The River, 1984), Crímenes del corazón (Crimes of the Heart, 1986), JFK (1991), Bloodline (2015-¿?), Una historia verdadera (The Straight Story, 1999), En la habitación (In the Bedroom, 2001), The Ring 2 (2005), Criadas y señoras (The Help, 2011). Frases. “El negocio y Hollywood me han tratado bien. Sería una hipócrita si intentase convencer a mi hija de que no lo intentase al menos”. ¿Sabías que…? Fue reemplazada por Debra Winger en tres películas distintas: Cowboy de ciudad, La fuerza del cariño y El coro. En una ocasión contó que quería ser cantante en realidad e intentó que la fichase una discográfica, para la que hizo una audición.

Altura. 1,57 metros. Estado civil. Casada desde el 8 de octubre de 2005 con Ben Falcone, padre también de sus dos hijas. Falcone es actor y director de dos de las últimas películas de McCarthy, Es la jefa y Tammy. Deportes favoritos. De joven le encantaba jugar al tenis. Debut profesional. De joven interesada en la moda, estudió diseño de moda en la universidad antes de decidir dedicarse a la interpretación. Prima de la actriz y modelo Jenny McCarthy, la actriz se mudó a Nueva York, donde estudió en el Actors Studio tras la universidad, y empezó a trabajar como monologuista en clubs de la ciudad antes de mudarse a Los Ángeles. Allí debutó en televisión gracias a su prima en 1997 en The Jenny McCarthy Show, antes de hacerlo en cine en 1999 con Viviendo sin límites. Personajes. Su carrera siempre ha estado muy ligada a televisión, incluso ahora convertida en estrella de cine. Fue Sookie St. James en la inolvidable Las chicas Gilmore, Dena en Samantha, ¿qué? y Molly Flynn en Mike y Molly. Premios. Nominada al Oscar a la Mejor Secundaria por su papel en La boda de mi mejor amiga en 2012. Nominada al Globo de Oro por Espías en 2016. Ganadora de un Emmy en 2011 por Mike y Molly. Filmografía básica. Viviendo sin límites (Go, 1999), Espías (Spy, 2015), Es la jefa (The Boss, 2016), Las chicas Gilmore (Gilmore Girls, 2000-2007), Samantha, ¿qué? (2007-2009), Mike y Molly (Mike and Molly, 2010-2016), St. Vincent (2014), La boda de mi mejor amiga (Bridesmaids, 2011), Cuerpos especiales (The Heat, 2013), Cazafantasmas (Ghostbusters, 2016). Frases. “Hay una epidemia en nuestro país de chicas y mujeres que se sienten mal consigo mismas por el aspecto que tiene el 0,5% de la población”. ¿Sabías que…? Finalmente consiguió lanzar su propia línea de moda, dedicada a mujeres de talla grande como ella. Perteneció al grupo de comedia improvisada The Groundlings durante más de diez años, cuando empezó su carrera como artista y cómica.

CHRISTOPH WALTZ 4 de octubre de 1956, Viena, Austria. Altura. 1,70 metros. Estado civil. Se sabe muy poco de su vida privada, pero sí que está casado con la diseñadora de vestuario Judith Holste, con la que tiene una hija, y que estuvo casado anteriormente con una psicoterapeuta llamada Jackie y de aquel matrimonio tuvo tres hijos. Debut profesional. Nieto de actores e hijo de diseñadores de producción y vestuario, relacionado incluso con Michael Haneke (su padrastro lo fue también del director), Waltz estudió a finales de los setenta en el Max Reinhardt Seminar de Viena, antes de mudarse un tiempo a Nueva York para estudiar en el Lee Strasberg Actor’s Studio, para regresar a su Austria natal y comenzar una carrera en el teatro que le llevó a actuar en Suiza y Austria, debutando en 1982. Ya en 1977 debuta en televisión en la TV movie Der Einstand, cuando aún estudiaba, y en 1979 debuta en cine en un papel sin acreditar en Cerco roto. Personajes. En sus inicios fue Ede en la serie Parole Chicago, una producción alemana que protagonizó en televisión. Ya en los noventa fue el doctor HansJoachim Dorfmann en las miniseries El negocio del siglo y The Gravy Train goes East. Premios. Dos veces ganador del Oscar al Mejor Secundario, por su trabajo en Malditos bastardos y Django desencadenado en 2010 y 2013. Ganó el Globo de Oro y el Bafta por esos papeles también. Filmografía básica. Parole Chicago (1979), Wahnfried (1986), Más rápido que el ojo (Quicker than the Eye, 1988), El negocio del siglo (The Gravy Train, 1990), The Gravy Train Goes East (1991), Criminal y decente (Ordinary Decent Criminal, 2000), El mensajero de la reina (Queen’s Messenger, 2001), Malditos bastardos (Inglourious Basterds, 2009), Un Dios salvaje (Carnage, 2011), Django desencadenado (Django Unchained, 2012), Spectre (2015). Frases. “Ser actor es un poco como ser padre. No es difícil convertirse en uno, hacer una vida de ello es lo complicado”. ¿Sabías que…? Lo podéis encontrar de actor invitado en un episodio de la serie Rex, un policía diferente. Habla inglés, francés y alemán, y es capaz de imitar el acento italiano.

VIGILADOS

Series de T.V.

FICHA TÉCNICA Título original. Person of Interest Creador. Jonathan Nolan Género. Ciencia ficción/thriller/acción. Música. Ramin Djawadi.

VIGILADOS

taba del programa PRISM, diseñado para espiar a ciudadanos americanos para prevenir ataques terroristas. Sucedió entre la segunda y la tercera temporadas. La serie pasó de ser ciencia ficción a una triste realidad, pues en verdad el Gobierno observaba y escuchaba al espectador. De hecho, en un episodio de 2013, la serie lista PRISM como uno de los señuelos para alejar la atención de la Máquina.

Emisión EE UU. 22 de septiembre de 2011-21 de junio de 2016. Emisión España. 16 de noviembre de 2011 (La Sexta)-2 de agosto de 2016 (Calle 13). Sinopsis. Un millonario, Harold Finch, ayuda al Gobierno creando una máquina que espía a las personas a través de la red, sean cámaras, llamadas, correos… para prevenir actos de terrorismo. Pero por el camino la máquina también predice pequeños actos violentos, actos que el Gobierno ignora y que llevan a la muerte de personas. Finch contrata a un exoperativo de la CIA para que le ayude a encontrar esos pequeños actos, que aparecen en forma de número de la seguridad social de la víctima o el agresor, y los impida. Reparto. Jim Caviezel (John Reese), Michael Emerson (Harold Finch), Kevin Chapman (detective Lionel Fusco), Amy Acker (Root), Taraji P. Henson (detective Joss Carter), Sarah Shahi (Sameen Shaw), John Nolan (John Greer).

• Jonathan Nolan es un guionista más conocido por su hermano muchas veces que por su propio trabajo. Obviamente es el hermano menor de Christopher Nolan, y ha trabajado con él en múltiples ocasiones. Suyo fue el relato que inspiró Memento, como también suyos son los guiones de El truco final, El caballero oscuro, El caballero oscuro: la leyenda renace e Interstellar. Pero fuera del trabajo, excelente, con su hermano, no era muy reconocido. Fue uno de los que se encargaron de reescribir el guion de Terminator Salvation, por ejemplo. Y como no todo iba a ser trabajar con su hermano, Jonathan entró en contacto con uno de los gurús de la televisión y el cine modernos, JJ Abrams, que todos sabemos es el responsable de series como Alias o Perdidos. Nolan tenía una idea para una serie de televisión, demasiado extensa para una película, y Abrams tenía la experiencia para desarrollar ese tipo de productos, además de un nombre que atrae a seguidores de series en todo el mundo. • La idea fue presentada a CBS, donde parecía que el producto podía encajar mejor entre su audiencia madura, con su trama de ciencia ficción cercana, acción, suspense y policíaco, sus teorías de la conspiración, sus giros imprevisibles y esas gotas de cine de superhéroes (bajo el prisma de la familia Nolan, no hablamos de Marvel, sino de El caballero oscuro). Así la cadena decidió comprar la serie, producir el piloto y ponerse en marcha dándole luz verde en mayo de 2011, para comenzar el rodaje de su temporada. La serie fue la mejor recibida por la crítica en una network (ya saben, CBS, ABC, NBC, Fox y The CW) en quince años, lo que supuso un aliciente para la cadena a la hora de promocionarla y apoyarla desde el inicio. • Lo curioso de la serie es que lo que comenzó como un producto de ciencia ficción (“está siendo observado; el Gobierno tiene una máquina”, etc.) acabó comprobándose que era más bien una realidad cuando el escándalo de Edward Snowden saltó a la luz. Se tra-

• También tenían claro sus responsables desde el inicio su relación con el mundo de los superhéroes. La serie tenía un tono y unos personajes muy cercanos al Batman de los hermanos Nolan, con los dos personajes centrales dando vida a dos versiones distintas de Bruce Wayne. De hecho, ya en la primera temporada, en uno de sus episodios, un niño relaciona a Reese con los superhéroes y le dice que ese es su papel. En la segunda temporada, Reese empieza a usar gafas para evitar ser reconocido, un guiño a cuando el actor iba a ser Superman en el cine, algo que acabó no sucediendo. • OJO SPOILER. [Llegadas como dos personajes invitados al principio, Root y Shaw se convirtieron en regulares por méritos propios (aunque según Jonathan Nolan la idea de hacer regresar a Root se debía principalmente a que le encantaba el tema musical que Djawadi había compuesto para el personaje). La química entre las actrices y la reacción del público acabó desarrollando una relación romántica explotada en las temporadas 4 y 5, incluso cuando Sarah Shahi, la actriz que da vida a Shaw, dejó la serie temporalmente debido a su embarazo y maternidad. Chocante fue también la marcha de Taraji P. Henson, uno de esos momentos inolvidables de la serie, que estaba previsto, como confirmaron los responsables de la serie y la actriz. Aunque luego Henson llegó a decir que la decisión fue suya, porque no se sentía realizada con su trabajo.] FIN SPOILER. • Ramin Djawadi fue el elegido para escribir la música de la serie tras su paso por Batman Begins, donde Jonathan Nolan le conoció, y donde el compositor trabajó en temas adicionales de la banda sonora. Lo curioso es que ahora Djawadi es uno de los compositores más populares de Hollywood, sobre todo en televisión, porque es el responsable de la banda sonora de Juego de tronos y su muy recordado tema principal. • Jonathan Nolan, el creador, recibió su nombre en honor a su tío, el actor John Nolan, que aparece en varias de las películas de su hermano Christopher (le recuerdan de la saga Batman seguro), y que en esta serie fue uno de los principales villanos, un personaje memorable que a veces recordaba al Fumador de Expediente X. El propio creador de la serie apareció en un cameo en el último episodio de la misma. Aunque ya no era su showrunner, siempre estuvo ligado a ella y además escribió el último episodio de la serie, que en su quinta temporada se despidió de nosotros. Aunque hay rumores sobre un posible spin off en el futuro… J. U.

LEE

MARVIN

LEE MARVIN actores que le seguirían la pista. Para Lamont Walmant Marvin Jr. Dicho que quede aún más claro, lo que quiero así, la mayoría de los aficionados al cine no decir es que alguien como Clint Eastwood sabrían de quién demonios estamos es más “hijo” espiritual de lo que podríahablando. Pero si digo Liberty Valance, es mos llamar el “estilo Marvin” de antihéposible que la cosa se aclare mucho más. roe de acción que del heroísmo incólume, Y si además apunto que es el líder de los blanco, puro y duro, del “estilo John Doce del patíbulo ya no cabe duda de que Wayne”. Si Widmark fue el pionero que todo buen aficionado al cine de acción abrió paso a esa humanización del héroe identificará al protagonista de nuestro desde el lado convulso y el arranque en coleccionable de este mes: Lee Marvin. lo que George Lucas habría calificado Nacido el 19 de febrero de 1924 en como “reverso tenebroso”, no cabe duda Nueva York y fallecido en Tucson, que Lee Marvin fue la materialización Arizona, el 29 de agosto de 1987 a la temmás sólida y completa de ese cambio de prana edad de 63 años –que nos produce estilo, de ese giro casi copernicano de la sensación de que todavía le quedaba construcción de lo heroico y lo épico en más de una última cabalgada ante las el cine. O por lo menos uno de sus apóscámaras y mucho cine por ofrecer–, Lee toles más señalados. En cualquier caso, Marvin es uno de los iconos más reconoMarvin fue un tipo distinto de animal cibles de la historia del cine en general y cinematográfico a lo que se había visto del cine de acción en particular. Antes de hasta ese momento en la pantalla grande operar como héroe protagonista, ejerció ya incluso cuando interpretaba a sus durante muchos años como villano, y villanos secundarios, que mostraban una como ocurrió con nuestro protagonista inquietante mueca de vesania incontroladel pasado mes, Richard Widmark, eso ble convirtiéndose en temibles agentes contribuyó a imprimirle un carácter muy Lee Marvin junto a John Wayne en La taberna del del caos en las ordenadas y aparenteespecial, como de villano redimido para irlandés, dirigida por John Ford, que buscaba unas mente previsibles ordenadas vidas de los ejercer como antihéroe, que le otorgaba vacaciones en Hawai. héroes en los últimos estertores del cine mayor fuerza a sus recreaciones de ese clásico estadounidense. Tomemos como ejemplo de ello su encarnanuevo concepto articulado por el cine de evasión estadounidense para ción del personaje de Liberty Valance en una de las mejores películas seguir vendiendo entradas a base de renovar los géneros con nuevos dirigidas por el maestro John Ford, El hombre que mató a Liberty giros y aproximaciones más cercanas a una audiencia menos proclive a dejarse convencer por los héroes inmaculados de antaño. CuriosaValance (1962). mente, Lee Marvin también había llamado la atención de la crítica por En primer lugar, hay que aclarar que no por casualidad es una primera vez, como Richard Widmark, interpretando un papel de sádico película que sirve al mismo tiempo como réquiem para el western asesino en un episodio de la serie de televisión Dragnet a principios de clásico. Lleva su metafórico vínculo con la muerte impreso ya en el los años cincuenta. título como si fuera la convocatoria a una misa de difuntos en toda En una sociedad paulatinamente más cínica, desilusionada, regla. Y el difunto, en este caso, es el papel interpretado por Marvin, inquieta, inevitablemente hacía falta una reformulación de lo heroico aunque el primer difunto que nos presenta el largometraje es precisaen la pantalla grande por la vía de lo antiheroico para mantener el mente el personaje interpretado por John Wayne. Esto es lógico, consiinterés de un público cada vez más joven e inclinado hacia claves de derando que los personajes de Marvin y Wayne son en realidad las dos inadaptación, rebeldía e incomodidad con el statu quo y con su propio caras de una misma moneda que representan la fase más salvaje y lugar en la sociedad. Widmark había anticipado ya esa corriente de pionera del Oeste, aniquiladas ambas, víctimas ambas, del progreso y renovación del héroe hacia el antihéroe al mismo tiempo que Marvin la civilización, en definitiva, la domesticación de la naturaleza salvaje seguía abriéndose paso hacia el estrellato interpretando a un sinfín de del territorio a conquistar perpetrada por ese abogado idealista al que villanos secundarios que le sirvieron como trampolín para finalmente daba vida James Stewart. dar el salto a los papeles de antihéroe protagonista. Y como muchos Tejida por John Ford en un majestuoso blanco y negro y rodada en otros astros que hicieron carrera en la etapa de evolución y cambio de su mayor parte en estudio, con poca salida al exterior, El hombre que la industria del cine estadounidense, años cincuenta y sesenta, contrimató a Liberty Valance proporcionó a Lee Marvin la oportunidad de buyó a sembrar claves que luego iban a ser aprovechadas por otros interpretar a uno de los mejores y más recordados villanos de su filmografía. Además, ese personaje anticipaba ya el viaje del actor desde las fórmulas de villanía más estereotipadas hacia el nuevo tipo de antiheroismo que iba a interpretar posteriormente, primero por su asociación como reverso perverso del personaje interpretado por Wayne, y luego además por su manera de morir, asesinado en la noche y por la espalda (una pincelada genial de cine negro en el paisaje de la primera muestra de western crepuscular), que le convierte en la víctima de una especie de sacrificio ritual llevado a cabo por la civilización para exorcizar el imprevisible, incontrolable y violento caos de la naturaleza indomable. El mensaje es claro: solo a través del engaño, de la traición, del asesinato a distancia y por la espalda, puede la civilización imponerse a la naturaleza. Considerando que todo el género de western tiene como tema central precisamente ese duelo o pulso entre la civilización y la naturaleza, no es extraño que esta película de Ford sea el mejor punto final, o por lo menos un esencial y muy significativo punto y aparte para la era dorada del género. El hombre que mató a Liberty Valance puso fin a los héroes impolutos y a los villanos irredimibles y tópicos, malos por definición desde el tópico, y abrió paso a la humanización definitiva de todos esos personajes más allá del maniqueísmo que había imperado en el La ingenua explosiva, una divertida parodia del cine del oeste que género, otorgándoles una profundidad psicológica definitiva y un conprotagonizó Marvin junto a Jane Fonda.

LEE MARVIN

Marvin junto a Burt Lancaster y Claudia Cardinale en Los profesionales. No se llevó demasiado bien con Lancaster durante el rodaje.

flicto de la que carecían hasta el momento en que John Ford empezó a llevar el género a su etapa de madurez en 1939 comenzando con La diligencia un itinerario que culminó con esa materialización de héroes corrompidos y villano sacrificado que es El hombre que mató a Liberty Valance. Para que quede aún más claro el significativo cambio hacia la evolución del villano tópico hacia el antihéroe que representa Liberty Valance en la carrera Lee Marvin, propongo al lector que repase otro título destacado en la filmografía del actor que puede servir como contraste: Los sobornados (1953), dirigida por Fritz Lang más o menos una década antes de que John Ford rodara el western del que hemos venido hablando. En esta incursión ejemplar de Lang en los códigos del cine negro, Marvin interpretaba el estereotipo perfecto del villano secundario, el antagonista idealizado por las claves narrativas del Hollywood clásico, Vince Stone, un criminal que oficia en la clave de tipo duro y es capaz de tirar café hirviendo a la cara de su amante, interpretada por Gloria Grahame. Es el tipo de papel que le llegaba a Marvin de manera habitual en los años cincuenta. Clavaba ese tipo de villano modélico: violento, brutal, sádico, sin redención posible… un “hijo” o descendiente mejorado de aquel Tomy Udo asesino de ancianas que había lanzado a la fama a Richard Widmark años antes en El beso de la muerte, de 1947. Otro tanto se podría decir de Hector David, otro tipo siniestro y matón de Conspiración de silencio (1955).

DE VILLANO A HÉROE A TRAVÉS DE LA TELEVISIÓN Pasaron años antes de que Marvin pudiera quitarse de encima la etiqueta de antagonista, villano, delincuente, pero el actor hizo de esa

Marvin y Angie Dickinson en A quemarropa, interpretando a Parker, personaje que luego encarnaron Mel Gibson y Jason Statham.

etiqueta su mejor aliado, utilizando sus intervenciones televisivas como trampolín para saltar de los papeles secundarios a los protagonistas y de los villanos a los antihéroes. En este sentido es especialmente significativo su trabajo en la serie Ballinger de Chicago (1957-1960), de la NBC, en la que la pequeña pantalla le dio la oportunidad de ejercer como protagonista en tres temporadas, 117 episodios de 30 minutos de duración cada uno, interpretando al detective Frank Ballinger, de la patrulla de homicidios de la ciudad de Chicago, donde impera la corrupción y el crimen organizado. Esa serie, incluso anterior a su encarnación de Liberty Valance, le permitiría ampliar su registro y fue uno de los trabajos esenciales para construir su carrera como estrella y al mismo tiempo uno de los dos personajes más significativos para la pequeña. Acompañado además por una banda sonora de jazz de lujo, obra de Count Basie. Lo malo fue que al terminar la emisión de esa serie se pasó un año entero sin recibir ofertas de trabajo, y sospechando que su carrera había terminado definitivamente casi antes de haber empezado, cayó en una profunda depresión que le llevó a agravar sus problemas con el alcohol. Era su segundo intento de abrirse paso como protagonista en el policial televisivo ya que previamente, en 1958, había hecho un intento fallido con el episodio piloto de una serie que no llegó a producirse: Chicago Beat, donde encarnaba a un detective de paisano con especial habilidad para resolver crímenes inexplicables. Otros dos trabajos televisivos iban a marcar su posterior carrera para el cine. El entrenador de robots boxeadores que tiene que hacerse pasar por un púgil mecánico y recibir una paliza en el ring a manos de otro robot en una fábula del futuro escrita por Richard Matheson y titulada Steel (1963), que se emitió como uno de los capítulos de la serie Dimensión desconocida y luego ha sido adaptada, edulcorada, descafeinada y desvirtuada por el largometraje Acero puro, con Hugh Jackman en el papel protagonista y sin entender lo más mínimo de qué iba la historia original. Para televisión asumió también el papel de asesino a sueldo de Código del hampa (1964), para el que los productores habían valorado también a Charles Bronson y James Coburn. La película era un remake del clásico del cine negro Forajidos, dirigido en 1946 por Robert Siodmak y que se basaba en un relato corto de Ernest Hemingway. Se rodó como película para televisión, pero vista su calidad acabó por estrenarse en salas de cine y es, como el propio Marvin, un señalado antecedente de lo que luego iba a ser el estilo de Quentin Tarantino en películas como Reservoir Dogs y Pulp Fiction. Esos trabajos para la televisión fueron el principio del camino que acabó por convertirle en el nuevo héroe del cine de acción que iba a brillar posteriormente en la pantalla grande, que prosiguió al año siguiente de El hombre que mató a Liberty Valance con su participación en La taberna del irlandés (1963), donde John Ford le elevó casi al papel de coprotagonista junto a John Wayne dándole un papel de falso antagonista y finalmente aliado del héroe en un enredo sentimental poco creíble y notablemente ingenuo que sobrevivía merced a la personalidad de los dos actores y el buen pulso del director para sacar adelante la que bien podría considerarse como el precedente esencial de las buddy movies, o comedias de acción de amiguetes, que luego iban a marcar tendencia en el cine de evasión de los años ochenta y tienen en esta película un antecedente menos remoto de lo que parece. Se cuenta que cuando el director le ofreció a Marvin el papel de Gilhooley, que en muchos aspectos recuerda a los alocados y testarudos personajes de los dibujos animados de la Warner Bros., siempre ejerciendo como agentes del caos, le confesó que no le importaba lo más mínimo lo que contaba la trama, porque en cualquier caso lo interesante es que iba a permitirles a todos pasar una temporada de vacaciones en Hawái, así que no extraña que Marvin estuviera de resaca casi todas las mañanas cuando tenían que empezar a rodar y el plan de filmación tuviera que alterarse. Lo de llegar con resaca al rodaje le había ocurrido ya en la filmación de Código del hampa, donde la jornada en que tenía que rodar la primera secuencia de la película, en la que su personaje y el de Clu Culager van a la escuela a matar al protagonista interpretado por John Cassavetes (un papel para el que habían pensado previamente en Steve McQueen y en el propio Marvin), apareció tarde y con resaca después de una noche de juerga, pero como su papel funcionaba sin

LEE MARVIN diálogo pudo hacerse cargo del trabajo. A de hacer dinero falso”, afirmaba que no pesar de todo, lo cierto es que para la tenía nada que ver con la guerra real, y no carrera de Marvin los personajes de se sacó la espina por haber participado en Liberty Valance, Guihooley y el asesino de ella –engordando su cuenta corriente, Código del hampa acabaron por converdicho sea de paso–, hasta que filmó tirse en bisagras sobre las que articuló el muchos años después Uno rojo, división progreso de su carrera hacia empeños de choque (1980), a las órdenes de otro más interesantes y registros más amplios veterano combatiente del conflicto, que el de villano secundario. Samuel Fuller, y en la que tanto el protaEl paso decisivo en ese sentido se gonista como el director habían volcado produjo poco después en su primera oporsus propias experiencias reales en tunidad de interpretar a un protagonista combate. A pesar de sus críticas, Marvin, completo en La ingenua explosiva (1965), que por su propia experiencia en el frente se sentía obligado a buscar el realismo en western en clave de comedia donde pudo sus hazañas bélicas de ficción y precisadarse el lujo de hacer una parodia de mente por su carácter puntilloso respecto todos los tipos duros que había encarnado al realismo de las armas y su funcionaen el cine del Oeste, lo que le valió la única miento y manejo, había chocado ya con nominación y el único Oscar de su carrera, Burt Lancaster durante el rodaje de Los conseguido además como actor principal, y automáticamente le convirtió en una de profesionales, volvió a ejercer en Doce del las estrellas más cotizadas del momento, patíbulo como consejero para lo referido a pasando a cobrar un sueldo de un millón uniformes, armas y demás parafernalia de dólares por película. Ese papel le conbélica. El éxito comercial del largometraje siguió también el Globo de Oro, galardón le dio un nuevo empujón a la cotización al que volvería a estar nominado postecomo estrella. No obstante, siempre dijo riormente por su trabajo en La leyenda de Doce del patíbulo, película que le molestaba por su falta que se sentía mucho más satisfecho de su de realismo respecto a la Segunda Guerra Mundial. trabajo en una colaboración anterior con la ciudad sin nombre (1969), y el premio Robert Aldrich en el marco del cine Bafta, equivalente al Oscar en el cine bribélico, Ataque (1956), aunque en aquella tuviera un papel más secuntánico, como Mejor Actor Extranjero, un galardón que había recibido dario tras el protagonista interpretado por Jack Palance. previamente por su trabajo en Código del hampa. Su siguiente película, A quemarropa (1967) le permitió sacar A partir de ese momento, la carrera de Lee Marvin cambia de ritmo y entra en una fase de estrellato que le llevará a protagonizar sus partido de su pasado como villano interpretando la mejor versión cinemejores películas, empezando por Los profesionales (1966), de Richard matográfica de uno de los personajes más interesantes de la novela negra, el criminal Parker creado por Donald E. Westlake (con el seudóBrooks, en pie de igualdad con Burt Lancaster, con el que no se llevó muy bien durante el rodaje debido a la afición al alcohol de nuestro pronimo de Richard Stark). Repitió a continuación con el mismo director de tagonista. Western esencial en el ciclo de aventuras mexicanas que A quemarropa , John Boorman, en otra historia bélica de Segunda marca la etapa crepuscular del género que además sirvió para que Guerra Mundial que era además una reflexión sobre el paulatino enfrenMarvin coincidiera con su viejo amigo Woody Stroode, con el que había tamiento entre las grandes potencias en la Guerra Fría: Infierno en el coincidido en El hombre que mató a Liberty Valance y al que se unió en Pacífico (1968), donde mantuvo un brillante duelo interpretativo con la una serie de juergas nocturnas por los casinos que no les impidieron estrella del cine japonés Toshiro Mifune, y fue un encuentro curioso cumplir con su cometido al día siguiente cuando tocaba ponerse delante porque en la realidad ambos habían combatido en el Pacífico en la de las cámaras, salvo en la escena en la Segunda Guerra Mundial como enemigos. que Marvin explica el funcionamiento de la El marine Marvin fue herido durante la ametralladora, que según el productor de batalla de Saipán y recibió la condecorala película, Phil Parslow, el actor rodó ción del Corazón Púrpura y Mifune en el estando borracho. No obstante, parece ser Servicio Aéreo de la Armada Imperial japoque Marvin incluso se ocupó de mantener nesa. las armas que se iban a utilizar en la pelíEl actor se cruzó con otro veterano cula limpias preocupado por la incidencia del conflicto, Paul Newman, en Los indeque pudieran tener las condiciones extreseables (1972), una rara muestra de mas del desierto. western moderno dirigida por Stuart Tras su aventura mexicana, que la Rosenberg, y siguió acrecentando su fama productora Columbia había pensado inicomo icono del Hollywood moderno en cialmente para que la protagonizaran películas como Monte Walsh (1970), Carne Gregory Peck, Frank Sinatra y Robert viva (1972), que no era más que una Mitchum, Marvin saltó a ejercer como el variante no declarada del personaje de jefe de un comando suicida formado por Parker, y El emperador del norte (1973), soldados del ejército estadounidense antes de empezar a vivir de las rentas de condenados a muerte y cadena perpetua su fama y éxitos anteriores en la etapa en un título esencial del cine bélico, Doce final de su carrera, apareciendo en títulos como Tres forajidos y un pistolero (1974), del patíbulo (1967), dirigida por Robert El hombre del clan (1974), Gritar al diablo Aldrich. El papel se lo habían ofrecido ini(1976), Botas duras, medias de seda cialmente a John Wayne, que puso todo (1976), El tren de los espías (1979), Caza tipo de pegas para no aceptarlo. A pesar salvaje (1981), junto a Charles Bronson, del éxito del largometraje y de su buena que había querido partirle la cara más de acogida entre el público, Marvin, que sí una vez en el rodaje de Doce del patíbulo había conocido la Segunda Guerra Junto a Jeanne Moreau en Monte Walsh, un western por llegar bebido al trabajo, la producción Mundial combatiendo como marine, la crepuscular sobre vaqueros que desaparecen con los francesa Día de perros (1984) y Gorky Park calificó como “basura” y como “máquina tiempos modernos.

LEE MARVIN (1983). Incluso le ficharon para acompañar a Chuck Norris en el momento álgido de la carrera de este, ejerciendo como “secundario estrella” de Delta Force (1986). Lo paradójico es que precisamente fuera en esa etapa final de su carrera, la más floja de su filmografía, cuando para engordar la cuenta corriente incluso aceptó aparecer en una secuela infumable de Doce del patíbulo rodada para televisión – Doce del patíbulo: la siguiente misión (1984)–, cuando le ofrecieron el que sin duda fue el mejor papel de su vida, el sargento de Uno rojo, división de choque, una de las mejores películas de la historia del cine bélico, que Fuller llevaba intentando rodar desde los años cincuenta con John Wayne en el papel que finalmente interpretó Marvin.

