How To Draw. Dibujo para principiantes

PRACTICA DESDE

0

Conocimientos básicos para

dar tu primeros pasos

CONOCE UN POCO DE:

• ANATOMÍA Y GESTURE

• S OMBRA E ILUMINACIÓN

• C OMPOSICIÓN Y PERSPECTIVA

ARTISTA DEL MES

CONTENIDO

¿Que es el Dibujo?INTRODUCCIÓN

¿QUE ES EL DIBUJO?

DIBUJO?

HISTORIA DEL DIBUJO

El dibujo es una forma de expresión artística y visual que ha desempeñado un papel fundamental en la historia de la humanidad. A lo largo de los siglos, ha evolucionado y se ha adaptado a diferentes culturas y contextos, desempeñando un papel importante en la comunicación, la cultura y la sociedad en general.

El dibujo tiene raíces profundas en la historia de la humanidad, remontándose a tiempos prehistóricos, cuando nuestros ancestros dejaban sus huellas en las paredes de cuevas mediante representaciones gráficas de la vida cotidiana y la fauna circundante. A lo largo de la historia, diferentes culturas han desarrollado sus propias técnicas y estilos de dibujo, desde los antiguos egipcios hasta los maestros del Renacimiento europeo como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel.

En la época moderna, el dibujo se ha convertido en una forma de expresión artística diversa, con artistas como Pablo Picasso, Henri Matisse y Salvador Dalí explorando nuevas posibilidades creativas en el siglo XX.

Valor cultural del dibujo:

El dibujo ha desempeñado un papel fundamental en la transmisión de la cultura y la historia de las sociedades a lo largo del tiempo. Ha sido utilizado para documentar eventos históricos, representar creencias religiosas, crear retratos de líderes y figuras importantes, y expresar la identidad cultural de diferentes grupos étnicos. En muchos casos, el dibujo ha sido una forma de preservar la memoria colectiva de la humanidad.

Historia del Dibujo

Importancia en la Sociedad:

El dibujo es una herramienta importante en la comunicación visual y la educación. Se utiliza en campos como la arquitectura, el diseño gráfico, la ingeniería, la medicina, la ilustración científica y la moda, entre otros. Además, el dibujo fomenta la creatividad, la observación y la destreza manual, lo que contribuye al desarrollo personal y profesional de las personas.

Salud y Terapia:

El dibujo también tiene un valor terapéutico. La arteterapia utiliza el dibujo y otras formas de expresión artística como herramientas para ayudar a las personas a expresar emociones, aliviar el estrés y mejorar su bienestar emocional. Puede ser especialmente beneficioso en el tratamiento de trastornos de salud mental.

Aplicaciones Modernas del Dibujo:

Hoy en día, el dibujo se ha fusionado con la tecnología digital y se utiliza en una amplia variedad de campos. Los artistas digitales crean ilustraciones y animaciones en la industria del entretenimiento, el diseño de videojuegos y la publicidad. Además, el dibujo técnico es esencial en la ingeniería y la arquitectura para la creación de planos y diseños precisos. Las técnicas de dibujo también se aplican en la ilustración científica, la moda y el diseño de productos.

Personajes Importantes en la Historia del Dibujo:

• Leonardo da Vinci: Renombrado por sus dibujos anatomía y máquinas ingeniosas.

• Pablo Picasso: Figura destacada en el arte del siglo XX, con una gran diversidad de estilos.

• Michelangelo Buonarroti: Conocido por sus impresionantes frescos y esculturas, como la Capilla Sixtina.

• Vincent van Gogh: Famoso por su estilo expresionista y emocional, que influyó en el arte moderno.

• Hokusai: Artista japonés conocido por su serie “Treinta y seis vistas del monte Fuji”.

En resumen, el dibujo es una forma de expresión artística con profundas raíces históricas y un valor cultural significativo. Tiene una amplia gama de aplicaciones en la sociedad moderna y sigue siendo una herramienta importante en la comunicación visual y la expresión personal. Además, el dibujo puede tener beneficios terapéuticos y contribuir al bienestar emocional de las personas.

ARTISTAS REFERENTES

Artistas Referentes

Elegir los cinco referentes más importantes del arte a lo largo de la historia es una tarea difícil debido a la riqueza y diversidad del arte a través de los siglos. Sin embargo, aquí te presento cinco figuras destacadas que han dejado una marca indeleble en la historia del arte:

Leonardo da Vinci

(1452-1519):

Leonardo es ampliamente considerado uno de los genios más versátiles de la historia. Fue pintor, escultor, arquitecto, científico e inventor. Su obra más famosa, “La Última Cena”, y su enigmática “Mona Lisa” son dos de las pinturas más reconocidas en el mundo del arte. Su habilidad para representar la anatomía humana y su incansable curiosidad le convierten en un referente icónico del Renacimiento.

