DISEÑO GRAFICO

TEMA 1: INTRODUCCIÓN AL DISEÑO GRÁFICO CONCEPTO. LA PROFESIÓN DEL DISEÑADOR GRÁFICO Es el nombre de una profesión que es la acción de concebir, programar, proyectar y realizar comunicaciones visuales, producidas en general por los medios industriales y destinadas a transmitir mensajes específicos a grupos determinados.

El diseñador que trabaja en la interpretación y ordenación de mensajes tiene que ver con la planificación, no sólo con la estética. Por eso tiene que tener conocimientos de una serie de áreas: comunicación, percepción visual, administración de recursos, tecnología, medios de comunicación y técnicas de evaluación y lenguaje visual.

También trabaja en equipo.

El diseño gráfico es una profesión pero se debería denominar como diseñador de comunicación visual, con un método (diseño), objetivo (comunicación) y un campo (lo visual). Es el profesional que construye mensajes con medios visuales a través de un método. ÁREAS Y FUNCIONES El diseño se divide en cuatro áreas: - Diseño industrial: diseño de objetos.

- Diseño arquitectónico: proyecto de edificios, casa, decoración, etc.

- Diseño de Moda: Indumentaria.

- Diseño Gráfico: diseño editorial (periódicos, revistas, libros), diseño publicitario (anuncios, folletos, carteles), diseño multimedia (Internet), identidad corporativa (logotipo, señalización, etc.), packaging (diseño de embalaje, envoltorios, etc.).

FUNCIONES DEL DISEÑO GRÁFICO: · Tendría una función comunicativa para que el diseño sea entendible a la vista del receptor. · Tendría una función publicitaria: hace atractivo lo que es el diseño a la vista del receptor. · Tendría una función estética: intenta ser agradable a la vista del receptor.

HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO DESDE SUS ORÍGENES A LA ACTUALIDAD: En un principio el hombre se expresaba mediante elementos visuales, hasta adquirir el lenguaje. El lenguaje visual seguía siendo importante, sobre todo a partir de la aparición de soportes y medios. Hasta que el hombre empezó a utilizar el alfabeto, había un lenguaje por signos (jeroglíficos) que utilizaban símbolos que coordinados con otros daba un mensaje. Inicialmente se usó la piedra, pasando a los pergaminos y papiros. También varió el pigmento natural a utilizar.

Después llegaron los incunables medievales (s. XVI), con cuyo diseño se emitían mensajes a través del diseño hasta la llegada de la imprenta. Con esto se logró llegar a un gran número de personas con muchas copias. Empezó a aparecer imprentas y se inventaban nuevas formas de mejorarlo, apareciendo los tipógrafos y los cajistas (los primeros diseñadores gráficos). Componían y enmaquetaban los elementos del mensaje.

A partir de la revolución industrial aumentó el comercio, la competitividad, con el nacimiento de la publicidad.

Con su desarrollo también se llevó a cabo un desarrollo paralelo del diseño gráfico para convencer al público de lo bueno de su producto o marca.

El trabajo del diseñador gráfico no sólo debía ser estético, también debía ser efectivo.

En el s. XX aparecieron los ordenadores. En un primer momento se reducía a los técnicos y profesionales, pero se extendió a otros grupos sociales (PC).

El diseñador gráfico está en un momento en que su profesión tiene una cabida más amplia. Se acudió a los ordenadores para simplificar las aplicaciones. Los diseñadores gráficos hicieron entendible las aplicaciones a través de elementos visuales. Pero hay un problema; por un lado estaban los diseñadores gráficos clásicos, no acostumbrados a estas tecnologías, teniendo que aprenderlas, sobre todo a partir de Internet y páginas web. Hubo un momento en que el diseñador gráfico competía con los informáticos.

Tuvo que aparecer un nuevo diseñador gráfico, el diseñador web (HTLM, JAVASCRIPT). Se sitúa entre el diseñador gráfico y el informador.

TEMA 2: COMPOSICIÓN ELEMENTOS DEL DISEÑO GRÁFICO La forma básica son el punto, la línea y el contorno, materia prima de toda composición, con sus características propias que la modifican y condicionan: Forma, que permite reconocerla como representación de elementos reales o imaginarios.

Dirección, proyección plana o espacial de la forma (horizontal, vertical o inclinada en diferentes grados).

Color, muy importante, imprimiendo un fuerte carácter y dinamismo. Hay que diferenciar entre el color del contorno y la parte interna, pudiendo aplicarse colores puros o derivados.

Textura, variación de la superficie de los materiales, para expresar visualmente las sensaciones obtenidas mediante el sentido del tacto. Está relacionada con la composición de una sustancia y coincide con la utilización de diferentes motivos (luces y sombras).

Escala, tamaño relativo de una zona respecto de lo demás y total de la obra.

Dimensión, capacidad tridimensional del elemento o zona mediante técnicas (sombreado,…).

Movimiento, aporta dinamismo y fuerza (como la dimensión), no se puede expresar en elemento visual (se puede lograr con técnicas que engañan el ojo humano.

Punto, es la unidad mínima de información visual, caracterizado por tamaño, forma, color y ubicación.

Línea, es muy importante en el diseño gráfico, formado por varios puntos en sucesión. Crea tensión y afecta al resto de elementos.

Contorno, es el objeto gráfico creado cuando el trazo de una línea se une al mismo punto. Tiene dos zonas: acotada (contorno e interior) y otra infinita (fondo).

DISTINTOS TIPOS DE CONTORNOS · CUADRADO: Figura estable y de carácter permanente, asociado a la estabilidad, permanencia, honestidad, rectitud, limpieza, esmero y equilibrio. La figura derivada es el RECTÁNGULO, que sugiere menos perfección y estabilidad. El cuadrado es menos sugerente que el rectángulo, pero más sólido y nos incita a mirar para adentro. Indica direccionalidad.

El RECTÁNGULO HORIZONTAL aporta solidez, estabilidad y dificultar de volcar. Permite que la mirada vaya de un lado a otro.

El RECTÁNGULO VERTICAL da sensación de menor solidez, que puede volcar.

Dirige la mirada hacia arriba y abajo.

La proyección tridimensional es el hexaedro o cubo.

Para utilizar los rectángulos, hay pautas para evitar la monotonía: rectángulos con esquinas redondeadas; y en la composición, aportar elementos dinámicos. · CÍRCULO: La circunferencia es un contorno curvado cuyos puntos están a la misma distancia del punto central. Es la forma más enigmática de todas considerada por los antepasados (símbolo del sol, calor); asociado al movimiento. Tiene gran valor simbólico, especialmente su centro.

Tiene connotaciones psicológicas, como protección, inestabilidad, totalidad, movimiento continuo e infinitud. El ÓVALO es un derivado. Su proyección tridimensional es la esfera. Es el cuerpo geométrico más perfecto. Es el que contiene un mayor volumen en menor espacio. Los elementos de una página web son rectangulares aunque parezcan de otra forma.

TEORÍA DEL COLOR La gama de colores corresponden a las longitudes de onda, cuya suma es el color blanco, siendo la ausencia de colores el negro.

SENSACIÓN Y SIGNIFICADO DEL COLOR: Los colores tienen influencia emocional y cada color lleva asignado unas sensaciones de ideas y significados, sólo válido en la cultura occidental. En Japón el blanco significa la muerte, mientras que en Occidente es la pureza, la vida, etc.

- Rojo: único color brillante de verdad. Es agresivo, símbolo de la pasión, sexualidad y erotismo. Es un color cálido, asociado al sol, y por eso los psicólogos la usan para transmitir sensaciones de calor. Es el color de la sangre, la fuerza bruta y el fuego; y sugiere vitalidad, entusiasmo, pasión, agitación, fuerza, sexo, calor, fuego, amor, audacia, coraje, cólera, crueldad, intensidad y virilidad. También puede sugerir alarma, peligro, violencia o enfado.

- Verde: Es más tranquilo y es sedante. No transmite ni alegría ni tristeza; y está asociado a la naturaleza, salud, dinero, frescura, crecimiento, abundancia, fertilidad, vegetación, primavera, honor, cortesía, civismo y vigor. Si el verde tiende al amarillo, cobra más fuerza; y si tira más al azul, resulta más sobrio y sofisticado. Es el símbolo de la esperanza. Se dice que es el color más descansado para el ojo humano y que tiene poder de curación. Es, a su vez, contradictorio, pues para algunas personas les es desagradable, mientras que para otros evocan la pasión.

- Azul: símbolo de la profundidad. Es inmaterial y frío, pero suscita predisposición favorable. Expresa armonía, amistad, fidelidad, serenidad, sosiego, verdad, dignidad, confianza, masculinidad, sensualidad y comodidad. Es el color del cielo, del mar y del aire. El claro puede sugerir

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optimismo, y cuanto más claro pierde atracción, se vuelve indiferente.

Cuanto más se oscurece, más atrae al infinito. También crea la ilusión óptica de retroceder. Está asociado a seriedad, compromiso, lealtad, justicia y fidelidad, pero a la vez melancolía, tristeza, pasividad y depresión. Si es muy pálido, puede inspirar frescura e incluso frío; intermedio, elegancia y frescura; oscuro, espiritualidad, seriedad y responsabilidad. Es un color de imágenes corporativas por excelencia.

Amarillo: Es el símbolo de lo divino y es el color más luminoso, cálido y da sensación de expansión. Es un color optimista, moderno y denota alegría, entusiasmo, también pasión, fuerza, sexo, calor, primavera, inocencia, infancia, y juventud. También, como el rojo, expresa peligro y precaución.

Al ser el color del sol, luz y oro, es violento e intenso. Si es muy brillante, puede indicar peligro, y si es suave, delicadeza. Está asociado a la intelectualidad y pensamiento claro, y según los psicólogos ayudan a memorizar datos. Pero hay que tener en cuenta que fatiga la vista, es aplastante, con una estimulación excesiva que provoca el efecto contrario.

Naranja: Tiene carácter acogedor. Es cálido, estimulante, y tiene una cualidad dinámica positiva y energética. También es expansivo. Representa la alegría, la juventud, el calor, y el verano. Sugiere informalidad y, a la vez, puede expresar inestabilidad, disimulo e hipocresía. Tiene mucho peso visual, dentro de las composiciones.

