Libro Moda 60 70 80 by Juan Diego Carrión

MODA

60 70 80

Se lo dedicamos a las enseĂąanzas de nuestros profesores de diseĂąo editorial y grĂĄfico, en especial a nuestra profesora Viviana por darnos la oportunidad de crear este libro y aprender sobre el interesante mundo de la moda de finales de siglo XX.

I’ndice

La Década Prodigiosa Introducción

Estilos

Psicodelico Mod SkinHead

Diseñadores

Yves Saint Laurent Mary Quant Óscar de la Renta

14-15 16-19 20-23 24-27 28-31 32-35 36-37

La Década Inspiradora Introducción

Estilos

Hippie Disco Bohemio

Diseñadores

Kansai Yamamoto Vivienne Westwood Paco Rabanne

40-41 42-45 46-49 50-53 54-57 58-61 62-65

La Década Prodigiosa Introducción

Estilos

New Romantic Hip Hop Punk

Diseñadores

Calvin Klein Ralph Lauren Christian Lacroix

68-69 70-73 74-77 78-81 82-85 86-89 90-93

Introduccion ’ La forma de vestir es una parte importante de la sociedad occidental actual. Aunque siempre ha determinado el estatus o la clase social de una persona, ahora también determina el grupo social al que dicha persona pertenece dentro de una misma clase. Aunque inicialmente el vestido comenzó como una necesidad básica que protegía al ser humano evolucionado de las inclemencias del tiempo, ya que ha tenido que sustituir el pelo que perdió con la evolución por pieles de otros animales u otros productos vegetales, con el tiempo el vestido ha ido adquiriendo un carácter estético, y se ha visto sujeto a los cánones de la moda y a las necesidades de cada época. La vestimenta aparece con la necesidad del Homo Sapiens de protegerse del frío con las pieles de los animales que cazaba. En el neolítico, el hombre ya sabe hilar y tejer, pero la vestimenta que usa aún no se adapta al cuerpo, aunque algunas ya tienen dibujos

ornamentales. En Egipto se utiliza el lino para elaborar las prendas de vestir y estas comienzan a ser más elaboradas. La base del traje egipcio era el shenti, una pieza de lino que envolvía las caderas sujeta con un cinturón. Más adelante, apareció el calasiris, una prenda de lujo consistente en una túnica ceñida. Las mujeres utilizaban una túnica larga y ceñida llamada blusa, teñida de distintos colores según el estatus social. En Mesopotamia, Persia, Grecia y Roma se usaban variaciones de estas túnicas en distintos colores y materiales, desde la lana siria hasta la seda oriental. El concepto de moda tal y como se entiende actualmente surgió en el Renacimiento. Aparecen, así, profesionales de la costura que se esforzaban por crear trajes ricos y originales, de vivos colores y formas imaginativas, otorgando gran relevancia a las mangas, los pliegues y las caídas de tela. En esta época se usaba el calzón corto bombacho, el jubón (prenda

ajustada al cuerpo que se llevaba sobre la camisa) y adornos como la gorguera. Para la vestimenta femenina hizo su aparición el corsé, que ceñía la cintura y ensalzaba el busto, y el miriñaque o crinolina, una base de tela, crin de caballo y aros metálicos que daba forma acampanada al vestido. En el siglo XVII, una fuerte influencia religiosa hizo que se volvieran a las formas austeras y se usase el paño como material más común, quedando la seda para las clases altas. En ésta época el jubón se transforma en chaqueta, con cuello de volantes y el calzón se alargó hasta quedar por debajo de unas botas altas. La corte del rey francés Luis XIV empezó a dictar la evolución de la moda a nivel europeo e introdujo la corbata (al principio como forma de lazo anudada al cuello) y la casaca. En el siglo XVIII el atuendo no cambia tanto respecto al siglo anterior. El atuendo masculino consistía en

camisas de mangas anchas con corbata y chaqueta y calzones hasta las rodillas y medias. La casaca se estrechó dando lugar al frac. El atuendo femenino consistía en faldas muy voluminosas sobre la crinolina con pliegues y cola. Tras la Revolución Francesa se uniformó la forma de vestir y los hombres comenzaron a llevar casacas cortas y pantalones largos, y la mujer, corpiños, faldas redondas y chal de tela. Además, el liderazgo de la moda pasó a Inglaterra, vistiendo el hombre con casaca de cuello vuelto, calzón hasta la rodilla y sombrero de copa. La mujer abandona el corsé y la crinolina y comienza a llevar vestidos largos ajustados con una cinta bajo el pecho inspirados en la Antigua Grecia. En el siglo XIX, el frac se fue acortando y ensanchando hasta parecerse a la actual chaqueta, el pantalón era amplio por arriba y se iba estrechando hasta el tobillo y apareció la raya y las capas se

sustituyeron por abrigos de corte recto. La moda femenina bajó el talle a la cintura con mangas anchas y hombreras y faldas de amplio vuelo. En este siglo aparece la figura de la modista o el sastre como creador de tendencias, así como la modelo para mostrar la ropa. Además apareció el punto como género y se inventó la máquina de coser. Y llegamos al siglo XX, el siglo que más cambios de moda ha tenido de toda la historia, sobre todo en cuanto a la moda femenina, que se fue simplificando porque se le daban mayor importancia al carácter práctico y utilitario. Las faldas se acortan, apareciendo la minifalda, y aparece la moda unisex, pudiendo las mujeres llevar pantalones. En este siglo apareció la fabricación de ropa en cadena con diferentes tallas y la confección de ropa a medida decayó sobremanera, lo que permite que la moda se produzca a precios económicos y esté al alcance de cualquiera, estando la diferencia entre las clases sociales

más en el género de la tela que en la forma de vestir. Aunque es importante comprender el impacto que las dos que las dos guerras mundiales tuvieron sobre el tema de la moda, es indudablemente cierto que la alta costura fue la principal encargada de dirigir el mundo de la moda durante la primera mitad del siglo XX y el ready to wear en la segunda. En la década de los 60 y 70 surge una indumentaria de buena calidad y precios razonables. Se le llamó prêt-à-porter. Un buen diseño, muy apta para los nuevos gustos de la mujer activa y trabajadora, es decir con un valor añadido estético y un sello personalizado. En los ochenta tuvo lugar una vuelta al estilo tradicional, pero en los noventa la gente empezó a reconsiderar el significado de la indumentaria y a buscar un sistema idealista para la moda del siglo XXI.

LLLa Decada P P Prodigiosa L

a década del 50 fue donde se desarrollaro la cultura juvenil pero no fue hasta los 60 donde los adolescentes se expresaron libremente. La moda se convirtio en algo emocionante, de extremos pues mostraba cómo las personas y sobre todo las mujeres empezaban a vestirse acorde a sus gustos y a la moda de la época dejando de lado la represión o las indumentarias más serias. Conocida por sus actividades políticas de grandes cambios en muchos países del mundo, la década del 60 no solamente influenció el paisaje político y cultural, sino también la forma de vestir hasta el día de hoy. Empezaron los colores para aquellas mujeres

a las que les gustaban los colores, o la indumentaria más monótona para aquellas mujeres de los años 60 que preferían prescindir de los colores más vivos o vibrantes. La década prodigiosa,denominada asi a los años 60, fue una década que vivió grandes momentos políticos y sociales, era la época en donde el sexo, la sociedad, la moda y la política cambiaron para siempre sin dejar de lado la musica, pues fue uno de los factores mas importante de lamoda del 60. La musica en general se volvió una forma de expresión muy popular y el aspecto de los integrantes de estos grupos, marcaron un antes y un después en el mundo

de la moda. Uno de los mas impactantes fue el Rock Psicodélico pues llego a ser uno de los mas influyentes frente a la ideologia liberal. La revolución sexual, la liberación femenina y la lucha en contra de la discriminación racial, fueron el detonante para dar un nuevo inicio a la moda. Todas las generaciones han tenido una cierta influencia en las épocas siguientes, pero muy pocas pueden igualar el impacto que tuvo la década del 60. En esta decada la moda pasó por muchos estilos diferentes, en ella se generaron un enorme grupo de subculturas Aunque la mayoría de la gente asocia los años 60 con la moda hippie, en realidad fue mucho más variada y complicada.

TWIGGY Leslie Lawson, más conocida como Twiggy es una supermodelo, actriz y cantante inglesa ganadora del Globo de Oro Mejor Actriz Comedia o Musical. Se convirtió en un icono de la segunda mitad de los años 1960, incluso fue nombrada como "el rostro de 1966" por el periódico inglés Daily Express.