Pablo Picasso

(1881-1973):

Picasso es una figura influyente en el arte del siglo XX. Su trabajo abarca diversas etapas artísticas, desde el cubismo hasta el surrealismo y el expresionismo abstracto. Obras como “Les Demoiselles d’Avignon” y “Guernica” son ejemplos de su impacto en la evolución del arte moderno.

Vincent Van Gogh

(1853-1890):

Van Gogh es conocido por su estilo único y emocionalmente cargado. A pesar de no haber recibido reconocimiento en vida, sus pinturas postimpresionistas como “La noche estrellada” y “Los girasoles” han dejado una huella imborrable en la historia del arte, influyendo en generaciones posteriores de artistas.

Miguel Ángel

(1475-1564):

Miguel Ángel Buonarroti, uno de los artistas más importantes del Renacimiento italiano, dejó un legado impresionante en la escultura y la pintura. Su obra maestra, “La creación de Adán” en la Capilla Sixtina del Vaticano, es una de las imágenes más icónicas de la historia del arte. También es conocido por su escultura en mármol, como “David” y “La Piedad”.

Frida Kahlo

(1907-1954):

Frida Kahlo es una figura destacada en la historia del arte moderno y el surrealismo. Su obra, influenciada por su propia vida y experiencias personales, es intensamente emotiva ya menudo se centra en la autorrepresentación. Cuadros como “Las dos Fridas” y “Autorretrato con collar de espinas y colibrí” exploran temas de identidad, dolor y feminismo, y han tenido un profundo impacto en el arte contemporáneo.

PRIMEROS PASOS

Materiales

MATERIALES

MATERIALES

MATERIALES BASICOS

PAPEL:

Materiales Basicos

Tipos de Papel Usados para el Dibujo Artístico:

En el dibujo artístico, la elección del papel es esencial, ya que afecta significativamente la apariencia y la durabilidad de la obra. Aquí te presentamos cinco de los tipos de papel más utilizados para el dibujo artístico:

• Papel para Dibujo a Lápiz (Bristol): El papel Bristol es conocido por su superficie lisa y duradera, que es ideal para el dibujo al lápiz, tinta y bolígrafo. Viene en diferentes grosores y texturas, con variaciones en la suavidad de la superficie, lo que permite a los artistas lograr diferentes efectos de sombreado y detalle.

• Papel para acuarela: El papel para acuarela está diseñado específicamente para trabajar con acuarelas y otras técnicas de pintura húmeda. Tiene una superficie más rugosa que retiene bien el agua y los pigmentos, lo que permite crear efectos de difuminado y mezcla. También se utiliza a menudo para dibujar con lápices de colores y pasteles acuareleables.

• Papel para dibujar con lápices de colores: Este tipo de papel suele ser de alta calidad y textura suave para permitir la aplicación de lápices de colores de manera

uniforme y vibrante. La textura puede variar, desde superficies más lisas para detalles finos hasta texturas más ásperas que agregan interés visual.

• Papel para dibujo con carboncillo: El papel para dibujo con carboncillo suele ser de textura rugosa o intermedia para permitir la absorción de los pigmentos del carboncillo y la creación de sombreados suaves y ricos en contraste. También es adecuado para grafito y pasteles.

• Papel Kraft: El papel Kraft es de color marrón y tiene una textura suave. Es popular para dibujos con pasteles y lápices de colores, especialmente para obras de arte que requieren un aspecto más rústico. También se utiliza para bocetos y proyectos de diseño.

Formatos de Papel Más Usados para el Dibujo Tradicional:

El uso de diferentes formatos de papel en el dibujo es esencial para artistas, ya que proporciona una herramienta versátil para expresar su creatividad de manera efectiva. Los distintos tamaños de papel permiten adaptar la escala de la obra de arte, lo que es crucial para proyectos de diferentes magnitudes y estilos. Además, la elección del formato puede influir en la composición y la narrativa visual, afectando cómo se percibe y comunica la obra. Esto brinda a los artistas la capacidad de explorar técnicas y estilos variados, así como cumplir con los requisitos.

Los formatos más utilizados en el dibujo tradicional se refieren al tamaño o las dimensiones del papel o soporte sobre el cual se realiza el dibujo. Los tres formatos más comunes son:

• Formato A4: Este es uno de los tamaños de papel más comunes para el dibujo tradicional y las impresiones. Las dimensiones del formato A4 son aproximadamente 210 x 297 mm (8,3 x 11,7 pulgadas). Es un tamaño versátil que es fácil de manejar y almacenar, adecuado para bocetos, ilustraciones y trabajos de tamaño medio.

• Formato A3: El formato A3 es más grande que el A4 y tiene dimensiones de aproximadamente 297 x 420 mm (11,7 x 16,5 pulgadas). Es ideal para obras de arte más grandes y detalladas, así como para proyectos que requieren espacio adicional para detalles.

