0apuntes literatura by Juanma Cortés Fresno

Literatura y medios de comunicación

LITERATURA Y MEDIOS DE COMUNICACIÓN APUNTES: JESÚS PONCE 2º GRADO EN PERIODISMO, UCM 1º CUATRIMESTRE, CURSO 12-13

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LITERATURA Y MEDIOS DE COMUNICACIÓN PROGRAMA 1. Público y circulación del texto literario. Texto y paratexto. Autor y proyección social del escritor/intelectual 2. El intelectual cortesano y la función del mecenazgo: sistemas de propaganda y promoción. Del manuscrito a la imprenta. 3. El escritor en los albores de la Eda Moderna. Canales y nuevas formas de difusión del producto literario. El mercado editorial europeo en los siglos XVI y XVII. 4. La industria editorial. La aparición del público de masas. La prensa como medio de publicidad, difusión y propaganda. 5. La promoción de las nuevas estéticas y la provocación en el público: banquetes, justas literarias, tertulias. 6. Los movimientos de vanguardia y su relación con el público de masas. Surrealismo y Futurismo. La literatura experimental en su relación con los nuevos medios de expresión artística (cine y fotografía). 7. La publicidad y la literatura: apropiación y rechazo del lenguaje publicitario. 8. Literatura de kiosco. Suplementos literarios en prensa. Los best-seller y los géneros de la prosa (de la novela histórica a la novela fantástica). 2-OCTUBRE-2012 1. PÚBLICO Y CIRCULACIÓN DEL TEXTO LITERARIO (ORALIDAD, CÓDICE, LIBRO IMPRESO, LIBRO DIGITAL). TEXTO Y PARATEXTO. AUTOR Y PROYECCIÓN SOCIAL DEL ESCRITOR/INTELECTUAL. PÚBLICO Y CIRCULACIÓN DEL TEXTO LITERARIO Hasta el siglo XVI-XVII la lengua de la ciencia y la cultura seguía siendo el latín. Continúa habiendo creación literaria en latín después, pero había quedado sepultada al olvido. Los autores que continúan escribiendo en latín lo hacen porque de esta manera les pueden leer más gente que si escribiesen en las lenguas vernáculas. Los autores que continúan escribiendo en latín durante los siglos XV, XVI, XVII, son considerados escritores neolatinos, y el latín que emplean se denomina humanístico. La transgresión del texto literario se realizaba mediante de la oralidad y de la escritura, a través de la tradición occidental (que será la óptica y el enfoque del curso). Sienta su base en Grecia con Homero (S. VIII a.C.), el cual está considerado el padre de la literatura occidental gracias a la Ilíada y la Odisea. La primera gran écfrasis de Occidente está en la Ilíada (la descripción del portentoso escudo de Aquiles), que sirve de modelo a las próximas écfrasis como la Ilíada de Virgilio. Tanto la Ilíada como la Odisea de Homero se tratan de epopeyas (relato o narración de hechos realizados por héroes, escrita en verso). En el caso de la Ilíada, se trata del poema más antiguo escrito en la literatura occidental.

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Cada verso de la Ilíada, de la Odisea y distintas epopeyas del latín están compuestas por dáctilos1 (-u u) que se agrupaban en 6, formando una composición en hexámetros dactílicos. El verso viene de la palabra griega ``verto´´ (cuyo significado es ``volver sobre sí mismo´´, es decir, repetición de los dáctilos, ya que con la repetición es fácil la memorización) mientras que prosa proviene de ``pro-norsa´´ (``hacia adelante´´). Estos elementos se utilizan ya que los aedos (artistas que cantaban las epopeyas acompañados de un instrumento musical, para la memorización de los poemas) y los rapsodas (artistas cantantes que componían sus propias obras) transmitían oralmente los poemas gracias a pautas nemotécnicas que les eran más fácil de memorizar. En toda epopeya había escenas-tipo2, a cada personaje de la epopeya se le atribuía un epíteto épico (Aquiles el de los pies ligeros)3. La unión de nombre y epíteto épico la encajaban en los dáctilos. Pronto se saltará de la oralidad a la escritura. Desde el punto de vista del público habrá:  

Un público instruido capaz de leer el texto, tanto oral como escrito. Un público menos instruido que solo le llegará el canto a través de la oralidad.

Otro poeta importante fue, en Roma, Virgilio (S. I a.C.), autor de la Eneida, compuesta por 12 libros, de los cuales los 6 primeros imitan el modelo de la Odisea y los 6 siguientes imitan la Ilíada. Virgilio imita a los mejores autores de epopeyas (poemas épicos) a la hora de escribir. No sólo trata de imitar a sus predecesores, sino también superarlos. Los autores de epopeyas del Renacimiento tratan de semejarse a Virgilio debido a la dificultad de leer a Homero en griego. Virgilio aparece en los tres grandes géneros de poesía:  

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Epopeya: poemas épicos que relatan o narran hechos realizados por héroes. Poesía didáctica: expone un contenido científico en verso. · En Grecia destaca Opiano, autor de Haliéntica (sobre pesca) y Cinegética (sobre caza). · En latín destacan: Virgilio con Las geórgicas y Lucrecio con “Sobre la naturaleza de las cosas” (tratado de física). Poesía bucólica: poemas amorosos de pastores. En este género también destaca Virgilio.

El texto literario se transmite a partir de los tres géneros: poesía, prosa y teatro. Estilos de Poesía: Alto: Epopeya; Medio: Poesía didáctica; Bajo: Poesía bucólica. Estilos de Prosa: Alto: Diálogo, en el que destaca Platón (Grecia) Medio: Oratoria y Bajo: Historia, donde destacan Herótodo y Lucidides (Grecia).

Dáctilo: Unidad métrica de la epopeya. Su significado era ``huellas dactilares´´. Escenas-tipo: Escenas que hay que meter sí o sí. Consecuencia de los ciclos orales. EJP. Escena famosa Ilíada: Elena de Troya con su nuevo suegro. 3 Se trataba de pautas nemotécnicas 2

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Estilos de Teatro: Alto: Tragedia, cuyos autores más importantes son Eurípides y Sófocles y Bajo: Comedia, donde destacan los mismos autores. IMITACIÓN A la hora de realizar la imitación había dos caminos: 1. Imitación simple: consiste en imitar a un solo autor. El punto de referencia es el mejor de cada género. 2. Imitación múltiple/compuesta/eclética/de diversos: es la imitación de diversos autores (ej: Eneida – Virgilio). Esto también se conoce como imitación por recopilación selectiva: consiste en imitar fragmentos de distintas obras y autores en función de los aspectos que más te interesan. Dentro de la imitación múltiple hay siempre un modelo hegemónico y, a parte, otros que se van complementando. Los géneros siempre surgen tomando como referencia otros preexistentes. El hipotexto es el texto que se imita, el punto de referencia. Es el modelo que utilizan muchos autores para escribir sus obras. Ejemplo: Estacio (latín) es el creador de las silvas; Poliziano (en el Renacimiento) retoma el género, que había sido olvidado; y Góngora con “Soledades” utiliza la silva. Los autores que continuaron escribiendo en latín en lugar de sus lenguas vernáculas, pensando que iba a seguir siendo la lengua de cultura, han caído en el olvido (aunque en la época fueron los que más éxito tuvieron, por el bilingüismo latín-lengua vernácula). El siguiente problema de escribir en latín, era en qué latín escribir. No se escribía en latín clásico, ni vulgar, ni medieval. Se usaba el latín humanístico/ renacentista (tratan de hacer renacer el latín clásico).

4-OCTUBRE-2012 ORALIDAD VS ESCRITURA. TRANSMISIÓN DEL TEXTO LITERARIO A partir del siglo XVI nace la oposición oral-escrito. El escrito podía ser manuscrito (lujo) o impreso (vulgar, novedad). En el siglo XVI, la mayoría de la población es analfabeta, los poemas que conocen es porque los han oído. También se podían conocer las novelas, ya que era habitual que se hicieran lecturas en grupo (como entretenimiento). Las personas alfabetizadas, en concreto las que estaban estudiando, tenían un códice en el que copiaban y señalaban todo lo que les llamaba la atención de una obra. Esto servía y ayudaba a la imitación. Si un autor opta por la circulación en manuscrito, está promoviendo una difusión elitista. Si por el contrario, opta por la edición impresa, promueve una difusión de masas, ya que no le lee sólo una pequeña élite. De esta manera se convierte en un autor popular. 4

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Los autores se adaptaron a distintos soportes históricos de transmisión: papiro, pergamino, papel, rollo, códice, libro impreso. Este cambio de soporte en lo que respecta al texto literario, va a ocasionar pérdidas inevitables. Cuando hablamos de soportes del texto literario nos referimos a esas primeras obras de la Antigüedad escritas 

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Papiro: Una mayor resistencia y menor degradación. Se elaboraba con las fibras de las plantas. No todas las plantas de las que procedía el papiro se daban en todas las latitudes debido a las condiciones climáticas, es decir, un problema geográfico (Egipto).4 Pergamino: Después aparecerá el pergamino, provenía de piel de animales, lo que le define como un soporte costoso y costoso. Y aunque no dependía de las condiciones climáticas, se tiene que sacrificar ganado por lo que supone pérdidas económicas.

Se calcula que sólo se conserva entre un 5 y un 8% de todas las obras correspondientes a la época griega y romana. En este primer cambio, lo más importante que ocurre y que condiciona la cultura occidental fue pasar de tener una cultura pagana o politeísta, al cristianismo, monoteísta. Las personas con posibilidad de escribir pasan a ocuparse de la copia de obras en los monasterios, pero sólo aquellas obras que la jerarquía eclesiástica permitía, ello unido a la escasez de material (no había material para pasar el papiro a pergamino). Además se da un proceso de censura o criba. Los epítones determinaban cuantos textos quedaban por copiar y cuantos se habían copiado. Eran unas ``pequeñas enciclopedias´´ que nos permitían ver que perdimos y que nos queda. 5 Por referencias indirectas sabemos lo que se ha perdido, a pesar de dicha criba. 2. EL INTELECTUAL CORTESANO Y LA FUNCIÓN DEL MECENAZGO: SISTEMAS DE PROPAGANDA Y PROMOCIÓN. DEL MANUSCRITO A LA IMPRENTA. La revolución principal en la transmisión del texto literario, es una mayor difusión y evolución en los materiales gracias a la invención de la imprenta. Una vez llegado dicho avance tecnológico a la Europa Occidental, sucede que los diferentes Estados van a tener que regular este nuevo producto. Algo que hoy en día se entiende perfectamente comparándolo con la aparición de internet y los nuevos soportes. La imprenta cambia el panorama cultural a partir del S.XVI en Europa. Comenzamos a manejar los términos de texto y paratexto( Ej. El Peregrino en su patria, Lope de Vega).

Se mantienen los papiros de Oxirinco, descubiertos en el interior de una momia.

La transmisión del texto literario es a veces curiosa, no sabemos lo qué perdimos, sin embargo la arqueología nos ayuda a conocer el proceso de momificación gracias a textos que se han podido recuperar gracias a la arqueología.

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PARATEXTO El paratexto es aquello por lo cual un texto se erige en libro y se presenta como tal a los lectores y más en general, al público. Son los elementos textuales que rodean al texto literario. Forma parte del proceso editorial. Los paratextos nos informan de una serie de detalles que transforma un texto literario en un verdadero libro. Dentro del esquema general de comunicación (pero más complicado) tendríamos: autor o escritor (emisor)-texto literario (mensaje)-lector (receptor). PARTES PARATEXTO Paratexto inicial: 1. Portada: contenía el título. 2. Tasa: consiste en fijar el precio. Tiene que aparecer fechada y con firma del secretario real. Estipula el precio. 3. Privilegio: documento o permiso que el rey concede al autor para disfrutar de privilegios. Solía de ser de 10 años. Derechos sobre el precio. 4. Aprobación: lo que hoy denominamos censura.6 5. Dedicatoria: puede ser al mecenas o al 2º mecenas. Entorno cultural (escritores) y social (aristocracia) con la que se codea el autor. 6. Versos de elogio. ¿Quién y cómo te rodea? 7. Prólogo: presentación del texto.7 Texto en sí mismo Paratexto final: 1. Colofón: explica donde y cuando se acabó de imprimir, además de los talleres. 2. Fe de erratas. Desde el primer paso, el manuscrito autógrafo8 hasta su llegada a la imprenta, había una serie de procesos burocráticos que permitía o no que el mismo se convirtiese en libro. A través de la censura se podía decidir si este sería modificado o incluso la prohibición de la publicación del libro. Una autoridad doble: civil y eclesiástica. En el caso específico de España, este proceso se reguló por la denominada “Pragmática de 1558” que instauró la práctica del control de ese producto cultural por parte de las autoridades competentes. Se empiezan a publicar también grandes tomos que se conocen

Esta primeros 4 puntos dependían de las distintas autoridades. Los 3 siguientes eran elaborados por el autor. 8 Autor-escritor crea el texto literario. 7

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como el Index Librorum Prohibitorum ((ILP)9, prohibiendo tanto la lectura como la posesión de los títulos incluidos en dicho índice (ej: Lazarillo de Tormes aparece en dicha obra). La consecuencia es la aparición de las Ediciones Piratas, aquellas que escapan al control de esa autoridad civil o eclesiástica. En la España del S.XVI con Felipe II, existe una monarquía plurinacional, por lo que cada región integrante tiene su propia legislación que afecta también al libro. En la Corona de Castilla dicha normativa era más férrea que en otras Coronas como la de Aragón, una situación de la que estas ediciones muchos impresores aprovechaban para viajar de Castilla a Aragón y esquivar así las ilegalizaciones de las autoridades. A partir de la 2º mitad del S.XVI, los grandes centros de la imprenta Europea se encontraban en Lyon (Francia), Amberes (Bélgica) y Venecia (Italia), que ignoran la normativa de la Corona de Castilla, con un tráfico clandestino de libros. Muchos libros eran impresos en estos estados para el tráfico de libros (libros que se traían de forma clandestina). Incluso dentro de las casas se ocultaban libros. La inquisición daba permiso para traer libros del índice. La censura eclesiástica y la civil se encargaron de la regulación. Esta autoridad, además de decidir la circulación del libro, también decidía la tasa o valoración del mismo.10 El libro puede generar beneficios o riqueza para el autor y al librero/impresor (editor). Sobre esto, el Estado además concederá el llamado privilegio de impresión, al autor o editor, lo que hoy llamamos los derechos de autor gracias a la transacción económica que haya recibido el libro. Existen paratextos iniciales y finales, son procesos que llevan a que un manuscrito haya llegado a convertirse en un libro impreso. En el paratexto inicial, cada libro tiene su portada, con título e información adicional. Al abrir el libro lo primero que aparece es la tasa, documento oficial y legal que certifica la venta del libro y el precio al que se debe vender. El siguiente paratexto es la suma de privilegios11, donde en el siglo XVI tenían derecho de impresión de una duración de 10 años; si un libro había tenido mucho éxito, el autor pedía a la Corona otro privilegio para seguir vendiendo durante más años. El siguiente paratexto es la aprobación, que certifica que el libro ha superado la censura. Dado que su contenido no ofendía a la institución eclesiástica Para que un libro se imprimiera en el Antiguo Régimen, un librero no se ponía en juego a vender un libro que no sabía si se iba a vender: los autores se buscaban otras formas de hacer llegar sus libros a los lectores. Recurren al mecenazgo, un método rudimentario de publicidad, por el que un aristócrata paga al librero para que venda los libros. A cambio, la familia

Eran catálogos de libros que por algún motivo confidencial bien porque atentarán contra el rey o contra la iglesia, se prohibía tanto la lectura como la posesión de dicho libro, incluso se podía entrar en las casas y si se tenía alguno de esos libros, se podía llevar a la carcel 10 La tasación dependerá de la extensión, formato… 11 El permiso concedido al autor para comercializar dicho libro.

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nobiliaria aparece representada en la portada mediante un escudo o en la dedicatoria del autor en el paratexto inicial. La dedicatoria es en ocasiones a la familia real o miembros importantes de la nobleza. El escritor de finales del siglo XVI y principios del XVII vivía en absoluta miseria dado que su actividad literaria no le reportaba ganancias suficientes. Quizá sea Lope de Vega uno de los primeros en ser capaz de vivir holgadamente gracias a sus obras, llegando a ser incluso Secretario del Duque de Sesse. Razón por la que su epistolario se conserva en buena parte. La dedicatoria no depende de la burocracia, sino que depende del autor y responde a ambiciones del mecenazgo. Los versos de elogio muestran el apoyo a nivel de entorno cultural. Daban un gran significado a los libros, ya que sumaban o restaban importancia al libro. Su importancia reside en la revelación de miembros de la aristocracia relacionados con el autor. La estrategia es la presentación a la sociedad. Los versos de elogio como paratexto eran totalmente necesarios para conseguir la impresión del libro, de tal manera que el autor podría llegar incluso a inventárselos (como es el caso de Cervantes en El Quijote, dado que su falta de popularidad entre el resto de literatos de la época no le permitía obtener de mano de los mismos, versos de elogio para su obra maestra). Aparecen en los preliminares elogiando al autor y a su obra, como una carta de presentación que acredita el éxito de la misma. Es decir, una estrategia social del autor. El prólogo son unas páginas que compone el autor en las que se autodefine y resume la obra ofreciendo de qué trata y el objeto de la misma. 9-OCTUBRE-2012 3. EL ESCRITOR EN LOS ALBORES DE LA EDAD MODERNA. CANALES Y NUEVAS FORMAS DE DIFUSIÓN DEL PRODUCTO LITERARIO. EL MERCADO EDITORIAL EUROPEO EN LOS SIGLOS XVI Y XVII. DEL TEXTO AL LIBRO Grandes autores del S.XVII en poesía 12 - Conde de Villamediana - Conde de Salinas - Príncipe de Esquilache - Marqués de San Felices En Italia surgen las Academias, punto de encuentro principal para la difusión de ideas. También se consideraba una diversión. En Valencia se creó una academia llamada Academia de los Nocturnos cuyas actas ocupan cuatro columnas.

Todos ellos pertenecientes a la aristocracia.

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Distintos elementos paratextuales dan indicios que partiendo del texto se observan en el libro impreso. Hay poemas cortos llamados epigramas (soneto, décima, doble redondilla). La pragmática del discurso literario es el estudio de la acción y características de cada ‘yo’ literario. Los epigramas eran poesías breves. Los versos de elogio son en verdad epigramas. Tres formas de epigramas son los sonetos, la décima y la doble redondilla. LOPE DE VEGA Lope tiene la aspiración de conseguir el puesto de cronista real. Este cargo lo habían ostentado hombres como Pedro de Valencia, Luis Cabrera de Córdoba y José Pellicer de Salas y Tovar. Todos ellos tienen en común que son muy cultos y que pertenecen a la nobleza o son cercanos a ella. Para ser cronista real, en primer lugar te exigían tener un título universitario. El cronista además tiene que ser intachable tanto en su moral como en su reputación. Tiene que ser muy brillante intelectualmente y si además es aristócrata mucho mejor. Finalmente como no consigue el puesto, se lo dan a Pellicer, y Lope se dedica a criticarlo. Lope no lo consigue porque: 1. Lope tiene éxito en géneros masivos, es decir, no tiene prestigio intelectual. 2. Era sacerdote, vivía amancebado con la mujer de otro y además, tenía muchos amoríos y numerosos hijos bastardos. Es decir, no era en absoluto moralmente intachable. 3. Era hijo de un tejedor, por lo que no era aristócrata. Lope de Vega es el primer profesional escritor que consigue vivir de sus ventas. Fue secretario del duque de Sessa. Los secretarios de aquella época, se dedicaban a la escritura y a escribir las cartas personales. Se dedicó como segunda profesión a ser secretario ya que tenía muchos gastos que mantener. OBRA ÉPICA: Lope da cuatro poemas épicos, abandonando todas las posibles variaciones de la epopeya. De tema histórico y contemporáneo. En sus once años de actividad literato, Lope de Vega deja una herencia de cuatro poemas épicos, capaces de cubrir todos los subgéneros literarios.   