P P Psicodelicos

Estilos 60s

a psicodelia, la gama de sensaciones, epifanías y alucinaciones inducidas por estimulantes químicos, fue un fenomenal cultural de época de la década de 1960; En retrospectiva, parece no solo un componente clave de la sensibilidad de la década, sino también un símbolo apropiado de la reorganización de las estructuras sociales, políticas y artísticas de los años sesenta. Era inevitable que la moda y la experiencia psicodélica fueran mano a mano, ya que uno de los efectos de un "viaje" de LSD [dietilamida del ácido lisérgico] era una mayor apreciación del color, la textura y la línea. La moda psicodélica hizo más que evocar o rendir homenaje a

la experiencia de alerta mental; se convirtió en una forma de mejorar la participación. Dado que la LSD, popularmente llamada experiencia ácida, implicaba borrar límites discretos, era apropiado vestirse con ropas que mejoraran la capacidad del comulgante para fusionarse en una experiencia que para muchos se convirtió casi en un rito sacerdotal. La participación de LSD fue fundamental para el credo hippie, y la extravagante vestimenta de los hippies difundió la sensibilidad psicodélica. Las formas fluidas parecían relacionarse con la desvinculación de las restricciones liberadas por la experiencia alucinógena. La prevalencia de las telas táctiles en las modas hippies hablaba de las propiedades de

mejora de los sentidos del viaje ácido. Lo más visible fueron sus innovaciones en la paleta y las imágenes: patrones vibratorios y colores igualmente provocativos. Ciertos motivos tradicionales -el garabato parecido a una ameba del paisley indio, por ejemplo- se apropiaron como imágenes psicodélicas. Los accesorios incluían pintura facial en colores Day-glo de neón que recreaban la incandescencia de las quimeras ácidas. Pero los tipos principales de la moda psicodélica eran retratos de luz, ya que estaba fracturado, hecho móvil por la lente del viaje ácido. El cinetismo despertado de superficies planas livianas parece agitarse y agitarse. Los colores sangraron, se emulsionaron y se fusionaron caleidoscópicamente.

LA LUZ La moda psicodélica fue un movimiento quintaesencial de la década de 1960. Aunque eventualmente, y hasta cierto punto de manera oportunista, fue adoptado por prácticamente todos los diseños y sectores de la industria de la moda, sería difícil aislar a un solo diseñador o incluso a un grupo de diseñadores a los que se pudiera atribuir su invención o promoción. Sin embargo, la preocupación psicodélica por la luz y el ambiente total alcanzó un paradigma en la

boutique Manhattan Parafernalia en 1966, cuando la ingeniera eléctrica Diana Dew ideó un vestido de vinilo que se encendió por orden del usuario. Un potenciómetro miniaturizado encajaba en el cinturón del vestido y regulaba la frecuencia de los corazones o estrellas que parpadeaban, lo que podía coordinarse con el ritmo palpitante de la banda sonora disco. Ese mismo año, Yves Saint Laurent llevó la luz y el color psicodélicos a las marcas desencarnadas del arte pop con un vestido de novia que mostró una flor incandescente, que animó el final tradicional del espectáculo de pasarela.

La sensibilidad psicodélica era esencial para la segunda fase del vocabulario de la moda de los años 60, el alejamiento de algunas de las características más elegantes y brusquer de la moda mod. Fue consanguíneo con la absorción de la segunda fase del léxico popular y tribal, la experimentación en el juego de roles y la construcción de la personalidad posibilitada por el disfraz improvisado

M M MOD M

Estilos 60s

oda de los años sesenta: la moda mod era innovadora, creativa, audaz y temeraria. La moda de los años 60 pertenecía a Londres, Inglaterra. Los británicos dieron el tono y el mundo siguió. Lo que usamos siempre nos ha definido hasta cierto punto. Por lo menos, puede indicar el estado económico, pero siempre antes dentro de ciertos límites de la convención. Históricamente, la uniformidad de la vestimenta creó una población homogénea.

La década de 1960 marcó el comienzo de una actitud de "todo vale" y reflejó la política cambiante del día. "Haz lo tuyo" aplicado a la ropa también.La revolución de la moda estuvo orientada a los jóvenes y dirigida por los jóvenes y comenzó en las calles en lugar de las casas de alta costura de la línea. Los Baby Boomers estaban llegando a la mayoría de edad. La tienda de ropa boutique sur-

gió en la década de 1960 como el lugar "de moda" para comprar. Eran divertidos y modernos, y los jóvenes se sentían más cómodos comprando allí. Ninguna geografía era más famosa por las tiendas de moda que Carnaby Street y Kings Road en Londres. Para no quedarse fuera de la tendencia, Parafernalia abrió en 1965 en Madison Avenue en Nueva York y fue un éxito instantáneo. El color jugó un papel importante en la definición de la apariencia. La paleta de colores apagados y pastel de la moda de los años 50 dio paso a un color brillante y audaz, a menudo extendido en patrones geométricos. Desde la ropa de día hasta Day Glo en menos de una década. Una palabra sobre la palabra Mod. Mod para moderno, que en su uso más puro significaba minimalista. Podría decirse que no hay nada de mínimo en la mayoría de la moda mod, pero ese es el origen

Paul Jobling y David Crowley llamaron a la subcultura mod un "culto obsesionado con la moda y hedonista de los jóvenes adultos hiper-cool" que vivían en el área metropolitana de Londres o en las nuevas ciudades del sur. Debido a la creciente afluencia de la Gran Bretaña de la posguerra, los jóvenes de principios de la década de 1960 fueron una de las primeras generaciones que no tuvieron que aportar su dinero de los trabajos después de la escuela a las finanzas familiares.

S S Skin H H Head L

Estilos 60s

a mayoría de la gente piensa en los años 60 como la era de los Mods, luego Flower Power y Hippies. Sin embargo, la era hippy fue principalmente una rebelión de clase media contra los valores de la clase media. Muchos jóvenes de clase trabajadora descubrieron que no podían identificarse con eso. Nunca tuvieron el estilo de vida de la clase media para rebelarse. Mientras que Mod abrazó la sociedad de consumo, el movimiento hippy, aunque más tarde muy comercializado, lo rechazó. Estos jóvenes de clase trabajadora no tenían a dónde ir.

Para 1968, el look Skinhead consistía en cabello corto, una camisa abotonada o, a veces, un Fred Perry en su lugar, pantalones Sta Attis o Levi 501s, zapatos brogue o

botas con un brillo militar. A veces se usaba un traje, a menudo un traje tónico estilo Mod clásico con pantalones angostos y solapas, todo lo contrario de los jeans acampanados preferidos por los hippies. Los lazos eran estrechos, generalmente rayados. A veces, un cárdigan reemplazaba ladistintiva chaqueta del traje. La camisa con botones era a menudo un Ben Sherman. Los skinheads usaban cuadros de cuadros, a veces patrones de cuadros o algodón Oxford normal. Ben Sherman tuvo problemas para mantenerse al día con la demanda y las alternativas de Brutus y Jaytex también estaban disponibles en estilos similares. Las camisas Fred Perry también fueron muy usadas por Skinheads en los años 60.

Los Skinheads usaban abrigos Crombie, favorecidos por mafiosos como los Krays, pero inteligentes y caros. Las alternativas eran mallas de gabardina con frente de mosca o abrigos de piel de oveja. La mirada fue madura e inteligente. Definitivamente no hippy. Skinhead no era Mod, ya que era mucho más un código de vestimenta rígido. La apariencia de Mod cambiaba constantemente con el estado de ánimo de la moda Mod de la época. El último cambio de Mod en 1979, convirtió la moda Mod en más uniforme.

Y Y Yves S S Saint LLLaurent

Diseñadores 60s

ació en Orán, por entonces colonia francesa de Argelia, en el seno de una de las más ricas familias de la ciudad. Su padre, descendiente de un barón francés, era presidente de una compañía de seguros y propietario de varias salas de cine. Su abuela materna era española. Siendo niño le gustaba interpretar personajes de Molière y leía con avidez la revista Vogue. Le atraía el mundo de los diseños para teatro. Por su carácter peculiar sufrió acoso escolar, que él intentaba superar prometiéndose: «Algún día seré famoso». En 1950, Saint Laurent envió tres diseños a París, a un concurso

convocado por el Secretariado Internacional de la Lana. Quedó en tercera posición, y acudió a recibir el premio acompañado de su madre. Sus diseños sorprendieron a Michel de Brunhoff, redactor jefe de Vogue, que le recomendó que estudiase en la Chambre Syndicale de la Couture. Saint Laurent le hizo caso y tras graduarse en Orán se mudó a París. En 1951 volvió a participar en el concurso del Secretariado Internacional, y esta vez resultó ganador, derrotando a un joven Karl Lagerfeld. Remitió más diseños a De Brunhoff, quien vio en ellos similitudes con un diseñador consagrado: Christian Dior. El

responsable de Vogue envió estos diseños a Dior, que vio al instante el talento de Saint Laurent y decidió sumarlo a su taller y desde aquel comenzo su carrera siendo reconocido por grandes diseñadores. Tras su largo legado, Yves Saint-Laurent falleció en París el 1 de junio de 2008, a la edad de 71 años, tras padecer cáncer. Pocos días antes, formalizó su prolongada relación con Pierre Bergé mediante una unión civil, seguramente para solucionar cuestiones de herencia. Habían mantenido su relación amistosa hasta el final, si bien viviendo separados desde 1992.

LALEYENDA Saint Laurent ha pasado a la historia como el primer diseñador de moda que ha expuesto en un museo, el Metropolitan Museum de Nueva York. Creó, con Pierre Bergé, una fundación para la custodia y difusión de su legado creativo. Yves Saint Laurent anunció su retirada del diseño de moda y las pasarelas en enero de 2002. Se mostró decepcionado por la moda predominante, que a su juicio arrinconaba la ambición artística a favor del simple lucro “como si fuese hacer cortinas para ventanas”.