LAS PELÍCULAS QUE PUDIERON SER… Y NO FUERON

Inevitablemente, los seguidores de Lee Marvin se preguntan cómo habría sido el reencuentro que le habían preparado con Marlon Brando, su compañero de reparto en Salvaje (1953) si ambos hubieran aceptado los papeles que finalmente interpretaron Jon Voight y Burt Reynolds en Deliverance (Defensa) , o cómo sería Grupo salvaje con él al frente del reparto, como pretendía inicialmente Sam Peckinpah, que después de tener una seria discusión y notables discrepancias con él acabó por encontrar un mejor álter ego en el papel de Pike Bishop en la persona de William Holden. En su listas de películas posibles no realizadas hay que apuntar también el papel que interpretó Gene Hackman en French Connection, contra el imperio de la droga; Harry el sucio, que le habían ofrecido primero a John Wayne y luego a él; y El justiciero de la ciudad, que acabó interpretando Charles Bronson.

Además, en su carrera llama la atención jugar con la imaginación sobre NIÑO RICO, GAMBERRO, cómo habría sido Tiburón si Spielberg se MARINE Y FONTANERO hubiera salido con la suya y le hubiera El emperador del norte, le permitió enfrentarse cara a convencido para interpretar el papel del Nacido en el seno de una familia acocara con Ernest Borgnine en un duelo épico en un tren. cazador de escualos que también le modada de Nueva York, era hijo del ejecuofreció a Charlton Heston. O cómo habría sido su recreación del tivo de publicidad Lamont Waltman Marvin y de la columnista de moda general George S. Patton si en lugar de George C. Scott él hubiera Courtenay Washington Davidge. Pero esa posición acomodada no hizo aceptado ese papel que le ofrecieron en primer lugar en la película mella en el carácter rebelde del pequeño Marvin, que pronto evidenció el talante aventurero que iba a caracterizarle durante el resto de su vida, Patton, y que rechazó porque pensaba que la película era una glorifisuperando en algunos casos las peripecias que interpretaba en la pantacación de la guerra. O de qué manera habría funcionado su trabajo junto a Clint Eastwood en el western de Sergio Leone La muerte tenía lla. Tenía cuatro años cuando se escapó de su casa y estuvo dos días un precio si hubiera aceptado el papel de coprotagonista que le ofreperdido. La disciplina no era su fuerte en la infancia, era un crío curioso, intrépido y tirando a ingobernable, así que se pasó los siguientes años cieron antes de que lo heredara un actor que curiosamente había ofide su vida entrando y saliendo de internados para hijos de clase alta de ciado como su sicario en El hombre que mató a Liberty Valance, Lee los que habitualmente acababan por expulsarle a consecuencia de sus Van Cleef. Sin duda habría sido más satisfactorio para los aficionados gamberradas, que le convertían en el matón de la clase y en una ocasión al western que la posterior reunión de los dos astros del género años le llevaron a tirar a uno de sus compañeros por una ventana. Harto de no después en el musical La leyenda de la ciudad sin nombre (1969), saber qué hacer con él, su padre le autorizó para que se alistara en los donde lo más destacable fue la sorpresa de ver a Marvin ejerciendo marines en 1942, y fue en el frente donde el niñato gamberro de familia como cantante y poniendo uno de los temas de la película entre los acomodada se tropezó con la realidad. Participó en 21 desembarcos en más escuchados y vendidos del momento. En todo caso, los producislas del Pacífico dominadas por los japoneses, hasta que un disparo tores estaban empeñados en que se formara el tándem Marvin-Eastenemigo le acertó en la columna vertebral y estuvo a punto de dejarle wood, porque un año antes de que los dos coincidieran en La leyenda paralítico. Pasó trece meses en rehabilitación antes de ser dado de alta de la ciudad sin nombre , ya le ofrecieron a nuestro protagonista en el hospital y reintegrarse a la vida civil sin tener muy claro a qué interpretar el papel que finalmente encarnó Richard Burton en la quería dedicarse. Pasó por varios trabajos y fue aprendiz de fontanero, hazaña bélica El desafío de las águilas. trabajó cavando fosas sépticas, y fue en ese oficio cuando, mientras reparaba una avería en un teatro local, aceptó sustituir en un ensayo a un actor que había caído enfermo para gastar una broma que acabó tomándose suficientemente en serio como para dejar la fontanería y largarse a Nueva York a estudiar arte dramático y hacer audiciones hasta debutar en los escenarios de Broadway con la obra Billy Bud. Fue su primer paso para saltar posteriormente a las series de televisión y el cine. En el territorio comanche de los asuntos privados, Lee Marvin se casó en dos ocasiones. La primera con Elizabeth Ebeling, que había sido la niñera de los hijos adoptados de Joan Crawford. Contrajeron matrimonio en febrero de 1951 y consiguieron el divorcio en enero de 1967, después de tener un hijo, Christopher, nacido en 1952 y tres hijas, Courtenay, nacida en 1954, Cynthia, nacida en 1956, y Claudia, nacida en 1958. Su segundo matrimonio lo celebró con Pamela Feeley, con la que se casó en octubre de 1970 y a la que dejó viuda en 1987 cuando falleció víctima de la gripe, después de someterse a una cirugía intestinal tras sufrir un severo dolor abdominal fruto de lo que los médicos diagnosticaron como una inflamación del colon. Uno rojo división de choque, de Samuel Fuller, donde interpretó al sargento sacando de su memoria su propia experiencia en la Segunda Guerra Mundial.

Miguel Juan Payán

STAR TREK D

FICHA TÉCNICA

efectos especiales, por lo que en marzo de A principios de los años sesenta, un 1979 se decidió prescindir de todos los creatipo peculiar llamado Gene Roddenberry Director: Robert Wise; Intérpretes: William Shatner, Leonard dos hasta el momento de forma que el equique había sido piloto de guerra, policía de Nimoy, Deforest Kelley, George Takei, James Doohan, Persis po dirigido por el prestigioso Douglas TrumLos Ángeles y brillante estudiante de liteKhambatta, Majel Barrett, Stephen Collins, Mark Leonard, bull, director de la insólita Naves misteriosas ratura (llegó a obtener nada menos que Walter Koenig; Año de producción: 1979; Nacionalidad: EE. UU.; Guion: Gene Roddenberry, Harold Livingstone y Alan Dean tres doctorados en la materia), decidió (1971) y artífice de los efectos especiales de Foster; Director de fotografía: Richard H. Kline; Banda sonora: que había llegado el momento de dedicarpelículas como 2001, una odisea en el espaJerry Goldsmith; Color; Duración: 132 minutos; 136 minutos se por entero a escribir historias de calicio o Encuentros en la tercera fase, se hicie(versión del director); y 140 minutos (versión televisiva). dad para el entonces recién nacido negora cargo de la totalidad de los cientos de cio de la televisión a gran escala. A fin de efectos que aparecen en la película. cuentas, Roddenberry llevaba ya algo más de quince años publiPara llevar a cabo la difícil labor de convertir en largometraje cando relatos cortos en diversas revistas de aviación y había helo que iba a ser el episodio piloto de una serie de televisión fue concho algunas incursiones en Hollywood, si bien en el entorno del citratado el veterano Robert Wise, quien pese a ser mundialmente rene de bajo presupuesto. Sin embargo, tras figurar en los títulos de conocido por títulos musicales como West Side Story o Sonrisas y lágrimas también había hecho una incursión en el terreno de la ciencrédito de un puñado de programas de una hora de duración así cia ficción con La amenaza de Andrómeda. En este caso, el proyecto como de varias series, en 1964 presentó a la NBC el proyecto de lo dejaba a un lado esa visión del género más científica y pesimista que con el tiempo se convertiría en la más extensa y rentable de para lanzarse de lleno a la categoría del cine espectáculo. No en valas franquicias televisivas y cinematográficas de todos los tiemno se trataba de superar el éxito en taquilla de la saga recién iniciapos: Star Trek. Por un capricho del destino, o por la corta visión del ejecutivo da por George Lucas. de turno, el primer borrador de la serie Star Trek fue rechazado al Con el apoyo del propio Roddenberry y de Harold Livingstone y ser considerado su contenido como demasiado intelectual y profunAlan Dean Foster, autores respectivos del guion, Robert Wise supo dotar a la película de un tono narrativo en el que conviven en perfecdo (lo que supone un claro indicio de por dónde habría de discurrir el to equilibrio la ciencia ficción más clásica con el sentido de aventura futuro de más del 90% de los contenidos televisivos producidos en interestelar que tanto fascinaba a los seguidores de la serie. TomanEstados Unidos y por extensión en buena parte del mundo). Por suerte, otra arbitrariedad de los grandes estudios, unida al tesón de do como punto de referencia a la tripulación original bajo órdenes Roddenberry, hizo posible que dos años más tarde se pusiera en del comandante Kirk, a quien poco antes han ascendido a almirante marcha la producción de la primera de las tres temporadas de la sede la Federación, Star Trek: la película comienza cuando una nave desconocida de ingentes dimensiones es localizada en el espacio rie Star Trek, una epopeya espacial ambientada en el siglo XXIII que seguía las aventuras de la nave de exploración Enterprise y de los justo cuando la nave Enterprise está siendo revisada y reparada tras miembros de su tripulación. haber concluido con éxito una misión que ha durado cinco años. PoLa serie estuvo en antena durante tres años, desde 1966 hasta co después de que esa extraña presencia haya acabado con tres el otoño de 1969, y pese a su calidad y su carácter novedoso –que cruceros klingon, la estación espacial Epsilon IX lanza un mensaje serviría como referencia a otras series de la época como Atrapados de socorro a la Tierra previniendo a sus habitantes de lo que ya es en el espacio– no obtuvo el éxito esperado, por lo que fue relegada a un peligro inminente. Pese a que el proceso de reparaciones de la horarios de baja audiencia antes de ser vendida a bajo precio en Enterprise aún no ha concluido, el almirante Kirk decide ponerse de 1973 bajo el sistema de “sindicación”, que consiste en licenciar un nuevo a los mandos de su nave y parte en busca de ese poderosísiproducto televisivo a la ingente cantidad de canales locales disemimo enemigo que amenaza con destruir todo rastro de vida en el esnados a lo largo y ancho de Estados Unidos que, lógicamente, emipacio. ten su programación de manera independiente y en tres husos horaA fin de contentar a su público cautivo, el guion dejaba buena rios distintos. parte del protagonismo al resto de los componentes del reparto, en Esta vez la serie pasó de ser un simple material de relleno a especial al carismático Mr. Spock, quien será finalmente quien acconvertirse en objeto de culto para una extensa franja del público, ceda a los secretos de esa nave en cuyo pasado se ocultan viejas en especial el juvenil, que seguía con verdadero interés las idas y relaciones entre la Tierra y los alienígenas. venidas galácticas de la nave Enterprise en busca de otras civilizaEstrenada tal como estaba previsto en las Navidades de 1978, ciones que pudieran poblar el universo. Ante la renovación del éxito, Star Trek: la película solo obtuvo un moderado éxito de taquilla al y frente al arrollador estreno a mediados de 1977 de La guerra de que hubo que añadir la disparidad de criterio entre los seguidores las galaxias, los responsables de la Paramount decidieron cancelar más afectos a la serie. Por una parte, había quienes consideraban la película una digna continuadora del universo trekkie; por otra, no lo que entonces era su proyecto más ambicioso en el negocio televisivo: la segunda parte de la serie Star Trek, que iba a llevar por título faltaban quienes opinaban que Star Trek era una buena película de ciencia ficción, pero una mala continuación de la saga. Visto con la Star Trek Phase II, y encargar a Roddenberry la reelaboración del perspectiva del tiempo, todo apuntaba a que no habría nuevas enguion del primer capítulo, que habría de servir como base argumentregas, pero en 1982 la Paramount decidió poner en marcha la protal para la primera de las doce películas de la saga. Con un presupuesto de 35 millones de dólares, una cifra comducción del segundo largometraje, titulado Star Trek: la ira de Khan, pletamente astronómica para la época y muy superior a la invertida que pretendía probar la viabilidad de la franquicia aunque partiendo por 20th Century Fox en la producción de La guerra de las galaxias, el de un presupuesto mucho más reducido que el de su antecesora. rodaje de Star Trek: la película comenzó a finales de 1978 con la inPor suerte para millones de fans, la película fue un éxito y el inicio, tención de que estuviera lista para su estreno en Estados Unidos e Inesta vez definitivo, de una franquicia que llega hasta nuestros días y glaterra durante la Navidad de 1979. Semejante calendario suponía un que ha supuesto no solo la reescritura de la ciencia ficción sino un reto no tanto para el rodaje en sí como para la elaboración de los género literario y cinematográfico en sí mismo.

BUD SPENCER (CARLO PEDERSOLI) 31 de octubre de 1929, en Nápoles, Campania (Italia)-27 de junio de 2016, Roma (Italia)

FILMOGRAFÍA 1950.– Quel fantasma dil mio marito; 1951.– Quo Vadis?; 1954.– Siluri humani; 1957.– Un héroe de nuestro tiempo, Adiós a las armas, Il cocco di mamma; 1959.– Aníbal; 1967.– Dios perdona… ¡Yo no!; 1968.– Ojo por ojo, Más allá de la ley, Los cuatro truhanes; 1969.– Un ejército de cinco hombres, La colina de las botas; 1970.– Y Dios está con nosotros, Le llamaban Trinidad; 1971.– El corsario Negro, Le seguían llamando Trinidad, Cuatro moscas sobre terciopelo gris; 1972.– En el Oeste se puede hacer… amigo, Turín negro, ¡Más fuerte, muchachos!, Una razón para vivir y una para morir; 1973.– También los ángeles comen judías, El superpoli; 1974.– … Y si no, nos enfadamos; Dos misioneros; 1975.– Pies grandes; 1976.– El soldado de fortuna; 1977.– Mr. Charleston y sus secuaces, Dos superpolicías; 1978.– ¡Puños fuera!, Pegafuerte, Par impar; 1979.– El sheriff y el pequeño extraterrestre, Estoy con los hipopótamos; 1980.– Zapatones, El supersheriff; 1981.– Dos granujas en el Oeste, Quien tiene un amigo tiene un tesoro; 1982.– Banana Joe, Bombardero; 1983.– Como el perro y el gato, Dos supersuperesbirros; 1984.– Dos superdós; 1985.– Dos superpolicías en Miami; 1986.– Aladino; 1988.– Big Man: polizza droga (televisión), Big Man: la fanciulla che ride (televisión), Big Man: Diva (televisión), Big Man: Boomerang (televisión), Big Man: 395 dollari l’oncia (televisión), Al infierno la policía (televisión); 1991.– Un zapatón en el paraíso; 1991.– Extralarge: Black and White (televisión), Extralarge: Miami Killer (televisión); 1992.– Extralarge: Cannonball (televisión), Extralarge: Black Magic (televisión), Extralarge: Moving Target (televisión), Detective Extralarge: Yo-Yo (televisión); 1993.– Extralarge: Lord of the Sun (televisión), Extralarge: Indians (televisión), Extralarge: Ninja Shadow (televisión), Extralarge: Gonzales Revenge (televisión), Extralarge: Diamonds (televisión), Extralarge: Condor Mission (televisión); 1994.– Y en Nochebuena… ¡se armó el belén!; 1997.– Non siamo angeli (serie de televisión), Fuochi d’artifizio, Al límite; 1998.– Tre per sempre; 2000.– Hijos del viento; 2003.– Cantando dietro i paraventi; 2005.– Padre Speranza (televisión); 2009.– Mord ist mein Geschäft, Liebling; 2010.– I delitti del cuoco (serie de televisión); 2013.– Ninja the Mission Force (serie de televisión); 2016- Zoe (cortometraje).

GRACIAS, CARLO Afirma su hijo, Giuseppe Pedersoli, que su última palabra antes de fallecer en un hospital de Roma a las 18.15, rodeado por su familia, Carlo Pedersoli, al que conocemos como Bud Spencer, se despidió de este mundo diciendo: “Gracias”. De bien nacidos es ser agradecido. Así que los muchos seguidores que hemos disfrutado con sus películas muy buenos ratos en cines de todo el mundo somos quienes deberíamos decirle: “Gracias, Carlo; gracias, Bud, por tantas risas y diversión cosechadas en todos esos años de trabajo delante de las cámaras”. Icono incuestionable en los cines de sesión continua de los años sesenta y setenta, ídolo para los chavales de barrio que reían sus encuentros con Terence Hill en la pantalla grande como binomio esencial de la saga de Trinidad, que funcionó tan bien en la taquilla que incluso cuando el western mediterráneo estaba ya muerto, ellos siguieron rodando películas taquilleras juntos, trasladándolas a un contexto contemporáneo. Carlo Pedersoli construyó su carrera en torno a un físico arrollador y un carisma demoledor ante la cámara. Ejemplificaba al tipo grandote y decidido, algo broncas, pero en el fondo buena gente, que todos queríamos tener como hermano mayor o amiguete de confianza, especialmente cuando te metías en alguna pelea y pensabas: ¡si estuviera aquí Bud Spencer repartiendo tollinas! Bud Spencer era algo así como un John Wayne más cercano, más a pie de calle, más viable para el común de los mortales. Un tipo de una pieza. Una montaña de humanidad habitada por cierto aire de humilde sencillez. Pero sobre todo un héroe de andar por casa, pero de total confianza. Donde Wayne era un mito de leyenda del cine de Hollywood, Bud Spencer era este contundente antihéroe del cine al que se parecía nuestro vecino o uno de nuestros colegas. Nos daba la impresión de que Bud Spencer era más “verdad” que John Wayne no solo porque fuera italiano, que es como decir vecino de portal, sino porque sus personajes eran justo lo opuesto al intrépido héroe. En el 99,9 por ciento de sus películas, sus personajes tenían intereses y deseos perfectamente comprensibles, de clase trabajadora, de gente sencilla que solo quiere que la dejen vivir en paz. Luego acababan complicándose la vida, habitualmente por causa ajena, por culpa de alguno de sus socios, lo que le obligaba a entrar en acción y empezar a repartir tortas a manos llenas, siempre después de una inicial reticencia a hacer otra cosa que no fuera vivir su vida pacífica y tranquilamente. Y, claro, cuando Bud Spencer se liaba a repartir, era más demoledor que Terminator. Y, lo mejor de todo, insisto, es que, al contrario que John Wayne, Bud Spencer nos parecía un tipo al que podíamos tropezarnos al girar cualquier esquina y sin alejarnos mucho de nuestro barrio.

El Twitter oficial del actor anunció su fallecimiento con estas palabra, sobre una foto de Carlo junto a Terence Hill y un avión en una de sus películas: “Con profundo pesar tenemos que anunciar que Bud está volando a su próximo viaje. Familia Pedersoli”.

CAMPEÓN DE NATACIÓN Un viaje tras esos otros muchos viajes que había hecho en su vida. En su ficha profesional rezan distintas actividades: actor, guionista, productor, cantante y compositor. Pero antes y además de todo eso había sido campeón italiano de natación con participaciones en los Juegos Olímpicos en 1952 y 1956. La natación se había incorporado a su vida apenas un año después de que comenzará su escolarización, en 1936, que fue cuando se unió al club de natación de la escuela. Vivió de primera mano los estragos de la Segunda Guerra Mundial en suelo italiano, y en 1940 tuvo que trasladarse con su familia de Nápoles a Roma, después de que un bombardeo destruyera la fábrica propiedad de su familia, fundada por Alessandro Pedersoli en el siglo XIX. Roma se consideraba una ciudad más segura, habida cuenta de la presencia en esta del papa y el Vaticano, que frenaba la misiones de bombardeo aliado sobre la urbe. En el año 1946, Carlo cursó su último año en el instituto, fue campeón nacional con el equipo de rugby del centro y empezó a conocer la popularidad y el éxito como deportista destacándose en las competiciones de natación con tan solo quince años. Ese mismo año aprobó el examen de ingreso en la Universidad de Roma y comenzó sus estudios de química, que luego dejaría para empezar a estudiar derecho en 1948 tras un periodo de estancia con su familia en Brasil, donde estuvo trabajando en una fábrica en Río de Janeiro –allí se aficionó a la música brasileña–. De vuelta a Italia, combinó natación, derecho y boxeo, ganando todos los combates en los que participó. El deporte se convirtió en su primera carrera antes del cine, llevándole a conseguir varios récords de natación. Se coronó campeón de estilo libre en 1949 y el 19 de septiembre de 1950 fue el primer italiano que nadó cien metros en menos de un minuto (59:50 segundos). Campeón de natación de Italia tres veces como júnior y siete veces como adulto, acumuló además algunos títulos más en las competiciones por relevos, participando en la selección italiana de waterpolo, con la que fue medalla de oro en los Juegos Olímpicos de Londres (1948) y Roma (1960). Combinó esa notable actividad deportiva con sus primeros trabajos para el cine, que llegaron en los años cincuenta. Así, fue fichado para aparecer en Quo vadis?, pero Carlo todavía no estaba dispuesto a cambiar la piscina por los platós cinematográficos y continuó cosechando éxitos en el agua formando parte del equipo olímpico italiano de natación en los Juegos Olímpicos de Helsinki (1952) y Melbourne (1956). Contaba 27 años cuando decidió terminar su carrera deportiva para establecerse en Venezuela, donde trabajó como capataz en las obras de la carretera Panamericana y más tarde para la firma de automóviles Alfa Romeo en Caracas, antes de regresar a Italia y establecerse en Roma en 1959, donde empezó a estrechar sus lazos con el cine, encontrándose por primera vez con el que iba a ser su compañero de aventuras en numerosas películas, Terence Hill, cuando ambos rodaban Aníbal, protagonizada por Victor Mature en el papel del intrépido héroe cartaginés.

COMPOSITOR ANTES QUE ACTOR El paso de Carlo Pedersoli a Bud Spencer iba a darse por una concatenación de casualidades que empezaron a operar desde el momento en que el futuro astro de la pantalla se casó, el 25 de febrero de 1960, con María Amato, hija de un productor cinematográfico, a la que conocía desde años antes y que había sido uno de los motivos por los cuales había regresado desde Venezuela a su país natal. Tras el nacimiento de su primer hijo, Giuseppe, en 1961, y luego de su hija, Cristiana, en 1962, empezó a trabajar como compositor para la firma RCA, trabajo al que se dedicó desde 1960 a 1964, especializándose en canciones populares napolitanas y música pop. Cansado de esa línea de trabajo, decidió probar suerte como productor de audiovisuales, rompiendo su contrato con RCA para montar su propia empresa, que dedicó a producir documentales y anuncios para la televisión. Su oportunidad para ponerse delante de las cámaras nuevamente llegó en 1967 de la mano del director Giuseppe Colizzi, viejo conocido de la esposa de Carlo, que le ofrece el papel principal en su próximo largometraje, un western mediterráneo titulado Tú perdonas… ¡yo no!, para la que buscaba un tipo grandote que llenara la pantalla, algo que garantizaba el 1,94 de Carlo. Se dejó crecer la barba para “camuflarse” y se buscó un nombre artístico: Bud, por su cerveza favorita, Budweisser, y Spencer, como homenaje a su actor favorito, Spencer Tracy. El éxito de público de aquella primera aparición sorprendió al propio Carlo/Bud, que no esperaba tener oportunidad de labrarse una carrera ante las cámaras porque la producción de westerns italianos estaba en decadencia en ese momento. Lo que no esperaba es convertirse en protagonista de un fenómeno de renovación dentro del género con introducción de la parodia y la comedia con Le llamaban Trinidad.

COLECCION CARTELES CINE CLÁSICO ESPAÑOL

CAUTIVOS DE LA SOMBRA España; 1993; Color; Director: Javier Elorrieta; Guion: Santiago Moncada y José Luis de Tomás; Fotografía: Eduardo Suárez; Intérpretes: Manuel Bandera, Antonio Flores, Beatriz Santana, Juan Ribó, Tony Isbert, Manolo Zarzo; Duración: 89 minutos.

Nada más salir de la cárcel, Toni reorganiza su pequeña banda para poner en marcha el golpe que ha estado ideando mientras estaba en presidio. Acompañado únicamente de sus dos íntimos amigos y cómplices, el Nano y el Rafa, Toni pretende aprovechar las horas nocturnas que coinciden con una de las procesiones más importantes de la Semana Santa sevillana para desvalijar la principal joyería de la ciudad sin dar tiempo a que la policía, encargada por velar de la seguridad en las grandes aglomeraciones de fieles que siguen a la imagen sagrada, pueda seguir su pista durante los breves, pero decisivos, minutos de la huida. Una vez que ha calculado todos y cada uno de los detalles del golpe, Toni hace un breve recorrido por su vida: su relación de amistad con el Nano y el Rafa empieza a hacer aguas por culpa de la adicción a la heroína de estos últimos, y su noviazgo con Bea, una prostituta profesional, tampoco parece atravesar su mejor momento. Como todos los delincuentes, Toni sueña con el gran golpe y sobre todo con la posibilidad de escapar hacia una nueva vida. Sin embargo, obstáculos insuperables se interponen en su camino. Finalizada la época dorada del cine quinqui, José María Elorrieta, director, guionista, músico y publicista de reconocida trayectoria nacional e internacional apostó en1994 por la elaboración de una propuesta narrativa en la que se mezclaran elementos de ese tipo de películas con otros más propios del cine negro en su variante contemporánea; la misma que dejaba a un lado el retrato casi antropológico de esos antihéroes de los setenta y los ochenta surgidos en los suburbios de las grandes ciudades. Para ello contó con la colaboración de José Luis de Tomás, quien dos años antes había ganado el Premio Nadal con la novela titulada Al otro lado de la droga. Fiel a su concepción visual más cercana a la publicidad que al cine, Elorrieta traza un retrato superficial y acelerado de sus protagonistas centrándose más en sus acciones que en las razones que los mueven a actuar fuera de la ley. Por otra parte, su planteamiento aporta el interés suplementario de rodar en Sevilla y en plena Semana Santa, lo que supone ampliar el escenario natural de este tipo de historias hasta entonces relegadas casi en exclusiva a las calles de Madrid y Barcelona.

COLECCION CARTELES CINE CLÁSICO ESPAÑOL

TODO POR LA PASTA España; 1991; Color; Director: Enrique Urbizu; Guion: Luis Marías; Música: Bernardo Bonezzi; Fotografía: Carles Gusi; Intérpretes: Antonio Resines, Carmen Maura, Kiti Manver, Luis Ciges, Pepo Oliva, María Barranco, José Amezola, Pilar Bardem, Caco Senante, Ramón Barea, Klara Badiola; Duración: 92 minutos.

Entre 1990 y 1991, una serie de reportajes periodísticos devolvió a la actualidad las tramas del terrorismo de Estado puesto en práctica por elementos del crimen organizado en abierta connivencia con altos dirigentes del Ministerio del Interior. Parapetados bajo distintas siglas y grupos más o menos activos entre los que destacó por su alto número de asesinatos los autodenominados GAL. Sobre este trasfondo, Enrique Urbizu llevó a cabo su segundo largometraje, un thriller en el que se dan la mano los clásicos referentes del género con los guiños a una realidad sociopolítica que muchos hubieran preferido silenciar. Desde los primeros minutos de su impactante metraje, Todo por la pasta demuestra que la suya es una vocación de denuncia y un homenaje al cine poblado por individuos corruptos y violentos que obran a partir de códigos propios situándose a ambos lados de la ley. El atraco a un bingo en el que tras un nutrido tiroteo son robados 48 millones de pesetas pone en marcha el mecanismo de la caza del hombre, de las venganzas y de la búsqueda de ese botín que desde el principio y por un azar del destino ha ido a caer en manos equivocadas. En efecto, ha sido la novia de uno de los atracadores quien ha conseguido huir con el dinero dejando atrás sus escrúpulos y sin preocuparse por el destino de quien cometió el error de confiar en ella. Abocada a una fuga sin tregua, la mujer no tarda en intuir que tras lo que en apariencia no es más que un asunto de los bajos fondos oculta la acción de tramas más oscuras. Poco a poco, el cerco se estrecha dirigiendo la acción a su clímax: el enfrentamiento a muerte entre ladrones, traficantes de drogas, simples oportunistas deseosos de beneficiarse de lo que parece un dinero fácil y dos duros inspectores de policía que pretenden recuperar los millones para seguir financiando las actividades de la guerra sucia. Rodada con una envidiable solvencia que hacía prever la calidad de trabajos posteriores en el ámbito del thriller como la extraordinaria No habrá paz para los malvados, Todo por la pasta es una película atípica y valiente elaborada en un Estado cercano a la perfección que funciona con eficacia y soltura en su doble vertiente de entretenimiento y denuncia de los males que aquejan a la sociedad sin renunciar por ello a lo que puede entenderse como un homenaje al viejo cine político y policíaco producido en Italia durante los años setenta.

COLECCION CARTELES CINE CLÁSICO ESPAÑOL

EL TRIUNFO España; 2006; Color; Director: Mireia Ros; Guion: Basado en la novela de Francisco Casavella; Música: Johnny Tarradellas; Fotografía: Sergi Gallardo; Intérpretes: Sancho Gracia, Juan Diego, Ángela Molina, Jesús Carrero, Pep Cruz; Duración: 122 minutos.