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1598: La Dragontea. Temática histórico-nacional contemporánea. 1599: El Isidro. De tema religioso. Poema épico. Epopeya sacra. 1602: La hermosura de Angélica. Epopeya romance, poema épico ‘romanzi’ basada en otros ‘romanzi’ como Orlando Inamorato de Borardo o Orlando furioso de Ludovico Ariosto. 1609: La Jerusalén conquistada.. Epopeya trágica, basada en La Gerusalemme liberata de Torquato Tasso.

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OBRA LÍRICA En lírica destacan también sus rimas como La Filomena o La Circe. OBRA NARRATIVA:      

En prosa, su producción fue incluso más extensa con: 1598: La Arcadia de tema pastoril. 1604: El peregrino en su patria. 1612: Pastores de Belén con tema pastoril y religioso. 1621-1623: Novelas a Marcia Leonarda. Colección de relatos breves. 1632: La Dorotea.

TEATRO Se le atribuyen a Lope de Vega varios centenares de comedias. En el paratexto de El peregrino y su patria, Lope anuncia un centenar de comedias que han sido escritas por él y acusa de piratería a su publicación por otras personas. GÓNGORA (1561-1627) VS LOPE DE VEGA (1562-1635) Góngora pertenece a lo que se llama “nobleza de toga”. Vivió en un ambiente con posibilidades y estuvo en contacto con los libros. Lope de Vega no se mueve en un ámbito letrado, pero tiene una capacidad innata para escribir. Góngora no escribía por necesidad económica. Pero Lope vivía de lo que escribía. Se le puede considerar el primer autor profesional de España. Es el primer autor que explota su propia imagen. Góngora eligió el MANUSCRITO (se restringe a un pequeño público, muy culto y con posibilidades, no escribe por dinero). Lope elige IMPRESO (es el primer autor que se lucra con sus escritos, escribe para un público más sencillo y con menos formación). El propio soporte presenta una estrategia social del autor. Lope aspiraba a convertirse en el rey de la poesía del siglo XVII. Sin embargo, las acusaciones divulgadas por Góngora a través de sus sonetos satíricos acerca de las epopeyas del autor, dejaron alguna que otra sombra que impidió este reinado literario. Existía un gran competitividad entre los autores de la época (quizá la mayor de la historia). Para convertirse en el mejor autor nacional se consideraba necesario escribir epopeyas. El prestigio literario de la época se jugaba en la poesía épica, epopeya. Lope de Vega compone hasta 4, una de cada género, convirtiéndose así en el mejor autor de epopeyas. A medida que Lope va publicando sus epopeyas, Góngora le dedica un soneto satírico, crítico hacia Lope y también hacia sus seguidores. Estos sonetos los difunde sin poner su nombre, para no ser acusado de difamación. Sin embargo, por la calidad de los sonetos se sabía que era de Góngora.

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ANEXO 1 13 La portada de “El peregrino en su patria” es un emblema compuesto por el inscripto, el imago y el suscripto. Dentro de los retratos también pueden aparecer textos: desde textos pequeños como filactelias (bandas horizontales del cartel escritas en latín, pág. 147), hasta poemas enteros incluidos en el retrato. Lope ofrece en estos retratos una imagen de alguien compungido por unos ataques y críticas. La calavera con la corona de laurel tacha de la muerte de un poeta. La reputación se reconocía después de la muerte (‘hic tutior i fama’ -aquí está más segura la reputación-) En el grabado de la pág. 148 se observa un busto de Lope rodeado de un arco de triunfo, significando que el escritor es digno de la consagración del triunfo, al igual que los emperadores de la época grecolatina. En el grabado de la pág. 149, los ‘Libros de Retratos’, cuyo formato son libros en los que en cada página aparece un retrato acompañado del nombre del retratado, el grabado, algún verso y un epigrama de la figura. Ejemplo: Paulo Giovio. El retratado en este ejemplo, Francisco Pacheco, suegro de Velázquez, fundó una academia en Sevilla y fue un pintor novelista de renombre. En el grabado de la pág. 151, Lope está condecorado con la Cruz de Malta, símbolo de rango que da superioridad al escritor. EMBLEMAS: en los inicios de la Edad Moderna, y gracias a la imprenta, surge este nuevo género. 11-OCTUBRE-2012 En el S.VIII a.C. en la cultura griega se considera que Homero tenía un poder inalcanzable. La grandeza de la Ilíada y de la Odisea era imposible superarla. Cuatro siglos después, Apolonio de Rodas (discípulo de Calímaco) quiere convertirse en gran poeta. Se entendía que había que llegar al nivel de Homero, respetarlo y componer un poema con diversos versos con el estilo de Homero pero con versos adornados. Así, se produce el gran momento de Eurípides y Euricles cuyos textos los leyó Apolonio. Diferencia epopeya de Homero-epopeya arcaica: se mezclan con tragedias. Apolonio apuesta por el tema guerrero (argonáuticos). Enriquece el modelo de Homero con pasajes que son eco de determinados poemas líricos. Calímaco afirma que si alguien quiere escribir el poema magno de su tiempo es imposible tratar de superar a Homero compitiendo con él con la epopeya extensa. Calímaco crea un género nuevo llamado epilio, participa de rasgos de la epopeya porque los protagonistas del epilio son personajes de la mitología. Trata el tema del amor. Epilio: poema épico en

Poesía y edición en el siglo de Oro.

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minuatura que frente a la gran epopeya se le concede una importancia capital al tema amoroso. Frente a la gran epopeya va a tener un carácter más descriptivo. Ante el modelo de Homero se extiende la propuesta de Calímaco (el cual, triunfa) y la de Apolonio. En la España Barroca sucede algo parecido ya que hay una obra magnífica como la de Torquato Tasso. Lope expuso que se siguiera componiendo la epopeya extensa. Góngora propuso resucitar el epilio. Décadas antes de Lope, surgió un género nuevo gracias a los avances (imprenta y grabado) de forma que Andrea Alciato (año 1531) da a la prensa una obra que se llama "Emblemantum Liber" (Libro Emblema) por primera vez hay un documento textual y visual que refuerza el esfuerzo memotécnico. La mayoría son de contenido moral o didáctico. Precisamente en este género, la epopeya, sería importante destacar a Calímaco, creador del llamado epilio (epos y idilio). Un género con rasgos epopéyicos como la métrica o los personajes, aunque más descriptivo que narrativo. Se rompe así con la tradición homérica, volviéndose un género muy exitoso. A lo largo del Siglo de Oro, Lope sigue apostando por el modelo continuista y utiliza nuevamente epopeyas extensas. Será Góngora quien resucite el epilio, lo que le lanzó al éxito más alto de la literatura del siglo XVII. ANEXO 214 Esta nueva novela en la que Lope ensaya la novela bizantina o de aventuras –con la peculiaridad de que todas ellas se desarrollan dentro de España– vio la luz en Sevilla a principios de 1604. Tuvo un éxito inmediato (hay dos impresiones madrileñas y otras dos barcelonesas de 1604 y 1605, otra de Bruselas de 1608 y una nueva edición revisada de Madrid, 1618). El peregrino en su patria no presenta la riqueza poética de la Arcadia. No porque el número de versos intercalados sea menor, sino porque muchos de ellos son dramáticos: cuatro autos sacramentales, con sus loas, prólogos, canciones. Entre los treinta y tantos poemas que introdujo en el relato bizantino no hay mucho que destacar. 4. LA INDUSTRIA EDITORIAL. LA APARICIÓN DEL PÚBLICO DE MASAS. LA PRENSA COMO MEDIO DE PUBLICIDAD, DIFUSIÓN Y PROPAGANDA. 16-OCTUBRE-2012 Se produce la caída del Antiguo Régimen y surge la nueva clase. En esta época nace el periodismo, pero la prensa es muy distinta a la actual. En los periódicos aparecen textos literarios, en concreto, las novelas por entrega. La corriente literaria que surge es el ROMANTICISMO: por primera vez se busca la originalidad. No se van a respetar las normas de la tradición literaria. Esto supone una ruptura revolucionaria de los procesos de imitación. 14

Paratexto: El Peregrino en su patria. Pautas para comprender el prólogo de ``El Peregrino en su Patria´´.

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También surge un movimiento antiromántico, el PARNASIANISMO (Francia): Surge como respuesta a los postulados del romanticismo. Los poetas parnasianos promueven nuevos postulados estéticos. En el marco de una década llegan a publicar 3 antologías (1866, 71, 76) (ej. La parnasse contemporaine). En el seno del movimiento parnasiano se produce una escisión. Por un lado, están los que mantienen los mismos postulados estéticos. Por otro lado, surge el SIMBOLISMO, entre aquellos poetas más apegados a Mallarme (poeta más alejado de los postulados del parnasianismo).

1. Originalidad: -Romanticismo: buscan la experimentación, la originalidad. -Parnasianismo: de originalidad nada. Consideran que la forma perfecta ya existe, y por tanto hay que continuar imitándola. La composición favorita de los poetas parnasianos es el soneto: 14 versos, rima asonante, ABBA, ABBA, CDC, DCD. *En los sonetos españoles suelen aparecer tercetos encadenados (CDC, DCD). En los tercetos españoles no sólo hay 2 rimas, sino 3 (CDE, CDE)

2. Exotismo: -Los románticos tienen una atracción especial por recrear épocas pasadas (exotismo). El exotismo puede ser en el tiempo o en el espacio. -La importancia que se le concede al exotismo si va a pasar al parnasianismo. Los parnasianos, uno de los primeros tiempos que van a recordar es la Corte de Versalles en el siglo XVIII (hay que recordar que el parnasianismo es un movimiento francés) Además, también evocan la antigüedad griega, romana y el renacimiento. También les interesa el arte de la época, por ejemplo, exaltan a algunos pintores. *“El arte por el arte” → el fin único del artista es crear arte. No se supedita a la moral, la economía o la política. Sólo hay que crear belleza. Esmaltes y camafeos de Theophile Gartier (poeta parnasiano), va a ser como una especia de biblia para todos los autores jóvenes del parnasianismo. Exotismo en el espacio (Oriente): este exotismo nace en el romanticismo pero alcanza su máximo esplendor en el parnasianismo. 18-OCTUBRE-2012 En las artes plásticas, proviene de la realización de la centauromaquia, en Grecia. Debido al expolio, el patrimonio artístico griego se ha perdido en buena parte, y en otra, se ha debilitado enormemente. En época antigua, también se trató de manera pictórica, en los frescos pompeyanos. El legado de los mismos es importante dado que, posteriormente, en la segunda mitad del S.XIX Gustave Moreau, recuperará dichas obras.

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ÉCFRASIS: descripción literaria de una obra de arte visual. También nos podemos encontrar con una descripción de una obra de arte que no exista. Obra de arte (intertexto artístico) ↓ Texto literario → Écfrasis

EL PAPEL DEL MITO EN LA LITERATURA UNIVERSAL El centauro. En el mundo griego, el origen de los centauros se asocia a un espacio natural, Tessalia, donde están las cumbres más altas de Grecia. Su origen se asocia a una irresistible pulsión concupiscente o deseo. Uno de los orígenes es la historia de Ixión, rey centauro que viola a la nube Néfele y tienen hijos ixiónidas (descendientes de Ixión, centauros) o nubígenas (nacidos de la nube). Desde su propio origen, los centauros están asociados a la naturaleza, son fuertes y caracterizados por su incontinencia (fáciles presas de la lujuria y la lascivia). En la cultura grecolatina hay varios episodios míticos de los centauros. Otro de los orígenes de los centauros es el de la unión de Cronos con la ninfa oceánide Filira, de cuya unión nace Quirón, un centauro sabio. Este relato diverge en varias versiones: una de ellas negativa: que Cronos se convirtió en caballo para violar a Filira. Quirón tuvo importantes discípulos como Hércules, Aquiles, Esculapio y Jasón, aprendiendo todos estos de Quirón el arte de la música, la guerra, la caza, la moral y la medicina. Otro centauro bueno y sabio fue Folo, hijo de los amores de Sileno y de una ninfa de los fresnos. En el Partenón se representa la centauromaquía: el hijo de Ixión, el príncipe Pirítoo se casa con Hipodamia, y en la boda los hermanastros del príncipe se emborrachan y tratan de raptar a las doncellas, iniciándose la primera gran batalla de la centauromaquía, la historia de la Metamorfosis de Ovidio. Este episodio es uno de los núcleos principales del tema centauresco. 23-OCTUBRE-12 ICONOLOGÍA DE LOS CENTAUROS Fideas esculpió centauros en el Partenón. Jacques Carrey (XVII) viaja a Grecia y copia los dibujos de los centauros. Las copias terminan en la Biblioteca Nacional de Francia. Después, otros pintores como Eugène Fromentin copian los dibujos de Carrey. Centauromaquía de Fideas: ¿Cómo son los relieves del Partenón? - Un Centauro luchando contra un Lápitos: se refleja una lucha entre la barbarie y la civilización → Centauros (aspecto descuidado), Lápitos (aspecto cuidado). En cada escena, los personajes son distintos, por lo que cada imagen pertenece a una secuencia diferente. Centauromaquia en Olimpia:

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- La diferencia con la de Fideas es que además de los combatientes, aparecen las mujeres a las que quieren raptar. Más centauros: frescos que se conservan de Pompeya y Herculano. Todo esto es un ejemplo de que el arte antiguo se va renovando a partir de las antiguas copias. LAS ICONES (libro) - FILÓSTRATO La primera edición con grabados es de 1609, pero Las Icones ya circulaban sin grabado desde antes. Se habla de la pervivencia del mundo antiguo. No quedan apenas imágenes de cuadros porque se pintaban sobre tablas de madera que no perduraban en el tiempo. Por la écfrasis se conocen cómo debieron ser algunos cuadros. Grabado de centauros: Quirón (centauro) aparece en el grabado dándole una manzana y un panal a un niño. En la obra aparece que Quirón es el que cría al niño, que es Aquiles. Quirón lleva una lira sobre el hombro izquierdo, en el grabado se respeta lo que se describe en el libro. Sin embargo, en el grabado no se respeta que Quirón tenga las patas traseras dobladas para estar a la altura de Aquiles, como dice en el libro. Sólo a través del texto literario podemos averiguar qué es lo que Quirón le dice a Aquiles en la parte que aparece representada en el grabado. La pintura es poesía muda, la poesía es pintura que habla (Simónides de Ceos) Pero la pintura puede dejar de ser ``muda´´ si aparecen filactelias o cartelas. La bacanal de los Andrios de Tizziano pertenece al libro Icones. Al igual que La ofrenda a Venus. En “La calumnia de Apeles” aparecen relieves en el que se ve una imagen de centauros (una familia de centauros con un cachorro de león); esa imagen se conoce como La Centauresa, que está escrito también en Icones. Al igual que La crianza de Aquiles (en el que aparece Quirón). Imagen reproducida también por Rubens.

LAS CENTAURESAS En el grabado: aparece una centauresa amamantando a dos centaurillos. Hay un muro por el que asoma un centauro (padre) con un cachorro de león en las manos. Se lo lleva como regalo a sus hijos, aunque también parece que los esté asustando. Aparecen centauros (parejas) al fondo → autor del grabado: Laron. En el texto: el autor describe en el texto literario la escena que aparece en el grabado. Según la descripción del autor en la escena aparecen muchos más centauros de los que hay en el grabado. Zeuxis fue el mejor pintor de la Grecia clásica. Todas sus obras están perdidas. A través de los distintos grabados de “Las centauresas”, los distintos grabadores han intentado reproducir esta obra perdida de Zeuxis.

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Eugenie Fromentin  Orientalismo Gustave Mureau: Arquetipos, centauro. Míticos. Andrógino. Odilom Redon: Auburtin (1866-1930): La gata real, 1911 y Fluodificación. TRADICCIÓN PICTÓRICA ALEMANA Armand Böcken15: Centauro en la franja de la aldea, Lucha de los centauros: no tiene que ver con el mito clásico, los centauros combaten entre sí. ARTISTA PLÁSTICO (Artistas de la selección Mun) Van Stuck: Niño con alas, Mujer (centauro detrás tirando flechas). A partir de la segunda mitad del S.XIX, a partir del movimiento simbolista en pintura, se desarrollará una poesía relacionada con el mito del centauro en la que se reflejará compistencia, sensualidad, lujuria, erotismo relacionado con violencia y lucha en paisajes de naturaleza. Lista obras (centauros) poesía parnasiana (SEGUNDA MITAD S.XIX): 1. Alphonse Rabbe, Le centaure (1835) -Texto en prosa. 12 estampas breves. 2. Maurice de Guérin, Le centaure (1840) -Maurice de G. publica en 1840, en una revista (Revue des deux Mondes), este texto en prosa poética sobre los centauros. El texto se publica tras su muerte, por lo que la obra quedó incompleta. El autor plantea lo masculino (centauro), lo femenino (la “bacanta”, de Baco) y lo andrógeno. Se trata de un monólogo dramático. La historia es contada por el propio centauro; es decir el yo lírico no coincide con el autor del poema. Entre 1834-37, Maurice de G. tenía por costumbre ir al Louvre a reflexionar y escribir sobre cuadros. 3. Leconte de Lisle, Khyron (1847-1852) Leconte de Lisle es un poeta parnasiano (pertenece a los neoparnasianos). El poema de Khyron es un poema muy erudito. Para hacerlo se fija en poemas anteriores: “Las Argonáuticas” (Apolonio de Rodas), “La Gigantomaquia” (Ovidio), “El Centauro” (Maurice de Guérin). -El poema de Leconte de Lisle está dividido en 4 partes (531 versos) 4. Amand Silvestre (1838-1901), Nessus et Déjanire -El autor publica dos sonetos: una versión de lo masculino y otra de lo femenino (influencia clara de Alphonse de Robbe). 5. José María de Heredia, Los Trofeos: 1) Néssus, 2) Le Centaurese, 3) Centaures et Lupithes, 4) Furte de Centaures. 15

Pintor favorito de Adolf Hitler.