La primera colección de ese mismo año, Ligne Trapéze, se convirtió en un éxito instantáneo. La imagen y el logotipo de la empresa se encargaron al diseñador gráfico francés Cassandre en 1961, siguen en uso hoy en día. La colaboración de Pierre Bergé fue sustancial para que Saint Laurent llegase a erigir una empresa sólida. Aunque interrumpieron su relación sentimental en 1976, siguieron conviviendo en la misma casa y colaborando, y Bergé fue el apoyo imprescindible que permitió

a Saint Laurent seguir creando y superar sus crisis emocionales. Sus colecciones en los años 60 destacaron por la incorporación del esmoquin al vestuario femenino y por la implantación del prêt-àporter como una línea comercial completa; de hecho fue el primer creador de alta costura que presentó una línea de esta nueva categoría de moda. En 1966 inauguró su primer local que comercializaba prêt-à-porter. También fue el primer diseñador que incorporó mujeres de color como modelos en sus desfiles.

Yves Saint Laurent fue uno de los primeros en unir moda y arte pop cuando en 1965 dedica una colección de Alta Costura nada menos al pintor Mondrian en unos vestidos que a partir de entonces se convertirían en icónicos, sobre todo cuando un año más tarde, en 1966, decide adaptarlos a su colección prêt-à-porter con el Pop-Art en mente, ya sea en manos de Warhol, Lichtenstein o Wesselmann.

En 1967 Yves Saint Laurent volvía a ir otro paso más allá de sus inquietudes evitando reiterarse y vestir a la mujer pudiente siempre de la misma forma. Tras jugar con el esmoquin, sus nuevos abrigos, el tweed y Mondrian tocaba recordar su poso cultural y pasarse a África en una colección inesperada para aquel momento.La Primavera-Verano 1967 fue el momento de ver una colección entre gabardinas, faldas con dos dedos por encima de la rodilla, conjuntos masculinos con el esmoquin presente,

vestidos con la silueta trapecio y grandes estampados africanos y transparencias atrevidas para el momento. En 1968, por la primavera-verano de aquel año, aparece la primera y famosa chaqueta sahariana de Yves con el estilo safari con un lado muy sexy.

Diseñadores 60s

M M Mary Q Q Quand

Mary Quant empezo sus estudios en la Escuela de Arte Goldsmith de Londres. Comenzó su carrera a mediados de la década de 1950 en esa ciudad, donde conoció a Alexander Plunket Greene. Se casaron en 1957, dos años después de que ambos abrieran la primera tienda "Bazaar" introduciendo la era “mod” y el “Chelsea Look”. Al principio revendía ropa de otros diseñadores, pero cuando se cansó de buscar lo que quería sin encontrarlo, empezó a ofrecer sus propios diseños. Representó una moda informal para jóvenes y sus modelos se difundieron a gran escala. Su estilo

sencillo y colorista, identificado por el símbolo de la margarita, contrastó con la seriedad de la moda imperante. Su boutique se convirtió en un éxito. Mary Quant promovió un nuevo arquetipo de mujer muy joven y delgada, encarnado a la perfección por la modelo Twiggy. Su éxito fue rotundo, ya que esta ropa barata y moderna caló por completo entre la gente joven de Londres, que se peleaba por sus diseños. A principios de los años 60 puso de moda la minifalda, la prenda sobre la que han corrido más ríos de tinta de historia, incluso por delante del bikini. Pero

sus méritos no se quedan ahí, ya que Quant también apostó por las mallas de colores, los suéters acanalados y ceñidos, y los cinturones caídos. También creó una colección de polivinilo y vendió miles de chalecos de ganchillo, luego archiimitados. En 1966 abrió su negocio al mundo de la cosmética, con una línea de productos que tenía una margarita como logotipo y que, por supuesto, fue todo un éxito. Mary Quant fue nombrada ese mismo año miembro de la Orden del Imperio Británico, pero tras esas agitadas décadas de los 60 y 70 se retiró de la moda, para atender sus negocios de cosmética.

Representante Juvenil Es mundialmente conocida por popularizar la minifalda, pero Mary Quant, nacida el 11 de febrero de 1934 en Londres, no sólo cuenta en su haber con este logro, sino que influyó de modo decisivo en la moda de los años 60; un estilo, conocido como 'Chelsea Look', que aún hoy sigue vigente.

Quant dijo más tarde que fueron las chicas de King's Road durante la escena de Swinging London las que inventaron el mini. Estaba haciendo ropa sencilla, juvenil y simple, en la que podías moverte, en la que podías correr y saltar, y los haríamos lo más largos que el cliente quisiera. Naturalmente eran cortos pero la exigencia de los clientes lo hacían más. Le dio el nombre de minifalda, debido

a su marca favorita de automóvil, el Mini. Además de la minifalda, a menudo acreditan a Quant inventar los leotardos coloreados y modelados que tendieron a acompañar la prenda, aunque su creación también se atribuye al modisto español Cristóbal Balenciaga que ofreció medias con estampado de arlequín en 1962 o a John Bates. A fines de la década de 1960,

Quant popularizó los hot pants y se convirtió en un ícono de la moda británica. A lo largo de los años setenta y ochenta se concentró en los artículos para el hogar y el maquillaje, en lugar de solo sus líneas de ropa, incluido el edredón que, según afirma, inventó.

Grandes Premios En 1966 fue nombrada Oficial de la Orden del Imperio Britรกnico por su destacada contribuciรณn a la industria de la moda. Llegรณ al Palacio de Buckingham para aceptar el premio en un minivestido de lana de color crema con Facings azules.

O O Oscar D D De la Renta Ó

Diseñadores 60s

scar de La Renta nació el 22 de julio de 1932 en Santo Domingo, capital de la República Dominicana, en una familia prominente. Su madre fue la dominicana Carmen María Antonia Fiallo y su padre el puertorriqueño Óscar Avelino de La Renta nacido en Ponce, dueño de una compañía de seguros en Santo Domingo. De La Renta era sobrino del poeta dominicano Fabio Fiallo y primo del político dominicano Viriato Fiallo.

Desde temprana edad manifestó su interés por la pintura, idea ampliamente favorecida por su madre pero que no convencía por completo a su padre. Para demostrar a su padre que su interés por las artes plásticas

era genuino, ingresó a la Academia de Bellas Artes de Santo Domingo a los 15 años de edad, en horario vespertino, ya que por las mañanas asistía a su escuela secundaria. En la academia de arte fue el estudiante más joven, puesto que el resto de sus compañeros ya habían completado sus estudios de escuela superior. A los 18 años se trasladó a Madrid para estudiar pintura en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Con el transcurso del tiempo su padre dejó de enviarle dinero para sus gastos en Madrid debido a su desinterés en dedicarse a la empresa familiar, lo que le colocó en apuros económicos. Para obtener ingresos adicionales, dibujaba ilustraciones de

trajes de alta costura para periódicos y casas de moda. En esta época conoció en un evento a la baronesa Aïno de Bodisco, con la que entabló una amistad y quien asegura haber impulsado su carrera como diseñador de moda al promover sus vestidos entre sus amistades. Después de que Francesca Lodge, esposa de John Davis Lodge, ex embajador de Estados Unidos en España, viera alguno de sus bocetos y recibiera la recomendación de Bodisco, comisionó a de La Renta que diseñara un traje para la presentación en sociedad de su hija. Una fotografía del diseñador realizando los últimos ajustes al vestido de su primera cliente oficial apareció en un reportaje de la revista Life en otoño de 1956.

Una Gran Perdida Con la muerte de Oscar de la Renta, un lunes a la noche, a la edad de 82 años, el mundo de la moda perdió no solo a un artista de gran talento, sino también al primer diseñador estadounidense con fama callejera en las pasarelas del mundo.

Antes de la entrada de de la Renta, la moda estadounidense estaba regida por imitadores, las miradas de la pasarela desde París y Londres se ajustaban a los gustos estadounidenses, lo que se desviaba hacia lo práctico y evitaba los riesgos de vanguardia que definían la escena europea. De la Renta cambió eso, se centró en la mujer estadounidense, sus necesidades, su perspectiva cultural, su sentido práctico pero su deseo de ser bella. De la Renta combinó estas sensibilidades en lo que se convirtió en su marca inconfundible de líneas fuertes, muy poco espectáculo de piel, telas suntuosas, tonos únicos vibrantes, detalles ornamentados como encajes y lazos y perlas que evocaban una pureza que era al mismo tiempo sensual e inocente, y , lo que es más importante, una etiqueta que lleva su nombre

caligráfico, se desplazó con movimientos suaves, deliciosamente inesperados y sorprendentemente esperados, al igual que su línea. De hecho, los diseños revolucionarios de de la Renta fueron, irónicamente, firmes en su dedicación a la forma y estructura clásicas, manteniendo estridentemente una cualidad de cuento de hadas que le dio a las mujeres que vistió un aura etérea. Era partidario de los volantes, los vestidos ondulados que evocaban una mezcla de grandeza renacentista con salpicaduras gráficas de color warholiano. A diferencia de algunos de sus pares, de la Renta evitó hacer declaraciones políticas o experimentación abierta ("La moda no es política y no es partidista", dijo de la Renta en el mismo video de Clinton mientras hablaba de cómo se vestía entonces la Primera Dama Hillary Clinton para una sesión de Vogue).