• Formato A2: El A2 es aún más grande que el A3 y mide aproximadamente 42 x 59,4 centímetros (16,53 x 23,39 pulgadas). Este formato se utiliza para obras de arte más grandes, como dibujos a gran escala, carteles y composiciones que requieren un espacio significativo para expresarse plenamente. Debido a su tamaño, el papel A2 se elige para proyectos artísticos que buscan un impacto visual impresionante.

LAPICES:

Los lápices de grafito son una herramienta esencial en el mundo del dibujo y la escritura. Están compuestos principalmente por grafito, una forma de carbono, mezclado con arcilla para darles diferentes grados de dureza. Los lápices de grafito se clasifican en una escala de dureza que va desde 9H (el más duro) hasta 9B (el más blando), con el lápiz HB como punto intermedio. Los lápices más duros, como los 9H, producen líneas claras y finas ideales para detalles precisos, mientras que los lápices más suaves, como los 9B, crean líneas más oscuras y gruesas, perfectas para sombreado y efectos de contraste. Los artistas utilizan una variedad de grados de lápices de grafito para lograr una gama completa de tonos y detalles en sus obras, lo que hace que estos lápices sean una herramienta versátil y fundamental en el dibujo artístico y técnico.

Los borradores de miga (también conocidos como borradores de pan) y los borradores de goma son dos tipos de borradores utilizados en dibujo. Los borradores de miga son blandos y maleables, ideales para eliminar áreas grandes y difuminar trazos en lápiz o carboncillo. Se recomiendan para lograr efectos suaves y degradados.

Los borradores de goma, por otro lado, son más precisos y se utilizan para eliminar detalles finos y líneas específicas. Son ideales para correcciones precisas y no difuminan el grafito en exceso. Es importante asegurarse de que estén limpios y en buen estado para evitar manchas.

En resumen, los borradores de miga son útiles para sombreadas y áreas grandes, mientras que los borradores de goma son mejores para detalles finos y correcciones precisas en el dibujo.

BORRADORES: TINTA:

La tinta para dibujar es un medio líquido utilizado para crear obras de arte, ilustraciones y escritura. Se utiliza en diversas técnicas como la plumilla, el pincel y marcadores de tinta. La tinta china es común en ilustraciones detalladas y caligrafía, mientras que las tintas a base de agua son adecuadas para bocetos y dibujos con un aspecto más suave. Se recomienda utilizar papeles adecuados para tinta, ya que algunos tipos pueden absorber la tinta de manera desigual. La precisión en el trazo y la práctica son esenciales para el dibujo con tinta, y es importante esperar a que la tinta se seque completamente antes de manipular la obra para evitar manchas.

Manga: Comic: Cartoon:

El estilo manga es un estilo de dibujo y narración gráfica originario de Japón que se ha convertido en una forma de arte globalmente influyente. Se caracteriza por personajes con ojos grandes y expresivos, así como por un énfasis en la emoción y la acción. Los mangas abarcan géneros diversos, desde aventuras y romance hasta ciencia ficción y terror. Además de su estética distintiva, el manga utiliza viñetas y paneles de manera efectiva para contar historias, y se lee de derecha a izquierda. Ha tenido un impacto significativo en la cultura pop global y ha inspirado a artistas y escritores en todo el mundo.

El estilo de cómic es una forma de narración gráfica ampliamente utilizada en Occidente, con características distintivas que incluyen viñetas, globos de diálogo y una variedad de géneros que van desde superhéroes hasta novelas gráficas autobiográficas. A diferencia del manga, los cómics suelen tener una estética más realista, pero también pueden variar significativamente en el estilo artístico. Los cómics se leen de izquierda a derecha, y los personajes y tramas pueden ser tan variados como la imaginación lo permita. Han sido una parte integral de la cultura pop occidental y han influido en la creación de películas, series de televisión y obras literarias.

El estilo cartoon es una forma de representación gráfica que se caracteriza por la simplificación y la exageración de los rasgos de los personajes y objetos. Este estilo se encuentra combinado en dibujos animados, tiras cómicas y caricaturas. Los personajes en el estilo cartoon a menudo tienen proporciones no realistas, como cabezas grandes y cuerpos pequeños, y expresiones faciales exageradas. La simplicidad en el diseño permite una fácil identificación y una comunicación rápida de emociones. Este estilo se utiliza en una amplia variedad de géneros, desde la comedia hasta la sátira política, y es conocido por su capacidad para transmitir mensajes de manera efectiva a través de la caricatura visual.