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6. Maurice de Plessis (1851-1992), Ode aux Graces et Diane Average: monólogo dramático. 7. Henri de Régnier (1864-1936), ¿Déjauree?: Poema extenso.16 8. ¿Gondrele D´Armand (1865-1938), La monte del covo? ANTOLOGÍA → Revista de Dos mundos CREADOR AMBIDIESTRO Eugene Fromentin (Oriental, Centauros) Jules Breton (Paisaje vida campestre) CRÍTICA DE ARTE (en prensa) Les Salons:  Baudelaire (poesía, caricatura, dibujo)  Huysmans

En la segunda mitad del XIX, el conjunto de artistas que desarrolló de manera más brillante los centauros fue el Academcismo Solemne del Ochocientos, artistas conocidos por la corriente del Art Pompier, con una base académica muy sólida (estos artistas enfocan por la solemnidad, seriedad y rigurosidad del siglo XIX). El pintor y literato Eugène Fromentin fue unos de los principales artistas pertenecientes a esta corriente mencionada. Como uno de los rasgos definitorios de los artistas del XIX era una exposición anual de los mejores cuadros, llamada Salons de XXX. Baudelaire publica varias reseñas de Salons, críticas de cada cuadro en periódicos de la época. El novelista Huysmans también fue uno de los asistentes a Salons e incluye en sus obras literarios lo más significativo que ha observado en cada Salons, además de en las colaboraciones que hacía en periódicos. Cuando esta práctica ya se había asentado, jóvenes pintores crearon el Salons de los rechazados (aquellos que no eran aceptados en los Salons oficiales) y es en éstos donde van a aparecer tendencias innovadoras que no eran suficientes para la época, pero que en el futuro formaron la élite de la tendencia del momento. MOVIMIENTO PARNASIANO El movimiento parnasiano surge como relevancia al romanticismo. El movimiento parnasiano mezcla el arte del soneto con el arte de la pintura. (Ej. A. Heredia en El prisionero: descripción de un cuadro de Géröne) Surge como reacción ante los excesos del romanticismo. Las características del parnasianismo son:  Creador ambidiestro: metáfora que hace referencia a una serie de artistas que pueden alcanzar un nivel casi de perfección en varias disciplinas. Un ejemplo es Eugéne Fromentin: da a conocer varios de sus poemas en antologías parnasianas. También es pintor, orientalista. Aborda los mismos temas en sus pinturas que en sus poesías (oriental, centauros).  Crítica de arte: no estaba tan compartimentada como en la actualidad, es decir, se centraba en el arte en general. Consideraban que la mejor crítica de un cuadro se expresaba en sonetos y elegías → esto se debe al gusto del parnasianismo por la perfección formal. Los sonetos y las elegías son las formas más perfectas. Los parnasianos huyen del experimentalismo. 16

Casi todos los poemas antes de recogerlos en una sola obra, su difusión era a través de la prensa y revistas.

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   

El control racional de la obra. La recuperación de temas clásicos. El cultivo como pocos del arte del soneto. Especial mención del monólogo dramático: soneto en primera persona con un ‘yo’ fingido, y cuyo personaje protagonista titula el soneto.

El parnasianismo reaviva la Selección de Poemas para alcanzar una difusión mayor a través de la antología: Le Parnasse Contemporaur, que se realizará en tres entregas: o

1.866: 1ª Entrega, 1871: 2ª Entrega, 1876 3ª Entrega.

El movimiento parnasiano sufrió una escisión en 187617, cuando se estaba realizando la tercera antología. Muchos poetas parnasianos utilizaban como canal de difusión la Revista Dos Mundos. Especial mención del monólogo dramático: soneto en primera persona con un ‘yo’ fingido, y cuyo personaje protagonista titula el soneto. ANEXO 318 LOS TROFEOS, JOSÉ MARÍA DE HEREDIA (parnasiano)

El momento cumbre del tema de los centauros en la literatura francesa llega con esta obra, que está dividida en cuatro sonetos: 1. Neso: monólogo dramático donde Neso (centauro) habla de cómo ha pasado su juventud. Pero también habla de algo que le acaba de pasar; se ha enamorado de la mujer de Hércules. Maldice a Cupido (responsable el amor en la tradición latina) o a Eros (por ser el dios del amor en la tradición griega). En la última parte del soneto se pone de manifiesto su naturaleza híbrida. Estructura adversativa. Lujuria del centauro. 2. La centauresa: el yo lírico en el poema es una centauresa. Evoca un momento feliz en el que los centauros y las centauresas galopaban juntos. Las palabras de la centauresa son de queja, se lamenta de que ahora los centauros se fijen más en las humanas que en ellas. Su raza se está extinguiendo. Deseo de la hembra de los centauros. En el 1º soneto el centauro es conocido, sin embargo, la centauresa no es un nombre propio: tradición en los orígenes míticos, acto seguido es lo que ella diga es como una portavoz. Sentido triste: Habla de una queja de que los centauros la repelen porque sienten más atracción por las mujeres mortales y las centauresas se están extinguiendo. También se queja de la animalidad de ella, para satisfacer sus necesidades deber aparearse con el caballo. Político: Díptico (Masculino y fenemino, 1 y 2) y Díptico sucesión (relato tradicional, 3 y 4)

1717

En el 75 habrá una discusión en núcleo del parnasianismo. Habrá una ruptura de los parnasianos: simbolismo y parnasianismo. 18 Fotocopias: Los trofeos, Jose Mª Heredia.

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3. Centauras y Lápitas: en este soneto no hay yo lírico. Tiene valor narrativo, y el narrador omnisciente. Habla del rapto de la mujer de Hércules y de la muerte de Neso. El soneto se configura como un relato. Metamorfosis de Ovidio. Perífrasis. Miedo. 4. Fuga o huida de centauros: Los pocos centauros que sobreviven a la batalla huyeron. Sonetos bipartidos. Miedo. El poeta: Perfil (pinceladas efectivas) montañoso (paisaje nocturno, deslumbrante luna llena): se reconta el centauro. 25-OCTUBRE-2012

TRATAMIENTO DEL CENTAURO, EN POESÍA DE LENGUA CASTELLANA RUBÉN DARÍO: Palimpsesto y El coloquio de los centauros FERNANDO LÓPEZ MARTÍN: Diana cazadora RUBÉN DARÍO, MODERNISMO (FINALES DEL S.XIX) El modernismo es una actitud vital de rebeldía y renovación que alcanza la política, la religión y la estética. Supone una actitud de rechazo al entorno y a las normas sociales y morales. El mote ``modernistas´´ era lanzado con matiz despectivo, sin embargo, hacia 1980 Rubén Darío y otros asumen con un insolente orgullo tal designación. La literatura modernista combinaba diversas influencias:  De los románticos recoge la actitud de rechazo de la realidad y el deseo de evasión. Preferencia de las ambientaciones decadentes.  De la poesía francesa a través de dos tendencias: o Parnasianismo: Pretende la perfección y la brillantez. El arte por el arte. Esteticismo. o Simbolismo: Aparece como un rechazo al parnasianismo, pretende transmitir los sentimientos del poeta a través de símbolos. Poesía intimista: pretende captar las correspondencias entre el alma y el paisaje. En Francia se han distinguido muy bien los distintos autores: poetas malditos, parnasianismo y simbolismo. 19 Rubén Darío (1867 - 1916), fue un poeta nicaragüense, máximo representante del modernismo literario en lengua española. Es posiblemente el poeta que ha tenido una mayor y más duradera influencia en la poesía del siglo XX en el ámbito hispánico. Es llamado príncipe de las letras castellanas. Dámaso Alonso (pertenece a la generación del 27) afirmó que gracias a la importancia de Rubén Darío entraron cien años de poesía francesa en la poesía española. Darío fue embajador de las líricas francesas en letras españolas.

Es curioso como en la filología hispánica no se haya llevado a cabo está división como en Francia. Todos fueron tachados de modernistas.

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Los poetas malditos franceses desde el siglo XIX hasta la actualidad son Baudelaire20, Verlaine (el más influyente entre los poetas modernistas españoles)21, Rimbaud. Se les denomina malditos porque simbolizan la problemática relación que asume el literario frente al carácter reaccionario de un entorno burgués (procedían de la alta burguesía). Aquello que se conoce como modernismo es el fruto de la combinación de distintos elementos de origen francés. Los modernistas en lengua española conviven influencias parnasianas, simbolistas y de los poetas malditos. 

Verlaine: De la musique avant Toute chose que la lírica de sus poemas esté fortalecida con elementos plásticos y medólicos. Rubén Darío le toma como referencia.



Rimbaud: Il faut être voyant a través de los poemas consiguen hacer el paso a otra realidad. Hay que ser visionario.

OBRA. Rubén Dario 



Como hito simbólico para la cronología del modernismo, se ha destacado el primer gran libro Azul (1888) que muestra un mundo de hadas, princesas, centauros, cisnes y fuente. Otras obras fueron Prosas profanas y Cantos de vida y esperanza (1896) representa el modernismo más refinado y exquisito y la búsqueda del escepticismo, el tema es el placer erótico. Cantos de vida y esperanza tiene como tema principal los problemas del mundo hispánico.

ANEXO 422 PALIMPSESTO23, Rubén Darío Es un texto sobre el que todavía se conserva lo que estaba escrito anteriormente. El papel se reutilizaba ya que era muy costoso y no se podía desaprovechar. Se utiliza un dialecto eólico (giegos) Se publica en 1892 en la Revista de Costa Rica. En 1896 ya aparece publicado en su obra Posas Profanas. Marcación tipográfica: el tipo de letra no es igual al principio que al final del texto. Al principio (letra cursiva) aparecen unas declaraciones del yo lírico: en la biblioteca de un monasterio de frailes agustinos encontró un códice antiguo. El palimpsesto está tan deteriorado que hay algunas lagunas textuales. Cuando lo estaba hojeando se desprendió una página escrita en griego (dialecto). En esa misma página también había un escolio24. En este caso las anotaciones están en latín, para aclarar la parte del palimpsesto que está en griego.

Iba a los teatros disfrazado. De la musique avant toute chose 22 Anexo 4: Palimpsesto de Rubén Dario 23 Palimpsesto: texto que subyace al texto visible en un papiro. Texto oculto entre otro texto. 24 Escolio: nota aclaratoria al margen. 21

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Los ocho versos iniciales son una especie de marco que sitúa el resto del texto (este recurso es característico de la novela histórica).Tras las declaraciones del yo lírico, aparece el texto que ha logrado recuperar (traducido). Se trata de una estructura que abre el poema que consiste en el que un ``yo´´ afirma que ha encontrado un texto en griego antiguo y que se dispone a traducirlo.25 En el resto del texto se produce una falsificación literaria, que es bastante frecuente en los autores decadentes. Hay una PROLEXIS NARRATIVA: consiste en adelantar algo que va a suceder posteriormente; en este caso se adelanta que Acteón va a morir porque contempla a la diosa Diana desnudada. En el texto aparece mencionado Escopas; es un referente de tipo plástico, ya que es escultor. Elementos de naturaleza plástica que aparecen en el poema: Escopas Comparación de la belleza de la escena de las ninfas con un cuadro en el que aparece representada la misma escena. DOMINÉS: Títulos a los clérigos. (El buscón) SCHOLIA: Anotación para interpretar un pasaje oscuro. ANÁLISIS TEXTO Continúa el mito centauresco. Los centauros han llegado a un lugar recóndito donde Diana y el resto de ninfas se están bañando. Ello supone una profanación puesto que estas debían permanecer ocultas y vírgenes. Cuando Diana se da cuenta, castiga a Acteón (príncipe de Tebas) con una metamorfosis en ciervo. Acteón será devorado por sus propios perros de caza. El poema está lleno de latinismos como linfa (agua), algazara, onda (ola)… La descripción de los personajes del mito, puede realizarse de manera interior (manera de ser), mediante la etopeya y de manera exterior (física) mediante la prosopopeya o el effictio, que referido a la mujer se denomina descriptio puellae (que estudia magistralmente el filólogo Mario Pozzi y que puede llevar un canon breve o largo y con un orden físico descendente). La descripción de los hechos que se suceden se denomina prognatografía. En la descriptio puellae de Diana de este poema, se utilizan numerosas metáforas para detallar su físico de manera erótica. Se regodea constantemente en las zonas erógenas dado que normalmente en el caso de las ninfas no están al alcance de la vista. Desde el punto de vista de los que contemplan este espectáculo tan sugerente, supone un gran estímulo. En este punto, puede apreciarse como Rubén Darío introduce detalles propios de su cultura judeocristiana respecto al cuerpo humano, que no procede ni tiene cabida en la cultura griega: la excitación sexual inminente ante el cuerpo humano desnudo, algo que en la cultura griega estaba más que asimilado como natural. Uno de los centauros, decide raptar a una de las ninfas amigas de Diana. En la huida, Diana decide disparar contra el centauro raptor con su arco y sus flechas pero, del mismo golpe, mata también a su ninfa amiga. 25

Se trata de un principio de novela histórica muy cultivado en el S.XIX.

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Con todo ello, el mito del centauro aparece de manera sorprendente y nueva, ligado al mito del baño de Diana, una renovación en la que se inspirarán escritores y artistas posteriores. Se mezclan los cuadros de Diana Cazadora y los centauros. ANEXO 526 COLOQUIO DE LOS CENTAUROS, Rubén Dario Puede apreciarse el alto nivel documental de Darío al conocer con detalle la apariencia, rasgos e incluso nombres de los centauros, conociendo en profundidad la mitología griega. Es un diálogo entre centauros, sobre la historia de su raza y sobre su filosofía de vida. En el poema se exalta a la diosa Venus como la mayor potencia de la naturaleza. La historia tiene un importante transfondo filosófico. El planteamiento filosófico de la obra entronca con el epicureísmo (búsqueda de una vida buena y feliz mediante la administración inteligente de placeres y dolores) de Lucrecio. Otros lo vinculan al pitagorismo y a su creencia de la metempsicosis (transmigración de las almas). Otro elemento fundamental de Pitágoras, la armonía del universo, también aparece en El coloquio de los centauros. Cantar una canción, ver una visión, soñar un sueño, beber una bebida: figura retórica denominada “acusativo interno”. (Canta un propio cantar) Abantes: Himnos a la naturaleza. Quirón/Opinión: Himno a Venus, principio de la generación y concordia mundi. Macroestructura27: 1. Tópica exordio: arbore sub quadam28 se enlaza con el género bucólico o la égloga didáctica29. 2. Epílogo: Fórmula conclusiva: crepúsculo. 3. Diálogo: certamen, canto amebeo y parlamentos sermoinationes. Contaminatis: Fusión de novelas: Ovideo: ornástico y Lucrecio. Cronografía: Descriptio temporis. Desde la poesía clásica había unos parámetros que sirven para establecer de manera elevada la cronografía-descriptio temporis (descripción del tiempo). Ejemplo de cronografía, Amanece: Eos-Aurora (Ej: Las flores empiezan a abrirse). Metáforas: Primavera: amanecer, Verano: Mediodía, Otoño: crepúsculo-amanecer y Invierno: noche. Lucrecio escribe De remun natura (sobre la naturaleza), ejemplo claro de la epopeya didáctica (había dos tipos de epopeyas: epopeya poema épico de sucesos o de temas míticos). Escrito en el S.I a C. Se llaman epopeyas didácticas porque tratan un tema en concreto, exponiendo un tema científico didáctico. Epopeya didáctica también denominada poesía científica. 26

Anexo 5: Coloquio de los centauros de Rubén Dario. No solo podemos permitir al ámbito genérico de la égloga la tópica del exordio, sino que el movimiento conclusivo del texto remite al coloquio. 28 Dado que los personajes suelen tumbarse a la sombra de un árbol. 29 Trata temas de la naturaleza pero con el fin de explicar alguna explicación científica. 27

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6-NOVIEMBRE-2012 FERNANDO LÓPEZ MARTÍN: modernismo rezagado de tipo parnasiano. CONTEXTO 1888-1916 APOGEO DEL MOVIMIENTO MODERNISTA  

1888: Publicación de Azul de Rubén Darío 1916: Muere Rubén Darío

1917-1926: DÉCADA INERTE, TARDOMODERNISMO, Fernando López Martín 1927 POETAS JÓVENES, Generación del 27 FERNANDO LÓPEZ MARTÍN Interesan fundamentalmente el Barroco, y más concretamente las escenas lascivas de las obras pictóricas del mismo y sus autores (Rubens, Velázquez, Romero de Torres). Sus poemas publicados: 1. Sinfonías barbaras, Poema que quiere explotar las cualidades rítmicas del verso. 2. La raza del sol, 1916 3. Oraciones paganas, 1918 Sus poemas evidencian su interés por la pintura.

En La raza del sol hay una composición extensa llamada Elogio del Tiziano caracterizada por sus rasgos definitorios como la sensualidad y elementos pornográficos, habla de la tendencia de Tiziano a la erótica (tiene numerosas Venus). En esta misma obra La capa española (*Prenda que solía utilizar Julio Romero Torres, amigo del mismo F.López Martín). En la obra se utilizan rimas labradas (tecnicismos para elaborar una obra exquisita). Oraciones Paganas es una edición de singular elegancia. Joyas del arte es una serie ecfrásica30. En su obra el autor establece como título el título, autor y ubicación o procedencia de la obra. Ejemplo: -Las tardes de verano. Van Artois (Museo de Bruselas) -La rendición de Breda. Velázquez (Museo del Prado) -Susana en el baño. Guereccino (Museo del Prado) -Diana Cazadora. Roubens (Museo de Munich)

La écfrasis es la representación verbal de una representación visual. Es un tipo de intermedialidad; puede ser real o ficticia y, a menudo, su descripción está insertada en una narración.

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Escala ascendente que tendría que recorrer un artista para alcanzar la máxima reputación: (Fernando López Martín) -Naturaleza muerta: Bodegón -Paisaje (Van Artois) -Animales -Seres humanos  Retrato  Escenas de género  Cuadros de historia (tableaux d´histoire): sacra (Biblia o santoral), ej. Susana en el baño) o Pagana (historia político militar o mito) Ej. La rendición de Breda

DIANA Y LAS NINFAS. DIANA Y EL SÁTIRO. Rubens. Diana y sus ninfas sorprendidas por sátiros de Rubens, Museo del Prado: Diana sorprendida desnuda en el baño por Acteón mientras cazaba. Lo convierte en ciervo y es devorado por sus perros. Rubens establece el desarrollo icónico de la sensualidad cuando se encuentra en un ambiente natural. 8-NOVIEMBRE-2012 En un solo volumen poético, establece un conjunto de écfrasis que se ligan de una forma semántica. De lo que se deduce de forma obvia que artistas le gustan a F. López Martín. Todos ellos artistas barrocos y en el caso de Romero Torres, simbolismo, el cual en la actualidad su obra está siendo revisada. Especialmente se siente atraído por las escenas lascivas que de hecho inciden en que determinadas imágenes de desnudos con un impulso de lujuria. Fernado Martín se ve atraído por obras con elementos afeminados, conducidos a la lujuria como vemos en Diana Cazadora y Susana en el baño. Pretenden convertirse en correlatos escritos de una imagen icónica. Ambas de basan en un arquetipo esencial que define a los artistas y literatos del momento. Son bellezas inmaculadas además, desencadenante al final de la muerte a pesar de ser una belleza justa. Y con ello, la alusión a la femme fatale. Estos son los temas que se tratan en los poemas y que derivan de lo representado en los cuadros. Estos usos, no sólo describen la afinidad estética y temática de los autores del momento, de manera que la pintura y la poesía van de la mano, sino que además estos autores modernistas consiguen así plasmar su seña de identidad. A su vez, la rescritura entorno a un mismo tema ahondando en un mismo mensaje.