LLLa Decada IIInspiradora L

a moda y la música se retroalimentan y complementan constantemente. Gracias a la relación de la música punk de clubes como el CBGB y el estilo de la tienda “Manic Panic”, se fraguó el punk, una de los movimientos m,ás importantes de la historia y cuyos looks emergen de nuevo de maneras nuevas sobre las pasarelas y las salas de conciertos. El Nueva York de la época era libre y muy emocionante, había un elemento de peligro, acompañado de entusiasmo y glamour. Era una mezcla increíble de drag queens, punk rockers, artistas y los ucranianos y latinos de la zona.

que divagaban en las noches. En esa época había una actitud de gran confianza en unos mismo, no se seguían reglas, las personas caminaban al ritmo que ellos mismos marcaban. Esta libertad los ayudó a imaginar y crear estilos únicos e icónicos que marcaron el comienzo de una gran época. El Nueva York de la época era libre y muy emocionante, había un elemento de peligro, acompañado de entusiasmo y glamour. Era una mezcla increíble de drag queens, punk rockers, artistas y los ucranianos y latinos de la zona. que divagaban en las noches.

H H Hippie

Estilos 70s

a historia de la moda hippie de los 70’ está definida por una actitud despreocupada y contestataria hacia la vida, el amor y la política. La moda estaba fuertemente influenciada por la música folk y el rock and roll, así como por los artistas y animadores de la época. La moda hippie en los 70’s reflejaba las actitudes y costumbres sociales que eran consideradas “tranquilas y despreocupadas” en comparación con las más conservadores de los 50’ y los 60’ Los hippies fueron quizás una de las tendencias más fuertes que

existieron en la década de los 60 y la de los 70. Siendo una fuerte influencia de contracultura. La cultura hippie trajo consigo una actitud “vale todo” en la moda juvenil. Fueron participes de la introducción de la moda unisex gracias a sus pantalones vaqueros rasgados y camisetas teñidas. Otra importante característica sin duda son las cuentas del amor, cintas y símbolos que empleaban en sus accesorios y estampados. Si por algo se caracteriza la moda de los años 70 para mujeres, es

por los colores y los estampados, que fueron los grandes protagonistas de esta década, con diseños geométricos multicolor, flores enormes que se combinaban con otras muy pequeñas, círculos, grecas, líneas, pero sobre todo color, mucho color. Estos print lo llenaban todo, desde camisas, pantalones, vestidos, sobre todo muy cortos, foulards y un largo etcétera, mientras que las líneas curvas de los primeros años, comenzaron a convertirse en rectangulares y más geométrica a medida que pasaban los años.

n los 70’, la moda hippie era ecológica y típicamente confeccionada con fibras naturales y materiales de flujo libre. La tela rasgada o crepé de rayón viscosa fue históricamente descubierta en la moda de los 70’. La llegada de los automóviles y de la calefacción central en los hogares dio lugar a la introducción de telas más ligeras y así los abrigos largos, pesados y de lana fueron reemplazados por chaquetas de terciopelo, abrigos de edredón relleno de guata y chaquetas de velour de lana a la altura de la cadera e impermeables. También ganaron popularidad las prendas hechas con telas livianas y románticas, como algodón ligero, gasa y otros que se convirtieron en las bases de la época.

D D Disco

Estilos 70s

eneralmente las tendencias de la moda femenina tienen prioridad en la definición de los estilos de la época. El pantalón de campana saltó a la fama durante la época disco y siguió creciendo en popularidad haciendo que se ensanchen cada vez más. Las mujeres también popularizaron un estilo de camisa conocida como “peasant tops”blusas holgadas en una gran variedad de colores y estampados. Y usados por hombres y mujeres, los zapatos con plataformas de 4 pulgadas (10 cm) de alto, sin dudas definen

la época. Las tendencias de la moda ciertamente redefinen la forma en que pensamos acerca de la moda en general, pero la característica más dominante de la disco tiene que ser el color. Nacido de los colores monótonos popularizados en las décadas anteriores, los colores y estampados salvajes saltaron a la fama durante la era disco. Las blusas de las mujeres estaban adornadas típicamente con estampados salvajes que nunca se habían considerado para la ropa en el pasado. La ropa para hombres no fue inmune a la

afluencia de los colores brillantes que dominaban los bastidores de la moda. Hasta las prendas hippies se adaptaron a la pista de baile, como los pantalones acampanados, que adoptaron brillos tanto para hombres y mujeres y las plataformas, que se volvieron más altas. Las mujeres usaban mínimos shorts y la ropa stretch fue necesaria para realizar los efusivos pasos de baile a los que obligaba el disco. Celebridades como Farrah Fawcett,Bianca Jagger y Jerry Hall adoptaron este estilo.

Las características que más sobresalieron fueron: El textil que se despegaba del cuerpo. La utilización de paletas de colores encendidas y tramas de diseño textil geométricas. El volumen en el remate superior del cuerpo (cabello), donde el peinado “Afro” predominó con fuerza. Este fue característico de las personas con textura de cabello abultada, naturalmente de raza africana y sus descendientes, como la afroamericana, de ahí deriva la etimología. Este fue logrado artificial o estéticamente por personas que no poseían dicha textura en su cabello, siendo muy usado en aquella década.

El origen de esta respuesta formal data de la década de los 60, en plena revolución social caracterizada por el aparecer de movimientos políticos y sociales. Uno de los más importantes fue el “Movimiento por los derecho civiles en Estados Unidos” que generó la aparición del “Orgullo Negro” o “Black Pride”, detonando “conciencia respecto de las formas del origen” a través del resalte de aquellas cualidades. Esta manifestación fue recogida por bandas de música y cantantes de la época que la difundieron con gran potencia, tales como: The Jackson Five, Jimi Hendrix, The Supremes.

Todo este movimiento genera a su vez, y de manera paralela, el desarrollo de la “música disco” que basa sus raíces en el soul de fines de los años 60. Barry White fue uno de los precursores, rematando en “Only the Strong Survive” (1969) de Jerry Butler como la primera consecuencia que definiría su modo.”

B B Bohemia

Estilos 70s

sta moda cuenta con un estilo de aires bohemios y hippies, que reflejan un estilo de vida libre, lleno de amor, paz y armonía. Combinaciones de colores, trenzas, encajes, bordados con un aire relajado, pero a la vez, sofisticado. Piezas cómodas y ligeras que encuentran la perfección en complementos. La fusión del estilo bohemio y hippie deriva en el popular boho-chic. Prendas cómodas, vaporosas y con movimiento. Estas prendas combinadas con colores más sobrios dan lugar a elegantes prendas de vestir con un aire bohemio y rompedor.

La moda bohemia de los 70s se caracteriza por tener la capacidad de combinar con naturalidad prendas inconcebibles, como el pelo y terciopelo rojo de Givenchy. Los materiales que más destacaron para estas combinaciones son el borrego, como el abrigo de Chloé o los tejidos vaporosos, recurrente en muchos diseños como los de Otto Zimmermann, Burberry Prorsum o Giambattista Valli. También destaca el uso de telas de acabado brillante, como hace Dries Van Noten, combinando el tejido de la chaqueta los abalorios que cuelgan de la camisa. Este look aportaba rebeldía romántica, melenas largas y

onduladas de reflejos dorados, flores en el pelo y bonitos vestidos largos estampados, blusas con bordados de tejidos fluidos que te envuelven en un atardecer, lejos del ritmo insaciable de la vida. La moda bohemia de los años 70 es un NO al gris de un edificio de oficinas, un no al estrés en el trabajo, un no a levantarse todas las mañanas a las 7 y salir pitando, un no a usar chaquetas y corbatas. En vez de esto nos incitaba a tener una taza de café en las mañanas, un paseo bajo los claros y sombras de las ramas de un árboles, y decirle sí a comer naranjas bajo el sol, sí a la brisa del mar jugando con tu pelo.

Las faldas de campesina largas, sueltas y floreadas solĂan ser el look bĂĄsico para esta moda. Los pareos de teĂąido anudado y los chales eran prendas que complementaban toda la vestimenta.

Los estampados llenos de ornamentos, exรณticos y tropicales fueron los mรกs usados.

K K Kansai Y Y Yamamoto

Estilos 70s

ansai Yamamoto nació un 8 de febrero de 1944 en Yokohama Japón. Es un diseñador japonés, una de las principales figuras de la moda contemporánea japonesa, en especial en los años 1970 y 1980. Tras estudiar Ingeniería civil e inglés en la Universidad Nihon, obtuvo un premio Soen en la Bunka Fukusō Gakuin en 1967. Ha sido discípulo de diseñadores como Junko Koshino y Hisashi Hosono. En 1971 abrió su propia empresa, la Yamamoto Kansai Company, Ltd., Tokyo. Su primera colección debutó en Londres ese mismo año y en los Estados Unidos en Hess’s, en Allentown (Pensilvania), que fue reconocido por sus

colecciones vanguardistas. En 1975 hizo su debut en París y en 1977 abrió su tienda Kansai Boutique. También en 1977 recibió el premio de Tokyo Fashion Editors. En 1999, renovó el kimono junto a Junko Koshino, renovando el interés por esta moda clásica. Es conocido por sus diseños vanguardistas de kimonos, que han sido usados por grandes artistas, uno de ellos fue David Bowie, al artista le gustó tanto los diseños únicos de Yamamoto que decidió usarlos en su Ziggy Stardust Tour. Ese mismo año organizó un programa de moda con el patrocinio del India-Japan Mixed Cultural Cooperation Committee.