Rosa: Sugiere calma y tranquilidad, asociado al sexo femenino.

Violeta: Es el color de la templanza, de la lucidez, y de la reflexión. Es místico, melancólico y puede representar la introversión. También está asociado a la fantasía, el juego, la impulsividad, y los estados de sueño, aunque también pude asociarse a la pesadilla y la locura.

Marrón: Es un color masculino, severo, confortable, que evoca al otoño y da impresión de gravedad y equilibrio. Es un color realista porque está asociado a la tierra.

Negro: Es la ausencia de luz y color, aunque a todos los colores cuanto le quitas brillo, el tono y la saturación, se acercan al negro. Está asociada a la nobleza y la elegancia, sobre todo en brillante. Color de la seducción, misterio, la noche, del cuervo, del mal, de lo ilegal, de la tristeza y melancolía, de la infelicidad y del enfado. También es el color de la muerte y el luto y es el más utilizado en cualquier composición. También es el color que se utiliza en los textos por su alto contraste con el fondo universal que es el blanco.

Gris: Neutro y pasivo con poca información visual. Color del hierro, mercurio, cielo cubierto y sugiere seriedad, madurez, neutralidad, equilibrio, indecisión, ausencia de energía, duda y melancolía y expresar cosas y personas sin atractivo. Color de los ordenadores y puede resultar monótono.

Si aumentamos su luminosidad, nos encontramos con el blanco.

Blanco: Luz pura, unión del rojo, azul y verde. Representa la pureza, la inocencia, la limpieza, ligereza, la juventud, la sobriedad, la paz, la felicidad, la inocencia, el triunfo, la inmortalidad. Es el fondo universal de la composición general. No conveniente para los textos.

MATIZ, SATURACIÓN Y VALOR O BRILLO

-MATIZ: Atributo que permite distinguir, por ejemplo, el rojo del azul. Es el recorrido de un tono a uno u otro lado del círculo cromático. Los tres colores primarios (verde, rojo y azul) son los tres matices primarios. Mezclándolos se consiguen el resto de colores y matices.

Dos colores son complementarios cuando está uno frente al otro en el círculo de matices o círculo cromático.

-SATURACIÓN: También llamada intensidad. Este concepto representa la pureza o intensidad de un color. Puede relacionarse con el ancho de banda de luz que estamos visualizando. También puede definirse como la cantidad de gris que tiene un color. Mientras más gris menos brillante y, por lo tanto, menos saturado. Por eso, cualquier cambio que le hagamos a un color puro, baja la saturación. Por eso el rojo muy saturado es un rojo puro y rico. Cuando añadimos gris, baja su saturación y, por tanto, su pureza.

Una forma de desaturar el color es mezclarlo con su complementario, produciendo una neutralización. Otra forma es añadiendo un gris, de blanco o negro. Por eso decimos que un color neutro es aquel en el que no se percibe con claridad su saturación.

La intensidad se puede observar cuando lo comparamos con otro.

-VALOR O BRILLO: Se refiere a la cantidad de luz percibida. Se puede definir como la cantidad de oscuridad que tiene un color. Representa lo claro y oscuro que es un color respecto a su color patrón (el color puro). A medida que a un color se le añade negro, se intensifica su oscuridad y tiene un valor más bajo; ocurriendo lo contrario con el blanco, se hacen los colores más claros y con un valor más alto. Encontramos, por ello, claro, medio y oscuro. Es claro cuando tiene blanco, el medio con cantidades de gris, y el oscuro cuando tiene cantidades de negro.

En una composición hay que tener en cuenta que cuando es más brillante, parece estar más cerca.

LA COMPOSICIÓN, EL EQUILIBRIO Y EL DINAMISMO -Composición equilibrada: No solo los contenidos deben ser equilibrados, sino también visualmente; por eso el orden de los elementos es uno de los factores más importantes para el éxito de la composición. El espectador busca una visión equilibrada, ya sea en un folleto, un cartel, o una página web. Busca una estabilidad.

Por eso los diseños clásicos se basan en el eje horizontal y vertical. El horizontal aporta equilibrio, mientras que el vertical marca prioridades. Por eso utilizamos el reticulado (sistema de referencia más adecuado para la distribución de los elementos). El reticulado o rejilla es un sistema de referencia formado por diferentes líneas horizontales y verticales que marcan la ubicación de elementos y zonas en una composición gráfica. No tienen por qué tener representación real pero sí mental. Son las guías imaginarias sobre la que colocamos los elementos. Sobre el reticulado, el diseñador va situando los bloques. Va delimitando las zonas primarias, las secundarias, los títulos, subtítulos, fotografías, gráficos, bloques de textos…

-Composición del texto: Debe tener en cuenta el aspecto estético y funcional.

Debe ser lo más legible que se pueda facilitar la comprensión. Se ha de tener en cuenta la tipografía. Por eso los estudios sobre legibilidad muestran que depende del tipo de letra y la composición del texto. Dentro de ésta última, hay que darle importancia a la longitud de líneas y su espaciado.

Para facilitar la lectura se pueden hacer varias cosas: · La longitud óptima del texto tiene que estar entre 60 y 70 caracteres (doce palabras por párrafo). · Ensanchar los márgenes para favorecer la lectura, dando claridad.

· Dobles columnas, no sólo, sino también el tamaño de la letra.

Tenemos que tener en cuenta la legibilidad (podemos usar recuadros), la claridad (el lector tiene que identificar las secciones), la familiaridad (porque al ser usado habitualmente, es una guía) y la simplicidad.

Hay que conocer en la composición habitual sus reglas, para poder ser quebrada.

TIPOS DE EQUILIBRIO: Los seguidores de la Gestalt se ocupaban de la necesidad del equilibrio y desequilibrio para ubicar las cosas. Ellos lo llamaban nivelación o armonía y aguzamiento o contraste. Hay que tener en cuenta los elementos y los pesos y hay que analizar la importancia visual en la composición.

-EQUILIBRIO SIMÉTRICO Y ASIMÉTRICO: En el equilibrio simétrico nos encontramos igualdad de peso y tono; mientras que en el equilibrio asimétrico no existen las mismas dimensiones.

Para elegir cada tipo de equilibrio hay que elegir las ventajas: En el simétrico, es más fácil, pero tiene límites. Da sensación de orden y alivia la tensión. En el asimétrico, por el contrario, es más arriesgado y puede resultar más atractivo. Crea tensión, pero elimina la monotonía.

También se puede dividir el equilibrio en: -Formal, dónde se busca el centro óptico en el diseño. No coincide con el centro geométrico de la composición. Reflejará estabilidad y calma, pero no se verá audaz.

-Informal, que está cargado de fuerza y dinamismo.

CONTRASTE Y ARMONÍA: El diseñador gráfico se basa en el contraste y la armonía. Podemos elegir composiciones seguras o arriesgadas. Si elegimos la armonía, tenemos una solución sencilla cuyas reglas visuales ya conocemos. Es negativa su previsibilidad.

Si elegimos el contraste, atraemos la tención del receptor y damos un mayor significado a la comunicación. Trasmitimos más significados.

PROPORCIÓN: Relación equilibrada de un área con otra. Dentro de un diseño, si usamos texto e ilustración, el efecto puede variar según las proporciones a usar.

Podemos usar una relación entre fondo-contorno, título y logotipo, etc.

TEMA 3: FORMATOS Hay que saber manejarlo bien. Es imprescindible.

El papel, cuanto más blanco, menor es su opacidad, ya que los agentes que aportan la blancura, elimina la opacidad. El grano es la dirección en la que se orientan las fibras. Se puede ver rasgando el papel. El peso se mide en g/m2 . Se le conoce como granaje. En cuanto a los tamaños del papel, hay normas internacionales, usando en casi todos los países europeos, Israel, China y Sudamérica. Se basa en tres tamaños: serie A(para trabajos generales de imprenta), la serie B (sobre todo en carteles) y la serie C (para los sobres). Sólo cambian las proporciones, el formato es el mismo. Son tomados como las reglas de oro. En España, son utilizadas como normas UNE.

Denominación 0 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

Serie A 841 x 1189 594 x 841 420 x 594 297 x 420 210 x 297 148 x 210 105 x 148 74 x 105 52 x 74 37 x 52 26 x 37

Serie B 1000 x 1414 707 x 1000 500 x 707 353 x 500 250 x 353 176 x 250 125 x 176 88 x 125 62 x 88 44 x 62 31 x 44

Serie C 917 x 1297 648 x 917 458 x 648 324 x 458 229 x 324 162 x 229 114 x 162 81 x 114 57 x 81 40 x 57 ---

PAPEL Y SUS PROPIEDADES: Para saber si el papel tiene calidad, lo vemos con el trapo de algodón (si lo contiene a partir del 25 %), mientras que los baratos están realizados en pasta de madera. El granaje oscila entre 45 y 85 g/m2 en el papel normal. En los tipos superiores llega a 118 g/m2. Podemos hablar de distintas propiedades: Mecánicas o de resistencia: tiene rigidez (algo importante).

Esto depende de las fibras del papel. Otras características son la resistencia del rasgado, la superficial y la resistencia a la absorción del agua.

Visuales o de presentación: se distinguen la blancura, el brillo, la tersura y a opacidad del papel.

TIPOS DE PAPEL Existen diversos tipos de papel. Hay papel cuché, satinado o estucados.

El papel cuché no tiene una capa superficial de caolín (se le agrega en el momento de la fabricación, es de inferior calidad que el cuché).

El papel satinado suele ser de gramaje. Se usan para carteles y etiquetas.

El papel estucado sí tiene en la superficie una capa de caolín. Son lisos y brillantes.

LOS ENVASES El papel no es el único material que se utiliza, pero sí el más extendido. También se utiliza el plástico, pero el papel es más duradero en el tiempo.

Las propiedades del papel para envases: Resistencia a la rotura por tracción, por alargamiento y al plegado.

Resistencia a la fricción.

El grado de satinado.

La resistencia al agua.

Las propiedades ópticas. En especial la opacidad, el brillo y la blancura.