Conceptos Basicos

PRIMEROS PASOS

CONCEPTOS BASICOS

BASICOS

SOMBRA Y ILUMINACIÓN Sombra y Iluminación

SOMBRA:

El sombreado es una técnica crucial en el dibujo tradicional que se utiliza para representar la profundidad, la forma y la textura en una obra. Los artistas aplican sombras utilizando diversas técnicas y materiales, como lápices, carboncillos, tizas, y más. Aquí menciono algunas de las técnicas de sombreado más importantes:

• Achurado o Trama: Consiste en crear sombras mediante líneas paralelas o entrecruzadas, variando la densidad y la dirección de las líneas para lograr diferentes tonos.

• Difuminado: Se utiliza para crear transiciones suaves entre áreas claras y oscuras. Puede lograrse con el dedo, papel difusor o tortillones.

• Esgrafiado: Implica raspar el papel con una herramienta puntiaguda, como una cuchilla de afeitar, para revelar áreas más claras debajo de una capa de medio tono.

• Tinta y aguada: Utilizado en la acuarela, se aplica una capa de tinta líquida y luego se agrega agua para difuminar y crear sombras.

• Punteado: Se logra crear sombras mediante puntos pequeños y densamente agrupados. Requiere paciencia y precisión.

• Delineado y contorneado: Consiste en delinear los objetos o figuras con líneas oscuras para resaltarlos y crear sombras.

El dominio del sombreado es esencial para dar profundidad y realismo a un dibujo, y los artistas suelen combinar varias técnicas para lograr efectos visuales específicos. La elección de la técnica dependerá del estilo artístico y del medio que se esté utilizando, y la práctica constante es clave para perfeccionar estas habilidades.

ILUMINACIÓN:

La iluminación es un aspecto fundamental en el dibujo tradicional que afecta la percepción de volumen y profundidad en una obra. Para aplicarla efectivamente, aquí hay algunos conceptos clave

Fuentes de Luz:

Identifica la ubicación de las fuentes de luz en tu composición. Esto puede incluir la luz del sol, lámparas, velas o cualquier otra fuente luminosa.

Contraste:

La diferencia entre las áreas iluminadas y las sombreadas crea contraste. Un mayor contraste puede hacer que los objetos parezcan más tridimensionales.

Reflejos:

Considere los reflejos y brillos en las superficies. Los objetos pueden reflejar la luz de manera diferente, creando áreas de alta luminosidad.

Estudio de la Luz:

Observa cómo la luz interactúa con objetos en la vida real o estudia obras de arte que manejen la iluminación de manera efectiva.

Técnica:

Puedes aplicar la iluminación con lápices, carboncillos, tizas, pinturas, etc. Dependerá del medio que estés utilizando y tu estilo artístico. Experimenta con diferentes técnicas de sombreado y difuminado para lograr el efecto deseado.

Dirección de la Luz:

Decide desde qué ángulo incide la luz en tu escena. Esto determinará las áreas iluminadas y sombreadas.

Valores:

Utilice una variedad de valores (tonos claros y oscuros) para representar las áreas iluminadas y las sombras. Los valores más oscuros se utilizan en las áreas con menos luz.

Sutileza:

A menudo, menos, es más. No siempre es necesario hacer sombras extremadamente oscuras o luces muy brillantes. La sutileza en la aplicación de valores puede ser efectiva..

La iluminación es esencial para dar vida y profundidad a tus dibujos. Al comprender los principios de la iluminación y practicar regularmente, podrás crear obras más realistas y visualmente impactantes.

COMPOSICIÓN

La composición en el dibujo tradicional es el proceso mediante el cual un artista organiza y dispone los elementos visuales en una obra de arte para lograr un efecto estético y transmitir un mensaje de manera efectiva. Es como la estructura subyacente que da forma y sentido a un dibujo, determinando cómo se distribuyen los objetos, los espacios vacíos, las líneas, las formas y los colores en la composición general.

Una composición bien pensada puede influir en la percepción del espectador y en cómo interactúa con la obra. Puede crear un equilibrio visual, destacar elementos clave, dirigir la atención del espectador hacia un punto focal, comunicar emociones o contar una historia. En resumen, la composición es fundamental para guiar la mirada del espectador y lograr un impacto visual.

Los artistas utilizan diferentes técnicas de composición, como la regla de los tercios, la simetría, la asimetría, las diagonales y el espacio negativo, entre otras, para lograr sus objetivos artísticos. La elección de la técnica de composición depende del estilo, el tema y el mensaje que el artista desee transmitir en su obra.

Composición

Aquí te menciono algunos métodos de composición comunes utilizados en el dibujo tradicional:

Composición de la Regla de los Tercios:

Identifica la ubicación de las fuentes de luz en tu composición. Esto puede incluir la luz del sol, lámparas, velas o cualquier otra fuente luminosa.

Composición Simétrica:

Organiza los elementos de manera simétrica alrededor de un eje central. Esto puede transmitir una sensación de equilibrio y armonía, pero también puede parecer estático.

Composición Asimétrica:

Coloca los elementos de manera desequilibrada, pero de manera que el peso visual se distribuye de manera equitativa. Puede ser más dinámica y visualmente interesante que la simetría.

