DG
así
DG así Prototipo Fundamentos tecnológicos: tipometría Programa Curricular de Diseño Gráfico Facultad de Artes Universidad Nacional de Colombia Dirección Antonio Márquez Edición y coordinación editorial Ginneth Hernández Juan David López Rico Redación y diagramación Eduardo Aragón, Leonel Hernández, Marcela Jaimes, Camilo Carrero, Robin Rozo, Mária Carrillo, Jesse Moreno, Lucas Gelves, David Montaña, Andrés Menjura, Alejandra Cala, Sergio Triana, Juan Cervantes, Salomé Cuéllar, Andrés Varela, Alejandro Díaz, Juan Palacios, Manuela García, Daniela Pineda. Diciembre 2015
Si usted todavía no sabe nada o poco del diseño gráfico y se pregunta quienes son tan locos de aventurarse en una carrera en la que, según las leyendas urbanas, su futuro es ser gerente de comidas rápidas, podrá ver que en este catálogo se desmienten tales calumnias; pues las posibilidades de esta especie profesional que crece por estos días van más allá de servir hamburguesas. Brosmind, Gonzo, Yuko Shimiso, “Beto”, Eduardo Salles, Isidor Ferrer y muchos otros son los personajes que podrá conocer y reconocer en estas páginas y que demostrarán que el diseño es todo... o casi.
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Contenido 3 6 10 14 18 22 26 30 34 38 42 46 50 54 58 62 66 70 74 78 82 86
Introducción Alberto Martínez “Betto” Alejandro Magallanes Alextrochut Andreas Preis Brosmind Chema Madoz Chip Foose David Revoy Eduardo Salles Gonzo Hanuka Isidro Ferrer Ixchel Estrada Javier Mariscal Josef Müller Kyle Thompson Lora Zombie Miyazaki Storm Thorgerson Yuko Shimizu Yuumei
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Alberto Martinez “Betto”
Ilustrador - Caricaturista
Gran caricaturista, destacado por la simpleza de su técnica e ingeniosa visión de la actualidad nacional Colombiana. Si bien su trayectoria se acerca a la veintena de años y en comparación a maestros de la talla de Osuna o el propio Calarcá, todavía le queda un gran camino por recorrer, ya es posible afirmar que para la caricatura colombiana es una referencia ineludible, no siendo cuestión del azar o de los ya acostumbrados amaños diligénciales, que sea uno de los caricaturistas con más reconocimientos y premiaciones a nivel del periodismo colombiano. Para quienes están interesados en las artes, la ilustración y el diseño, es un personaje a tener en cuenta, pues como el mismo lo dice “mi gran logro fue convencer a mi familia de que se puede vivir de la caricatura”. Reto con el que muchos estudiantes de diseño, artes o afines se encuentran en nuestro día a día. Imparables
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Vida y obra Nació el 19 de abril de 1968. Comenzó su interés en el dibujo a la corta edad de 6 años, era tal la dedicación y la vocación que sentía por el lápiz y el papel que sus maestros le describían en las notas de rendimiento escolar como: “un estudiante cuyo rendimiento seria satisfactorio si no dibujara a toda hora”. Recibió clases de caricatura y fisionomía con el maestro José Arles Herrera “Calarcá” (artista y caricaturista en medios impresos como el periódico “Voz”) en la universidad Jorge Tadeo Lozano.
Fritos
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Desde 1998 registra con sus trazos y su ingenio la realidad nacional en el diario El Espectador. También se destaca como catedrático y desde ese rol aprovecha para comunicarle a las nuevas generaciones lo mejor de su experiencia como caricaturista. Betto define el valor de la caricatra como: el equilibrio entre lo artístico, lo político, lo documental y lo critico”. Tiene en su record profesional 4 Premios Nacionales de Periodismo Simón Bolívar (1999, 2008,2010,2013) y 2 CPB (2007, 2008) en las categorías de Mejor Caricatura, ademàs de 6 libros [En Barra Arte de Humor 1997, Omelette de Humor 2002, Toro Humor 2005, Manual para Pioneros 2006,Blues en Blanco y Negro 2008,Ellos y Ellas 2008]
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Silencio
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Sirios
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Curiosidades Entre sus principales influencias el propio “Betto” destaca a grandes de la sátira gràfica como: Quino, Fontanarrosa, Steinberg, Sempe y Levine. En su faceta fuera la hoja y el lápiz inquieto, es un apasionado “Harmonicólogo”. Coleccionante e intérprete de la harmónica ha acompañado principalmente a The Black Cat Bone, un instrumento que según sus propias palabras rescata el espíritu del Blues.
Tragedia anunciada (http://bettoespectador.blogspot.com.co/)
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Falsos positivos
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“Betto” el maestro “Al final del día yo sólo quiero que cada alumno sepa algo más de su oficio, que haga mejor alguna operación, que respete la nobleza de los materiales y el ingenio de las herramientas, que se sienta orgulloso de la calidad de su obra. Yo no puedo saber cuál será su destino, si tendrá empleo, si montará un taller, si trabajará en otra cosa; pero me gustaría que su trabajo sea siempre apreciado por él en primer lugar, y también por su empresa, o por sus clientes”
Corazonada
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Música para la paz
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Alejandro Magallanes Ilustrador y cartelista Alejandro Magallanes es un diseñador e ilustrador mexicano cuyas reconocidas y prestigiosas contribuciones son valoradas en el mundo editorial y del cartel. El artista tiende a jugar con la fonética de las palabras en sus imágenes y su estilo frecuentemente tiene un toque infantil. Pero, en realidad, el diseño gráfico es tan sólo su faceta creativa más visible. Se ha aventurado a crear poesía, experimenta con animaciones y videos, esculturas, fotografías y dibujo. Se puede decir que Alejandro Magallanes es, en esencia, un dibujante que quiere representar todo lo que ve y es. En junio de 2012, Alejandro Magallanes presentó su primer exposición individual: Siempre di Nunca, en el Museo de Arte Carrillo Gil. Dentro de la exhibición se presentaron fotografías, animaciones, dibujos e instalaciones descritas como un “intenso imaginario que destila humor negro”. Su obra internacionalmente y ha recibido importantes reconocimientos como la medalla Josef Mroszczak, en la XVI Bienal del Cartel en Varsovia.
siempre dí nunca (2012)
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Vida y obra Diseñador gráfico nacido en la Ciudad de México (1971). Se dedica a jugar y a trabajar con letras e imágenes, a veces encargadas por alguien y otras tan sólo por puro gusto. A la fecha ha escrito siete libros y dibujado, pintado, armado y diseñado muchos otros libros, carteles, animaciones, collages, fotos, letras e imágenes. No piensa que una imagen valga más que mil palabras, ya que mil palabras combinadas entre sí crean aproximadamente seis millones de imágenes (por decir una cifra). Cree que si alguna imagen se vuelve imborrable en tu memoria, no podrás definir con palabras la emoción que te provoca. También piensa que las etiquetas son para quien las necesita. Ha tenido muchas exposiciones y muchos reconocimientos nacionales e internacionales, pero no los quiso escribir aquí, ni modo. Y desde hace varios años es miembro de Alianza Gráfica Internacional (AGI).
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un propocito claro (2015)
Un propocito claro. “comenzar la temporada de la nueva obra de Teatro de los amigos de Idiotas Teatro que lleva por nombre Un propósito claro. La idea de los personajes sobre un barco de papel vino a partir del primer cartel que hice con ilustración” Un propósito claro, obra escrita por Ileana Villareal estrena temporada en el Teatro el Galeón del Centro Cultural del Bosque, gracias al trabajo de la compañía Idiotas Teatro y la dirección de Jesús Díaz. En este viaje hacia ningún lado tres marineros y su capitán tienen como misión llevar al único pasajero de la embarcación a su destino.
Festival vive latino (2013)
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Curiosidades En 1997 coordinó la exposición No todos los carteles son bonitos. Su trabajo de cartel ha sido expuesto en Japón, la República Checa, Argentina, Estados Unidos, China, Eslovenia, Rusia, Ucrania, Colombia, Venezuela, Polonia, Cuba y México. Mereció la medalla Josef Mroszczak en la XVI Bienal del Cartel en Varsovia, el tercer lugar en la bienal de carteles a favor de la ecología 4th Block en Ucrania y el premio Golden Bee en la categoría de libro en la Bienal del mismo nombre en Rusia.
Caratula para los fabulosos del cadillacs (2010)
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Alex Trochut
Ilustrador Tipográfico Nace en Barcelona en 1981. Estudia Diseño Gráfico en la Escuela Superior de Diseño Elisava. Comenzando su actividad profesional en Berlín, trabajando en los estudios Moniteurs y Xplicit, para posteriormente regresar a Barcelona y trabajar en el estudio de diseño Toormix a su llegada, y más tarde en el de Vasava, estableciéndose por su propia cuenta en 2007. Empezó a trabajar como diseñador e ilustrador freelance a escala mundial. Es conocido por su excelente tratamiento tipográfico mezclado con ilustración. Diseña sus propias tipografías para darle mayor valor a su trabajo, rico en detalle, textura, volumen, trazos libres y elegancia. Alex Trochut ha demostrado su creatividad al momento de trabajar para marcas como Nike, Diesel, Pepsi, Channel 4, Roxy, British Airways y para bandas como The Rolling Stones, Vampire Weekend y Arcade Fire.
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Vida y obra Nace en Barcelona en 1981. Estudia Diseño Gráfico en la Escuela Superior de Diseño Elisava. Comenzando su actividad profesional en Berlín, trabajando en los estudios Moniteurs y Xplicit, para posteriormente regresar a Barcelona y trabajar en el estudio de diseño Toormix a su llegada, y más tarde en el de Vasava, estableciéndose por su propia cuenta en 2007. Empezó a trabajar como diseñador e ilustrador freelance a escala mundial. En 2011 publicó el libro titulado More is More en el que se recogen todos los proyectos que ha realizado desde 2006 hasta ese momento. En 2012 desarrolló el proyecto artístico conocido como Binary Prints, resultado de las investigaciones llevadas a cabo en el campo de la dualidad, para el que patentó una técnica que recibe el mismo nombre, mediante la que dos imágenes diferentes podían ser mostradas en una misma superficie, una con luz y otra con oscuridad. A través de dicha técnica, y en colaboración con artistas de música electrónica como James Murphy, John Talabot, Carbou, Damian Lazarus o Acid Pauli, entre otros, ilustró los carteles del festival Sónar en 2013.
Hyper spectrum for Beautiful Decay
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Rolling stones Album Atwork
Curiosidades “Más es Más”. Para Trochut, en su obra la tipografía, es el elemento más cercano a lo abstracto y a la gráfica en una creación visual, ya que la ilustración y la fotografía se remiten a lo figurativo. Convierte la tipografía, en un elemento, la variedad y cambios de técnica en cada proyecto, manteniendo en todos ellos como rasgos comunes la fusión entre geometría y formas fluidas, equilibrando abstracción y legibilidad, dependiendo de quién sea el cliente y del formato que esté aplicando.
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Contacto http://www.alextrochut.com/#/works
Hipnotic Visual efects Beercelona blotte for Barcelona beer Company
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Andreas Preis Ilustrador
Andreas Preis es un diseñador, ilustrador y artista que actualmente comparte su tiempo de trabajo entre las ciudades de Berlín (Alemania) y Barcelona (España). Este joven artista, nacido en 1984 en las profundidades boscosas de Baviera, en el sur de Alemania, descubrió su debilidad por el dibujo y los colores desde la más tierna infancia. Con el sueño de convertirse en artista desde que tenía 5 años de edad, Andreas decidió estudiar diseño hasta graduarse en la Georg-Simon-Ohm University en 2009. Las habilidades de este artista incluyen las áreas de diseño gráfico más tradicionales: tipografía, logotipos, iconos y todo tipo de proyectos
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Vida y obra Esta absolutamente ligado a la trama, más precisamente a colocar por secciones patrones de líneas paralelas que se encuentran con otras, dependiendo de lo seguidas que estén, logra dar aspectos de sombra o pelaje en los animales los cuales son los principales trabajos que realiza, ya sea por gusto o por encargo. Uno de sus trabajos más osados ha sido el “MINI x BURTON // Snow Beasts” que fue básicamente encargarse del diseño y pintura de un Mini cooper, patrocinado por la marca de autos Mini y por la empresa creadora de Snowboards Burton, en un evento en vivo donde la gente podría acercarse preguntar y comprar cosas en la tienda Burton, en este evento también pintó una buena cantidad de tablas que sirvieron para ser rifadas y vendidas. Otro trabajo fue el de pintar un pequeño pedazo de la primera generación del Muro de Berlín en YAAM. Durante más de 20 años, YAAM ha sido uno de los puntos de encuentro más importantes para las personas de diferentes culturas para disfrutar de la música, el arte, el deporte o simplemente pasar el rato en el paseo marítimo en el centro de Berlín. Allí pintó la cabeza de un gran león que media por lo menos unos tres metros. Aporte para un concurso apoyado por BYVM en colaboracion con Burton.
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Trabajo par Mini en colaboracion con Burton.
Preguntas Antes de contactarlo Andreas responde: ¿Cuál es el nombre de su estilo? -No tengo ni idea y realmente no me importa. ¿Trabaja de forma gratuita? -Siempre y cuando estemos hablando de un proyecto de caridad confiable. De otra forma: ¿Lo harías? Quiero una de sus piezas como un tatuaje, usted podría enviarme algunos archivos en alta definición? Lo siento, pero no, yo no envío archivos en alta resolución de forma gratuita.
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Contacto designerpreis.com https://society6.com/designerpreis @andreaspreis (twitter) andreaspreisillustration (facebook) designerpreis (behance) studiokauz (instagram) andreaspreis (linkedin)
Trabajo gratuito para un amigo.
contribuci贸n a un concurso de arte para DC Comics y Myface concepto de arte y galer铆a.
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BROSMIND Ilustradores
Los hermanos Mingarro, Juan (1978) y Alejandro (1981) nacieron en Huesca, y pasaron su infancia en Binéfar, dibujando comics, construyendo vehículos para sus figuras de acción y rodando películas con su cámara doméstica. En el año 2006 fundaron el estudio Brosmind y se establecieron en Barcelona. Su estilo es fresco y optimista, y siempre combina la fantasía y el humor. Actualmente combinan sus trabajos de ilustración comercial con proyectos personales en los que experimentan con diversas disciplinas, como la escultura, la música o el video.
Contacto BROSMIND STUDIO Aribau 230-240, 8-D 08006 Barcelona SPAIN info@brosmind.com +34 935 663 270
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Trabajo Siendo antes la ilustración su hobbie y sin considerarse muy expertos, terminan dando un salto a la publicidad internacional tras su proyecto Power of Dreams para Honda, donde consiguen numerosos premios, y ofertas de trabajo. De aquí terminan creando su propio estudio de ilustración a tiempo completo. Han llevado su estilo a importantes encargos comerciales de poderosas marcas, como Nike, Microsoft, Virgin, Oreo, Gillette, Land Rover o Volkswagen.
Estilo Su estilo es muy definido y único, Siempre llevando la frescura del color a formas orgánicas, surtidas y jugando siempre con el movimiento. El contenido es en su mayoría humorístico, el estilo en su humor es natural e improvisado, entregado a reacciones rápidas y sorpresivas que resultan en ideas puras e intuitivas.
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City Cushions - 2012
What’s inside - 2009 - 2013
City Cushions - 2012
20 things that happened on the internet - 2014
Brosmind friends - 2011
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Outside lands - 2011
Brosmind Comic - 2014
Ahh - 2013
Money - 2015
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Chema Madoz Fotógrafo
“A lo largo de los años Madoz ha venido echando sobre sus espaldas una tarea hercúlea. Con una perseverancia que ha sabido convertir en estilo inconfundible, Madoz viene poniéndonos en contacto con esos otros mundos posibles que nos rodean, un universo de objetos tan familiares como desconocidos, tan próximos como irreductiblemente extraños. ¿Cuándo es que el fotógrafo decidió convertirse en una suerte de Hermes de esos mundos paralelos? ¿En qué momento entendió que su trabajo consistiría en descifrar incansablemente mensajes de esos lugares y objetos, próximos en el espacio y remotos en la imaginación? Debió de ser muy pronto. Y, desde entonces, asistir a una exposición suya u hojear uno de sus catálogos sólo resulta provechoso si estamos dispuestos a reconocer de entrada que aún no lo sabemos todo de esos fieles servidores que rodean nuestra más inmediata cotidianidad. Cerillas, cubiertos, relojes o libros que Madoz emplea para subrayar esa suerte de complementariedad dialéctica existente entre las categorías de lo real y lo virtual.” Luis Arenas
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Vida y obra José María Rodríguez Madoz o Chema Madoz, como se le conoce en el mundo de la fotografía, nació en Madrid en el año de 1958. Su pasión por la fotografía comienza a surgir cuando estudia Historia del Arte, realizando sus proyectos con una Olympus, pues al mismo tiempo estudiaba fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen. Aunque en sus orígenes, época en la que abandonó en la década de los 80 un trabajo en un banco que le horrorizaba, la fotografía de Madoz era muy distinta de la actual, ésta evoluciona notable y rápidamente hasta crear su propio espacio compositivo y estilo de autor. En 1985 la Real Sociedad Fotográfica de Madrid expone la primera muestra individual del autor. En 1991 recibe el premio Kodak posterior a la exposicion de “Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española” de la que el fotógrafo participó con algunos de sus trabajos. Fue galardonado también con el Premio Nacional de Fotografía de España en el año 2000, año en el que recibe también el Premio Higashikawa en Japón. Además de numerosas exposiciones que se suelen suceder año tras año no es nada raro que sus fotografías sean objeto de portadas de revistas, libros y publicaciones de lo más diverso.
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Entrevista para El País “–La paradoja es que con sus obras siempre juega al engaño. –Sí, pero no ayudado por la óptica. Trato de acercarme lo más posible a la visión del ojo para subvertir la realidad dentro de su propio territorio. Y poner en evidencia de manera sencilla todo aquello que se mueve en el terreno de lo que consideramos realidad.”
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Ilustración del Volkswagen Escarabajo ‘65 realizada por Chip Foose. En esta artístico realizado por Foose.
Chip Foose
Diseñador Industrial Diseñador automotriz y fabricante de vehículos nacido en Santa Barbara, California en 1963. Apasionado a la mecánica y a los autos desde temprana edad, se concentro en el estudio de diseño de productos cuando ingreso al reconocido Art Center College of Design de Pasadena. Culminó sus estudios en 1990 con honores, y a partir de ese momento empezaría una exitosa carrera en el diseño automotriz, trabajando para grandes compañías de la industria como ASHA Corp. y Hot Rods by Boyd de Boyd Coddington. En 1998 creó su propia compañía Foose Design dedicada a la personalización y diseño de vehículos. El trabajo de Foose Design ha sido reconocido con numerosos galardones nacionales e internacionales, y Chip se ha posicionado como gurú de la personalización y el diseño automotriz.
Volkswagen Escarabajo ‘65. 2012. Este escarabajo expone de gran manera Car o un Hot Rod, sino de un clásico de la cultura pop del siglo XX.
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a imagen es posible apreciar la calidad gráfica y estética del trabajo
a la versatilidad del trabajo de Chip Foose, pues no se trata de un Muscle
Vida y obra Chip Foose ha consolidado su talento y creatividad a través de los proyectos realizados mediante su compañía Foose Design. Los trabajos allí realizados, han significado para su autor el reconocimiento como uno de los mejores personalizadores de automóviles a nivel mundial. En el año 2003 incursionó en la televisión como donductor del programa Overhaulin’, en el que se evidencia el proceso de modificación de diferentes automóviles. Además de la conducción, Foose muestra su habilidad manual a la hora de bocetar e ilustrar los proyectos, e interviene directamente en los procesos mecánicos y técnicos. La obra de Foose es tan extensa que recoge desde la modificación de un Bus escolar, pasando por un Volkswagen Escarabajo 1965, hasta icónicos Muscle Cars como el Ford Mustang Fastback 1967, y Hot Rods como el Ford Model A 1930, culminando con su creación personal, el Hemisfear. Este personalizador es totalmente clínico y sorprendentemente detallista cuando de diseñar se trata, pues no deja que una sola pieza del auto, por diminuta que sea, permanezca igual después de pasar por sus manos.
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Hemisfear, 2005. Este es quizás el proyecto más ambicioso realizado por Chip Foose. Su primer diseño fue concebido en 1990. Sin embargo, fue hasta 2005 cuando Foose dió luz verde a este proyecto, pues firmó un contrato con Rc2 Corp. para realizar 50 modelos a escala del Hemisfear y 5 autos de tamaño real.
Curiosidades La personalidad de Foose quizás es producto del camino que ha tomado para llegar hasta donde hoy se encuentra, pues Foose empezó realizando labores muy distintas a las que hoy lo posicionan como uno de los mejores diseñadores automotrices. A pesar de que descubrió su pasion por el dibujo y la mecánica a los tres años, su primer trabajo fue como barrendero en el taller de su padre. Además, este aficionado a los emparedados de crema de maní y jalea, ha trabajado para Pixar en la reconocida produccion infantil Cars, dónde se sintió asombrado por la forma en que los dibujos cobran vida.
Ford Mustang Fastback 1967 modificado por Chip Foose en el 2000 para la c pues este es el nombre dado al vehículo en la película.
cinta 60 Segundos. Este auto es reconocido popularmente como Eleanor,
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Contacto. A Chip Foose se le puede contactar escrbiendo un mensaje en su página Web en la sección de Contacto, donde el recibe elógios y saludos de sus fans, y ellos pueden adquirir la mercancía oficial de los diseños realziados por Foose, además de las piezas mecánicas de sus patrocinadores. http://www.chipfoose.com/ws_display. asp?filter=Home
Chip Foose trabajando en el diseño de una Ford F-150 Truck.
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David Revoy Ilustrador Es un artista francés nacido en 1981. Tiene 10 años de experiencia trabajando de forma independiente en proyectos relacionados con la ilustración, art-direction, concept-art y educación. Sus ilustraciones son destinadas para libros, posters, juegos de mesa, películas y clientes de todo el mundo. A modo de dato curioso, sus proyectos, trabajos, comisiones y demás son totalmente hechos en programas de código abierto, con un nivel alto de calidad visual, demostrando así que no se requiere de un software específico para ser un gran artista, sino de habilidad para concretar sus ideas. Una prueba de ello fue su participación en el CG Choice Award, en la cual salió victorioso con su ilustración “Alice in Wonderland”, siendo la primera obra en ganar estando hecha con programas de código abierto.
2011. Alice in Wonderland. Obra ganadora del CGsociety Award
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Inicios de la cultura de código abierto. Su recorrido como freelancer ha sido un proceso de aprendizaje. Antes de utilizar programas libres, su trabajo se veía afectado por dos obstáculos, el monetario y el de compatibilidad. La primera debido a que los programas legales son caros, Revoy tuvo que entregar muchas comisiones y ahorrar hasta conseguir el Photoshop CS2, luego puedo superar este problema participando en concursos para ganar las licencias de otros softwares. Sin embargo cuando Revoy decidió comprar una nueva computadora (antes tenía Windows XP), se dio cuenta que algunos softwares no eran compatibles con el nuevo sistema operativo (Windows Vista), viéndose ante el segundo obstáculo. Él tenía que solucionarlo, una manera era pagar por nuevas versiones que si fueran compatibles (pero esto lo devolvería al primer obstáculo), pasar al sistema operativo anterior o buscar otra herramienta que no tenga este problema de compatibilidad, optó al principio por la segunda opción para luego ejecutar la tercera (pasar a Linux).
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2009. Concept- art del dragón de Sintel.
Fue durante su participación en the Sintel openmovie Project en el que por primera vez trabajó totalmente con software de código abierto (aunque con ciertas dificultades al inicio, mientras se adaptaba a este nuevo entorno). Durante su producción, Revoy como art-direct, utilizó Mypaint y Gimp-painter para elaborar los concepts-art, los mismos que orientarían al equipo de animación para hacer el film. El resultado fue un cortometraje de 14 minutos, siendo la tercera película de Blender Foundation. Desde entonces empezó a dejar su primer set de programas para pasar al código abierto.
2009. Diseño de la protagonista Sintel.
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2015. User Manual. Ilustración de Pepper and Carrot.
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Proyecto libre Revoy no necesita estar atado a una compañía. Su web comic Pepper & Carrot es la mejor prueba de su independencia. Al ser apoyado por una comunidad virtual, le permite trabajar en función a ese público, a la vez que entrega un voto de confianza para ellos mejoren y difundan su producto. Actualmente su web comic está traducido entre 19 y 25 idiomas, tiene una aplicación para iOS, 3 versiones impresas y 2 trabajos en proceso para una adaptación a videojuegos, todo hecho por gente que apoya este proyecto.
2015. Logo de Pepper and Carrot.
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Gonzo sms animador
Gonzo es un animador estadounidense, el cual inicio a subir animaciones de unos cuantos segundos en el año 2011, eventualmente fue adquiriendo experiencia y sus animaciones se fueron convirtiendo en cortometrajes de tres a cinco minutos con una gráfica que lo caracterizo. sus animaciones algunas veces son parodias de sus series y videojuegos favoritos, y en otras ocasiones son historias creadas por el con contenidos políticos o critica social. Gonzo también vende productos con su trabajo, tiene una pagina web donde vende suscripciones para animaciones e ilustraciones exclusivas, también vende camisetas estampadas con su trabajo.
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Trabajos reelevantes black sunshine Black Sunshine es una de sus animaciones mas conocidas, esta dividida en dos partes que duran tres minutos y ya tiene mas de diez millones de visitas en youtube, y cuenta la historia de dos policías que vigilan la frontera entre Estados unidos y México, en la animación hace una critica social sobre el abuso de poder policial y al mismo tiempo logra una parodia entretenida con una gráfica muy caricaturesca.
black sunshine 2012
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Parodia League of Legends Fail
la parodia que hiso a Leage of Legends fue su animacion mas popular con mas de doce millones de visitas en youtube, en este trabajo de cuatro minutos de duracion, Gonzo nos adentra en el mundo del juego de rol sumandoles una grafica gore y una calidad grafica superior a sus antiguos trabajos,.
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Contacto. https://s2.googleusercontent.com/s2/favicons?feature=youtube_channel&domain_url=http%3A%2F%2F www.twitch.tv%2Fgonzossm https://s2.googleusercontent.com/s2/favicons?feature=youtube_channel&domain_url=http%3A%2F%2Fgonzossm.spreadshirt.com%2F https://www.youtube.com/user/Gonzossm/videos
League of Legends Fail
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Tomer Hanuka Ilustrador
Tomer Hanuka es un ilustrador isreali instruido en New York que se destaca dentro del grupo actual de ilustradores de comic en el mundo. Ademas de crear obras graficas y de comunicacion, tambien se dedica a la creacion de historias aplicadas al comic junto a su hermano gemelo Asaf Hanuka. Dentro de las mayores particularidades de este artista, es que desarrolla su actividad artitisca unica y exclusivamente en plataformas digitales. El asegura que se inclina por los medios digitales no porque no sea bueno manejando la tecnica, sino que la practicidad de su grafica es mucho mejor en computador, no solo por la calidad del color, caracteristica indispensable de su obra, sino tambien por la rapidez de realizacion de obras. Otra peculiaridad es la forma de resolver los problemas graficos referidos a realidades sociales. Al vivir su infancia en Israel tiene conceptos talmente distintos de lo que llega a ser la sociedad y su realidad se encuentra entre lo que vivio en su infacia y lo que vive ahora, lo que le da un plus a su obra final.
2011, The Ovverkill 43
Vida y obra Nacido en Israel, se trasladó a Nueva York al terminar su servicio militar. El estilo y la fuerza por la que destacan sus ilustraciones no deja a nadie indiferente. La elección de colores vivos en combinación con trazos marcados y líneas sinuosas y la mezcla de violencia y erotismo en su obra, da a sus dibujos, llenos de texturas, expresiones y provocaciones, una fuerza increíble, que transmite a quien los mira esa sensación, esa queja, esa crítica con la que Tomer impregna su obra. Trabaja como ilustrador para importantes revistas, agencias de publicidad, estudios de cine y medios de Estados Unidos. Algunos de sus clientes más destacados son: Time Magazine, The New Yorker, Spin, The New York Times, Rolling Stone, MTV, D.C comics, Nike, Microsoft y Saatchi & Saatchi. En su blog Tropical Toxic, Tomer explica como va logrando sus fantásticas ilustraciones y algo de su vida. Junto con su hermano gemelo Asaf Hanuka, ha creado el comic experimental Bipolar para Alternative Comics.
2015, Badlands, Badla
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2011, The Overkill Spread 2
Curiosidades Inclinado por transmitir la realidad abstracta, de su vision como artista por medio del color encerrado en formas finas y algo quebradizas, Tomer Hanuka acepta que en la academia no lograba apropiarse de un estilo propio y original y que en cambio, buscaba imitiar distintos estilos para mejorar la tecnica. Por esto afirma que encontro su propia estetica comunicativa hasta un a単o despues de salir de la academia y asegura que antes de crear un estilo propio es necesario conocer y luego crear.
ands Screen Print, part of Terrence Malick Director Series for Mondo. 45
2015, The divine.
Contacto. Xere nost magnatur? Et omnimusdae pratemolore, te occus aborro berum erionsequae. Et aut el ipsamet verrum re audaestorit late doluptatur aspedi dessimi ntotae quid quate voloreni dem invelesequi anda con cus.Aboriam ende nihicim inciates non nos et volorataquae corpore rovit, sum nusanis incia que rempori bustion plibus, velendis evenim vendus nonse sequate vent audae. Rit, nestrum, simporum nimusRerum ilibus nos nonsequi autem voloria ipit, consendusda dolupta turio.
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Isidro Ferrer Diseñador
Se escucha que es diseñador, tambien ilustrador. Se ha encontrado con gente que piensa que es escritor, y en el momento en el que habla parece ser actor. Y puede ser que sea justo eso, un actor que va cambiando de papel, que lo interpreta tan bien, que cae en el personaje y realmente se lo cree. Realmente cree que es diseñador, y lo mejor de todo es que lo consigue. Realmente cree que es ilustrador, y lo es. Realmente cree que es escritor, y lo sobrepasa. Esto nos da unas obras maravillosas, donde mezcla realidad, fotografía, ilustración y diseño en extraños collages que, dentro de su sencillez, brillan por su historia, no solo narrativa, si no técnica. Texturas, tramas, madera, hierro, manchas de color, tipografía, caras… sobretodo caras. En muchas de sus piezas crea rostros a partir de formas, que nos sonríen, nos miran y que parecen que ven más allá de nosotros. Estas caras son como máscaras, máscaras teatrales, que representan un personaje, un personaje con una historia. Máscaras como las que usa él mismo, máscaras para interpretar, para interpretar un papel… y es que todo vuelve a lo mismo, al teatro.
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Vida y obra Nace en Madrid, en 1963. Es graduado en Arte Dramático y Escenografía. Trabajó como actor en varias compañías teatrales, hasta que un accidente en una gira lo apartó de los escenarios. En 1988 entra a trabajar en el “Heraldo de Aragón”, en Zaragoza, como diagramador. Esencial en su trayectoria profesional es el tiempo pasado como aprendiz del diseñador gráfico Peret, en Barcelona. Al finalizar estos años, regresó a Zaragoza donde monta Camaleón, su propio estudio. Ha trabajado principalmente en diseño editorial, cartelismo e ilustración. A lo largo de su trayectoria, sus diseños han recibido importantes premios y galardones. De entre sus trabajos más emblemáticos habría que destacar el realizado para el Centro Dramático Nacional, la imagen gráfica para el centenario de Luis Buñuel o sus trabajos para el diario “El País”.
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Curiosidades Es el hecho de contar cosas, una historia, un cuento, una poesĂa‌ en definitiva, en narrar. Y justo en ese punto es donde convergen todas las realidades de Isidro Ferrer. Todas sus obras cuentan algo, transmiten, enseĂąan o te hacen sentir de una manera o otra.
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Contacto.
isidroferrer@telefonica.net Tel. 974 228 732 Plaza del Justicia 1, bajo 22001 Huesca Espa単a
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Ixchel Estrada Ilustradora
Ixchel Estrada es una ilustradora mexicana que realizó sus estudios en su pais natal. Es diseñadora gráfica y tiene dos diplomados en temas que se relacionan perfectamente, el primero en Ilustración y el otro en Arteterapia. En el trayecto de su vida, cuenta con numerosos premios y menciones, que claramente muestran su importante trabajo y su gran aporte a la ilustración latinoamericana. También ha participado en distintos proyectos (tanto como empresariales como personales), talleres y ponencias. Es una de las exponentes más importantes de la ilustración mexicana y latinoamericana. Entre su trabajo, ella destaca también la fotografía, ya que en muchas de sus ilustraciones utiliza esta herramienta para darle mayor sentido a su obra.
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Vida y obra Esta gran ilustradora mexicana estudió diseño gráfico en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Autónoma de México (ENAP-UNAM). Tiene dos diplomados, uno en Ilustración dado por la Unidad de Posgrado y Educación Continua, de la Escuela de Diseño del Instituto Nacional de Bellas Artes (EDINBA); el otro es en Arteterapia por el Centro Educativo para Niños con Necesidades Especiales A.C (CENESDI) y el Taller Mexicano de Arteterapia. También ha colaborado para medios impresos y editoriales desde el año 2000. Algunos de sus empleadores más importantes son las editoriales Premiere, Santillana, El PNUMA (Programa de la Naciones Unidas para el medio Ambiente), Oxford University Press, entre otras. Ha escrito e ilustrado libros para distintas editoriales reconocidas; además tiene títulos publicados y traducidos a otros idiomas diferentes al español. Cuenta con gran cantidad de premios por su excelente trabajo y actualmente es docente en la Universidad De la Salle Pachuca.
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Curiosidades Inclinado por transmitir la realidad abstracta, de su vision como artista por medio del color encerrado en formas finas y algo quebradizas, Tomer Hanuka acepta que en la academia no lograba apropiarse de un estilo propio y original y que en cambio, buscaba imitiar distintos estilos para mejorar la tecnica. Por esto afirma que encontro su propia estetica comunicativa hasta un a単o despues de salir de la academia y asegura que antes de crear un estilo propio es necesario conocer y luego crear.
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Javier Mariscal Multidisciplinar
PRESENTACIÓN GENERAL Javier Errando Mariscal es un diseñador reconocido internacionalmente entre otras por el nivel de síntesis en la imagen, la creatividad y eficacia en el uso del color, la simpatía y libertad en el trazo que alcanza en sus obras. En 1989 uno de sus diseños, probablemente el màs conocido, Cobi (figura 345) es escogido como mascota para los juegos olímpicos de Barcelona de 1992. En el mismo año el personaje tendría su propia serie de animación en “The Cobi Troupe”. En el año 2010 se estrenò el largometraje animado, Chico y Rita, dirigido entre otros por Mariscal, demostrando que para las aplicaciones gràficas de este diseñador no hay lìmite.
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Vida y obra Javier Mariscal nació el 9 de febrero de 1950 en Valencia; comenzó a estudiar diseño en la escuela Elisava de Barcelona. En 1973 hace su primera publicación junto con la revista de historietas “El Rrollo enmascarado” que duro hasta 1975 En 1919, Mariscal diseña el logotipo “Bar Cel ona” (figura123) cuyo reconocimiento hace a mariscal un diseñador popular. En 1920 Mariscal diseña, para su primer bar, el taburete Duplex (figura 234), que se convertiría en un ícono de los ochenta. Posteriormente sigue trabajando como diseñador de mobiliario, llegando a exponer su trabajo en Milán, Paris y Kassel.
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Curiosidades En 1991, junto a otros tres autores (Pere Joan, Nazario Luque, Alfredo Pons) y al especialista Joan Navarro4 retiró su colaboración de la exposición “Una Historieta democrática” como protesta por la complicidad del Gobierno Español en la Guerra del Golfo y especialmente por la actitud adoptada por el Ministerio de Cultura.5
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Contacto. http://www.mariscal.com/es/home
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Kyle Thompson Fotógrafo
La fotografía de Kyle Thompson fotografía está compuesta, en gran medida, de autorretratos conceptuales, que muchas veces tienen lugar en bosques vacíos y casas abandonadas. Esto debido a que sufre de ansiedad, lo que le impide, en gran, medida hablar con las personas; sin embargo esta dificultad se convirtió en una cualidad dado que como él mismo afirma es libre de experimentar, sin tener en cuenta factores como el tiempo o el clima, ya que realizar sus composiciones le toma bastante tiempo. Su trabajo encapsula una narrativa efímera, una historia inexistente que sólo toma vida por un momento. Estas imágenes muestran el colapso de la narrativa, ya que no hay línea de historia definida, sin principio ni final, sino que estas imágenes crean un bucle y ese momento fugaz tiene lugar en un estado inmutable constante. Al desviar la vista del rostro, las imágenes se vuelven más ambiguas, y el espectador ya no es capaz de atar una línea argumental definida a la imagen.
Owl in Attic, 2013. Casa abandona en Oregón.
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Vida y obra La fotografía de Kyle Thompson fotografía está compuesta, en gran medida, de autorretratos conceptuales, que muchas veces tienen lugar en bosques vacíos y casas abandonadas. Esto debido a que sufre de ansiedad, lo que le impide, en gran, medida hablar con las personas; sin embargo esta dificultad se convirtió en una cualidad dado que como él mismo afirma es libre de experimentar, sin tener en cuenta factores como el tiempo o el clima, ya que realizar sus composiciones le toma bastante tiempo. Su trabajo encapsula una narrativa efímera, una historia inexistente que sólo toma vida por un momento. Estas imágenes muestran el colapso de la narrativa, ya que no hay línea de historia definida, sin principio ni final, sino que estas imágenes crean un bucle y ese momento fugaz tiene lugar en un estado inmutable constante. Al desviar la vista del rostro, las imágenes se vuelven más ambiguas, y el espectador ya no es capaz de atar una línea argumental definida a la imagen.
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Sin título, 2014
Curiosidades A pesar de la genialidad de sus fotografias, Kyle es autodidacta, tanto en estudios como en el manejo de programas de edición. Algo bastante llamativo sobre su trabajo es el hecho de que antes de elaborar sus fotografia, Kyle hace bocetos en un cuaderno y con bolígrafo acerca de lo que quiere o espera hacer.
Sin título, 2012
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Contacto. http://www.kylethompsonphotography.com/ https://www.flickr.com/photos/kyle_thompson/ http://agencevu.com/photographers/photographer.php?id=320 http://kylejthompson.tumblr.com/ https://www.facebook.com/KyleThompsonPhotography/ Sin tĂtulo, 2015
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Lora Zombie Ilustradora
Su estilo es inconfundible. Como ella misma lo denomina, hace “grunge art”, esto es, si seguimos el concepto de lo que podríamos decir de la subcultura grunge, una forma de crear, un tanto caótica y desordenada, pero con una armonía en los colores de extraordinaria belleza. Sus obras están realizadas, mayormente, con una técnica mixta cuya base es la acuarela y otros materiales como el lápiz, la tinta, o el óleo. Su gran musa, según la propia Lora, es la música y muchas de sus obras están inspiradas en canciones o letras de algunas de sus bandas favoritas. Aunque si algo es destacable en cada uno de sus trabajos es que siempre hay algún mensaje detrás de ellos, una reflexión o una visión, en ocasiones bastante política, que la artista tiene del mundo en el que vivimos.
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Vida y obra Lora Zombie es una artista rusa, nacida en Voronezh en 1990. A pesar de su juventud ya tiene un gran reconocimiento internacional y sus trabajos han sido expuestos en diversas galerías en el mundo entero, desde Estados Unidos o Canadá hasta su Rusia natal. Poco o casi nada se sabe de su vida personal; es reservada y ni siquiera se conoce su apellido. Autodidacta y sin formación académica alguna atrajo la atención de muchos imitando el estilo de Jamie Hewlett, diseñador gráfico del grupo de música Gorillaz. Abierta esta oportunidad Lora Zombie no ha parado de crear obra con este estilo propio y desenfadado que la caracteriza. Es de destacar su gran predisposición creativa en otros ámbitos y sus trabajos se han llevado al merchandising y podemos encontrar en el mercado ropa, complementos y material de papelería con el sello de la artista.
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Curiosidades En sus obras podemos encontrar personajes famosos como superheroes, marcas reconocidas, musicos. Todos estos con su estilo propio caracterizado por chorros o manchas de pintura, un gran manejo de la luz y colores muy peculiares.Sus representaciones marcan un mundo violento, caótico con una singular emotividad y romanticismo.Su forma de trabajar también es algo característico en ella, su estudio siempre con un cierto desorden, utiliza vasos desechables para sus mezclas de colores, siempre acompañada de sus mascotas que son un gato y una rata, esponjas para trastes para dar efectos, todo esto la vuelve una artista única.
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Contacto. Eyes On Walls CustomerCare@EyesOnWalls.com Tom Rowlandson Tom@EyesOnWalls.com Lora@LoraZombie.com http://lorazombie.com/
Hayao Miyazaki - 2010 66
Hayao Miyazaki Mangaka, productor
Hayao Miyazaki es un director de cine de animación, productor, animador, ilustrador, dibujante de mangas (mangaka) y productor de anime japonés, nacido en Tokio el 5 de enero de 1941. A lo largo de su carrera de 5 décadas, Miyazaki ha atraído la atención internacional por ser un maestro narrador de historias así como creador de películas de Anime; junto con Isao Takahata, cofundó Studio Ghibli, un estudio de películas y animación. El éxito de sus películas han generado que se le compare con Walt Disney, Steven Spielberg u Orson Welles. Entre sus filmes de animación más populares encontramos títulos como El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke, Mi vecino Totoro, El castillo ambulante y Ponyo en el acantilado. Las películas de Miyazaki tienen temas recurrentes, como la relación de la humanidad con la naturaleza, la tecnología, el feminismo, y la dificultad de mantener una ética pacifista; las protagonistas de sus películas regularmente son niñas y mujeres jóvenes fuertes e independientes. En dos de sus filmes, El castillo de Cagliostro y El castillo en el cielo, se presentan villanos tradicionales, mientras que en otros como “La princesa Mononoke” existen antagonistas
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moralmente ambiguos con características positivas.
Vida y obra
Desde joven supo que se dedicaría al negocio de su padre. Cursó estudios de ciencias económicas, sin embargo, en la década de los sesenta comenzó a trabajar en Toei con el cargo de intercalador (encargado de dibujos entre movimientos). Con el tiempo se convirtió en jefe del estudio, donde conoció a Isao Takahata, gran amigo que luego sería colega en el Studio Ghibli. Miyazaki fue ganando más responsabilidades en sus primeros años de trabajo, lo que le lleva a colaborar con Isao Takahata en los anime Heidi, Marco y Ana de las Tejas Verdes para el estudio Zuiyô Enterprise, que más tarde se convertiría en Nippon Animation, en los setenta. En 1978 dirige su primera serie Conan el niño del futuro y en 1979 su primera película El castillo de Cagliostro, única no considerada del Studio Ghibli. Después de crear la película de Lupin, Miyazaki fue desarrollando un anime en su propio estudio. En 1982 el manga Kaze no Tani no Naushika (Nausicaä del Valle del Viento) apareció por primera vez en la revista Animage como fruto de una de esas ideas. Este trabajo da un fuerte impulso a su carrera, al mostrar un estilo diferente, pasando del cómic infantil al imperante en la época.
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Mi Vecino Totoro - Hayao Miyazaki - 2001
El Castillo Ambulante - Hayao Miyazaki - 2004
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El Viaje de Chihiro - Hayao Miyazaki - 2001
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Storm Thorgerson
Ilustrador y fotografo Storm Thorgerson (Potters Bar, Hertfordshire, Inglaterra, 28 de febrero de 1944 – 18 de abril de 2013)1 2 fue un diseñador gráfico británico, reconocido por ser miembro del grupo de diseño artístico Hipgnosis, en el que diseñó algunas de las más conocidas cubiertas de discos y singles. Sus diseños más conocidos fueron los que realizó para Pink Floyd y, en particular, la realizada para su álbum Dark Side of the Moon. También trabajó con otros grupos como Led Zeppelin, Black Sabbath, Scorpions, Genesis, Europe, Dream Theater, The Cranberries, The Mars Volta, Muse y Biffy Clyro.que vive ahora, lo que le da un plus a su obra final. La mayor parte de sus diseños tienen elementos propios del surrealismo, extrayendo elementos de su contexto habitual, deformando realidades a través de montajes visuales o ubicándolos en inmensos espacios oníricos. Estas escenas impactantes y directas fueron especialmente valoradas en el negocio discográfico lo que permitió que, a través de Hipgnosis o bien individualmente.
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obras destacadas 10cc: How Dare You! (1975), Deceptive Bends (1977) AC/DC: Dirty Deeds Done Dirt Cheap (1976) Black Sabbath: Technical Ecstasy (1976) David Gilmour: David Gilmour (1978) Led Zeppelin: Houses of the Holy (1973), Presence (1976), In Through the Out Door (1979) Nick Mason: Fictitious Sports (1981), The Nice Elegy (1971) Pink Floyd: A Saucerful of Secrets (1968), Music from the Film More (1969), Ummagumma (1969), Atom Heart Mother (1970), Meddle (1971), Obscured by Clouds (1972), The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977), A Collection of Great Dance Songs (1981) (bajo el pseudónimo de TCP - Thorgerson, Christopherson y Powell) “A Momentary Lapse of Reason” (1987), “The Division Bell” (1994) Styx: Pieces of Eight (1978) Audioslave: Audioslave (2002)
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Curiosidades Gracias a su trabajo se genero el estudio de diseño stormstudiosdesign. StormStudios es una empresa de diseño formado en la década de 1990 por Storm Thorgerson (ex Hipgnosis y Greenback Films) y Peter Curzon (diseñador), se unió poco después por Rupert Truman (fotógrafo) y más tarde por Dan Abbott (diseñador e ilustrador).
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Contacto. http://stormstudiosdesign.com/ Emailinfo@stormstudiosdesign.com Phone+44(0)2074358822
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Yuko Shimizu Ilustradora
Yuko Shimizu es un genio contemporaneo de la ilustración reconocida por sus imágenes poderosas y sensuales. Yuko ha tenido un gran impacto en el basto mundo de las ilustración editorial durante los últimos 13 años, con sus estilizados dibujos en tinta que han aparecido en incontables revistas, periodicos, etiquetas, publicidad, portadas, posters y demás. Su estilo varía desde una gráfica en extremo arriesgada hasta una delicada y ornamentada; Su obra consigue abarcar asuntos serios y complejos como problemáticas de raza e identidad cultural, pero también puede ser ligero, alegre e incluso infantil.Las ilustraciones de Yuko empiezan con un burdo boceto a lápiz, el cual perfecciona con tinta y pinceles caligráficos sobre papel acuarela, todo completamente a mano. Al momento de aplicar color escanea el dibujo y lo termina en digital. Actualmente reside en Nueva york donde sigue trabajando como ilustradora freelance, también es profesora en School of Visual Arts y ocasionalmente dicta charlas o talleres en otras ciudades y paises.
2013, GREEN SOURCE Climate Change Factor, Imagen de doble pagin
na para “Bracing For Climate Change” escrito por Michael Cockram.
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Vida y obra El dibujo ha sido el pasatiempo de Yuko desde que era una niña. Sin embargo al crecer en una familia tradicional, el optar por una carrera en las artes simplemente no era una opción. Por lo que termina estudiando publicidad y mercadeo, lo mas cercano que encontró al campo creativo, en la universidad de Waseda de la que consiguió graduarse en 1988. Poco después consigue una posición como representante para una gran corporación en Tokyo. Lo que la llevo a una crisis de vida a los 22 años. Aun así le tomo mas de 10 años encontrar lo que realmente quería hacer, fue entonces que decidió volverse estudiante una ves más. Así que Yuko viajo a Nueva York en 1999, ingresó a SVA ( School of visual arts) al programa de ilustración del que se graduó en el 2003. Ha trabajado independiente desde entonces. A lo largo de los años a trabajado con publicaciones como the New York Times, Village voice, The New Yorker, Financial times, marcas como NIKE, Visa, Pepsico y Gap. Ademas de haber creado multiples portadas de libros e historietas. También publicó una recopilación de sus trabajos hace unos años, “Yuko Shimizu”
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2008, DJ GEISHA package design, Esta imagen fue creada como una portada de CD, y ha sido usada en muchas otras ocaciones.
Curiosidades Ilustradores favoritos: Mirko llic, Thomas Woodruff, Istvan Banyai. Consejos para quienes empiecen: Amen lo que hacen. Si no amas lo que haces nunca podras competir en un campo lleno de gente apasionada. Tengan grandes ambiciones y trabajen el doble. Experimenten y crescan. Sean abiertos al critisismo. Eres un artista no un artesano que repite siempre el mismo trabajo. Aprende a ser un buen negociante
2006, SKETCHTRAVEL exhibition poster, Poster y volante para Sketch
htravel exhibition en Kyoto International Manga Museum en Japan.
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Contacto. yuko@yukoart.com www.instagram.com/yukoart/ twitter.com/yukoart www.behance.net/yuko www.behance.net/yuko yukoart.bigcartel.com/
2013, Melancholy of Mechagirl book cover, Portada para la colección de historias “The Melancholy of Mechagirl” de la escritora Catherynne M. Valentine.
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Yuumei Ilustradora
Yuumei ( Wenqing Yan) es una artista de fama internacional cuyo nombre surgio cuando creo su cuenta en DevianART a los 12 años Ella es de China y vivió allí durante casi diez años de su vida antes de mudarse a los Estados Unidos. Su arte se centró principalmente en el ecologismo, pero tiene otros temas recurrentes que incluyen la angustia que ella tuvo hacia la separación de sus padres. Yuumei es reconocida como la cuenta más vista y notable de deviantART, con más de 200.000 observadores y doce de DD, recibiendo al menos un Daily Deviation cada año desde 2007. Así como que se especializa en el arte digital, que también tiende a trabajar con arcilla. “Prism Eyes”
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Medios Ella usa una variedad de medios, pero esta más cómoda con el arte digital. La mayoría de sus ilustraciones se hacen en programas de dibujo como Paint Tool SAI, y Photoshop con una tableta Wacom Intuos. Ella suelo hacer la mayor parte del dibujo y la pintura en SAI, y algunos retoques finales de edición, color y textura en Photoshop. Para las novelas gráficas como Fisheye Placebo, integrá programas 3D como SketchUp, Esri Ciudad Generador, y otros programas de generación de procedimiento para mayor rapidez y crear de manera eficiente los fondos y valores. De esa manera no tiene que dibujar la misma mesa o edificio una y otra vez en los cómics. Cuando no está haciendo el trabajo digital, dibuja en bolígrafos. La acuarela es su medio de pintura tradicional preferido, pero también disfruta del acrílico y pintura de aceite. Tambien se la ha pasado muchos años esculpiendo con cerámica, y brevemente trabajado con soldadura de metal y motosierra para esculturas de madera. Le gusta tambien la integración de los medios digitales y físicos tales como el corte por láser y la impresión 3D.
“Connection”
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Vida y obra. Se unio a devianART el 17 de abril de 2003 y ha subido obras que estaban rodeadas por los temas de la depresión. También ha presentado muchas animaciones en flash, como “1000 WORDS” y la serie cómica “Knite”. En la actualidad trabaja en el ProjectWE y ha subido varias piezas de arte promocional para ello. En 2006, Yuumei pasó mucho tiempo en China donde mostró sentimientos de ira amable, afirmando que ella no odiaba a su tierra natal, pero que ella no estaba acostumbrada a ello. Estos sentimientos fueron provocados principalmente por la prohibición del “Death Note” serie de anime en China, afirmando que la gente que se había prohibido eran “, bastardos malvados locos”. Yuumei obviamente tenía un gran interés en la serie en el tiempo que ella pasó a describir lo injusto que era que los sitios que inspiraron la libertad, como los sitios web de Death Note, podrían ser bloqueadas, pero la pornografía no lo era. “Everything will be Okay”
“Eyes Unclouded”
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En 2009 Yuumei declaró a través de la revista que ella regresaba a China. Esta vez Yuumei era mucho más madura y se quejó de las cosas pequeñas, como su peso, y cómo en China se le consideraba “gorda”, aunque en Estados Unidos se le considera “de bajo peso”. Desde el 15 de agosto de 2006, no ha habido registro de robo del arte de Yuumei. El robo de arte ha oscilado entre gente que vuelve a publicar su arte y que reclaman como propio hasta la venta de impresiones con su marca de agua todavía en el tacto. Yuumei siempre parecía tener un interés en el bienestar de los demás, especialmente a través de organizaciones benéficas. En su tiempo, ha aumentado la conciencia al rededor de diferentes problemas sociales y de otro tipo, incluyendo pandillas-tiroteos, “Save The Wolves”, robo de arte, leyes de derecho de autor, el genocidio, la intolerancia religiosa, los derrames de petróleo, el Fondo Tsunami de Japón, y varios otros mundo problemas.