La actitud para la impresión, que comprende un conjunto de características que ha de poseer el papel para poder ser impreso: 1. La impermeabilidad a las grasas.

2. La resistencia a la luz (se puede poner amarillento).

3. Barreras a líquidos o vapores.

4. El PH, que define el grado, la alcalinidad o neutralidad química del material. Los materiales de PH bajo (debajo de 7) son bajos, por lo que se autodestruyen, los altos son más resistentes, y los alcalinos tienen una larga vida.

DEFINICIONES Envase: contenedor que está en contacto directo con el producto, lo guarda, lo protege, conserva e identifica además de facilitar su manejo y comercialización. Se puede clasificar un envase primario, secundario y terciario.

Envase primario: inmediato al producto. Tiene contacto directo. Por ejemplo, botella de perfume.

Envase secundario: Contenedor unitario de uno o varios envases primarios. Su función es protegerlos, identificarlos y comunicar sobre las cualidades del producto. Se suele tirar cuando compras el producto. Por ejemplo, la caja del perfume.

Envase terciario: sirve para distribuir, unificar y proteger el producto a lo largo de la cadena comercial. Ejemplo: caja de cartón que contiene distintos productos.

Envoltorio: es un material de soportes, por lo general orgánico, que suele ser flexible.

Etiqueta: pedazo de papel, madera, metal, tela o plástico (incluso pintura), que está pegada al envase o embalaje del producto. Tiene la función de identificar a la marca.

Clasificarlo en tipos o categorías, informar o describir varios aspectos del producto (quien lo hizo, cuando, qué contiene, cómo se usa y las normas de seguridad).

Promover el producto mediante un diseño atractivo.

Embalaje: aquello que se utiliza para reunir los envases individuales, presentándolas de forma colectiva para facilitar su manejo, almacenamiento, carga y distribución.

Funciones del envase: Hay dos grupos: - Función búnker: divididas por la función de contener: delimita y separa el producto del medio ambiente. Por otro lado reduce el producto a un espacio determinado y a un volumen específico. · Proteger: el envase aísla el producto (lo aísla de los factores que pudieran alterar su estado general, su composición, así como su calidad). No es sólo aplicable al producto, el envase también puede proteger al consumidor y al medio ambiente. Esta protección puede ser contra ________ o contra la influencia del medio ambiente.

El envase se dirige a la protección química individual y el embalaje a la protección física colectiva. · Conservar: el producto puede conservarse dentro de un almacén sin que sufra alteraciones, ya sea por los mismos productos o por agentes externos. · Transportar: cualquiera que sea la composición del producto, debe ser transportado con seguridad.

Todo lo relativo a las funciones estructurales se encargan del diseño industrial, y las de ______ es el campo de la mercadotecnia y del Diseño Gráfico.

ENVASE Y LA MARCA

Marca: nombre, palabra, símbolo o diseño especial que identifica a un producto o servicio. Hay que diferenciar entre: -Marca descriptiva: aquella que constituye por sí misma un argumento de venta, ya que facilita la descripción del producto.

-Identidad de marca: Los factores más importantes para la concepción del diseño del envase. Los envases más eficaces son aquellos que contribuyen a crear una identidad de marca de mayor individualidad, poseen personalidad. Los consumidores las identifican de una forma instantánea. Instrumento para conseguir esto son los logotipos, los símbolos, el color, la forma, etc.

ENVASE Y CONSUMIDOR • Consumidores subsis: se caracteriza por el escaso poder adquisitivo de los consumidores. Sus compras son principalmente de primera necesidad y su primer argumento es el precio y no la calidad.

• Consumidores selectivos: evalúan la calidad por encima de otra cosa.

Para ellos la marca es mucho más importante que el producto en sí. Cierta preocupación por el tema ecológico.

• Consumidores sivarifar: gastan grandes sumas y compran por impulsos más difíciles de predecir su respuesta.

El diseño del envase es muy importante porque la identidad del producto se ve reflejada en el diseño del envase.

ENVASE: · Valores energéticos y nutricionales. · Peso. · Fecha de caducidad. · Composición. · Código de Barras.

DIMENSIONES DEL DISEÑO DEL ENVASE: Dimensión pragmática: lo práctico de los signos empleados.

Legibilidad, coste, claridad y visibilidad.

Dimensión Sintáctica: la relación de los signos del diseño del envase. Por ejemplo, con la superficie del envase y envases que lo rodean.

Dimensión Semántica: Significado que estos signos originan en la mente del receptor.

ESPECIALIDADES QUE INTERVIENEN EN EL DESARROLLO DEL ENVASE: · Diseño Industrial: se encarga de la selección del material adecuado para el envase, de la definición de la forma, especificaciones de tamaño y color, textura de la superficie y el sistema de tapa o cierre. Utiliza la ergonomía. Adapta el envase a las medidas, fuerza, capacidades y a las limitaciones humanas. · Diseño gráfico: muy importante. Los envases actúan como comunicadores y crean imagen de marca. Se enfoca a dar una solución visual competitiva teniendo en cuenta la reacción que provoca en el posible comprador. Las funciones básicas son la

identificación inmediata de un producto, la de diferenciar un producto de los competidores dando un carácter propio (imagen de marca), informar al consumidor sobre el contenido del uso y facilidades de usarlo; aumenta la venta del producto y atraer al consumidor tras hacer la compra. · Ingeniería de envases: sus funciones son identificar el formato, identificar materiales en cuanto a resistencia, protección y medio ambiente, comprobar lo factible de la producción del envase, calcular costos y tiempo, y realizar pruebas de viaje y distribución o canalizar a través del laboratorio.

MERCADO DE CONSUMO Todas las acciones para que el producto cueste menos dinero y esfuerzo se ven reflejada en el precio. Esto se apoya en las investigaciones de mercado. Cuanta más información tengamos, más fáciles son los conceptos. Dentro de cada área se definen algunos aspectos, como son: · Diseño industrial: definimos el material, la forma, el tamaño, el calibre, el color, el tipo de cierre, el grado de resistencia, el sistema de distribución, y la vida de anaquel deseado (tiempo que el producto puede mantenerse inalterado en las condiciones normales). · Diseño gráfico: definimos tipo de imágenes y texto, tono del mensaje, tipo y tamaño de tipografía, instrucciones o formas de usos legales, composición visual, color, imagen total, memoria gráfica, impacto visual y colocación del código de barras.

SELECCIÓN DEL TAMAÑO ÓPTIMO: Hay que tener en cuenta los métodos de distribución, los hábitos de consumo, dónde se consume el producto, cuando se consume, cantidad de compra del producto, facilidad de volver a cerrar, la elaboración de un prototipo de envase y la posibilidad de realización con el equipo existente y disponibilidad de los equipos.

-PROCESO DE IMPRESIÓN Y ETIQUETADO: Hay una serie de factores que deben tomarse en consideración dentro del diseño gráfico y lo más importante son el etiquetado del envase y el tipo de proceso de impresión.

Con respecto al etiquetado, hay que determinar si se aplicará la impresión sobre el envase o en algún material y, en cuanto a la forma, hay que plantearse si la etiqueta ocupará todo el lado frontal o todo el envase.

METODOLOGÍA PARA EL DISEÑO: 1.

Fase analítica. Se define el problema para saber las soluciones que hay que aplicar. Hay que saber si los problemas pueden solucionarse y modificarlo o, bien, volver a crearlo. Se prepara un programa detallado de actividades y personas que tienen que ejecutarlos, así como los tiempos estimados. También se debe obtener información relevante, para lo que se hace un listado de requerimientos específicos, limitaciones y anotaciones.

2.

Fase creativa. Hay que analizar los datos para aportar propuestas de diseño. En segundo lugar, se realiza un bocetaje inicial. En esta fase se contempla la mayor cantidad de soluciones posibles y se puede hacer mediante elementos tradicionales (lápiz) o por ordenador. En tercer lugar, se hace una presentación de ideas donde se evalúan las propuestas iniciales y se jerarquizan. Aquí se pueden mezclar ideas (cosas buenas de una propuesta y otra). En cuarto lugar, se realiza una evolución de bocetos donde se depuran y después se elabora la presentación. Se

3.

evalúan las alternativas para ser presentada al cliente. Aquí se elabora la presentación. Se evalúan las alternativas para ser presentada al cliente.

Aquí se elaboran maquetas y prototipos para después poder explicar de forma clara los aspectos relevantes. A veces se presenta, junto a las maquetas, un documento llamado reacional relativo donde se recogen los datos dados por el cliente. En quinto lugar, seleccionamos la alternativa, y, por último, pasamos al refinado donde se afinan las pequeñas modificaciones con las opiniones del cliente.

Fase ejecutiva. Se preparan y ejecutan estudios y pruebas que validan el diseño. Se hace un refinado basado en pruebas, basado en los estudios del mercado, donde también se realiza un nuevo juego de maquetas, aunque más refinado. Se aprueba el diseño final. Se produce la adaptación a presentaciones. Se preparan documentos para la producción, tales como planos, originales (de impresión), etc., llegando a la solución final.

Identificar algunos colores con el color y el sabor.

Lo ácido: lo relacionamos con el amarillo verdoso.

Lo dulce: lo relacionamos con el naranja, amarillo, rojo, rosa.

Lo amargo: azul marino, marrón, verde oliva y violeta.

Lo salado: gris verdoso o azulado.

Los olores se relacionan con los colores de la siguiente forma: Especias: naranjas.

Perfume: violeta o lila.

Malos olores: colores oscuros.

CARACTERÍSTICAS DE LAS ETIQUETAS Y EL ETIQUETADO La etiqueta es quien identifica el producto. Factor determinante para la venta del producto. Encargada de proyectar la identidad tanto del producto como del fabricante.

Debe informar sobre el producto, sus características, las formas de usarlo y los aspectos legales relativos a su manejo y a su uso. Gran cantidad de tamaños, formas, diseños, materiales… y se pueden aplicar en distintas fases del envase. Está la etiqueta frontal, que cubre sólo una porción del envase; y la etiqueta envolvente, que cubre completamente los laterales del envase y sus bordes y sus solapas hasta hacer una costura.

