Revista darrel by jorge luis flores chacon

DARREL

MAGAZINE

TRIVIUM

KORN

KNOTFEST LAMB OF GOD 1

4 -Trivium 6 -deatHstars 7 -the pretty reckless 8 -suicide silence 9 -HOLLYWOOD UNDEAD 10 -KNOTFEST 12- FIVE FINGER DEAD PUNCH 13 -KORN 14- ARCH ENEMY 18- LAMB OF GOD 19- MOTIONLESS IN WHITE 20 -DISTURBED 21- ITM 22 -BULLET FOR MY VALENTINE 24 -RAMMSTEIN 27-SLAYER

Desatando el silencio en la nieve Trivium lanzará su nuevo álbum, “silence in the snow”, el 2 de octubre a través de Roadrunner. El seguimiento de 2013 “Vengeance Falls” fue producido por Michael “Elvis” Baskette (SLASH, ALTER BRIDGE, la aflicción AMITY) y se mezcló por Josh Wilbur (GOJIRAlaamb of god). El álbum es anunciado además por su primer video musical oficial; el “silence in the snow”, que se puede ver en el canal de youtube.

Conocida desde hace tiempo como uno de los actos en vivo más potentes del metal moderno, Trivium celebrará “silence in the snow con un calendario de todo el mundo épico de relieve por el próximo 2015 de HardDrive Live Tour. Las fechas - que ver TRIVIUM co-cabeza de cartel junto TREMONTI - se ponen en marcha 9 de septiembre en Fort Lauderdale, Sala de Cultura de la Florida y luego continuar hasta mediados de octubre. La banda luego ir directamente a San Bernardino, California para un 24 de octubre de rendimiento principal etapa en la próxima Knotfest, encabezado y comisariada por compañeros de sello SLIPKNOT de Trivium. Mientras tanto, la banda con sede en Florida Orlando, pasará el verano restante iluminando Europa, incluyendo apariciones titulares en esos festivales de rock y de metal duro como Bloodstock del Reino Unido, Alcatraz de Bélgica, Summer Breeze de Alemania y de Francia Motocultor. Séptimo álbum de estudio de Trivium, “silence in the snow” se erige como un hito creativo larga gestación de la banda

aclamada. La colección tuvo su momento génesis en 2007 y fue directamente influenciada por el tiempo TRIVIUM pasó de gira junto con el legendario HEAVEN & HELL ese año. En última instancia, se necesitarían ocho años antes de que se sentían preparados para abordar el trabajo desafiante de tejer sus influencias clásicas en un registro moderno. Impulsado por la inspiración del verdadero metal clásico - que abarca black sabath y rainbow, Iron Maiden y Judas Priest, Pantera y Slayer, Megadeth y Metallica - TRIVIUM desafió a sí mismos para alcanzar niveles similares de grandeza, tomando en profesores de canto y clases de guitarra para fomentar su creatividad evolución. El resultado es extraordinario, la reducción de la historia del rock duro y metal al mismo tiempo que la alimentación hacia adelante hacia el futuro en temas como la épica “ciego guiando a otro ciego” y el próximo primer sencillo “untill the world goes cold”

El último álbum de TRIVIUM, “Vengeance Falls”, hizo Top 10 de debuts tabla de en Japón, Australia, Alemania y Austria, así como una Top 15 de debut en Canadá y una las Principales 25 debut en los Estados Unido. Esto marcó segunda consecutiva Top 15 de debut los aclamados metaleros ‘en los EE.UU. y-más alto carrera debuta alrededor del globo - incluyendo un debut N º 2 en Japón. “Vengeance Falls” vendió 17.000 copias en los Estados Unidos en su primera semana de lanzamiento. El registro - que fue producido por David Draiman (DISTURBED,) - llegó a las tiendas el 15 de octubre 2013 a través de Roadrunner. “Estábamos buscando en cómo todas las otras bandas fueron la promoción de sus nuevos registros que salían, y era básicamente la misma cosa: Individuo de banda, Instagram, sentado junto a la computadora con una cerveza, diciendo:” tambores Oh, acabo de terminar ‘, o,’ Acabo de terminar esto ‘o’ Yo terminé eso. ‘ Y vimos que es, básicamente, todas las bandas en el mundo haciendo exactamente lo mismo. Y dijimos, ‘¿Cómo podemos ser diferentes? Bueno, si todo el mundo está hablando sobre el registro todo el tiempo, no vamos a dejar que na-

die sepa que estamos grabando en absoluto y sólo lo liberan cuando se hace Y me hizo pensar en la película:. Cuando una película está saliendo, cuando ‘Star Wars ‘está a punto de salir, no estamos viendo el’ making of. “Ahora, los remolques que estamos viendo para el producto final, ver el producto final, y luego el ‘making of ’ es después de tanto, con nosotros, queríamos que esperar, liberar un video lo primero, y dejar que sea la primera cosa contra nosotros burlas cosas sin música. Sabíamos exactamente lo que lo que estábamos haciendo. Nos habíamos propuesto los planes, construye toda la preparación con materiales y cronometrada que exactamente cuando todo iba a salir “. En la realización de “Silencio en la nieve”: “Una cosa grande con nosotros en este álbum es que queríamos volver a lo que es ser una banda, y eso significa un escrito banda en una sala de juntas - cuatro chicos, o sin embargo muchos, atascos en una habitación y no por escrito en ordenadores como se ha hecho mucho últimamente. se registró a las computadoras en el final, pero, para nosotros, queríamos asegurarnos de embutido y pudimos jugar como gente primero y trabajar en él desde allí. La

canción principal , silence in the snow, fue escrito en realidad en el año 2007 después de ver HEAVEN & HELL - [Ronnie James] Dio cantando para black sabath - en Japón Viendo que por primera vez realmente ha cambiado algo en todos nosotros, y empecé. escribir la canción silence in the snow en 2007. Y siento que la canción, tal vez, era demasiado grande para donde estábamos en ese momento, tal vez no hubiéramos crecido hasta convertirse en la canción, sin embargo, por lo que se aferró a él para unos ocho años, donde fue finalmente Paolo [Gregoletto, bajo], como, ‘yo creo’ Silencio en la nieve ‘debe estar en el próximo disco.’ Y escribimos música nueva, poner eso en allí, y que se convirtió en la canción principal del disco.

En junio lanzaran el culto perfecto La Banda sueca de rock industrial DEATHSTARS lanzará su tan esperado cuarto álbum de estudio, “The Perfect Cult”, el 13 de junio a través de Nuclear Blast. El seguimiento de “Night Electric Night” de 2009 fue capturado en varios estudios: tambores, guitarras y bajos se registraron en Bohus Sound Recording en Kungälv, Suecia; voces en Gig Estudios en Estocolmo, Suecia; y los teclados, la orquestación y la edición se realizó en Negro Syndicate en Estocolmo. La mezcla, como siempre, estuvo a cargo de Stefan Glaumann (RAMMSTEIN, Within Temptation), mientras DEATHSTARS guitarrista / teclista Emil “Nightmare Industries” Nödtveidt se hizo cargo de la producción. Para el tambor, guitarra y bajo de producción, Nightmare trabajó con Roberto Laghi (ENTOMBED, EN LLAMAS) en Bohus Sound Recording. La masterización estuvo a cargo de Svante Forsbäck (VOLBEAT, RAMMSTEIN) en Chartmakers en Helsinki, Finlandia. En lo que se refiere a las letras, el vocalista Andreas “Whiplasher Bernadotte” Bergh dice que “todas las pistas están a punto de

nuestras vidas. Cada canción es una reflexión sobre una situación o un tema que se ocupa de nuestras experiencias, por lo general desde una perspectiva de negro azabache. “ Con visiones inspiradas en la vida excesivas amorales, miedos humanos y la decadencia, las canciones van a ser nada menos que un parque oscuro establecer entre las pistas delanteras rectas, himnos atmosféricos y los lomos sin lavar de roca sin ley. “Night Electric Night” aterrizó en la posición número 51 en la lista de álbumes (Heatseekers) tabla de Top New Artist, que enumera los álbumes más vendidos por artistas nuevos y en desarrollo, definidos como aquellos que nunca han aparecido en el Top 100 del Billboard 200 . El CD, que se mezcló en los estudios Toytown en Estocolmo, Suecia, con Stefan Glaumann, se puso a disposición en Europa en un paquete de lujo llamado “Gold Edition”, con bonus tracks, así como un DVD con seis clips de vídeo, “making-of “material de archivo y más. El “Gold Edition” fue lanzado como un digibook con nueva portada.