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ANÁLISIS: DIANA CAZADORA

La caza de Diana, Rubens

Dentro del conjunto de poetas que instigados por la poesía francesa renovaron la literatura española a finales del S.XIX y principios del XX encontramos a Manuel Machado, autor de Apolo, Teatro pictñorico. Esta obra junto a una obra de Antonio de Zaya (uno de sus mejores amigos y quién suponía fuente de inspiración y con el que daba paso a la creatividad): Retratos Antiguos organizada en: escuela española, inglesa, italiana, francesa, germánica e inglesa, es decir, se refiere a distintas escuelas nacionales en el interior de cada una de estas secuencias, se ve una distribución cronológica, cada poema está ordenado cronológicamente. Esta obra impulsó a Manuel Machado a escribir Apolo, Teatro pictórico. En la obra de Rubens no hay ni un solo cuadro donde aparezca un centauro. Esto nos puede llevar a una inexactitud. Rubens establece un asalto a la mujer pero ningún personaje masculino es un centauro, estos personajes están protagonizados por sátiros. Para explicar esa inexactitud nos apoyamos de la contaminación (modelo icónico: Rubens, modelo literario: Palimpsesto). Es importante hablar de Machado dado que introdujo un prólogo en el que habla de su inexactitud voluntaria que también se extrae de Diana Cazadora. Este término es importante en López Martín y concretamente en su obra de Diana, dado que en ninguno de los cuadros de artistas del momento aparece Diana como cazadora ni ningún centauro (por ejemplo en las obras de Rubens). Hay tres obras de Rubens en las que Diana aparece aislada con sus ninfas, otro similar en el que en segundo plano aparece el sátiro intentando agredir a una de las ninfas, y otro en el que todas las ninfas del cortejo de Diana están intentando ser agredidos por sátiros. Es decir, las acciones lascivas no son protagonizadas por centauros. Por lo tanto, López Martín introduce en su obra esta inexactitud, siguiendo el ejemplo del prólogo de Machado, cuya obra conoce a la perfección. El significado último de esta inexactitud referida a la tradición pictórica de Rubens, se refiere a su vez al concepto de contaminación de varios modelos, siendo este un ejemplo de ello. Una contaminación tanto al modelo icónico (como la realizada a Rubens), y al modelo literario, (como la realizada al Palimsepsto, dentro de prosas profanas, de Rubén Darío). Desde el propio arranque del poema de López Martín observamos diferentes símiles o comparaciones en relación al poema de Rubén Darío, así como el uso de diversos cultismos 25

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Además, algunas sinestesias como pupilas agrias, antaño consideradas como argumento de una anomalía mental dado que se entendía que el artista no sabía enlazar los sentidos con sus características propias. La aliteración del sonido r es muy propia en escenas de tormenta y batalla, siendo un refuerzo fónico, asociado al concepto asprezza épica. También, un ritornello o estribillo (Diana, fuerte y ágil…), que produce un efecto inmediato de refuerzo de la naturaleza estática que contribuye enormemente al objetivo que es la descripción del cuadro. 13-NOVIEMBRE-2012 5. LA PROMOCIÓN DE LAS NUEVAS ESTÉTICAS Y LA PROVOCACIÓN EN EL PÚBLICO: BANQUETES, JUSTAS LITERARIAS, TERTULIAS. DECADENTISMO El decadentismo es una corriente artística, filosófica y, principalmente, literaria que tuvo su origen en Francia en las dos últimas décadas del siglo XIX y se desarrolló por casi toda Europa y algunos países de América. La denominación de decadentismo surgió como un término despectivo e irónico empleado por la crítica académica, sin embargo, la definición fue adoptada por aquellos a quienes iba destinada. Un elemento a tener en cuenta en la época es el dandismo (Boudelaire). Apología y antología del decadentismo. Robert de Montesquieu aristócrata y poeta tiene una actitud excéntrica en su obra. Hay que pensar que tanto su figura exquisita y de gustos muy refinados inspiró a otros autores. El decadentismo es un movimiento que surge en París a partir de 1984. A CONTRAPELO, JORIS-KARL HUYSMANS Este relato funda la corriente decadentista. La obra protagonizó un escándalo, que se tradujo en un éxito en ventas. Por eso se extiende el decadentismo. Las primeras novelas de Huysmans pertenecen al Naturalismo, pero logra fundar el Decadentismo. En el libro aparecen los autores favoritos del protagonista, que son los favoritos del autor: Gautier, Mallarmé, Baudelaire… En la obra apenas hay diálogo, prima la descripción (artística, écfrasis). El protagonista está fascinado por las dos Salomés de Moreau más destacadas. Huysmans emplea: aparecen descritos artículos de temática común a través de distintos capítulos. En el inicio de la novela se habla de los orígenes del personaje, se habla de su familia (la madre era una enferma). Hablar de las características biológicas es propio del Naturalismo, donde se formó el autor. Desde el inicio se dice que si provienes de una matrimonio frío, con enfermedad lo mismo le ocurrirá a él (carencias, propenso a enfermedades…) Justo en el inicio de la novela se habla de la familia no de los antecedentes inmediatos de la madre y el padre, sino de que él es un noble. Sus ancestros se remontan hasta varios siglos en la nobleza más alta. Se habla, también, de los retratos de sus antepasados. Algunos eran caballeros y militares 26

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robustos y vigorosos, pero a medida que va pasando el tiempo (por la práctica de matrimonios endogámicos) la raza va entrando en una franca decadencia, acaban convirtiéndose en seres enfermizos. Habla de esto mediante la imagen que tiene en los retratos de sus antepasados. Justifica su visión del mundo por los errores de sus antepasados. En los periódicos de la época se criticó este tipo de obras pues no eran buenas, supuestamente, para los lectores pues se aborda la prostitución y otro tipo de prácticas discutibles. Como algo muy característico de la novela decadente es el hecho de que se esté desarrollando en el momento la psiquiatría, los primeros estudios de neurosis y la histeria (Freud). Este tipo de patologías aparecen en la novela decadente. Sadismo (patologías). Hay que pensar que en la sociedad burguesa todo estaba automatizado (había que llevar cierta ropa en ciertos momentos). OTRAS NOVELAS DE INSPIRACIÓN Petronio autor del Satiricón y Apuleyo con El asno de oro literatura latina. El Satiricón es una novela breve en la que dos personajes jóvenes (amigos) para sobrevivir se prostituyen y cuentan todas las peripecias que pasan en la Roma de la época de Nerón con este modo de vida de costumbre “alegres”. Es todo bastante moderno. El estilo poético de Petronio es muy manierista, parecido al de Ovidio. El Satiricon es el primer ejemplo de novela picaresca en la literatura europea. A esta obra se le puede considerar modelo de novelas posteriores. Aporta una descripción única, a menudo enormemente deshinibida. A contrapelo, novela motivada por una visión del personaje aristócrata, se puede hablar de verismo en la novela, descripción detallada, es un personaje excepcional. Es también una novela fantástica pues en la trama el personaje es inverosímil. Se tienen tabúes respecto a la fisionomía del personaje. La reproducción es algo que solo compete a la divinidad. Hay determinados patrones que definen este tipo de prácticas. ANÁLISIS -La narración y la descripción se hace a un ritmo lento. -Catálogo:    

Cuadros, grabados (écfrasis). Libros (la casa como libro). Biblioteca. Órgano de boca Plantas

-Elodías -Parte del catálogo de las plantas exóticas -Órgano de la boca: Cada licor se relacionaba con una melodía y con un instrumento.

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-No se sentía con ganas de escuchar el sabor de la música: SINESTESIA.31 EL RETRATO DE DORIAN GRAY, Oscar Wilde Oscar Wilde era licenciado en filología clásica. Se le puede definir como una especie de neo sofista en lengua inglesa. Las novelas de Oscar Wilde son breves, El Retrato de Dorian Grey se publicó en prensa periódica por entregas, la primera redacción eran varias secciones de la obra que luego el autor quiso ampliarlo con elementos inéditos y más tarde formar una novela. No hay mucha acción en las novelas del decadentismo. La diagénesis (cadena de acciones en una novela) es bastante breve. El decadentismo se caracteriza por una sobreabundancia de la descripción respecto a los parámetros narrativos. De hecho ¿qué provoca que no haya ni demasiada acción ni demasiada intriga? La categoría de la descripción de la écfrasis y que realmente el decadentismo va a insertar dentro de su poética. La principal diferencia con A contrapelo es que en esta novela sí hay diálogo. El diálogo está marcado por la agudeza que caracteriza a Wilde (también domina el arte de la paradoja y el de la ironía) Además, en esta novela hay acción (no es sólo descriptiva). En El retrato de Dorian Gray el retrato tiene un gran protagonismo. Esto significa que el eje de la obra es un elemento de la novela fantástica. Es una novela de ficción, mientras que A contrapelo es más verosímil, más realista. Puntos en común entre El retrato de Dorian Gray y A contrapelo:  Abunda la descripción.  Entroncan con la corriente estética del orientalismo.  Aparecen elementos algo macabros y enfermizos.  Los protagonistas son individualistas y narcisistas (Wilde maneja las ideas del epicureísmo y el hedonismo).  También aparece el tema de la androginia (posibilidad de suscitar atracción física tanto en hombres como en mujeres), problemático en la época.  En El retrato de Dorian Gray a Dorian le regalan A contrapelo. Esta novela asume una gran importancia en la vida del protagonista. El motivo es que Dorian Gray modela su vida igual que la del protagonista de A contrapelo. ÉCFRASIS EN EL RETRATO DE DORIAN GRAY En la novela de Wilde la principal paradoja es que, a pesar de que su eje es un retrato no hay écfrasis sobre él. Es decir, no conocemos que hay en él, nos faltan los detalles de esa obra de arte plástico: por tanto, no hay écfrasis verdadera, técnica y específica. Sin embargo, en la novela hay otras écfrasis: aparecen descritos los retratos de sus antepasados, que se encuentran en una galería (estructuralmente esto sería un catálogo). 31

La Sinestesia es una Figura Retórica que consiste en mezclar sensaciones percibidas por órganos sensoriales distintos (sensaciones auditivas, visuales, gustativas, olfativas y táctiles). También se denomina Sinestesia cuando se mezclan estas sensaciones con los sentimientos internos (tristeza, alegría, etc)

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Tipos de descripción:   

Prosopografía: Descripción física. Etopeya: Descripción interior. Pragmatografía: Descripción acciones.

La descripción de los retratos de la galería es por una parte una écfrasis, pero también son una etopeya, ya que Dorian describe la personalidad de sus familiares (los describe como perversos).También hay pragmatografía. En la galería de retratos Dorian Gray sólo describe alguno de ellos, los que son como una especie de espejo, en los que se ve reflejado. Vuelve a aparecer aquí el elemento del narcisismo. 15-NOVIEMBRE-2012 LA FIGURA DE SALOMÉ, DECADENTISMO En realidad es un episodio secundario dentro de los relatos evangelicos del nuevo testamento y que parece de manera muy fragmentaria en el evangelio según san Pedro y según San Marcos. Desde los orígenes hay un problema muy grande de confusión nominal porque el tetrarca de Judea, Herodes, después de haber matado a su hermano se casa con su viuda. Aquello era ya considerado un incesto. Lo que sí podría verse en el contexto de un incesto psicológico que su sobrina a medida que va creciendo, Herodes se va encaprichando de la joven. El deseo por parte del soberano de tener relaciones con su propia sobrina e hiijastra. En realidad en época medieval va a ser objeto de relato en La leyenda de oro de Jacobo de la vorágine. Es una colección de vida de santos en el que se reserva un trozo a la historia de Juan el Bautista. Los trazos principales de la historia proceden de dos de los evangelistas y fundamentalmente de leyenda aurea de Jacobo de la Vorágine. Hay ya un cierto interés por este episodio en la pintura y hay ejemplos desde Tiziano a otros autores menos conocidos. En ningún momento de la historia de la pintura, Salomé no va a tener tanto auge como entre los años 1870-1920 donde se convierte casi en una obsesión. Gustave Moreau va a influir en esto. A paritr de 1870 llega a pintar hasta 120 variaciones sobre el tema de Salomé, es interesante tenerlo encuenta por que en la década de los 70 Moreau expone por primera vez con la aparición de la cabeza cortada de Juan el Bautista se le aparece a Salomé en acuarela y posteriormente en oleo Salomé bailando. Así empieza la obsesión por salomé de pintores y literatos. En la sociedad moderna la mujer adopta un nuevo papel, que hace que surja un cierto temor a la figura femenina. Aparecen arquetipos de la crueldad femenina, en Francia llamada “Femme Fatale”. En el Decadentismo (siglo XIX), el arquetipo de la crueldad femenina es Salomé (en Egipto era Cleopatra y en Grecia, Friné). Se puede decir que Salomé (hija de Herodías) es uno de los primeros mitos modernos. El poema Hérodiade, de Mallarmé es el que funda el simbolismo.

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SALOMÉ Y LA PINTURA, IMÁGENES DESDE EL RENACIMIENTO HASTA FIN DE SIGLO 

Gustave Moreau (siglo XIX): para él, Salomé es una especie de icono. Pintó cerca de 200 salomés, como por ejemplo:

1. Salomé con la flor de loto: en el cuadro aparecen elementos de otros tiempos y de otros lugares y civilizaciones. Es una mezcla muy dispar (mezcla bizantina-islámica) No es la representación de una escena antigua, ya que falta el rigor histórico. 2.

La aparición: aparición de la cabeza de Bautista, sólo lo ve ella.

3. Salomé tatuada. 



Edward Poynter (inglés, siglo XIX) - Salomé bailando ante Herodes: es una oposición al cuadro de Moreau Salomé con la flor de loto, ya que Poynter sí que intenta recrear un palacio tal y como era en la época de Salomé. Julio Romero de Torres (español, siglo XIX)

Salomé: aparece mirando al frente, al espectador. Mira con orgullo y desdén, porque ha conseguido lo que quería, aparece la cabeza de Bautista. Aparece sin barba, evoca la figura del andrógino. Salomé (1920): es una oposición al cuadro anterior. Ya no se juega con la figura del andrógino, Bautista aparece con barba. 



Paul Lisak Salomé y la decapitación: es un cuadro muy actual (1967). En todos los cuadros Salomé aparece desnuda o semidesnuda, en este cuadro, lleva una especie de burka. Tiziano Salomé y la cabeza de Bautista. Aparece una especie de paje que acompaña a la princesa Hebrea. Aparece el rostro con la barba, ya que el profeta vive en el desierto. Descuidado y por tanto tiene una larga barba. Sebastiano del Piombo Salomé y la cabeza del Bautista.

LITERATURA/ARTE VISUAL SALOMÉ: Posición de cómo al ser un arte temporal/lineal, para contar una historia, la percepción exige todo un discurso temporal que siga una línea. La percepción sin embargo es visual y se hace desde un punto de vista en un momento instantáneo. Las artes visuales eligen el momento pregnante entre toda la línea. El momento entre toda la línea de sucesión temporal. El momento elegido debe plegar toda la potencialidad de la obra en un solo instante. Si después un literato al ver el cuadro produce una écfrasis ocurre que en ese momento pregnante el literato despliega.32 Esto se traduce en que basándose en la escena el literato despliega todo lo que viene después.

PINTOR: PLEGA, LITERATO:DESPLIEGA

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En la propia sucesión de la línea de Salomé no ha sabido captar ese momento pregnante (Ej. Rubens). Lo que llega a ponderar estas imágenes es el modo de articular su libertad como creador (surge de elementos de muy diferentes referencias). La obra de Moureau está basada en opiniones arbitrarias. Gustave Flauvert (contemporáneo a Baudelarie) se le consideró un buen prosista, en gran parte por su gusto por el arte y sus écfrasis. En la propia interpretación del símbolo de Salomé con la Flor del Loto hace referencia a las culturas egipcias e indias. En la cultura india es símbolo de vida mientras que en la egipcia significa entre la vida y la muerte (siempre sexual).33 SALOMÉ Y LA PINTURA, ANÁLISIS OBRAS

La aparición, Gustave Moureau ANÁLISIS OBRA Se trata de una acuarela en grandes dimensiones. La imagen va algo más allá de todo lo que se conocía sobre la historia. Todos miran a distintos puntos. La protagonista es la única testigo de la aparición. No se sabe si estamos ante un episodio milagro o si se trata de una alucinación instigada por su propio sentimiento de culpa. La reacción de la princesa que está casi desnuda (ya ha terminado el baile de los siete velos). A través de varios sintagmas pondera la alta sugestión de esta escena arbitraria. Para definir la rareza, lo define como un pasaje-místico, hace una atribución en cierto modo prodigiosa a la anterior. La flor designa su belleza y su virginidad. Toda la ponderación de cómo el artista se establece una serie de alabanza y en cierto modo también paradójico.

Petalo de Loto, se situaba bajo su sexo antes de la momificación.

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Bernardino Luini ( 1480-1532), Salomé con la cabeza del Bautista ANÁLISIS OBRA Lo que se puede ver en la imagen es una figura femenina, más o menos bella o seductora (sonrisa enigmática) y además la cabeza decapitada de un varón. Todas estas imágenes (hay varias representaciones de distintos artistas: Tiziano, Sebastiano del Piombo) tiene como esquema la figura femenina, cabeza cortada y que hay tres planos (primer plano cabeza cortada, segundo plano Salomé y tercer plano el fondo). Varón con pelo largo y barba. Es importante la interpretación de tales detalles iconográficos para poder atribuirle las correctas características. Dado que la escena de decapitación más famosa en texto bíblico, un correcto estudio iconográfico se puede mostrar la historia que quiere mostrar realmente el cuadro, el hecho de que la cabeza pose sobre una cabeza o una espada puede hacer que pertenezca a una historia o a otra. Es a partir del S.XVI y a partir del Renacimiento cuando hay un interés bastante destacado por este episodio del nuevo testamento. ¿Qué otros elementos comparten el desarrollo de la pintura de Salomé? La selección de la imagen casi siempre en tres planos, y resulta común también que de forma potestativa pueda parecer un personaje secundario (paje, siervo, verdugo) de Salomé. Otro de los datos que puede llamar la atención es el cuidado o detallismo en la propia elaboración del vestuario de Salomé, que puede o no llevar joyas.

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Salomé con la cabeza del bautista, Caravaggio Caravaggio (nombre que recibe por su supuesto lugar de origen), se educó en Milán y aún se pone en duda si su origen es realmente Caravaggio. Después de una etapa de aprendizaje en Milán su fama se cimenta por los éxitos obtenidos en Roma, por la vida turbulenta que lleva más tarde tendrá que abandonar la ciudad. Se le acusa de participar en varias reyertas, se le acusa de convivencia con cortesanas famosas y de tener prácticas sexuales tanto con varones como con féminas. Luego va a Nápoles donde también tiene que huir tras cometer varios escándalos y se refugia en Malta pero, reiteradamente vuelve a cometer escándalos que le hacen marcharse. Encontramos en sus obras cierto tenebrismo. Si comparamos los cuadros de Salomé de los anteriores autores con el de Caravaggio se pueden apreciar diferencias, por ejemplo deja de haber tres planos únicamente. El puño del verdugo, que sujeta la cabeza cortada, parece que se sale del cuadro. Más allá de un elemento de naturaleza visual uno de los rasgos característicos es que el barroco opta por el dinamismo y también determinados elementos caracterizados por una gran teatralidad que dotan a la imagen de un valor “patético” añadido. Se insiste sobre la idea del martirio o tortura de la decapitación, que es el episodio más violento de la historia. Además en la propia figura del verdugo aparece una espada. Luce todavía en la siniestra la espada con la que ha cortado la cabeza, que está en la diestra. Otra cosa nos podría llamar la atención respecto a las tres imágenes anteriores, y es que en lugar de optar la representación de la cabeza en la bandeja de plata, en este caso la bandeja parece dorada. La Salomé de Caravaggio desvía su mirada (al contrario que en las otras obras) como si la horrorizara lo que acaba de ver, una especie de arrepentimiento. Se sigue un esquema circular en las cabezas un tanto desplazado a la derecha. Caravaggio tiene otro ejemplo de esta obra, algo distinto del anterior.