Cuatro chavales agitanados deambulan por la zona alta del Barrio Chino de Barcelona entre ajustes de cuentas, juergas interminables y el eco estremecedor y lejano que dejó en uno de ellos, el Nen, la larga ausencia de su padre, un ídolo de la rumba catalana desaparecido quince años atrás cuando estaba a punto de alcanzar la cima del éxito. A su alrededor, el barrio ya no es lo que era: inmigrantes de origen africano, negros y marroquíes, disputan al hampa local el tráfico de drogas y los negocios de prostitución. La guerra de bandas está en el aire, y con ella la reivindicación del empuje que mucho tiempo atrás mostraron un grupo de legionarios caídos en desgracia que a su vuelta de África supieron imponer su ley a sangre y fuego. Pero el tiempo lo cambia y lo corrompe todo, y aquellos soldados de antaño están cerca de convertirse en unos viejos tan inútiles como aún sedientos de sangre y de poder. Escrita por Francisco Casavella a finales de los ochenta, El triunfo es una de las grandes novelas de la literatura española contemporánea, a la que infunde en poco más de doscientas páginas el hálito épico de las viejas historias callejeras tipo West Side Story o Malas calles dotándolas de un inconfundible sabor local que hunde sus raíces en las tradiciones mestizas del Chino barcelonés y en los referentes socioculturales de esa Cataluña pobre en la que confluyen oriundos y foráneos condenados a vivir su existencia sobre el filo de la marginalidad y la delincuencia. Lamentablemente, la extraordinaria calidad del original literario se pierde en pos de una pobre producción que convierte su escenario natural, ese barrio que se cae a pedazos, esas esquinas amenazadoras y al mismo tiempo familiares, en una suerte de decorado insulso donde todo parece estar colocado a desmano. Los protagonistas, por su parte, no llegan tampoco a transmitir al espectador las pasiones que en la novela les convertían en personajes alocados y trágicos. Todo un ejemplo de lo que no debe hacerse a la hora de afrontar una adaptación literaria que hace suponer cierta desidia por parte de su directora y guionista o cierta sensación de jugar con ventaja; ventaja evidente, sí, pero completamente desaprovechada.

COLECCION CARTELES CINE CLÁSICO ESPAÑOL

TRUHANES España; 1983; Color; Director: Miguel Hermoso; Guion: Manolo Marinero, Luis Ariño, Mario Camus y Miguel Hermoso; Música: José Nieto; Fotografía: Fernando Arribas; Intérpretes: Francisco Rabal, Arturo Fernández, Isabel Mestres, Lola Flores, Antonio Gamero, Rafael Díaz; Duración: 90 minutos.

Gonzalo Millares y Ginés Jiménez son dos caras de la misma moneda. El primero es un señorito sinvergüenza que un buen día se ve en la cárcel tras ser traicionado por sus cómplices en un asunto de contrabando de obras de arte; el segundo es un vulgar timador, mujeriego y despreocupado para quien la cárcel de Carabanchel es algo así como su segundo hogar. Representantes de dos clases sociales antagónicas, Gonzalo y Ginés ven cómo sus destinos quedan unidos cuando a cambio de protección durante el tiempo que esté entre rejas Gonzalo le promete a Ginés ayudarle a convertirse en todo un señor cuando acabe de cumplir su condena. Una vez en la calle, Gonzalo, que aún mantiene la esperanza de seguir siendo un dandi, intenta borrar las huellas de su pasado mientras hace lo posible por dar el pelotazo de su vida. Por su parte, Ginés, que ha sido puesto en libertad poco después, consigue dar con su amigo, a quien le recuerda de manera harto evidente el pacto de honor que ambos suscribieron cuando las cosas no iban bien. Paco Rabal y Arturo Fernández nos regalaron una de sus mejores interpretaciones en esta comedia de tono costumbrista en la que en cierto modo parecían interpretarse a sí mismos como si todo cuanto se ve en la pantalla correspondiera a una versión ibérica y cañí de las grandes comedias del maestro Monicelli y de aquella pequeña obra maestra de Gene Sacks que llevaba por título La extraña pareja. Como piezas perfectamente engarzadas, los protagonistas se adueñan de la función desde el primer plano: sus distintas formas de afrontar la vida siempre desde la perspectiva del caradura, sus salidas de tono, sus desplantes y su ternura, pues en el fondo son poco más que unos pobres diablos, les convierten en personajes simpáticos con los que resulta muy fácil identificarse. Por otra parte, el retrato desacomplejado de esas dos Españas unidas por las artimañas de quienes pretenden vivir sin dar ni golpe tiene ecos del mejor Berlanga, lo que hace la película aún más destacable si tenemos en cuenta que se trata de una ópera prima justamente reconocida por la crítica y por el público del momento, que la convirtieron en uno de los éxitos más recordados del cine de los ochenta producido poco antes de que se impusiera esa tendencia de cine “de calidad” excesivamente sujeto a parámetros supuestamente culturales.

SERIES DE TV

DAREDEVIL

JUEGO DE TRONOS

Temporada 1

Temporada 1 Creadores: David Benioff y D. B. Weiss, basado en las novelas de George R. R. Martin. Reparto: Peter Dinklage, Lena Headey, Nikolaj Coster Waldau, Kit Harington, Emilia Clark, Sophie Turner, Maisie Williams, Sean Bean, Mark Addy, Richard Madden, Michelle Fairley, Jack Gleeson, Alfie Allen, Jason Momoa, Isaac Hempstead Wright, Iain Glen. Emisión: 17 de abril de 2011-19 de junio de 2011, HBO, Estados Unidos. La serie que cambió todo. El producto televisivo más visto, seguido y pirateado en todo el mundo nació aquí, con HBO asegurándose los derechos de emisión de la serie, concebida y creada por Benioff y Weiss, quienes a su vez habían tenido que convencer al autor de las novelas de que eran los idóneos para el trabajo. Otros lo habían intentado, para llevar sus novelas al cine, pero Martin siempre pensó que una película, incluso una trilogía, no daría suficiente tiempo para abarcar todas las tramas y personajes de sus libros, por lo que la idea de una serie de televisión parecía perfecta, pero antes los guionistas pasaron cinco horas en una reunión convenciendo a Martin. Era 2006, y pasaron dos años más trabajando en el guion cuando HBO adquirió los derechos, hasta que se rodó el piloto en 2009, que no gustó a nadie y hubo que repetir, cambiando parte del reparto. Con el nuevo piloto bajo el brazo, en 2010 se comenzó a rodar la primera temporada de la serie, en la que los que no conocían las novelas se encontraron por primera vez con los Stark, los Targaryen, los Baratheon o los Lannister. Pocos cambios respecto a la novela y unas audiencias respetables (pero lejos del monstruo que es hoy) garantizaron una base fan que no ha hecho más que crecer con el paso de los años. Violenta y con mucho sexo, como la primera novela, de la que la serie tomaba el nombre. Cada temporada se suponía que se centraría en uno de los libros, siendo esta la presentación del mundo de Poniente, sus personajes y su potencial. El presupuesto de la temporada rondó los 60 millones de dólares, poco común en televisión, con un rodaje más similar a una película de diez horas que a una serie normal, con un rodaje centrado en Irlanda, principalmente, y Malta. El tema de los créditos iniciales de Ramin Djawadi se ha convertido en una de las BSO más populares de los últimos años en cine y televisión.

SERIES DE TV

Creador: Drew Goddard. Reparto: Charlie Cox, Elden Henson, Deborah Ann Woll, Vincent D’Onofrio, Vondie Curtis-Hall, Rosario Dawson. Emisión: 10 de abril de 2015, Netflix (todos los episodios a la vez). Nadie sabía lo que Netflix iba a hacer con las propiedades Marvel cuando decidió lanzarse a la piscina del mundo superheroico lanzando cuatro series sobre personajes Marvel, producidas por el estudio, y con una miniserie como final de ruta, donde los cuatro personajes unirían fuerzas. Tras la primera película del personaje, odiada por los fans, el personaje había caído en el olvido audiovisual casi por completo, y Netflix apenas llevaba emitido un puñado de series propias cuando Daredevil llegó. Aunque entre esas series se encontraban éxitos de crítica tan espectaculares como House of Cards o Orange Is the New Black. Daredevil nos intrigaba y a la vez nos daba miedo. Un miedo que desapareció en cuanto vimos el primer episodio. Y no pudimos dejar de ver la serie. El abogado ciego Matt Murdock, interpretado por Charlie Cox, se enfrentaba a su mayor enemigo, Kingpin (Vincent D’Onofrio), en una batalla tanto legal como en su vertiente de vigilante. Murdock usaba los dones que obtuvo tras un accidente en su infancia que le dejó ciego, para enfrentarse a aquellos que escapaban de la justicia. Así la primera temporada de la serie se convertía en un viaje para ver al hombre convertirse en el héroe Daredevil, no tanto un origen, como una formación. Un viaje violento, doloroso, oscuro y torturado, que le enfrentaría a su mejor amigo, a su pasado, a sus miedos y le llevaría a tener que replantearse muchas cosas, incluyendo sus creencias religiosas (brillante incorporación del catolicismo del personaje en los tebeos). Algunas escenas de acción, como ese recordado plano secuencia en el episodio 2, son para enmarcar. El resultado no solo era convincente, sino que se forjaba una de las mejores series de 2015, integrada en el universo Marvel (al que hace referencia varias veces), pero sin ser dependiente de él. Drew Goddard creó la serie, pero sus compromisos en el cine le hicieron ceder el manto de showrunner a Steven S. DeKnight, quien consiguió una de las mejores adaptaciones al cómic que se recuerdan, sean en cine o televisión. Curiosamente, otros compromisos cinematográficos hicieron que el guionista dejase la serie como showrunner al final de esta primera temporada. Y, pese a su ausencia, en la segunda temporada no dejó de crecer…

SERIES DE TV

BREAKING BAD

THE FLASH

Temporada 1

Temporada 1 Creadores: Greg Berlanti, Geoff Johns y Andrew Kreisberg.

Creador: Vince Gilligan. Reparto: Bryan Cranston, Aaron Paul, Anna Gunn, Dean Norris, Betsy Brandt, R. J. Mitte, Raymond Cruz.

Reparto: Grant Gustin, Candice Patton, Danielle Panabaker, Carlos Valdés, Tom Cavanagh, Jesse L. Martin, Rick Cosnett, John Wesley Shipp. Emisión: 7 de octubre de 2014-19 de mayo de 2015, The CW, en Estados Uni-

Emisión: 20 de enero-9 de marzo de 2008, AMC en Estados Unidos. Otro hito en la historia de la televisión. Considerada por muchos (entre los que, lo siento, no me encuentro, aunque me sigue pareciendo una serie espectacular y brillante) como la mejor serie de todos los tiempos, Breaking Bad fue una sorpresa en todos los sentidos, no solo porque la historia que contaba no era ni mucho menos fácil, sino porque lo hizo de una forma muy distinta a lo esperado, sorprendiendo siempre y aportando un personaje que se convertiría en icono televisivo junto a los más grandes de la pequeña pantalla. Hablamos, claro está, del Walter White de Bryan Cranston, un actor al que nadie esperaba ver en un papel dramático de este estilo, porque era más recordado por sus trabajos en la comedia, pero que supo dar vida al personaje como ningún otro habría podido. La historia nos llevaba a Nuevo México, donde un profesor de instituto, que tiene dos trabajos debido a su mísero salario, es diagnosticado con un cáncer terminal, lo que le lleva a plantearse su futuro y el de su familia. Más aún cuando se tiene un cuñado como Dean Norris, cuando tu hijo tiene necesidades especiales, o cuando tus alumnos se ríen de ti en tu otro trabajo. Así que Walter decide un día ponerse manos a la obra, harto de todo, sabiendo que tiene los días contados, y gracias a sus conocimientos de química, empieza a preparar metanfetamina con un exalumno algo particular, interpretado por Paul. El resto… El resto es historia. La serie tenía planeado contar con nueve episodios en su primera temporada, pero la huelga de guionistas lo recortó a siete. Pese a no ser la más vista del mundo, a sufrir por la huelga, a tener un tema tan complicado, a ser una serie de cocción lenta, que daba espacio a los personajes para crecer y evolucionar… pese a todo, la cadena apostó por ella, y fue creciendo hasta convertirse en la leyenda que conocemos hoy en día. Por esta primera temporada, rodada en Albuquerque, Nuevo México como el resto de la serie (donde estaba ambientada también), Cranston ganó el Emmy al Mejor Actor protagonista, el primero de muchos premios. Con la confianza de la cadena, la serie no dejó de crecer…

dos. Concebida como un spin off de Arrow, la serie basada en el héroe Green Arrow de DC Comics y protagonizada por Stephen Amell, The Flash llegó como un relámpago (permítanme el chiste fácil) y se convirtió desde su primera emisión en la producción más vista de su cadena, superando de largo no solo a la serie que la originó, sino también al resto que The CW emite en estos momentos, un fenómeno curioso aunque no muy habitual (lo hemos visto, por ejemplo, con NCIS, spin off de JAG). Los antecedentes no daban a entender que la serie iba a tener un éxito semejante, cuando en los noventa se estrenó otra serie protagonizada por el personaje que no pasó de su primera temporada. Pero había algo en The Flash que hacía sospechar que nos encontrábamos ante un producto especial. Barry Allen, su protagonista, fue presentado en Arrow meses antes, y se planeaba hacer un piloto dentro de la propia serie “madre”, pero el éxito del personaje fue tal, que se rodó un piloto aparte, con Berlanti, Johns y Kreisberg como creadores –este último, como showrunner–. Aunque, como siempre en estas series, con Berlanti como mente maestra de todo el universo que ya se ha generado de DC en televisión (Arrow, Flash, Supergirl y Legends of Tomorrow). Allen es el segundo Flash de los cómics, aunque en esta versión tenía algunos elementos de Wally West, el tercero, pero su historia original, con el asesinato de su madre ante sus ojos siendo niño. Reverse Flash sería el villano sorprendente de la temporada (sorprendente por varios motivos). Sus responsables homenajearon la serie original con la presencia de John Wesley Shipp, el Barry Allen de aquella serie, como padre del protagonista, además en un papel secundario pero imprescindible. Toda la serie respiraba respeto por el cómic y mucho conocimiento del mismo, lo que la convirtió en una de las más fieles y entretenidas adaptaciones de un cómic a la pequeña pantalla. Además, se apoyaba en unos excelentes efectos visuales, pero sin depender exclusivamente de ellos. El final de la temporada fue un cliffhanger perfecto.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE DE TERROR

EL HOMBRE Y LA BESTIA

Der Golem, wie er in die welt kam

Dr. Jekyll and Mr Hyde 1920; EE. UU; Blanco y negro; Muda; Director: John S. Robertson; Guión: Clara Beranger; Fotografía: Roy F. Overbaugh; Intérpretes: John Barrymore, Brandon Hurst, Martha Mansfield, Nita Naldi, Louis Wolheim, Cecil Clovelly, Charles Lane; Duración: 82 minutos.

Basada en la novela de Robert Louis Stevenson y en la obra de teatro que aquella inspiró, escrita por Thomas Russell Sullivan, que se estrenó en Boston el 9 de mayo de 1887. También tomó prestados elementos de El retrato de Dorian Gray, de Oscar Wilde, sin incluirlo en los créditos. De ese puzle de referencias surge un título clásico del cine de terror mudo estadounidense que además será influencia poderosa en las posteriores versiones de este mismo asunto que aborde el cine, contando con efectos visuales de transformación del personaje principal que en su momento pasaban por ser altamente inquietantes para el espectador. Esta película no era, sin embargo, el primer intento de adaptación de la icónica obra de Robert Louis Stevenson, que había pasado al cine en formato de cortometraje en una ocasión en 1908, dos en 1910, una en 1912, dos más en 1913 e incluso una más en el mismo año en que se estrenó este largometraje. Además, en 1920 se estrenó una curiosa variante “pirata” del mismo tema dirigida, sin pagar derechos y cambiando los nombres de la obra original, por F. W. Murnau, quien la tituló La cabeza de Jano y puso a Conrad Veidt, estrella del cine alemán del momento, a la cabeza del reparto convirtiendo al doctor Jekyll en el doctor Warren. El principal gancho de taquilla de esta versión fue el protagonismo en la misma, haciendo el doble papel principal de Jekyll y Hyde, de John Barrymore, galán del teatro y el cine del momento que además impuso que el rodaje se llevara a cabo en la azotea del auditorio del teatro Amsterdam Opera House, de Broadway, para que el actor no tuviera que desplazarse a sus funciones en los escenarios teatrales. Considerada como una de las mejores versiones de la obra de Stevenson, y también una de las que cuenta con un guion más sólido centrado en el duelo entre el bien y el mal que se desarrolla en el interior del protagonista. Su caracterización tiene además el interés de ser en principio obra del propio actor sin prótesis, forzando los gestos de la cara hasta el extremo. Luego la prótesis se convirtió en molde para los míster Hyde posteriores del cine y los dibujos animados. M.J.P.

EL GOLEM 1920; Alemania; Blanco y negro; Muda; Director: Carl Boese, Paul Wegener; Guión: Henrik Galeen, Paul Wegener; Música: Hans Landsberger; Fotografía: Karl Freund, Guido Seeber; Intérpretes: Paul Wegener, Albert Steinrück, Lyda Salmonova, Ernst Deutsch, Hans Stürm, Max Kronert, Otto Gebühr, Dore Paetzold, Lothar Müthel, Greta Schröder, Carl Ebert, Fritz Feld, Ursula Nest; Duración: 101 minutos.

Obra maestra del cine fantástico y preludio ejemplar al terror del expresionismo alemán, esta película se basa en la novela de Gustav Meyrink publicada en 1915, que recogió una leyenda del siglo XVI protagonizada por el gran rabino Loew, del gueto de Praga, según la cual mediante la cábala, los sabios judíos podían animar a una criatura de arcilla invocada como guardián de su pueblo frente a los gentiles. El problema es que la figura escapa finalmente al control de sus amos y se convierte en una amenaza dedicada a sembrar la muerte y la destrucción a su alrededor. Una de las fuentes de inspiración para Frankenstein, esta fábula consiguió convertirse en un best seller de la época, vendiendo más de 150.000 ejemplares entre 1914 y 1920 y siendo uno de los libros de bolsillo que llevaban los soldados alemanes al frente de la Primera Guerra Mundial, con lo cual no es extraño que pudiera haber sido una inspiración para la propaganda antisemita que posteriormente iba a desplegarse con la llegada del nazismo. El desenlace de la película, con los niños rubitos de aspecto ario exorcizando el peligro del monstruo se antoja especialmente significativo en ese sentido. Sus adaptaciones al cine son contemporáneas a su éxito como producto literario. La primera tuvo lugar en 1915 y fue dirigida por los mismos directores que esta otra que ahora nos ocupa y que es la más conocida por el público actual. Henrik Galeen era un guionista y director esencial en las propuestas de cine de terror del momento que estuvo implicado como director en otros dos títulos señeros del tema que nos ocupa, El estudiante de Praga y Mandrágora, además de participar como guionista en Nosferatu. Por su parte, Paul Wegener, que además interpretaba el papel del monstruo que daba título a la película, es una de las principales figuras del fantástico previo al expresionismo por su labor tanto delante como detrás de las cámaras en películas como El estudiante de Praga o Mandrágora. Más que miedo transmite inquietud, especialmente por su cualidad de testimonio de lo que iba a ocurrir en el Holocausto. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE DE TERROR

HÄXAN, LA BRUJERIA A TRAVÉS DE LOS TIEMPOS

EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI

Häxan 1922; Suecia; Blanco y negro; Muda; Director: Benjamin Christensen; Guión: Benjamin Christensen; Música: Emil Reesen en la versión de 1941.; Fotografía: Johan Ankerstjerne; Intérpretes: Marel Pedersen, Clara Pontoppidan, Elith Pio, Oscar Stribolt, Tora Teje, John Andersen, Benjamin Christensen, Poul Reumert, Karen Winther, Kate Fabian, Astrid Holm, Aage Hertel, Ib Schonberg, Emmy Shonfeld, Ella LaCour, Elizabeth Christensen; Duración: 122 minutos.

La versión original contaba con música de Ludwig van Beethoven, pero posteriormente y por el carácter icónico de esta película en temática ocultista y el satanismo, así como por su carácter pionero dentro del cine de terror en la etapa muda, ha servido como inspiración visual para todo tipo de composiciones y bandas sonoras que incluyen el black metal. En lo referido al acompañamiento sonoro, destaca también la aportación como narrador que hizo el escritor William S. Burroughs en el reestreno del filme en 1968. Su presupuesto fue de dos millones de coronas suecas, 213.340 euros al cambio, lo que la convirtió en su momento en la película sueca más cara y permitió a su director rodar una inquietante mezcla de documental y fábula fantástica que él afirmaba haber creado sobre la documentación de los juicios contra la brujería y los procedimientos inquisitoriales, al tiempo que en lo referido a lo visual sus referentes pasaban por las pinturas del Bosco y Goya. A pesar de su carácter inicialmente documental, que era por otra parte una cortina de humo para trazar un tapiz del horror en la pantalla, la película no engañó a la censura sueca, que exigió numerosos cortes antes de darle el permiso para llegar a las salas. Así fue como se cortaron, entre otras cosas, el primer plano de un dedo y la mano de un hombre colgado, una cruz pisoteada en un aquelarre de brujas, un plano con un bebé cociéndose en una olla, el primer plano de una mujer sujeta a un potro de tortura que era una invitación al sadismo, varios primeros planos de distintos instrumentos de tortura, y el plano del demonio abrazando a una mujer desnuda. Afortunadamente, estos planos han ido añadiéndose a las distintas versiones y reediciones de la película, que ha visto así incrementado su metraje a lo largo del tiempo. Ese uso de los primeros planos y los instrumentos de tortura lo retomó posteriormente como forma expresiva Carl Theodor Dreyer en La pasión de Juana de Arco. M.J.P.

Das Cabinet des Dr. Caligari 1920; Alemania; Blanco y negro; Muda; Director: Robert Wiene; Guión: Carl Mayer, Hans Janowitz; Música: Alfredo Antonini, Giuseppe Becce; Fotografía: Willy Hameister; Intérpretes: Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Feher, Lil Dagover, Hans Heinrich von Twardowski, Rudolf Lettinger, Rudolf Klein-Rogge, Hans Lanser-Rudolf, Henri Peter-Arnolds, Ludwig Rex, Elsa Wagner; Duración: 73 minutos.

La película emblemática del cine expresionista alemán que instaló el vocablo caligarismo entre la crítica francesa y corrió el velo de lo fantasmagórico en la pantalla grande, abriendo paso franco a la manifestación del inconsciente en las pesadillas de celuloide. La primera y más combativa versión del relato fue adornada con un prólogo y un epílogo añadido que rompía la integridad de la crítica lanzada contra el káiser Guillermo II, un titiritero como el manipulador Caligari, que había engañado a los alemanes “sonámbulos” para ir a la Primera Guerra Mundial. Película con mérito en disputa respecto a la paternidad de sus principales aportaciones. ¿Fue Erich Pommer, el productor esencial del cine alemán de la época, el principal inductor del diseño y el planteamiento visual del largometraje, o fueron los propios guionistas los que propusieron a Alfred Kubin, ilustrador expresionista austríaco, como diseñador o inspiración para el diseño de los decorados que prestan ese tono de atmósfera tenebrosa a toda la fábula, con una clara influencia de las calles de la ciudad de Praga? No hay que olvidar que los guionistas, Janowitz y Mayer, eran también oriundos de Praga. Otra versión afirma que Pommer simplemente buscó la alternativa más económica para el diseño, y de ahí salió la idea de las telas pintadas como alternativa para “edificar” la ficción de las calles truncadas y angulosas por las que transitan Caligari, el sonámbulo Cesare y sus víctimas. La película respondía a la primacía que tenía el decorado sobre el resto de los elementos en el cine alemán. Finalmente, Kubin no se hizo cargo del trabajo, pero el decorador del estudio, Warm, y los pintores Walter Röhrig y Walter Reimann se ocuparon de elaborar los decorados siguiendo sus huellas. El decorado no solo reproduce el sentimiento de malestar de Alemania en la República de Weimar, sino que provoca reacciones en el espectador, con líneas oblicuas bruscas, frente a una arquitectura más convencional y ordenada que transmite una sensación más equilibrada en el espectador. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE DE TERROR

EL FANTASMA DE LA ÓPERA

NOSFERATU

The Phantom of the Opera

Eine Symphonie des Grauens

1925; EE. UU.; Blanco y negro; Director: Rupert Julian, Lon Chaney, Ernest Laemmle, Edward Sedgwick; Guión: Walter Anthony, Elliott J. Clawson, Bernard McConville, Frank M. McCormack, Tom Reed, Raymond J. Schrock, Richard Wallace, Jasper Spearing; Música: Joseph Carl Breil, Gustav Heinrichs, Sam Perry; Fotografía: Milton Bridenbecker, Virgil Miller, Charles Van Enger; Intérpretes: Lon Chaney, Mary Philbin, Norman Kerry, Arthur Edmund Carewe, Snitz Edwards, Gibson Gowland, John St. Polis, Mary Fabian, Virginia Pearson, Olive Ann Alcorn, Joseph Belmont, Alexandre Bevani; Duración: 107 minutos.

1922; Alemania; Blanco y negro; Muda; Director: F. W. Murnau; Guión: Henrik Galeen; Música: x; Fotografía: Fritz Arno Wagner, Günther Kampf; Intérpretes: Max Schreck, Gustav von Wangenheim, Greta Schröder, Georg H. Schnell, Ruth Landshoff, Gustav Botz, Alexander Granach, John Gottowt, Max Nemetz, Wolfgang Heinz, Albert Venohr, Eric Van Viele, Karl Eltinger, Guido Herzfeld, Hans LanserRudolf, Loni Nest, Josef Sareny, Fanny Schreck, Hardy von Francois, Heinrich Witte; Duración: 94 minutos.

Basada en la novela de Gaston Leroux, sigue siendo la mejor adaptación de esta al cine, un clásico que además marcó el pináculo de la popularidad para su protagonista, Lon Chaney, quien figura merecidamente en la historia del cine como la primera estrella del terror y maestro de maquillajes que él mismo preparaba para materializar su inquietante galería de personajes. Chaney fue eficaz inspiración para posteriores astros del género, como Boris Karloff, y además hizo un aporte esencial en lo referido al maquillaje y el desarrollo de prótesis para respaldar el trabajo del actor en este tipo de trabajos ante la cámara. De hecho, la compañera de reparto del actor en este trabajo, Mary Philbin, aseguró que desconocía totalmente el aspecto que iba a tener finalmente el personaje que da título a la película, así que buena parte de su sorpresa y su espanto al verle era real. Además, la película, que fue un auténtico fenómeno cinematográfico en el momento de su estreno, cuenta con su propia leyenda urbana para adornarse del manto de lo sobrenatural. Al parecer, parte del decorado que se construyó en el estudio de sonido número 28 de la productora Universal sigue tal y como estaba en el momento en que se rodó el largometraje, y cuando algunos operarios intentaron desmontarlo se produjeron accidentes que han dado lugar a la leyenda de que está protegido por el fantasma de Lon Chaney. Todas estas reacciones proceden de una excelente manera de trabajar la promoción del filme de la que podrían aprender mucho los encargados de tales menesteres en el cine actual: en lugar de saturar con anticipos de imágenes al espectador, los responsables se ocuparon de que no se filtrara ninguna foto de Chaney caracterizado como el fantasma para que pudiera ser aún más impactante para los espectadores. La magia del cine permanecía así intacta. M.J.P.

Basándose en la novela Drácula, de Bram Stoker, y sin pagar derechos a sus herederos, lo que la convierte en una de las pioneras en piratería y pleitos por derechos de autor no satisfechos, Murnau elaboró paradójicamente la versión que en mi opinión es la más interesante y también una de las más fieles, si no la más fiel, al potencial real que tenía la novela original de Stoker como maquinaria para sembrar la inquietud derivada de descorrer el velo entre el mundo real y el mundo fantástico, entre lo material y lo inmaterial. Comparando esta película con El gabinete del doctor Caligari, aquella otra nos puede parecer algo más artificial, principalmente porque Murnau salió al exterior, fuera de los decorados pintados, para tocar las localizaciones reales en las que se desarrollaba su historia. Además, el de Nosferatu es un terror más cósmico, más cercano a las estructuras de contacto con lo sobrenatural que nos proponía H. P. Lovecraft en la literatura. De hecho, siempre he pensado que esta película era una especie de versión de las situaciones y personajes pensados por Bram Stoker, pero mirados con un filtro más propio de las narraciones de Lovecraft. Murnau se había formado como historiador del arte y la huella de esa formación destaca en la película, donde salen a la luz los recuerdos de cuadros célebres que el director transforma en visiones muy personales de la fábula que nos está narrando. Su empeño en rodar en exteriores facilita además una interesante participación de la naturaleza como personaje de la historia, facilitando una brillante convivencia de lo sobrenatural, expresado en ese mundo de las sombras que brota por cada rincón del largometraje, con fragmentos de carácter documental que aportan un poso de sobriedad y objetividad de la imagen frente a los estallidos de imaginación de otros fragmentos, ambos en un perfecto equilibrio forjado sobre la cualidad de materializar las pesadillas que tiene este largometraje. M.J.P.

CARTEL-MANÍA GRANDES PELÍCULAS CINE DE TERROR

EL DOCTOR FRANKENSTEIN Frankenstein 1931; EE. UU.; Blanco y negro; Director: James Whale; Guión: John L. Balderston, Garrett Fort, Francis Edward Faragoh, Richard Schayer, Robert Florey, John Russell; Música: Bernhard Kaun; Fotografía: Arthur Edeson, Paul Ivano; Intérpretes: Boris Karloff, Colin Clive, Mae Clarke, John Boles, Edward Van Sloan, Frederick Kerr, Dwight Frye, Lionel Belmore, Marilyn Harris, Ted Billings, Jack Curtis, William Dyer, Arletta Duncan, Francis Ford, Soledad Jiménez, Carmencita Johnson, Margaret Mann, Seesel Anne Johnson, Michael Mark, Pauline Moore, Inez Palange, Paul Panzer, Cecilia Parker, Rose Plumer, Cecil Reynolds, Elinor Vanderveer; Duración: 70 minutos.