Composición de Diagonales:

Utiliza líneas diagonales para dirigir la mirada del espectador a través de la composición y crear un sentido de movimiento y energía.

Composición de Espacio

Negativo:

Da importancia al espacio vacío alrededor de los objetos, lo que puede

PERSPECTIVA

Perspectiva

La perspectiva en el dibujo tradicional es un conjunto de técnicas que permiten representar objetos tridimensionales en un plano bidimensional, como un papel o lienzo, de manera que parecen tener profundidad y distancia. Se basa en la manera en que percibimos el mundo desde un punto de vista particular. Los elementos clave de la perspectiva son los puntos de fuga, las angulaciones y la línea de horizonte. Los puntos de fuga son puntos imaginarios en el horizonte donde las líneas paralelas que se alejan del espectador parecen converger. En la perspectiva de un punto, todas las líneas convergen en un solo punto de fuga en el horizonte. En la perspectiva de dos puntos, las líneas convergen en dos puntos de fuga. Estos puntos de fuga son cruciales para crear la ilusión de profundidad y dirección en un dibujo.

Puntos de fuga:

Angulaciones:

Las angulaciones se refieren al ángulo bajo el cual se ven los objetos desde el punto de vista del espectador. Los objetos que están más cerca del observador se ven en ángulos más agudos, mientras que los objetos más distantes se ven en ángulos más planos. Esto significa que los objetos cercanos parecen más grandes y los objetos lejanos parecen más pequeños.

Línea de Horizonte:

La línea de horizonte es una línea imaginaria que marca el nivel de los ojos del espectador en la escena. Es fundamental para determinar la altura y la posición de los objetos en relación con el punto de vista del observador. En la mayoría de los casos, la línea de horizonte se encuentra en la mitad de la composición, pero su posición puede variar según la vista que se desee representar.

Existen varios métodos de perspectiva utilizados en el dibujo tradicional los más utilizados son:

Perspectiva Lineal:

Este es el método más común y fundamental. En la perspectiva lineal, las líneas paralelas que se alejan del observador convergen en un punto de fuga en el horizonte. Existen dos tipos principales de perspectiva lineal: la perspectiva de un punto (cuando las líneas convergen en un solo punto) y la perspectiva de dos puntos (cuando las líneas convergen en dos puntos en el horizonte).

Perspectiva Aérea:

Este método tiene en cuenta la disminución de la visibilidad y la tonalidad de los objetos a medida que se alejan debido a la atmósfera. Los objetos lejanos tienden a ser más pálidos y menos definidos que los objetos cercanos, lo que crea una sensación de profundidad y distancia.

Perspectiva Cónica:

Este es el método más común y fundamental. En la perspectiva lineal, las líneas paralelas que se alejan del observador convergen en un punto de fuga en el horizonte. Existen dos tipos principales de perspectiva lineal: la perspectiva de un punto (cuando las líneas convergen en un solo punto) y la perspectiva de dos puntos (cuando las líneas convergen en dos puntos en el horizonte).

El color es un fenómeno visual que surge de la interacción de la luz con los objetos y cómo percibimos esa luz. Se representa comúnmente como un espectro que abarca una amplia gama de colores visibles. El uso del color en el arte es fundamental y diverso:

Espectro de Color:

El espectro de colores visibles se compone de los colores del arco iris, que incluyen el rojo, el naranja, el amarillo, el verde, el azul, el añil y el violeta. Estos colores son percibidos debido a la longitud de onda de la luz visible que reflejan o emiten los objetos.

Teoría del Color:

La teoría del color explora cómo se combinan y contrastan los colores para crear armonía y expresión en el arte. Las teorías clásicas del color incluyen el círculo cromático, la teoría de los colores complementarios y la paleta de colores triádicos.

Emoción y Comunicación:

Los artistas utilizan el color para transmitir emociones y estados de ánimo en sus obras. Por ejemplo, el rojo puede simbolizar pasión o ira, mientras que el azul puede evocar calma o melancolía.

Composición y Contraste:

Los artistas utilizan el color para dirigir la atención del espectador y crear composiciones visuales impactantes. El contraste de colores complementarios o la armonía de colores análogos pueden ser herramientas poderosas en la composición.

Simbolismo y Significado:

Los colores a menudo tienen significados culturales y simbólicos. Por ejemplo, el blanco a menudo se asocia con la pureza en muchas culturas, mientras que el negro puede representar luto o solemnidad.

Movimiento Artístico:

Diferentes movimientos artísticos a lo largo de la historia han experimentado con el uso del color de manera única. Por ejemplo, el impresionismo se caracterizó por su enfoque en la representación de la luz y el color en la naturaleza.