Desde 2001 es conocido por su gafas, comercializadas por Aoyama USA. En 2008 celebró una exposición en el Museo Edo-Tokio llamada Netsuki Shinten: Kansai Genki Shugi (Exposición apasionada: El principio de energía de Kansai).2En 2009 se celebró una retrospectiva sobre el trabajo de Yamamoto en el Museo de Arte de Filadelfia. Fue el diseñador del tren Skyliner, presentado en 2010, y que conecta el Aeropuerto Internacional de Narita con el centro de Tokio. En 2013 volvió a la industria de la moda en el 19.º New Britain Mask Festival de Kokopo (Papúa-Nueva Guinea).

Visión Japonesa Kansai alía su vestimenta al concepto japonés de basara: un amor por el color y la extravagancia. También se asocia más fácilmente con el período de arte japonés Azuchi-Momoyama, una era breve y opulenta era entre mediados del siglo XVI y principios del XVII. El arte de ese período fue bastante basara: espléndido, decorativo, a menudo atrevido, lleno de colores intensos hasta incluso agresivo.

En la tienda Hess’s, conocida por seleccionar a los más originales diseñadores de todo el mundo, se vieron por primera vez los experimentales trajes de Yamamoto, los que Bowie compró de inmediato en una tienda de Londres para canalizar su más reciente creación, el alter ego Ziggy Stardust. Siendo un extraterrestre bisexual que se movía a través de tradiciones japonesas, el vestuario colorido de Kansai se vio como anillo al dedo para la ocasión. Kansai Yamamoto ha

sido reconocido por la ropa que diseñó para David Bowie. Con sus sintéticos que chocan y las sedas de alto brillo en una cacofonía de sombras discordantes, son ruidosas, incluso detestables. Con formas abstractas y escultóricas que son ideales para ser vistas desde la parte posterior de un estadio, que es lo que probablemente atrajo a Bowie en primer lugar. Bowie comenzó a vestir prendas femeninas, exóticas y comerciales de Kansai en su gira “Ziggy Stardust” de 1972, colab-

orando posteriormente con el diseñador para crear obras únicas. Después de este primer encuentro, el cantante y el diseñador entablaron una relación de amistad que llevó a Yamamoto a diseñar alguno de sus elementos estilísticos más recordados durante las giras Ziggy Stardust y Aladdin Sane, en los años 70, unos trabajos que reportaron una gran popularidad al japonés, dándole la oportunidad de seguir trabajando con otros artistas más.

Ciencia ficción y teatro kabuki, tal como Ziggy Stardust se componía, fueron los elementos principales que describían la colección del diseñador japonés, que mostró en un video en 1971

VVVi vienne W W Westwood

V Diseñadores 70s

ivienne Isabel Swire (Derbyshire, Inglaterra, 8 de abril de 1941), conocida como Vivienne Westwood, es una diseñadora de moda británica considerada como la principal responsable de la estética asociada con el punk y el New Wave.

Durante su adolescencia Westwood estudió en el Harrow School of Art y el Trent Park College y dio clases en una escuela primaria del norte de Londres. Con el tiempo, se casó con Derek Westwood y tuvo un hijo, Ben, perdurando el

matrimonio hasta que Vivienne conoció a Malcolm McLaren, futuro mánager de los Sex Pistols. La pareja tuvo un hijo, Joseph, e inauguró en 1971 el local de ropa Let it Rock (luego renombrado SEX) donde la diseñadora comenzó a exhibir sus diseños extravagantes. Después de haber sido maestra de escuela primaria, diseñadora de joyería y ropa y madre, la razón de ser de Westwood llegó con el movimiento punk. La estética surgió luego del primer recital

de los Sex Pistols donde la banda usó diseños de la pareja que incluían, o incluyeron luego, elementos fetichistas, alfileres de gancho (tomados de la estética de Richard Hell, una personalidad importante en la escena punk neoyorquina), cadenas, navajas de afeitar y el característico cabello en punta, entre otros. La inclusión de elementos del diseño tradicional británico contribuyó a formar la imagen chocante, polémica y antisocial del punk que trajo consigo grandes cambios a la moda.

Vivienne Westwood a menudo es citada como la creadora del punk, pero la compleja génesis del punk también se encuentra en las deprimidas condiciones económicas y sociopolíticas de Inglaterra de mediados de los años setenta. El punk era una reacción tanto juvenil contra las generaciones mayores, consideradas opresivas y obsoletas, como un producto de la cultura juvenil recientemente reconocida e influyente. Las personas creativas y emprendedoras, como Westwood, a menudo contribuyen a una estética que lleva un estilo subcultural

a la vanguardia de la moda. Sin embargo, sería simplista afirmar, como muchos lo han hecho, que Westwood y su antiguo socio Malcolm McLaren fueron los únicos responsables de la construcción visual del punk a mediados de la década de 1970, aunque gran parte de su trabajo capturó y mercantilizó la energía del movimiento. Westwood, una antigua maestra de escuela, era la costurera en la asociación de tiendas SEX con McLaren y puso de manifiesto su visión punk combinada a través de sus creaciones. Westwood diseñó tanto su ropa como la de

McLaren antes de que abrieran su primera tienda, Let It Rock, en 1971 que abasteció a la subcultura “Teddy Boy”, que era una mirada de reactivación de los años 50. Luego que cambiaron su enfoque para enfatizar la aparición del estilo de rockero se creó SEX, en donde vendieron ropa inspirada en S & M (sado-masoquista), conocieron a los Sex Pistols y agregaron su línea punk, Seditionar-

ies, 4 en 1976. SEX era el centro de la escena de la moda punk y muchos jóvenes punk salían, trabajaban o compraban ropa allí cuando podían permitírselos. Los hábiles emprendedores, Westwood y McLaren fueron fundamentales para definir y comercializar el estilo punk en el momento preciso en que tomaba Londres.

P P Paco R R Rabanne F

Diseñadores 70s

rancisco Rabaneda Cuervo más conocido como Paco Rabanne, es un diseñador de moda español. Es conocido mundialmente por sus creaciones textiles y por la utilización de colores y texturas diversas. Además también da nombre a una marca de perfumes.

Entre 1955 y 1963 se encargó de diseños de bolsos para Roger Model y de calzado para Charles Jourdan. En el año 1963 es Laureado en la Bienal de París por una escultura para jardín, expuesta en el Museo de Arte Moderno. Rabanne incorpora a sus colecciones el tejido con flecos, desgarrado o retejido; transforma los pañuelos de Cholet o los fulares en vestidos o los calcetines en

mangas de suéter. Aparición de las máscaras, los corpiños y los chalecos de plástico ceñidos y de la textura en eslabón. De 1976 a 1989 lanza una línea masculino. Las colecciones de costura se enriquecen con nuevos materiales pocos convencional: tejidos luminiscentes, papeles metalizados, ante calado o trenzado de metal, cortinas de abalorios de madera y formas espectaculares: peto con hombreras de metal martillado articulado, chaquetas esculpidas en piel, abrigos cometa, jubones de cota de malla y zapatos “de punta curvada”. Paco Rabanne también es pintor y diseñador, expone sus obras en Valbon, Francia.

De 1967 a 1970 tiene un vasto período en experimentos con materiales y proyectos revolucionarios como los vestidos de papel, modelos de cuero fluorescente, metal martillado, punto de aluminio y piel tricotada. Creaciones audaces y significativas como sus vestido de placas de oro con diamantes engastados, lucido por Françoise Hardy; prendas ajustadas “Giffo” y vestidos hechos de botones. Creación de

los “Rob’auto”, colección limitada de prêt-à-porter especialmente diseñada para la conducción de un automóvil. Vestidos creados para Casino Royale, película dirigida por John Huston, y Barbarella, de Roger Vadim. Tambien realizó creaciones que fueron adquiridas por los Museos de Arte Contemporáneo, como el MoMA de Nueva York. También, en 1969 colabora con el grupo español Puig. Tiene el lanzamiento de

un primer perfume, “Calandre”. Sus colecciones de costura multiplican los efectos luminosos muy bien trabajados, al igual que los volúmenes esculturales como discos con efecto espejo, plexiglás, reflejos láser, fibra óptica, etc. Los accesorios (joyas, tocados y calzado) se consideran creaciones de pleno derecho y muy innovadoras. Recibe el “Dedal de Oro” en Francia por su colección primavera-verano de 1990.

Su trabajo, abiertamente futurista, se caracterizó por el uso de los metales y de otros materiales industriales en las prendas, hasta el punto de que Coco Chanel le denominaba el “metalúrgico de la moda”.

LLLa Decada IIIncreible L

os años 80 es la época de la “superwoman” ya que la mayoría veían como sus madres salían a trabajar fue la época donde la mujer sentía que con un look como ese todos la respetarían, a mi punto de vista los 80 fue una de las mejores modas, aunque yo no lo viví me gusta mucho todo lo relacionado a la moda de esa época, ya que es diferente y hoy en día casi no se puede apreciar mucho la originalidad ya que muchas copian los estilos, en cambio en los 80 la mujer se veía única, diferentes entre otras mujeres, pero igual entre los hombres, por qué? Ella quería verse con poder que nadie le llevara la contraria

Son muchas las características de esta moda es un estilo individual y colectivo, ya que es una moda muy original a todo lo que hoy en día estamos viendo. Esta moda está especialmente diseñada para las mujeres que les gusta ser original y verse diferentes a todas las demás. La década del 80 se caracterizó por el volumen y la psicodelia (diferente, único).

esta época. Los trajes más emblemáticos de la década fueron las remeras (playera), holgadas y coloridas, frecuentemente estampadas y con grandes hombreras, también los pantalones ajustados, los chalecos, las faldas rectas y minifaldas. Se utilizaron setas), con logotipos o imágenes alusivas de grupos como Pink Floyd, The Police, B`52, Depeche Mode, entre otros, las cuales se llevaban puestas en bolsos, franelas o en unas gorras Vans.

Peinados voluptuosos, estampados llamativos y colores fuertes fueron algunas de las características que marcaron

Las mujeres se ponían zapatos de tacón alto y usaban cantidades de pulseras. Los peinados abundaban en rulos y flequillos.

en el trabajo, por eso se le llamo la superwoman.

Madonna Fue la primera mujer en la historia musical en tener control completo de su imagen y música.Además, gracias a su estilo se originó el término «Madonna wannabe» en la década de 1980. Óscar García Blesa de la publicación Efe Eme mencionó que con ella en los años 1980, la moda cambió para siempre, con millones de jóvenes que aparecían en diferentes lugares del planeta vestidos como ella. Generalmente, los autores coinciden que la artista siempre marca tendencia en la moda y que su estilo ha llegado a definir varias décadas.

N N New R R Romantic Los orígenes del movimiento de moda y música New Romantic y New Wave de mediados de la década de 1980 a menudo se atribuyen a los Blitz Kids que frecuentaban el club Blitz en Londres, especialmente David Bowie.

Estilos 80s

Bowie incluso usó el anfitrión del Blitz Steven Strange en su video musical para Ashes to Ashes. También es importante señalar que los New Romantics y aquellos involucrados en la escena punk se habían inspirado mutuamente debido a la concentración de individuos influyentes que iban a los mismos clubes y tenían los mismos círculos de amigos.

Vivienne Westwood y Malcolm McLaren también participaron directamente en el movimiento, como vestirse con los

miembros de Bow Wow Wow. El líder de la banda y más tarde solista, Adam Ant y Westwood también se habían influenciado mutuamente (Adam Ant es uno de los iconos principales de los New Romantics). La primera colección de pasarelas de Westwood, Pirates AW 1981-2 se cita a menudo como una colección New Romantic que fue influenciada y altamente influyente para el movimiento. Las prendas en Piratas tenían escotes asimétricos, camisas piratas y pantalones bombachos. La colección fue muy bien recibida por críticos y compradores. Sin embargo, la interferencia del diseñador en la moda original DIY no fue tomada bien por algunos de los participantes, como Boy George, que dejó Bow Wow Wow para formar su propia banda

(Culture Club) y quien citó una de las razones para irse como el forma en que Vivienne Westwood no le permitió vestirse a sí mismo. The Blitz Kids describió el movimiento como una represalia al punk debido a que se convirtió en una multitud demasiado violenta y desagradable como los neonazis y los skinheads que decidieron subirse a ese carro estético. También fue una forma de olvidar su pobreza relativa después de la recesión económica y el invierno del descontento. Las características de la nueva indumentaria romántica variaron de individuo a individuo, aunque en general resaltaban el individualismo implícito, la creatividad y la autoexpresión del movimiento, además de su continua adhesión a la ética DIY del punk.

Adam Ant Es el nombre artístico de Stuart Leslie Goddard, solista y cantante de la banda Adam And The Ants, con la que comenzó su fama. En los años ochenta se hizo conocido a lo largo del mundo con éxitos como “Goody Two Shoes”, ya como solista. El estilo New Romantic lo muestra en sus videos, como ´´Prince Charming´´, el cual esta foto es parte de la portada del single.

Parte del video musical Buffalo Gals de Malcolm McLaren, 1982.

Fue inspirado por diferentes culturas y períodos de tiempo, películas, cine negro y teatralidad. Los hombres a menudo usaban cosméticos dramáticos y ropas andróginas, incluyendo camisas de poeta con volantes, chaquetas de húsar rojas o azules con trenzas de oro, fajas de seda, pantalones ajustados, chalecos de rayones brillantes y frac basados en los usados durante la época de la Regencia. Las mujeres también eran muy teatrales en términos de maquillaje y estilo, y a menudo preferían el pelo grande, guantes de rejilla, corsés, terciopelo triturado y elementos de ropa de Oriente Medio y gitanos.

Adam and the Ants fue una banda de rock inglesa de finales de los años 1970 y comienzos de los años 1980. Aunque tuvo sus orígenes en el movimiento punk, con el correr del tiempo la banda fue orientándose más hacia el New Wave, incluyendo en su repertorio géneros como el post-punk y new romantic.

H H Hiphop

Estilos 80s

os zapatos deportivos ya se usaban como ropa casual, pero por primera vez se convirtieron en artículos de moda de alto precio.

de primera calidad. Las zapatillas Adidas tomaron la década por sorpresa, volviéndose populares entre los adolescentes y hombres jóvenes.

Los zapatos Converse fueron populares en la primera mitad de la década de 1980. En 1984, Nike presentó la primera zapatilla Air Jordan, la Air Jordan 1 (llamada así por el jugador de baloncesto Michael Jordan). Aunque la mayoría cree que este zapato fue prohibido por la NBA debido a que la zapatilla es demasiado llamativa y distrae, otros creen que fue en realidad, el predecesor, el Nike Air Ship que estaba bajo escrutinio. Nike utilizó esta controversia entre Air Jordan y la NBA para comercializar la zapatilla deportiva.

El crecimiento de la cultura pop y la influencia del hip-hop permitieron Run-D.M.C. para hacer que la Adidas Superstar (comúnmente conocida como la punta del caparazón) sea una de las zapatillas más codiciadas de la década de 1980. Después de su canción My Adidas, se dice que Adidas les dio un acuerdo de respaldo de $ 1 millón. Nike tenía una participación similar en el mercado, con Air Max y zapatos similares, como el Air Force One, que se lanzó en 1982.

El Air Jordan 1 fue lanzado al público en 1985 en color azul real y fue un éxito inmediato, conservando su valor en el mundo de la moda actual. Pronto, otros fabricantes introdujeron calzado deportivo

Las tapas altas, especialmente de cuero blanco o negro, se hicieron populares. Reebok lanzó su icónica silueta The Pump, Converse lanzó The Cons y New Balance tuvo el Worthy 790. La industria de los sneakers estaba en auge y la cultura hip-hop la abrazó por

completo. A principios de la década de 1980, se usaron zapatillas deportivas largas y blancas, a menudo hasta la pantorrilla o la rodilla. A medida que avanzaba la década, los calcetines tendían a ser más cortos, hasta llegar a la altura del zapato. Run-D.M.C. y otros grupos de hip-hop también pudieron influenciar la industria de la indumentaria. Con trajes deportivos y grandes cadenas, hicieron que las empresas de ropa deportiva como FILA, Puma, Reebok, Nike, Avia y Adidas estuvieran de moda. Los individuos en la cultura también usaban con frecuencia sombreros de cubo, chaquetas y camisetas de gran tamaño y colores de alto contraste. La moda en Hip-Hop era una forma de superar la pobreza que rodeaba a la comunidad. Según Chandler y Chandler-Smith (2008), el rap y el hip-hop no eran un estilo específico, sino una mezcla entre la moda de lujo de alta gama y lo que estaba en la calle.

Run D.M.C. El grupo tuvo un impacto enorme en el desarrollo del Rap en los años 80. En 1983 vieron publicado Sucker MC’s, la primera grabación de rap cuya parte instrumental se basaba sólo en el sonido de una caja de ritmos (Oberheim DMX) y scratch; muy minimalista. En grabaciones posteriores (tales como “Rock Box” y “King Of Rock”) samplearon muestras de discos de rock duro (Hard rock), en lugar de los sonidos disco y funk habitualmente empleados por la vieja escuela del Rap.

DJ Jazzy Jeff y Will Smith Dapper Dan personificó este concepto rediseñando productos de lujo y poniéndolos a disposición de aquellos que normalmente no se asociarían con él. Dapper Dan fue el más famoso por cortar una prenda Louis Vuitton y convertirla en su chaqueta exclusiva. Reconstruyó prendas para muchos íconos de la música y celebridades en la década de 1980 antes de ser clausurado por abogados a principios de la década de 1990. Este interés en la ropa de lujo se expandió más allá de Dapper Dan; Tommy Hilfiger, Ralph Lauren y Nautica se expandieron rápidamente y fueron adoptados por la cultura del hip-hop como un signo de estatus y alivio de sus realidades financieras. Las agrupaciones con los colores de África (verde, amarillo y rojo) se hicieron muy populares entre los afroamericanos, al igual que la tela kente. En las comunidades urbanas de hip-hop, las zapatillas de deporte generalmente se usaban desatadas y con una gran cantidad de joyas de oro, así como envolturas de la cabeza.

Run-D.M.C. en su hogar situado en el barrio de Hollis, Queens, NY en 1986.

P P Punk A

Estilos 80s

lo largo de la década de 1980, el estilo punk fue popular entre las personas de entre 18 y 22 años. Caracterizado por mohawks multicolores, jeans pitillo rasgados, camisetas desgastadas de la banda y chaquetas de mezclilla o de cuero.

Este estilo era popular entre las personas que escuchaban música punk como The Sex Pistols, y más tarde, (a pesar de la autoproclamada imagen de rock’n’roll de la banda) Guns N ‘Roses. Por lo general, las chaquetas de mezclilla (que se convirtieron en una identidad del grupo) estaban adornadas con alfileres de seguridad, botones, parches y varias otras piezas de música o recuerdos cul-

turales. A menudo, los fanáticos del estilo punk tomarían trozos de tela al azar y los atarían a sus otras prendas con imperdibles. Esto pronto se convirtió en una forma popular de colocar ropa, y ahora se conoce como “camisas con pasadores” para las mujeres jóvenes. Las camisetas son, esencialmente, piezas rectangulares de tela que están sujetas en un lado con imperdibles. En la década de 1980, una apariencia descuidada (por ejemplo, pelo con zumbido, camisetas, jeans y camisas con botones) también fue muy popular entre las personas involucradas en el punk rock, más específicamente en la escena punk hardcore. El líder de Circle Jerks, Keith Morris, dijo:

“Algunos de esos chicos de punk rock que entrevistaron estaban un poco exagerados, pero la cosa históricamente es que la escena punk de LA / Hollywood se basó básicamente en la moda inglesa. Pero no tuvimos nada que ver con eso La bandera negra y los Circle Jerks estaban muy lejos de eso. Parecíamos el niño que trabajaba en la gasolinera o en la tienda de submarinos. “El atuendo punk no era simplemente una declaración de moda. Representaba una forma de pensar y de verse a sí mismo como un productor y consumidor cultural individual. De esta manera, el estilo punk llevó a muchas personas a hacer más preguntas sobre su cultura y su política.

Siouxsie Sioux Es una cantante y compositora inglesa, conocida por ser la lĂder y vocalista del grupo de rock alternativo y post Punk Siouxsie and the Banshees entre los aĂąos 1976 y 1996.

ex Pistols fue una banda de punk rock formada en Londres en 1975, considerada la responsable de haber iniciado el movimiento punk en el Reino Unido y de inspirar a muchos músicos de punk rock, heavy metal y el rock contemporáneo en general. Su primera etapa apenas duró dos años y medio y en ella produjo únicamente cuatro sencillos y un álbum de estudio. El periodo de vigencia de esta banda fue hasta finales de los 70, pero su influencia en el Punk de los 80 fue fuerte, influenciando a Siouxsie And The Banshees.

C C Calvin Klein E

s un diseñador de moda estadounidense que lanzó la compañía que más tarde se convertiría en Calvin Klein Inc., en 1968. Además de la ropa, también ha dado su nombre a una gama de perfumes, relojes y joyas.

Diseñadores 80s

Calvin Klein nació el 19 de agosto de 1942 en el Bronx, Nueva York. Fue criado en una comunidad inmigrante de judíos húngaros y se graduó en el New York”s Fashion Institute of Technology, en 1962.

En 1968 trabajó y adquirió experiencia en Nueva York, al vender abrigos en la Séptima Avenida y revolucionó la moda de los 90 con sus creaciones minimalistas y exentas de adornos superfluos, lo cual representa al hombre y mujer modernos. Klein es un diseñador de moda

estadounidense de ascendencia judía húngara. Nació en el seno de una familia judía en The Bronx, Nueva York, hijo de Flore (née Stern) y Leo Klein. Fue a Isobel Rooney Middle School 80 (M.S.80) cuando era niño. Su padre era un inmigrante de Hungría, mientras que su madre era hija de un inmigrante de Austria y un dentista estadounidense. Asistió a la Escuela Superior de Arte y Diseño y se matriculó en el Instituto de Tecnología de la Moda de Nueva York, pero nunca se graduó, recibiendo un doctorado honorario en 2003. Hizo su aprendizaje en 1962 en un antiguo fabricante de ropa y traje, Dan Millstein ,y pasó cinco años diseñando en otras tiendas de la ciudad de Nueva York. En

1968, lanzó su primera compañía con un amigo de la infancia, Barry K. Schwartz. Klein fue uno de varios líderes de diseño criados en la comunidad de inmigrantes judíos en el Bronx, junto con Robert Denning y Ralph Lauren. Se convirtió en un protegido del Barón de Gunzburg, a través de cuyas presentaciones se convirtió en el brindis de la escena de la moda élite de Nueva York, incluso antes de que tuviera su primer éxito principal con el lanzamiento de su primera línea de jeans. Inmediatamente fue reconocido por su talento después de su primera gran actuación en la Semana de la Moda de la ciudad de Nueva York. Fue aclamado como el nuevo Yves Saint Laurent, y se destacó por sus líneas limpias.

El diseĂąador Calvin Klein, vistiendo una camiseta minimalista y ajustada, en su estudio de la 7ma avenida durante la Semana de la Moda en 1980 en Nueva York. foto para el diarioThe Washington Post.

En 1968, Calvin Klein fundó la compañía Calvin Klein Limited. Un amigo de la infancia le prestó $10,000 dolares para iniciar la operación de la recién creada empresa y posteriormente, un mes más tarde, se unió a Calvin Klein Ltd. Una gran oportunidad vendría cuando Klein alquiló un modesto salón en un edificio para exhibir una pequeña línea de muestras, fue cuando el vicepresidente de Bonwit Teller se detuvo en el piso equivocado, le gustó lo que vio e invitó a Klein para que llevara sus muestras a la oficina del presidente de Bonwit Teller. En el primer año de Calvin Klein logró ganancias por $1 millón de dólares;cada segundo para 1971 alcanzaría los $5 millones en ventas. En 1969, Klein apareció en la portada de la revista estadounidense

Vogue. Para 1971, sus diseños de ropa deportiva, chaquetas clásicas y lencería fueron añadidos a su colección de ropa para dama. En 1973, Klein recibió el Coty American Fashion Critics’ Award, por su colección de 74 piezas de ropa para dama. En 1977, los ingresos anuales habían aumentado a $30 millones de dólares y Klein contaba ya con licencias en bufandas, cinturones, zapatos, lentes de sol, sabanas, entre otros. Posteriormente con las licencias de cosméticos, jeans, y ropa para caballero, el volumen anual de venta llegó a los $100 millones de dólares. En 1980, el negocio de los pantalones de mezclilla alcanzó su máximo histórico, fue cuando Calvin Klein introdujo los bóxers a la colección de ropa interior para hombre y mujer, la cual recaudaría $70 millones de dólares en un año.

El éxito siguió en la década de los años 80’s, las ventas minoristas mundiales reportaron ganancias de más de $600 millones de dólares; la ropa de Klein se vendía en más de 12,000 tiendas en los Estados Unidos y estaba disponible también en otros seis países. Durante esta década el ingreso anual rebasó los $12 millones de dólares. En 1990, se promovió la colección de ropa interior con grandes anuncios espectaculares mostrando la imagen del entonces cantante Mark Wahlberg modelando unos bóxer ajustados junto a la modelo británica Kate Moss, la campaña fue exitosa a tal grado que los boxers que mostraba Mark fueron conocidos por la gente como los Calvins. La sesión fotográfica fue realizada por el renombrado fotógrafo de modas, Herb Ritts.

Foto del anuncio de Calvin Klein tomada Irving Penn, 1981.

R R Ralph Lauren R

Diseñadores 80s

alph Lauren nació el 14 de octubre de 1939, Nueva York. Es un diseñador de moda y empresario ejecutivo estadounidense, más conocido por su marca de ropa Polo Ralph Lauren muy famosa por su estilo de cuello inglés y un número 3 puesto a la derecha de la playera.

Nació en el seno de una familia judía. Estudió economía en el City College (Manhattan), pero poco después de graduarse se retiró de sus estudios. Trabajó un tiempo cómo vendedor de guantes y para un fabricante de corbatas, donde se inspiró para diseñar su propia línea. A los 28 años (1967) abrió su primera tienda de corbatas y un año más tarde introdujo una línea completa para hombres. Habría que esperar hasta 1971 para que fueran introducidas

las prendas femeninas. Diseña para todo tipo de edades y también tiene una línea de hogar. Hoy en día está considerada una de las firmas más prestigiosas y exclusivas del mundo y con más presencia internacional. La línea de hombre se divide en diferentes marcas o etiquetas: Black Label, Polo Ralph Lauren, RLX y Purple Label, siendo esta última la más lujosa, exclusiva y menos accesible de todas. De la misma forma, la línea de mujer se divide en Black Label, Blue Label, Lauren, Pink Pony, RLX y la Colección de Alta Costura presentada cada temporada. Por último, también posee una línea de fragancias, gafas y demás accesorios. Lauren asistió a la escuela diurna seguida por la MTA (ahora conoci-

da como la Academia Talmúdica Marsha Stern), antes de graduarse finalmente de la Escuela Secundaria DeWitt Clinton en 1957. Fue al Baruch College, en la Universidad de la Ciudad de Nueva York (CUNY), donde estudió negocios, aunque se retiró después de dos años. De 1962 a 1964 sirvió en el ejército de los Estados Unidos y se fue a trabajar brevemente para Brooks Brothers como asistente de ventas antes de convertirse en vendedor de una compañía vinculada. La Corporación Ralph Lauren comenzó en 1967 con lazos de hombres. A los 28 años, Lauren trabajó para el fabricante de corbatas Beau Brummell, donde convenció al presidente de la compañía para que le permitiera comenzar su propia línea.