Basada en la novela de Mary Shelley y en la adaptación teatral que llevó a cabo sobre esta Peggy Webling. Universal invirtió 291.000 dólares en su realización y consiguió una taquilla de más de doce millones de dólares, confirmando que el cine de terror y sus monstruosas criaturas podían ser un producto de serie A susceptible de convertirse en referencia del cine y de las recaudaciones. Fue junto con Drácula, producida también por Universal, la detonante de una primera era dorada del género en el cine norteamericano. Además, el maquillador Jack P. Pierce creó una imagen icónica del monstruo que se apartaba radicalmente de sus antecedentes literarios y cinematográficos, y poseía identidad y personalidad propias. Todos los maquilladores que posteriormente se acercaron a la criatura de Frankenstein tuvieron como punto de arranque y referencia esencial el trabajo realizado por Pierce en esta película, si bien no pudieron imitarlo, porque estaba registrado y era propiedad de la productora, lo cual impidió por ejemplo que pudieran repetir esa misma imagen del personaje en las producciones de la británica Hammer Films, cuando este pasó a ser interpretado por Christopher Lee. Pero la película no innovó solo en prótesis y maquillaje, sino que todo su diseño estaba destinado a convertirse en seña de identidad del fantástico en el cine americano durante varias décadas, e incluso exploró nuevas aportaciones del sonido, por ejemplo a través de la grabación mediante un micrófono instalado dentro del ataúd en la escena del cementerio, para proporcionar al espectador una sensación más directa y tétrica de ese momento. También prestaron especial cuidado a la hora de reproducir los sonidos de la tempestad y los truenos, que se convirtieron en efecto estándar en el cine estadounidense. Muchas de las incorporaciones técnicas de esta primera versión serían aplicadas a modo de guiño y homenaje en la parodia El jovencito Frankenstein, dirigida por Mel Brooks en 1974. M.J.P.

EL ESTUDIANTE DE PRAGA Der student von Prag 1926; Alemania; Blanco y negro; Muda; Director: Henrik Galeen; Guión: Hans Heinz Ewers, Henrik Galeen; Música: Willy Schmidt-Gentner; Fotografía: Gunther Krampf, Erich Nitzschmann; Intérpretes: Conrad Veidt, Elizza La Porta, Fritz Alberti, Ágnes Eszterházy, Ferdinand von Alten, Werner Krauss, Erich Kober, Max Maximilian, Marian Alma, Adolf Peter Hoffman, Sylvia Torf; Duración: 110 minutos.

Basada en el relato William Wilson de Edgar Allan Poe y en el poema de Alfred de Musset, es una de las películas icónicas de los argumentos de pacto con el diablo que se han dado en el cine y está precedida por una versión anterior rodada también en Alemania y considerada como una de las primeras obras maestras del cine de terror. En aquella, rodada en 1913, escrita por Hanns Heinz Ewers, y dirigida por Paul Wegener y Stellan Rye, debutó el que luego iba a ser una de las figuras del cine fantástico delante y detrás de las cámaras, Paul Wegener, que hizo aquí sus pinitos como director. Los artífices de esta nueva versión tomaron como referente aquel precedente y partieron de las mismas fuentes literarias incorporando las novelas de Hans Heinz Ewers y Henrik Galeen como parte del soporte argumental. Un estudiante pobre –interpretado por Conrad Veidt, que había interpretado ya el papel del sonámbulo Cesare en el clásico El gabinete del doctor Caligari y tras su etapa como estrella del cine alemán mudo iba a emigrar a Estados Unidos convirtiéndose en villano de carácter secundario en las producciones de Hollywood, destacando como el oficial alemán de Casablanca–, se enamora de una mujer rica, lo que le llevará a aceptar la oferta que le hace un fáustico personaje, Scapinelli, interpretado por Werner Krauss, que le propone darle una importante cantidad en oro que le permita acercarse a la fémina a cambio de algo que no especifica. El estudiante quedará sorprendido cuando descubra que lo que ha vendido es la imagen de su doble reflejado en el espejo, una metáfora del alma perdida por el protagonista. Aunque la nueva versión no pudo emular la sorpresa y los aportes de su predecesora, las interpretaciones de Scapinelli y el estudiante la sitúan como una de las más destacadas aportaciones del género fantástico en su etapa. Además, en algunos momentos refleja el cambio que se estaba operando en el cine fantástico alemán girando hacia el territorio de la nueva objetividad. La convivencia de lo material y lo inmaterial vuelve a manifestarse incluyendo otro tema muy querido por el género que nos ocupa, el doble, metáfora de la pérdida de identidad tan significativa en aquella época. M.J.P.

Grandes películas de Cine de Terror Comenzamos en este número un nuevo coleccionable de “Cartelmanía” con el que esperamos repasar los títulos más significativos del cine de terror y sembrar de escalofríos la colección cinéfila de experiencias de nuestros lectores. El miedo será el protagonista de los próximos números de nuestro coleccionable de cartelería. Después de recorrer las praderas del derecho y del revés durante varios meses con el coleccionable del western, hemos pensado que tocaba dar un giro radical y a partir de este número invitamos a nuestros lectores a pasear con nuestros carteles por los pasillos de lo inquietante, lo grotesco, el escalofrío, la sorpresa, lo inesperado y lo imprevisible, repasando las obras maestras y las principales películas del cine de terror. Esperamos que, como ha ocurrido en el caso del western, este repaso a los grandes títulos del género sirva al lector como guía de viaje y recordatorio o pista para recuperar o encontrarse por primera vez con algunas películas esenciales que han sembrado la inquietud en las salas cinematográficas desde la etapa muda hasta nuestra actualidad. Y los grandes protagonistas de esta primera entrega son las criaturas del expresionismo que brotó como un alarido visual en el cine alemán de los años veinte, aunque también prestamos atención a otras interesantes aportaciones del género en esos primeros pasos del terror en celuloide. Paul Fechter, en su obra Der Expressionismus (1914), distinguía dos expresionismos: el intensivo, caracterizado por un individualismo extremo, como en Kandinsky, que ignora deliberadamente el mundo exterior, y el extensivo, de Pechstein, empujado a la creación por el desbordamiento de un sentimiento cósmico. Los propios expresionistas distinguieron dos tendencias opuestas, una orientada a metas sociales (reunidos en torno a la revista Aktion), políticas antiburguesas, promulgando un intelectualismo absoluto mediante la fórmula de la “cerebralidad”. Y la otra relacionada con el movimiento o corriente Sturm , Tempestad, un programa más artístico que promulga el dogma expresionista de la creación estática, según la cual las visiones toman cuerpo. Según ellos, el expresionismo no es ni moda ni tendencia, sino una forma de concebir el mundo. En ese momento el cine expresionista

(I)

viene a demostrar que el mundo se ha hecho tan permeable que en todo momento surgen a la vez el espíritu y los fantasmas, y desde la pantalla nos llega la visión de hechos exteriores que se tornan en interiores, mientras que al mismo tiempo se exteriorizan los incidentes psíquicos, llegando a lo que se denominó “éxtasis de la abstracción expresiva”, de manera que el cine expresionista quedará marcado para siempre por una inquietud mística. El cine expresionista será al mismo tiempo el reflejo de una realidad, la de Alemania de los años veinte, la época de la República de Weimar, donde los alemanes han de hacer frente a una guerra perdida, una revolución sofocada, el desmoronamiento de los valores y la inflación imparable, la crisis económica, la especulación, la crisis política y la violencia social. Condiciones similares a las que se producirán en la Alemania dividida de finales de los años sesenta, sirviendo como caldo de cultivo al llamado nuevo cine alemán de maestros como Wim Wenders, Werner Herzog, Rainer Werner Fassbinder…: el pecado de los padres, el país dividido, desdén hacia el milagro económico y una sociedad de consumo eminentemente reaccionaria. No es extraño que el propio Herzog dirija una nueva e igualmente inquietante versión del clásico Nosferatu en los años setenta. En la Alemania del expresionismo no hay cine de vanguardia como en Francia porque automáticamente la industria acapara los elementos artísticos. En El gabinete del doctor Caligari los objetos cobran vida, siguiendo la clave de la sintaxis de la lengua alemana, que tiende a dar vida a los objetos empleando al hablar de ellos verbos y adjetivos que se aplican a los seres humanos y concediéndoles cualidades y acciones de seres vivos, como la de la incómoda, hostil y punzante silla en la que se sienta el burócrata que concede los permisos para la feria cuando Caligari acude al ayuntamiento a solicitar la autorización para montar su espectáculo del sonámbulo. El expresionista persigue representar toda la experiencia psíquica, todas las asociaciones que el objeto suscita. La deformación de los objetos es para ello esencial. El decorado impone la estilización en la interpretación de los actores. Werner Krauss como Caligari y Conrad Veidt como Sonámbulo reducen sus gestos al máximo. Incorporan movimientos lineales con curvas insidiosas, con movimientos bruscos como los ángulos rotos del decorado, que en el expresionismo tiende a la desnudez, en un paisaje en el que el arte no está sometido a la naturaleza, sino que tiene sus propias leyes. Miguel Juan Payán

A C C I Ó N 65

PERFIL

ClaraLago A Leonardo le he comentado que me parece que la película empieza siendo muy Hitchcock, pero luego gira a cine negro. ¿Estás de acuerdo con eso o me lo he inventado yo? Entiendo que como actores no hacéis ese tipo de cálculos que son más de críticos… No mucho, pero quien sí te podría responder es el director, Rodrigo Grande, que tenía muchas referencias, muy claras, a la hora de plantear la realización de la película y esta cosa de cine negro clásico, tipo de ángulos que utiliza, eso está muy medido por él, muy cuidado, y era su propuesta. Eso sí que sé que tiene que ver con referencias concretas, pero yo no te sabría decir. Te lo preguntaba porque hay una clave en tu personaje, que empezaría siendo una fórmula como de mujer fatal, pero afortunadamente tiene una evolución, y hacia el final de la película tiene ese giro, que no diremos cuál es para no destripar el argumento, pero que te da opción de lucirte en clave muy dramática, y ya fuera del género. Supongo que para una actriz eso es un regalo. Para mí esta película combina dos estilos. Por un lado, el cine de suspense, y por otro lado, el drama. Es verdad que mi parte tenía más que ver con el drama. En cuanto al tipo de personaje que interpreto, categorizarla de mujer fatal puedes hacerlo desde fuera, pero yo como actriz no suelo hacerlo porque al final es como que tú mismo te estás encasillando. Los clichés son clichés por algo, y funcionan en muchas ocasiones, pero desde dentro y para interpretar realmente me funciona mejor justificarme a mí misma todos los pasos que va dando el personaje. Yo no la veo como femme fatale, simplemente busco una justificación interna de por qué el personaje necesita actuar de esta manera. Ir justificándolo todo y generar esa historia en mi cabeza para entenderla a ella y no hacerlo de una forma más superficial que se ajuste al cliché, sino profundizar un poco más para que no sea un cliché, sino un personaje. Creo que en la película hay dos escenas de tu papel en concreto que se van a recordar más en la película. Una es la del baile en la azotea y la otra cuando estás en la cama con la información que le dan a tu personaje sobre un tema. ¿Cuál de las dos fue más difícil? Pues, contra todo pronóstico, la del baile. Yo hubiera dicho que era al revés. Yo también, porque leí el guion y esa escena que dices de la cama era probablemente la secuencia que más miedo me daba de toda la película, porque es un momento en el que hay un punto de inflexión en el personaje, ella recibe una información que cambia completamente su vida. Teniendo en cuenta que yo no tengo hijos, llegar a imaginar eso era un reto muy grande para mí. Pero también es verdad que si consigues tener un ambiente de relajación, tienes confianza con tu director, te sientes con la posibilidad de equivocarte y que no salga bien al principio, tienes la sensación de que puedes arriesgar y ver qué pasa, porque tu director te da esa confianza, y tienes ese momento de concentración para poder imaginar, es verdad que luego salen cosas. Si entras, no es difícil, es dejarlo fluir y puede llegar a ser muy satisfactorio y de mucho disfrute, aunque estés interpretando una escena de mucho dolor. Sin embargo, la secuencia del baile –a priori, me encanta bailar– es de las cosas que más me gusta, fue mucho más complicada para mí, porque de repente me entró como mucha más vergüenza, mucho pudor de que no saliera bien.

ACCIÓN

Luego fue muy complicada porque estaba lloviendo, era el último día de rodaje, nocturno, y yo llevaba como dos o tres semanas sin rodar. Yo terminaba y ellos seguían dos o tres semanas en Argentina y luego venían a España, rodaban en Canarias, y a mí prácticamente solo me quedaba esa escena por rodar. Es como volver a retomar todo el personaje, como que te has salido un poco y tienes que regresar. Y además hay una cuestión climatológica. Hacía mucho frío, era como el 29 de noviembre o algo así, empezó a llover, yo tenía que estar con un minshort, descalza, en fin, eso no facilitaba las cosas. Y al final luego sufrí esa secuencia bastante más de lo que pensaba. Dentro del cine de Hitchcock, ¿tienes alguna favorita? He de reconocer que no estoy muy puesta en cine clásico, tengo pendiente la típica maratón de películas clásicas. El suspense no me disgusta, estoy muy abierta a todo tipo de cine, si está bien hecho, pero tampoco es que sea una loca del thriller, pero así, una clásica… Con la muerte en los talones me parece muy buena, por ejemplo. Buena elección. En cuanto al tema de preparación del papel hay algo que llama la atención. Tú eres madrileña, pero por tu carrera te has visto enfrentada a todo tipo de acentos. ¿Este acento argentino en Al final del túnel ha sido especialmente complicado? Pues me pasó un poco como con la escena del baile. Al principio la idea de tener que hacer el acento argentino me entusiasmaba porque es un acento que me encanta, todo me parece más divertido y mejor con acento argentino, y tenía muchas ganas de hacerlo. Además, yo tengo buena musicalidad para hacer los acentos y enseguida confié en que iba a ser una cosa fácil. Pero cuando me puse a ello dije: “¡Madre mía, dónde me he metido!”. Porque la base está muy clara, aunque hay gente a la que le cuesta esto de cambiar las eses por las ces, pero a mí eso no me costaba nada. Aunque hay un punto de musicalidad que no depende ni siquiera del acento, sino de la manera de hablar que tiene cada uno, en qué sílaba pones el énfasis en una frase. Eso te delata de una manera que tú no eres consciente, porque es tu forma de hablar. Entonces aunque tú estés poniendo otro acento está por ahí tu manera propia de hablar y ahí es donde te delatas. Y llegó un punto en el que yo no sabía diferenciar cuándo se me estaba notando el acento español, o no estaba haciendo tan bien el argentino. Menos mal que ahí estaba Eli, bendita Eli, que era la script de la película y era la que me controlaba el acento. Ella es maravillosa y se ofreció y menos mal. Además es llamativo porque en estas últimas semanas hemos visto también a Inma Cuesta con acento argentino en Capitán Koblic. De hecho, coincidimos rodando las dos allí. Ella lo hizo diferente. Se aprendió fonéticamente tal y como tenía que decirlo, porque el de su personaje era un tipo de acento concreto, de una zona concreta, más antigua, y el mío era completamente actual. Ella lo hizo memorizando todos los tonos y yo al revés. No quería memorizar los tonos porque quería poder fluir un poco con la secuencia y decirlo como me viniera en ese momento, no estar limitada por eso, así que me puse a hablar en argentino todo el rato desde el principio. Miguel Juan Payán

Fotógrafo: Rubén Vega Estilismo: Adrián Lorca Peluquería y Maquillaje: Javier Reyes

Una mujer caminando entre las claves del cine negro y la intriga del cine de Alfred Hitchcock, esa es Clara Lago en Al final del túnel. La actriz explica en esta entrevista que no se siente para nada “mujer fatal” y aporta interesantes pistas sobre cómo construyó su personaje.

ENTREVISTA

LeonardoSbaraglia Al final del túnel empieza siendo “muy Hitchcock”, pero luego evoluciona y pasa a ser cine negro en clave crook story, la historia al otro lado de la ley. Tú eres un experto en cine policíaco, has hecho mil películas del género, así que te conoces más o menos el tema. Sí, es posible… Bueno, Relatos salvajes no es tan cine negro, pero es cine de acción, y luego El rey de la montaña también, Intacto, luego Plata quemada… Pero sí es cierto que Al final del túnel tiene como influencias de las cuales hemos hablado con Rodrigo Grande, el director, quizá de Hitchcock, y mucho Spielberg también. A Rodrigo le gusta mucho Spielberg y hablaba mucho del cine de suspense. A mí lo que más me atrapó es que había un guion muy fuerte, muy bien construido. Al principio, cuando leí el guion, me costó seguir la película después del túnel, cuando se cierra el tema del túnel, que luego hay como una tercera etapa de la película que luego terminó siendo rodada y es casi lo mejor de la película. Pero al principio, desde el guion, me costó seguir la película más allá del túnel. Era tan atractivo todo lo del túnel que parecía que luego se iba a desinflar la película. Sin embargo, ocurrió lo contrario, crece y crece viendo la película. Luego con el director de fotografía, que es el mismo que el de El secreto de sus ojos y La historia oficial, se habló mucho a nivel fotográfico de esos claroscuros que hay en la película… Sí, ahí hay muchos elementos de cine negro. Es un guion muy concreto y tan preciso. Si bien hice muchas películas de género, sobre todo aquí en España, también trabajé mucho en esas otras películas argentinas que son más de autor, de clima, de atmósfera, y claro, son mucho más inciertas en su resultado y dependen mucho más de la atmósfera y el clima, y del pulso muy personal del director. En este caso me pude apoyar mucho primero creo que en un gran personaje y además en un guion que iba como a cuentagotas, a un ritmo muy concreto y muy preciso en cada momento, y con cada momento bien justificado. En la parte final, que es donde cambia la película, como dices, entra sin embargo un fenómeno: Federico Luppi. Es un motor para esa parte final que está menos presente en esa parte primera del túnel. Pero al final tenéis esas escenas juntos. Sí, todo ese tête à tête de duelo final. Federico es particularmente uno de mis actores preferidos. Lo ha sido siempre y he tenido la suerte de trabajar con él en Sin retorno, Caballos salvajes … Acabamos de rodar también otra película juntos con Ricardo Darín, Nieve negra, que se estrenará el próximo año. Es un placer trabajar con él porque no solo ha hecho grandes películas como actor, sino que le ves un gran oficio. Trabajar con él es un lujo porque lo ves muy vivo, muy orgánico, muy plantado, muy seguro. Esperemos poder seguir teniéndolo y disfrutándolo muchísimos años más. Yo le aprecio muchísimo. Me gusta mucho cómo se trata en la película el tema de la silla de ruedas de tu personaje, porque realmente el lastre de este personaje no es la silla de ruedas, la discapacidad, sino su incapacidad para superar el pasado. Y eso se ve en la película. Que esté en silla de ruedas es circunstancial, no marca al personaje, lo cual no es óbice para que tú hayas tenido que trabajarte ese aspecto, que me imagino ha sido físicamente exigente. Sí, tuve suerte porque había hecho un entrenamiento muy fuerte para una película que había terminado mes y medio antes,

ACCIÓN

una película de un boxeador, y había estado preparándome cinco meses, así que estaba muy fuerte. Eso ayudó por lo menos para tener esa contextura que le ves a mucha gente con discapacidad en las piernas porque sus brazos son las piernas, así que había algo físico que ya estaba relativamente resuelto desde ahí. Pero luego sí tuve que trabajar mucho y me entrevisté con gente que manejaba muy bien la silla en Argentina y tuve la suerte de convivir con ellos en muchas situaciones, charlar y que me contaran muchas cosas de su intimidad, de su propio dolor y de su propio cansancio con esa situación que estaban viviendo. Traté de radiografiar algo de eso. Y después, claro, en el manejo de la silla yo buscaba lo que veía en ellos, que son una unidad, como centauros, parece que la silla es finalmente un elemento más de su cuerpo, que son sus piernas. La relación con la silla es como si fuera algo orgánico, no es un objeto inanimado. Luego había muchas situaciones en las que mi personaje tenía que caerse, levantarse de la silla, y entonces todo el tema de la disociación física también era importante. Eso fue mucha práctica, y además en el transcurso de todo el rodaje de la película yo estaba todo el día sentado en la silla, para poder de alguna manera impregnarme de esos movimientos, porque no había tenido el tiempo que hubiese querido para preparar el tema, hubiera querido estar tres meses probando y evolucionando en ese trabajo, sino que estuve un mes o mes y medio nada más entre una película y la otra. Y luego tenía que hacer movimientos como los que se ven también en Bardem en Carne trémula. Está muy bien todo el trabajo que hizo, y además con todo el tema del baloncesto. Y después estaba el túnel. Lo del túnel fue lo peor, porque si bien yo estaba fuerte, arrastrarse por un túnel, hacer una toma, y hacer veinte metros, arrastrándome sin poder mover las piernas, con todo el peso muerto de las piernas, bueno, lo puedes hacer. Pero luego otra toma, y luego otra toma, y luego otro plano desde otro punto, tres tomas, cuatro tomas más… Prácticamente, al día me hacía trescientos metros. Al segundo día no podía más, tenía los brazos agarrotados. Eso fue lo más duro. Y además, si bien se había cuidado el tema de la arena, era una arena suave, no había cosas rasposas, inevitablemente, se te empieza a friccionar y te empieza a lastimar. Tuvieron que empezar a poner también cosas que me cubrieran el antebrazo y que no se podían ver porque además llevaba una camiseta sin mangas. ¿Os llevó mucho tiempo rodar eso? Mucho, es una película muy larga, de las más largas en las que he trabajado últimamente. Una película que prácticamente llegó a las diez semanas de rodaje, de las cuales estuvimos entre seis y ocho semanas en Buenos Aires y se reprodujo todo lo que es la casa, que es un decorado funcional. ¿Es decorado todo? Todo decorado. Se hizo todo en una exfábrica arenera, y ahí se construyó toda la estructura de madera para sostener el piso y para que eso pudiera comunicarse con el sótano que sí existía. Como era una fábrica de arena había como huecos enormes y sobre eso se construyó el resto de la casa, para que se pudiese rodar de alguna manera en plano secuencia. Miguel Juan Payán

Fotografía: ©Jacques Mezger

Leonardo Sbaraglia (46 años, 1,80m), actor que ha vivido ante las cámaras todos los registros del género policíaco, vuelve a meterse de lleno en una intriga con constantes giros y tensión creciente: es el hombre que está Al final del túnel.

ENTREVISTA

ChrisPine Después de protagonizar La hora decisiva o encarnar a Jack Ryan en Jack Ryan: Operación Sombra este joven actor de 35 años nacido en Nueva York retoma el mando de la Enterprise cuando se cumplen 50 años de la saga. ¿Qué podemos esperar de esta edición, que señala el 50 aniversario de Star Trek? Bueno, creo que responde a algunas de las grandes preguntas que nos acompañan desde el principio de la mitología. Habla de una federación compuesta por pueblos diferentes, y se plantea las preguntas. “¿Funciona? ¿Tiene algún sentido? ¿Hacia dónde vamos a partir de ahora? Lo que nos motivaba entonces... ¿sigue importándonos ahora?” Son preguntas importantes, que tienen mucha trascendencia, son muy existenciales, y era adecuado plantearlas en el 50 aniversario. ¿En dónde encontramos a Kirk y su tripulación al inicio del largometraje? Ya han pasado tres años de su travesía de cinco. ¿Cómo te adentras en esa especie de ambiente claustrofóbico? Hablamos sobre la idea de que los submarinos, cuando salen de singladura, pasan seis meses prácticamente todo el rato bajo el agua. Hay un sketch que se titula “Star Trek a deshoras”, que muestra alguna de las cosas que abordamos en la película, cosas como lo que hacen en sus días libres, cuando no están combatiendo el mal, tienen que fregar el suelo y plancharse las camisas, y hay una cafetería, donde se toman el café y repasan los planes del día... un aburrimiento, vaya. Y se pelean entre ellos. ¡Es muy difícil convivir tanto tiempo con la misma gente! De todas formas, creo que fue muy divertido. Así que… ¿está Kirk inquieto a estas alturas del viaje? Creo que está inquieto porque sus motivaciones han cambiado. Lo que le motivaba antes... seguir los pasos de su padre, estar a la altura de la leyenda familiar, demostrar que valía para esto, conseguir que le dieran una palmadita en la espalda porque es un crac... esa motivación se ha atenuado. Ahora que las aguas se han calmado, se está parando a pensar por primera vez: “Madre mía, toda esta historia, ¿de qué nos va servir? Todo parecía tener mucho más sentido cuando tenía que luchar con mis demonios internos. Me he librado de casi todos ellos, y ya no siento la necesidad de tener que estar a la altura de mi padre”. ¿Qué queda de James Kirk cuando se prescinde de eso? Tiene mucho que ver con la naturaleza humana. Hablando de los guionistas, ¿ha supuesto alguna diferencia el hecho de que Simon Pegg escribiese el guion y lo coprotagonizase junto a ti? Aumenta la sensación de colaboración, y en cierta manera, fue como si nuestros padres se hubiesen ido de casa y nos hubiesen dejado toda la mansión para nosotros durante el fin de semana y hubiésemos dado la fiesta más salvaje y alocada que pudimos organizar. Con Simon te partes de risa. Doug [Jung] se acopló con gran facilidad, porque tiene un gran sentido del humor. Para mí, lo más importante es el humor. Siempre me había preocupado que al desaparecer JJ, que es un gran amante de la comedia, perderíamos ese elemento tonal que tuvimos especialmente en la primera película. No es el humor de brocha gorda de Guardianes de la galaxia , sino que se parece más al entretenimiento pop de los años ochenta. Se tocan ciertos temas trascendentes, echas unas lagrimitas y sales encantado después de haberte zampado el cubo de palomitas y habértelo pasado bomba en el cine –eso es lo que sabemos hacer bien, y Simon es perfectamente consciente de ello–. Llevamos mucho tiempo trabajando todos juntos, y a estas alturas todos nos conocemos, y conocemos perfectamente a nuestros personajes cuando entramos en escena. Simon estaba presente todo el rato, interviniese o no en la escena, así que siempre podíamos tramar algo rápidamente, y Justin [Lin] también daba

ACCIÓN

sus opiniones, y al final quitábamos algunas cosas, añadíamos otras, corte por aquí, entrada por allí... Fue fabuloso, y muy fácil y fluido. ¿Qué relación tiene ahora JJ con la película? Es muy participativo, y es el productor ejecutivo, así que está viendo las tomas diarias constantemente y las copias de trabajo y todo eso, y seguro que da su opinión. Pero bueno, yo soy actor, y ya sabes, soy el último que se entera de las cosas, así que no sé cuál es su participación. Supongo que está presente y que está al tanto de todo, y hace recomendaciones a Justin, pero también estoy seguro de que le ha dado las riendas a Justin, y Justin puede hacer lo que quiera. ¿Qué tal es Justin como director? Fantástico. Todo esto se puso en marcha con algo de retraso, porque hubo que hacer algunos ajustes del personal técnico, así que solo tuvimos cuatro meses para montárnoslo. Y para un director es todo un papelón presentarse ante un grupo ya establecido, con un guion que todavía no está terminado y decirle “no os preocupéis, lo tengo todo controlado”. Eso es lo que más miedo me dio... sabía que encontraríamos la manera de hacerlo, pero necesitábamos a alguien que pudiese soportar toda esa tensión... y Justin ni se inmutó, porque ya estaba acostumbrado a ocuparse de estas cosas en las películas de la saga Fast… Al ver que eso no era un problema, mi nivel de nerviosismo bajó muchos grados. La Enterprise está difundiendo el mensaje, pero no todo el mundo va a mostrarse receptivo a ese mensaje. ¿Representa el personaje de Elba esa oposición? Una vez más, la “edición” del 50 aniversario de Star Trek se ocupa de uno de los principios fundamentales del universo Trek, que es el de la federación de planetas y pueblos y sistemas planetarios. La película plantea la pregunta: “¿Funciona? ¿Deberíamos avanzar juntos? ¿Es esto bueno para todo el mundo?”. Creo que expone la situación de cualquier nación gigantesca, imperialista... y ha habido muchas en el pasado, y hay muchas en la actualidad, que no es necesario mencionar. ¿Lo están haciendo bien? ¿Están haciendo lo que deben? ¿Es beneficioso lo que hacen? Esa es precisamente la cuestión. Y, claramente, el personaje de Idris no es partidario (risas). ¿Te ha gustado trabajar con él? Sí, ha sido fantástico. Idris es muy divertido. Es como tocar jazz con Idris... la forma en que se hizo con el personaje... Fue realmente divertido verlo. Era explosivo, y probaba constantemente cosas distintas en cada toma... en buena medida, de ahí proviene la dimensión física del personaje. Fue muy divertido verlo. ¿Qué significa para ti interpretar a uno de los personajes más icónicos de la historia de la cultura pop? No es normal, lo sé ( risas ). En realidad, no me paro mucho a pensarlo, porque si lo hiciera, sentiría la presión de tener que estar a la altura de todo eso. Es una pasada. Es radicalmente diferente de lo que siempre pensé que acabaría haciendo, y puede ser el personaje más definitorio de mi carrera. Está tan lejos de lo que pensaba que es para partirse de risa. Crecí viendo en la pantalla a Harrison Ford y todos los de su estilo, y que ahora sea yo el aventurero, interpretar ese papel... es un sueño, una pasada. Es una locura, y además, y lo digo de verdad, no es una exageración, poder hacer todo esto con un equipo técnico tan genial... y que te paguen por divertirte tanto... Siempre estás mirando por encima del hombro, pensado: “Esto tiene que ser una broma de algún tipo”. Me lo he pasado genial.