Técnicas y Medios:

Los artistas utilizan diversas técnicas y medios para aplicar el color, como pintura al óleo, acrílico, acuarela, lápices de color y medios digitales. Cada medio ofrece posibilidades únicas de expresión.

En resumen, el color es una herramienta poderosa en el arte que va más allá de la estética; influye en la comunicación, el simbolismo y la expresión emocional en las obras artísticas. Los artistas exploran y experimentan con el color de diversas maneras para crear obras que conecten con el espectador a nivel visual y emocional.

Anatomía Humana

A la Practica

ANATOMÍA HUMANA

HUMANA

ANATOMIA

Conocer la anatomía es esencial para el dibujo tradicional y el diseño de personajes por varias razones cruciales:

• Realismo: La anatomía proporciona la base para representar de manera realista el cuerpo humano y sus partes. Esto es fundamental cuando se busca que los personajes o figuras dibujadas sean creíbles y coherentes desde una perspectiva anatómica.

• Expresión y Movimiento: El conocimiento de la anatomía permite representar mejor el movimiento y las expresiones del cuerpo humano. Esto es esencial para capturar gestos, posturas y emociones de manera precisa, lo que contribuye a que las obras sean más expresivas y convincentes.

• Diseño Creativo: Si bien la anatomía proporciona una base sólida, también brinda a los artistas la capacidad de modificar y estilizar el cuerpo de manera creativa. Esto es especialmente relevante en el diseño de personajes, donde se pueden crear seres fantásticos y únicos a partir de una comprensión sólida de la anatomía.

• Proporciones y Composición: Conocer las proporciones del cuerpo humano es esencial para crear una apariencia equilibrada y atractiva en tus dibujos. Además, la anatomía puede influir en la composición general de una obra, ayudando a distribuir los elementos de manera armoniosa.

En resumen, la anatomía es una base fundamental para el arte del dibujo y el diseño de personajes. Permite a los artistas representar el cuerpo humano de manera realista, expresar emociones y movimientos con precisión, y desatar la creatividad al modificarla

de manera consciente. Dominar la anatomía es esencial para aquellos que desean crear obras de arte convincentes y efectivas en el dibujo y el diseño de personajes.

PROPORCIÓN

Proporción

Las guías de proporción para el cuerpo humano son pautas que los artistas y dibujantes anatómicos utilizan para representar las partes del cuerpo de manera proporcional y realista. Aquí hay algunas pautas comunes que se aplican al dibujo anatómico:

Regla de las 7.5 cabezas:

Esta regla establece que la altura total del cuerpo humano se puede dividir en aproximadamente 7.5 “cabezas” de altura. Esto significa que la cabeza humana, desde la parte superior del cráneo hasta la barbilla, se utiliza como unidad de medida para determinar la altura del resto del cuerpo.

Proporción de brazos y piernas:

Los brazos suelen alcanzar hasta aproximadamente la mitad de la altura total del cuerpo, mientras que las piernas ocupan la otra mitad. El codo generalmente coincide con la cintura, y la muñeca con la entrepierna.

Tamaño de las manos y los pies:

Las manos son aproximadamente del tamaño de la cara y se pueden usar como referencia para medir las proporciones de otras partes del cuerpo. Los pies son aproximadamente del mismo tamaño que el antebrazo.

Proporción de la cabeza y el torso:

El torso (incluyendo el cuello) suele tener alrededor de 2.5 a 3 cabezas de altura.

Proporción de la pierna:

Las piernas se dividen en muslo, rodilla y pierna inferior, aproximadamente en proporciones de 2:1:2.

Es importante tener en cuenta que estas pautas son solo puntos de partida y que las proporciones pueden variar de persona a persona y dependiendo de la perspectiva y la postura. La práctica y la observación cuidadosa de la anatomía humana son esenciales para mejorar la representación proporcional del cuerpo en el dibujo anatómico.

DIBUJO GESTUAL

El dibujo gestual es una técnica artística que se centra en capturar la esencia y la energía de un objeto, figura o escena de manera rápida y expresiva. Se utiliza comúnmente para representar la figura humana en movimiento o para capturar la esencia de un objeto en unos pocos trazos. Aquí hay más detalles sobre el dibujo gestual:

Cómo se hace:

• Realismo: La anatomía proporciona la base para representar de manera realista el cuerpo humano y sus partes. Esto es fundamental cuando se busca que los personajes o figuras dibujadas sean creíbles y coherentes desde una perspectiva anatómica.

• Observación rápida: El dibujo gestual generalmente se hace en un corto período de tiempo, a menudo en segundos o minutos. Esto impulsa a los artistas a tomar decisiones rápidas y espontáneas.

• Trabajo con líneas fluidas: Se utiliza líneas rápidas y fluidas para capturar la forma y la acción de manera rápida y directa. No es necesario preocuparse por los detalles precisos.

• Énfasis en la esencia: El objetivo principal es capturar la esencia o la “gestalt” de lo que se está dibujando, es decir, la sensación general o el estado de ánimo del objeto o figura.