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Puvis de Cahvannes, La decapitación de San Juan Bautista (1869) En el tema elegido de esta obra, hay un elemento novedoso, y es que elige como momento más importante el instante previo a la decapitación en si y no a la imagen de Salomé con la cabeza ya cortada. El verdugo está en la posición previa a descargar el golpe. En este sentido nos puede llamar la atención en esta imagen que la gestualidad de la victima aparece flexionada y además con los brazos extendidos y las palmas abiertas, lo que significa que se entrega a los sometimientos del destino de dios, aceptación, entrega, sumisión. También nos llama la atención su aureola, la santidad que lo identifica luce más cuando está a punto de morir decapitado. De fondo encontramos una atmosfera lúgubre, oscura, pesimista, dejando como única luz al San Juan Bautista. En la imagen se identifican tres planos, en primer plano a San Juan aceptando su inminente ejecución, en segundo plano el verdugo blandiendo la espada y en tercer plano la mujer, que muestra su tensión mediante la posición de sus manos, pues se toca hacía el pecho en gesto de preocupación, además aparece inclinada, cabizbaja. La Salomé con la flor de Loto, Mureau ANÁLISIS OBRA Respecto a esta obra podemos comentar que aparece un elemento jamás visto hasta este momento y la flor es blanca. A la flor blanca se la atribuye un valor de virginidad por parte de Salomé, o también como un símbolo fálico. En lugar de pretender reflejar de como podían ser el palacio o la sala donde tuvo lugar el baile sensual, en realidad todo ello aparece como una mezcla caprichosa y arbitraria de elementos procedentes de estilos muy distintos. Aun así desde el punto de vista de los elementos que intervienen en la imagen aparecen en primer plano Salomé, un segundo plano, en tercer plano el verdugo cubierto con un turbante y pantalones bombachos altos y luciendo en la diestra la espada. Y luego el propio Herodes.

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Salomé danzando ante Herodes de Edward Poynter. Son los inicios de la fotografía por lo que estos pintores mandaban fotografiar todo para después dibujarlo.

Julio Romero de Torres, Salomé (1917) y la segunda Salomé (1926) La poética de la que proceden este tipo de salomés hispánicas, en realidad donde inciden es en el modernismo decadentismo. Es esta Salomé de 1917 nos llama la atención que hay un primer plano muy marcado donde vemos a Salomé no se sabe si en cuclillas o sentada y que está girando su cabeza hacia el espectador y en la gestualidad del rostro se representa triunfo y desprecio ante la decapitación. En toda figura sea masculina o femenina tenemos que interpretar el rostro y las manos. Las manos de Salomé parecen garras y se hincan en la cabellera de la cabeza recién cortada. El rostro de la cabeza cortada parece una cabeza de mujer, por tanto la cabeza es de andrógino. Parece una contrahechura de la Salomé, la cual tiene el pelo recogido y por otro lado los cabellos rizados sueltos. Aparece el seno izquierdo desnudo y la espalda desnuda y un cinturón de metal que la ciñe el busto. Hay dos escenas en el plano secundario. A la derecha el momento en el que recogen el cadáver sin cabeza para llevárselo. En la izquierda se ve el cuerpo de la figura sin cabeza siendo retirado. Se disponen de varios planos con el desarrollo lineal de la historia con dos o tres o cuatro partes, así no se tiene que ceñir solo a una escena. En la obra de 1926 aparece Salomé en una actitud casi completamente desnuda, con las manos asiéndose los dedos, cabizbaja y contemplando con

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pena o melancolía la cabeza cortada. Al fondo un guardián que sostiene una lanza. La cabeza cortada es menos femenina.

Paul Lisak (Bayona 1967) Salomé o la decapitación. Es una visión post moderna de un tema clásico, el verdugo lleva un pantalón de chándal y una camiseta de licra. Aparece una espada corta muy pequeña. Salomé de manera voluntariosamente provocativa aparece vestida con un burka negro y la cabeza aparece en una tabla de cortar de madera de cocina. Nos recuerda a Caravaggio. Se trata de indagar en lo que se ha hecho anteriormente. 20-NOVIEMBRE-12 ANEXO 7: La flor y la sierpe. Variaciones orientalistas en torno a Salomé 34 En el caso de Julián del Casal, el primer artículo de los apuntes aparece la primera disposición. Por tanto, el primer cuarteto que se corresponde con el fondo de la imagen. Segundo cuarteto: rey hebreo; tercetos: la parte primera de la escena. Salomé bailando. De manera que en realidad es una forma de llamar la atención hacia una imagen iconográfica del cuadro. En el caso de la aparición la estrategia que usa Casal es análoga al anterior. Empieza con el fondo de la imagen, en la primera estrofa aparece también la figura de Herodes. Después hay un encabalgamiento estrófico y ahí ya tendríamos el momento central de la acuarela de grandes dimensiones. La pintura y la literatura son artes que la literatura es un arte lineal porque el momento de captar y comprender esa obra exige una sucesión lineal en el tiempo, lo que sucede es que la pintura en un inicio de un solo golpe de vista puedes percibirlo todo, aunque para detallarlo todo requerirá un estudio mayor. Lo que plantea la pintura es un arte instantáneo. Cuando un pintor trata de reflejar una historia se enfrenta a la dificultad de que el medio discursivo de un pintor es la imagen y ese medio al ser un arte instantáneo y dar cuenta de una historia completa, un pintor lo que tiene que elegir es lo que se denomina momento pregnante, es decir, el episodio de la historia en la que al percibirlo el espectador evoque los elementos de la historia completa, porque se mueve en un arte instantáneo. Sin embargo, un

Anexo 7: La flor y la sierpe. Variaciones orientalistas en torno a Salomé, Carlos Primo Cano.

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escritor no tiene tal cortapisa porque toda pieza al ser de naturaleza lineal puede, por muy restringido que sea el espacio, dar un discurso narrativo. En el caso de Julian del Casal, dice en los últimos párrafos del cuadro los momentos posteriores al cuadro, que no se reflejan en la imagen. No puede ser completamente fiel a la imagen. Por tanto, una de las obligaciones a las que se ve impedido un literario al elaborar un tipo de reflexión que atienda a un elemento visual. ANEXO 8: Armand Godoy o la écfrasis decadente35 ÉCFRASIS A LAS QUE HAN DADO LUGAR LAS DISTINTAS REPRESENTACIONES DE SALOMÉ POR MOREAU 1. “A contracorriente”/ “A contrapelo”- Huysmans: en esta obra prima la descripción, pero es una descripción muy singular, vinculada a diferentes medios artísticos. Aparecen écfrasis de las dos Salomés de Moreau más importantes. Las écfrasis de estos cuadros llegaron a marcar un hito. 2. Julián de Casal tiene los sonetos que describen los cuadros de Salomé de Moreau. Casal no vio los cuadros de Moreau (no estaban en la Habana) pero escribió a Moreau para que le enviara fotos de sus cuadros (estaban en blanco y negro). Se imaginó cuáles eran los colores de los cuadros para luego describirlos. 3. Poema de Salomé (en portugués) de Eugenio de Castro. 4. La verdadera historia de Salomé de Antonio de Hoyos y Vinent. 5. Salomé de Oscar Wilde: la portada de la primera edición británica tiene ilustraciones de Aubrey Beardsley (1884). Aparece el plumaje del pavo real, que era uno de los elementos simbólicos favoritos del decadentismo. Wilde escribe esta obra originalmente en francés, no en inglés. La primera representación de la obra se lleva a cabo en París, no en Inglaterra. La obra tiene mucho más éxito en Francia. Ni la novela ni las ilustraciones pasaron la censura en Inglaterra. 22-NOVIEMBRE-2012 SALOME, Oscar Wilde36 Esta pieza de Wilde estaba escrita originalmente en francés. RESUMEN La princesa hebrea Salomé, hija de Herodías e hijastra de Herodes, se enamora durante un banquete de Juan Bautista. Intenta conseguirlo, pero no es capaz (él se niega). Así que seduce al tetrarca de Judea, que es su padrastro, y le convence de que decapite a Juan. Tras un baile sensual, Herodes accede. Más tarde, se arrepiente, así que condena a Salomé a muerte. El motor de la obra es el asesinato de Salomé, cuyo autor intelectual es Herodías. 35 36

ANEXO 8: Armand Godoy o la écfrasis decadente, Carlos Primo Cano y Jesús Ponce. ANEXO 9: Salomé, Oscar Wilde

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PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS: - Hay muchas referencias de índole sexual. Wilde recibe muchas críticas ya que se trata de un episodio del Nuevo Testamento, ya hay quien considera que o ha interpretado muy libremente. - También es importante la cuestión religiosa. Esta se ve en el propio banquete, ya que hay una mezcla de culturas (en aquel momento, Judea estaba sometida al imperio romano): cristianismo, judaísmo… - Se trata de un drama lírico en un acto, en el que apenas pasa nada, hay un gran estatismo. Es lento también porque se utiliza un tono salmódico (característico de la biblia). La morosidad descriptiva de la obra también contribuye a su lentitud. - Wilde tiene un gran interés por las psicopatologías: histerismo, narcisismo, sonambulismo, sadismo, alucinaciones… Todos estos elementos aparecen en la obra. - En la obra aparecen analepsis (flashbacks) y prolepsis (flashforward). - Simbolismo: Destaca la importancia de la luna a lo largo de la obra. - Una de las principales características es la presencia de triángulos amorosos a lo largo de la obra: •Herodías

Herodes

Salomé

Herodías – Herodes (sacrilegio), Herodes – Salomé (incesto) • Joven sirio

Salomé

Juan Bautista

Salomé – Juan Bautista (sacrilegio, profanación) •Paje Herodías

Joven sirio

Salomé

La Salomé de Wilde no pasó la censura por: su contenido sexual (incluso entre gente del mismo sexo) y por la crítica/parodia de la religión. MÁS SOBRE SALOMÉ, MÁS SOBRE LA ÉCFRASIS LA VERDADERA HISTORIA DE SALOMÉ, Antonio de Hoyos y Vinent Hoyos y Vinent introduce en la historia de Salomé elementos irónicos e incluso paródicos. Una de las principales características son los continuos elementos que contribuyen a la degradación del mito (animalización grotesca, elementos obscenos) Federico Beltrán Massés, pintor español (1885-1949) nació en Cuba, se forma en España y acaba su formación en Paris. En la época fue uno de los pintores más reconocidos, 1910-1920. Expone gran parte de su obra el Paris. Reseñas internacionales que cimentaron su fama. Así mismo al ser cosmopolita.

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Salomé (1918)

La maja castiza y La maja maldita (1919)

ARMAND GODOY: Poeta parnasiano tardío y simbolista (1926) nace en Cuba y fallece en Paris. A los 39 años decide instalarse de manera definitiva en Paris y allí a partir de 1919 frecuenta círculos intelectuales del simbolismo tardío. Su poesía ha sido asociada por la critica a una especie de misticismo que trata de fundirse con el simbolismo católico (catolicismo romano). Resulta paradójico que a la hora de valorar su producción poética. Empieza a publicar su obra en francés estableciendo filiación con quien ha sido su maestro a la hora de formar su cultura literaria. -

Albuin (tres sonetos, tres imágenes en fototipia)

Los dos referentes máximos cuando comienza a escribir son Baudelaire y José María de Heredia. Tanto Heredia como Godoy son de familias adineradas, pero lo que resulta paradójico en el caso de Godoy, es que las inclusiones que hace en el ejercicio de la ecfrasis, en 1926 Ttriptico y en 1938 el Poema del Atlántico. Baudelaire afirma que la única manera de dar cuenta de una obra de arte es componer un soneto o una elegía, es decir a través de una écfrasis. Godoy en sus inicios era parnasiano, con toques decadentes. Su estilo terminó derivando hacia el simbolismo. Es el máximo representante de simbolismo religioso (cristiano). Ejemplos de écfrasis publicadas por Armand Godoy: Albuin (1926), Poema del Atlántico (1938). Las écfrasis de Godoy, que destacan por sus alusiones de índole erótica, contrastan radicalmente con el resto de su obra (temática religiosa). También publica un soneto llamado Salomé, que es la écfrasis de una imagen de Beltrán Massés. Este soneto es importante porque en él confluyen las dos imágenes más importantes de Salomé en la época. 1. Por un lado, influencia de un cuadro de Salomé que pertenece al decadentismo (Beltrán Massés). Se centra en este cuadro, pero no ignora los anteriores. 2. Influencia de Oscar Wilde: en el soneto hay elementos casi calcados de la Salomé de Wilde. Lo que hace Armand Godoy se denomina imitación ecléctica o imitación de diversos. Sigue publicando dando más libros de poemas que se adscriben en sus características. La crítica subraya el carácter conservador y reaccionario de su obra. Lo destacable es la cuestión del erotismo, las imágenes que ha decidido reflejar en sus poemas tienen un fuerte valor erotico y en el caso de Tríptico, son tres sonetos que describen tres pinturas de Massés. Luego en 1938, El poema del atlántico es un ciclo de cuadros del pintor Néstor (simbolista decadente, lienzos grandes visiones marinas u oceánicas con figuras dinámicas y desnudas). La segunda obra de Godoy es Triptico, empieza a circular en un ámbito restringido. 39

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En la relación entre texto e imagen se ve una relación de ida y vuelta. En la imagen le interesa describir el texto y hace una ecfrasis para generar un texto literario, o en contraposición, que de un texto se genera una imagen. Aquí destaca la cuestión del medio artístico y del formato. Hasta el siglo XVI era en fresco o cuadros, después grabados, mas tarde miniaturas y códices mimados. Pero con el invento de la imprenta aparece el grabado generando el libro ilustrado que existe desde el XVI. El examen del Tríptico de Godoy: La Maja Maldita, recuerda a las majas de Goya por su desnudez bajo la mantilla y su postura recostada. Es un retrato de una marquesa de la época que había protagonizado escándalos por ser bisexual. Salomé, también dio crítica. El cuerpo desnudo en una postura comprometida con el pubis de Salomé en el centro del cuadro. Esta se dio al público en la exposición Petit Palais en Paris en 1919. En 1929 en la exposición New Burlington Galleries en Londres, el primer día de exposición tuvieron que quitar el cuadro de Salome por el escándalo que suscitaban. Tener en cuenta el eco periodístico de las obras. El hecho de que algo cree escándalo: sobre el cuadro de Salomé de Massés se publicaron 192 artículos. El propio escándalo hizo que se convirtiera en un éxito de ventas inaudito, 12.000 reproducciones a color del cuadro de Salomé. Fue un cuadro muy conocido en la época que suscitaba un atractivo innegable. Hay que apuntar que de los 192 artículos, uno de ellos lo firma Antonio de Hoyos y Vinent, quien se fija en el cuadro y hace una crítica del mismo (dice que Massés está enamorado de la noche: la hija de Herodias se convierte en una imagen horrenda y escalofriante. Poco después el escritor Luis de Oreste también hace un artículo: refleja de manera directa la sensación lasciva de erotismo y lujuria inmediata. Godoy solo describe el cuadro de Salomé en la primera estrofa. Pero aunque el titulo coincide con el del cuadro, hay una frase justo debajo del libro de O. Wilde “nada hay en el mundo tan rojo como tu boca”, que está en francés lo que descubre que usaba la primera edición que llevaba las ilustraciones no censuradas de Aubrey Beardsley ( en El Beso o El Climax, Salomé coge la cabeza para besarla… posteriormente Herodes manda matar a la princesa). La técnica de la contaminación consiste en que se cree una obra nueva a partir de la fusión de modelos distintos, la mezcla contribuya a la originalidad de la obra (fuentes, modelos, dechados e hipotextos37. A través de este concepto podría decirse que el soneto de Salomé de Godoy muestra dos fuentes icónicas (el cuadro de Massés y el grabado de A. Beardsley del libro de Wilde) mas una fuente textual (homenaje a la obra de Wilde). Tríptico, conjunto de tres sonetos que apunta a la pintura, que tiene dimensiones a color y que en paralelo con el cuadro de Beltran, un soneto que describe esa pintura. Aquí no tenemos

Texto que está debajo del texto dinamizando una obra nueva.

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una colección de textos sino que directamente tenemos la reproducción a color de cuadros, y sonetos cuyos textos tienen un formato de las reproducciones de arte.

27-NOVIEMBRE-2012 6. LOS MOVIMIENTOS DE VANGUARDIA Y SU RELACIÓN CON EL PÚBLICO DE MASAS. SURREARR CEALISMO Y FUTURISMO. LA LITERATURA EXPERIMETAL. SURREALISMO Y FUTURISMO. LA LITERATURA EXPERIMENTAL EN SU RELACIÓN CON LOS NUEVOS MEDIOS DE EXPRESIÓN ARTÍSTICA (CINE Y FOTOGRAFÍA). ANEXO 10: CONTEXTO FINALES S.XIX Y PRINCIPIOS S.XX 38 29-NOVIEMBRE-2012 LA HISTORIA DEL TÉRMINO VANGUARDIA Procede del mundo militar, se refiere a la parte delantera del ejército. Posteriormente, en Francia, se traslada al ámbito político: designa a las posiciones más liberales y extremas. A partir del siglo XIX, se usa sólo en el ámbito artístico: En primer lugar, se aplicaba a escritores de tendencias próximas al comunismo. Baudelaire designaba a los vanguardistas como “escritores liberales, ideológicamente de izquierdas”. También se designa un concepto nuevo al referirse al arte de vanguardia. Este arte tiene su desarrollo en la sociedad industrializada y capitalista. La existencia de las masas exige que las manifestaciones culturales se muestren a su favor. Los intelectuales defienden el valor y la autonomía de sus productos culturales frente a la sociedad de masas. La actitud principal de las vanguardias es la “huida hacia adelante”. Huyen tanto del pasado como del presente. Las Vanguardias están vinculadas al fascismo. Posteriormente, se relacionará también con el comunismo. El germen del surgimiento del fascismo está vinculado a la cultura experimental francesa. 4-DICIEMBRE-2012 LITERATURA EUROPEA Y MOVIMIENTOS DE VANGUARDIA: FUTURISMO, DADAÍSMO, SURREALISMO Y EXPRESIONISMO. En el S.XIX para definir a los literatos más creativos se decía que pertenecían a las vanguardias, movimientos: estéticos que se suceden a un ritmo vertiginoso cuyo primer hito es el Manifiesto Futurista escrito por el poeta Italiano Filippo Tommaso Marinetti acabando 1908 y publicado en Le Figaro en Francia en 1909. 38

Anexo: 10 : INTRODUCCIÓN AL CONTEXTO EUROPEO DEL PRINCIPIO DE SIGLO XX (resume y aclara lo anterior).