1- Explode 2- Fire Galore 3- All The Devil’s Toys 4- Ghost Reviver 5- The Perfect Cult 6- Asphalt Wings 7- Bodies 8- Temple Of The Insects 9- Track, Crush & Prevail 10- Noise Cuts

Haz que quiera morir Aparece Pretty Reckless que han abandonado sus planes de grabar un álbum acústico, explicando que ellos han estado demasiado ocupados haciendo turismo para encontrar el tiempo para trabajar en el set. La cantante Pretty Reckless Taylor Momsen habló por primera vez acerca de hacer un CD acústico año pasado, diciendo a una estación de radio de Carolina del Norte que la banda había grabado “una versión acústica de un popurrí.” Y agregó: “Es la forma en que originalmente escribió las canciones, así que es una especie de toma en el interior, o buscar, cómo [The Pretty Reckless ‘último álbum]’ Going To Hell Porque todo empezó acústicamente ‘comenzó en realidad.’.” Pero en una nueva entrevista con Brandon Woolum de Huntington, WAMX de Virginia Occidental, Momsen reveló que ha habido “ninguna actualización” sobre la liberación acústica propuesta. Explicó (escuchar audio a continuación): “No sé si [el álbum acústico es] realmente va a pasar, sino que ha sido tan caótica Es algo que quería hacer, pero simplemente no han tenido el tiempo para hacerlo realmente. “. Momsen también habló sobre el progreso de las sesiones de composición para el seguimiento de “ir al infierno”. Ella dijo: “Siempre estoy anotando ideas, pero tienden a no realmente escribir en el camino, porque nunca está solo y necesita aislamiento Así que la verdadera sustancia del material confluye cuando llegue. casa, después de toda la gira se realiza Pero hay ninguna presión;. siempre. hacer.”

Suicide Silence no es necesario un álbum completo para conseguir algo de ruido en marcha. No, todo lo que necesitan es para mostrar un par de versiones en vivo de sus mejores cortes fuera de su último álbum You Can not Stop Me. Las Palabras Sagradas EP se debe 23 de octubre a través de Nuclear Blast y cuenta con la versión de estudio de la canción del título, así como versiones en vivo de “La herencia de la corona” y “dejar de existir” y un remix y la versión instrumental de la canción que da título al EP. Las canciones en vivo se toman de 09 de agosto 2015 conjunto de la banda en el Festival RockPart en Hungría. El elemen-

to vivo es donde Suicide Silence excel y los aficionados están seguros de mosh un poco más difícil de lo habitual en sus dormitorios con estas versiones contundentes de nuevas, pero queridas canciones. La versión instrumental es casi seguro que ver a los fans subiendo cubiertas vocales como karaoke deathcore. No se puede detener Me es el primer álbum de Suicidio Silencio para con el ex All Shall Perish vocalista Eddie Hermida tras la trágica muerte de Mitch Lucker. El 1 de noviembre, 2012, Lucker fue declarado muerto tras un accidente de moto la noche anterior. Más tarde ese mismo día, la esposa de Lucker reveló que había estado be-

biendo antes de salir a dar un paseo y que ella le había pedido quedarse en casa en lugar. El álbum, que puede ser visto como una reaparición de clases, marcó un nuevo capítulo en el legado creciente de la banda. El disco de 2014 vio posición de la carta más alta de la banda hasta la fecha, llegando a número 16 en el Billboard Top 200. Suicide Silence son actualmente de gira apoyando Korn. Los pioneros de nu-metal están jugando su primer álbum, Korn, en su totalidad cada noche mientras se embarcan en una carrera de un mes de duración en todos los EE.UU.

Deuce se va de la banda El nacimiento de un proyecto

os integrantes “J-Dog” Decker, desertor de la preparatoria, es un claro ejemplo. Fundó Hollywood Undead con Aron Erlichman en 2005, cuando eran adolescentes. Publicaron su primera canción, “The Kids”, en MySpace y pidieron a sus amigos que les hicieran publicidad en el perfil de sus páginas. Decker reclutó a otros para hacer música, fusionando rock con rap e historias de borracheras con problemas de dinero. Los miembros de la banda se tomaron fotografías con máscaras de hockey. No fue una decisión estética: el miembro George “Johnny tres lágrimas” Ragan dice que no quería que los reclutadores de football universitario lo descubrieran. En sólo tres semanas, Hollywood Undead atrajo 22,000 amigos en línea: en dos meses, los visitantes escucharon las canciones de la banda más de un millón de veces. Un día Decker recibió un mensaje del fundador de MySpace, Tom Anderson (“pensé que era una broma”, dice Decker), quien le preguntó si la banda estaba empleando algún truco para hacer tantos amigos. Cuando Anderson dijo que lo que estaban haciendo era legítimo, él también se hizo fan. En un principio, MySpace firmó contrato con Hollywood Undead, pero después

Diener terminó con el contrato. Podrían pensar que una disquera depredadora le habló “bonito” a los ingenuos adolescentes, pero los miembros de la banda suenan bastante maduros cuando explican la decisión de haber firmado con una disquera en vez de seguir sólo con su popularidad en Internet. Ragan, un rapero, dice que desearía estar haciendo dinero, y sabe que habría podido quedarse con más dinero de las ganancias de la banda si no hubiera firmado con una disquera, pero también cree que necesita el respaldo de un negocio para poder crecer. “Si quieres ser una banda grande, debes tener una disquera”, dice. Pocos artistas tienen el tiempo y el dinero para desarrollar las campañas necesarias para entrar al negocio. Antes de ser un éxito, los miembros de Hollywood Undead trabajaban en joyerías y como guardias de seguridad. La mayoría de los músicos preferiría dedicarse a su arte y a la promoción de sus canciones, agendando conciertos y haciendo llamadas a estaciones de radio. Claro que podrían contratar a gente para hacer eso, pero entonces estarían manejando su propia disquera.