Por qué es importante:

• Captura la vida y la energía: El dibujo gestual es una excelente manera de capturar la vitalidad y la espontaneidad de una escena o sujeto en movimiento. Ayuda a evitar que los dibujos se vuelvan rígidos y estáticos.

• Mejora la habilidad de observación: Al practicar el dibujo gestual, los artistas mejoran su capacidad de observar y captar rápidamente los elementos esenciales de lo que están dibujando.

• Desarrollo de la intuición: Ayuda a desarrollar la intuición artística y la confianza en la toma de decisiones rápidas, lo que puede ser valioso en otras formas de arte.

Dibujo Gestual

Cómo practicar y mejorar:

• Dibuja rápido: Establece límites de tiempo cortos para tus dibujos gestuales. Comienza con 30 segundos o un minuto por dibujo y, a medida que te sientas más cómodo, reduce el tiempo.

• Usa trazos largos y fluidos: Concéntrate en líneas sueltas y expresivas en lugar de líneas cuidadosamente detalladas.

• Practica la observación: Observa objetos en movimiento, como personas caminando o gestos espontáneos, y trata de capturar la esencia de lo que ves en tus dibujos.

• Dibuja regularmente: La práctica constante es clave para mejorar en el dibujo gestual. Dedica tiempo regularmente a esta técnica para desarrollar tus habilidades de manera efectiva.

Para dibujar la cabeza partamos de un circulo, esta va a ser nuestra guía para toda la composición de nuestra cabeza, luego cortamos por las mitades

2

Después haremos un cuadrado dentro del círculo, para tener unas guías de referencia para ubicar las partes del rostro luego vamos a extender la línea vertical que marcamos

del circulo a lo largo y ancho del círculo. en el círculo para de esa manera obtener el mentón.

Como dato puedes dividir la cabeza en 3 partes iguales para mejor proporción, después con líneas rectas marcamos el mentón, teniendo el contorno del rostro vamos a colocar las

partes. Teniendo la división de las 3 partes nos centraremos en la segunda y tercera parte, en la segunda, vamos a colocar los ojos y la nariz.

1 3 4

Teniendo la división de las 3 partes nos centraremos en la segunda y tercera parte, en la segunda, vamos a colocar los ojos y la nariz. Ubicar bien los ojos ten en cuenta dividir a lo largo la cabeza en 5 partes 3 del mismo tamaño al centro y dos con la mitad del tamaño a los costados estos irían colocados debajo de la línea superior del primer bloque después con el cuadrado del medio haremos un rectángulo con un triángulo adentro en el centro de nuestro rostro esta será nuestra guía para la nariz con esta medida definida haremos 2 rectángulos más al costado para ubicar las orejas.

Para la boca nos vamos al tercer bloque, lo partimos a la mitad y en rectángulo superior resultante aremos nuestra boca, para medir su largo tomaremos de referencia la mitad de los rectángulos de nuestros ojos, tendiendo eso haremos un rectángulo sobre la línea de la mitad que divide el tercer bloque un poco más arriba de la mitad

Ya con esto tenemos ubicadas las partes del rostro, abajo les compartiré a manera de referencia una manera de dibujar las partes del rostro

Orejas

Metodos Maestros

Los métodos de Loomis, Reilly y Bridgman son enfoques ampliamente reconocidos y utilizados para dibujar la cabeza en el arte y la ilustración. Cada uno de ellos ofrece una perspectiva única sobre cómo abordar este desafío:

Metodo Bridgman:

George Bridgman se centró en la anatomía y la estructura de la cabeza. Su enfoque es más detallado y anatómico, y se basa en la observación de la cabeza desde diferentes ángulos y perspectivas. Bridgman descompone la cabeza en sus elementos básicos y enfatiza la importancia de comprender la estructura subyacente para representarla con precisión. Este método es especialmente valioso para artistas interesados en la anatomía y la representación realista.

Metodo Loomis:

Desarrollado por Andrew Loomis, este método se centra en construir la cabeza a partir de formas geométricas básicas, como esferas y cilindros. Loomis proporciona un sistema estructurado para ubicar las características faciales en relación con estas formas, lo que facilita la comprensión de la anatomía y la proporción de la cabeza

Metodo Reilly

El método de Frank Reilly se enfoca en la importancia de las formas abstractas en la cabeza y la relación entre estas formas. Reilly utiliza una serie de “abstracciones” que son planos geométricos que representan áreas clave de la cabeza, como la frente, el mentón y las mejillas. Este método se centra en la observación cuidadosa y la simplificación para lograr una representación precisa y artística de la cabeza.

En última instancia, la elección entre estos métodos depende del estilo artístico y de aprendizaje de cada individuo. Algunos artistas incluso combinan elementos de estos métodos para desarrollar su propio enfoque personal. La práctica constante y la observación son fundamentales en todos estos métodos para mejorar las habilidades en la representación de la cabeza.