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FILIPPO TOMMASO MARINETTI, FUTURISMO Filippo Tommaso Marinetti. Italiano, que también por su educación es bilingüe, también escribe en francés. Se traslada a Paris y allí entra en contacto con autores ligados a los círculos simbolistas tardíos. Marinetti al frecuentar los círculos de los jóvenes literatos franceses en Paris, se queda fascinado al conocer un texto dramático de Alfred Jarry: Ubu Rey (imitando esta obra escribe Le roi bombance). El contacto de Marinetti con estos autores que lleva a cabo una literatura experimental acaba cuajando en la creación de un movimiento estético que no solo se concibe para los artistas que trabajan con la palabra sino también con los artistas visuales, para tener un estándar de este nuevo movimiento escribirá El manifiesto futurista39, publicado en 1909, que muestra la exaltación de la violencia, los coches, la guerra, el militarismo y el patriotismo y propone la destrucción de museos y bibliotecas, como demostración de la ruptura con el pasado. Los futuristas rompen con la sintaxis tradicional y prescinden del adjetivo y el adverbio, llegando hasta el punto de sustituir los signos de puntuación por símbolos matemáticos. Rechazo a lo que según Marinetti se denomina modernolatría y pasadismo. Subrayaba la conciencia de los intelectuales de la importancia de la prensa periódica a la hora de influir en la opinión pública. A partir de la vanguardia las oleadas estéticas se encuentran en una sociedad industrializada de masas. En ese contexto especifico, se trata de ejercer una cierta influencia a través de los medios de comunicación. No solo se publican en papel, sino también en la radio cuando esta surge. El Manifiesto Futurista tenía 11 puntos: 1. Queremos cantar el amor al peligro, al hábito de la energía y a la temeridad. 2. El coraje, la audacia y la rebeldía serán elementos esenciales de nuestra poesía. 3. La pintura y el arte ha magnificado hasta hoy la inmovilidad del pensamiento, el éxtasis y el sueño, nosotros queremos exaltar el movimiento agresivo, el insomnio febril, la carrera, el salto mortal, la bofetada y el puñetazo. 4. Afirmamos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un coche de carreras con su capó adornado con grandes tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo... un automóvil rugiente que parece que corre sobre la metralla es más bello que la Victoria de Samotracia. 5. Queremos alabar al hombre que tiene el volante, cuya lanza ideal atraviesa la Tierra, lanzada ella misma por el circuito de su órbita. 6. Hace falta que el poeta se prodigue con ardor, fausto y esplendor para aumentar el entusiástico fervor de los elementos primordiales. 7. No hay belleza sino en la lucha. Ninguna obra de arte sin carácter agresivo puede ser considerada una obra maestra. La pintura ha de ser concebida como un asalto violento contra las fuerzas desconocidas, para reducirlas a postrarse delante del hombre.

La censura actuará pronto y se prohibirá la difusión del libro.

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8. ¡Estamos sobre el promontorio más elevado de los siglos! ¿Por qué deberíamos protegernos si pretendemos derribar las misteriosas puertas del Imposible? El Tiempo y el Espacio morirán mañana. Vivimos ya en lo absoluto porque ya hemos creado la eterna velocidad omnipresente. 9. Queremos glorificar la guerra - única higiene del mundo-, el militarismo, el patriotismo, el gesto destructor de los anarquistas, las ideas por las cuales se muere y el desprecio por la mujer. 10. Queremos destruir los museos, las bibliotecas, las academias variadas y combatir el moralismo, el feminismo y todas las demás cobardías oportunistas y utilitarias. 11. Cantaremos a las grandes multitudes que el trabajo agita, por el placer o por la revuelta: cantaremos a las mareas multicolores y polifónicas de las revoluciones en las capitales modernas; cantaremos al febril fervor nocturno de los arsenales y de los astilleros incendiados por violentas lunas eléctricas; a las estaciones ávidas devoradoras de serpientes que humean, en las fábricas colgadas en las nubes por los hilos de sus humaredas; en los puentes parecidos a gimnastas gigantes que salvan los ríos brillando al sol como cuchillos centelleantes; en los barcos de vapor Es desde Italia donde lanzaremos al mundo este manifiesto nuestro de violencia atropelladora e aventureros que huelen el horizonte, en las locomotoras de pecho ancho que pisan los raíles como enormes caballos de acero embridados de tubos y al vuelo resbaladizo de los aviones cuya hélice cruje al viento como una bandera y parece que aplauda como una loca demasiado entusiasta. Incendiaria, con el cual fundamos hoy el "futurismo", porque queremos liberar este país de su fétida gangrena de profesores, de arqueólogos, de cicerones y de anticuarios. Ya durante demasiado tiempo Italia ha sido un mercado de antiguallas. Nosotros queremos liberarla de los innumerables museos que la cubren toda de cementerios innumerables. Filippo Tommaso Marinetti, "Le Figaro", 20 de febrero de 1909 Estos puntos (violencia, provocación, tipo de ideología…) en realidad van a ir accionados por acción y por vocación: el escándalo. De hecho al margen de estas provocaciones el escándalo por Marinetti va a venir de la mano de la primera novela futurista: Mafarka el futurista.40 Destacan los principios de violencia (que incide en el control de la muchedumbre- totalitarismo de corte fascista). Gran parte de los intelectuales futuristas pertenecían al fascismo italiano, (pero también se diferencian los futuristas que se mantienen en los planteamientos más puros que son fundamentalmente anticlericales); ruptura radical con la tradición cultural y artística previa (toda la cultura “quemar academias, bibliotecas, museos…”, huida hacia delante con un único valor seguro, el avance a la modernidad que se identifica con la tecnología); misoginia explicita (antifeminismo). Un crítico como Alberto Asor Rosa en 1967 incidía en las ideas q tienen los movimientos de vanguardia, que solo se comprenden en función de los fenómenos de la sociedad capitalista e industrializada de masas.

En 2010 hay un artículo. Revista Espéculo. El libro se censurará y se intentará retirar.

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No solo se difunde a través de la prensa y la radio. Marinetti promueve una serie de actos en teatros de Milán donde participan pintores y literatos. Incluso forman un partido político que se diluye en el partido fascista de Mussolinni. Los futuristas menos radicales, más puros, no apoyan el fascismo italiano por su cercanía a la iglesia. Destaca en las letras españolas Jiménez Caballero, que había estado en Milán e intenta implantar en futurismo a la española en el fascismo de Franco. Con el futurismo se crean parámetros que luego los movimientos de vanguardia van a repetir. Por ejemplo. el hecho de que su presentación al publico vendrá a partir de un manifiesto (en prensa, radio, recitales…). Es importante el concepto de serata o velada: el happening41de este tipo de presentaciones. Serata del futurismo, para dar a conocer el manifiesto futurista. Superhombre-marinettiano: Escándalo de ámbito sexual. Al intentar ofrecer al gran público como un movimiento que lo comprende todo, gesta como un tipo de presentación: Serata del futurismo, para comprender el alcance del movimiento. El futurismo es el gran primer movimiento de vanguardia, además es el paradigma donde se inspirarán los movimientos de vanguardia posteriores. La difusión del futurismo:       

Creación artística: Futurismo. Labor editorial: Es más importante difundir que escribir. Veladas futuristas: exponían sus poemas, cuadros y declaraban sus manifiestos. Prensa. Carteles en la calle. Panfletos. Radio.

El futurismo no sólo se plasma en la literatura, también en moda, pintura e incluso cocina. En literatura, el futurismo supone una revolución tipográfica: caligramas (ya se empleaban en el cubismo). DADAÍSMO: Fue fundado por el rumano Tristán Tzara. Se caracteriza por el uso de la burla y el humor corrosivo y por la negación del pasado cultural. La vida del movimiento fue muy breve, pero sirvió para sentar las bases del surrealismo. Manifiesto Dadaísta.

Principio.

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SURREALISMO42 Quizá la única que hoy en día sigue viva43. El primer manifiesto Surrealista es de 1924 con los poetas Breton, Aragon y Eluard. Breton, Aragon y Éluard tienen en común: La unidad ideológica (PCF)y la práctica creativa: todos ellos emplean la técnica de la “escritura automática” En 1930 darán a conocer el segundo Manifiesto Futurista. Los poetas surrealistas nacerán y morirán como surrealistas. Breton (la raíz del movimiento) se formó ya con los poetas innovadores del dadaísmo, aunque luego evolucionará a un cauce creativo mucho más personal y para él será capital su experiencia laboral en una clínica psiquiátrica, es decir, el conocimiento directo de la teoría del psicoanálisis de Freud. Breton planteará el artista con el contacto con el mundo de los sueños. Para ellos, la creación a través de elementos oníricos y del subconsciente, les acerca a un plano mucho más cercano a la realidad que lo que podemos obtener a primera vista.44 Reivindicación de la escritura automática, que el poeta deje constancia de lo primero que escribe sin ceñirse a la posterior corrección.45 La creación debe incorporar un carácter lúdico (juego). El juego que acuñan es el de Los cadáveres exquisitos”: poetas con una formación culta cogían hojas, el primero escribía un verso, el segundo sin verlo escribía otro y así sucesivamente. De esta forma surgía un texto de carácter exquisito: obra colectiva en el que participa el juego, es complementario irracional. Si hasta el siglo XIX se había visto al artista como una especie de genio con una dote superior, ahora la visión que se tiene de la creación artística es una suerte de juego, una visión lúdica de la creación artística. El hecho de que estemos en la década de los XX, tienen lugar nuevas formas de expresión: la fotografía. También tendremos cine: se considera como la gran película surrealista, idea de dos españoles aunque rodada en Francia El perro andaluz de Dalí y Buñuel. Supone la ruptura entre Dalí y Lorca, dado que el segundo se sintió atacado. 46 También tenemos animación porque Dalí es el autor de un corto de animación para adultos en colaboración con Walt Disney. Método paranoico-crítico: La única diferencia entre un loco y yo, es que yo no estoy loco. Cartas de Maldoror de Conde de Lautreamont será una de las obras que más sirva de inspiración a los surrealistas.

Equivocación del término en su traducción al castellano (sur-realismo: sobre la realidad). Blanca Andreu: Poeta española actual que cultiva el surrealismo. 44 Hay autores que hablan de SUPER-REALISMO. 45 Escribiría en trance, sería una expresión directa del psiquismo más profundo. 46 Dalí y Lorca tuvieron una relación platónica amorosa. Dalí se jactaba de que Lorca había estado enamorado de él. Lorca pensó que El perro andaluz era él. 43

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Los grandes surrealistas franceses vienen a España a dar conferencias y a recitar sus poemas. Por este motivo, artistas españoles influenciados por esta corriente acuden a París a aprender. A partir de 1925 varios autores franceses se les invita a dar conferencias en Madrid, y dichas conferencias las dictan en las residencias de estudiantes, donde conviven Dalí, Lorca y Buñuel, atraídos por la estética irracional y onírica. Buñuel y Dalñi se trasladan a Paris y allí ruedan con ese interés, la primera película surrealista (en Francia, con el movimiento surrealista pero por españoles Un perro andaluz). En Paris Dalí conoce a la mujer de Eliard y esta abandona a su marido y se va con Dalí (Gala Dalí), se lo lleva a EEUU y se convierte en uno de los pintores más famosos del momento, en Francia le llaman Avida Dollars. SURREALISMO EN ESPAÑA Durante años, la crítica ha mantenido el debate sobre si el surrealismo español se puede considerar o no como un género aparte. El motivo del debate es que el surrealismo en España tuvo mucha importancia , en algunas disciplinas como la pintura (Dalí), o el cine (Luis Buñuel – Un perro andaluz) incluso eran líderes. Además poetas como Lorca decían que no hacían uso de la poesía automática. F.G. Lorca, V. Aleixandre, L. Cernuda o R. Alberti (Generación del 2747), permanecía relacionados al neopopulismo y andalucismo hasta el 27, que acceden al neogongorismo. Se dice que hay una etapa en España de creación y de experimentación, para los poetas españoles el surrealismo es solo una etapa al contrario que en Francia que los autores nacen y mueren surrealistas (Ej. Alberti que gana el premio nacional con Marinero en Tierra, 1925. Se identifica con el neopopularismo48). Esto supone el principal problema para admitir que estos poetas pudiesen ser surrealistas. Además, todos rechazan la adscripción a una línea política concreta, salvo Alberti que se inscribe en el PCE, y posteriormente Miguel Hernández. El surrealismo francés se identifica con el comunismo, los españoles no tienen una adscripción marcada: no tienen una ideología marcada. La crítica ha reconocido como obra maestra del surrealismo español es Poeta en Nueva York49 de Federico García Lorca. Destacan también Vicente Aleixandre con Espadas como labios y La destrucción o el amor y de Alberti Sobre los ángeles50. Estos autores marcarán el rumbo de la poesía moderna actual: •Federico García Lorca: Grupo cántico. Su obra surrealista más importante es Poeta en Nueva York, que a su vez es la obra española surrealista por excelencia.

La Generación del 27 la forman un grupo de extraordinarios poetas, nacidos en fechas cercanas, unidos por estrechas relaciones de amistad y de compañerismo y por unas inquietudes literarias y culturales inquietas. 48 Recuperación de una forma poética de rango popular. 49 Poeta en Nueva York relata la impresión del escritor cuando llega a la gran megalópolis de la nueva ciudad capitalista durante 1929 contextualizado en la Gran Depresión. Lorca vive las colas de méndigos, la gente tirándose por los rascacielos. Lorca tuvo experiencias sexuales con varones de raza negra. 50 La escribe en un momento de crisis para el autor: crisis personal, afligido.

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•Vicente Aleixandre: Culturalismo del 70: irrumpen en el texto una gran cantidad de culturas diferentes. Su principal obra surrealista es Espadas como labios.51 •Rafael Alberti: Dos de sus obras surrealistas más destacadas son Sobre los ángeles y A la pintura (poemario en el que aparecen écfrasis de distintos cuadros). R. Alberti rompió la relación con su familia (de origen burgués) y se inscribió en el Partido Comunista. Era el único que coincidía con la ideología inicial del surrealismo francés. Posteriormente fue una de las principales voces del exilio. Una de sus obras más criticadas: Cal y Canto (críptico hermética). •Luis Cernuda: A diferencia de los autores anteriores, Cernuda no publica volúmenes completos de poemas surrealistas. Sólo pertenecen a esta corriente algunos de sus poemas. Autores como Jaima Gil de Biedma, Francisco Brines o Luis Antonio de Villena toman como referencia la figura de Luis Cernuda. Los dos únicos poetas de la Generación del 27 que permanecen en España durante la dictadura son Dámaso Alonso y Aleixandre, que no se posicionaron públicamente en ningún partido. Cernuda realizó importantes estudios de la poesía romántica inglesa. El poeta se autodefine como “rebelde” y resalta el arquetipo de la rebeldía y la iluminación satánica con un matiz metapoético. DIFERENCIAS DEL SURREALISMO ESPAÑOL CON EL SURREALISMO: 1. Breton, Aragon y Éluard son tres poetas unidos por una ideología común, los tres eran miembros del PCF. En España el único con esta ideología era Alberti. 2. Los surrealistas franceses tienen una línea creativa continua y homogénea. Fundan el Surrealismo y la poesía de su senectud sigue siendo surrealista. En cambio, los poetas españoles son surrealistas sólo en una etapa concreta. 3. El surrealismo francés está fomentado por una cohesión muy fuerte entre miembros, mientras que los españoles funcionan por libre. 4. Los franceses definen como práctica literaria del surrealismo la escritura automática. Por el contrario, los españoles no creen en la escritura automática, ya que ejercían un control más o menos férreo sobre su escritura lírica. La pregunta es, si hay tantas diferencias ¿Por qué se llama surrealistas también a los poetas españoles? Porque el germen creativo es idéntico:   

Porque sus poemas tienen la misma base irracional, y la misma naturaleza visionaria. Porque ambos realizan sucesión incontrolada de imágenes y símbolos, muchas veces con una inspiración onírica. Tanto franceses como españoles tienen en común su actitud antiburguesa, y crítica hacia los preceptos de la Iglesia.

F. García Lorca y V. Aleixandre en un futuro reniegan de su etapa surrealista.

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Intentan romper con las imágenes violentas o con una naturaleza primaria que escapa al control del individuo. Esto lleva a emplear un tipo de imágenes que tienen que ver con la sexualidad (en el caso de Lorca, la homosexualidad- tema tabú).

NEOSURREALISMO Movimiento de vanguardia. En España, la máxima representante de la estética neosurrealista fue El Sueño Oscuro, recapitulación de cuentos de 1980 a 1989 de Blanc Andreu. 11-DICIEMBRE-2012 FEDERICO GARCÍA LORCA: Durante la década de los veinte, Lorca llega a convertirse de los primeros autores con Romancero Gitano (obra que entronca con el neopopularismo). (El romance puede ir con estribillo desde un punto de vista temático, el desarrollo de unas claves muy ligadas a la tierra de origen del escritor). El hecho de que el libro se centre en una clase social absolutamente apartada y destruída: gitanos (sociedad aparte en el panorama del país). El estilo es sencillo con capacidad de aprensión. En el Romanceo Gitano aparece otro tema que supone un punto de inflexión, va a suponer el primer título de una nueva forma de escribir en español: imágenes y formas del surrealismo. Realmente supone un giro de 180º: de un libro fácil a difícil, de abierto a hermético. Además aparece un tipo de imágenes irracionalistas como uno de los motores principales de la creación lírica. Lorca al inicio de su madurez era un tipo de verso continuista, de repente, produce un cambio radical. POETA EN NUEVA YORK52 El primer libro surrealista español comienza a gestarse en 1929, a partir de unas circunstancias biográficas muy concretas: Lorca había tenido una relación amorosa con un escultor, rompe con él y quiere alejarse de Madrid. Entre 1929/1930 Lorca recibe una beca y se va a Nueva York. Lorca llega a Nueva York siendo originario de un pequeño pueblo, y acostumbrado a ciudades como Granada La experiencia de la gran metrópolis económica del mundo, del liberalismo y la explotación económica (Nueva York) le deja subyugado. Además, le toca vivir el crack del 29: vive como testigo la falla del sistema. En esa época conoce el jazz, va a los barrios marginales y asiste a orgías con gente de diferentes razas. Hay que recordar que él era un miembro de la alta burguesía. Este tipo de vivencias le llevan a reconocerse diferente, y se da cuenta de que no va a poder integrarse en la sociedad altoburguesa. Entre otras cosas, Lorca se inspiró en Leaves off grass de Walt Whitman. Esta obra no es surrealista, pero está considerado el primer libro de poesía contemporánea en EEUU.

Esta obra es un poemario sumamente complejo de lectura. Algunos críticos lo definen como un libro hermético.

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Características de la obra: Compromiso cívico del yo lírico; se siente unido a los ciudadanos más humildes. Este yo lírico exalta en sus poemas la belleza viril, porque Whitman es homosexual. Lleva su homosexualidad con una naturalidad impensable en la España de la época. En cuanto a la forma: hay versos de muchas sílabas que no respetan paradigmas líricos. La homosexualidad de Lorca le hace vivir una gran crisis religiosa. Él provenía de una familia burguesa, y en España la burguesía era muy creyente. En Poeta en Nueva York se incluye Grito hacia Roma, que es una clara crítica a la Iglesia. También se incluye un homenaje de Lorca al autor de Leaves of Grass: Oda a Walt Whitman. Publicación del poema: Entre el 29 y el 31 Lorca va haciendo una recolección de poemas que posteriormente se publicarán todos juntos en Poeta en Nueva York. Lorca es consciente de que sus poemas son tan transgresivos que si los publica supondría un escándalo. Por este motivo no se decide a publicarlos hasta cinco años más tarde (1936), convencido por unos amigos que habían visto sus poemas. Lorca se los da a José Bergamín (otro poeta del 27) para que los saque en Revista de Occidente. Pero justo en 1936 estalla la Guerra Civil española, por lo que no llega a publicarse ese año. Bergamín se llevó el manuscrito original al exilio (primero a Francia y luego a México). Habrá que esperar 8 años para que el original perdido vuelva a Bergamín. Finalmente el poemario se publica en 1944 uno en México y otro en Nueva York 53, porque aparecen varias copias. Las copias son distintas, porque entre el 31 y el 36, Lorca había revisado su poemario. En esta primera edición hay dos estadios distintos de un mismo libro. Se cree que la obra de Mexico fue modificada por un poeta que fue quien lo editó. El libro desde su origen plantea algunos problemas: el típico de lírica que produce el surrealismo no está amparado por la pragmática ordinaria (se puntúa de distinta forma, acaba convirtiéndose en una anomalía. Hay que aclarar que aunque Poeta en Nueva York es un poemario surrealista, Lorca no es surrealista. CONCLUSIONES     

Problemas con las dos ediciones distintas. Problemas del lenguaje poético. Lorca proviene de la alta burguesía “granaína”. Opresión de las clases favorecidas en NY. Lorca vive en NY desde Junio de 1929 hasta 1930). Racismo: Negros. Discriminación negra en la gran ciudad.