En el momento de la salida de Deuce, Hollywood Undead tenía ganó éxito con Swag Songs, que alcanzó el puesto número 2 en el Billboard 200 en su primera semana. A pocos EPs fueron vendidos, los Swag Songs B-Sides EP y las canciones Cisne Rarities EP en 2009 y 2010, respectivamente. En 2009, Hollywood Undead lanzó su primer álbum en vivo, Desperate Mesas, que alcanzó el número 9 en el Billboard 200. A finales de 2009, Deuce dejó Hollywood Undead después de tener varios problemas con la banda. Más tarde escribió una canción titulada ‘Story of a Snitch “sobre Hollywood Undead, acusa de “soplón” a un miembro de la banda, su mejor amigo J-Dog. Las letras consisten principalmente de obscenidades e insultos dirigidos hacia Hollywood Undead, también haciendo afirmaciones como le apalizaron fuera de la banda. Charlie Scene (Jordon Terrel) dijo en una entrevista para Rock World Famous que Deuce no se presentó en la gira después de que la banda se negó a seguir pagando más de $ 800 por semana para llevar a lo largo de su anónimo “asistente personal”, a quien había pagado por casi 4 meses. La banda también ha explicado que se trataba de una lucha que tiene Deuce en el grupo.

un acontecimiento que de d mas os

KNOTFEST LLEGA A MEXICO

Entrevista con Clown

Dentro de poco más de una semana, tocará por primera vez en México Slipknot, y lo hará nada más y nada menos que con su propio festival el Knotfest, junto a Megadeth, Lamb Of God, HIM, Brujería, Ill Niño y varios más, presentándose en el Centro Dinámico Pegaso el 5 de diciembre. Además de las presentaciones musicales, en este Knotfest también habrá juegos de feria, un bungee, un museo de Slipknot y el Big Circus Tent, donde tocarán algunos DJ’s. Previo a esta presentación, platicamos con Shawn Crahan, mejor conocido como Clown, el único miembro fundador de Slipknot que aún continúa en la banda. Al principio fue un poco raro, porque se quitó la máscara y nos mencionó lo incómodo que es para él hacer entrevistas con ella puesta, algo raro ya que siempre ha dado shows así. la mejo forma de dar gracias a los fans de exico es traer el mas grande show de metal .

Nunca decidí usar una máscara de payaso, nos encontramos el uno al otro, y aún cuando la encontré para serte muy sincero nunca tomé ninguna consideración de lo que era un payaso, en ese momento no había Slipknot en mi mente, fue sólo arte y sentí que ese era yo y eso es todo, aquí estamos, muy afortunados y bendecidos. ¿Cómo te sientes de traer tu propio festival por primera vez a México?

¿Cómo empezó todo esto y porque decidiste usar una máscara de payaso?

No cambiamos nuestro show para nadie, es el mismo tema para todos nuestros fans, así que nos preparamos para un show muy intenso y muy serio, eso es lo que les vamos a dar aquí. Todo lo que hacemos siempre, ninguna onza de sangre menos. A nivel de producción, ¿qué tan difícil es hacer un show como este? Es muy difícil traer un show como este aquí, se debe de trabajar realmente duro para

traer nuestro show, y esa es una de las razones por las que nunca habíamos venidos antes, así sea en un festival o en una arena es el mismo. Nuestro show es grande y es tanto para estadios, arenas, clubs, para todo tipo de escenarios, pero es muy serio. La barricada que usamos por ejemplo, debemos de ponerle mucha atención, hemos roto barricadas en Inglaterra en el festival Download, 80 mil personas lo hicieron, la gente muere cuando eso sucede, imagínate cuánta fuerza se necesita para que suceda eso, porque evidentemente están hechas para que no se puedan romper. Algunas bandas sólo tienen barricadas para soportar la fuerza que viene de enfrente, nosotros tenemos barricadas para que soporten la fuerza que viene del frente, así como de los lados. Parece algo sin importancia, pero si no funciona la gente se muere. Tocamos música que hace enloquecer al público y chocan contra las barricadas, tenemos a 40 personas sosteniéndolas, a veces paramos el show para decirle a la gente que retroceda y puedan arreglarlas. Tenemos que preparar todo lo que vamos a hacer, si vamos a tener fuego por ejem-

espertaran sus sentidos despertaran scuros

Es decir, que se toman muy en serio cada una de sus presentaciones Cada noche que salimos, queremos asegurarnos de dar el 100 por ciento, porque no sabemos si puede ser nuestro último show, Sid (Wilson) se rompió una vez las tobillos y siguió tocando, fue horrible, ambos tobillos se los rompió y terminó el concierto, y después de eso no se perdió ningún show, se arrastraba sobre el escenario. Algunos otros rockstars hubieran salido con muletas o en silla de rudas, y eso está bien para ellos, pero nosotros realmente nos comprometemos con lo que hacemos, sabemos a que nos arriesgamos, si quiero comportarme como un idiota y dar una voltereta, sé que me puedo volver a romper una costilla, pero no estoy para comprometerme así, porque ya sé a donde me llevaría. Hay un museo en el Knotfest, cuéntanos ¿qué tipo de cosas podrá ver la gente ahí? Básicamente cosas que hemos usado a lo largo de nuestra carrera, mucha gente se burlaba de mí porque decían que todas esas cosas ocupaban espacio, costaba dinero estarlas guardando y pensaban que sólo

era basura, y yo decía, “¿en serio? ¿Basura? Me tomó mucho hacer eso, me tomó arte hacer eso, tecnología, experiencia, he estado en diferentes partes del mundo tocando con eso, mi sudor y mi sangre están ahí, como para tirarlo así nada mas”, por eso decidí ponerlo en un museo para que la gente pueda ver las cosas del payaso, esto es lo que soy y la gente puede ver cosas de ahora y de hace diez años, que además son legítimas. Llevas mucho tiempo en este negocio, ¿hay algo que aún no hayas hecho y te mueras de ganas por hacer? Sí, tengo que aprender a relajarme, tengo que aprender a quitarme los zapatos, la camisa, meter los pies en el mar, pasar más tiempo con mis hijos. Tengo que aprender a disfrutar el día, decir “hey, el sol ha salido, hoy quiero ir al parque a sentarme en una banca y disfrutar el sol de hoy. Tengo muchas cosas que hacer con mi trabajo, pero hay que dejar de pensar en eso. ¿Alguna vez alguien se ha molestado por tu arte, por lo que haces al considerarlo ofensivo?

Oh sí todo el tiempo, pero no me caso con eso, yo tengo que hacer lo que tengo que hacer, eso sí, lo hago de una forma responsable, si alguien tiene un problema con eso, lo que tiene que hacer es decírmelo de una forma no violenta y podemos tener una conversación educada al respecto, porque todo lo que hago es porque lo siento y es verdadero, si alguien tiene algo que decirme siempre estoy dispuesto a escucharlo, siempre estoy interesado en escuchar. No me puedo sentir culpable de lo que creo que debo de hacer , yo sólo vivo mi vida y hago lo que quiero, tratando de mantenerlo moral, legal y todas esas cosas, esto es lo que hago. ¿Que nos espera en la primera visita de Slipknot en México? Creo que va a ser un sueño hecho realidad, les vamos a dar todo lo que quieren, les daremos un día de sus vidas que jamás olvidarán, y gracias a todos nuestros fans, sus voces son fuertes, claras y bellas y las hemos escuchado, y aquí estamos, así que vamos a quemar esto hasta el suelo.