Hombre de negocios Hoy en día está considerada una de las firmas más prestigiosas y exclusivas del mundo y con más presencia internacional. La línea de hombre se divide en diferentes marcas o etiquetas: Black Label, Polo Ralph Lauren, RLX y Purple Label, siendo esta última la más lujosa, exclusiva y menos accesible de todas. De la misma forma, la línea de mujer se divide en Black Label, Blue Label, Lauren, Pink Pony, RLX y la Colección de Alta Costura presentada cada temporada. Por último, también posee una línea de fragancias, gafas y demás accesorios.

Aprovechando sus intereses en los deportes, Ralph Lauren nombró su primera línea completa de ropa masculina ‘Polo’ en 1968. Trabajó en un solo “cajón” de una sala de exposición en el Empire State Building y realizó entregas a las tiendas él mismo. En 1969, los grandes almacenes de Manhattan Bloomingdale’s vendieron exclusivamente la línea de hombres de Lauren. Era la primera vez que Bloomingdale’s le había dado a un diseñador su propia boutique en la tienda. La tienda insignia de Polo Ralph Lauren que ocupa Gertrude Rhinelander Waldo House en Madison Avenue en la ciudad de Nueva York En 1971, Ralph Lauren Corporation lanzó una línea de camisas a medida para mujeres, que introdujo el emblema del jugador de polo en el mundo por primera vez, apareciendo en el puño de la camisa. La primera colección completa para mujeres se lanzó al año siguiente. 1971 también marcó la apertura de la tienda de Ralph

Lauren en Rodeo Drive en Beverly Hills, California. Esta es la primera tienda independiente para un diseñador estadounidense. En 1972, la Corporación Ralph Lauren presentó un polo de malla de algodón de firma en varios colores. Con el logotipo del jugador de polo en el cofre, la camiseta se convirtió en un emblema del estilo preppy, uno de los estilos característicos de Ralph Lauren. El eslogan de la campaña publicitaria fue: “Cada equipo tiene su color: Polo tiene diecisiete”. En 1974, equipó al elenco masculino de The Great Gatsby en trajes de su línea Polo, una serie de suéteres y trajes de hombre de estilo años 20, a excepción del traje rosa que Lauren diseñó especialmente para Jay Gatsby de Robert Redford. En 1977, Diane Keaton y Woody Allen usaron la ropa de Lauren en su película ganadora del Oscar, Annie Hall. Más tarde del siglo XX Ralph Lauren abrió su primer buque insignia en la mansión de Rhinelander, en Madison Avenue

y 72nd Street en la ciudad de Nueva York en 1986. Lauren recreó la opulencia original del edificio con una joven consultora de diseño llamada Naomi Leff, con quien había trabajado anteriormente en Ralph Lauren. Inicio. La línea Polo Sport se introdujo en 1992, seguida por más de diez líneas adicionales y marcas adquiridas, incluyendo Ralph Lauren Purple Label en 1995 y Lauren Ralph Lauren en 1996. El 12 de junio de 1997, la compañía se convirtió en una empresa que cotiza en bolsa en la Bolsa de Nueva York. El restaurante de 98 asientos, RL, abrió sus puertas en marzo de 1999 en un edificio recién construido adyacente a la tienda más grande de Ralph Lauren en la esquina de las avenidas Chicago y Michigan. Le siguió la apertura de dos restaurantes adicionales: Ralph’s en la tienda insignia 173 Boulevard Saint Germain Paris en 2010 y The Polo Bar en el buque insignia de Polo en Nueva York en 2015.

C C CHRISTIAN LLLACROIX C Diseñadores 80s

hristian Lacroix nació el 16 de mayo de 1951. Desde temprana edad, Lacroix acudió a corridas de toros y vivió experiencias con la cultura gitana y provenzal.

En Arlés, su ciudad natal, había un carnaval anual durante la Semana Santa, en el que la gente, y las mujeres especialmente, se vestían con sus mejores ropas, combinando vestidos de época de encajes con modernos tacones y sombreros. Tal vez esta fue la fuente de inspiración de la futura visión de la moda de Lacroix.

Acostumbraba ir a museos y disfrutaba de una de sus pasiones, la lectura. En su juventud, adquirió el gusto por la obra del escritor irlandés Oscar Wilde y por la música del grupo británico The Beatles. Después de estudiar Historia del Arte en la Universidad de Montpellier, ingresó en La Sorbona y en la École du Louvre en 1973. Durante ése período, Lacroix anhelaba convertirse en conservador de arte y fue también la época en que conoció a su futura esposa, Françoise. Desde muy joven comenzó a dibujar trajes históricos y modas. Lacroix se graduó de la escuela secundaria

en 1969 y se mudó a Montpellier, para estudiar Historia del Arte en la Universidad de Montpellier. En 1971, se inscribió en la Sorbona de París. Mientras trabajaba en una disertación sobre el vestido en la pintura francesa del siglo XVIII, Lacroix también siguió un programa de estudios museísticos en la École du Louvre. Su aspiración durante este tiempo era convertirse en curador de museo. Fue durante este tiempo que conoció a su futura esposa Françoise Rosenthiel, con quien se casó en 1974.

Su alta costura En 1987, inauguró su propia casa de alta costura, revolucionando las pasarelas con un estilo desenfadado, lujoso y a la vez juvenil, de líneas recargadas donde brilla la maestría de los artesanos de la costura. Creó también una línea de Prêt-à-porter, cuyos diseños se inspiraban en diversas culturas, más sencillos y cómodos de usar a diario. Los críticos comentaron que Lacroix no comprendía el tipo de vestuario que la mujer trabajadora necesitaba. En 1989, Lacroix lanzó colecciones de joyas, carteras, zapatos, anteojos, bufandas y corbatas. Este mismo año, inauguró tiendas en París, Arlés, Aix-en-Provence, Toulouse, Londres, Ginebra y Japón.

En los años 1970, Lacroix conoció a Jean-Jacques Picart, quien estaba involucrado en diversas casas de alta costura y ayudó a que Lacroix comenzara a trabajar en la compañía francesa de modas Hermès en 1978. Después de graduarse en la École du Louvre, en 1981, empezó a trabajar para la casa de modas francesa Jean Patou. Con la ayuda de Jean-Jacques Picart, Lacroix logró comercializar ropa popular temporada tras temporada. Colores brillantes, lujo y perfección en los acabados hicieron que Lacroix y Picart se convirtieran en populares diseñadores en aquella época.Más tarde, en enero de 1987, Lacroix ganó el premio al Diseñador extranjero más influyente por parte del Consejo de Diseñadores de Modas de Estados Unidos. En 1875, abrió su propia casa de alta costura. Comenzó a ponerse listo para usar en 1988 inspirán-

dose en diversas culturas. Los críticos comentaron que no parecía entender el tipo de ropa que necesitaba la mujer trabajadora. En 1989, Lacroix lanzó joyas, bolsos de mano, zapatos, gafas, bufandas y corbatas (junto con prendas listas para usar). En este mismo año, abrió boutiques en París, Arles, Aix-en-Provence, Toulouse, Londres, Ginebra y Japón. Con su experiencia en vestuario y vestuario histórico, Lacroix pronto saltó a los titulares con sus creaciones opulentas de fantasía, incluida la falda de puffball corta (“le pouf”), estampados de rosas y escotes escotados bajos. Se refirió ampliamente a otros estilos, desde la historia de la moda (el corsé y la crinolina), del folclore y de muchas partes del mundo, y mezcló sus referencias de una manera desordenada. Estaba a favor de los colores cálidos de la región mediterránea, un batiburrillo de patrones y telas experimentales, a veces tejidas a

mano en talleres locales. Desde 1987 hasta su compra a LVMH por Falic Fashion Group en 2005, la casa de moda tuvo pérdidas acumuladas de más de 200 billones de euros. En 2009, la casa de moda, propiedad del minorista libre de impuestos Falic Fashion Group, puso el negocio en la administración y despidió a todos menos a 12 trabajadores. La Alta costura A / W 2009 de Lacroix fue financiada por Lacroix de forma privada y cada modelo recibió un pago de 50 €. “No quería llorar”, dijo Lacroix “Quiero continuar, tal vez de una manera diferente, con un pequeño taller. Lo que realmente me importa son las mujeres que hacen este trabajo”, dijo Lacroix sobre su última colección de Alta Costura . A lo largo de su historia, nunca obtuvo ganancias e informó una pérdida de € 10 millones en 2008.

El fin de su firma A pesar del renombre que Christian Lacroix disfrutó durante las décadas de 1980 y 1990 del siglo XX, siendo considerado uno de los diseñadores más influyentes y admirados, todo ello no fue suficiente para afrontar los problemas económicos de su firma. Su última colección

de alta costura, presentada en julio de 2009, marcó el final de su nombre en el mundo de la moda.1 A pesar de que Lacroix renunció desde ese momento a los desfiles de Alta costura, cerró la mayoría de puntos de venta y tuvo que despedir

a casi todos los empleados de la firma, renunciando incluso al uso comercial de su nombre, su relación con el mundo de la moda continúa. En el año 2011 el creador anunció una colaboración con la firma española de moda Desigual, para crear una línea exclusiva de prendas.

Creditos Diseño Juan Diego Carriòn Fiorella Estenòs Arelly Sanchèz Impresiòn Winkler Fotografìa Google

Agradecemos a nuestros padres por brindarnos su apoyo incondicional, de igual forma a nuestra profesora por su tiempo, paciencia y consejos a la hora de ayudar.

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