No es el mismo libro si se cotejan los textos, se ve que hay variantes: relacionales, un misto texto puede presentar diferentes estadios de relación o que existan varias versiones del mismo texto elaboradas por el autor, introducir cambios en el tiempo de estratificación de una misma obra literaria. Ej. Juan Ramón Jiménez sometía sus propios textos a modificación tras modificación. En el caso de Un poeta en Nueva York, no había ningún parámetro para atribuir más veracidad a ninguno de los dos textos.

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Capitalismo e industrialización. Espacio característico del lenguaje humano: aniquilación y explotación de la naturaleza. Tema de la religión: Lorca se toma a si mimo como diferente. Sexualidad prohibida: Genera una crisis que se ve traducida en un grito de denuncia. La visión problemática de la religión. En Poeta en Nueva York aparece claramente expuesto el tema de la homosexualidad. Lorca tratará de reivindicar el más allá de las tendencias eróticas. Un homosexual no tienen porque ser una “loca”. Darck Hiumans se le considera el padre de la poesía más identificada con el pueblo en la lírica precedente.

Poeta en Nueva York, hoy en día puede suscitar algo de escándalo, imaginar lo que supuso hace 60 años. A partir de los textos de Poeta en Nueva York la homosexualidad quedó más ivedenciada. SONETOS DEL AMOR OSCURO, FEDERICO GARCÍA LORCA En Sonetos del amor oscuro, Lorca reniega la homosexualidad. La primera difusión de Sonetos del Amor Oscuro fue un ideal “secreto a voces”. El tema sin embargo sigue siendo un tabú. En definitiva, tratar de someter a Lorca en una especie de tendencia sexual es reducir al mínimo a su obra. Hasta el punto de que en una de las filas teatrales donde él participaba como coordinador (actuaban chicos y chicas) hubo una errata y le pusieron Federico García “Loca” (Diario ABC). Lorca empleará el YO LÍRICO: pretendidamente autobiográfico. Con ver el título de los poemas surrealistas de Lorca se ve que pretendidamente autobiográfico. 13-DICIEMBRE-2012 Vuelta de Paseo54, Federico García Lorca Asesinado por el cielo, entre las formas que van hacia la sierpe y las formas que buscan el cristal, dejaré crecer mis cabellos. Con el árbol de muñones que no canta y el niño con el blanco rostro de huevo. Con los animalitos de cabeza rota y el agua harapienta de los pies secos. Con todo lo que tiene cansancio sordomudo y mariposa ahogada en el tintero. Tropezando con mi rostro distinto de cada día. ¡Asesinado por el cielo!

En primer lugar, cuando observamos los adjetivos del poema ya nos podemos dar cuenta de la temática del mismo (sordomudo, muñones, roto, asesinado, ahogada) 54

Se trata del poema que abre Poeta en Nueva York.

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Los Ejes de Isotopía sobre los que se sustenta el poema son: -Invalidez (sordomudo) -Mutilación (muñones) -Violencia (rota, asesinada, ahogada)

Una característica principal en los motores creativos de una imagen surrealista es la transposición de elementos humanos a la cosa, y la cosificación del humano (sirve también de denuncia). Ej. “Árbol de muñones que no canta” y “El niño con el blanco rostro de huevo”. El poema tiene una estructura circular: Empieza y acaba con Asesinado por el cielo. Que el poema sea circular y se titule “Vuelta…” no es casualidad: el título ya nos está sugiriendo la estructura del poema. En la primera estrofa da la sensación de que Lorca está atrapado u oprimido en la gran ciudad (NY): 

“Asesinado por el cielo”: Transmite la opresión de la urbe y la opresión de lo religioso, que constriñen los impulsos naturales.

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“Formas que van hacia la sierpe”: Lorca hace referencia al metro. Es destacable que no alude a personas: el individuo está anulado por la masa, ya no son personas, sólo son formas.

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“Formas que buscan el cristal”: Hace referencia a los rascacielos. La elección de palabras no es casual: sierpe alude a lo masculino, mientras que cristal se refiere a lo femenino. Lorca asegura estar en medio, porque es un hombre que ama a los hombres. “Dejaré crecer mis cabellos”: Dejarse crecer el pelo en algunas culturas es una señal de luto.

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El mensaje que logra crear es de la absoluta incomodidad en Nueva York ye en todo lo que le rodea. Posteriormente describe todo lo que ve en el paseo. Son elementos que a priori deberían inspirar ternura, como un niño, un árbol, animalitos…Sin embargo, Lorca refleja todo lo contrario, ya que asocia estos elementos a otros de violencia o sufrimiento (por ejemplo, el niño no tiene cara, la mariposa está ahogada, los animalitos tienen la cabeza rota…)

En Vuelta de Paseo Lorca describe al Yo lírico paseando y describe a su vez todol o que ve. Esto ya lo hacía Baudelaire. Está claro que Lorca tenía influencia sobre todo de poetas modernos (Baudelaire, Whitman). En cuanto al estilo del poema cabe destacar que aunque sea surrealista, tiene rima asonante en e-o a partir del cuarto verso en los pares. Esto evidencia que a pesar de ser surrealista, el poema no nace de la escritura automática. Quitando el verso inicial, los versos 4-6-8-10-12 riman en asonante. Con observar este detalle ya rompe con los postulados del surrealismo 51

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francés. Se relaciona con el “romancero gitano” (rima asonante en pares) y su estructura. Pese a ser un poemario de vanguardia no rompe con la formación poemática clásica, sino que la apoya. En Vuelta de Paseo podemos observar una cierta implicación afectiva de Lorca con lo que está viendo (ej. “animalitos”). Tiene de surrealista el uso de las imágenes irracionalistas. Se da una inversión de los planos, el objeto se humainza y lo humano se cosifica, igual se da la animalización. Lorca configura el Yo lírico del poema como un sujeto en medio del conflicto entre el individuo y la masa. “Tropiezo con mi rostro distinto de cada día”: el mensaje de Lorca es que no puede realizarse como persona, porque le obligan a cambiar (cada día tiene una cara distinta). De esta manera no puede ser él mismo. Acumulatio/Congenies: Acumulación de elementos que configuran una descripción. En el caso de Vuelta de Paseo sería: árboles, niños, animalitos, agua, mariposas…. Todos estos elementos tienen en común la vida y la belleza. Esto induce al lector a pensar que lo que Lorca ha visto en el paseo es bello. Sin embargo, cada vez que aparece uno de estos elementos vine seguido de otro elemento que indica que está mutilado o que ha sufrido algún tipo de violencia (ej. “animalitos de cabeza rota”, “mariposa ahogada en el tintero”). OTRAS CARACTERÍSTICAS SURREALISMO Continuando con las características del surrealismo, es importante destacar que este movimiento intenta llegar al máximo de público posible (difusión masiva).Esto ha hecho que siga, vivo (en la lengua coloquial todavía es posible hablar de algo “surrealista”). Si nos limitamos a ver cómo funciona el surrealismo desde el punto de vista poético, en Poeta en Nueva York ya se pudo observar: el yo lírico se marca por un compromiso cívico planteado como la denuncia del abuso de contenido ético. En el surrealismo se pueden hacer principalmente tres tipos de denuncia:   

De índole religiosa (Grito a Roma, Lorca) Denuncia económica-social: abusos sistema capitalista, caída economía por el crack del 29. Denuncia de tipo política: el mayor ejemplo de poemas de denuncia política es Alberti, que pertenecía al Partido Comunista.

Otro detalle importante del surrealismo es la manera en que se vive la propia sexualidad. En el caso de Lorca, hay una crisis entre lo que él busca (su homosexualidad) y su educación. Comienza una serie de quejas que toman cuerpo en la “Oda a Watt Whitman”. El tratamiento está desprovisto de tabúes, incluso desde el punto de vista estilístico. . Antes lo erótico se trataba de forma más implícita, debía llevar un velo elegante y oscuro que no provocara el rechazo del lector.

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18-DICIEMBRE-12 El vals, Vicentre Alexaindre Eres hermosa como la piedra, oh difunta; oh viva, oh viva, eres dichosa como la nave. Esta orquesta que agita mis cuidados como una negligencia, como un elegante bendecir de buen tono, ignora el vello de los pubis, ignora la risa que sale del esternón como una gran batuta. Unas olas de afrecho, un poco de serrín en los ojos o si acaso en las sienes, o acaso adornando las cabelleras; unas faldas largas hechas de colas de cocodrilos; unas lenguas o unas sonrisas hechas con caparazones de cangrejos. Todo lo que está suficientemente visto no puede sorprender a nadie. Las damas aguardan su momento sentadas sobre una lágrima, disimulando la humedad a fuerza de abanico insistente. Y los caballeros abandonados de sus traseros quieren atraer todas las miradas a la fuerza hacia sus bigotes. Pero el vals ha llegado. Es una playa sin ondas, es un entrechocar de conchas, de tacones, de espumas o de dentaduras postizas. Es todo lo revuelto que arriba. Pechos exuberantes en bandeja en los brazos, dulces tartas caídas sobre los hombros llorosos, una languidez que revierte, un beso sorprendido en el instante que se hacía «cabello de ángel», un dulce «sí» de cristal pintado de verde. Un polvillo de azúcar sobre las frentes da una blancura cándida a las palabras limadas, y las manos se acortan más redondeadas que nunca, mientras fruncen los vestidos hechos de esparto querido. Las cabezas son nubes, la música es una larga goma, las colas de plomo casi vuelan, y el estrépito se ha convertido en los corazones en oleadas de sangre, en un licor, si blanco, que sabe a memoria o a cita. Adiós, adiós, esmeralda, amatista o misterio; adiós, como una bola enorme ha llegado el instante, el preciso momento de la desnudez cabeza abajo, cuando los vellos van a pinchar los labios obscenos que saben. 53

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Es el instante, el momento de decir la palabra que estalla, el momento en que los vestidos se convertirán en aves, las ventanas en gritos, las luces en ¡socorro! y ese beso que estaba (en el rincón) entre dos bocas se convertirá en una espina que dispensará la muerte diciendo: Yo os amo.

ANALISIS, El vals En este poema de Aleixandre se puede apreciar una de las formas más comunes de elaborar un poema surrealista: la combinación y la fusión de planos ilógicos. En este caso, se mezclan elementos de la naturaleza con las cosas (baile) (ej. “colas de cocodrilo”). Otra de las opciones más comunes es mezclar lo propio de animales y humanos con los objetos, como ya vimos con Federico García Lorca. El mero estudio del léxico puede ser bastante iluminador en torno al significado profundo del texto. A primera vista, de El Vals llama la atención el uso de una palabra: “pubis”. Si buscamos este término en la base de datos de la RAE (CORDE), fijándonos sólo en la sección lírica desde la Edad Media hasta hoy, podemos comprobar que este término apenas se ha empleado. El motivo es que se trata de un término más anatómico o médico que sensual. Además, hasta el modernismo habría sido impensable que en un poema elegante apareciera un término así. Recordar que una de las características del surrealismo es el tratamiento de la sexualidad de forma más clara, abierta, explícita. “Eres hermosa como una piedra”: desde el principio del el poema podemos apreciar que hay un destinatario explícito (eres…). Esta es una característica típica de los poemas surrealistas. Otra característica de la poesía surrealista es que crea una especie de horizonte o expectativa, que posteriormente se va a romper. Si un lector espera algo de un género, es porque sabe que el autor lo va a hacer. Sin embargo, una de las principales estrategias surrealistas consiste en, transgredir, romper las expectativas. Un ejemplo claro de esto es “eres hermosa como una piedra”: se trata de una antítesis evidente, no sueles comparar la belleza con las piedras, no entra dentro de lo esperado. El lector espera que diga como una rosa, como el cristal…pero no piedra. Parece que Aleixandre esté describiendo una estatua funeraria (no lo dice pero lo insinúa). De esta manera, no estaríamos ante una contradicción, ya que estas estatuas existen. Aleixandre ya ha creado otro horizonte de expectativas que entra dentro de lo lógico. Sin embargo, continúa diciendo “Oh viva…”, por lo que vuelve a romper la expectativa. La estructura sería la siguiente: sobre un plano de quebramiento de lo lógico, hay otra superposición sobre la que se articula cierta lógica, que, sin embargo vuelve a romperse. En el plano léxico cabe destacar que Aleixandre emplea cultismos, aunque de una forma extraña: 

“Eres dichosa como la nave”: Nave es un cultismo de barco, pero la nave no puede ser feliz.

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“Esta orquesta que agita mis cuidados como una negligencia” (el término cuidados es un cultismo, que quiere decir preocupación amorosa): El verbo agitar es transitivo (se agita algo). En este verso Aleixandre transfiere la propiedad de un verbo tangible a un elemento de naturaleza espiritual, como es el amor. Lo que quiere expresar Vicente Aleixandre es que la música hace que irrumpan sus preocupaciones amorosas como un error.

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“Ignora la risa que sale del esternón como una gran batuta”: Esto significa que se está riendo a carcajadas. Es contradictorio, ya que en un baile de etiqueta no está permitido reírse a carcajadas. Que Aleixandre mencione una batuta, nos hace ver que la risa va a regir lo que sucede de aquí en adelante. La batuta es un símbolo fálico, así que de alguna manera Aleixandre nos está revelando el trasfondo del vals. “Todo lo que está suficientemente visto no puede sorprender a nadie”, dice Aleixandre en un verso, pero lo que describe el poeta no es precisamente lo típico, o lo que se puede esperar de un baile de etiqueta.

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“Las damas aguardan su momento sentadas sobre una lágrima”: aquí se aprecia claramente como Aleixandre crea una expectativa en lector para posteriormente romperla: “Las damas aguardan su momento sentadas”. Entra dentro de lo normal, forma parte del contexto lógico de un vals.

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“…sobre un lágrima”: En la segunda parte de la frase irrumpe un elemento ilógico que rompe la expectativa.

Pero este no es el único ejemplo en el que Aleixandre crea expectativas para luego romperlas. Esto sucede a lo largo de todo el poema: “unas faldas largas hechas de colas de cocodrilos”, “unas lenguas o unas sonrisas hechas con caparazones de cangrejos”, “mientras fruncen los vestidos hechos de esparto querido”… Volviendo al ejemplo anterior, “Las damas aguardan su momento sentadas sobre una lágrima, disimulando la humedad”, hay que decir que a pesar de que Aleixandre rompe la expectativa, el mensaje sigue siendo coherente: las damas a las que aún no han sacado a bailar esperan tristes. En esta frase, “sentadas sobre una lágrima, disimulando la humedad” tiene un doble sentido. Aleixandre juega con el tema de la sexualidad. El término humedad es bisémico: puede sugerir que están sudando o que están excitadas sexualmente. 

“Y los caballeros abandonados de sus traseros quieren atraer todas las miradas a la fuerza hacia sus bigotes”: el bigote es un indicio de virilidad. El poeta juega continuamente con el tema de la sexualidad.

Viendo los dos últimos ejemplos, se deduce que el mensaje se debe entender de forma oblicua, no recta. 

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“Pero el vals ha llegado”: Es una personificación, lo propio sería decir que el vals ha empezado. (El vals)”Es una playa sin ondas”: si es una playa sin ondas, no es una verdadera playa. Lo que Aleixandre nos está diciendo es que realmente no se trata de un vals. “Las cabezas son nubes…”: El poeta quiere decir que los asistentes al baile (altoburgueses) no son muy brillantes. El rechazo a la burguesía es una de las características de la poesía surrealista.

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“Pechos exuberantes…”: Este es otro ejemplo de que todos los elementos anatómicos que Aleixandre incluye en el poema están relacionados con zonas erógenas.

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“Dulces tartas caídas sobre los hombros desnudos”, “Un beso sorprendido en el momento en que se hacía cabello de ángel”: Se apunta al deseo sexual con cosas de la gastronomía.

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“Las palabras limadas”: Las palabras deben estar marcadas por un elegante bien decir de buen tono. “Las manos se acortan más redondeadas que nunca”: no son como garras, sino que se redondean, sometidas por una lima. Al final hace referencia a “la espina”, que es un símbolo fálico. La muerte es otra manera de referirse al culmen del acto sexual.

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La conclusión, el sentido último del poema es que por muy elegante que sea el vals, lo que está escondiendo realmente es el deseo sexual. El trasfondo del poema se revela a través de imágenes cargadas de una sexualidad implícita. 20-DICIEMBRE-2012 Federico García Lorca, Grupo cántico Vicente Alexaindre, Culturalismo 70 Luis Cernuda: Jaime Gil, Francisco Brines y Luis Antonio de Villena. La obra de García Lorca ha servido como modelo en los escritores de un conjunto de poetas de los años 40, 50 y 60 que se les conoce como el Grupo Cántico. Algunos de estos poetas han sido muy longevos. Vicente Alexaindre es uno de esos autores longevos, perteneció al grupo de autores que a finales de los 60, principios de los 70 llevarán a cabo el culturalismo, conocidos también como novísimos (Ferrer, Guillermo, Carrero). Luis Cernuda55 logra exiliarse durante la Guerra Civil, sus obras están prohibidas en la España franaquista. Además fue el único que mantuvo un tratamiento bastante directo con el tema de la homosexualidad. Dada esta temática con un yo lirico (que es pretendidamente autobiográfico). Sus obras se pública en Argentina. Luis Cernuda es ejemplo capital de de distintos autores españoles en lo que se refiere al tema de la homosexualidad. Es bastante importante para entender la trascendencia en Jaime Gil, Francisco Brines y Luis Antonio de Villena. Diré como nacisteis, Luis Cernuda Diré cómo nacisteis, placeres prohibidos, Como nace un deseo sobre torres de espanto, Amenazadores barrotes, hiel descolorida, 55

Cernuda fue discípulo de Emilio Salinas (Universidad de Sevilla).

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Noche petrificada a fuerza de puños, Ante todos, incluso el más rebelde, Apto solamente en la vida sin muros. Corazas infranqueables, lanzas o puñales, Todo es bueno si deforma un cuerpo; Tu deseo es beber esas hojas lascivas O dormir en esa agua acariciadora. No importa; Ya declaran tu espíritu impuro.

No importa la pureza, los dones que un destino Levantó hacia las aves con manos imperecederas; No importa la juventud, sueño más que hombre, La sonrisa tan noble, playa de seda bajo la tempestad De un régimen caído.

Placeres prohibidos, planetas terrenales, Miembros de mármol con sabor de estío, Jugo de esponjas abandonadas por el mar, Flores de hierro, resonantes como el pecho de un hombre.