El lado equivocado el cielo Moody dice del nuevo álbum, “Si alguien me preguntó que resumir quién y qué Five Finger Death Punch es, yo les digo que todo lo que necesitan saber es en este nuevo disco. Indiscutiblemente, consiguió su Six es nuestra mejor hasta ahora. ... En cuanto al primer sencillo, todo el mundo es “Jekyll y Hyde”. Existen múltiples personalidades a cada ser humano, y no importa lo civilizado y sofisticado te crees que eres, si atreverse a mirarse a sí mismo muy, muy de cerca, verás ... en alguna parte en el fondo ... hay un demonio dentro. Sus circunstancias no han provocado todavía, pero confía en mí, que está ahí “. Los críticos han recibido positivamente Got Your Six. Loudwire afirma: “Como era de esperar, Got Your Six está lleno de agresividad, actitud y un montón de posturas a partir de [Iván] Moody. También está lleno de ganchos de monstruos y éxitos de radio potenciales. ... Al igual que con la mayoría de los Cinco álbumes Finger Death Punch, escuchar Consiguió su seis funciona bien para desahogarse, obtener en un entrenamiento sólido o poner encima de agradable y fuerte como usted está cruzando por la carretera. “ Su compañero de gira, Papa Roach, es una

banda de rock de Sacramento, California, con miembros de la banda Jacoby Shaddix en la voz principal, Jerry Horton en guitarras y coros, Tobin Esperance en el bajo y voces también respaldan, y Tony Palermo en la batería. Como FFDP, Papa Roach ha publicado recientemente un álbum en enero de 2015; el disco se llama MIEDO, que significa “cara Todo Y Rise.” Ellos estarán promocionando este disco en la próxima gira. MIEDO. ha recibido críticas mixtas, sin embargo. Loudwire dijo: “Ha sido bien documentado que Papa Roach cambió su proceso para el nuevo álbum, de entrar en el estudio con ningún material creado de antemano. Esto condujo a una sensación más inmediata más fresco a la música, y gran parte del álbum tiene un borde más difícil que en esta ocasión “. Rolling Stone era mucho más crítico con el nuevo disco, dándole estrellas solamente dos y media de cada cinco, diciendo: “remanentes nu-metal de Papa Roach han hecho su último sonido del álbum como una cápsula del tiempo misterioso de la década de 2000 “. Set list de Papa Roach será todo como incluir sus éxitos, la corriente principal pop-

ulares “Last Resort”, “Getting Away With Murder”, “Cicatrices”, “... To Be Loved” y “Forever”, así como nuevas canciones fuera de FEAR Como banda, tenían una especie de comienzo lento; ponen un par de EP, que no eran demasiado éxito inicialmente. Ellos crecieron en popularidad recorriendo pesadamente y con grandes bandas como Incubus y Earth, Wind, & Fire. Se convirtieron en un éxito comercial con el lanzamiento del álbum debut en un sello importante, Incesto, lanzado en 1999. Este disco incluye éxitos como “último recurso” y “Broken Home”. La gira conjunta comenzará 02 de noviembre en Finlandia y extremo 28 de noviembre en Londres, Inglaterra, por lo que es un período relativamente corto recorrido para los dos grupos. Five Finger Death Punch más probable favoritos de los fans característica en su lista de canciones, como “The Bleeding”, “Bad Company” (su versión de la canción Bad Company) y “Bajo y sobre él.” El grupo lanzó un nuevo álbum llamado 04 de septiembre consiguió su Seis; es el sexto álbum de estudio de la banda. Esta gira será en apoyo del álbum

No volvere a tocar de nuevo este album En la celebración del 20 aniversario de su álbum debut, Korn ha estado de gira y tocar el disco en su totalidad. Mientras que los fans se llenaron de alegría ante la oportunidad de ver el álbum influyente realizado en su totalidad, el cantante Jonathan Davis no se deleitan con la idea. Estar lejos del espacio mental que se encontraba cuando el disco salió, revisitando la música no ha sido divertido. En una entrevista con breal.tv, el líder fue interrogado junto a Hernán Hermida, vocalista de Suicide Silence tourmates. Los dos charlaban entre sí y comparten historias entre las preguntas, que, naturalmente, llegaron a una discusión acerca de la conclusión de la gira de Korn. Dejando escapar un poco de frustración, Davis sonrió y dijo: “Estoy tan motherf-ing feliz Yo no juego tengo este álbum f-ing de nuevo después de esta gira. Yo voy a ser hacia arriba honesto.

No me gusta f-ing jugar ese registro f-ing “. Abundando en por qué se siente de esta manera, el cantante continuó, “Es oscura, f-s con la cabeza. Me he metido en la peor depresión en esta gira. Es sólo un poco de s-t que tiene que ir a la cama. “Él no se arrepiente de la gira, y agregó:” Estoy contento de haberlo hecho. La única razón por la que lo hice fue para los fans para que pudieran salir y sentir eso y ver eso. No volver a preguntar, yo no voy a hacerlo de nuevo. Me estoy haciendo demasiado viejo para esto s-t “. Los comentarios de Davis vienen hacia el final de la entrevista en torno a la marca de 14:00 minutos, que se puede ver arriba. Habiendo revisado el disco gira, Korn ahora volver a trabajar en su próximo álbum. Además de esto, Davis tiene otros planes en las obras entre colaborar en un álbum tributo país y trabajando con Marilyn Manson.

uto país y trabajando con Marilyn Manson. Jonathan Davis no quiere volver a tocar el debut de Korn una entrevista con Breal.tv, Jonathan Davis, frontman de Korn, ha mostrado su alivio por haber terminado su banda la gira del vigésimo aniversario de su disco debut. Estoy jodidamente feliz de no tener que volver a tocar este puto álbum tras esta gira. Tengo que ser completamente sincero. No me gusta tocar este puto disco. Es oscuro, me jode la mente. Esta gira me ha sumido en la peor de las depresiones. Es una mierda que necesito poner a dormir. La única razón por la que lo he hecho ha sido para que los fans vengan y sientan y vean eso. No me lo vuelvas a preguntar, no lo volveré a hacer. Soy demasiado mayor para esta mierda.

Ustedes

conoceran mi nombre

La marcha de Angela Gossow de Arch Enemy posiblemente haya sido una de las sorpresas más inesperadas, en cuanto a noticias metálicas se refiere, en lo que va de año. Pero lo realmente sorprendente ha sido como ha manejado el asunto la propia banda. Lejos de organizar una salida dramática de Angela, y posteriormente montar un circo con todo tipo de audiciones chabacanas en plan realitie, para llenar portadas de revistas y grabar innecesarios documentales sobre las aptitudes de los posibles nuevos vocalistas, la banda ha demostrado una seriedad encomiable. La misma Angela fue quien recomendó el fichaje de Alissa, la banda se puso en contacto con ella, audicionaron, conectaron, y bingo! “Estás contratada”. Así de sencillo y así de profesional, chapeau por ellos por la buena gestión.

Ahora solo tocaba ver si Alissa estaría a la altura, y si su entrada en el seno de la banda iba a tener repercusión en la música de los suecos. A lo primero os respondo de seguida que sí, Alissa cumple su cometido a la perfección. Posiblemente el tono de Angela tuviese un punto más de agresividad, pero su rango vocal era bastante limitado, y le costaba horrores modular su voz. Por el contrario la voz de Alissa al igual anda algunas décimas por debajo en cuanto a potencia, pero por otro lado sus registros son más variados y modula mucho mejor que Angela. Dejamos pues la pelea entre féminas en tablas, y nos centramos en el verdadero culpable de todo lo que ocurre en Arch Enemy para bien o para mal, el señor Michael Amott.

Arch Enemy nos han acostumbrado en estos últimos años a ofrecer una de cal y otra de arena, incluso más arena que cal, y un servidor reconoce que esperaba este lanzamiento con bastantes dudas. Primero porque, malpensado que es uno, creía que este cambio de vocalista obedecía a un intento de Amott de “metalcorizar” en cierto grado la banda, pues Alissa provenía de la banda de Metalcore canadiense The Agonist, y reconozco que me puse a temblar pensando que Arch Enemy tenían intenciones de emular los pasos de sus compadres In Flames y venderse para intentar conquistar Las Américas. Nada más lejos de la realidad, los suecos siguen fieles a su habitual Death Melódico aunque, eso sí, hay alguna novedad algo más moderna que en seguida abordaremos.