Fajas retáctiles: son flexibles y se ponen en el envase y se adhieren por medio de un pegamento que varía según el tipo de envase. Puede ser pegamento líquido, caliente a presión o por calor.

Código de barras: es una serie de líneas paralelas y espacios de diferentes grosores, donde el ancho de las líneas y de los espacios determinan el dato codificado.

El código de barras sólo identifica el producto. No tiene ninguna importancia añadida.

Es leído por el escáner y cada producto tiene asignado un número único. Por lo general, de 13 dígitos, conforma al sistema EAN (European Article Numering). Su red está en Bruselas y es una organización sin ánimo de lucro.

TEMA 4. LA TIPOGRAFÍA EL DISEÑO TIPOGRÁFICO La tipografía consiste simplemente en elegir un tipo de letra para un diseño o un trabajo para que se pueda leer sin dificultad.

Literalmente en ________ significa “diseño de las letras”.

Podemos decir que la _____ es una mezcla entre matemáticas y estética. Por una parte hay reglas estrictas que deben respetar para que un bloque de texto quepa en un espacio. Por otra parte la buena tipografía consigue dotar de un carácter atractivo y personal a cada obra gráfica, realzando el significado de las palabras.

Es un fiel reflejo de su época. El signo tipográfico ha sido un miembro activo de los cambios culturales del hombre. De los primeros signos de escritura, cada signo reflejaba una idea, de esta forma se combinaban dando lugar a ideas más complejas (lenguajes jeroglíficos). Nuestro alfabeto tiene un antecedente fenicio. En este, cada signo, al contrario que los anteriores, expresaba una sílaba, que era la unidad fonética, no expresaba ni cosas ni ideas. Consta de 22 signos, que mediante su gran capacidad combinatoria forma lo que es el lenguaje. Las características de los rasgos y la estructura de los signos están determinadas por la técnica determinada para la ejecución de las inscripciones y el material utilizado como soporte.

El primer antecedente de nuestras mayúsculas, también llamadas capitales, lo encontramos en el imperio romano, concretamente en la columna trajana del foro romano. Por otro lado, los monjes fueron los principales reproductores de la escritura manuscrita, se dedicaban a la documentación de trabajos científicos y a la reproducción de la Biblia.

En el s. VIII, Carlos Magno, por una decisión política basada en la necesidad de uniformar las existentes escrituras, ordena la normalización de un nuevo sistema de signos y es cuando crea la llamada minúscula carolingia, que es lo que ha perdurado hasta hoy.

En occidente el alfabeto romano fue evolucionando y en el s. X en el Monasterio de San Gall, en Suiza, se desarrolló un nuevo tipo de letra, que era la óptica. Las características de esta letra eran que era más rápida de escribir y se aprovechaba mejor el papel. Estos eran factores importantes en la época en la que había mucha demanda de escritos. En un primer momento se realizaban en pergamino y más tarde en papel. En 1450 se produjo uno de los hechos más importantes para el desarrollo de la tipografía y de la cultura en general, Guttemberg inventa los caracteres móviles cuando la imprenta.

Imprime el primer libro “La Biblia de las 42 líneas” (42 líneas en cada columna) En 1456 Garamond crea una fundición y comienza a fundir un tipo más informal que la letra romana. Desde entonces multitud de tipógrafo comenzaron a crear nuevos tipos de letra. Destacan Bodoni, Fourniere, Didot, Baskerville, Max Meidinger (crea la Helvética).

FAMILIAS TIPOGRÁFICAS Se da el nombre de letras al conjunto de signos usados para usar un lenguaje. Su equivalente en tipografía e imprenta es el tipo. El tipo define a los signos que se emplean para la ejecución de los moldes tipográficos y carácter es el resultado de la impresión de los tipos.

Se puede hacer una primera clasificación tipográfica dependiendo de tres elementos esenciales: 1º/. La presencia o ausencia de serif.

2º/. Forma del serif.

3º/. Uniformidad o variabilidad del grosor del trazo.

De acuerdo con esto, podemos hacer un análisis y reconocer a los dos grupos fundamentales: las tipografías con serif y las sans serif o de palo seco.

Definimos familias tipográficas al sistema de signos y otros símbolos que responden a un programa de diseño definido previamente. No sólo comprende las 27

letras, sino también mayúsculas y minúsculas, las versalitas, los 10 números, símbolos especiales, signos de puntuación y matemáticas.

Otra de las variables a tener en cuenta son las variables de tono, donde el valor del engrosamiento determina el tono de un estilo. Por eso tenemos la ligera o Light, la romana o regular, la negrita o bold, la seminegra o heavy, la negra o black, la ultanegra o ultrablack.

Las proporciones constituyen otro tipo de variables. Existe la normal, la condensada, la ultracondensada, la expandida y la ultraexpandida.

LEGIBILIDAD Define la cualidad deseable de una familia tipográfica. Algo legible es la facilidad o complejidad de la lectura de una letra. Hay muchos condicionantes para la legibilidad de un texto, pero muy importante es el interletrado (o espacio entre letras), el interpalabrado (o espacio entre palabras) o el interlineado (espacio entre líneas del texto). El error más importante que se comete en diseño gráfico reside en la pérdida de diferenciación entre los signos, perdiendo legibilidad.

FAMILIAS TIPOGRÁFICAS. CLASIFICACIÓN. Gótica: Desarrollada en Alemania y reflejaba la escritura manual, también conocido como letra negra o textura.

Estilo antiguo: Con la introducción de la imprenta en Italia, se comenzó a utilizar este tipo de letra. Los documentos especiales eran manuscritos con un estilo de letra conocido como Itálica de cancillería (más claro y legible).

Transicional: Aparece cuando se perfeccionan los procesos tipográficos y los materiales de papel y tinta. El más conocido es la Baskerville.

Moderna: Surge en 1789 por el impresor Giambattista Bodoni. Empezó a conocerse como estilo moderno. Bodoni, influenciado por los estilos artísticos clásicos (griego y romano), dio su nombre a este tipo de letras que incide en el máximo contraste entre los trazos gruesos y los finos.

Egipcia: Surge en el s. XIX con la Revolución Industrial. Con los nuevos avances tecnológicos y junto a la demanda de mercado, generalmente publicidad. En aquella época las necesidades de publicidad demandaban diseños creativos que destacaron del entorno. También se conoce como de palo y tiene formas exageradas y, en ocasiones, ilegible.

Sin rasgo o sans serif: surgió como respuesta a la búsqueda de diseños muy llamativos. Eran tipos sin rasgo e inicialmente fueron utilizados en carteles. Más tarde fueron usados también en otros campos.

En la práctica del envase hay que especificar la tipografía utilizada.

CLASIFICACIÓN DE LOS TIPOS: Clásica: dentro del estilo antiguo. Son tipos romanos basados en los antiguos estilos holandeses, italianos e ingleses. Son de fácil lectura y con rasgos acabados en punta. Tienen muy poca diferenciación entre los trazos gruesos y finos; y se utiliza mucho en la actualidad.

Transición: Está la Baskerville y la Century, entre otras. Son muy habituales para bloques de texto de libros y revistas.

Palo seco o Sans serif: Son letras sin trazo terminal y son la Helvética, por ejemplo, la Universo, la Futura, y la Gill Sans.

Moderna: Se creó en el siglo XVIII. No se utiliza mucho en composición. Es la Badoni y la Scotch.

Egipcia: La más conocida es la Rockwell. Las versiones fina y media son las más adecuadas en texto.

Script: Se basa en la escritura manual. Es un tipo de letra muy elaborada, parecida a la gótica, difícil de leer en párrafos largos.

Decorativa: Son tipos apropiados para encabezamientos breves e importantes, pero no sirven para bloques de texto.

PARTES QUE COMPONEN LAS LETRAS: Altura de las mayúsculas: Altura de letra de caja alta de una fuente tomada desde la línea de base hasta la parte superior del carácter.

Altura x: Es la altura de las letras de caja baja excluyendo los ascendentes y los descendentes.

Hombro: Es el asta curva cerrada que encierra el blanco interno, en letras tales como la ´b`, la ´p`o la ´o`.

Asta: Rasgo principal de la letra que define su forma esencial. Sin ella, la letra no existiría.

Asta ascendente: Asta de la letra que sobresale por encima de la altura x, como la ´k`.

Asta descendente: Asta de la letra que queda por debajo de la línea de base, como es la ´p`o la ´g`.

El blanco interno: Es el espacio en blanco contenido dentro de un anillo o un ojal.

El brazo: Es la parte terminal que se proyecta horizontalmente hacia arriba y que no está incluido dentro del carácter. Esto ocurre en la ´p` o ´e`.

La cola: Es el asta oblicua colgante de algunas letras.

El cuerpo: Es la altura de la letra.

La inclinación: Es el ángulo del eje imaginario sugerido por la modulación de espesores de los rasgos de una letra. El eje puede ser vertical o con diversos grados de inclinación. Tiene una gran importancia en la determinación del estilo de los caracteres.

La línea de base: Es la línea sobre la que se apoya la altura de la “x”.

La oreja: Es un pequeño rasgo terminal que a veces se añade al anillo en letras como la ´g` o la ´o`.

El serif: (o remate). Es el trazo terminal de un asta. Es un resalte ornamental que no es indispensable para la definición del carácter, habiendo algunos que carecen de ellos.

Con todos estos elementos se delimitan las familias tipográficas y pueden ser distinguidos.

