Arte y Cultura
Por: Juan Felipe Ruiz Pinzon
Los 10 mejores contemporaneos
10 contemporaneos
Billy Apple Barrie Bates nació en Auckland, Nueva Zelanda en 1935. Dejó la escuela secundaria sin cualificaciones y tomó un trabajo como asistente de un fabricante de la pintura en 1951. Bates asistió a clases nocturnas en Elam School of Fine Arts (Elam Escuela de Bellas Artes), donde conoció a Robert Ellis , un graduado de la Royal College of Art en Londres.
En 1962 Bates concebido Billy Apple: se blanquea el pelo y las cejas con Lady Clairol instantánea crema látigo y cambió su nombre por el de Billy Apple. Apple tuvo su primera exposición individual en 1963 - Apple ve Roja: Live Stills - en Londres a Victor Musgrave’s Gallery One. Apple se trasladó a Nueva York en 1964: que avanzaba su carrera artística y también encontró trabajo en varias agencias de publicidad. Un acontecimiento fundamental fue la exhibición de 1964 “El Supermercado Americano”, un espectáculo celebrado en la galería Pablo Bianchini Upper East Side. El espectáculo se presenta como un entorno pequeño supermercado típico, excepto que todo en él - el producto, productos enlatados, carne, carteles en la pared, etc - fue creado por seis artistas pop prominentes de la época, incluyendo a Billy Apple, Andy Warhol, Claes Oldenburg, Tom Wesselmann, Jasper Johns, Inman María, James Rosenquist y Robert Watts. Apple fue uno de los artistas pioneros en el uso de neón en las obras de arte.2 Esto se ve en 1965 en la exhibitions Apples to Xerox and Neon Rainbows (exposiciones de
manzanas de Xerox y los arcos iris de neón), tanto en la The Bianchini Gallery. Luego, en 1967 en la Howard Wise Gallery, la exhibition Unidentified Flourecent Objects (UFOs) “exposición de objetos no identificados Flourecent (ovnis)” mostró una colección de Esculturas de luz de neón. En 1969, el artista establecido de Apple, uno de los espacios alternativos por primera vez en Nueva York en el 161 Oeste Twenty-third Street en orden, según afirmó, “para proporcionar un espacio de experimentación alternativos e independientes para la presentación de [su] propio trabajo y el trabajo de los demás”. Inicialmente, el espacio de la exposición fue parte de su propio estudio. Durante sus cuatro años Apple producido 35 obras en el lugar y organizó el trabajo de otros artistas como Geoff Hendricks, Mac Adams, Davi Det Hompson, Larry Miller y Vis Jerry. El espacio se considera tanto un espacio de exposición y un foro para el arte y el discurso.
Arte y Cultura
Fred Friedrich Fred Friedrich, (Alfred Erwin Günter,
Friedrich), ( Kreuzberg Berlín, 25 de enero de 1943) es un pintor, escultor y arquitecto alemán cuyos trabajos de arte se vinculan al Neoexpresionismo, una de las corrientes de Arte Postmoderno surgido en los años 80 (Neue Wilde), posteriormente a la Expresionismo abstracto y a la “Informela Abstraction” (Trachismus)
vivió su infancia en Wriezen a 50 km. de Berlín
PopArt and the city (2002) Durante la década de 1980, la práctica de Apple se centró en la economía del mundo del arte. La exposición Art for Sale (Arte para la venta) en la galería Peter Webb en 1980 se componía de una serie de obras de arte que fueron los ingresos reales para el pago dado a la artista. Esto se ha avanzado a una serie llamada Transactions (transacciones). Otras series importantes de trabajo que comenzó en la década de 1980 incluyen la serie de Golden.
época, fue miembro activo del movimiento estudiantil del 68. Sus primeras realizaciones pictóricas y escultóricas, siguieron sus ideas libres, se centraron en el terreno de la pintura en los años 1970. Continuo con sus trabajos artística, pero la posibilidad restringida para llevar a cabo su creación libre, decide crear en el mejor momento de su vida una nueva filosofía, moldeando su estilo y principios asociándose con el estilo del Movimiento Tachismo y con el que, partiendo de informela abstracción y con grandes movimientos de su cuerpo coloca sus obras de arte sobre el suelo creando mundos paralelos. Sus obras pasan por varias fases, con la llamada “under cover painting” y así declara “...se producen dimensiones de tiempo inmodificables e imparables que se congelan en el lienzo”. Fred Friedrich congela en el lienzo de un modo subyacente todas sus ideas. El Dr. Peter Funken escribe “...es el arte de vivir”.
huyendo de la Segunda Guerra Mundial residió en este poblado hasta el fin de la guerra traumatizado por la Posguerra.Compartió un espacio de tan sólo 14 metros cuadrados con su familia y todos contemplaban la devastada ciudad de Berlín. De entre los escombros extraían y comerciaban con chatarra para poder subsistir, así transcurrió su infancia y parte de su adolescencia. Con el deseo de reconstruir su ciudad decide estudiar Artes en Kunstakademia en Berlín. y en la “Technisume Universität” continúa en la “Plastiche Silhouettes Emerge As If From RorsGestaltung” perfeccionando la técnica de hacer eschach Test Inkblots, Por: Fred Friecultura, fue alumno de Erich F. Reuter. Procede sus drich estudios especializándose en Arquitectura en Basilea y Berlín. Debido a las repercusiones de la Segunda Guerra Mundial que irrumpió en la juventud de la
10 contemporaneos
Ivan Ladislav Galeta (9 de mayo de 1947 - 7 de enero de 2014)1 fue un artista multimedia, director de fotografía y director de cine croata. Galeta vivió en Kraj Gornji, donde realizó sus proyectos Endart, y trabajó en la Academia de Bellas Artes de Zagreb. Se graduó de la Escuela de Artes Aplicadas y Diseño (Department of Applied Graphics) (1967), en la Escuela Normal en Zagreb (1969), y en los estudios de ciencias de la pedagogía en la Facultad de Filosofía de Zagreb (1981). En los últimos años ha creado piezas de arte en Internet. Filmografía[editar] WAL(L)ZEN (1989), 35 mm Water Pulu 1869 1896(1988), 35 mm Two Times in One Space(1985), 35 mm PiRâMidas 1972-1984 (1984), 35 mm sfaira 1985-1895 (1984), 35 mm Videografía[editar]
Ivan Ladislav Galeta, Director: Water pulu 1869 1896. Ivan Ladislav Galeta was born on May 9, 1947 in Vinkovci, Croatia/Hrvatska. He was a director and .the artist is very important for the society and actually is a deep inspiration for the students in the different college of cinema and art. nace en caracas y tata pero suele hacer algo distinto al arte y al cinema y en un año como este decidio dedicarse al rte con sus obras contemporaneas y todos fueron muy felices para siempre con mafe.
TV ping-pong (1975/78) Video radovi / Video works (1977/78) Media Game 1 (1978) Drop (1979) Railway station – Amsterdam (1979) Lijnbaangracht Centrum (1979) No 1, 2,3,4 (1979)Post Card (1983)Pismo / Letter (1995)Endart No 1 (2000)Endart No 2 (2001)Endart No 3 (2003)Endart No 4 (2004). Lovro Rumiha. 2001 Por Ladislav Galeta
Arte y Cultura
Nicholas Hlobo Nicholas Hlobo (n. 1975 en Ciudad del Cabo es un artista que vive en Johannesburgo, Sudáfrica. Obtuvo su Licenciatura en Tecnología de el instituto Technikon Witwatersrand en el 2002. Su obra consiste principalmente de esculturas caracterizadas por su grande escala. Nicholas Hlobo ha desarrollado una obra distintiva que incluye materiales inusuales como liston, hule o piel para crear dibujos o esculturas táctiles. Su trabajo, esta fuertemente arraigado a la cultura Xhosa al igual que a la vida post-apartheid en Sudáfrica. Las temáticas utilizadas por el artista reflexionan sobre el idioma, la comunicación, y el genero humano. El proceso de producción es sumamente importante ya que las técnicas de desarrollo están cargadas de significado metaforico. [1] Para Hoblo, los materials tienen motivaciones particulares. Como emblema de masculinidad, por ejemplo, el hule, o en el caso de feminidad, el listón de satin. Uhambo, Tate Modern
Su trabajo ha sido mostrado en la Tate Modern de Londres Uhambo, Tate Modern; en la South African National Gallery y el Institute of Contemporary Art de Boston[2]. Ha participado en la Bienal de La Habana del 2009 y en el 2008 en la Trienal de Guangzhou. A principios del 2011 tuvo su primer exhibición personal en el National Museum of Art, Architecture and Design en Oslo, Noruega.[3] Hlobo y David Goldblatt fueron los únicos dos artistas Sudafricanos invitados por el curador Bice Curiger a exhibir su trabajo en el pabellón internacional IllU-
Minations de la Bienal de Venecia 2011. [4]
How did you come to art? Was there some kind of an epiphany?
I would say my mother. In terms of the art world, I always run away from mentioning any heroes, as my heroes have really been at home. I was raised to believe in myself and to look at myself. However, something of great inspiration for me was when I went to see the 2nd Johannesburg Biennale curated by Okwui Enwezor. language. It’s not the first time it is used; I am retelling it as though a dancer or musician, where you need to find the voice and the movement in order to fit into this big group telling the story with your own interpretation. The use of Xhosa language is about the process of trying to rediscover and understand this language. For example, if one were to ask me to go into detail about my work in Xhosa, I don’t have a good enough vocabulary. I prefer to talk about my work in English. The languages and cultures are constantly evolving. English is still very predomi know Xhosa as well as I should. From the beginning you have been using Xhosa as a language for your titles. Can you talk about it?
10 contemporaneos
Arte y Cultura
Krzysztof Wodiczko Krzysztof Wodiczko es un artista que actualmente vive en Boston y enseña en MIT. Es hijo de un director de orquesta polaco Bohdan Wodiczko, él nació el año 1943 en Varsovia, y se graduó de la Academia de Bellas Artes de Varsovia en 1968 con el grado en diseño industrial, e impartió clases en el Politécnico de Warsaw hasta 1977. Emigró ese año a Canadá para enseñar en la University de Guelph en Ontario. En 1979 dio clases en el Colegio de Artes de Ontario en Toronto y de 1977 a 1981 en el Colegio Nova Scotia de Arte y Diseño en Halifax.
que hablan de sus experiencias personales o crímenes que han sufrido, lo que permite la emisión pública de problemas que generalmente se mantienen en privado. Él ha calificado este estilo de arte como Diseño Interrogativo. Su proyección más conocida tuvo lugar en el año 1985, cuando se mostró la imagen de una esvástica en la Embajada de Sudáfrica durante una marcha de protesta en crítica del sistema de apartheid del país.
Uno de sus proyectos controvertidos fue el diseño y construcción de un vehículo especial para gente sin hogar. Krzysztof Wodiczko nació en 1943 en Warsaw, Polonia, y vivió y trabajó en Nueva York y Cambridge, Massachusetts. Desde 1980, él creó más de 70 diapositivas y proyecciones de video a gran escala -con enfoque político-, sobre las fachadas
Roy Lichtenstein Roy Fox Lichtenstein (Nueva York, 27 de octubre de 1923 – Nueva York, 29 de septiembre de 1997) fue un pintor estadounidense de arte pop, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic. Obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad Estatal de Ohio en 1949. Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1958 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles de menta, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederic Remington. A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva.
colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso. También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado, también, obras en cerámica. En 1993 el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York expuso una retrospectiva de su obra que viajó por muchos otros países.
1988-89 : Homeless Vehicle
movimiento a las previsiones y empezó a colaborar con las comunidades alrededor de los sitios de proyección elegidos, dando voz a las preocupaciones de los hasta ahora marginados y silenciosos ciudadanos que viven a la sombra de estos monumentos. Proyectando imágenes de las manos, caras o cuerpos enteros de los miembros de la comunidad sobre las fachadas arquitectónicas, y combinando estas imáWodiczko es conocido por sus más de 40 proyecciones al genes con testimonios hablados, Wodiczko altera aire libre, que han sido instaladas en más de una docenuestra comprensión tradicional de la función del na de países. Sus obras suelen ser de conciencia social y a espacio público y la arquitectura. menudo de naturaleza política. Ejemplos de éstas incluyen proyecciones sobre edificios de manos o caras de personas
Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos
En 1993 el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York expuso una retrospectiva de su obra que viajó por muchos otros países.
10 contemporaneos
Arte y Cultura
Takashi Murakami Takashi Murakami (村上 隆? Tokio, 1 de febrero de 1962) es un artista japonés contemporáneo.
Se licenció en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio obteniendo el Graduado en Nihonga (pintura tradicional japonesa). Se introduce en el arte contemporáneo en 1990 bajo la tutela del artista Masato Nakamura. En 1993 crea su álter ego Mr. DOB. Comienza entonces a ser reconocido dentro y fuera de Japón por su particular síntesis entre el arte tradicional y contemporáneo japonés y el arte pop norteamericano. A finales de la década de los noventa, se intuye una fuerte intromisión de la temática sexual en su obra.1 Empezó a ser denominado como el Andy Warhol
japonés.2 Ha hecho exposiciones en muchas partes del mundo. En mayo de 2009 expuso en el Museo Guggenheim Bilbao. Su obra abarca múltiples formas artísticas: la pintura, escultura, el diseño industrial y la moda. El 21 de junio del 2011 elaboró el doodle de Google para el solsticio de verano en el hemisferio norte y un doodle de invierno para el hemisferio sur.
Superflat 2002. por Takashi Murakami Su obra abarca múltiples formas artísticas: la pintura, escultura, el diseño industrial y la moda. El 21 de junio del 2011 elaboró el doodle de Google para el solsticio de verano en el hemisferio norte y un doodle de invierno para el hemisferio sur.
Nam June Paik Nam June Paik (20 de julio de 1932, Seúl, Sudogwon, Corea del Sur - 29 de enero de 2006, Miami, Florida, Estados Unidos
Nam June Paik (20 de julio de 1932, Seúl, Sudogwon, Corea del Sur - 29 de enero de 2006, Miami, Florida, Estados Unidos) fue un famoso compositor y videoartista surcoreano de la segunda mitad del siglo XX. Estudió música e historia del arte en la universidad de Tokio. Más tarde, en 1956, viajó a Alemania, donde estudió teoría de la música en Múnich, continuando en Colonia y en el conservatorio de Freiburgo. Trabajó en el laboratorio de investigación de música electrónica de Radio Colonia, y participó en los grupos Happening y Fluxus. Mantuvo relaciones con Yōko Ono, la futura esposa de John Lennon. The Worlds of Nam June Paik is an appreciation of
and reflection on the life and art of Nam June Paik. Paik’s journey as an artist has been truly global, and his impact on the art of video and television has been profound. To foreground the creative process that is distinctive to Paik’s artwork, it is necessary to sort through his mercurial movements, from Asia through Europe to the United States, and examine his shifting interests and the ways that individual artworks changed accordingly. It is my argument that Paik’s prolific and complex career can be read as a process grounded in his early interests in composition and performance. These would strongly shape his ideas for mediabased art at a time when the electronic moving image and media technologies were increasingly present in our daily lives. In turn, Paik’s work would have a profound and sustained impact on the media culture of the late twentieth century; his remarkable career witnessed and influenced the redefinition of broadcast television and transformation of video into an artist’s medium. n 1982, my longtime fascination with Paik’s work resulted in a retrospective exhibition that I organized for the Whitney Museum of American Art in NewYork.1 Over the ensuing years, his success and renown have grown steadily.The wide presence of the media arts in contemporary culture is in no small measure due to the power of Paik’s art and ideas.Through television projects, installations, performances, collaborations, development of new artists’ tools, writing, and teaching, he has contributed to the creation of a media culture that has expanded the definitions and languages of art making.
10 contemporaneos
Andy Warhol Andrew Warhola (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop
Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: «En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos». Esta frase de cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows. Fue personaje polémico durante su vida —algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas— y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo
XX debido a su revolucionaria obra. Su primera exposición individual fue en la galería californiana Ferusel.4 5 Era el 9 de julio de 1962 y marcó el debut del movimiento pop art en la costa oeste.6 Cuatro meses más tarde, entre el 6 y 24 de noviembre, inauguró su primera exposición en Nueva York. Exactamente en la galería Stable, propiedad de Eleanor Ward. Allí incluyó El díptico de Marilyn, 100 latas de sopa, 100 botellas de cola y 100 billetes de dólar. Y fue allí donde conoció a John Giorno, con quién después coincidiría en la primera película warholiana: Sueño (1963).
Obra por Andy Warhol.
Arte y Cultura