Tras la salida de angela alissa declara una guerra eterna Antes os hablaba de la cal y la arena, y podemos decir que con los anteriores “The Root of All Evil” y “Khaos Legions”, nos habían dado doble ración de arena. Discos mediocres, faltos de inspiración y garra, que no pasaban de un par de temas buenos y el resto morralla. Así que obligatoriamente tocaba una de cal, ¿no? Pues que tal si os digo que “War Eternal” es prácticamente una de cal al cuadrado. Sí señores, un rejuvenecido Amott parece haber recuperado la inspiración de un plumazo y se ha cascado el que es a mi entender, su mejor disco desde el “Wages of Sin”, y poca broma porque han pasado ya trece años desde la magna obra del 2001. “War Eternal” es un disco que te atrapa desde el inicio, la sinfónica intro “Tempore Nihil Sanat”, más propia de un disco de Black que de Death Melódico, ya nos pone en guardia, y nos prepara para el corte más potente de todo el disco “Never Forgive, Never Forget”. Un trallazo en toda regla donde Daniel Erlandsson nos sorprende con un poderoso blast beat de inicio. El tema es duro, rápido, viperino,

adictivo, y ya vislumbramos que las guitarras de Amott han vuelto a recuperar esa frescura de antaño con multitud de punteos y un solo pegador. Y la culpa de ello no la tiene tan solo el nivel de inspiración del pelirrojo, si no también el trabajo en las mezclas de su compadre Jens Borgen, que, para variar, realiza un trabajo espectacular, dotando a este disco de una potencia que adolecían anteriores entregas de Arch Enemy, y sabiendo realzar la virtud principal de dicha banda que es sin duda las melodías de guitarra. “War Eternal” se muestra algo más machacona, teniendo su punto fuerte en el trabajo de las melodías de guitarra y el pegadizo estribillo, de los de dos meses rondando por tu sesera. Pero poco dura el relativo descanso pues “As the Pages Burn” vuelve a entrar como un jodido torbellino arrasando al paso, guitarras muy poderosas y Erlandsson machacándonos con el doble bombo. El estribillo vuelve a tener un gancho enorme, y comenzamos a convencernos de que esto no es un espejismo, y que al igual el disco entero mantiene el

nivel. Me quedo sin duda con el estridente riff del minuto 2:27, que va subiendo in crescendo para explotar en dicho instante. En “No More Regrets” queda claro que Amott anda a mil por hora, riff neoclásico de inicio que te hace engancharte al tema a la fuerza, el cambio de armonías que hay en el estribillo destempla un poco de inicio, pero uno acaba acostumbrándose y disfrutándolo. Pero cuando nos acercamos al ecuador del disco notamos cierto cambio de aires. Aquí es donde aparece la “nueva cara” de Arch Enemy, y no me refiero a la guapa Alissa, si no a la inclusión de elementos orquestales. Los dos temas donde dicho recurso se hace más patente son “You Will Know My Name” y “Time is Black”. Si bien la primera se perfila algo más simplona y con espíritu más comercial, la segunda es toda una lección de Melodeath-épico-neoclásico, ahí es nada. “Time is Black” es un temazo espectacular, muy dinámico y maravillosamente estructurado, lleno de cambios de ritmo y de estilo, y en este caso los elementos

orquestales, lejos de actuar a modo de maquillaje, sirven para darle al tema un aire épico y ampuloso que enamora. El resto de temas siguen sonando a un nivel altísimo, mostrando en “On and On” y “Avalanche” ciertos detalles que los acercan incluso al Modern Metal. Pero la cosa no pasa a mayores, y con el trallazo “Down to Night” y la instrumental “Not Long for This World”, los suecos consiguen cerrar el álbum de una forma brillante. Primero furia, y luego un ending con guitarras melódicas y azucaradas que por momentos rozan la ñoñería, pero que al final te acaban encandilando por el sentimiento que Amott siempre ha sabido imprimir a la seis cuerdas. Cuando un servidor ya tenía la fe prácticamente perdida en Arch Enemy, van estos y me sacuden un guantazo en la boca por listo. No vendas la piel del oso antes de cazarlo, y no dilapides a una de las bandas más grandes de Melodeath o puedes salir mal parado. La culpa es mía, ¿cómo pude pensar que un tío que ha fabricado

discos como “Heartwork”, “Burning Bridges”, “Stigmata” o Wages of Sin” estaba acabado?, craso error. Y sí, digo tío, porque aunque sean una banda, aquí el que corta, pincha y dirige es el señor Amott, y de su inspiración depende el resto. “War Eternal” es un muy, muy buen trabajo que volverá a colocar a Arch Enemy en el lugar donde merecen, en primera línea de fuego, dominando las hordas melodeathers y callando de un plumazo a todas El álbum fue grabado en varios estudios durante el invierno de 2013-2014 y producido por la misma banda con la ayuda de Jens Bogren (Opeth, Paradise Lost, Kreator) mezclado en Fascination Street Studio. Como parte de la promoción del nuevo disco salió un nuevo vídeo llamado “War Eternal” el cual ya aparece Alissa White-Gluz como la vocalista de la banda. El 28 de marzo de 2014 se revela por medio de su página oficial la portada del disco creado por Costin Chioreanu, quien ya trabajó con Michael Amott para su banda “Spiritual Beggars”.

1 Tempore Nihil Sanat 2 Never Forgive Never Forget 3 War Eternal 4 As the Pages Burn 5 No More Regrets 6 You Will Know My Name 7 Graveyard of Dreams 8 Stolen Life 9 Time Is Black 10 On and On 11 Avalanche 12 Down to Nothing 13 Not Long for This World 14 Breaking the Law

Decir que los tres años entre la VII: Sturm und Drang y la Resolución de 2012 han sido traumático para los miembros del Cordero de Dios sería una subestimación trágico. Con gran parte de ese ínterin devorados por el encarcelamiento y posterior juicio del líder de Randy Blythe (documentado ampliamente aquí), los cuatro miembros restantes han encontrado en gran medida a sí mismos en ascuas a la espera de la suerte de su líder asediado. Eso absolución de haber llegado a través de un buen par de años atrás ahora, Blythe ha pasado el período posterior escribiendo un libro de memorias sobre sus experiencias y descomprimir un poco a través de gira de promoción extendida.Finalmente, después de lo que pareció una gestación interminable, Cordero de Dios están de vuelta y listo para reclamar su derecho de nacimiento: en total dominio de todas las cosas de metal. Pocos dirían que cerrar la sesión y hacia fuera avergonzado a sí mismos conla Resolución o su ira predecesor, pero es probablemente seguro decir que ni es el

álbum favorito de muchos fans. Por el punto de Ira de 2009, la banda estaba dando señales contradictorias sobre si deseaban romper aún más en la corriente principal, o si sólo estaban quedando sin ideas dentro de su entorno existente. Resolución más o menos sesgada a favor de este último, con muchas citándolo una remontada digna en el momento, pero en los años siguientes todavía no ha bastante unido en la clase de clásico a largo plazo como, por ejemplo, sacramento de 2006, hasta el día de alta marca de agua de la banda. Sturm und Drang encuentra Blythe y co. en forma relativamente conservadora, no acercarse demasiado amapola sino también conscientemente apegarse a sus raíces, en lugar de tirar de la puñalada empollando en una mitad de ritmo, “serio” obra magna que se podría esperar en este momento de su carrera, acontecimientos de la vida siendo lo que han sido y todo. Canción de apertura “Todavía