Para construir el torso partiremos de un rectángulo y este lo dividiremos en 3 partes 2 medianas arriba y abajo y una grande en el medio para el abdomen las otras 2 le corresponde a la cadera y el pectoral, les compartiré el paso a paso para construirlo.

Copien este proceso las veces que necesites para familiarizarte con las formas, si deseas un acabado más estilizado puedes usar referencias de la musculatura humana, abajo le comparto un ejemplo a modo de referencia de la forma y estructura de los músculos con los nombres más relevantes para la construcción del torso

Con los brazos los haremos con cilindros u esferas ubicados en este orden Esfera cilindro esfera cilindro esfera, así tenemos la base con los volúmenes y las articulaciones del brazo en la primera esfera tenemos el hombro, en la segunda el codo y la ultima la mano o la muñeca, al hazlo veras el proceso, dibujar e una habilidad que se mejora con la constante repetición, repite este método de la misma manera que la practica anterior.

Para construir la mano haremos un rectángulo con 5 líneas que formaran los dedos, te comparto el paso a paso repítelo las veces que creas necesario.

Para las piernas no es mucha ciencia, repetiremos el método anterior ligeramente más alargados (Esfera cilindro esfera cilindro esfera) en la primera esfera tenemos la unión con la cadera, en la segunda la rodilla y la última el pie, hagamos el siguiente ejercicio

Para construir el pie haremos lo mismo que con las manos, pero más alargado en el rentándolo principal y para los dedeos serán líneas más pequeñas un rectángulo, te comparto el paso a paso repítelo las veces que creas necesario

Para esta parte vamos a hacer un repaso, les comparto unas cuantas ilustraciones de figura humana, el reto sera redibujar las siguientes imagenes aplicando lo visto anteriormente, para aumentar el reto puedes usar poses distintas o dibujar la pose de forma gestual y si quieres algo aun mas dificil te reto a dibujar la anatomia detallada de la pose, recuerda que puedes usar las referecnias vistas anteriormente bueno a dibujar.

Recuerda un buen esqueleto buena proporción y construccion las guias nesesarias puedes darle personalidad a tu personaje plantear la pose de manera

esqueleto grafico puede servirte para manejar una construccion del cuerpo humano, conocienddo puedes deformar lo que sientas necesario para personaje o ilustración, a su vez te permitirá manera efectiva

ARTISTA DEL MES

DAN MORA

MORA

D AN MORA CHAVES

Más conocido simplemente como Dan Mora, nació en 1987. Lleva toda la vida dibujando, pero se formó académicamente en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica, donde se licenció.

Aunque ha formado parte de muchos grupos de diseño, ilustración y animación de Costa Rica, dio el gran salto en 2014 con la serie mensual Hexed para la editorial estadounidense BOOM! Studios. Está casado y vive en Alajuela. En 2016, recibió el galardón Premio Russ Manning al Autor Novel Más Prometedor por su trabajo en Klaus, junto al escritor Grant Morrison.

Tras ser catapultado a la fama por sus trabajos para BOOM! Studios en Hexed y Klaus, en 2014 y 2015, respectivamente, Mora se encargaría de ilustrar para esta compañía el especial WWE: Then. No. Forever en 2016, a la wque le seguiría una serie regular WWE, de la que se encargaría de las portadas. En calidad de portadista participaría en títulos como el crossover entre compañías Planet of the Apes/Green Lantern y Mighty Morphin Power Rangers, contribuyendo en una historia del primer anual de la serie, aportando incluso el coloreado. También sería el dibujante regular de la serie Saban’s Go Go Power Rangers.

Aparte de su trabajo en BOOM! Studios, Dan ha trabajado para Marvel y DC, realizando distintas portadas en títulos como Batgirl, Doctor Strange vol.3, Secret Empire, Titans, Teen Titans, Champions, Spirits of Venganza, Jessica Jones y Nova, entre otros.

Bienvenidos a la primera edición de How to Draw, esta revista te sumergirá en el apasionante mundo del dibujo básico. En estas páginas, te invitamos a descubrir la magia de plasmar tu creatividad en el lienzo en blanco ya desatar tu potencial artístico. Ya sea que seas un principiante que apenas comienza a tomar lápices y pinceles, o un entusiasta del arte en busca de mejorar tus habilidades fundamentales.

Aquí, encontrarás una variedad de tutoriales que te guiarán paso a paso a través de las técnicas esenciales del dibujo. Desde los conceptos básicos de anatomía y proporciones hasta el manejo de sombras y perspectiva, cada artículo está diseñado para que te sientas inspirado y capacitado para explorar el mundo del arte visual.

VISITA NUESTRAS REDES EN

MAS INFORMACIÓN EN: