Las obras más conocidas de Durero son: Autorretrato a punta de plata (1484, Albertina) Cementerio del San Juan (acuarela y gouache, h. 1489, museo de Bremen) Retrato de Albrecht Dürer el viejo (1490-1497, Florencia, Uffizi) Autorretrato (1493, París, Museo del Louvre) Acuarelas (1495): Wehlsch Pirg (Oxford, Museo Ashmolean), Col alpino (monasterio del Escorial), Estanque en el bosque (Museo Británico), Vista del Arco (Louvre) El Cangrejo (h. 1495, Rótterdam, Museo Boymans Van Beuningen) Retablo de Wittenberg (1496-1497, Dresde, Gemäldegalerie) La Virgen adorando al Niño o Virgen en adoración delante del Niño (1496-1497, Dresde, Gemäldegalerie) Retrato de Federico el Sabio (1496, Berlín, Staatliche Museen) Grabados: Apocalipsis (1498, ejemplos en el Louvre, Fondo Rothschild; Londres, Palacio de Buckingham) Madonna Haller (1498, Washington, Galería Nacional de Arte) Autorretrato (1498, Madrid, Museo del Prado) Retrato de Oswolt Krel (1499, Múnich, Alte Pinakothek) Autorretrato o Autorretrato «cristológico» (1500, Múnich, Alte Pinakothek) La lamentación de Cristo o Lamentación sobre Cristo muerto (h. 1500, Múnich, Alte Pinakothek) Retablo Paumgartner (1502-1504, Múnich, Alte Pinakothek) la Gran mata de hierba (1503, Albertina) Adoración de los Magos o La adoración de los Magos (1504, Florencia, Uffizi)
Revista Virtual Alberto Durero (1471 - 1528) Juan Calderon 20.851.052 historia del diseño Grafico Prof. Rydberg Fernández
Dibujo Técnico El dibujo técnico es un sistema de representación gráfica de diversos tipos de objetos, con el propósito de proporcionar información suficiente para facilitar su análisis, ayudar a elaborar su diseño y posibilitar su futura construcción y mantenimiento. Suele realizarse con el auxilio de medios informatizados o, directamente, sobre el papel u otros soportes planos.
La representación gráfica se basa en la geometría descriptiva y utiliza las proyecciones ortogonales para dibujar las distintas vistas de un objeto.
Los objetos, piezas, máquinas, edificios, planes urbanos, entre otros , se suelen representar en planta (vista superior, vista de techo, planta de piso, cubierta, entre otros ), alzado (vista frontal o anterior) y lateral acotaciones]]; son necesarias un mínimo de dos proyecciones (vistas del objeto) para aportar información útil del objeto,dependiendo esto de la complejidad del mismo. Las vistas mencionadas de acuerdo al sistema ortogonal se llaman fundamentales por pertenecer al triedro fundamental,este triedro lo conforman el plano anterior, superior y lateral. Esta representación se guía por normativa actualizada, fija y preestablecida, lo que posibilita que el resultado sea claro, exacto y universal facilitando la correcta construcción del mismo.
Formas de expresión: El dibujo técnico engloba trabajos como bosquejo y/o croquis, esquemas, diagramas, planos eléctricos y electrónicos, representaciones de todo tipo de elementos mecánicos, planos de arquitectura, urbanismo, etc, resueltos mediante el auxilio de conceptos geométricos, donde son aplicadas las matemáticas, la geometría euclidiana, diversos tipos de perspectivas, escalas, etc.. Medios y soportes: El dibujo puede ser plasmado en una gran variedad de materiales, como son diversos tipos de papel, lienzo o acetato (mylar); también puede proyectarse en pantalla, mostrarse en monitor, recrear animaciones gráficas de sus volúmenes, etc.
Dibujo técnico del símbolo monetario del euro.
Útiles e instrumentos: Para realizar el dibujo técnico se emplean diversos útiles o instrumentos: reglas de varios tipos, compases, lápices, escuadras, cartabón, tiralíneas, rotuladores, etc. Actualmente, se utiliza con preferencia la informática, en su vertiente de diseño asistido mediante programas (CAD, 3D, vectorial, etcétera) con resultados óptimos y en continuo proceso de mejora
-Tipos de dibujo técnico: Un dibujo técnico debe facilitar la visualización de todos los detalles de la pieza, para permitir su análisis y futura construcción.
-Dibujo arquitectónico: -El dibujo mecánico -Dibujo eléctrico: -El dibujo geológico: -Dibujo topográfico: -Dibujo urbanístico: -Dibujo técnico de las instalaciones sanitarias: -Dibujo técnico electrónico -Dibujo técnico de construcciones metálicas:
Vistas estándar usadas en el dibujo arquitectónico..
Dibujo Artistico El dibujo artístico es la disciplina del trazado y delineado de cualquier figura, abstracta o que represente algún objeto real, una forma de expresión gráfica. El dibujo artístico es un lenguaje alternativo de ámbito universal que permite la transmisión de información de toda índole: ideas, descripciones y sentimientos. Y ademas el "dibujo artìsco" es un entretenimiento social de todas las personas que tienen y le gustan el don de dibujar y trazar sus creaciones.
-Apunte: es el dibujo rápido que se usa para captar y recordar las características de lo que se va a dibujar. Es útil cuando se dibujan exteriores o figuras en movimiento. -Boceto: es la prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para ayudar a decidir el encuadre, la composición, qué elementos se incluyen… -Encajado: son las líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o borran después) que sirven como base del dibujo. -Línea: es el dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo más general y después el detalle. -valorización: para conseguir más realismo y volumen, se sombrean las zonas más oscuras. Las zonas de luz se pueden aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o similar.
Dibujo.
lConceptos:
-Color: un dibujo puede llevar color, en especial si está destinado a ser una ilustración (dibujo que acompaña a un texto en libros, carteles, etc.). -Correcciones: los errores se pueden corregir, borrando, cubriendo una zona del dibujo con pintura o un trozo de papel y dibujando sobre él, o escaneando el dibujo y modificándolo en un programa de retoque fotográfico (ej.: Photoshop). Con estos programas de retoque se pueden eliminar, añadir o resaltar cosas, mejorar contrastes y colores.
-Dibujante: Aquel que tiene un propósito estético, el de transmitir una idea o sentimiento surgido de la subjetividad del autor. -Dibujo: Es la representación gráfica de lo que se ve, percibe, recuerda o se imagina. -Dibujo Lineal: Es la representación de algo ya sea real o imaginario con distintas técnicas para plasmarlo. La característica principal es que se realiza con trazos o un delineado, no tiene color ni valoración tonal, es decir no está "sombreado".
Proceso en el dibujo artístico
Un modo de dibujo a mano alzada es el realizado sobre la marcha, sin correcciones, por viajeros, exploradores, científicos. A este tipo de dibujos se les conoce como cuadernos de campo. Se pueden citar al colombiano Juan José Gutiérrez, al alemán Wilhelm Filchner y al español Julio Caro Baroja.
El dibujo en el arte
-Psicología del dibujo artístico: El artístico dibuja lo que no puede expresar con palabras: "tele transporta su imaginación y pensamientos" a un lienzo que puede ser de papel u otro material. dibujar, cada dibujante perfecciona su dibujo a su forma de pensar, pero el arte del dibujo a mano alzada solo se consigue con práctica y dedicación. dibujo artistico a color
-Proporción: la proporción en el dibujo es muy importante, ya que dará al objeto representado la armonía necesaria al relacionar todos los elementos. Un consejo útil y práctico al momento de realizar el encuadre del dibujo, es colocarlo frente a un espejo, de esta manera se descubrirá si la obra se encuentra bien proporcionada y si guarda la simetría; esto es muy útil en especial con los dibujos del rostro y en retratos. En ocasiones nuestro ojo suele "engañarnos" al momento de dibujar y resulta que al terminar un trabajo, desde nuestra mirada puede parecernos correcto y bien encajado, más al colocarlo frente al espejo se descubren errores de proporción y, es conveniente no olvidar que es así como lo verá el espectador.
perspectiva La perspectiva, palabra proveniente del Latín perspectiva, es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos comunes. En un dibujo, la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción. Es también la ilusión visual que percibe el observador que le ayuda a determinar la profundidad y situación de los objetos a distintas distancias. Por analogía, también se llama perspectiva al conjunto de circunstancias que rodean al observador, y que influyen en su percepción o en su juicio.
Perspectiva del Campidoglio, en Roma. Miguel Ángel diseñó la composición de esta pequeña plaza; dispuso los edificios laterales confluyendo hacia el fondo para reforzar la sensación de profundidad.
-Historia y evolución artística: Ya en pinturas egipcias se concebía una dimensional de la superficie a pintar, sin sugerir estrictamente una idea de concepción espacial. Disponían los personajes en mayor tamaño, cuanto mayor importancia tuvieran, Es lo que los historiadores del arte denominan perspectiva jerárquica o teológica. Posteriormente y hasta llegar al final de la Baja Edad Media, los intentos de conseguir una cierta idea de perspectiva se encuentran en la perspectiva caballera, donde los objetos más alejados se sitúan en la parte superior de la composición y los más cercanos, en la inferior.
El artista que se considera el antecesor del renacimiento italiano, el pintor gótico Giotto (1267-1336), comenzó a dotar de tridimensionalidad a sus composiciones pictóricas. Los artistas empiezan a buscar la sensación espacial a través de la observación de la naturaleza. Con las obras de Fra Angelico (1390-1455) —como en La Anunciación— y sobre todo con las de Masaccio —en su Trinidad (h. 1420-1425)—, se logra la sensación de espacio mediante el uso metódico de la perspectiva cónica, donde las líneas paralelas de un objeto convergen hacia un determinado punto de fuga. Las figuras se van reduciendo en función de la distancia, lo que provoca la ilusión óptica de profundidad. Entre los años 1416 y 1420, Filippo Brunelleschi, artista y arquitecto florentino del renacimiento italiano, para poder representar los edificios en perspectiva, realizó una serie de estudios con la ayuda de instrumentos ópticos, como algún tipo de perspectógrafo. Con ellos, descubrió los principios geométricos que rigen la perspectiva cónica, una forma de perspectiva lineal basada en la intersección de un plano con un imaginario cono visual cuyo vértice sería el ojo del observador. Los objetos parecen más pequeños cuanto más lejos están. La codificación de la perspectiva humanista europea se desarrolla en Umbría, a mediados del siglo XV, bajo la influencia de la obra de Piero della Francesca: de la mera intuición y los medios técnicos, la perspectiva se hace teoría matemática. También fue el primer pintor en llevar a cabo un estudio científico de la luz en la pintura. Leon Battista Alberti, en su tratado De Pictura (1436) (De la pintura) teoriza sobre las imágenes que se inscriben en el interior de una "ventana" de un cubo abierto por un lado y hace alabanzas sobre "los caras que en las pinturas dan la impresión de salir del cuadro, como si estuviesen esculpidas". Para ello, "a un pintor se le debe instruir, en la medida de lo posible, en todas las artes liberales, pero (...) sobre todo, en la geometría", definiendo así las premisas de una teoría de la perspectiva. A finales del siglo XV y XVI se perfecciona la perspectiva bajo la aportación de Leonardo da Vinci en su Tratado de la pintura (1680) con la perspectiva del color, donde los colores se difuminan según va aumentando la distancia y la perspectiva menguante, donde los objetos o figuras van perdiendo nitidez con la distancia.
Perspectiva aérea en Velázquez con Las Meninas, (1656). Para Alfonso Pérez Sánchez, «la maestría de su luz hace sentir como verdadero el aire de la habitación.»
Durante la pintura manierista, ya no se intenta representar la realidad de manera naturalista, se hace más complicada, se crean perspectivas ilusorias con puntos de fuga múltiples o sacando el punto de fuga fuera de la pintura y se distorsionan deliberadamente las proporciones en un espacio desarticulado e irracional para lograr un efecto emocional y artístico. Con la pintura barroca, la forma es definida sobre todo por el color, la luz y el movimiento, con lo que las composiciones se complican, se adoptan perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica. Con la perspectiva aérea se intenta representar la atmósfera, el aire que envuelve a los objetos, degradando su color a medida que se van alejando del espectador, aportando así no sólo una sensación de profundidad. El prototipo es Diego Velázquez con su obra Las meninas.
Perspectiva cónica.
Grabado en madera l grabado en madera es una técnica de grabado que experimentó un gran apogeo en el siglo XIX. Hay diferencias esenciales de características entre un grabado en madera y una xilografía. Mientras que una xilografía se realiza sobre una plancha de madera blanda usando gubias u otros elementos de corte, en un grabado en madera el artista realiza la "matriz" "esgrafiando" un bloque de madera con un buril en lugar de usar las mencionadas herramientas de corte, llegando a crear un dibujo muy sofisticado (dentro de lo posible), produciendo por lo general un resultado de trazo más grueso. Los grabados en madera son generalmente pequeños y alcanzan una escala de grises con gran "eclosión"
Funcionalmente en la variedad de grabado en madera, se utiliza la impresión en relieve, en la que se aplica la tinta a la cara del bloque y se imprime usando una presión relativamente baja. Por el contrario, tanto en xilografía como en el grabado ordinario, se usa una placa como matriz y se imprime por el método de huecograbado, donde la tinta llena los "valles" del grabado, depositándose luego sobre el papel al prensarlo. Como resultado, además de conseguirse un blanco sobre negro distintivo, las impresiones hechas con grabados en madera se deterioran a una velocidad mucho menor que los hechos con xilografía o con placa de cobre. -Grabado en madera de múltiples colores: Cada color se tenía que hacer en un bloque separado, que tenía que encajar con el bloque pre-existente, con gran exactitud para cada nuevo color.
Bewick - Kerkuil History of British Birds (1847)
El famoso grabador de madera holandés Maurits Cornelio Escher trabajó con múltiples colores. También desarrolló esta técnica el magistral grabador de madera Nico Bulder en la provincia de Groningen (Holanda). -Lista de artistas:
-Historia:
- Thomas Bewick - Nico Bulder - John Buckland Wright - Maurits Cornelio Escher - Fritz Eichenberg - Cornelis Labots - Marcos Severin
La grabado en madera fue desarrollado por el artista gráfico Inglés Thomas Bewick (17531828). Su nueva técnica de impresión, en la que utilizaba un buril en lugar de cuchillo, sustituyó el grabado de cobre porque era mucho más simple y más barato (en este orden de importancia).2 Los grabados en madera constituían un clichés para su uso en la impresión en prensas gráficas. dibujos de gran detalle en múltiples grabados en madera.
-Diferencia funcional con la xilografía:
Władysław Skoczylas: St. Sebastian, 1915
Grabado en madera -Aguafuerte: Es el proceso según el cual la matriz se protege en su totalidad con un barniz compuesto de betún de Judea y cera de abeja que se puede aplicar en estado líquido o sólido, y que se deja secar. Cuando está seco, se levanta con un punzón u otro utensilio capaz de retirar el barniz, siguiendo el dibujo que se quiera realizar, y dejando la superficie de la plancha al descubierto. Una vez levantado el barniz con la forma del dibujo, se introduce la plancha de metal en una solución de agua y ácido nítrico, que actuará corroyendo la plancha en las zonas donde se ha retirado el barniz y grabando la superficie del metal, que será más profundo cuanto mayor sea el tiempo que actúe el ácido, y la concentración de la solución empleada sea mayor.
Grabado en metal. En la elaboración de la colografía se emplean láminas metálicas sobre las cuales el artista realiza su trabajo con resinas plásticas que al adherirse y solidificar, sirven de planchas impresoras. La impresión se realiza en la misma forma que el agua fuerte.
Grabado en metal. Grabado en metal. La imitación por medio del grabado, del lápiz sobre el grano y accidentes del papel, permite producir dibujos y publicar en facsímil.
Retrato de Luca Giordano en un aguafuerte del siglo XVIII
-Aguatinta: Esta técnica es empleada generalmente en combinación con otras y se utiliza para conseguir tonos planos y texturas, el proceso es similar al del aguafuerte. La plancha se protege espolvoreando sobre su superficie polvo muy fino, de resina de colofonia. técnica del aguafuerte, mayores concentraciones de ácido y mayores tiempos de exposición al mismo, significan que más cantidad de tinta se alojará en el grabado.
Colografía.
magnifico grabado en cobre siglo xix
Antiguo Grabado En Cobre-fragata
El grabado se sirve un rodillo de acero que da vueltas sobre un eje fino. El cilindro esta cubierto de púas o dientes que muerden el cobre barnizado donde sea menester. Luego se aplica sobre el agua fuerte y después se acentúa mas o menos en el cobre desnudo con el mismo instrumento.
Alberto Durero Alberto Durero (en alemán Albrecht Dürer; Núremberg, 21 de mayo de 1471-Núremberg, 6 de abril de 1528) es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte. Ejerció una decisiva influencia en los artistas del siglo XVI, tanto alemanes como de los Países Bajos, y llegó a ser admirado por maestros italianos como Rafael Sanzio. Sus grabados alcanzaron gran difusión e inspiraron a múltiples artistas posteriores, incluyendo los nazarenos del siglo XIX y los expresionistas alemanes de principios del siglo XX.
Entre 1488 y 1493, el taller de Wolgemut se dedicó a la considerable tarea de realizar numerosas xilografías para ilustrar la Crónica de Núremberg (1493) de Hartmann Schedel, y es probable que Durero recibiera una instrucción exhaustiva de cómo hacer los dibujos para las planchas de madera. Durante toda la época renacentista, el sur de Alemania fue centro de muchas publicaciones y era común que los pintores estuvieran también calificados para realizar xilografías y grabados para ellas. -Primer viaje a Italia (1494–95): Después de casarse con Agnes Frey en Núremberg en 1494, Durero viajó a Italia. Allí realizó acuarelas de paisajes con gran minuciosidad de detalle, probablemente durante su viaje de regreso, como por ejemplo una vista del castillo de Trento (National Gallery, Londres). -Último viaje y últimas obras:
Autorretrato (1493) de Alberto Durero, pintado originalmente en óleo sobre papel vitela. Louvre, París.
-Vida y obra: Durero nació el 21 de mayo de 1471 en Núremberg, ciudad a la que estuvo íntimamente unido. Su padre, Alberto Durero el Viejo (1434-1522), era un orfebre húngaro que emigró a tierras germanas y el primer maestro de su hijo. De su primera formación, el joven Durero heredó el legado del arte alemán del siglo XV, en el que estaba muy presente la pintura flamenca del gótico tardío. Los artistas alemanes no tenían dificultad en adaptar su propia tradición gótica a la de artistas flamencos, como Robert Campin, Jan van Eyck y, sobre todo, Rogier van der Weyden.
-Aprendizaje y primer viaje:
En 1520 Durero se enteró de que Carlos I, sucesor de Maximiliano I, iba a viajar desde España a Aquisgrán para ser coronado emperador del Sacro Imperio Romano Germánico. Durero había recibido una pensión anual por parte de Maximiliano y tenía la intención de que Carlos I mantuviera esa asignación. Emprendió el viaje a Aquisgrán, que financió vendiendo grabados y otras obras durante el trayecto, y de allí pasó a los Países Bajos entre 1520 y 1521. Su diario nos proporciona un fascinante relato de estos viajes, de las audiencias de los monarcas y de los recibimientos que le brindaron sus compañeros artistas, como Lucas van Leyden, especialmente en Amberes. -Influencia posterior: El arte de Durero ha ejercido una influencia intensa y duradera en el arte occidental, fundamentalmente gracias a la masiva circulación de sus grabados, tanto originales como copias. Ya en vida Durero disfrutó de gran fama no solo en Centroeuropa, sino también en los Países Bajos, España e Italia, y sus estampas fueron copiadas con frecuencia. Durero acusó de plagio al italiano Marcantonio Raimondi por replicar sus grabados. Posteriormente este conflicto se resolvió y Durero se interesó por adquirir estampas de Raimondi. Libros publicados
Los cuatro jinetes del apocalipsis, perteneciente a la serie de grabados Apocalipsis (1498).
En todos sus trabajos teóricos, con el fin de comunicar sus teorías en el idioma alemán y no en latín, Durero utilizó expresiones gráficas y usando la lengua vernácula, el idioma comprensible para los artistas y artesanos. Por ejemplo, "Schneckenlinie" ("línea en caracol") fue su término para una forma de espiral. Por lo tanto, Durero contribuyó a la expansión de la prosa alemana que Martin Luther había comenzado con su traducción de la Biblia.