Star Trek. Más Allá Justin Lin, el director que forjó el éxito de la franquicia de Fast and Furious, promete escenarios enormes, paisajes planetarios espectaculares, exploración del espacio y un ataque espectacular a la nave Enterprise en la nueva entrega de las aventuras de Kirk, Spock, McCoy, Uhura y compañía. na de las claves de la nueva película, según Lin, es su capacidad para mostrar vínculos poco habituales entre los personajes. “La serie tenía una estructura televisiva muy tradicional –señala Lin–, pero me di cuenta de que buena parte de la ficción seguía desarrollándose en la mente de los seguidores de la serie, por lo que la idea de ver a Spock y McCoy juntos, superando una experiencia aterradora, sin que Kirk estuviese allí, era muy interesante. En mi interior sabía que Kirk y Chekov charlaban cuando no estaban en el puente de mando, pero raramente éramos testigos de esas conversaciones. Me pareció buena idea poder verlos cuando estuviesen a solas, y lo mismo con los otros. Así que hemos repasado mentalmente años y años de ficción desarrollada por los aficionados”. El argumento de Star Trek: más allá hace una elipsis frente a lo narrado en las películas anteriores y muestra a la Enterprise cuando lleva ya tres años cubiertos de su misión de exploración de cinco años. Chris Pine, el capitán Kirk, apunta una de las claves esenciales de la serie original que ha sido trasladada a la película: en realidad la Enterprise es como un submarino, y la experiencia de estar en el espacio profundo es similar a la de un largo viaje por el fondo del mar. “Hablamos sobre la idea de que los submarinos, cuando salen de singladura, pasan seis meses prácticamente todo el rato bajo el agua –apunta Pine–. En sus días libres, cuando no están combatiendo el mal, tienen que fregar el suelo y plancharse las camisas, y hay una cafetería, donde se toman el café y repasan los planes del día... Un aburrimiento. Y se pelean entre ellos. ¡Es difícil convivir con la misma gente tanto tiempo!”.

Zachary Quinto y Karl Urban Zachary Quinto, Sofia Boutella y Karl Urban

Anton Yelchin, Chris Pine y John Cho

Pero toda esa sensación de monotonía se hace pedazos cuando finalmente la Enterprise es atacada por un nuevo enemigo liderado por un antagonista al que da vida Idris Elba: Krall. Simon Pegg, coguionista y coprotagonista de la película en el papel de Scotty, subraya ciertas características nihilistas del nuevo personaje: “En cierta manera, es el tipo que pone en cuestión los motivos y la finalidad de la federación, y que considera que su concepto de unidad es un punto débil. Piensa que es un peligro para la galaxia, no una posible solución o una manera de vivir. Krall cree en el caos y el conflicto, porque eso es lo que da lugar a la evolución; no le gustan la armonía y la paz, porque eso hace que la gente enmohezca. Para él, la federación es una enfermedad que se está extendiendo por la galaxia, y las razones por las que lo piensa son complejas, y se irán aclarando a medida que pasa el tiempo”. Para Chris Pine, Krall es: “Alguien como Nerón, personas que están siempre a punto de estallar de ira. No tiene la mentalidad, por poner un ejemplo, de Khan; este es un hombre que está decidido a causar destrozos...”. Miguel Juan Payán TRAILER: http://youtu.be/TwE6fh831nY

TÍTULO ORIGINAL: STAR TREK BEYOND EE UU, 2016 DIRECTOR: JUSTIN LIN GUION: SIMON PEGG, DOUG JUNG Y GENE RODDENBERRY FOTOGRAFIA: STEPHEN F. WINDON MUSICA: MICHAEL GIACCHINO INTÉRPRETES: ANTON YELCHIN (CHEKOV), IDRIS ELBA (KRALL), ZOE SALDANA (UHURA), CHRIS PINE (KIRK), SOFIA BOUTELLA (JAYLAH), SIMON PEGG (SCOTTY), KARL URBAN (BONES), ZACHARY QUINTO (SPOCK) DISTRIBUYE: PARAMOUNT Sofia Boutella y Simon Pegg

Justin Lin y la renovación de un éxito La saga de reinicio de la franquicia de Star Trek que tripulara inicialmente JJ Abrams entra en una nueva fase de su ciclo de renovación del material original y nuevas aventuras con Justin Lin en la dirección de este tercer largometraje. Al contrario que Abrams, que desde el momento en que se hizo cargo de la dirección de Star Trek en 2009 confesó que nunca había sido seguidor de las serie de la Enterprise, que su verdadera afición en los universos de ciencia ficción era Star Wars, Justin Lin sí se ha definido como seguidor de Kirk, Spock y compañía desde la infancia, cuando veía con el resto de su familia la reposición de la serie original creada por Gene Roddenberry y estrenada en televisión en 1966. “Era mi momento especial con mi padre y mi familia –recuerda el director–. Mis padres tenían un pequeño restaurante de fish and chips y era todo un poco inusual. Cerraban a las nueve y llegaban a casa a las diez, así que cenábamos a las diez y mi hermano y yo tratábamos de quedarnos por allí con mi padre hasta las once, para ver Star Trek. Desde los ocho años hasta que me fui de casa para ir a la universidad, con dieciocho años, ese era nuestro tiempo juntos en familia”. Ese conocimiento de la serie como seguidor puede ser uno de los factores que definan un cambio de rumbo de la franquicia cinematográfica. Al menos eso es lo que puede deducirse de la definición que hace Lin sobre la manera en la que él y los guionistas Simon Pegg, que además interpreta a Scotty, y Doug Jung, han trabajado en este nuevo largometraje: “Creo que a veces tienes que desmontar las cosas que te gustan. Esta saga ha sido fabulosa, y lleva cincuenta años en marcha, y está viva en diferentes medios. En las conversaciones con Simon y Doug estábamos todos de acuerdo en no dormirnos en los laureles, en lo que había tenido éxito, ya sabes, en lo que ha funcionado bien. Creo que hemos utilizado el ADN de lo que nos gustaba, pero también hemos dado un gran impulso adelante. Creo que cuando desmontas conceptos, corres riesgos, se siente miedo, y a mí me parece que esa es la clave de Star Trek a la hora de la verdad: dar un paso adelante, explorar lo desconocido y, al final, si todo sale bien, reafirmar por qué lleva cincuenta años en marcha, y por qué es tan apreciada”.

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La hija de Eric Desde pequeña, Emma Roberts ha querido ser una estrella, al igual que su papá (Eric El tren del infierno Roberts) y que su tía (Julia Pretty Woman Roberts). Todo un hándicap que ha ayudado a la chica a convertirse en actriz. Con 25 años cumplidos en febrero y mucha retranca hacia su father (norma esencial entre los chavales con sangre hollywoodiense), Emma ha sabido mezclar con inteligencia su paso por el cine y la televisión, siempre en papeles que explotan su impactante y perturbador físico.

Billionaire Boys Club es la última producción en la que la neoyorquina ha dejado su impronta. Una aventura de altos vuelos por Los Ángeles de los ochenta, en la que se ha codeado con Taron Egerton y Kevin Spacey, y donde ha trabajado a las órdenes de James Cox. Pero para llegar hasta ahí, Emma ha tenido que escalar peldaños como una especialista en llamar la atención de la industria audiovisual. Con solo catorce primaveras, ER asaltó el canal de YouTube con un par de vídeos en los que mostraba su habilidad para cantar (“I Wanna Be” y “Dummy”): cartas de presentación que la nena rodó espontáneamente, tras compartir escena con Johnny Depp y Penélope Cruz en Blow (Ted Demme, 2001). De rasgos maleables, la aún adolescente accedió a convertirse en la detective Nancy Drew, dentro de la homónima movie de 2007, elaborada por Andrew Fleming. Largometraje al que siguió una pequeña aparición en Historias de San Valentín (donde Garry Marshall la hizo coincidir en los títulos de crédito con su tía Julia), Scream 4 (Wes Craven, 2011) y Asalto al furgón blindado (Dito Montiel, 2013). Tales películas mostraron la progresiva transformación de Emma, de niña a mujer (justo como la musa de una conocida canción de Julio Iglesias). Superada la veintena, su desparpajo como femme fatale le vino a miss Roberts de perlas, para entrar en el elenco de Somos los Miller (Rawson Marshall Thurber, 2013), American Horror Story (como Maggie Esmerelda y la sensual Madison Montgomery) y el serial Scream Queens (su encarnación de Chanel Oberlin es realmente brillante y divertida). A veces, el ADN sí manda.

NERVE Un peligroso juego domina las redes sociales, y atrapa a los que aceptan sus retos cibernéticos. Emma Roberts (la sobrina de Julia) está dispuesta a ganar la partida. ¿Será capaz de sobrevivir? lgunos de los sitios más emblemáticos de la ciudad de Nueva York (incluida Times Square) aparecen en esta cinta, orquestada por la pareja formada por Henry Joost y Ariel Schulman (Paranormal Activity 3). Trabajo que tiene como base argumental la homónima novela publicada por Jeanne Ryan, y que supuso un éxito de ventas dentro del género del misterio mediado por una pantalla de ordenador, una tablet, un smartphone o un iPhone. “Tomamos a una chica tímida y la sentamos delante de Internet; y de repente esta adquiere todo el valor que se suponía que no tenía antes. Tal situación provoca que Vee sea percibida como el conejo en una madriguera situada en un lugar muy oscuro”, explica Schulman. La gachí a la que se refiere el codirector es Venus Vee Delmonico: una alumna de los últimos cursos de instituto, que entra en la web de Nerve para someterse a una aventura que nunca olvidará. En semejante URL, llena de insinuaciones maliciosas y pinchada por miles de personas de todo el mundo, Vee toma contacto con un tipo llamado Ian (Dave Franco), y juntos se verán sometidos a un sinfín de propuestas sorprendentes. Hasta el punto de poner sus respectivas vidas en peligro. “Nuestra clave era hacer que la película resultara divertida. Aparte, también queríamos implicar a la ciudad de Nueva York, y mostrarla a los espectadores como nunca antes había sido exhibida en una pantalla de cine. Todo lo que ofrecemos en el largometraje está lleno de color, es dinámico y excitante”, puntualiza Joost. En medio de semejante entramado de imágenes se encuentra la veinteañera Emma Roberts (Somos los Miller), quien dota a Vee de una faz entre la responsabilidad y la ansiedad por protagonizar experiencias al límite de lo soportable. Camino hacia las fronteras de la seguridad personal en la que Dave Franco (Ahora me ves) aporta el elemento del misterio, con su caracterización de Ian. La veterana Juliette Lewis (Asesinos natos), Emily Meade (Gracias por compartir) y Miles Heizer (El trueno rojo) también colaboran en el filme, junto a los cameos cómplices de estrellas de la Red, como Chloe y Casey Neistat. Jesús Usero

TRAILER: http://youtu.be/J4FdOOElPYA

EE UU, 2016 DIRECTOR: HENRY JOOST Y ARIEL SCHULMAN GUION: JESSICA SHARZER BASADO EN LA NOVELA DE JEANNE RYAN FOTOGRAFIA: MICHAEL SIMMONDS MUSICA: ROB SIMONSEN INTÉRPRETES: SAMIRA WILEY (AZHAR), DAVE FRANCO (IAN), KIMIKO GLENN (LIV), EMMA ROBERTS (VEE), JULIETTE LEWISDURACION: 96 MIN. DISTRIBUYE: EONE

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AL FINAL DEL TUNEL Una intriga que se convierte en cine policíaco de temática criminal y tiene su punto de fábula de supervivencia, varios inesperados giros de guion y un buen trabajo de actores hacen de esta película una de las propuestas más interesantes de la cartelera del verano. oaquín (Leonardo Sbaraglia) vive solo intentando masticar su pasado mientras hace frente a una difícil situación económica y a su minusvalía, atado a su silla de ruedas. Pero un día recibe la inesperada visita de una mujer, Berta (Clara Lago), y su hija de seis años, que acuden a alquilar una de las habitaciones de su solitaria casa. Da comienzo así un giro para mejor en su vida. O al menos eso parece, hasta que una noche, mientras trabaja en su taller del sótano escucha unas voces al otro lado de un muro y se da cuenta de que un grupo de ladrones, liderado por un tal Galereto (Pablo Echarri), está cavando un túnel camino del banco cercano a su finca. Lo normal sería avisar a la policía, pero Joaquín empieza a concebir sus propios planes en relación al atraco internándose en un peligroso territorio de interactuación con los ladrones. Claustrofóbica, intrigante, con una casa y un túnel que acaban convertidos en un personaje más de la trama, Al final del túnel es una sólida propuesta de cine de suspense que su director, Rodrigo Grande, explica con estas palabras: “Quería trabajar un género diferente a mis dos películas anteriores. Lo primero fue sentarme horas y días en un bar y pensar. Tomar notas. Descartar mucho. Mezclar ideas. Es así como nace esta película, un thriller policíaco de suspense con una atmósfera inspirada en los relatos de Edgar Allan Poe, de casas habitadas por fantasmas del pasado y ladrones que las rodean. El túnel en el que se meten Joaquín y sus enemigos y que da título a la película, funciona entonces como pasadizo entre sus dos opciones: la vida y la muerte. Mi objetivo como director es que el público, tras mantenerse en suspense durante dos horas, tenga una experiencia positiva al terminar la película; que cuando Joaquín haya recuperado todo lo que había perdido, casi en el último fotograma, el espectador afloje toda la tensión que construimos sobre él, y se sienta liberado al igual que el protagonista y que yo, porque en ningún momento me planteé hacer una historia personal, pero terminó siéndolo”. Miguel Juan Payán

TRAILER: http://youtu.be/0QMmqGrBrRQ

ARGENTINA, 2016 DIRECTOR: RODRIGO GRANDE GUION: RODRIGO GRANDE INTÉRPRETES: LEONARDO SBARAGLIA (JOAQUIN), PABLO ECHARRI (GALERETO), CLARA LAGO (BERTA), JAVIER GODINO, FEDERICO LUPPI DURACION: 120 MIN. DISTRIBUYE: WARNER BROS

Sonido, imagen e intriga en clave de cine clásico Cinéfilo empedernido, Rodrigo Grande parece tener en su cabeza múltiples referencias que transpiran por cada milímetro de fotograma en su última película. Director nacido en 1974 en Rosario, Santa Fe, Argentina, ingresó a los 18 años en la Universidad de Chile y allí realizó su primer cortometraje en 16 milímetros, La pared y la lluvia (1994), que pasó por varios festivales internacionales antes de que ganara el concurso de guiones del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales con su siguiente corto, Juntos, in Any Way (1996). En 2001 estrenó su primer largometraje, Rosarigarinos, ganadora de más de quince premios internacionales y que en España conocimos con el título de Presos del olvido. En ella trabajó con Federico Luppi, presente también en su segundo largo, Cuestión de principios, de 2009 y que es uno de los puntales en el reparto de Al final del túnel y un auténtico motor para la parte final de desenlace del relato, en la que el personaje que interpreta el actor crece hasta convertirse en pieza esencial para la resolución de la intriga. Junto a los actores (véase la entrevista con Leonardo Sbaraglia y Clara Lago en este mismo número, en la que nos desvelan otras claves de la película), Grande ha puesto un meticuloso cuidado en la creación de la atmósfera sonora y visual de la película. Por lo referido a la imagen, su objetivo era: “Enfatizar los claroscuros; la luz y la sombra que se enfrentan en la historia, potenciando la opresión de la casa. Además de la iluminación contrastada, usaremos lentes cortas apoyadas por movimientos de cámara que aumenten el suspense. En las escenas finales llevaremos a la pantalla la oscuridad real del lugar. Los tonos negros serán sólidos, dejando escondidas partes del decorado para aumentar la tensión y el peligro”. En cuanto al sonido, Rodrigo Grande aclara: “Sostendrá la atmósfera de intriga, acentuando la paranoia y las amenazas que acechan al protagonista aun cuando no las ve. La casa estará siempre presente en el sonido, remarcando el estado emocional de Joaquín y su dramatismo: quejidos de tuberías, suelos que crujen, sonidos de puertas que chirrían y desagües”.

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La segunda oleada de actores El madrileño Joaquín Mazón, director de Cuerpo de élite , ha reunido a un sólido ejército de reclutas del humor para el reparto de esta desvergonzada sátira del cine de acción con mucho sabor nostálgico a las película ochenteras del género, pero sabe que junto al grupo de antihéroes protagonistas necesita el respaldo de una sólida agrupación de personajes secundarios que parecen estar tan influidos por los tebeos clásicos de Ibáñez como por la historietas de El Víbora y El Jueves. Mazón se ha forjado como director en las comedias de ficción televisiva, empezó siendo ayudante de dirección de series como Manolito Gafotas, Cuestión de sexo y Doctor Mateo. Desde ahí saltó a la dirección en 2011 en series como Con el culo al aire y Allí abajo. Esos antecedentes televisivos son parte de la fórmula que aplica en este su primer largometraje, y por tanto cuentan con los actores como clave para sacar adelante la sucesión de gags encadenados que integran su película. Y al decir actores no nos referimos solo a los principales, sino a esa segunda oleada del reparto que lidera Silvia Abril con su disparatado papel como la teniente Gil, aguérrida miembro del primer comando de los Cuerpos Especiales que tiene alardes de parodia de los villanos de James Bond muy acordes con la personalidad de figura televisiva que ha construido esta actriz merced a sus trabajos en distintos programas de humor. Junto a ella, Cuerpo de élite ha reclutado a Xoel (Roberto Bodegas), un gallego experto en telecomunicaciones, encargado de ser los “ojos y oídos” del cuerpo de élite durante las misiones, aunque puede llegar a ser un individuo muy crispante e imposible de interrogar. El encargado del entrenamiento será el sargento Pérez (Vicente Romero), un tipo duro de verdad al que se le encomienda la misión imposible de hacer de un grupo de pardillos incapaces, perdedores y fracasados una máquina perfectas para la acción, próximos a los superhéroes, pero en plan más de andar por casa. La tecnología y los gadgets corren por cuenta de la agente Camacho (Pepa Aniorte), una murciana que es un genio pero a la que es imposible entender cuando abre la boca.

CUERPO DE ÉLITE

Un nuevo concepto de ley y orden llega a la cartelera a lomo de la comedia disparatada. Cuerpo de élite nos ilustra sobre lo que pasa cuando reúnes a un legionario, un ertzaina, un agente de movilidad, una guardia civil y un mosso d’escuadra en una misión imposible para desarticular una conspiración con armamento nuclear incluido. n grupo de operaciones especiales tan secreto que casi nadie conoce su existencia debe enfrentarse a su misión más difícil, el Cuerpo de Élite Autonómico. Pero las cosas no van como estaba previsto y todo acaba en catástrofe, así que los responsables del equipo se ven obligados a buscar a un grupo de comandos de reserva para solucionar la crisis que se avecina. Los elegidos son Lola (María León), una guardia civil andaluza que tiene que aguantar el machismo y los intentos de ligar con ella de sus compañeros; Santi (Miki Esparbé), un agente de movilidad del Ayuntamiento de Madrid que tiene algo oscuro en su pasado; Pep (Jordi Sánchez), un mosso d’esquadra experto en negociación para situaciones con rehenes que es repudiado por todos sus compañeros de cuerpo; Gorka (Andoni Agirrecomezkorta), un ertzaina que tras varias misiones brillantes la fastidió en su último trabajo como infiltrado, y Byron (Juan Arlos Aduviri), un legionario entregado al servicio a la patria y la bandera. No parecen los más adecuados para el trabajo pero sorprendentemente son los elegidos por el ministro Boyero (Carlos Areces), un político adicto a la publicidad, trepador nato que aspira a puestos superiores y tiene pocos escrúpulos para conseguir sus fines, y su secretario (Joaquín Reyes), el típico “chico para todo” que a pesar de sus iniciales reticencias acaba por ayudar a su jefe a reclutar a estos incompetentes para ocuparse de investigar y neutralizar la amenaza que se cierne sobre uno de los más emblemáticos lugares de la geografía española. Para ello tendrán que entrenarse duramente y, lo que parece aún más difícil, solventar sus diferencias y superar las desconfianzas que les mantienen distanciados. A medio camino entre los personajes del tebeo de Ibáñez, los Botones Sacarino, Pepe Gotera y Otilio, Mortadelo y Filemón, y los pardillos de la comedia norteamericana Loca Academia de Policía, Cuerpo de élite se rodó en Cáceres, Álava, Vizcaya y Madrid durante siete semanas entre el 22 de junio y el 9 de agosto de 2015, buscando traer el humor gamberro a la cartelera del verano. Nicolás Carrasco

TRAILER: http://youtu.be/j8aMfhwZS-I

ESPAÑA, 2016 DIRECTOR: JOAQUIN MAZON GUION: CRISTOBAL GARRIDO Y ADOLFO VALOR FOTOGRAFIA: ÁNGEL IGUACEL MUSICA: VICENTE ORTIZ GIMENO INTÉRPRETES: SILVIA ABRIL (TENIENTE GIL), JUAN CARLOS ADUVIRI (BYRON), ANDONI AGIRREGOMEZKORTA (GORKA), PEPA ANIORTE (AGENTE CAMACHO), CARLOS ARECES (BOYERO) DISTRIBUYE: HISPANO FOX FILM

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CAZAFANTASMAS

Los detectives de lo paranormal que triunfaron en los ochenta regresan a Nueva York transformados en cuatro valerosas mujeres, dispuestas a anular la actividad espectral. esde que en 1989 Ivan Reitman diera por acabada la saga de Ghostbusters, el veterano director tenía el pálpito de que los míticos perseguidores de almas ectoplásmicas volverían a asaltar las salas con una tercera entrega. “Siempre he querido hacer otra secuela. Se trata de una de esas películas que se merecían un repaso, y la verdad es que esperaba poder hacerlo yo. Pero, a menos que todos nos pusiéramos de acuerdo en algo, no podría salir adelante. Conseguir poner de acuerdo a cuatro personas como Murray, Ramis, Aykroyd y Hudson era prácticamente imposible. Y entonces, por desgracia, perdimos a Harold”, explica Reitman, quien no puede evitar emocionarse con el recuerdo del fallecido Harold Ramis. La muerte, en 2014, del actor que puso físico a Egon Spengler hizo imposible recuperar a los personajes originales, pero sí animó a los interesados a probar suerte con un nuevo cuarteto protagonista, conformado por Melissa McCarthy (Abby Yates), Kristen Wiig (Erin Gilbert), Kate McKinnon (Jillian Holtzmann) y Leslie Jones (Patty Tolan). “Quería que la historia empezara en nuestro mundo actual, un escenario que nunca ha visto fantasmas de forma demostrable. Nuestras ghostbusters han dedicado sus vidas a demostrar científicamente que los fantasmas existen, pero no hay pruebas de ello. Sin embargo, cuando por fin consiguen ver lo que han estado intentando encontrar, demostrarán que han hecho bien con su esfuerzo. Todas tienen ese objetivo común, y se complementan unas a otras”, afirma Paul Feig (Espías), el cineasta encargado de este peculiar reboot. Al igual que ocurría con sus precedentes masculinos, el equipo de personajes está mediatizado por una experta en fenómenos poltergeist (Abby Yates), una científica con sombras en su pasado (Erin Gilbert), una ingeniera con mucha mano para los gadgets (Jillian Holtzmann) y una avezada guía conocedora de los rincones más ocultos (Patty Tolan). Alineación a la que se suma el ingenuo y poco cerebral Kevin (Chris Hemsworth). Dentro de semejante casting también hay que constatar la actualización del Ecto-1 (la ambulancia Cadillac del 59 que transportaba a los cazafantasmas ochenteros). Un lavado de carrocería que ha mutado en el Cadillac fúnebre del tío de Patty. Jesús Martín

TRAILER: http://youtu.be/Mdy0NtpjigQ

TÍTULO ORIGINAL: GHOSTBUSTERS EE UU, 2016 DIRECTOR: PAUL FEIG GUION: KATIE DIPPOLD, PAUL FEIG, IVAN REITMAN Y DAN AYKROYD FOTOGRAFIA: ROBERT D. YEOMAN MUSICA: THEODORE SHAPIRO INTÉRPRETES: CHRIS HEMSWORTH (KEVIN), MELISSA MCCARTHY (ABBY YATES), KATE MCKINNON (JILLIAN HOLTZMANN), KRISTEN WIIG (ERIN GILBERT), SIGOURNEY WEAVER, CHARLES DANCE, ERNIE HUDSON, BILL MURRAY DURACION: 116 MIN. DISTRIBUYE: SONY PICTURES

Modernidad tecnológica Cualquier aficionado mayor de diez años seguro que recuerda el filme que narraba las aventuras de Peter Venkman (Bill Murray), Raymond Stantz (Dan Aykroyd), Egon Spengler (Harold Ramis) y Winston Zeddemore (Ernie Hudson). Tras la legión de seguidores despertada con el largo de 1984, los responsables de esta nueva recreación han tenido muy claro que, si deseaban seducir al público de Cazafantasmas, tenían que respetar algunas normas. Y una de ellas está íntimamente relacionada con el aspecto de la movie. “Queríamos inventar tanta tecnología extra como pudiéramos, para que fuera razonablemente diferente a la de la cinta original, y traerla a la actualidad sin perder su espíritu casero –todo parece estar hecho a base de piezas sacadas de contenedores de basura, de tiendas de electrónica o de universidades–. Deseábamos con ello que la gente que la viera, pensara: ‘Si yo fuera lo bastante listo, podría construir algo así’”, argumenta Feig. Junto al supervisor de efectos visuales Peter G. Travers, el asesor científico James Maxwell y el diseñador Jefferson Sage; el producto intenta mantener el enfoque nostálgico y sorpresivo. Un engranaje concebido para albergar auténticos ejércitos de fantasmas: unas veces juguetones; y, otras, amargados (Gertrude). Todo un universo de formas transparentes donde destaca el simpático e inolvidable Moquete. “Los efectos digitales deben tener una relación simbiótica con la escena que se filma en el set. Así que, si los fantasmas brillaban, tenía que parecer que los espíritus formaban parte de la escena desde el punto de vista de la iluminación interactiva”, afirma Travers, quien elaboró para cada toma un complejo sistema de luces LED, capaz de aportar presencia a los espectros que pululan por la pantalla (mil en el enfrentamiento final en Times Square). “Primero diseñamos la ropa, y luego creamos trajes de luces, que los actores llevaban debajo de las telas”, añade Jeffrey Kurland, encargado del vestuario.

Los amigos millonarios de Woody Como en el resto de la filmografía del responsable de Manhattan, Café Society goza de un elenco heterogéneo y sorpresivo. Un cuadro en el que destaca la presencia de… Jesse Eisenberg. El intérprete neoyorquino no es totalmente nuevo en el clan artístico del director de Scoop. Jesse ya colaboró con el ex de Mia Farrow en A Roma con amor (2012). En esa ocasión, el papel que le cayó en suerte fue el de un joven arquitecto de vacaciones en la Ciudad Eterna. Transcurridos cuatro años, J. E. ha subido en importancia, ya que ahora se encarga de la parte de Bobby: el verdadero protagonista del filme. Steve Carell. El camaleónico Michael Scott de la serie The Office da vida al mediático Phil Stern: el influyente tío de Bobby. El hombre es un representante de primer orden en el Hollywood de la década de los treinta; y sus clientes son explotados a conciencia para conseguir fama y popularidad al bueno de Phil. Kristen Stewart. La antigua pareja de Robert Pattinson es vista por Allen como la ingenua y algo confusa Vonnie. Aunque su apariencia parece la de una chica de las que mandan en sus relaciones, en realidad es alguien que se deja manipular por un novio bastante cambiante respecto a su afecto hacia ella. Blake Lively. La romántica Adaline Bowman presta sus curvas de acero para dotar de verosimilitud a la elegante Verónica: una distinguida mujer a la que ha abandonado su esposo, y que encuentra en Bobby la ternura que creía inexistente en los hombres. Corey Stoll. El actor neoyorquino ya había trabajado con Woody Allen en Midnight in Paris (2011). En esa película de resortes históricos y bohemios, el héroe de The Strain lució el pesado maquillaje de Ernest Hemingway. Mucho más ligera le ha debido resultar la personalidad de Ben Dorfman: el hermano mafioso de Bobby.

CAFÉ SOCIETY Woody Allen abre un local de moda en el Nueva York de los años treinta, y confía el éxito del proyecto empresarial a asalariados del tirón de Jesse Eisenberg, Kristen Stewart y Blake Lively. as cafeteras no son lo único que hierve en el Club Hangover. Por sus pasillos y mesas vistos a través de los ojos de Vittorio Storaro, rostros de conocidas estrellas del celuloide deambulan frenéticamente con el ansia de competir en etiqueta con el Cotton Club y el Morocco. Y en la cúspide de tan peculiar plantilla, el incombustible Woody Allen da las órdenes con su gracejo habitual. “Cuando escribí el guion, lo estructuré como una novela. Al igual que en un libro, te detienes un rato en la película para ver una escena del protagonista con su novia, una escena con sus padres, seguida de una escena con su hermana o con el gánster de su hermano, una escena con estrellas de Hollywood e individuos varios dedicados al trapicheo, y luego la Café Society, con políticos, debutantes, playboys y la gente que engaña a sus respectivas parejas. Para mí, fue siempre una historia no de una sola persona, sino de todo el mundo”, explica Allen, parapetado tras su aire de personaje vip. Con la voz de Allen como narrador, el guion del filme centra su atención en la dura existencia de Bobby Dorfman (Jesse Eisenberg): un chaval criado en el Bronx, que escapa de su desastrado hogar para probar suerte en Hollywood. Una vez en la Meca del Cine, el joven acude a su tío Phil (Steve Carell) para que le encuentre una ocupación con la que ganarse las lentejas. El pariente del protagonista resulta ser un importante agente de actores, por lo que no pone objeciones en ofrecer a su sobrino un empleo como chico para todo. Bobby está encantado, hasta que conoce a la chispeante Vonnie (Kristen Stewart), de la que el neoyorquino se enamora perdidamente. Solo hay un problema: ella tiene novio. “Bobby empieza la película como una especie de soñador ingenuo, que cree que puede ir a Hollywood y se verá acogido con los brazos abiertos por la industria. Por supuesto, no sucede así. Cuando se ve expuesto al mundo real, tanto a la belleza del mismo como a la lucha, se transforma en otra persona”, afirma Jesse Eisenberg.

Jesús Martín TRAILER: http://youtu.be/N7Gd5200bEM

EE UU, 2016 DIRECTOR: WOODY ALLEN GUION: WOODY ALLEN FOTOGRAFIA: VITTORIO STORARO INTÉRPRETES: STEVE CARELL (PHIL STERN), SHERYL LEE (KAREN STERN), TODD WEEKS (OSCAR), PAUL SCHACKMAN (AL) DURACION: 96 MIN. DISTRIBUYE: E ONE

PROXIMOS ESTRENOS

MASCOTAS Los creadores de Gru y Los minions regresan este verano a la gran pantalla con una nueva aventura, alejada de su anterior trabajo, dispuesta a arrasar en la taquilla este verano. a vida secreta de las mascotas (el título original del filme), eso es lo que nos ofrece Mascotas, la nueva película de Illumination Entertainment, los creadores de una de las figuras más icónicas de la historia reciente de la animación, los queridísimos minions, que además se ha convertido en una de las más taquilleras de la historia en todo el mundo. Nada mal para una película que es spin off de otra y que venía de un estudio a priori desconocido. Pero no solo de los minions se puede vivir, y hay que crear nuevas historias y personajes que llenen los cines. Como siempre con un presupuesto mucho más moderado que otras producciones de estudios más conocidos, pero manteniendo las señas de identidad, personajes carismáticos, humor bastante gamberro pero para toda la familia, y una historia sencilla muy bien contada, sin estridencias y manteniendo un ritmo constante que entretendrá a todos los públicos. Cine de aventuras en animación, con un mensaje que no por más veces repetido es menos necesario. Aceptar lo distinto, entender la familia como algo que no siempre entra en los cánones de lo previsible, permanecer al lado de los tuyos… La historia nos presenta a un grupo de mascotas que viven en Nueva York, en una zona residencial, donde cuando sus dueños se marchan de casa, ellos viven una vida de lo más peculiar, reuniéndose, disfrutando de la vida, con fiestas y demás. Una de esas mascotas, Max, verá cómo su vida cambia por completo cuando su dueña traiga a casa a Duke, un enorme perro de la perrera que podría acabar con la plácida existencia de Max, quien intentará regresar a su situación como “hijo” único. Algo que hará que ambos perros vivan una aventura en la ciudad mientras sus amigos salen en su búsqueda intentando rescatarlos. Con ecos de Toy Story y momentos memorables (lo de las mascotas abandonadas y el conejo psicópata es legendario, de verdad), la película dirigida por Chris Renaud y Yarrow Cheney aprovecha a un reparto de voces lleno de grandes actores, como Louis C. K., Kevin Hart, Lake Bell, Albert Brooks, Eric Stonestreet o Steve Coogan en versión original. Jesús Usero

TRAILER: http://youtu.be/lcrroI4bBf8

TÍTULO ORIGINAL: THE SECRET LIFE OF PETS JAPÓN / EE UU 2016 DIRECTOR: CHRIS RENAUD GUION: CINCO PAUL, KEN DAURIO Y BRIAN LYNCH MUSICA: ALEXANDRE DESPLAT DISTRIBUYE: UNIVERSAL

Animales en acción, el tema favorito de la animación Las princesas Disney fueron durante muchas décadas las reinas indiscutibles del género de animación, impulsadas sobre todo por el poder de Disney, incontestable durante el siglo XX. Pero las nuevas generaciones y las nuevas técnicas de animación llevaron a una nueva variante dentro del género a convertirse en verdadero rey en la actualidad. No, no es que las princesas hayan desaparecido, y ahí tenemos Enredados o Frozen para recordárnoslo, pero incluso en esas películas hay animales incorporados en papeles secundarios, ya sea como compañía o como alivio cómico de la historia. Ya desde los inicios de Disney los animales formaron parte imprescindible de la animación, con Mickey Mouse, Donald o Goofy, por no hablar de los dibujos animados de la Warner. Hoy en día seguimos teniendo dos principales variantes del mismo género. El de animales con características antropomórficas (caminan erguidos, usan ropa, tienen empleos… son perfectos representantes de lo que vivimos en nuestro mundo, pero con rasgos del reino animal), y el de animales que conviven entre nosotros, que tiene su propio idioma, uno que muchas veces solo ellos entienden. Antes de la animación en 3D ya tuvimos ejemplos serios en el género, como Basil, el ratón superdetective, o Fievel a finales de los ochenta e inicios de los noventa, momento del resurgir de Disney, cuando las nuevas historias nos llevaron quizá a la más popular película animada protagonizada por animales, El rey león. Además de incorporar a los mismos en sus historias más clásicas. Este mismo año hemos tenido ejemplos en ambos subgéneros. Zootrópolis ha sido una de las películas más taquilleras del año, junto a Buscando a Dory, perfectas muestras de las dos variantes, pero no olvidemos que Angry Birds, Kung-fu panda 3 o Ice Age 5 también han llegado a nuestras pantallas. Eso sí, Mascotas debe tener cuidado. Cada vez las películas parecen menos capaces de encontrar su hueco en la taquilla y arrasar realmente. ¿Serán capaces Max, Duke y compañía, una modesta producción dentro de la animación, de hacer saltar a la banca y quedarse con nosotros durante muchos años o serán flor de un día?

PROXIMOS ESTRENOS

La actriz que llegó del frío Milena (Mila) Markovna Kunis siempre quiso dedicarse a la interpretación, desde que a los nueve años su padre la apuntó a clases de arte dramático. Dotada de una mirada profunda y una energía sorprendente, esta profesional de los escenarios no ha tenido problemas con géneros y formatos audiovisuales; y ha dejado su distinguible huella en dramas, thrillers, comedias alocadas, películas de animación… Variedad con la que Mila ha construido una sólida carrera delante de las cámaras. Quizá sea el excelente trabajo llevado a cabo en Cisne Negro (Darren Aronofsky, 2010) lo que más ha marcado el currículo de esta fémina venida de Ucrania. Una encarnación (la de la misteriosa bailarina llamada Lily) que le valió la correspondiente nominación a los Globos de Oro, como Mejor Actriz Secundaria en la categoría de Drama. Pero, independientemente de la brillantez de ese papel, el rostro de Mila ha estado presente en multitud de largometrajes y series televisivas durante la última década.

Aquellos maravillosos setenta (1998-2006) fue la producción de la pequeña pantalla que dio a MK su primer vehículo para el lucimiento, dentro del cuerpo de la chispeante Jackie Burkhart. Y fruto de las buenas sensaciones que atrajo la caucásica, Mrs. Kunis consiguió sustanciosas colaboraciones, en El libro de Eli (Albert y Allen Hughes, 2010), Paso de ti (Nicholas Stoller, 2008), Max Payne (John Moore, 2009) y Con derecho a roce (Will Gluck, 2011). Un camino hacia la cumbre que se vio favorecido por el éxito de la delirante comedia Ted (Seth MacFarlane, 2012). El rol de la novia del personaje de Mark Wahlberg, siempre dispuesta a replicar los ingeniosos comentarios del oso de peluche que da título a la movie, sirvió para que los responsables de la industria hollywoodiense vieran las posibilidades humorísticas y sensuales de Mila. Virtudes que la europea también ejercitó en Annie (la versión del clásico musical efectuada por Will Gluck, en 2014), en El hombre más enfadado de Brooklyn (Phil Alden Robinson, 2014), en la oscura e irregular En tercera persona (Paul Haggis, 2013) y en la fallida epopeya de ciencia ficción El destino de Júpiter (Lana y Lilly Wachowski).

MALAS MADRES La Escuela William McKinley declara la guerra, y no tiene nada que ver con chavales pandilleros. Seis madres dispuestas a dirigir la educación de sus churumbeles son las causantes del conflicto. ser una buena progenitora conlleva controlar al profesorado de sus babies? ¿Es suficiente con ayudar a los críos a hacer sus deberes, o por el contrario hay que vestirse de Rambo y asistir a las reuniones de las juntas escolares con cara de perro, y con una lista de exigencias más larga que la de los miembros de cualquier partido político? Jon Lucas y Scott Moore (Resacón en Las Vegas) plantean semejante diatriba social en esta comedia, donde los adultos se comportan como los peores navajeros del Bronx. “Como padres, somos apéndices-de-mamá. Es parecido, pero en el mundo de las madres hay mucha más presión que en el de los padres. Queríamos sumergirnos en esas aguas turbulentas”, explica Lucas. A medias entre Chicago y Nueva Orleans (cambiaron de escenario a mitad de rodaje por problemas con el duro invierno), la pareja de directores sigue el difícil papel de una mamá bautizada con el nombre de Amy Mitchell (Mila Kunis, Ted). Esta mujer vive para equilibrar su realización personal y familiar, pero sus dos vástagos se lo empiezan a poner realmente difícil. Sobre todo, porque los citados infantes comparan la actitud de Amy con la de una perfect mother llamada Bee Gwendolyn (Christina Applegate, La cosa más dulce). A partir de semejante realidad, la protagonista levanta una cruzada para reivindicar el papel de las mamis más estresadas, perdidas en el conservadurismo de la Escuela William McKinley. “Interpretar el término medio de la película es complicado. Amy tiene que ser divertida, pero también personificar la línea conductora, emocionalmente hablando. Nos gustaba Mila para el papel porque puede llevar ese peso emocional, como vimos en Cisne Negro; y también es genial en comedia. Además, parece una madre normal”, puntualiza Moore, respecto a la heroína del filme. Jada Pinkett Smith (Gotham), Kristen Bell (Veronica Mars), Jay Hernández (Ladrones) y Kathryn Hahn (La visita) completan un elenco en el que también colaboran como actores Jon Lucas y Scott Moore. “Todas somos madres, así que nos vemos reflejadas las unas en las otras”, argumenta Applegate, para explicar el supuesto buen rollo experimentado en el set de rodaje. Jesús Usero

TRAILER: http://youtu.be/C_snFdtBgYQ

TÍTULO ORIGINAL: BAD MOMS EE UU, AÑO DIRECTOR: JON LUCAS Y SCOTT MOORE GUION: JON LUCAS Y SCOTT MOORE FOTOGRAFIA: JIM DENAULT MUSICA: CHRISTOPHER LENNERTZ INTÉRPRETES: MILA KUNIS (AMY MITCHELL), KRISTEN BELL (KIKI), KATHRYN HAHN (CARLA), CHRISTINA APPLEGATE (GWENDOLYN), JADA PINKETT SMITH (STACY) DURACION: 101 MIN. DISTRIBUYE: DIAMOND FILMS

PRÓXIMOS ESTRENOS Por Jesús Martín

Tallulah

Los principios del cuidado

Los visitantes la lían

Kubbo y las cuerdas mágicas

EE UU; 2016; Director: Sian Heder; Guión: Sian Heder; Fotografía: Paula Huidobro; Música: Michael Brook; Intérpretes: Uzo Aduba, Ellen Page (Tallulah), Zachary Quinto, Allison Janney (Margo); 111 mins; Distribuye: Netflix.

EE UU; 2016; Título original: The Fundamentals of Caring; Director: Rob Burnett; Guión: Rob Burnett basado en la novela de Jonathan Evison; Fotografía: Giles Nuttgens; Música: Ryan Miller; Intérpretes: Paul Rudd (Ben), Alex Huff (Jodi), Selena Gomez (Dot), Craig Roberts (Trevor); 97 mins; Distribuye: Netflix.

Francia; 2016; Título original: The Visitors: Bastille Day; Director: Jean-Marie Poiré; Guión: Christian Clavier y Jean-Marie Poiré; Fotografía: Stéphane Le Parc; Música: Eric Levi; Intérpretes: Christian Clavier (Jacquouille la Fripouille / Jacquouillet ), Jean Reno (Comte Godefroy de Montmirail), Franck Dubosc (Gonzague de Montmirail), Karin Viard (Adélaïde de Montmirail), Sylvie Testud (Charlotte Robespierre); 110 mins; Distribuye: A Contracorriente.

EE UU; 2016; Título original: Kubo and the Two Strings; Director: Travis Knight; Guión: Marc Haimes, Chris Butler y Shannon Tindle; Música: Dario Marianelli; Distribuye: Universal.

Netflix estrena esta película que dirige Sian Heder (Orange Is the New Black). Ellen Page (Origen) protagoniza este drama, sobre sentimientos surgidos en los abismos de la pobreza, donde una joven vagabunda –llamada Tallulah (decide convertirse en la protectora de un bebé indefenso. En su odisea emocional, la joven vagabunda pide ayuda a una compañera de penurias callejeras, conocida como Margo (Allison Janney), quien piensa que, en realidad, ella es la abuela del pequeño. Zachary Quinto ( Star Trek ) y Tammy Blanchard ( Into the Woods ) son otros de los actores que completan el reparto.

Paul Rudd (Ant-Man) es el protagonista de esta curiosa aventura cinematográfica, en la que da vida a un escritor llamado Ben. Retirado voluntariamente de su profesión, el hombre se centra en ayudar a un joven con distrofia muscular (Craig Roberts). Con el fin de recuperar la ansiedad por disfrutar de lo que les ofrece el mundo, la pareja se embarca en un viaje hacia los lugares más sorprendentes del planeta. Una travesía donde conocen a una chica un tanto complicada, a la que encarna la conocida Selena Gómez (Montecarlo).

Jean-Marie Poiré, Jean Reno y Christian Clavier amplían en un episodio más las correrías del conde Godofredo de Miramonte (Reno) y de su singular escudero Delcojón el Bribón (Clavier). En las dos entregas precedentes, estos personajes medievales fueron transportados por un hechizo a la Francia de los noventa. Pero la magia no les permite residir en el siglo XX, por lo que otra vuelta de tuerca lleva a los visitantes a la época más sangrienta del París revolucionario, a finales del XVIII.

Los estudios LAIKA presentan esta historia de aventuras y enfrentamientos al borde de la muerte, que protagoniza un pequeño algo cuentista. Art Parkinson (Rickon Stark, en Juego de tronos) es el encargado de prestar su voz al joven Kubbo: un chaval que vive tranquilamente en un pueblo costero. Sin embargo, el asunto cambia ante la aparición de un espíritu vengativo, dispuesto a asolar el lugar. Travis Knight (miembro del equipo de Los Boxtrolls) debuta en la dirección con esta activa película, en la que también es posible escuchar los timbres de Charlize Theron, Matthew McConaughey, Rooney Mara y Ralph Fiennes, entre otras gargantas famosas.

Regreso a casa

El caso Fisher

Peter y el dragón

La estación de las mujeres

China; 2014; Título original: Coming Home; Director: Yimou Zhang; Guión: Jingzhi Zou basado en una novela de Geling Yan; Música: Qigang Chen; Intérpretes: Li Gong (Feng Wanyu), Daoming Chen (Lu Yanshi), Huiwen Zhang (Dan Dan, hermana), Tao Guo (Officer Liu); Distribuye: Golem.

EE UU / Canadá; 2014; Título original: Pawn Sacrifice; Director: Edward Zwick; Guión: Steven Knight, Stephen J. Rivele y Christopher Wilkinson; Fotografía: Bradford Young; Música: James Newton Howard; Intérpretes: Tobey Maguire (Bobby Fischer), Liev Schreiber (Boris Spassky), Peter Sarsgaard (Father Bill Lombardy); 115 mins; Distribuye: A Contracorriente.

EE UU; 2016; Título original: Pete's Dragon; Director: David Lowery; Guión: David Lowery y Toby Halbrooks; Fotografía: Bojan Bazelli; Música: Daniel Hart; Intérpretes: Bryce Dallas Howard (Grace), Karl Urban (Gavin), Robert Redford (Grace's father), Wes Bentley (Jack), Oona Laurence (Natalie); Distribuye: Disney.

India / Reino Unido / EE UU; 2016; Título original: Parched; Director: Leena Yadav; Guión: Supratik Sen y Leena Yadav; Fotografía: Russell Carpenter; Música: Hitesh Sonik; Intérpretes: Radhika Apte (Lajjo), Adil Hussain, Tannishtha Chatterjee, Sayani Gupta; Distribuye: Surtsey Films.

Zhang Yimou vuelve a colaborar con Chen Daoming (Hero) y Gong Li (Sorgo rojo) en esta película, basada en la homónima novela de Yan Geling. El guion arranca con la fuga de Lu Yanshi (Chen Daoming) de un campo de trabajo: lugar donde fue enviado para su reeducación, según los preceptos de la Revolución Cultural china. El hombre solo desea recuperar a su familia, pero su propia hija le niega esa posibilidad. Años más tarde, cuando la Revolución Cultural está superada, el protagonista intenta nuevamente acercarse a sus parientes, pero su esposa Feng Wanyu (Gong Li) es incapaz de reconocer al que aún es su cónyuge.

ACCIÓN

Edward Zwick (Diamante de sangre) se acerca a la figura de Robert James Fischer: el maestro del ajedrez que en 1972 acabó con el dominio de Rusia en el juego de los peones, los alfiles, los caballos, las torres, el rey y la reina. Tobey Maguire (Spider-Man) es el encargado de meterse en la esquizofrénica psique del mítico héroe de la Gran Partida, en la que derrotó a Boris Spassky (Liev Schreiber). Sin embargo, el triunfo trajo consecuencias fatales para la mente de un genio aquejado de graves problemas de comportamiento y profundas paranoias.

Disney rescata este clásico de la animación mezclada con actores de carne y hueso, el cual hizo furor en 1977. David Lowery (quien suena para elaborar la próxima adaptación de Peter Pan) sustituye al setentero Don Chaffey como director, al tiempo que la historia original escrita por Seton I. Miller y S. S. Field también sufre una tenue actualización. Al igual que hace cerca de 40 veranos, el relato corre parejo a la extraña relación de amistad entre un niño huérfano llamado Peter y un dragón de fábula nominado Elliott.

Cuatro heroínas actúan de manera distinta ante la marginación que experimentan en el pueblo indio de Ujhaas. Rani (viuda de 32 años), Lajjo (esposa de un marido alcohólico y despreciada por infértil), Bijli (prostituta y bailarina, que teme el fin de su juventud) y Janaki (quinceañera recientemente casada con el hijo de Rani) son las protagonistas de este intenso relato, levantado con convicción por la cineasta Leena Yadav (Teen Patti) y su esposo, el director de fotografía Aseem Bajaj. “Esta historia es mi reacción a una sociedad misógina que trata a la mujer como objeto sexual, como si su principal papel fuera servir al hombre”, confiesa Yadav.

DISCOGRAFÍAS DE CINE:

Por Sergio Hardasmal

James Horner (Parte 4: 1996-2005)

Al fin el compositor obtuvo un esperado Oscar, si bien durante estos años comienza a acusarse en su obra un cierto cansancio creativo.

Rescate (1996)

La sombra del diablo (1997)

Titanic (1997)

Deep Impact (1998)

La máscara del Zorro (1998)

Mi gran amigo Joe (1998)

Hollywood Records **

Beyond / Sony ****

Sony Classical ****

Sony Classical ***

Sony Classical ****

Hollywood Records ***

Horner sustituyó a última hora al gran Howard Shore, y parece que el compositor contó con muy poco tiempo para componer esta partitura de tensión discreta pero claramente efectiva. El disco se divide en la parte del compositor y en una serie de temas compuestos e interpretados por Billy Corgan, componente de la célebre banda Smashing Pumpkins y que son una clara tortura. El corte: “The Payoff/End Credits”.

Música para thriller más comercial que de costumbre, ello debido lógicamente al pegadizo sonido celta, incluyendo el empleo de bonitos coros y un quizá demasiado forzado uso de los sintetizadores. Horner compuso un bello tema que aparece en varias versiones, una de ellas en gaélico y que cuenta con letra de Will Jennings. Se incluye una canción de Dolores O’Riordan. El corte: “Going Home”.

Excelente, pero claramente sobrevalorada banda sonora, galardonada con dos Oscar, a Mejor Banda Sonora y Mejor Canción, aunque esta última sea una de las más endebles de su carrera. Una de las músicas más populares de la historia del cine, verdadero fenómeno de masas y que ha sido objeto de múltiples ediciones especiales, llegando una de ellas incluso a constar de 4 CD. El corte: “Southampton”.

Una banda sonora tan completa y ambiciosa como aparatosa resultó ser la película. Horner conjuga el gran sinfonismo de los temas de acción con momentos dramáticos y sentimentales a veces demasiado edulcorados. Y el compacto, de cortes por lo general muy extensos, resulta ser una experiencia intensa y atractiva, pero en ocasiones puede que desconcertante, debido a la abundancia de autoreferencias. El corte: “The Wedding”.

Excelente banda sonora de marcado acento hispano, sin que falten las guitarras, castañuelas y los taconazos, así como una clara “inspiración” en temas tradicionales españoles. A esto sumamos varios temas principales de entidad sinfónica y uno de amor, así como un cierto abuso del motivo del peligro. El resultado es espectacular. La balada cuenta con letra de Will Jennings y gusta más en instrumental. El corte: “Zorro’s Theme”.

Cine familiar sin mucho que ofrecer, donde Horner plantea un bonito tema principal y tonos tribales a través de percusiones y coros, con momentos repletos de ternura y belleza. Pero el aspecto tenso del score también está presente de forma intensa, incluyendo un antecedente de La tormenta perfecta y referencias a trabajos anteriores. El tema con letra de Will Jennings no es de los mejores. El corte: “The Trees”.

El hombre bicentenario (1999)

Canciones de libertad (2000)

El Grinch (2000)

La tormenta perfecta (2000)

Enemigo a las puertas (2001)

Iris (2001)

Sony Classical ****

Sony Classical **

Interscope ****

Sony Classical *****

Sony Classical **

Sony Classical ****

Inesperado fracaso de Chris Columbus con un James Horner al tiempo muy especial y poco original. Se trata de un disco muy completo y de alta carga sentimental. Obra repleta de temas emocionantes y brillantes, pero que peca de contener demasiadas autoreferencias, comenzando con el tema de Sneakers / Bobby Fischer. La canción, interpretada por Celine Dion, es una de las mejores que ha escrito. El corte: “The Wedding”.

Tercera y última colaboración con el director Phil Alden Robinson, tras Campo de sueños y Sneakers. Se trata de una película para televisión donde Horner sirve de apoyo como compositor a una formación góspel, los “Sweet Honey in the Rock”. El disco, por lo tanto, es una sucesión de temas corales y diálogo, lo que no entraña demasiado interés. El corte: “Song of Freedom”.

Compacto dividido en dos bloques, uno de canciones variadas ajenas y un segundo con la música original de Horner. Los fragmentos de diálogo insertados a lo largo del compacto son una clara molestia. Los temas del compositor están a la altura y son muy acordes al tono navideño y fantástico, incluyendo dos vocales muy bonitos, con letra de Cynthia Weil y Will Jennings. El corte: “The Sleigh of Presents”.

Uno de sus discos más memorables de esta etapa, repleto de emoción y grandes temas, haciendo además un uso muy acertado y atractivo de la guitarra eléctrica, integrando esta junto a la orquesta. Algunos cortes son muy extensos, usando el tema del peligro y concluyendo con una canción, interpretada por John Mellencamp, donde el violín otorga un toque folk . El corte: “Coming Home From the Sea”.

Banda sonora ambiciosa, densa, de cortes muy extensos y que agota al oyente, no solo por su intensidad sino por el desesperante abuso del motivo del peligro. De hecho, Horner nunca ha empleado tanto este recurso como en esta película. Además de ello, coros acordes y un tema de amor que nos recuerda en demasía a La lista de Schindler. El corte: “The River Crossing to Stalingrad”.

Una deliciosa banda sonora dramática con memorables solos de violín a cargo del aclamado Joshua Bell. El tono de la obra nos recuerda inmediatamente a su partitura correspondiente a La Historia de Spitfire Grill, pero perdiendo ahora el toque folk de aquella. Los temas aparecen reagrupados en una serie de suites, y el disco se cierra con un tema tradicional interpretado por Kate Winslet. El corte: “Part 1”.

A C C I Ó N 83

DISCOGRAFÍAS DE CINE

Una mente maravillosa (2001)

Las cuatro plumas (2002)

Windtalkers (2002)

Amar peligrosamente (2003)

Casa de arena y niebla (2003)

Desapariciones (2003)

Decca ***

Sony Classical ****

RCA ***

Varèse ***

Sony Classical ****

Calcando el tema principal de Sneakers ya reciclado en Bobby Fischer y El hombre bicentenario, esta vez se añade la atractiva voz de Charlotte Church. Al margen de esta licencia ya típica del autor, el disco discurre por temas dramáticos donde destacan otros temas correctos, siendo uno de ellos a su vez canción. Banda sonora finalista al Oscar. El corte: “Alicia Discovers Nash’s Dark World”.

Una partitura de aventuras poco recordada pero considerable (gran tema principal) y que reúne alguno de los ingredientes característicos del Horner de esta etapa, para bien y para mal. Los temas muy extensos y el abuso de elementos pueden llegar a ser cansinos. Esta vez, la voz étnica corrió a cargo de Rahat Nusrat Fateh Ali Khan. El corte: “A Coward No Longer”.

Drama bélico en el que Horner se muestra más contenido de lo que cabría esperar, dados los excesos a los que había tendido con frecuencia últimamente. De este modo, se mantiene sin apenas explotar las posibilidades “étnicas” de la película, decántandose por un sonido dramático más sobrio, medido y hasta tradicional. Eso sí, no renuncia al uso de las famosas cuatro notas “de peligro”. El corte: “A Sacrifice Never Forgotten”.

Una obra de influencia étnica que se divide en tres bloques diferenciados, cada uno referente a una localización y todos ellos enlazados entre sí por temas en común. Conjuntando elementos exóticos, coros, orquesta y sintetizador, resulta brillante en su primer bloque. En el segundo se muestra más ambiental, cayendo en un abuso de los sintetizadores. Por suerte, en el tercer bloque recupera pulso e interés. El corte: “Ethiopia IV”.

Un Horner dramático, contenido y muy sobrio, exento de toda grandilocuencia orquestal y que centra el protagonismo en el piano. Con el apoyo de sintetizadores, se acentúa el componente ambiental y psicológico, siendo una obra dramática algo insólita en esta etapa y que le reportó en su día una candidatura al Oscar ciertamente inesperada y causada por el éxito crítico de la película. El corte: “The Waves of the Caspian Sea”.

Otro trabajo para un Ron Howard menor, pero una partitura en su mayor parte estimable (maravilloso tema central). Lo que llega a lastrar son algunas autorreferencias y sobre todo el exceso del uso de elementos efectistas como el shakuhachi chino o las voces étnicas. Con todo, es un disco carismático de gran envergadura emocional y superior a la propia película. El corte: “The Long Ride Home”.

Me llaman Radio (2003)

Bobby Jones, la carrera de un genio (2004)

Misteriosa obsesión (2004)

Troya (2004) Warner/Reprise **

Historia de un secuestro (2005)

La leyenda del Zorro (2005)

Varèse ***

Curiosa música de suspense para un thriller muy normalito de Joseph Ruben. El compositor se aparta de los registros que le caracterizan normalmente para adentrarse en lo oscuro y ambiental, de tenue sonido orquestal y apoyo en sintetizadores (a veces todo un exceso). Es en el empleo del piano y el violín como hilo conductor intimista y dramático donde radica el mayor acierto del conjunto. El corte: “Remember...”.

Tras el tremendo error de rechazar una obra maestra a Gabriel Yared, dieron un plazo limitado a Horner para componer este trabajo. El resultado es muy inferior al de aquel, siendo rutinario y repleto de autorreferencias (incluyendo el motivo del peligro), así como cantidad de resortes étnicos ya demasiado vistos. La canción, interpretada por Josh Groban, está fuera de lugar y merece aún menos la pena. El corte: “Troy”.

Hip-O Records ***

Bandas sonoras inéditas

Compacto dividido en dos bloques. El primero de canciones varias y por lo general agradables. El segundo destinado a la partitura original de Horner. Esta se basa en un bonito tema central, a partir del que se mueve y desarrolla en varias direcciones. El conjunto, sin ser nada especial en la filmografia del autor, resulta estimable y digno de ser revisado cada cierto tiempo. El corte: “Radio’s Day”.

El tirón comercial de los compactos de James Horner es innegable. Durante los últimos años la obra del compositor ha sido objeto de nuevas ediciones de bandas sonoras que ya existían en compacto, generalmente remasterizadas y con más música. Muchos de estos compactos han sido lanzados en tiradas limitadas y algunos han venido a llenar el hueco en la estantería de muchos aficionados, debido a que las primeras ediciones se podían encontrar descatalogadas e incluso algunas muy cotizadas en el mercado. En otras ocasiones se han editado bandas

ACCIÓN

Varése **

Partitura de atractivo sonido celta y muy comercial, que fusiona sin disimulo temas anteriores de Braveheart , Titanic y otros, en un refrito tan pegadizo como desconcertante, a pesar del material nuevo que aporta. La película pasó sin pena ni gloria por las pantallas y el compacto se queda reservado a los muy coleccionistas de un compositor en su etapa menos brillante. El corte: “Destined for Greatness”.

sonoras que nunca habían sido comercializadas en formato alguno, siendo algunas de ellas muy esperadas por los seguidores del compositor. A pesar de ello, aún quedan bastantes partituras sin ver la luz en compacto de modo oficial. Repasamos de forma breve qué títulos son estos. Las primeras composiciones de Horner para cine continúan inéditas. Entre ellas, hallamos títulos como The Watcher (1978), The Lady in Red (1979) y varias películas para televisión poco conocidas, entre las que destaca A Piano for Mrs. Cimino (1982). De edición más lógica y deseada son La sombra del actor (1983),

Lakeshore ***

Toda una rareza en la discográfica del autor de Titanic. Es un compacto con un primer bloque de canciones ajenas que da paso a los temas originales de Horner. Se trata de una comedia negra de tipo independiente, en la que el compositor incluye un vals repleto de humor como tema principal, entre una serie de cortes que no pasan de ser una curiosidad. El corte: “Digging Montage”.

excelente drama de Peter Yates, y la comedia Voluntarios (1985), protagonizada por Tom Hanks y John Candy. Menos conocidos son el drama The Stone Boy (1984), la comedia Policía por error (1986), el drama P. K. and the Kid (1987) o la producción fantástica Las aventuras de Andy Colby (1988). El resto de la obra sin edición de Horner comprende bandas sonoras rechazadas y que se llegaron a grabar, documentales, comedias de poca entidad y alguna serie de televisión, siendo realmente curiosa la música que compuso en 1986 para el corto de Francis Ford Coppola Captain EO, protagonizado por Michael

Sony Classical ***

Las secuelas no motivan mucho a Horner. Ya ocurrió en el caso de la saga Cocoon, donde como aquí, el compositor se limitó a desarrollar el material de la primera composición sin ir demasiado más allá. Ahora incluso se olvida de una nueva canción/tema de amor, por lo que el compacto, siendo de gran calidad, no se caracteriza precisamente por su carácter novedoso. El corte: “Stolen Votes”.

Jackson. Otro corto célebre del autor es Dolor de barriga (1989), que precedía en cines a la película Cariño, he encogido a los niños. Para concluir, hay que recordar aquellas partituras que sí están editadas en LP o en compactos de mala calidad sonora, pero que jamás han sido comercializadas como merecen. Quién sabe si en el futuro algunas de ellas pueden llegar a editarse en compactos de una calidad digna. Son títulos ya comentados en estas páginas, como Bendición mortal (1981), La mano (1981), The Pursuit of D. B. Cooper (1981), Curso del 65 (1985) o Te amaré hasta que te mate (1990).

CINE EN CASA

Por Santiago de Bernardo

Las crónicas de Blancanieves: el cazador y la reina del Hielo

CINE EN CASA

Fecha salida 3/8/16

Precuela de Blancanieves y la leyenda del cazador, nuevamente con Charlize Theron al frente encarnando a la reina Ravenna, que traiciona a su propia hermana Freya, congelando su tierno corazón para que nunca conozca el amor. Esta se va a un lugar inhóspito con la intención de que nadie se enamore de ella, en un paso previo a una guerra entre

FIRMA: Universal

las reinas Ravenna y Freya, en lo que será un nuevo episodio de la eterna lucha entre el bien y el mal. Se edita en blu-ray incluyendo la versión cinematográfica y la extendida inédita, con audiocomentarios del director Cedric Nicolas-Troyan, escenas eliminadas, tomas falsas, reportajes sobre el vestuario, los efectos visuales, los actores o los diferentes personajes. EXTRAS:

The Lady in the Van Una historia de amistad Fecha salida 31/8/16

La veterana Maggie Smith encabeza el reparto de este filme basado en una historia real que narra cómo una mujer aparca un día su furgoneta en el acceso a la casa de un escritor. Lo que debería ser algo temporal se irá alargando, pasando de una relación entre ambos tensa al principio a una amistad que se prolongará en el tiempo, puesto que la

Capitán América: Civil War

El libro de la selva

Los superhéroes se enfrentan Fecha salida 30/9/16

Regresan los Vengadores en una nueva película tras el éxito de Los Vengadores: la era de Ultrón. Ahora a través de una nueva entrega de la saga que encabeza el Capitán América, que es quien está al frente de este grupo de superhéroes cuya única misión es proteger a esa humanidad que no siempre los entiende o apoya. Porque sus actuaciones suelen dejar un rastro de violencia y destrucción tras de sí, por lo que aumentan las voces para exigir a los Vengadores algún tipo de responsabilidad ante sus actuaciones y que se vea previamente cuándo y qué se debe hacer con sus servicios. Todo ello hace que se dividan en dos bandos, algo nada oportuno ante la nueva amenaza que surge. Se edita en DVD, así como en blu-ray (también en caja metálica) y en combo blu-ray + blu-ray 3D, con numerosos extras en las ediciones en alta definición: audiocomentarios de los directo-

señora acabará viviendo allí varios años. En DVD hay audiocomentarios del director Nicholas Hytner, el cómo se hizo con entrevistas y escenas tras las cámaras y reportajes sobre los efectos visuales, que están asimismo en blu-ray con escenas eliminadas y una featurette sobre Smith, que explica cómo asumió interpretar a un curioso personaje real. EXTRAS:

El regreso de Mowgli FIRMA: Disney

res Anthony Russo y Joe Russo así como de los guionistas Christopher Markus y Stephen McFeely, “Unidos resistimos, divididos caemos: cómo se hizo Capitán América: Civil War”, un making of sobre el proceso de producción con la selección de los equipos de superhéroes o el rodaje de las escenas de acción, tomas falsas, cuatro escenas eliminadas, o “Capitán América: el camino a Civil War”, una featurette en la que el Capi da su visión de este conflicto, acompañada de “Iron Man: el camino a Civil War”, en la que a su vez la da desde el otro bando de los Vengadores. Completan los blu-ray el reportaje “Hola a todos”, que nos permite seguir a Spider-Man al Universo Marvel, así como un avance de la esperada Doctor Strange que iniciará una nueva franquicia cinematográfica protagonizada por el Doctor Extraño. Espectacular, repleta de acción y con varios queridos héroes de la factoría Marvel. EXTRAS:

FIRMA: Disney

Fecha salida 24/8/16

Nueva versión de las historias incluidas en El libro de la selva de Rudyard Kipling (las más populares son la protagonizada por Sabu y la animada de Disney), que dirige el realizador y actor Jon Favreau (Iron Man) y que nos cuenta las aventuras de Mowgli, obligado a abandonar la selva, que ha sido desde pequeño su hogar, ante la amenaza

del tigre Shere Khan, en un viaje en el que contará con al apoyo del oso Baloo y la pantera Bagheera. Con un reparto repleto de estrellas como Bill Murray, Ben Kingsley, Christopher Walken o Scarlett Johansson, sale con numerosos extras sobre cómo se hizo tanto en DVD como en blu-ray (también en caja metálica) y en combo blu-ray + blu-ray 3D. EXTRAS:

Objetivo: Londres Contra el terrorismo Fecha salida 30/8/16

Secuela de la exitosa Objetivo: la Casa Blanca con el mismo reparto y cambio de realizador, y que muestra cómo el primer ministro británico fallece de una manera no demasiado clara y su funeral se convierte en un objetivo terrorista, puesto que a él acuden importantes mandatarios de todo el mundo. Por suerte para la ciudad y sus

FIRMA: EOne

habitantes están allí para impedir que triunfe el terror el presidente estadounidense, su jefe del servicio secreto y un miembro de su equipo que en el pasado salvó la democracia de Estados Unidos. Los extras en DVD y blu-ray son un cómo se hizo con entrevistas y escenas tras las cámaras y un reportaje sobre las armas empleadas en el filme. EXTRAS:

A C C I Ó N 85

CORREO DEL LECTOR GORDON SCOTT, TARZÁN, ACTORES Y OTROS TEMAS José García Blanco (Marbella, Málaga). Estimado lector, su carta no es un grano de arena perdido en un mar de peticiones a la revista. Ninguna de las cartas de nuestros lectores lo es. Al contrario. Tenga en cuenta que de la misma manera que han salido las otras estrellas que le interesaban en la ficha del coleccionable, el mes pasado salió publicado Gordon Scott. Respecto a mi comentario sobre la próxima película de Tarzán, con todos mis respetos, creo que siempre ha sido un personaje mal servido en pantalla, en lo que respecta al nivel interpretativo de los actores elegidos para darle vida. El cine y la televisión han buscado el aspecto físico como prioridad. Y yo me refiero a la interpretación, no al físico. Así que, efectivamente, tal como dije en la otra ocasión, pienso que el nivel interpretativo de Alexander Skarsgard supera al de sus precedentes en el papel. Respeto su afecto cinéfilo por los precedentes, pero me reitero en esa opinión. En cuanto a Raíces profundas, es sin duda uno de los mejores westerns de la historia del género, pero no es uno de mis favoritos, por eso no lo he incluido en una lista que trataba esencialmente de señalar mis westerns favoritos, y Raíces profundas no forma parte de mis preferidas del género.

WESTERN, PÓSTERES Y OPINIONES Fernando P. G. (León). Antes que de nada, quiero agradecer su fidelidad como seguidor de la revista y del coleccionable del western y sus comentarios en la carta que me envía. Creo que actualmente, con el tormentazo de tecnología que nos envuelve, es un regalo para todo juntaletras que un lector se dirija a él por carta y en los términos tan claros que adornan su comentario. Además, pienso que toda crítica u opinión es buena para mejorar la revista y además supone una muestra de interés por parte del lector frente a la publicación. Dicho esto, paso a aclarar algunos de los puntos que me plantea en su carta. La estructura del coleccionable de carteles del western no se pensó como continuación o equivalente del coleccionable de historia del cine o del coleccionable de biografías de estrellas. Tampoco teníamos la intención de hacer una historia del western, cosa absolutamente imposible dado que se trata de una entrega mensual de cartelería en la que lógicamente los carteles o fichas de los largometrajes son los protagonistas. Por tanto, los comentarios que acompañan a cada entrega de fichas simplemente intentan aportar algunas pistas sobre el género en sus distintas fases, siempre sometidos a la cartelería de cada mes. Nos ha parecido que además ese sistema era una buena manera de iniciar en el western a espectadores más jóvenes que lo conocieran menos, y tengo al menos la satisfacción de poder decir que ese objetivo se ha cumplido en muchos lectores, que han retomado o descubierto su interés por este género merced a este coleccionable, encontrando en él pistas sobre algunos largometrajes esenciales del género que han llamado su atención. Además, en cada cartel hay un texto que comenta la película a modo de crítica y opinión, más allá de la simple ficha de artífices, con información neutra sobre la sinopsis. Por la parte que me corresponde en ese trabajo como escritor de este coleccionable, puedo asegurarle que he intentado al menos hacer una pequeña recopilación de los grandes momentos del género a base de cartelería y aportar mi opinión sobre cada película. En su carta afirma que la estructura de este coleccionable debería haber sido la misma que la del dedicado a la historia del cine y a las estrellas. Pero no es el caso. Eso no procede porque para empezar son secciones distintas de la revista, como eviden-

ACCIÓN

Por M.J.P.

cia el hecho de que este coleccionable se haya estado publicando simultáneamente con el coleccionable de estrellas, que es el que ocupa el espacio o la sección de la revista que previamente ocupó y se dedicó al coleccionable de historia. El coleccionable del western es en realidad el equivalente a los coleccionables de carteles dedicados a John Wayne y Alfred Hitchcock, y, por tanto, mantiene su mismo esquema. No es un cuadernillo. No es un fascículo. Tampoco le ha gustado que utilicemos el cartel original en su mayoría. Usted prefiere el cartel español por el poder de evocación. Bien, en ese aspecto hay que considerar que el original, menos visto, es interesante por sí mismo. Pero es que además se trata de ofrecer al lector carteles distintos de los habituales. Pensamos que muchos de esos carteles originales tienen interés porque permiten incluso hacer un estudio de carácter sociocultural sobre cómo cambian los títulos, caracteres y motivos del cartel en distintos países, culturas y mercados, que va más allá del poder de evocación nostálgica de la imagen. No es que no tengamos los españoles, es simplemente que nos parece más informativo y divulgativo ofrecerle a lector estas otras alternativas. El tema de la clasificación del material de cartelería es absolutamente personal de cada lector. Yo conozco lectores que por ejemplo han abierto una nueva sección en sus archivos donde solo coleccionan carteles originales y tienen otro archivo distinto para las versiones españolas. Paso su apunte sobre el tamaño de los pósteres a la dirección, pero ya anticipo que su propuesta de reducir el tamaño al de una doble página no coincide con el objetivo de esos pósteres, que justo por su tamaño más grande están suscitando el entusiasmo de muchos de nuestros lectores, que están empapelando sus habitaciones con ellos. Un póster más pequeño como el que propone no cumpliría esos objetivos. En todo caso, tomo nota de todas sus quejas y comentarios, y espero que podamos mejorar algunos de esos aspectos que destaca. Gracias por seguir leyendo y aún más por seguir coleccionando esta revista.

AARON NORRIS, ANTONIO FARGAS Y SOBREDOSIS DE ORO Fernando García López (correo electrónico). Aaron Norris no podría haber hecho la carrera que hizo su hermano Chuck, porque para empezar no tiene el mismo carisma y tampoco tiene su recorrido en el campo de las artes marciales, además de que no estuvo en aquel duelo mítico entre Bruce Lee y Chuck en el Coliseo de Roma para El furor del dragón. La carrera de una estrella se edifica sobre muchas cosas, y obviamente Aaron no ha tenido el mismo recorrido que su hermano más célebre. Hay múltiples casos de familiares de estrellas que no tienen el mismo carisma que sus parientes. Te pondré otro caso para que lo entiendas: el primo de Tom Cruise, William Mapother, que interpretó a Ethan Rom en la serie Perdidos, es un buen actor afincado en papeles de carácter, pero no ha alcanzado el estatus de estrella de su pariente. Antonio Juan Fargas, hijo de emigrantes de Puerto Rico y Trinidad, que nació en 1946 en Nueva York, apareció por primera vez en mi radar con su papel como confidente callejero simpático, Huggy Bear, en la serie Starsky y Hutch, pero luego me lo he tropezado en una variopinta serie de trabajos. Su primer trabajo ante las cámaras lo hizo en The Cool World, de 1963, y desde entonces fue una presencia imborrable en el cine de blaxploitation y de acción, apareciendo en Las noches rojas de Harlem, Pánico en la calle 110, Cleopatra Jones, Manos sucias sobre la ciudad, Foxy Brown, El jugador, La pequeña, Ojos de fuego, Ola de crímenes, ola de risas, Blue Jean

CORREO DEL LECTOR Cop, y la que tú citas, Sobredosis de oro, que es una divertida parodia del cine de blaxploitation cuyo presupuesto fue de tres millones de dólares. El director no pudo convencer a todos los astros de la blaxploitation que quería para su película, se negaron dos esenciales del asunto, Fred Williamson y Ron O’Neal. La idea y el título de la película surgieron de Eddie Murphy.

manía Jordi Brandia @JordiBrandia Frikismo nivel absoluto!

KRYPTON: LA SERIE Y SIMON BAKER Joaquín Marcos Fernández (Daganzo de Arriba, Madrid). Lo cierto es que la serie de Krypton es algo que en la redacción de esta revista nos resulta muy simpático, porque cuando se estrenó El Hombre de Acero el colega Usero y yo incluso hicimos un vídeo con una camiseta creada ex profeso por uno de nuestros insignes colaboradores en el departamento de vestuario en la que reclamábamos “secuela de Krypton” como lema de alguna producción audiovisual (puedes verlo en nuestra página web). Así que puede decirse que en eso nos hemos adelantado a la industria audiovisual estadounidense. No es que tengamos bola de cristal o capacidades psíquicas, se trataba simplemente de destacar lo mejor que tenía la primera película de Superman dirigida por Zack Snyder: Krypton. Ahora incluso está anunciado ya el reparto de personajes para la serie del planeta de que es originario el Hombre de Acero, y se sabe que esta será una precuela producida por Syfy con el título de Krypton. El argumento está ambientado generaciones antes de que el planeta quede destruido por la catástrofe que llevó a Kal-El al espacio camino de la Tierra. El pasado mes de mayo se dio luz verde al episodio piloto, cuyo argumento seguirá las vidas de dos prominentes familias de Krypton. Seg-El es el padre de Jor-El y por tanto el abuelo de Superman. La serie lo refleja cuando tiene veinte años, y es un viejo conocido de los coleccionistas de cómics del célebre superhéroe de la DC Comics porque apareció en el número 51 de la colección Starman, publicado en 1999 y que no por casualidad contaba con un guion coescrito por el que ahora es productor de la serie, David S. Goyer. La serie contará también con Ter-El, el padre de Seg-El, y Val-El, su abuelo, definido como el hombre que desafió a la muerte en la Zona Fantasma…. Así que, como vemos, se trata de remontarse a varios ancestros de Superman. Val-El es uno de los promotores de la idea de la exploración espacial que coherentemente será la responsable de la supervivencia de Kal-El, lo cual le otorga carácter de mito muy marcado a todo el argumento de la serie. El otro grupo familiar destacado en la línea argumental de la serie son los Zod. Lyta Zod y Alura Zod serán dos personajes fijos en la serie, así como otros antecedentes del general Zod. Dev-Em, otro personaje rescatado de las viñetas de Superman desde los años sesenta, que además fue propuesto como miembro de la legión de superhéroes estará también en la serie. Seg-El será el protagonista, metido en la cruzada de redimir el nombre de su familia en un momento en que esta ha caído en desgracia. La buena noticia es que el director del piloto y coproductor ejecutivo de la serie será Colm McCarthy, que viene de la interesante y muy recomendable serie Peaky Blinders. El puesto de showrunner lo ocupará Damian Kindler, de la serie Sleepy Hollow. En mi opinión, lo ideal para este producto sería que tuviera la capacidad para trabajar en clave de secuela con sorpresas y variables varias que tiene la serie Gotham en lo referido a la mitología de Batman, mezclada con la cualidad de crear un universo propio que tuvo en su momento la nueva versión de Galáctica, estrella de combate. Pero me temo que eso es ser muy optimista, así que me conformaría con que se quedará en un nivel de entretenimiento como el que aporta hoy la serie Legends of Tomorrow, y con eso ya me subiría al carro. En cuanto a Simon Baker, para 2017 tiene pendiente el estreno del largometraje Breath, que dirige, escribe y protagoniza, con Elizabeth Debicki como compañera de reparto. Es la adaptación de un best seller de Tom Winton ambientado en Australia en los años setenta en torno a las andanzas de dos jóvenes intrépidos ansiosos por descubrir el mundo que se cruzan con un enigmático aventurero veterano que les servirá como guía. Así que digamos que el hombre está bastante ocupado en este momento haciendo triplete de oficios en ese proyecto.

Podéis despejar vuestras dudas enviando una carta a: REVISTA ACCIÓN (Correo) C/ La Higuera, 2-2ºB, 28922 Alcorcón (Madrid) O bien por e-mail (asunto: correo) a: redaccion@accioncine.es Y también por WhatsApp: 672 015 018

Long live Heda. @alomi_monster En el próximo número, a parte de los pósters podríais incluir una pared, creo que la voy a necesitar :P

JavierArroniz @JavierArroniz Yo ya he elegido equipo!! #CapitanAmericaCivilWar #BandoCapi #bandocapitanamerica #BandoAccionCine Peter Snow @pedrooo_66 Gracias @AccionCine por todos estos pósteres y más q no salen en la foto.

Fran Bolarín @fbolarin13 Deadpool aprueba el número de este mes y no le falta razón. David Torvisco @DavidTorvisco93 Selfie para participar en el concurso de mis amigos de Acción Cine :)

Estibaliz Llano @stibalizsparrow Llegar a casa después de ver #CivilWar y que tu madre te haya comprado la revista @AccionCine no tiene precio jeje

Caos & Pandemonium @Pandemonium2187 Cuando empecé a comprar @AccionCine, @MiguelJuanPayan me dijo que la revista acabaría terraformando mi cuarto.

Why so serious? @ErDanieh15 Cuando no puedes dormir y le das vueltas a la habitación preguntándote, ¿dónde voy a colgar tantos póster de @AccionCine? Valar Morghulis @Fdc997 Cuando redecore mi habitación: -¿Y de qué color quieres pintar las paredes?-¿Para qué? No se van a ver con los posters de @AccionCine ;)

Angelsangui @Angelsangui La revista @AccionCine ha hecho más por las paredes de España que Ikea.

A C C I Ó N 87

VIDEOJUEGOS Por Jesús Usero

Lego Star Wars Episode VII Multiplataforma Una nueva entrega de la franquicia Lego llega a nuestras casas. Una saga de videojuegos que va de franquicia popular en franquicia popular, con un sistema de juego tan adictivo como sencillo, y que además en esta ocasión

Fahrenheit: Indigo Prophecy Remastered PC, PS4, Dispositivos móviles Once años han pasado desde que la primera aventura de Quantic Dream apareciese en ordenadores para dar un soplo de aire fresco a las aventuras gráficas con una historia tan memora-

ACCIÓN

intenta innovar en cierta medida para que los fans disfruten de un juego con el que los pequeños puedan sentirse cómodos en todos los sentidos, y con el que los más mayores tengan más de un motivo para jugar. La clave sigue siendo la misma. Si usted ha jugado a algún juego de Lego con anterioridad no le costará nada hacerse con los controles. Y si es nuevo, tampoco. Lo interesante es su sentido del humor, que arranca carcajadas continuamente, su aventura adictiva y ver el Episodio VII de JJ Abrams tras el prisma de esta franquicia. Eso nos llevará a repetir la aventura de la película, pero con algunos añadidos y alicientes realmente interesantes, como esos momentos de shooter con coberturas realmente divertidos, o el control de las naves y vehículos, mejorado y más preciso. Como siempre en estos juegos una de las claves es la rejugabilidad, que nos permitirá volver al juego una y otra vez para desbloquear sus muchos secretos y además completar sus misiones secundarias. La gente de Warner además ha conseguido las voces originales de la película, tanto en VOS como en versión doblada, lo que hace que la aventura sea todavía más apetecible para los puristas de la película. Quizá no tenga nada de espectacular, pero nos encanta…

ble como rocambolesca hacia su parte final y un sistema de juego completamente innovador en su momento que la compañía iría perfeccionando en posteriores juegos, como Heavy Rain o Beyond Two Souls. En aquel primer Farenheit el juego estaba desarrollado por Aspyr, pero todas las bases de lo que Quantic Dream ha venido mostrando en años posteriores ya estaban ahí para los fans. La clave era sencilla, se trataba de jugar una película. Ese era el concepto, tanto en la forma de narrar la historia, como en el guion o los personajes, la historia era una película, de ciencia ficción en este caso, en la que teníamos el control limitado del personaje, pero cuyas decisiones afectaban por completo el desarrollo de la trama (¿recuerdan aquel niño en el parque?). El resultado no fue un éxito arrollador de ventas, pero sí un juego que no dejó a nadie indiferente allá por 2005, y que once años después llega remasterizado para PC, PS4 y dispositivos Android e IOS, de tal forma que podremos revivir aquella mítica aventura descargándonos este juego y además podremos pasar de consola o PC a dispositivo móvil para continuar la aventura. Pese al remasterizado se nota que han pasado tantos años, pero sigue siendo un juego de culto que seguro disfrutarán mucho.

Teenage Mutant Ninja Turtles. Mutantes en Manhattan Multiplataforma Por supuesto el estreno en cines de la segunda entrega del reboot de las Tortugas ninja en la gran pantalla (Ninja Turtles: fuera de las sombras) iba a estar acompañado de la llegada de un nuevo videojuego relacionado con las populares tortugas y la ciudad de Nueva York que habitan. Y no es un juego ligado a la película, sino una producción independiente de la misma que aprovecha el estreno en cines para obtener un mayor tirón comercial. Algo perfectamente lícito, pero que en esta ocasión

Carmageddon: Max Damage PS4, Xbox One Cuando Carmageddon se estrenó hace ya la tira de años, la polémica que se generó a su alrededor hizo que el juego fuese vetado en muchas partes, atacado sin compasión y criticado continuamente por propios y extraños, gente que muchas veces no sabía nada del mundo del videojuego y que comentaba las violentas y salvajes conductas que proponía un juego que daba puntos al jugador por atropellar a gente por la calle, cuanto más salvaje el atropello, mejor (ya saben, las ancianas por ejemplo). Nadie creo que llegase a plantearse entonces no solo que se trataba simplemente de un

no termina de convencer. Hay algo en el juego (o varias cosas) que no encajan. Y no estamos hablando del aspecto técnico, que no es brillante, pero sí correcto. El juego luce como debe, sin alardes, pero sin tampoco desmerecer demasiado. Con una estética más cercana a la serie de animación reciente que a las películas, eso sí. Y tiene momentos más que interesantes, como las luchas con los jefes finales, o poder jugar en modo cooperativo con un amigo on-line y repartir cera de lo lindo. Ni siquiera le echo demasiado en cara que se repita el sistema de juego de oleada tras oleada de enemigos… Lo que le hace bajar puntos, para mí, es el hecho de que el juego parece diseñado para jugar en compañía, y si uno decide jugar en solitario, digamos que nuestro acompañante toma demasiado el control de la situación… Es entretenido, pero poco más…

juego (depende de quién lo juegue y de su carácter, el juego no provoca nada de por sí; ni este ni ninguno), sino además que Carmageddon se estaba convirtiendo así en uno de los juegos más cotizados y deseados por muchos, simplemente por la polémica. Ahora llega Max Damage, en el que de nuevo deberemos causar el mayor caos posible en diez escenarios abiertos con una enorme variedad de coches, algunos realmente hilarantes, y con elementos que, evidentemente, no son para niños. Es salvaje, sangriento y muy divertido, aunque su mecánica puede cansar tras unas horas de juego. Pero atropellar gente ha sido pocas veces tan divertido e inofensivo. El juego tampoco viene a innovar nada, en ningún aspecto, pero acaba siendo una aventura tan honesta como cafre para los fans de los juegos de conducción. Tampoco hay que buscarle más misterio, ni más polémicas…

w w w . b o o m e r a n g l i v e . c o m

Sharknado 4 Fiel a su cita todos los veranos desde hace ya cuatro años, nos llega la cuarta entrega de una de las sagas más divertidas, salvajes, satíricas y sin sentido que se han visto en mucho tiempo. Y todo ello son halagos, créanme.

El próximo 1 de agosto, solo unas horas después del estreno en Estados Unidos de la película Sharknado, que la 4ª te acompañe, Syfy hace disponible en las plataformas de VOD la misma en nuestro país, con su lanzamiento en el lineal el viernes 5 de agosto a las 22 horas. Hay pocos eventos que esperemos ya tanto como la presentación de la nueva entrega de Sharknado, una saga que ha ido creciendo y mejorando con el paso del tiempo debido justo al empeño de sus responsables de hacerla cada vez peor, y hacerlo así con mucha sorna y sabiendo perfectamente lo que se hacen. Pongamos un ejemplo. El pasado año, cuando llegó la tercera entrega, tuvimos también, pero en cines, la llegada de películas como Jurassic World o San Andrés , éxitos de taquilla y muy queridas por el público, cuyos guiones también caían en el tópico y en ciertas lagunas incomprensibles. Y poco después con la llegada de Sharknado 3, sus guionistas mostraban estar un paso por delante de aquellos, cayendo en los mismos tópicos y las mismas estupideces, pero con una gran diferencia. Lo hicieron a posta, lo hicieron con conocimiento de causa y refocilándose en la estupidez de esos errores. Buscando la carcajada cómplice de un público entregado a una saga que desde su primera película ha buscado ser la peor película posible. No, no es un insulto, ni mucho menos. Es lo que sus responsables quieren. Lo que han pretendido desde el primer día. Lo que han buscado con ahínco. Dar la vuelta completa y, de tan malos que son (y haciéndolo adrede, claro) convertirse en brillantes. El público por supuesto entra en ese juego y conoce el carácter paródico de la película. Sabe de sus interpretaciones lamentables, de sus diálogos imposibles, de sus giros de guion totalmente ridículos, de sus cameos peculiares (el pasado año el de George R. R. Martin fue

simplemente sensacional…) y de la completa absurdez, generando aún más carcajadas, del supuesto que plantea. Si un tornado lleno de tiburones parecía totalmente imposible en la primera entrega, imagínense cuando vamos ya por el cuarto… En esta ocasión han pasado cinco años desde que Finn (Ian Ziering) tuviese que viajar al espacio para acabar con la amenaza de los tiburones (sí, al espacio: no, no es broma; bueno, sí lo es, pero dentro de la película, no), y la familia vive tranquila y apacible hasta que un nuevo tornado lleno de tiburones amenaza Las Vegas…. Y Finn tendrá que enfundarse la motosierra otra vez. La anterior película terminó en un cliffhanger que nos dejaba sin saber el destino de April (Tara Reid), y Syfy, como hizo DC en los ochenta en el cómic de Batman con Robin, lanzó una campaña en redes sociales para que los espectadores decidieran el destino del personaje, si vivía o moría. En el último teaser de la película ya nos daban esa respuesta, pero lo han hecho con su habitual sentido del humor y tono satírico… Además en esta entrega se unen nombres como Gary Busey, Alexandra Paul, Gena Lee Nolin o Steve Guttenberg, además de algún cameo que seguro tienen preparado como sorpresa y que hará las delicias de la audiencia. Yo espero que un día se sume a esta fantástica parodia una gran estrella de Hollywood con ganas de reírse de sí misma… Mientras, nos quedamos con esta cuarta entrega que desde el título al póster, parodia Star Wars: The Force Awakens (el título original es Sharknado: The 4th Awakens …). Mucho sentido del humor, mucha sangre, mucha desvergüenza, tiburones y un tornado. ¿Alguien da más?

Jesús Usero

SERIES TV A C C I Ó N 89

ENTREVISTA

KateMulgrew Es una leyenda de la televisión por derecho propio, porque fue la primera capitana protagonista en Star Trek cuando se creía que no era posible, algo que lleva con orgullo y que usa para despedirse de nosotros (el mítico saludo vulcaniano). Y además de ser una gran actriz, es una persona brillante e inteligente con muchas cosas interesantes que decir sobre su serie, la aclamada Orange Is the New Black, sobre la televisión actual y sobre su personaje. Y todo ello en esta entrevista en exclusiva con ACCIÓN. Una de las mejores experiencias que hemos tenido, os lo garantizo. Orange Is the New Black está cambiando la forma en que las cadenas ven las series protagonizadas por mujeres. Está rompiendo muchas barreras. Pero usted ya lo hizo también en Star Trek: Voyager . ¿Cree que la televisión es la clave para romper esas barreras? Sí, nadie pensaba que una mujer pudiese sentarse en la silla de capitán. Y lo sabía. Sabía que estaba a la vanguardia. La televisión es clave para esos cambios. Y seguirá cambiando, seguirán igualándose las cosas porque por fin se entiende que el territorio de igualdad es el mejor territorio. Parece que en televisión hay más papeles interesantes para mujeres. ¿Por qué cree que es así? Por el dinero, obviamente. Déjame explicarlo, y tengo que tener cuidado a la hora de hacerlo para que se entienda bien. Son principalmente los hombres los que compran las entradas para ir al cine. Llevan a su mujer o a su novia al cine, ellos compran la entrada y eligen. Y quieren ver a un héroe. Así funciona la mayoría, es lo que quiere ver. La mujer está cada vez más en el mercado laboral, no de forma igualitaria todavía, pero todo se andará. Y queremos ver a mujeres cada vez más, y llegaremos a ese punto en el cine, es una cuestión de tiempo. Y en televisión, que es cuando la gente se reúne en el salón alrededor de la tele, tiene que ser una decisión colectiva. Sigue existiendo la forma tradicional de hacer series, y luego está la forma en que las hace Netflix, sobre todo una serie tan especial como Orange Is the New Black. ¿Qué cree que aporta Netflix? Control. Tú controlas lo que quieres ver, cuándo lo quieres ver y cómo lo quieres ver. Si quieres ver una serie de noche durante tres días, puedes hacerlo. Lo que Netflix está diciendo es que cree que el espectador tiene la sofisticación y madurez necesarias para elegir su forma de ver la televisión. Es una forma de decirle al espectador que confían en que él sabe lo que le gusta y quiere ver. Y Netflix también está a la vanguardia en esto. Y, además, Netflix da completo control creativo a los responsables de la serie, en nuestro caso a Jenji Kohan. Creen en ella tanto que simplemente le dicen que mientras ella escriba la serie, ellos le proporcionarán las herramientas que necesite. Eso es lo que la hace diferente. Y ahora que han pasado tres temporadas y llega la cuarta, ¿adónde se dirige Orange Is the New Black? Bueno, Jenji Kohan va a tomar cada pieza, cada tema cultural y sociopolítico de la realidad y lo va a introducir dentro del tema de la encarcelación femenina. Lo va a sacar a relucir, lo va a llevar al público a través de estos personajes. Es absolutamente brillante. Muchas veces, viendo la serie, da la sensación de que es un microverso, donde los temas de la sociedad actual se filtran. Sí, es cierto, es una placa de Petri, así la llamaría yo, una placa de Petri. También coge cualquier tema que sea pertinente de la sociedad actual y lo lleva a la ficción, pero lo hace con sutileza, o no, pero lo hace con tanto coraje, y con una audacia tan impresionante, que simplemente te dejas llevar. Quiero decir que la gente está preparada para esto, llevamos demasiado tiempo viendo la otra forma de pensar. A veces hace falta una sola persona que dé el primer paso.

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¿Qué nos puede contar de su personaje? ¿Hacia dónde se dirige? No sé hacia dónde se dirige. No tengo ni idea… Sé que, tarde o temprano, tendrá que ser liberada de prisión, pero incluso eso, no sé si es real o no. Pero sí que me gustaría que viésemos más de su pasado y que aprendiésemos más de lo que pasó. Su personaje a veces es la mala, a veces es la madre… Bueno, no sé si es la mala… Es la más dura de todas… Es la superviviente. Y hay un motivo por el que ha sobrevivido, porque se consuela a sí misma. No hablo con las demás, no las escucho. Solo cuando las quiero las escucho. En cualquier otro caso, yo me consuelo a mí misma y guardo mis pensamientos para mí. Dice que no sabe nada del futuro de su personaje, uno de los más queridos, pero ¿qué le gustaría? ¿Qué camino le gustaría que tomase? No, no sé nada y es mejor que no lo sepa. Pero te contaré lo que me gustaría ver, lo que antes comentábamos del pasado, de su historia. Me gustaría que viésemos el porqué. Por qué está en la cárcel, el crimen que cometió. Porque creo que algunas de las decisiones que tomó fueron parte de su naturaleza épica, y sé cuáles fueron algunas de ellas, pero no sé por qué las tomó. Quiero volver atrás y verlas. ¿No cree que eso podría acabar con el misterio que rodea al personaje? Quizá, tienes razón. Pero puedes tener pequeños momentos. Me gustaría tener más pequeños momentos de su pasado, quizá no todo al completo. No es la primera vez que trabaja con Taylor Schilling. En Mercy interpretaba a su madre. Bueno, somos actrices, eso no nos perjudica. Ayuda mucho haber trabajado antes con ella. La amistad ayuda mucho. Es muy bueno llegar a un set de rodaje y tener ya una amiga allí para empezar. De otro modo te toca conocer a todo el mundo uno a uno y empezar despacio. Pero aquí la tenía a ella, que es la protagonista, y es genial. Ya tienes algo con lo que comenzar a trabajar. Y siento un cariño profundo y genuino por ella. Creo que es una actriz maravillosa. La relación entre sus personajes parece poco a poco ir encaminada a una relación madre/hija, pero por ahora de forma muy sutil… Está ahí, pero a la que sabes que mi personaje quiere es Nicky Nichols (Natasha Lyonne). Red tiene que ir muy despacio, porque cuando quiere a alguien lo hace profundamente, no hay vuelta atrás. Red lo da todo. Así que por eso va con calma con Piper (Taylor Schilling). ¿Qué nos puede contar en concreto de la cuarta temporada? Si es que puede contar algo… Lo he dicho de las temporadas anteriores, pero lo digo porque lo pienso. Hasta yo he quedado asombrada con lo que Jenji Kohan ha hecho en la cuarta temporada. Vamos a ver un tema que es pertinente y está vivo en la actualidad y lo va a introducir en la prisión. De la forma más inesperada y efectiva. La superpoblación en una institución privatizada. Jesús Usero

Peaky Blinders Peaky Blinders se ha convertido sin lugar a dudas en una de las series del momento, aunque por desgracia no la conozca tanta gente como debería. Pero gracias a Netflix la serie ha llegado a nuestro país, donde ya disfrutamos de las dos primeras temporadas de esta maravilla, y en breve, seguramente, llegue la tercera, que acaba de emitirse en Reino Unido y que mantiene el nivel de las dos anterior es. Una producción sobre una familia criminal, con un reparto sensacional y escrita por uno de los guionistas más interesantes del momento, el brillante Steven Knight. Si tienen que elegir una serie para ver en 2016, que sea Peaky Blinders. ara empezar, aclaremos que no hay que confundir a Steven Knight, creador y responsable de esta serie maravillosa, con Steven S. De Knight, creador de Spartacus y guionista de Daredevil en su primera temporada, donde también fue showrunner. Aclarado el lío de los nombres, podemos entrar en faena con Peaky Blinders, la serie que muchos consideran la mejor que se emite en estos momentos en televisión. ¿Es cierto o han exagerado sus fans? Bueno… si no es cierto se le acerca mucho. Si tuviera que elegir tres series de 2016 como las mejores, por ahora la triple corona estaría entre House of Cards y su cuarta temporada, Juego de tronos y su sexto año, y la tercera temporada de Peaky Blinders, una serie que, cuando comenzó a emitirse en Reino Unido, muchos tuvimos que adquirir en formato doméstico porque parecía que nunca llegaría a nuestro país, pese a su temática y espectacular reparto. Pero cuando pensábamos que todo estaba perdido, Netflix trajo la serie, sus dos primeras temporadas, y ahora que la tercera ya está completada, no creo que tarde en aparecer también en nuestro país a través del famoso proveedor de servicios on-line. Y es el momento perfecto para hacer un recuento de todo lo que nos hemos encontrado, sus mejores momentos y los motivos para verla, que no son pocos. Entendemos además que quien se acerque a este artículo puede no haber visto la serie, así que esquivando spoilers, intentaremos darle motivos más que de sobra para meterse a fondo con este producto británico cuyas temporadas solo tienen seis episodios, que se ha convertido en serie de referencia en todo el mundo, superando a otras con mucho más presupuesto y audiencia, a través de un trabajo de guion impecable, para empezar. Peaky Blinders puede ser, perfectamente, la mejor escrita del momento. Sus temporadas cortas hacen que Steven Knight tenga un mayor control de los guiones y pueda escribirlos todos, o casi todos, sin estirar demasiado la idea, sin alargar las tramas, sin convertir la serie en un largo deambular de personajes que se contemplan, pero no hacen nada. Todo está aprovechado al milímetro, desde la historia a los diálogos, o los giros de guion que suelen dejar al espectador sin palabras… Tiene millones de cosas buenas, pero si Peaky Blinders realmente destaca entre todas las demás es porque tiene una gran historia que contar, grandes personajes y además sabe hacerlo. La clave siempre es el guion.

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La historia nos muestra desde el inicio a una familia criminal de Birmingham, un clan de origen gitano llamado los Shelby, compuesto por tres hermanos, una hermana y su tía. Son gente violenta y muchas veces impredecible, que controla una parte de la ciudad proporcionando protección a los clubes, aunque pretende ampliar su territorio y llegar a las carreras de caballos amañadas… El líder de la familia es el hermano mediano, Tommy Shelby (Cillian Murphy), regresado de la Primera Guerra Mundial (la trama comienza en 1919) de la que ha vuelto con algún que otro trauma, como muchos otros soldados, pero con la idea clara de llevar a su familia a lo más alto. El hermano mayor es Arthur (Paul Anderson), un tipo bebedor y con pocas luces que sigue a Tommy pese a los conflictos que tiene. El pequeño es el violento John (Joe Cole) y la hermana es Ada (Sophie Rundle). Junto a ellos, la tía Polly (Helen McCrory), una mujer que se hizo cargo del negocio familiar mientras los hombres estaban en la guerra. Más capaz que muchos de ellos. El ascenso de los Peaky Blinders al poder es el núcleo de la trama durante las tres temporadas, además de las relaciones familiares y personales entre los miembros del clan. Un clan que recibe su nombre, para que se hagan cargo de cómo las gastan los angelitos, de las gorras con cuchillas de afeitar escondidas en el forro que utilizaban en las peleas. Un elemento del que la serie se aprovecha perfectamente. También de los personajes ajenos a los Peaky Blinders que sirven de antagonistas principales, como Sam Neill dando vida a Chester Campbell, Tom Hardy como Alfie Solomons o Paddy Considine como el padre John Hughes. Entre cada temporada pasan más o menos dos años, con la segunda iniciándose en 1921 y acabando en 1922, y la tercera en 1924. OJO SPOILER.. [La serie ve crecer al clan a lo largo de esos años, pero también desgarrarse como familia. Sobre todo a través de Tommy con su romance con Grace (Annabelle Wallis), primero agente infiltrada contra los Shelby cuando empieza la serie, futura esposa del protagonista, asesinada vilmente en la tercera por un miembro de un clan italiano que quería matar a Tommy. La serie ve a los muchachos abandonar su Birmingham natal buscando pastos mejores, a Polly encontrarse con sus hijos perdidos, viendo morir a su hija, pero sobrevivir a su hijo Michael (Finn Cole) que quiere formar parte de los negocios y acaba encargándose de la parte legal, porque los Shelby también buscan establecerse como una empresa legítima y dejar el crimen (poco saben ellos cómo se van a desarrollar los hechos a lo largo de los años). Hay parte política, como el tema de Campbell enfrentándose al IRA antes de llegar a Birmingham, la guerra, la lucha de poder en el Gobierno británico (Churchill es un personaje secundario las dos primeras temporadas y una sombra durante el tercer año), o la Revolución rusa en la tercera temporada, la más dolorosa para los Peaky Blinders, con la llegada del padre Hughes, con lo que pierde la familia y con sus tratos con los rusos a ambos lados de la Revolución. Sobre todo la duquesa Tatiana Petrovna (Gaite Jansen), con la que Tommy desarrollará una curiosa relación a la muerte de Grace. Sin olvidarnos de Alexander Siddig que da vida a un pintor obsesionado con hacer un retrato de Polly… Y por supuesto el regreso de Tom Hardy a la serie con su imprevisible personaje… El final de la temporada no dejará las cosas precisamente bien para los Peaky Blinders, con la familia arrestada y casi rota, con un Tommy que ha perdido a los suyos, que no puede lidiar con la intención de marcharse de Arthur y su esposa, por ejemplo…] FIN SPOILER.. En serio, si no han visto nunca Peaky Blinders, están tardando mucho en hacerlo. El tono, la época y el género la acercan a Boardwalk Empire, la serie de Martin Scorsese, pero esta es mejor. Personajes complejos, torturados, perfectamente definidos y siempre creciendo. Carismáticos gracias a sus actores y a los diálogos, lo que hace que la línea entre buenos y malos sea cada vez más borrosa. Por ejemplo, los personajes femeninos, pilares en los que se asientan los “líderes” del clan, que muchas veces no son más que niños jugando a ser mayores sin tener en cuenta las consecuencias. La serie ha sido renovada por dos temporadas más al menos, y yo no puedo esperar a verlas. Disfrutar de la complejidad de las tramas, de su amargura y nihilismo en muchas ocasiones. De su carácter. ¿La mejor serie del momento? Si no lo es todavía, se le acerca bastante… Jesús Usero

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Robert Kirkman es un nombre ya más que conocido entre los fans de las series de televisión. Es el padre del cómic en el que se basa una de las series de televisión más populares del momento, The Walking Dead , así que su siguiente proyecto iba a ser seguido por muchos fans de aquella serie encantados de seguir explorando las historias de terror que Kirkman pueda generar. Así nos llega Outcast , serie que en España emite Fox y que cambia los muertos vivientes por exorcismos y la eterna lucha entre el bien y el mal. Demonios, posesiones y un oscur o pasado en una serie que seguro dará que hablar… 94

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unque en esta ocasión Kirkman no ha usado intermediarios. El guionista de cómics ha cogido su propio tebeo y lo ha adaptado a la pequeña pantalla él solo. No es que en The Walking Dead o su spin off Fear the Walking Dead, el escritor haya puesto su nombre y cobrado su cheque para desaparecer, ni mucho menos. Tiene una presencia como productor ejecutivo y cierto peso creativo en la serie, pero sigue siendo un proyecto llevado a televisión por otros, y no por él mismo… Y aquí no. En este caso ha cogido su propio cómic y lo ha adaptado él mismo para una serie que en Estados Unidos emite Cinemax pero que en España ha sido Fox quien nos ha traído, primero con el piloto a través de Facebook Live, una idea pionera, y más tarde estrenando la serie a partir del pasado 6 de junio, apenas tres días después de su emisión en Estados Unidos. Se nota que el proyecto tiene mucho tirón, hasta el punto de que antes de que la primera temporada haya llegado a su fin, la serie ha sido renovada para un segundo año, previsiblemente con otros diez episodios llenos de terror y drama familiar. El drama de un hombre intentando buscar respuestas que le han sido esquivas toda su vida, pero que a su regreso a su pequeño pueblo natal puede empezar a encontrar. Puede, solo, porque no será fácil obtenerlas. Porque detrás de cada clave tendrá que enfrentarse a un demonio, real o personal. Y a una duda enorme que explicaría todo a lo que ha tenido que enfrentarse en su vida, que no es poco. Robert Kirkman, como podemos imaginar, no ha abandonado el género de terror, pero se ha ido a otro de los subgéneros, uno que ahora mismo está funcionando muy bien en cines gracias a Expediente Warren, El caso Enfield, y que sigue siendo una de las variantes más interesantes del terror, de las más serias si se trata de forma adecuada. Por ahora Outcast nos está dando una de cal y una de arena al respecto, con un soberbio piloto y una trama que poco a poco empieza a desplegar las piezas en el tablero, pero que a veces resulta algo derivativa. Homenajes, sustos moderados y una sensación de que hay un mal ancestral que acosa al protagonista continuamente… Una serie con enorme potencial y elementos realmente inquietantes. Terror de buena calidad. La historia está basada, como ya se ha comentado, en el cómic del mismo título escrito por Robert Kirkman y dibujado por Paul Azaceta,

cular (y con homenaje a Expediente X incluido), al que su hermana Megan (Wrenn Schmidt) consigue a duras penas llevar a comprar y tratar de que socialice un poco. Pero el pasado, imágenes de felicidad a veces, le perturba, lo que le ha llevado a regresar a esa casa donde vive, pese a los recuerdos. El hogar de su infancia. Mientras el reverendo Anderson (Philip Glenister), busca liberar al pequeño niño del demonio que lo habita, al parecer. Algo que hará que los caminos de Anderson y Kyle se crucen. Sobre todo debido a la experiencia de Kyle, a su pasado y a lo que ha vivido, que le ha llevado a su situación actual, abandonado a su suerte, sin esperanza, con recuerdos que le atormentan a los que no puede dar sentido, con sus propios demonios torturándole por lo que hizo, lo que tuvo que hacer… Quizá sea esta su oportunidad para saldar cuentas y para redimirse, además de encontrar las respuestas que busca… OJO SPOILER. [La clave está en que Kyle fue torturado por su madre continuamente, lo que para todos fue un caso de abuso infantil. O al menos para la mayoría. Porque Kyle siempre ha dudado si su madre estaba realmente poseída o no. La llegada del reverendo Anderson y el tener que enfrentarse al pequeño niño, le mostrarán que en realidad su madre estaba poseída (no puedo recalcar lo suficiente el mal cuerpo que nos ponen ciertas escenas como la de la cucaracha y el dedo…) y parece que para liberar a los poseídos, la presencia de Kyle es imprescindible. Su sangre, sus lágrimas les dañan, mientras los demonios, su madre y el pequeño niño, intentaron… ¿robarle el alma? Algo así… En todo ese caos, el mal tiene un interés especial por Kyle, en previsión de algo que va a suceder y que nadie puede evitar, de lo que el protagonista es parte fundamental. Ahí descubriremos que la mujer de Kyle también estuvo poseída, lo que llevó a que el protagonista la golpease, siendo acusado de abusar de su esposa y su hija, a la que también golpeó brutalmente. Ese es el mayor demonio de Kyle, saber que atacó a los que más quería. Aunque ahora sabe que no fue casualidad, ni locura… Son posesiones reales a las que se ha enfrentado sin saberlo toda su vida… Y eso sin saber que alguien, Sidney (Brent Spiner) mueve los hilos. En su aparición y charla con la madre catatónica de Kyle, des-

Megan Holter (Wrenn Schmidt) es la hermana de Kyle Barnes (Patrick Fugit) es el protagonista de la El reverendo Anderson (Philip Glenister) es un Kyle, que intenta sacar a su hermano del torhistoria, un hombre atormentado, que no termina de El jefe de policía Giles (Reg E. Cathey), un hombre que hombre con una misión, embarcado en una mento al que se somete continuamente y está creer en las posesiones pero podría tener la clave conoce perfectamente al reverendo y su misión, y al cruzada que le hace ser objeto de burla por en deuda con él desde la infancia. para acabar con ellas. que intenta ayudar en la medida de lo posible. parte del pueblo, hasta el regreso de Kyle.

editado por Image Comics y que salió al mercado en junio de 2014. Curiosamente, antes de que el primer número llegase a las estanterías, Kirkman ya había llegado a un acuerdo con Cinemax para llevar la serie a la televisión. Y, curiosamente también y al contrario que con The Walking Dead, el autor ha comentado que es la primera vez que escribe un cómic sabiendo cuál va a ser el final, la meta a la que va a llegar. Teniendo claro cómo y cuándo termina la historia… Imagino que lo mismo se puede aplicar a la serie, que no seguiría eternamente, en relación a su éxito, sino que tiene fecha límite… Una fecha que desconocemos, por supuesto, más aún ahora que ha sido renovada. Pero hay una historia muy interesante en la que indagar en Outcast (título que hace referencia al protagonista, un marginado debido a… muchas cosas). La serie se abre con una de las escenas más perturbadoras que hemos visto en años. Un niño, Joshua, observa una cucaracha enorme en la pared… Y no contamos más de la escena porque merece la pena que se sorprendan ustedes mismos… y que la disfruten. A partir de ese momento pasamos a conocer a nuestro protagonista, Kyle Barnes (Patrick Fugit) que vive en una casa, rodeado por un desorden especta-

cubrimos que, quizá, nuestro protagonista haya perdido la guerra antes de empezarla…] FIN SPOILER. La serie empieza muy fuerte pero en ciertos momentos se diluye, hasta que el terror se desata. Un terror no basado en sustos, sino en situaciones espeluznantes, en momentos de tensión, en imágenes perturbadoras (todo lo relacionado con la madre… momentos en los que, como apunta mi compañero Miguel Juan Payán, nunca sale su hermana…). En la relación de Kyle con su hermana (¿de qué la salvó realmente, como dice ella?) o con su cuñado (David Denman, siempre sospechando y temiendo por su hija cuando está cerca de Kyle). O ese jefe de policía (Reg E. Cathey) que sabe mucho más de lo que parece, en un pueblo que se debate entre los que se ríen del reverendo Anderson y los que creen que algo oscuro puede acabar con ellos… Y también estamos pendientes del extraño personaje de Scott Porter, porque aquí todos tienen secretos. Lo dicho, hay potencial para una gran serie de terror, pero necesitan dejarla crecer y no enroscarse tanto en la relación con la hermana (a veces repetitiva), por ejemplo. De momento, nosotros no le quitamos ojo a Outcast… Juan L. Pastor

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Actualidad Tv Netflix prepara un remake de Perdidos en el espacio. Netflix sigue expandiéndose, creciendo y creando contenido original, cada vez en mayor cantidad, lo que llevó a la empresa a empezar a trabajar en un remake de la serie de televisión Perdidos en el espacio en noviembre del pasado año. Ahora finalmente el proyecto ha recibido luz verde y se pone en marcha, con una serie de televisión de diez episodios que será estrenada en 2018. La producción, que seguirá de nuevo a la familia Robinson en su viaje por el espacio profundo en busca del camino a casa, está siendo escrita por Matt Sazama y Burk Sharpless, responsables de Dioses de Egipto, entre otros guiones. No sé si eso es bueno o malo para la serie…

¿Podría volver Matthew McConaughey a True Detective? Pues parece que el actor lo ha pensado largo y tendido y dice echar mucho de menos al personaje de Rusty Cohle, uno de los dos protagonistas de la primera temporada al que él dio vida. Al parecer, el actor asegura que ha hablado con el creador de la serie, Nic Pizzolatto sobre esa posibilidad y asegura que si el contexto es el adecuado, volvería encantado a la serie. Podía ser lo que hacía falta para que la serie volviese, tras una segunda temporada bastante criticada, que hizo circular rumores sobre la falta de interés de su creador por regresar a la misma. Pero ahora McConaughey asegura que ambos han hablado del tema… Y, la verdad, una nueva temporada con el actor sería un movimiento inteligente.

El Motorista Fantasma podría aparecer en Agentes de Shield. Parece ser que otro de los personajes Marvel, cuyos derechos recuperó la compañía hace tiempo, como Daredevil o Blade, podría aparecer en una de las series producidas por la empresa, en este caso Agentes de Shield. La noticia saltó tras un anuncio en un tren, de la serie de televisión, que venía adornado por una cadena en llamas, tan típica del personaje. Al parecer también podría pertenecer a uno de los nuevos personajes, Hellfire, pero si nos fijamos en la descripción de los nuevos personajes de la temporada, uno es muy cercano a una de las encarnaciones de El Motorista Fantasma, pero no la versión original de Johnny Blaze interpretada en cine por Nicolas Cage, sino la de Robbie Reyes, que apareció por primera vez en 2014. Veremos si termina de confirmarse o queda en mero rumor.

JJ Abrams prepara serie sobre los últimos días de Michael Jackson. No parece un tema muy cercano a Star Wars o Star Trek, pero parece que Abrams ya tiene su nuevo proyecto televisivo preparado y no tiene relación con la ciencia ficción, la fantasía o la acción, como nos tiene acostumbrados. Se trata de una serie a modo de biopic basada en el libro de Tavis Smiley, Before You Judge Me, que acaba de salir a la venta y que se centra en los exhaustivos ensayos y la espiral de drogas en la que cayó el cantante para su gira, This is It, lo que acabó finalmente con su vida. Smiley será productor ejecutivo de la serie con Abrams, mientras Warner producirá junto a Bad Robot. La serie no tiene cadena ni equipo creativo ligados a ella todavía.

Freida Pinto estará en la nueva serie de Idris Elba, Guerrilla.

Tom Felton se suma al reparto de Flash en su tercera temporada. El actor, conocido por todos por haber interpretado a Draco Malfoy

Una miniserie de la que ya os hemos hablado recientemente en estas mismas páginas y que tendrá a Idris Elba como productor y en un papel recurrente, mientras que el guion corre a cargo de John Ridley, autor de Doce años de esclavitud , para contar la historia de dos activistas políticos que acaban convertidos en militantes radicales. Y ahora conocemos por fin a otro miembro del reparto, la bellísima actriz Freida Pinto ( Slumdog Millionaire ), quien dará vida a una joven miembro de una célula radical, que ayuda a un preso político a escapar de prisión. La serie tendrá seis episodios.

en la saga Harry Potter y al que hemos visto en series como Labyrinth o Asesinato en primer grado, se pasa al mundo de los superhéroes en un papel recurrente durante la tercera temporada de la serie de The CW, Flash. Será uno de los villanos de la temporada (si es que se le puede llamar así) y dará vida a Julian Dorn, un investigador de la policía y compañero de Barry Allen, que tiene serias sospechas sobre Flash y Barry, y no solo sobre su doble identidad… Recordemos además que la serie regresará con la trama de Flashpoint, lo que llevará a cambios serios en la historia y los personajes…

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Taylor Lautner se suma al reparto de Scream Queens. Su salto a la fama con la saga Crepúsculo no fue del todo un salto al estrellato para Taylor Lautner, cuyos proyectos en solitario no consiguieron la atención de la taquilla, y al que hemos visto por ejemplo en Los seis ridículos, la película de Adam Sandler para Netflix. El actor ahora se pasa a la serie Scream Queens, la bizarra propuesta cómica/sangrienta de Ryan Murphy que volverá a contar con Emma Roberts de protagonista, acompañada de John Stamos y Jamie Lee Curtis. La temporada se centra en un hospital psiquiátrico en el que un asesino empieza a matar a gente con problemas realmente extraños. Lautner dará vida a un doctor del hospital que padece una extraña enfermedad mental, lo que le hace candidato perfecto para ser víctima del asesino. Al actor ya le vimos en televisión en la serie Cuckoo, sustituyendo a Adam Samberg, de la BBC Three, a la que regresará para rodar dos temporadas más. Mallrats 2 será finalmente una serie de televisión y no una película. Hace poco más o menos un año, el director y guionista Kevin Smith anunció que regresaba a su particular universo de Nueva Jersey con Mallrats 2, que preparaba junto a Clerks 3. Incluso empezó a comentar en redes sociales cuántos actores regresarían para la secuela 20 años después, incluyendo a Jason Lee, Shannen Doherty, Claire Forlani, Renée Humphrey, Stan Lee, Michael Rooker o Jeremy London. Al parecer, problemas con la financiación y las licencias llevaron a un retraso la película, de la que Smith tenía escrito un guion de 113 páginas, pero ahora acaba de anunciar que el acuerdo con Universal está cercano para crear Mallrats, the Series, que tendrá diez episodios y está planeada como una serie evento.

Nuevos fichajes para la tercera temporada de Gotham. Y ambos tienen que ver con Batman de forma bastante directa, más que con el universo de James Gordon, otro de los protagonistas de la serie. Por un lado tendremos a una Hiedra Venenosa adulta, papel que dejará de estar interpretado por Clare Foley y pasará a ser para Maggie Geha, y para saber por qué es adulta en esta nueva temporada, evitando spoilers, habrá que ver la serie… Además, el personaje desarrollará un interés particular por Bruce Wayne. Mientras, Jamie Chung también se suma a la serie como Valerie Vale, periodista y tía de Vicky Vale, personaje muy importante en el futuro romántico de Bruce Wayne.

Lynda Carter estará en la segunda temporada de Supergirl y ya tenemos Superman. No lo ha tenido fácil la serie creada por Greg Berlanti en torno a la superheroína prima de Superman, con su cambio de cadena de CBS a The CW, su recorte en el presupuesto (que hizo plantearse si todos los personajes originales regresarían a la serie) y con un destino todavía incierto. Pero para animar las cosas, la producción amplía su reparto con dos personajes recurrentes. Por un lado, Lynda Carter, la Wonder Woman de la serie original de los setenta, será la presidenta de Estados Unidos en la nueva temporada, una nueva temporada que, como ya contamos, contará con Superman al menos en sus dos primeros episodios, y que estará interpretado por un actor muy querido por los fans de Teen Wolf, Tyler Hoechlin.

Steven Soderbergh prepara serie de western para Netflix con un gran reparto. Concebida como una miniserie en principio, Godless se presenta como una de las apuestas más interesantes del futuro cercano, por muchos motivos. Recupera un género algo olvidado como el western, que nunca debió pasar a segundo plano, tiene un reparto excelente, y además cuenta con Soderbergh como productor y director del piloto. Y ya hemos visto lo que puede conseguir este hombre en series como The Knick. La serie contará la historia de una banda liderada por Jeff Daniels, de la que huye uno de sus miembros, Jack O’Connell, que les ha robado todo su dinero, y que acabará en una ciudad minera en el oeste donde el sheriff es Thomas Brodie-Sangster. Estará escrita por Scott Frank, responsable de los guiones de Assassin’s Creed o Lobezno inmortal. Ya hay ganas de verla, aunque no tiene fecha de estreno todavía.

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