TEMA 5. SEÑALÉTICA La señalética surge de la necesidad de un lenguaje simbólico que debería ser captado simbólicamente y comprendido por todos los individuos. Los orígenes de la señalética son tan antiguos como la misma humanidad y obedecen al acto intuitivo de orientarse por medio de objetos y marcas que uno deja a su paso o sobre las cosas materiales de uso. La señalética tiene sus inicios en el marcaje y se funcionaliza con la complejidad del entorno y de la movilidad social. El origen gráfico de la señalética se encuentra en las piedras, y surge como una acción intuitiva ante la necesidad de señalar

las cosas y hechos dando paso a un lenguaje de símbolos que procura su entendimiento automático e intuitivo. Después de las marcas en las cuevas prehistóricas, la primera forma fueron las piedras que se marcaban y colocaban de determinada manera para guiar un camino. Este procedimiento se utilizaba mucho en la época de los griegos, subsiste hasta 1853 cuando las señales en los caminos fueron elaborados con piedras duras y ubicados a la derecha de las rutas. Además, se colocaban tablas indicadoras a la entrada y salida de los pueblos. Los postes y pilares con funciones indicadores eran hechos de hierro. El primer tipo de señal ética utilizado tuvo funciones viales. Si nos referimos al signo más utilizado para señalar, sin duda es la flecha. Para realizar un buen proyecto de señalización hay que hacerse tres preguntas claves (que cualquier persona que se encuentre en la necesidad de desplazarse dentro a fuera de un edificio se hará de forma automática): Dónde estoy y a dónde quiero ir.

Como he llegado hasta aquí.

Cómo saber que he llegado aquí.

DIFERENCIA ENTRE SEÑALÉTICA Y SEÑALIZACIÓN Etimológicamente señalética significa el sistema de escritura para medio de signos orientativos de señalización. Puede definirse como un lenguaje desarrollado de signos específicos junto al conjunto de criterios para su concepción y aplicaciones cuya característica principal es la adaptación a problemáticas precisas. Podemos definir señalización como la parte de la ciencia de la comunicación visual que estudia las relaciones funcionales entre los signos de orientación en el espacio y en el comportamiento de los individuos.

La información que aporta cualquier código de señales se ha de facilitar con rapidez. En ciertos casos, de forma casi instantánea. Esta información se facilita a través de un conjunto de señales gráficas o tipográficas a lo largo de un trayecto o lugar determinado. La señalización es de carácter autodidáctico, entendiéndose como un modo de relación entre el individuo y su entorno.

La señalética responde a la necesidad de información o de orientación, provocada y multiplicada al mismo tiempo por la movilidad social y la proliferación de servicios públicos y privados.

La comunicación señalética no exige esfuerzos de localización, de atención ni de comprensión, puesto que constituye una forma de guía para el individuo en un lugar determinado que llama su atención y da la información requerida de forma instantánea y universal. Los elementos utilizados contienen en sí mismos valores informativos que determinan que puedan presentarse solos o formando conjuntos con otros con el objeto de comunicar un mensaje más extenso. Si la señal es confusa, es que tiene exceso de información o tiene poco interés. Así, tanto los signos gráficos como las composiciones tipográficas deben utilizar formas muy sintéticas y de rápida percepción.

CARACTERÍSTICAS: FINALIDAD

FUNCIONAL/ORGANIZATIVA

ORIENTACIÓN

INFORMATIVA/DIDÁCTICA

PROCEDIMIENTOS

VISUAL

CÓDIGO

SIGNOS SIMBÓLICOS

LENGUAJE ICÓNICO

UNIVERSAL

PRESENTACIÓN

DISCRETA/PUNTUAL

FUNCIONAMIENTO

AUTOMÁTICO/INSTANTÁNEO

Un señalamiento siempre debe considerar el espacio total y parcial en que se divide, la morfología eclectónica o del entorno, la organización del espacio en función de los servicios que se ofrecen al público, la distancia de visión de los paneles que determinan el tamaño y contraste, la iluminación y la imagen de marca del espacio.

ELEMENTOS QUE CONFORMAN EL SISTEMA DE SEÑALIZACIÓN Y LA NORMATIVA PARA SU USO: Fechas Medidas y Proporciones Cromatismo

Tipografía Pictogramas

Las señales, carteles o vayas pueden estar situadas en vías de carreteras, caminos, etc., dentro de los pueblos y ciudades o en edificios, tanto en el exterior como en el interior. Tomando como base estas características de ubicación se establecen tres apartados: · Señalización interurbana (carreteras) · Señalización urbana (situada en pueblos y ciudades) · Señalización de edificios También podemos diferenciar las señales restrictivas y preventivas, cuyas formas, dimensiones, mensajes y contenidos gráficos han sido ya predefinidos y está normalizado. Su función esencial es regular los flujos humanos y de vehículos en el espacio exterior. Por otra parte, la señalética se ocupa de las señales informativas que tienen por objeto identificar, regular y facilitar el acceso por los servicios requeridos. A diferencia de la señalización, que es estrictamente funcional, la señalética tiene dos vectores: el primero es el vector funcional y el que el sistema en su conjunto contribuye en un funcionamiento más cómodo, seguro y ágil. Por otro lado tiene un vector de imagen, ya que la señalética es uno de los principales y más accesibles instrumentos que se necesita para mejorar la imagen.

Un diseñador gráfico proyecta, diseña y especifica sistemas de señalización y otras formas de comunicación visual en el entorno edificado y en el natural. Por eso debe cumplir algunas funciones básicas como las de ayudar a los usuarios a desenvolverse en el espacio especificado dirigiendo e informando para realzar visualmente el entorno y proteger la seguridad del público. Es importante analizar los factores arquitectónicos, culturales y estéticos.

Diferencias entre señalización y señalética:

SEÑALIZACIÓN

SEÑALÉTICA

-Tiene por objeto la regulación de personas y de vehículos.

-Es un sistema determinante de conductas.

-Es universal y su sistema está creado.

-El código de lectura es conocido a priori.

-Las señales son materialmente normalizado y homologadas y se encuentran disponibles en la industria.

-Es indiferente a las características del entorno.

-No influye en la imagen del entorno.

-Concluye en sí misma.

-Tiene por objeto identificar, regular y facilitar el acceso a los servicios requeridos por los individuos en un espacio determinado que puede ser interior o exterior.

-Es un sistema más optativo de acciones, las necesidades son las que determinan el sistema.

-Su sistema debe de ser creado o adaptado en cada caso particular.

-El código de lectura es parcialmente conocido.

-Las señales deben de ser normalizadas y homologadas por el diseñador del programa y producidas especialmente.

-Se superita a las características del entorno.

-Refuerza la imagen pública o la imagen de marca de las organizaciones.

-Se prolonga en los programas de identidad corporativa.

CRITERIOS DE LEGIBILIDAD Para conseguir una buena señalización que comporte buenos resultados hay que lograr, además de ofrecer símbolos gráficos acertados, una correcta ubicación de las señales. La situación de cualquier soporte de señalización será tanto más acertada cuanto más ajustada se encuentra dentro del ángulo de visión humana, siendo una norma útil de evitar una desviación superior del 10 % de dicho ángulo. Según la distancia a la que haya de ser vista la señal deben variar tanto la finalidad de sus elementos como la altura a la que se sitúe, teniendo en cuenta que las proporciones del ángulo de visión se hacen más amplias a medida que aumente la distancia entre la persona y la señal que se visiones.

CONSEJOS PARA VISIONES: La visión de corta distancia: los objetos que se presentan a esta distancia son de pequeño tamaño y tienen que estar a menos de 10 m., y su colocación respecto al suelo será entre 1,5 y 2,5 m.

Visión a media distancia: cuando sea de 10 a 15 m. la separación entre el observador y la señal, el tamaño del letrero o cartel no puede ser menor de 1 x 1 m.

Visión a larga distancia: estaría situado a una altura superior al primer piso de un edificio. Suelen ser de gran tamaño. Irían iluminados para ser visibles durante la noche.

CROMATISMO

La codificación de colores permite identificar diferentes edificios. En este caso, el color es un factor de integración entre señalética y medio ambiente. Se realizarán pruebas de control y siempre convendrá tener en cuenta las connotaciones o la psicología de los colores, tanto en función de su capacidad informacional como de la imagen de marca.

La saturación del color sería el criterio señalético propiamente dichos, fundado en el razonamiento óptico.

El razonamiento psicológico considera a los valores no por su impacto visual, sino por sus connotaciones.

El razonamiento de la imagen de marca o de la identidad corporativa considera los colores por su asociación a la marca.

También hay que tener en cuenta ciertos aspectos que de alguna forma irán delineando el resultado final: la visibilidad, el contraste, el tamaño, la distancia, etc., es decir, todo lo relativo a la ergonomía.

También hay que tener en cuenta ciertos aspectos bastante importantes como son el formato, el tamaño, los materiales, los métodos de impresión y los tratamientos que pueden llegar a utilizar.

PICTOGRAMAS Son elementos que aportan información tan sólo de forma gráfica, han de ser sintéticos y expresivos para que puedan ser comprendidos fácilmente por un público cada vez más heterogéneo y, sobre todo, de idioma y cultura.

La aplicación de los pictogramas: · La primera depende de las características del soporte (si es redondo, triangular, …). A diferencia de la comunicación escrita, que por su característica necesita una longitud y anchura mayor, el pictograma es mucho más directo. · La segunda aplicación viene determinado por el propio lenguaje.

Ha llevado a un cambio al ámbito de lectura de la población. Podemos decir que hay tres tipos de información pictórica: - La primera hace referencia a aquellos signos que como imágenes naturistas, principalmente en forma de silueta, no dejan lugar a dudas en cuánto a su significado.

- Aquellos que no son comprensibles a simple vista, sino que requiere un esfuerzo de reflexión.

- Aquellos que requieren el uso de tipografía para ser utilizados.

Si un pictograma es utilizado como tipografía (si necesita de ella para ser utilizado) mejor que prescindamos del elemento pictográfico. Se basa en la abstracción para apoyarse más en lo observado. No se basa en caracteres particulares, sino en lo genérico. Si el pictograma cumple su cometido reemplaza absolutamente a la represión tipográfica aunque algunos elementos pictográficos pueden ser mostrados con contexto, se recomienda que l parte tipográfica sea eliminada.

TEMA 6. IMAGEN CORPORATIVA Logotipo: es la marca distintiva de una compañía, producto, servicio o gama de productos y servicios.

Símbolo: más o menos visual que identifica la empresa como organización.

Logo-símbolo: combinación normativa del logotipo y del símbolo. Y expresa la identidad visual corporativa.

Colores corporativos: aquellos que el programa permite utilizar. Se distinguen los colores principales de los secundarios. Los primeros forman parte del símbolo, mientras que los segundos se utilizan en aplicaciones y versiones secundarias.

Distinguir entre imagen corporativa e identidad corporativa: Imagen corporativa: percepción que tienen los públicos de la organización, empresa o servicio.

Identidad corporativa: proyección que la organización o empresa pretende establecer en sus públicos.

La imagen corporativa es la personalidad de la empresa, y dicha más o menos tiene que estar impresa en todas partes que involucren a la empresa (eventos, actos) para posicionarla en el mercado.

El manual de identidad corporativa consiste en realizar un auténtico código de comportamiento de la empresa u organización. En él se encuentran todas las normas operativas a las que debe atenerse la empresa, que se rige por elementos visuales determinados. En un principio, existe una detallada presentación del logotipo con variación de tamaño y color.

También se expone todo lo que es el material de papelería, incluyendo tarjetas personales, papel tamaño carta y sobres.

Material para elementos externos: escaparates, transportes, etc.

La tarea del diseñador no es sencilla porque muchas veces para crear la imagen impresa se requieren años.

La imagen corporativa es muy importante para la venta. En un mercado tan competitivo y cambiante, la imagen corporativa es un elemento definitivo de diferenciación y posicionamiento. Así, como las empresas se adecuan a los cambios con gran velocidad y profundidad, de igual manera deberá adecuarse a su imagen pero transmitir esos cambios. La imagen corporativa es la manera por la cual la empresa transmite quién es, qué es, qué hay y cómo lo hace. El diseño coordinado de los diferentes agentes de coordinación hará que la imagen sea correctamente transmitida al público deseado. La construcción de una imagen conlleva una optimización de los recursos, un diseñador a quien se le encarga un manual de identidad corporativa, debe evaluar el problema siempre dentro de su contexto. El diseño de un logotipo o una imagen empresarial deberá estar dictado por los requisitos del diseño, y la investigación del diseñador. Un cliente puede tener preferencia por un tema en particular, que serán influencia importante en el diseño. No obstante, la prioridad debería siempre consistir en obtener la imagen comercial más apropiada. Es una cuestión de interpretar el punto de vista subjetivo del cliente y a la vez sacar ventaja del material de investigación. Gran parte de la solución de problemas en el diseño de una empresa se apoya en un investigación exhaustiva y en decisiones inteligentes del mercado, seguidas de una buena interpretación visual.

Identidad corporativa: ha sufrido cambios en las últimas décadas. Primero arranca con una problemática empírica muy concreta vinculado al desarrollo de las marcas que servían de identificadores. La primera etapa es el desarrollo de estos signos, pero el propio desarrollo del mercado, de la sociedad, de la comunicación, va presionando sobre estos signos y empieza a generarse la necesidad de instrumentalización sistemática que se plasma en los manuales de identidad corporativa.

Ya podemos decir que los programas de identidad corporativa junto con los de comunicación adquieren un carácter estratégico. Esto quiere decir que un simple manual de identidad gráfica difícilmente podrá insertarse estratégicamente si no existe un plan general o una estrategia de identidad y comunicación. Es un vehículo que da una

proyección coherente y cohesionada de una empresa y organización. En resumen: una comunicación visual sin ambigüedades. Todo lo que una empresa tiene, hace y dice es expresión de la identidad corporativa. Una identidad corporativa bien realizada no es un simple logotipo. Es necesario mantener una coherencia visual en todas las comunicaciones que una empresa realiza: proyectos, papelería, página web, etc.

La identidad corporativa de una empresa es su carta de presentación, de esta identidad dependerá la imagen que nos formemos de esta empresa.

Una empresa necesita identidad corporativa cuando: se pone en marcha, cuando se ha fusionado con otra, cuando diversifica su gama de productos, cuando la empresa toma conciencia de que debe modernizarse, cuando una empresa ofrece servicios y productos muy parecidos a los de su competencia, cuando los productos son más famosos que la empresa, cuando la empresa tiene un cambio de dirección y quienes cambian todo lo que es su estrategia de comunicación, cuando una empresa es identificado con demasiados elementos, por lo tanto, debe de integrar su impacto.

BENEFICIOS DE LA IDENTIDAD CORPORATIVA: Aumento de la reconocibilidad de la empresa.

Desarrolla una mayor confianza de los empleados o voluntarios de la empresa (esto es lo que llamaríamos comunicación interna).

Aumento del conocimiento público de la empresa.

Una imagen más apropiada en el mercado.

MANUAL DE IDENTIDAD CORPORATIVA Recopilación de la imagen y de la identidad corporativa. Se encarga de facilitar a nivel global todo lo concerniente a la empresa y organización. Las partes en las que se divide un manual de identidad corporativa son: Presentación Normas tipográficas Manual corporativo (toda la Normas complementarias explicación de la empresa) Control de sombras Reseña histórica Control de rotación Objetivos del producto Control de información El símbolo Aplicaciones Logotipo Papelería La gama cromática Papelería administrativa Uso de colores Indumentaria Tramas previsibles Fachada Normas básicas de utilización Transportes del manual Anexos desprendibles Disposición formal de los Actos finales colores Publicaciones institucionales Control de un solo color Anuncios, carteles, cine y Negro y escala de grises televisión Control de proporción Envases, etiquetas y embalajes

-

Material y punto de venta (la figura de shrek, por ejemplo) Material de exposiciones (1 stand y como deben estar ubicados) Material de promoción

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Señalización

Manual corporativo: constituye una herramienta para el manejo de las directrices de presentación de los mensajes institucionales como manual que garantice la promoción de la identidad de la empresa en cada uno de sus productos. El manual consta de la definición comercial de la empresa o marca de la actividad principal y secundaria de la empresa donde se define el producto y sus características: el tiempo en el mercado y su ubicación o la competencia, análisis de la imagen que posee, compatibilidad entre la imagen y el mercado, y qué se puede mejorar cómo y por qué.

TEMA . DISEÑO EDITORIAL El diseño del periódico está en función del contenido, subordinado y limitado. Por eso es importante dar con la clave para que el diseño se adapte al contenido. Hasta ahora, el diseño se reducía a una serie de reglas y cánones y al estudio de la terminología.

Ahora la concepción del diseño ha variado gracias a asociaciones y otros organismos como “Society Newspaper Design”. Esta sociedad está formada por los mejores diseñadores del mundo y aporta todos sus conocimientos para el avance del diseño. Se dedica, además, a hacer publicaciones, organizar congresos e investigar lo nuevo del diseño (avances).

En los últimos tiempos, lo más importante de estas investigaciones han sido los basados en la percepción del lector. Se han dado cuenta de que el lector es lo más importante.

El diseño editorial está determinado por la cultura. España está a la cabeza del diseño junto a EE.UU. y Francia. La visión que tiene el sponsor de un buen diseño es muy importante. Ese lector opina cuál es el mejor diseño con su aptitud. El lector está limitado por el tiempo. Su objetivo es conseguir la máxima información en el menor tiempo posible. El diseñador, por su parte, debe guiar al lector, por la portada. El lector lo que pide son fotos y titulares grandes que le permita conocer en poco tiempo la noticia. Además, también pide que se le sorpresa. El lector lo que espera es información, entretenimiento e interpretación.

Parte del trabajo del diseñador es enseñar a los editores cómo buscar caminos consecuentes y atractivos para el periódico, y que ayuden a estar cerca de los lectores.

Para ello hay que tener en cuenta una serie de condicionantes, ya que el diseño no es universal y va cambiando continuamente: los condicionantes geográficos, por los cambios en la sociedad.

El editor, el diseñador y periodista ha de ponerse de acuerdo para crear una página atractiva para el lector.

Consejos para mejorar la edición y el diseño desde el punto de vista del lector: 1.

Establecer una relación entre el tiempo y la palabra. Se ha de tener en cuenta que el lector no tiene tiempo de leer el periódico entero. Por eso el

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diseñador debe tener esto presente para hacer más atractiva la página.

Tanto diseñador como editor deben ser conscientes de la falta de tiempo y que no pueden faltar noticias. Han de entender la función de la “agenda setting”. Los lectores quieren que los editores tomen decisiones por ellos, que seleccionan los más importante, que se los ordene la realidad. Tras la repartición del espacio total, el diseñador necesita saber cuánto espacio tiene para decidir qué espacio dedicar a cada noticia.

Utilización del título. Se han de considerar los titulares como una herramienta poderosa, ya que es uno de los elementos que capta más rápidamente la atención del lector. No debe ocupar más de dos líneas, y si falta información se le completa con un subtítulo. Este y el título no han de ser iguales, sino complementarse. Su función es la de introducir al lector al texto o cuerpo de la noticia. cuidar la utilización de los párrafos del sumario. Los sumarios son muy característicos de Europa y Sudamérica. Su función es resumir toda la publicación. conseguir una edición integrada; hay que facilitar al lector un papel completo de información que incluya titular, texto o cuerpo de la noticia, fotografía, pie de foto, ilustración, gráficos, tablas o listados. debemos segmentar una noticia en distintas partes. La función de esto es facilitar la lectura. Se puede hacer mediante ladillos, infografía, etc.

RECURSOS PARA LA CONFIGURACIÓN DE LAS PÁGINAS DE UNA PUBLICACIÓN PERIÓDICA. Trabajar sobre una retícula y tener en cuenta los criterios: Concepto eficaz e idea.

Tratar la idea con originalidad.

Hacer un análisis y comprensión del contenido dentro de la página.

Tratar de ofrecer esa información al lector de forma visual.

Tener en cuenta la tipografía a utilizar y si la aplicación le permite utiliza la más adecuada.

Tener en cuenta el contraste.

Tener en cuenta el color, siempre que la publicación lo permita.

Interrelación entre todos y cada uno de los elementos.

Movimientos visuales, la dirección en que el director se dirige a la página.

La emoción que da la página en sí ya finalizada. Es importante que sorprenda al lector.

TEMA 7. EL DISEÑO GRÁFICO EN LA PUBLICIDAD Los gráficos, como las noticias, contienen información; y, de igual forma que las noticias, pueden contener mejor o peor información. Los gráficos son interesantes para localizar, comparar, explicar y resumir. Se trata de hacer asequibles datos de difícil

comprensión. Los gráficos hacen más animada y visual la página; pero su primer propósito es la de informar. No son decoración, sino que son parte integrante de nuestras noticias. Los gráficos serán buenos en la medida en que la información que contengan lo sean también. Si los datos de un gráfico llegan tarde, son incompletos o son irrelevantes para entender la historia que se presenta, es preferible evitarlos. Los buenos gráficos son resultado del proceso de investigación, documentación y redacción de una noticia. Por tanto, no son el resultado de un trabajo rápido e irreflexivo. Son el resultado del ejercicio reflexivo de los redactores o editores que, tras ponderar la información que poseen, legan a la conclusión de que se debe tratar visualmente o de forma gráfica. La información para el gráfico se recogerá mientras se trabaja e investiga en la historia y nunca después.

Los buenos gráficos ayudan a aligerar y guiar la historia cuando ésta requiera enumeración de datos estadísticos o explicaciones difíciles de seguir. También contribuyen a presentar la historia de una forma más clara y ordenada. Esto ayuda mucho a los lectores.

Además de los gráficos, también podemos enumerar las fotografías, para hacer un diseño más dinámico a la vez que informar. Las fotografías suelen ser lo más común y, a veces, lo más adecuado. Se caracteriza por ser emocionales y no analíticas. Nos muestran personajes, situaciones o lugares. Nunca contienen datos, aunque a veces informan más que la propia noticia. También podemos utilizar ilustraciones que suelen reproducir elementos imaginarios. Son creación de un artista que intenta reflejar una escena o una situación humorística que apela visualmente al lector. Esto no significa que apropie información.

Los gráficos tienen distintos elementos. Tenemos el titular, que debe ser conciso para introducir al lector en el gráfico, y está en sintonía con el titular de la historia a la que acompaña. Después tenemos el texto, que es la explicación de lo que muestra el gráfico o términos que expresan los datos. El texto ha de ser escrito con estilo informal. Seguidamente tenemos el cuerpo, que es la imagen dominante del gráfico que normalmente expresa datos de forma visual. En cuarto lugar tenemos la fuente, que es de donde se ha obtenido la información y cuyo uso es importante si es posible. Si no lo es hay que utilizar las publicaciones de donde se haya conseguido o el nombre de la agencia. Por último está la firma. Se especifica quien hizo el gráfico y el nombre de sus colaboradores.

TIPOS DE GRÁFICOS: -MAPAS: muestran la localización, distancia, área, ruta y describen un lugar o comparan distintos espacios.

-TABLAS: donde se diferencian distintos tipos: ·fiebre: desarrollan una tendencia numérica a lo largo de un determinado tiempo. ·barras verticales: muestran valores precisos a lo largo de un tiempo determinado. ·barras horizontales: comparan valores en un punto concreto del tiempo. ·tartas: comparan los valores de las partes que integran el todo.

-DIAGRAMAS: también pueden ser de distintos tipos: ·sección: muestran el interior de un cuerpo o mecanismo. ·organización: relaciones jerárquicas. Ejemplo: organigrama. ·cronológicas: enumera la lista de acontecimientos en el orden que ha ocurrido.

DISEÑO EN PUBLICIDAD: Forma parte de cualquier tipo de publicidad y quizás la industria publicitaria es quien más puestos de trabajo genera en diseño gráfico.

Prácticamente en todas las formas de publicidad, el cliente toma todas las decisiones sobre cómo y dónde promocionar el producto. La forma en que se planifica una campaña depende de muchos factores, incluyendo el presupuesto disponible y el área de captación de los clientes potenciales. Sin embargo, existen algunos indicadores generales de marketing que se aplican a todas las campañas y productos.

1. Dar a conocer el producto.

2. Identificar el mercado.

3. Localizar a los compradores potenciales. Los directores de algunos medios de comunicación tienen que conocer bien su audiencia. Los publicistas deben saber quien lee una publicación o escucha un programa.

Mediante investigaciones de mercado, los directores de los medios de comunicación dividen la audiencia en clasificaciones estándar. Las divisiones se realizan analizando en grupo social, la ocupación y el poder adquisitivo del cabeza de familia. Por eso se dividen, aproximadamente, así: -

La categoría A corresponde a altos directivos y profesionales.

La categoría B corresponde a directivos medios y profesionales.

La categoría C1 corresponde a empleados, administrativos y profesionales.

La categoría C2 corresponde a trabajadores manuales especializados.

La categoría D corresponde a trabajadores manuales semiespecializados y sin especializar.

La categoría E corresponde a trabajadores temporales, pensionistas y desempleados.

4. Valorar el presupuesto del cliente.

5. Programación de la campaña, donde el calendario pueda influir en el costo de la campaña que en algunos medios varían dependiendo de la temporada.

6. Definir el argumento de la idea.

ORGANIZACIÓN DE LA AGENCIA DE PUBLICIDAD Y RELACIÓN DEL DISEÑADOR GRÁFICO CON LOS DISTINTOS DEPARTAMENTOS En la mayoría de las empresas no se suele saber cuál es la mejor forma de anunciar los productos. Un diseñador gráfico puede ser también ignorante en esta materia, por lo que el anunciante y el propio diseñador gráfico necesitan de la ayuda de otras personas que sepan realmente el mensaje a contar a los clientes potenciales, que sepan investigar el mercado y que pueden convertir el mensaje del anunciante en una campaña publicitaria.

Todas estas funciones las realizaría la agencia de publicidad. En una agencia de publicidad, las personas están agrupadas en equipos o departamentos. Un cliente que vaya a una agencia de publicidad se le asignará un equipo de cuentas que estudiará el

producto o servicios que se va a publicitar, la formación del equipo de este tipo de cuentas variará según el cliente, pero siempre en la de campaña tiene que haber un ejecutivo de cuentas, encargado de la cuenta del cliente y de las relaciones con él.

En un nivel superior se encuentra el director de cuentas, que toma las decisiones más importantes sobre cómo debe de realizarse la campaña y revisa toda la planificación.

Una vez recogida toda la información del cliente, la agencia prepara una estrategia de marketing lo que supone que ha de realizarse algún tipo de investigación de mercado para poder comprobar la información proporcionada por el cliente.

Hay que aclarar si el producto está bien o necesita algún cambio teniendo en cuenta si es nuevo o ya lleva tiempo en el mercado. Si la competencia tiene un producto superior o a quién va destinado el producto. Toda esta información se coteja y el equipo de creativos desarrolla una idea base sobre el tipo de enfoque con más posibilidades de tener éxito o, a veces, cambiar el enfoque.

El equipo creativo, normalmente, está formado por el redactor publicitario y el director artístico, a veces un director creativo, que es el responsable de toda la creatividad. Las ideas de este quipo pasan al estudio para darles forma desarrollada en presentaciones que se muestran a los clientes para que se aprueben y se desarrollen. Si el cliente aprueba el boceto se pone en marcha otros especialistas, tipógrafo, maquetador, fotógrafo, para desarrollar el arte final.

La agencia puede tener un estudio de arte internos, pero normalmente esto no ocurre, es más barato y la contratación de fotógrafos o compras de fotos e ilustraciones.

Una vez que el cliente ha aprobado el arte final, el director de producción decide cómo se realizará el material para cada medio.

También puede haber departamentos de medios que eligen publicaciones más aconsejables para reproducir el anuncio. También selecciona y compra el tiempo de emisión para televisión, junto con el equipo de cuenta y los creativos.

Contratos de medios: se dedican a comprar espacios en medio a grandes cantidades.

Controlador de tráfico: se encarga de que el material adecuado llegue al medio de comunicación en la fecha prevista, también la persona encargada de tratar con las imprentas para realizar folletos y otro tipo de publicaciones.

Correctores de pruebas: encargados de comprobar la exactitud del anuncio.

Departamento de investigación: que comprueba la eficacia antes y después de la campaña.

Departamento financiero y administrativo: encargado de proporcionar el presupuesto para la campaña.

PUBLICIDAD Y MEDIOS DE COMUNICACIÓN: Hay muchos agencias de publicidad con su propio departamento de medos. Esto indica la importancia de los medios en el éxito de una campaña y también en el hecho de que la mayor parte del presupuesto se gaste en la compra de espacios publicitarios.

Es muy importante elegir bien los medios de comunicación adecuados y después ser capaces de poder negociar la mayor cobertura sin salirse del presupuesto. Los medios de comunicación en los que se puede insertar la publicidad son muchos. Aparte de las tradicionales, hablaremos de la publicidad exterior, directa, etc.

Para crear diseños gráficos eficaces es necesario saber cómo y cuándo aparecerá el anuncio. También es importante saber el tamaño, forma y mensaje que se va a lanzar.

DISEÑO DE MARKETING DIRECTO (mailing)

El marketing directo (envío de publicidad por correo) es una forma eficaz de publicidad cuando el cliente tiene una lista de potenciales consumidores y los que saben que tiene interés en un producto. Ante de iniciar un diseño gráfico para el marketing directo es conveniente tener en cuenta el coste de las cartas, sobre y franqueo, que suelen ser más altos que el diseño y la producción. Si a esto le añadimos cualquier innovación, el coste aumentaría. Eso ya tiene que ver con la creatividad.

Cuando se diseña algún soporte para el marketing directo es mejor comenzar sin ninguna idea previa. Si el presupuesto es lo suficientemente grande, no habrá límites para el tipo, estilo y complejidad de ideas.

El éxito depende de la imagen que de el consumidor al abrir el sobre. Si el mensaje es lo suficientemente fuerte, el receptor lo leerá y puede o no responder. Su respuesta es la compra o no compra. A veces es importante no identificar el producto.

Esto puede ocurrir, por ejemplo, en los seguros. En cuanto a la cantidad de información del mailing, depende mucho del cliente, pero es mejor centrarse en un argumento de compra.

PUBLICIDAD EXTERIOR Son, fundamentalmente, las vallas publicitarias, los carteles, etc. En la publicidad exterior hace que el diseño gráfico se enfrente a problemas distintos a otros medios. El principal problema está en imaginar o adaptar el diseño desde lo que es el boceto o mesa de dibujo a su tamaño final real. La escala no es la única consideración a tener en cuenta. También hay que tener en cuenta que las vallas son soportes que la gente ve cuando están en movimiento, lo que afecta al soporte. Por eso hay que adaptar los diseños a este medio. Cuando digo adaptar, no es simplemente adecuar el tamaño.