Echoes” hace referencia a la Europa del Este en su conjunto (“resaca Soviética, Bloque del Este / Y el dinero sucio todavía fluye a través de las cerraduras”), pero los oficios en gran medida en las declaraciones políticas generalizadas; en ningún momento Blythe desprende como si estuviera quejándose del locus específico de su encarcelamiento. Esa referencia inevitable viene con “512”, que evoca el número de células Blythe fue detenido y afortunadamente no una cubierta fuera de lugar de la antigua oda Megadeth para acelerar trampas. Incluso aquí Blythe sólo habla de la experiencia psico-espiritual general de estar tras las rejas (“Mis manos están pintadas de rojo / negro pintado de mi futuro / no puedo reconocerme, me he convertido en alguien más”) en vez de despotricar contra la República Checa sistema legal que lo puso allí, un elegante - incluso notable poco de moderación que ilustra por qué los fans y músicos de metal compañeros por igual surgieron inmediatamente en su defensa de la detención inicial y durante todo el juicio posterior.

tormenta e impetu

Tiene una notoriedad muy polar. No es común que encuentro alguien que sólo piensa que están bien, aunque estoy seguro de que existan. Hace que las próximas versiones de bandas como ellos todo el más emocionante de anticipar. Bandas en la corriente principal, especialmente los que algo así en el lado efectista, tienen gran potencial de cambiar para bien o para mal en los nuevos álbumes. Así que con eso, vamos a echar un vistazo tardía en Inmóvil En nuevo álbum Blanca ‘s, Reincarnate. Si no está muy familiarizado con la banda, una descripción sencilla sería que son una especie de mezcla de metalcore, y Marilyn Manson; al igual que el 60% de metalcore y el 40% de la música y la imagen de Manson. Esta es una combinación que mucha gente le encanta odiar, pero también uno que muchas personas les encantó. Sus discos anteriores no estaban muy mal. Es en gran medida un reflejo de metalcore corriente hoy en día, lo cual es muy formulista, que contiene los elementos electrónicos, y fácil en los oídos todo alrededor. El elemento electrónico añade que poco de profundidad melódica, similar a bandas como Bleeding Through. Y la influencia de Marilyn Manson viene de factores como Chris estilo “Inmóvil” de Cerulli vocal, sus videos, su afición por las películas de terror, en el tipo de camino “factor de choque”. El punto es, no es tan diferente, pero sigue siendo bastante bueno metalcore, que es lo que hemos escuchado de sus dos últimos álbumes. Y mientras que tres discos es generalmente una buena cantidad de tiempo para una banda para hacer avances en su sonido, MIW en Reincarnate optó por

el método ol ‘tratado-n-verdad al parecer. La canción de apertura, “Marcha de la Muerte”, establece el tono para el resto del álbum. Si usted no pensó Cerulli sonaba como Marilyn Manson antes, usted probablemente lo hará aquí. Josh Balz en los teclados establece la atmósfera y también tiene una ventaja subyacente constante en la mayor parte de la canción. Pero los riffs pueden ser muy bien a veces. La pista siguiente y título refleja esas mismas características también. Al igual que la siguiente canción. Y el siguiente. Me gustaría ir fuera nombrar más pistas y dar un bocado pequeño en cada uno, pero la verdad, todos son tan similares que no se necesita mucho tiempo para describir este álbum.

la reencarnacion 19

Inmortalizados

Disturbed es una de las bandas de metal más populares y rentables de todos los tiempos. Tras su himno nu metal “¡Abajo la enfermedad”, lanzaron cuatro álbumes de estudio en 10 años, y todos ellos debutaron en el puesto número 1 en el Billboard 200. Para poner esto en perspectiva, Metallica y Dave Matthews Band son los únicos otros actos “rock” de haber logrado tal hazaña. Aunque la banda nunca ha sido capaz de igualar el éxito de corriente ubicua de “¡Abajo la enfermedad”, Disturbed han logrado eclipsar y trascender el concepto de one-hit wonder. Después de Pantera se disolvió, Disturbed se convirtió en la banda de metal moderno y el acto cumbre en el mundo de la brillante, metal-FM listo, sobreproducción. Sólo Cordero de Dios (y Deftones, si es que se pueden mencionar al lado de estas bandas) han igualado su longevidad y ventas consistentes, mientras que otras bandas populares de la época - Korn, Drowning Pool, Mudvayne, Alien Ant Farm - arrugadas o se convirtieron legado actos de gira, basándose en los éxitos del pasado para generar la venta de entradas. Algo sobre “Enfermedad” pegado. Las per-

sonas se convirtieron en fans de no sólo la canción, pero la banda que escribió la canción. Entrega melódica del vocalista David Draiman, melodramática como era, trajo un elemento teatral que carecen de esas otras bandas. Incluso si la marca de Disturbed no les hizo tan diferente de sus contemporáneos, tenían Draiman, y debido a eso, ellos eran diferentes. Ellos fueron memorables. Al responder a las críticas de la comunidad hardcore metal Disturbed que no era difícil o lo suficientemente pesada - o la frase temida, “no metálica suficiente” Draiman se inmutó y se paró a enfoque relativamente pop-céntrico de su banda. “ Probablemente tenemos demasiada melodía pasando”, él dijo, “o que no somos tan turbulento o cáustico.”Disturbed es una de las bandas de metal más populares y rentables de todos los tiempos. Tras su himno nu metal “¡Abajo la enfermedad” , lanzaron cuatro álbumes de estudio en 10 años, y todos ellos

debutaron en el puesto número 1 en el Billboard 200. Para poner esto en perspectiva, Metallica y Dave Matthews Band son los únicos otros actos “rock” de haber logrado tal hazaña. Aunque la banda nunca ha sido capaz de igualar el éxito de corriente ubicua de “¡Abajo la enfermedad”, Disturbed han logrado eclipsar y trascender el concepto de one-hit wonder. Después de Pantera se disolvió, Disturbed se convirtió en la banda de metal moderno.

In This Moment vuelve con su último lanzamiento, Sangre. La gente parece ser en blanco y negro cuando se trata de sus opiniones sobre la banda. Pero probablemente la chispa más interés que la siguiente banda debido a su vocalista excéntrico, Maria Brink, ya que siempre parece ser un bo leto a la fama de tener un vocalista en su banda de metal. Sin embargo, todo se reduce a la música, y si el vocalista puede hacer más que simplemente ser el caramelo del ojo. Una vez me puse a escuchar la San gre, que fue sin duda un poco difícil de escuchar a todo este álbum sin tomar un descanso entre pistas. Voy a admitir que este fue mi primer contacto con la banda, y obvia mente Maria Brink fui el primero que hay que agarrar mi atención también. Todos sabemos de otros frontwomen como Angela Gos sow que las mujeres pueden ser tan brutal en la delantera como cualquier otro hombre, así que estaba bastante emocionado de empezar. Pero una vez que llegué a la segun da y título de la pista, “sangre”, no tuve una sensación muy positiva en mi estómago, en su mayoría, ya que “la sangre”, literalmente, una lista de las 10 cosas que odia acerca de usted. Y eso es por lo general el tono del resto del álbum, como que está dirigido específica y exlusivamente a las adolescentes emocionales. Es posible mente el mejor ejemplo en la can ción Usted va a Escuchar”, donde el coro no es más que gritos con stantes de “¡Cállate!” Y honestamente, todo lo que podía imaginar era la mente de

u na niña de 14 años de edad, se le dijo a sus padres que no puede usar lápiz labial. Es dolorosamente quejumbrosa, sin descanso melodramático, y, a veces un poco incómodo para escuchar. Brink sobre el punto-de-llorar canto pone muy cansado después de un tiempo, sobre todo porque se produce en casi todas las pistas en el álbum. El lado musical de sangre también es bastante mediocre también. De vez en cuando hay un riff bastante fresco o dos, pero la musicalidad siempre parece tomar un asiento trasero a la voz y letras de Brink. “De las cenizas” es probablemente el momento solamente brilla desde la banda real, y, probablemente, la única pista en la Sangre redentora. Pero al final, no es nada que no se haya hecho, y tal vez hecho mejor por otras bandas. Se llega al punto en el que simplemente no recuerdo mucho a todos sobre la música actual y más acerca de Brink repugnantes letras. Es un desequilibrio importante entre la banda y el vocalista que lo convierte en una experiencia bastante decepcionante. La sangre más probables apelaciones directamente a los fans antes de In This Moment. Pero para cualquiera que esté buscando algo un poco más pesado y un poco más maduro, es probable que no deben mirar de esta manera. La cara bonita de Maria Brink que podría tentar a su mundo, pero no se lo deje engañar. Otras bandas hacen su estilo de música mucho mejor y sin tanta emoción melodramática molesto.

Bullet for my Valentine, los mismos galeses que, no mucho tiempo ha, editaron trabajos altamente celebrados como “The Poison” o “Scream Aim Fire”, se encuentran en números rojos. No es un secreto que, desde “Fever”, la banda de Matt Tuck ha pegado un buen bajón de nivel, sin ser aquél un disco malo en absoluto. Sin embargo, “Temper Temper” (2013) sí que hizo soltar las alarmas. De los peores álbumes de su temporada, triste, pero indudable. Este 2015 los Bullet vuelven a la carga, con ganas y bien decididos a subir el listón. Y con nuevo bajista, además, Jamie Mathias, quien sustituirá a Jason James, precedente que llevaba tocando en la banda desde 2003. “Venom” es el título del quinto capítulo de Bullet for my Valentine, trabajo que he aguardado con bastante curiosidad, a ver si el grupo volvía al buen redil. Mis primeras impresiones no han sido las que esperaba en un principio, ciertamente. Qué decir que es muchísimo mejor que “Tem-

per Temper” (así que por ese aspecto, que no haya temor), sin embargo, sí que está por bastante por debajo de los discos más altos del ranking. De primeras me ha resultado como una especie de simbionte entre un toque del “Fever” y el sonido moderno de “Temper Temper”. Como si de una película de terror se tratara, el disco comienza con “V”, introducción silente y bizarra que nos mete a saco en “No Way Out”, track que otorga justo lo que el seguidor de Bullet for my Valentine espera ansiosamente de dicha banda: esa caña que tanto se echaba de menos, y unas melodías que desprenden mucho sabor a “Your Betrayal”. Aunque para caña de la burra ya tendremos a “Army of Noise”, el señor temazo del álbum, que no tardará en llegar, desprendiendo esa oleada de furia guitarrera y batalladora batería, una auténtica descarga directa e hímnica a sus fieles

seguidores. Ah, y solazos de guitarra de infarto, como si fuera poco. Se echaba de menos a unos Bullet así, bien cargados de tralla. Así continuará “Worthless”, muy a la par con los tracks anteriores, pero no tan eficiente, más oscuro y con mayor peso en los riffs de Tuck. Un punto positivo que se gana “Venom” es su carácter innovador, incluso atrevido. Dichos aires frescos los traerá la interesante “You Want a Battle? (Here’s the War)”, en el que sobresaldrá su impetuoso estribillo que, sin embargo, no me termina de convencer, pese a ensamblar sus buenas tonalidades de energía. Por otra parte, no negaremos que buena parte de su tramo se deja escuchar muy bien. Retomamos los poderosos guitarreos y los duros redobles de batería con “Broken”, tema que, más allá de su potente propuesta, acaba por decaer en su paródica simpleza.

el veneno mas crudo y pesado de inglaterra

Así avanzamos hasta llegar a “Venom”, el tema que tiene el honor de dar nombre al disco. Pero… ¿de verdad merece dicho honor? Una canción realmente floja (no desentonaría a las filas de “Temper Temper”), que muestra un sonido altamente sintetizado, tomando la forma de una insulsa y extra-melosa balada que no lleva a ninguna parte. Aumentamos un tanto en ritmo con “The Harder the Heart (The Harder it Breaks)”, tomando un estilo más progresivo, variando entre tonalidades más rifferas y otras más melodiosas, imbuidas de un buen fondo musical e interesantes punteos de guitarra. En la siguiente pieza, “Skin”, la banda aprovecha para dar rienda suelta a sus altos dotes instrumentales que tanto fruto dan en directo, aunque el propio tema acaba por dar poco más de sí, tornándose simplón y predecible. “Hell or High Water” seguirá por el mismo sendero de entrenido refrito, aunque de manera orgullosa con su pegadizo estribillo.

Eso sí, y que quede claro, los Bullet se las arreglan, de una forma u otra, de cerrar el disco con la más alta dignidad. “Pariah” nos despide de lo lindo, una verdadera machacada como para largarnos bien contentitos. Dispar a partes más o menos iguales, así será el gustillo que dispersa “Venom”. Por una parte, la primera mitad del disco está bastante bien, aunque difícilmente matará al escuchante. Por la otra, se muestra a la banda caminando un panorama por el que cojea bastante. Lo importante, salvo el tema homónimo, el disco no tiene canción mala, aunque sí alguna que otra a la que le falta un buen empujón de ideas. Parece que el blanco no le queda bien a Bullet for my Valentine. ¿Otro fallo importante? No haber incluido la estupenda “Raising Hell” en el tracklist estándar del álbum, en vez de en la edición bonus del mismo, en el cual, por cierto, encontraremos temas, por lo general, buenos, como el single “Playing

God”. Parece que aún les queda un poco de trecho para alcanzar el verdadero sabor de sus días de gloria. Sin embargo, erraríamos en interpretar a “Venom” como un paso en balde para la banda, pues gustará bastante a los seguidores más fieles de la banda, y al reciente público más joven. Y otro apunte, y es que su aspecto sonoro es todo un puntazo: limpio, ordenado, nítido y potente. Muy superior a “Temper Temper” y considerablemente inferior a sus primeros tres discos, así acaba por posicionarse el quinto paso discográfico de los galeses. Dos cuernos bien altos para el veneno británico, El 1 de febrero de 2015, a través de las redes sociales, comunicaron el inicio de la grabación del álbum. El 9 del mismo mes, se hizo pública la salida de Jason James, bajista de la banda. El tercer y cuarto sencillo, You Want A Battle? (Here’s A War) y Army of Noise, fueron publicados el 24 de junio .

IN AMERIKA

El nuevo DVD de Rammstein, In Amerika, incluye la grabación profesional del concierto que la banda alemana dio en el Madison Square Garden de Nueva York el 11 de diciembre de 2010, una cita especial porque hacía casi diez años que Till y compañía no pisaban suelo estadounidense. En el segundo DVD nos encontramos un documental biográfico sobre el grupo, desde sus orígenes al citado concierto de Nueva York, así como un breve making-of de la grabación de su último disco de estudio, Liebe ist für alle da. En total, cuatro horas de contenido que pasamos a comentar a continuación. Más de 18.000 entradas vendidas en poco más de 20 minutos. La última vez

que Rammstein había tocado en Estados Unidos no existía Internet tal y como lo conocemos ahora y, por tanto, había toda una generación de seguidores que nunca habían tenido la oportunidad de disfrutar en vivo de los temas y del espectáculo que tantas veces habían visto en YouTube. La respuesta de la formación fue ir a por todas: tocar en el emblemático Madison Square Garden, reservado solo para los más grandes de la música; una producción que implicaba entre 18 y 20 camiones; toda la pirotecnia que las autoridades permitiesen y una banda dispuesta a consagrarse en la tierra de las oportunidades donde, en buena medida, se fraguó su éxito internacional.