Los diseños gráficos para carteles o vallas publicitarias deben ser claros y atrevidos y tener un centro focal. Si no se tiene en cuenta esto, el cartel puede resultar confuso y no captar la atención.

Su principal ventaja es, quizás, su ubicación. En la planificación de vallas se suelen saber el sitio donde va a ser colocada.

TEMA 8. DISEÑO DE LAS PÁGINAS WEB: DISEÑAR COMUNICACIÓN DIGITAL: En diseño de Comunicación Digital se explora las posibilidades expresivas, estéticas y comunicativas del lenguaje audiovisual en soportes digitales, buscando nuevos modos narrativos para organizar información audiovisual.

Se trata de adquirir y desarrollar las destrezas necesarias para narrar con medios audiovisuales interactivos, concibiendo proyectos de comunicación que utilicen adecuadamente todas sus potencialidades. Crear comunicación para medios digitales exige plantearse las consecuencias comunicativas de esa determinación tecnológica.

Los medios digitales utilizan para su almacenamiento y distribución soportes on-line, como Internet; y soportes off-line, como el DVD, el CD-ROM y cualquier sistema de almacenamiento en disco.

Las dos características fundamentales de la comunicación en soportes digitales son, por una parte, la integración de formatos de información en un mismo soporte (multimedia), y la posibilidad, por otra parte, de articular de un modo no lineal la información, exigiendo así la actividad del usuario para acceder a ella. Es lo que se denomina interactividad.

Por otro lado, organizar información de modo no lineal, marrar con medios digitales significa enfrentarse a un nuevo paradigma discursivo denominado hipertexto.

Se entiende por hipertexto a un sistema de escritura ramificada sólo posible técnicamente en entornos digitales que se constituye como un documento electrónico en el que la información se estructura como una red de nodos y enlaces.

Se denomina nodo a cada unidad de información en un hipertexto (por ejemplo, una pantalla, página, escena) y un enlace o link a la conexión entre esos nodos.

Técnicamente el enlace es una orden de programación y, gráficamente, se indica su presencia mediante una palabra subrayada, también denominada hot word. También se puede ver mediante un icono, un botón o un área sensible, también llamada hot spot.

PLANTEAMIENTO DE LA REALIZACIÓN DE UNA PÁGINA WEB Hay que hacer un proyecto de página web utilizando medios digitales, por lo que se exige considerar y definir una serie de factores. Esto se puede agrupar en cuatro áreas: 1. REDACCIÓN. Se definen los conceptos básicos del proyecto. Se establece su identidad y se justifica su adecuación a los medios digitales. Hay que establecer el propósito o finalidad del proyecto, su utilidad o sentido. Por ejemplo, hay que plantearse si lo que hacemos es facilitar el acceso a la documentación, favorecer la imagen de una empresa, contribuir a la eficacia de un sistema educativo o, simplemente, entretener.

Por todo ello es necesario asegurar la adecuación entre contenidos, soportes y público.

Para situar el proyecto en un marco de referencia, para encontrar los códigos expresivos correctos, tenemos que delimitar el género del proyecto. Por eso hay una serie de ámbitos entre los cuáles puede resultar útil situar a los proyectos en función de los objetivos.

En primer lugar tenemos la ficción. Son obras de carácter narrativo destinadas al entretenimiento, en los que se ofrece un universo posible y una serie de personajes. El usuario tiene la capacidad de escoger las historias, definir o asumir personajes, explorar mundos y participar en la trama. Corresponden a los géneros de ficción los cuentos interactivos y los juegos.

En segundo lugar está la información. Comprende proyectos de carácter periodístico, sean versiones electrónicas de medios de comunicación analógicos o medios específicos creados para medios visuales.

Además, también están los sistemas de información no narrativos configurados como bases de datos electrónicos. Entran aquí los proyectos de divulgación científico, documentales y libros de consulta.

En tercer lugar tenemos el ámbito de la educación. Son diseños de sistemas y productos destinados a la enseñanza-aprendizaje, sea de un modo autónomo o como complementos de sistemas educativos convencionales. Aquí figuran las universidades virtuales, materiales de apoyo, museos virtuales y los cursos on-line.

En cuarto lugar hablamos del género promocional, proyectos cuya finalidad consiste en crear o reforzar la imagen pública de una institución o empresa. También pueden anunciar la venta de productos o servicios, o facilitar la promoción de profesionales independientes. Corresponden a este género las web institucionales y las aplicaciones de carácter publicitario.

En quinto lugar tenemos la expresión artística. Consiste en la utilización de soportes digitales y sus lenguajes asociados como medio de creación estético. Estos proyectos se definen por su carácter experimental, vanguardista e innovador.

Hay que tener en cuenta también los contenidos. Hay que establecer con claridad qué información es la que pretende comunicarse con el proyecto. Tenemos que tener en cuenta qué queremos contar y formularlo de modo conciso.

Por otra parte tenemos que establecer el origen o fuentes de la información.

Básicamente caben dos alternativas. Hay que producirlo originalmente, o, bien, ya existe y hay que buscarlo, encontrarlo, seleccionarlo y adaptarlo al soporte digital.

Cuando no se trabaja con contenidos propios sino de otros autores, es necesario determinar si puede disponerse de ellos libremente o están protegidos por derecho de autor o copia; y, en su caso, obtener los permisos correspondientes.

Forma parte del área de redacción la elaboración del guión del proyecto, que es un conjunto de textos que constituye el contenido editorial de la aplicación.

Una vez establecidos los contenidos del proyecto, se proceden a diseñar la estructura de la información, es decir, cómo será articulada para facilitar la interactividad de los usuarios. Se trata de construir los contenidos como un hipertexto, y ,una vez más, será la propia naturaleza del tema, así como el perfil de los usuarios lo que sirva como criterio para la aplicación.

Las decisiones que se toman en este sentido configuran el grado y tipo de interactividad que se ofrecerá a los usuarios.

Pueden establecerse siete grandes parámetros para el diseño de navegación: Enlace: es el sistema básico de articulación de los distintos nodos, así como de la información dentro de cada nodo.

Búsqueda: exige incluir un sistema de búsqueda propio que facilite la navegación del usuario, haciendo más eficaz el tiempo que se dedica a la aplicación. A mayor amplitud del hipertexto mayor necesidad de diseñar un sistema de búsquedas como complemento en las ayudas o recursos de navegación. Las tres modalidades más comunes son búsqueda por palabras clave, búsqueda temática (por categorías) y búsqueda por zonas.

Secuencialización: consiste en diseñar la navegación estableciendo o privilegiando un orden de lectura de los nodos de la aplicación que garantice el acceso al usuario en la información esencial.

Jerarquía: hay que establecer un orden lógico de acceso a la estructura hipertextual.

Similitud: otra manera de estructurar los nodos para facilitar la navegación consiste en asociarlos a partir de los elementos comunes que se contengan.

Mapas: representaciones metafóricas del espacio y refleja la exposición relativa de los nodos de una explicación, facilitando su visión global (mapa de navegación).

Agentes: son los recursos que se diseñan para asistir al usuario en las tareas anteriores.

2. ÁREA DE PRODUCCIÓN Consiste en adecuar el proyecto interactivo al mercado, estudiar su viabilidad y establecer, tanto en modo de desarrollarlo como las estrategias para su difusión. Dentro de este área hablaremos del cliente patrocinador, que es quién encarga el trabajo o acepta un proyecto que se le propone que, en caso de financiarlo, coincide con el patrocinador.

En segundo lugar tenemos al usuario, que sería lo que los medios tradicionales llamaría público o audiencia, y que se trataría de las personas para las cuales se han diseñado específicamente la aplicación. Interesa en particular conocer sus necesidades de información, educación y entretenimiento, su familiaridad con la tecnología, la disponibilidad del equipamiento y su motivación para usar el producto. Hay que

establecer un punto de equilibrio entre la que se desea transmitir y el tiempo estimado que dedicará a la navegación.

El presupuesto es otro de los puntos del área de producción.

Encontramos también el plan de trabajo, en el que, una vez definido el concepto y el perfil del proyecto, ha de elaborarse una relación de las tareas objetivos a desarrollar para llevarlo a su fin.

3. ÁREA TÉCNICA Los responsables estudian y resuelven los aspectos del proyecto, asociados a su implementación material en un medio digital, los de las primeras maquetas o prototipo, pasando por las versionas de prueba hasta su elaboración final.

Hay que tener en cuenta: El soporte: ha de ser el más adecuado para el proyecto en función de su tema, contenidos y usuarios, así como la complementariedad entre diversos soportes. Hay que tener en cuenta las ventajas e inconvenientes de los soportes on-line y off-line.

Los formatos: partiendo de la base de que lo que define fundamentalmente a la comunicación digital es su carácter interactivo, será necesario discernir en función del contenido del usuario y del soporte del proyecto, cuáles son los formatos de información más adecuados (texto, audio, imagen, vídeo y animaciones). No se trata de utilizar todos los formatos simplemente porque se pueda usar, sino de utilizar aquellos que mejor contribuyan a transmitir los contenidos del proyecto facilitando la navegación de los usuarios.

La maqueta: en todo proyecto suele elaborarse un prototipo o maqueta interactiva que contiene solo desarrollos parciales.

4. ÁREA ARTÍSTICA Compete la definición estética del proyecto interactivo. Hay que tener en cuenta el estilo, en la que, en función tanto de la naturaleza de la aplicación como del perfil de los usuarios a los que va destinados, ha de plantearse la identidad visual del proyecto.

El estilo es el aspecto general de la aplicación, es decir, el peculiar modo de comunicar gráficamente sus contenidos. Las decisiones sobre el color, la tipografía, etc., revelan al usuario una información sobre dicho proyecto previo.

El estilo predispone la actitud del usuario hacia la aplicación, orienta sus expectativas y condiciona su navegación. Incluso en el caso de los soportes off-line, ha de tenerse en cuenta estas decisiones, como el diseño de las cajas o carátulas (packaging).