Tanto si nunca has visto a Rammstein en directo como si ya has podido hacerlo, este concierto es un fiel reflejo del espectáculo que montan salvo por una cosa que comentaremos enseguida. Desde el punto de vista técnico e intentando resumir, la realización es de primer nivel y, de hecho, hay canciones en las que alucinarás con la cantidad de planos por segundo que pasarán por tu retina. A pesar de estar grabado hace ya 5 años, la calidad de imagen también sorprende, y eso que hubo secuencias que de seguro no fueron nada difíciles de documentar, especialmente por el alto contraste, la falta de luz y bueno, los enormes chorros de pirotecnia que invaden el gran escenario

El 11 de diciembre de 2010, Rammstein interpretó su primer concierto en Estados Unidos desde 2001. Resultó que les perdimos, ya que la banda se agotó el sagrado Madison Square Garden en sólo 20 minutos. El concierto, como es lógico, es la captura en todo su esplendor de uno de los dos DVDs en el set En Amerika que fue lanzado la semana pasada, pero es el viaje que los llevó allí que es realmente el punto focal. Los dos horas En Amerika documental no es sólo una historia acerca de la introducción de la banda y el triunfo final en los Estados Unidos, pero también uno de la caída del Muro de Berlín y de seis personas con ideas afines convertirse en un fenómeno global. El hecho de que Rammstein existe en absoluto se debe al guitarrista Richard Z. Kruspe escapar comunista Alemania del Este antes de la caída del muro de Berlín. En Amerika muestra la génesis de la banda a través de sus actos anteriores, Orgasmo Muerte truco y Feeling B. Ambas bandas, obsesionados con la mitología de América, viajó allí por separado antes de unirse en Rammstein. Después de ganar un poco de éxito en la tierra madre, que escuchamos de la banda de al agente de reservas primero escéptica, etiqueta representante y una banda jugaron con (Hanzel und Gretyl) en su primer show estadounidense, en 1997 en el ya desaparecido club de NYC goth El Banco. Al ver en escena de la banda en un espectáculo posterior convence a los detractores iniciales que la música y el espectáculo piro-llenado trasciende el hecho de que ellos cantan íntegramente en alemán. Por supuesto, el resto es historia. “Du Hast” despega al año siguiente cuando se lanzó su segundo álbum, Sehnsucht, y la banda se encuentran en la gira Family Values junto Korn y Limp Bizkit. Esta es una gran parte del documental, ya que los seis miembros de la banda, que apenas saben nada de Inglés, verá inmerso en un tour donde son realmente feliz de ser capaz de comer cenas hombre hambriento en su-primer autobús turístico. El documental muestra algunas dificultades en el camino, como cuando el vocalista Till Lindemann y el teclista Flake Lorenz son arrestados por indecencia en Worcester MA después de una actuación

Pero no pasa mucho tiempo antes de que se gira con KISS en América del Sur, apareciendo en películas como XXX y Lost Highway y obtener apoyos de celebridades que van desde Keifer Sutherland y Iggy Pop a Taylor Momsen y Steven Tyler (entre los muchos que aparecen en el documental ). Por supuesto, el documental culmina en su regreso triunfal a Estados Unidos en 2010 en el Jardín. Hay realmente sólo una gran pregunta que no está respondida en concreto: ¿por qué no juegan los Estados durante casi una década? Es mencionado 11 de septiembre, con la banda diciendo que se sentían actitudes en América habían cambiado. Bueno, sí, que tenían, pero no a causa de seis alemanes.También menciona que cuanto más grande es la banda tiene, menos se comunican entre sí, sobre todo mientras estaba de gira en Estados Unidos. Pero en lugar de ahondar en su ausencia americano y por qué sucedió, habla de cómo se conservan y quizás aumentaron su popularidad en los Estados al mantenerse alejado por tanto tiempo. Probablemente hay algunas razones logísticas, como la tragedia de la discoteca Estación resultando en regulaciones más estrictas sobre la pirotecnia, pero eso no es abordados. En cualquier caso, los dos-nuestro documental es una mirada muy entretenido en los comienzos humildes y eventual aumento global de una de las mayores bandas de metal de uso industrial, y tal vez la única banda a tener un álbum de alemanes jamás ir de platino en los Estados Unidos. En cuanto al documental Jardín, que es una visita obligada para cualquier fan de la banda. Incluso si estuviera en el espectáculo (como estábamos), es lo más cerca que llegaremos a verlos en concierto durante algún tiempo. El espectáculo de 100 minutos se filma meticulosamente, e incluso si usted no sabe una palabra de alemán o conoce alguna canción más allá de “Du Hast”, se trata de un reloj de entretenimiento. Cada canción tiene su propio pedazo conjunto, desde Lindemann ducharse Flake con chispas en “Ich Tu Dir Weh,” a un “roadie” se prendió fuego durante “Benzin” al-show termina ángel ala final de “Engel”. La teatralidad del espectáculo es increíble, y se ve increíble en HD.

No cabe duda de que la consagrada banda estadounidense Slayer es una de las más veteranas guardianas del Thrash Metal más crudo, extremo, agresivo, rudo, ese Thrash que consigue helarte la sangre hasta la sien, y zarandear todo tu cuerpecillo, reducido a polvo en una tormenta, cuan insignificante plumilla. Como otros viejos mastodontes, véanse Kreator, Dark Angel o Exodus, así son Slayer. O, más bien, lo eran, pues, a pesar de seguir manteniendo un alto nivel en directo, como a agrupación musical propiamente dicha se refiere, no están pasando por su mejor momento, precisamente (y me aventuro a pensar que no soy el único que piensa así). Tras seis años de espera, ya está a la venta el nuevo álbum de los californianos, el cual mantiene el título de ”Repentless” (curioso para tratarse de Slayer). Y ciertamente, el álbum ha sido manufacturado bajo muy duras circunstancias. La más importante (y más dura) de ellas es la

trágica muerte de Jeff Hanneman, quien siempre ha estado dándolo prácticamente todo, desde los sacros tiempos del “Show No Mercy”. Como si no fuera suficiente con la terrible pérdida, otro importante integrante de la banda, Dave Lombardo, abandona su puesto de baterista en la banda. Ambos han sido sustituidos prontamente por Gary Holt (Exodus) y Paul Bostaph , quien ya había participado antes con los de la gran ‘S’ en discos como “Divine Intervention”. Y todos sabemos cómo están ya los señores Araya y King, muy lejos quedan ya esos tiempos en el que te metían escarpias en la mente con un “Postmortem”, ya ni hablemos de un “Angel of Death, o “Hell Awaits”… pero esta es una historia que todos conocemos. Slayer, simple y llanamente, no han tenido la gracia de pervivir en el tiempo como otras sí lo han hecho (dígase AC/DC, Iron Maiden, Kreator, Sodom…). Y, aún así, continúan sacando LP’s cada

cierto tiempo, lo cual es dignamente encomiable. Y, a todo esto, ¿qué nos deja “Repentless” una vez escuchado e, inclusive, analizado? Por mi parte, me ha dejado totalmente indiferente una buena parte de los temas que conforman el undécimo lanzamiento de Slayer. Atendamos el asunto. El álbum comienza de una manera única, una jamás vista en un trabajo de Slayer: una introducción enteramente instrumental. “Delusions of Savior”, oscura, paciente y con carácter. No son los primeros minutos del “Hell Awaits”, pero no están mal para comenzar, sobre todo si te hacen conectar con el tema título, “Repentless”, sin duda, lo mejor que presenciaremos en toda la obra. Es pura furia, un auténtico desenfreno, Thrash atronador de la vieja escuela y, lo mejor de todo, 100% Slayer. Con sonidazo, además (me gusta mucho cómo suena la batería de Bostaph, quien no lo hace nada mal.