Soledades altivas, coronas derribadas, Libertades memorables, manto de juventudes; Quien insulta esos frutos, tinieblas en la lengua, Es vil como un rey, como sombra de rey Arrastrándose a los pies de la tierra Para conseguir un trozo de vida.

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No sabía los límites impuestos, Límites de metal o papel, Ya que el azar le hizo abrir los ojos bajo una luz tan alta, Adonde no llegan realidades vacías, Leyes hediondas, códigos, ratas de paisajes derruidos.

Extender entonces una mano Es hallar una montaña que prohíbe, Un bosque impenetrable que niega, Un mar que traga adolescentes rebeldes.

Pero si la ira, el ultraje, el oprobio y la muerte, Ávidos dientes sin carne todavía, Amenazan abriendo sus torrentes, De otro lado vosotros, placeres prohibidos, Bronce de orgullo, blasfemia que nada precipita, Tendéis en una mano el misterio. Sabor que ninguna amargura corrompe, Cielos, cielos relampagueantes que aniquilan.

Abajo, estatuas anónimas, Sombras de sombras, miseria, preceptos de niebla; Una chispa de aquellos placeres Brilla en la hora vengativa. Su fulgor puede destruir vuestro mundo.

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ANÁLISIS Los placeres prohibidos es el nombre que le da a la obra, se refiere a amores secretos. 56 

Petrificada, muros, barrotes: Represión de algo que ha nacido en su interior y que ha sido guardado “en una cárcel”. Tiene además un matiz de sufrimiento: espanto, amenazadores.

Cernuda tiene una experiencia literaria bastante sólida, es el autor sobre una reflexión sobre los poetas del romanticismo inglés Lord Bylon. En el S.XIX, Cernuda exaltará la poesía del satanismo.          

Corazas infranqueables: El mero hecho de que estén activos sus deseos le convierten en alguien impuro. Aplacan el deseo insaciable, es como el hecho de saciarse con agua. Se produce un desdoblamiento del Yo: “Yo como si fuera otro”: “hojas lascivas, tu deseo es beber agua acariciando”. “Playa de seda”: agua acariciando, contacto de hombres barones. Juventud, manto de juventudes, estatuas anónimas: Hay que establecer una línea divisoria en este tipo de amores. Placeres prohibidos, placeres terrenales. Placeres y planetas. La mano: Tiene que ver con agua acariciando pero encuentra algo que veta el paso. “Pero si la ira…aniquilan”: La sociedad a estas personas le depara ira. Rey de Reyes: Jesucristo. Vanidad de vanidades: Algo característico de la lengua litúrgica. Sombra de sombras: Por una parte contacto lingüísticos por otro “Los humanos son el sueño de una suma” (Cíngaro).

Hemos estados hablando de la obra lírica de Vicente Alexaindre, Luis Cernuda que después serán un ejemplo de exilio interior. DÁMASO ALONSO Dámaso Alonso y Fernández de las Redondas (1898-1990) fue un literato y filólogo español, miembro de la Real Academia de la Historia y Premio Miguel de Cervantes 1978. NEOSURREALISMO, Blanca Andreu Pasada la década ha habido una écfrasis de la lírica surrealista. El único movimiento de vanguardia que ha sido capaz de renovarla ha sido el neosurrealismo. Cultivada por Blanca Andreu, El sueño oscuro obra que se publicó entre 1980 y 1989. Dentro de los textos de Blanca el más importante es De una niña de provincias que se vino a vivir en un Chagall. Báculo de Babel es otra obra de esta autora. El neourrealismo hace referencia al “yo lirico” femenino e incorpora culturalismo que hablan del magisterio que ejerce esta poetisa en los movimientos.

En la época, la homosexualidad era castigable.

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8-ENERO-2013 8. LA PUBLICIDAD Y LA LITERATURA: APARICIÓN Y RECHAZO DEL LENGUAJE PUBLICITARIO. Una de las principales características de la poesía a partir de los años 70 es que se impregna de referentes a la vida urbana, incluida la publicidad. La inserción de la publicidad en la poesía puede ser a través de tres vías: 1. Referentes a marcas, elementos propios del comercio: Como en el poemario Tierra prometida de Ángel García Galvano. Se trata de una colección de poemas que tienen que ver con el viaje del autor a Israel. Durante el poema se producen irrupciones léxicas de marcas. 2. Que un motivo publicitario de lugar a un poema: como en Chico Wrangler de Ana Rossetti. La autora empezó con poemas de tipo erótico. En este poema habla de una publicidad con un chico musculoso, con pantalones ajustados y fumando. Va recorriendo la imagen progresivamente. Esto supone una abertura de la descripción sexual por parte de autoras femeninas. 3. Vía puramente estética: La publicidad representa una suerte de imposición por parte de la economía, hay que vender un producto a toda costa. La poesía trata de condensar ideales estéticos. Hay una contradicción brutal entre ambos mundos. La forma más veraz de hacer la inserción es que la poesía se enfrente a la publicidad, por ser absolutamente contradictorios. Un ejemplo es Publicidad, ¿me abre? de Ángel Luís Luján Atienza. El autor, haciendo uso de la ironía, hace referencia a que la publicidad deforma el mundo. 9. LITERATURA DE KIOSKO. SUPLEMENTOS LITERARIOS EN PRENSA. LOS BEST-SELLER Y LOS GÉNEROS DE LA PROSA (DE LA NOVELA HISTÓRICA A LA NOVELA FANTÁSTICA).

El desarrollo de la imprenta crea un producto definido como cultural que es el del libro. Asociado a este producto surge un mercado. La consideración del libro como producto cultural va más referido al libro como entretenimiento. En el siglo XVII los dos géneros de entretenimiento de masas eran la novela y la comedia. Había mucha censura porque creían que no había doctrina moral y podían ser perniciosos. Con la pérdida del poder efectivo de la Iglesia se avanza en el libro como producto de entretenimiento, y a partir del XVII la novela se convierte en género indiscutido de entretenimiento. El libro pasa de producto cultural a producto económico, porque se pasa a ver como un producto digno desde siglo XIX. Novela de folletín o por entregas: Se dividían en capítulos que se integraban en el periódico. Lo más parecido hoy son las series de TV. Una vez acabada la novela, el autor adquiría los derechos y podía volver a venderla publicando la novela completa en un sólo volumen. Esto para los autores suponía un doble ingreso económico. El libro como producto cultural:  

Se crea un circuito que se retroalimenta: De la novela de folletín al volumen. La empresa cultural es dueña del medio y de la editorial aneja. Para incrementar las ventas se publicita las novelas en el propio medio (Ej. El mundo con La esfera de los libros)

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El trasfondo desde el siglo XIX es la guerra entre intereses editoriales y económicos.

LOS GRANDES ÉXITOS DE VENTAS (BEST-SELLERS): Generalmente, se suelen asociar al descrédito estético. Las novelas que más se venden en España son: la novela histórica57, negra y fantástica (épica, de ciencia-ficción…). Los grandes éxitos de ventas están construidos con fórmulas totalmente previsibles: El lector sabe qué compra y que es lo que quiere leer. Si estas novelas fuesen experimentales, perderían muchos lectores. Ej. Ejercicios de hibridación: una hibridación de géneros con cierto afán experimental (cienciaficción e histórico, por ejemplo, como en En el nombre de la rosa de Umberto Eco) BEST-SELLER, NOVELA HISTÓRICA, NOVELA HISTÓRICA ESPAÑOLA. ANTONIO PRIETO Antonio Prieto (1930) reúne características especiales dentro de su generació. Nació en Granada. Reside en Madrid y ha sido catedrático de la UCM. Fue el ganador más joven del Premio Planeta, en el año 55 con Tres Pisadas de Hombre. Realizará una tesis doctoral que lo irá alternando con dos universidades de prestigio: Universidad de Pisa y Universidad de Lovaina. Especialista en el humanismo literario del S. XVI. Prosa española del siglo XVI. El perfil académico hace que se mueva como pez en el agua a la hora de reconstruir una novela histórica del siglo XVI. Se le van superponiendo otros perfiles que lo califican como humanista de nuestros días. Es uno de los grandes estudiosos de la literatura renacentista. José Manuel Lara lo captó para la editorial, por tanto, era director de una serie de publicaciones de la editorial y fijo en la Complutense. Una de sus pasiones es la bibliofilia: gran colección de libros impresos del XVI y XVII. Gracias a sus dividendos, pudo formar una de las bibliotecas más famosas de España. Se intercalará su faceta como docente con la de editor. El género que ha creado ha sido en exclusiva la novela y algún cuento. Uno de sus conceptos capitales es la idea de la fusión mítica. Otro aspecto importante es la ucronomía: negación del tiempo, es decir, no hay divisiones temporales, todo está unificado. Hay una antología titulada Cuentos y artículos. Ese título del artículo es una traducción latina de tanquam alter idem refiriéndose a una amistad de por vida. Hay un constante juego de elementos de alta cultura. El contexto externo que motiva el artículo es que ha conocido a alguien en Granada. Lo que el lector no sabe es que Prieto utiliza un género del siglo XVI, el diálogo. Son grandes técnicas de la novela española áurea llevadas a la actualidad. Conecta perfectamente como novelista y su faceta de narrador.

Novela histórica: es muy característica de España, en otros países no es un género tan destacado.

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Otra faceta será la de columnista: se produce un constante juego en sus columnas y sus novelas tomado del ‘un otro yo’ de Cicerón. Género del XVI: género del ‘diálogo’ que se remontan a la prosa del XVI remontándola a la actualidad. Hay seis importantes columnas de Antonio Prieto de las cuales destacan las columnas en Diario 16 y columnas en la Razón, en esta, habla con Diego Hurtado de Mendoza, artículo que coincidió en el tiempo con su preparación de la novela El embajador. Gran importancia de la poesía y prosa española del siglo XVI.

Esta serie de apartados que estamos viendo están todos interconectados. A parte de las novelas (Antonio Prieto ha publicado unas 20 novelas) OBRA ANTONIO PRIETO ARTÍCULOS 

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Primer volumen de textos de Antonio Prieto: Páginas 207-293. Las vidas del embajador, un viaje de ida y vuelta, José Ignacio Diez Fernández: visión brillante y erudita sobre la obra de Antonio Prieto. Volumen II: Artículos periodísticos, Antonio Prieto. Guadalupe Arbona, Con las altas razones de Melanio. Notas sobre la prensa periodística recién de Antonio Prieto. 10-ENERO-2013

EL EMBAJADOR, Antonio Prieto 1. Fusión mítica 2. Ucronía: Huir del mundo acelerado 3. Valores del humanismo (Memoria como identidad, aplicable a personas y sociedad). Narrador: Manuscrito. Secretario: Desdoblamiento. Filólogo: Hurtado de Mendoza, poeta y prosista. Columnista: Personaje diálogo. Novelista: Protagonista biografía novelada. Antonio Prieto: articulista de opinión, novelista y columnista. Tiene una visión personalísima del Renacimiento hispánico y su relación con Italia. Gracias a sus columnas se puede seguir el proceso de documentación de determinados episodios. Personajes que conversan con un yo. Hurtado de Mendoza: protagonista joven, inmortal y soldado de la guerra de Troya, relación con el personaje Melanio. Antonio Prieto aportará 3 volúmenes escritos. Hurtado de Mendoza da lugar a capítulos de estudio en los volúmenes de Prieto.

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En Época de Carlos V, Hurtado de Mendoza muy brillante, cuando asciende Felipe II es relevado. Tuvo que dar su biblioteca personal a Felipe II y ahora se encuentra en El Escorial. Desde el punto de vista genérico, El embajador se considera una obra de éxito, es considerada una biografía novelada. Es de aquellas novelas que podríamos considerarlas un éxito de lector de masas. El embajador podríamos conectarlo a una serie de novelas muy importantes, como El nombre de la rosa de Umberto Eco o Bomarzo de Manuel Mujica Laynez. 58 Bomarzo – el esquema que sigue entronca con la novela histórica porque es la vida de un noble del Renacimiento. Novelas en las que se da libre cauce a los pensamientos de un personaje. Bomarzo se sale de una simple novela histórica porque mezcla los derroteros típicos históricos con el grupo de conciencia. De forma que con El Embajador se puede comparar porque además de usar recursos propios de narrativa histórica, que enriquece con otros elementos (espejo mágico y gallinas de huevos de oro): narrativa popular. La narrativa histórica es una reconstrucción verosímil de un momento histórico dado y en la novela se atenta con esta parte por la inclusión mágica. Se apela a elementos de tipo fantástico que se pueden ligar a determinadas partes del realismo mágico latinoamericano y a cuentos populares. El episodio del hallazgo del espejo es en sí un episodio cómico. Diego Hurtado de Mendoza esconde la gallina de los huevos de oro en una cámara secreta en una biblioteca y como la condición para que siga dando huevos de oro es que no copule con ningún gallo. El protagonista le recita cada mañana discursos en latín sobre las ventajas de mantenerse casta. Diálogo con dos de las grandes obras narrativas europeas - Lazarillo de Tormes – anónimo (muy crítico). Hurtado de Mendoza va a la guerra al norte de África, en el barco conoce a un galeote. Finge que Hurtado de Mendoza se encuentra con Lázaro de Tormes y este escribe un libro con su historia y lo manda imprimir en Florencia. El misterio es la pérdida de todos los ejemplares de la primera edición del Lazarillo de Tormes, Prieto escribe que la toda la primera edición cayó al río. El espejo mágico: no muestra lo que quieres ver, todo lo contrario. El descubrimiento del espejo también humorístico ya que tiene noticias de este por un cautivo cristiano.

Citas en clase: José Luis Borges: Concebir el universo como una biblioteca o el libro infinito. Jorge de Burgos: En una cultura como se debe, la risa no tiene lugar.

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En la travesía se muestra la imagen de quien será su amada en el futuro, que será la bella del cuadro de Tizziano. Prieto hace una conformación de los narradores en la novela. Aparecen tópicos de inicio de la narrativa histórica – plantea la transcripción de un código perdido. Datos del secretario de H de Mendoza en la novela es ecretario del embajador y profesor de poética y retórica de la universidad de Alcalá de Henares (Complotum). Esto significa el desdoblamiento del propio escritor empírico de la novela. Adtestatio rei visae: relato por conocimiento de 1º mano de la acción. Se finge que la transcripción es por el secretario de H de Mendoza cuando realmente es A. Cerrando el círculo de ironía y humor solventa el misterio de la desaparición de Lazarillo, el misterio de la gran cantidad de riqueza fue la gallina de los huevos de oro y que luego conseguirá escabullirse y tener relaciones carnales con un gallo y dejará de dar huevos de oro. A través de guiños al fuego onomástico (interpretatio nominis) y de la propia biografía del escritor. Opus rignom de Margarite Youcenñian (Europa 2º mitad del S. XX). También escribió Memorias de Adrián planteada como una autobiografía por el emperador romano Adrián. RELACIÓN ENTRE LAS ARTES VISUALES Y POESÍA Luis Bagué: Un espejo en el camino. Formas discursivas y representaciones estéticas para el S.XXI. Madrid. Verbum. 2012. 1. Luis Bagué: Pasajeros en el museo. Poetas frente al lienzo. (p. 61 – 76). 2. Mª Dolores Martos Pérez, Espejo de la tradición: Reactivación de la tópica barroca y las relaciones entre las artes en la poesía del S. XXI (p. 77 – 90). Prestar atención a un diálogo barroco de las artes (p. 81 – 89). Almudena del Olmo y Francisco Díaz de Castro. Sevilla. Edición Renacimiento, 2012: “Écfrasis e imitación artística en la poesía hispánica contemporánea”. Juan José Lanz : Dibujo de la muerte: écfrasis e imitación artística en la poesía de Guillermo Carnero (p. 111 – 136). ARTES VISUALES Y POESÍA MODERNA No pueden obviarse ni a principios de siglo, ni en la generación del 27 con respecto al ejercicio de la écfrasis. Hay textos de la literatura modernista española Apolo teatro pictórico de Manuel Machado y Retratos Antiguos de A. de Zares. Respecto a tradición moderna española. En la generación del ’27 se dan obras publicadas ya en el exilio, se puede aludir a un intento de colección ecfrástica de R. Alberti con A la pintura (écfrasis y textos) o Luis Cernuda con una obra referida a Tizziano y El Greco. 64

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Tras la Guerra Civil, en la cuestión contemporánea de la lírica española: se dará una tendencia hegemónica que denuncia los abusos y tendrá un compromiso con la realidad. Los poetas de pos guerra no priman demasiado los valores estéticos. Será un grupo de poetas muy jóvenes con gran éxito. Rompen los anclajes de tradición hiperrealista y proponen la propia experiencia estética respondiendo a estímulos pictóricos y literarios. OBRAS Nueve novísimos poetas españoles Espejo del amor y la muerte (Prólogo de Vicente Alexaindre) Arde el mar, P. Ginferrer Dibujo de la mente, G. Carnero 17-ENERO-2013 Luis Bagué no se fija tanto en aquellos poemas que describen cuadros sino que con libros poéticos se plantea como un recorrido a través de un museo. Con ello se fija en las piezas artísticas más representativas. Rafael Alberti escribe “A la pintura”, es un libro de poemas y se escribe por primera vez en Buenos Aires en 1948. En el estudio de Luis, el primer texto que examina es el volumen de la pintura de Alberti. Alberti era ambidiestro (escritor y pintor). Entra dentro de la categoría de "pintores y poetas" (por ejemplo, Juan de Jáuregui). Es el llamado artistas ambidiestros, ya muy visto en el parnasianismo francés de mitad del siglo XIX. Pese a que Alberti no eligió la pintura siempre realizó obras. Lo pictórico es muy importante en la vida de Alberti, tanto que le dedicó el título a ese libro. En el recorrido que plantea Alberti en la pintura obviamente al ser tratado de una violencia personal, el poemario en parte se plantea como un recorrido a través del museo del Prado. Allí se encuentran las colecciones pictóricas de los Austrias. Alberti dedica toda una sección al italiano Tiziano. Obras como "La bacanal", que guarda amplia relación con las otras Venus. Alberti da una visión de Tiziano desde su adolescencia. Al publicarse el libro muchos años después, se da una revisión de la adolescencia (cuando Alberti vio los oradores) de la madurez. También muestra su influencia del "yo lírico" tras una visita al museo Metropolitan de Nueva York. También basado en su experiencia personal, habla de las miserias de la vida, exilio, etc. Ramiro Fonde escribió en gallego “Na National Gallery” en 2001. Pedro Salinas escribe “Pasajero en museo” (Metropolitan Museum). En los textos de Fonde, este hace de un viejo vigilante del museo que se encuentra con otro gallego en el museo. Pero no se busca hablar de cuadros, sino otros temas (emigración) poniendo la pinacoteca y los cuadros como excusa. Destaca la ironía. Luis Bagué se va a fijar en una serie de reflexiones sobre los textos de Carlos Barral y Carlos Prado. Luis se va a fijar en las inmediaciones del museo. Se fija en las colas de turistas que 65

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están a punto de entrar al museo y reflexiona sobre éstas masas que visitan museos. Trivialización del gran arte a través del turismo. Remite a elementos pictóricos determinadas escenas de esa cola de turistas. En el texto de “El retrato español”, de Carlos Barral habla sobre una gran exposición en El Prado, donde se queja del mismo tema: "gordas que van al museo porque hay que ir para luego comentar algo que no entienden". Pablo García Baena es uno de los autores marginales en la época de la posguerra. En 2006 publica “Campos Elípseos”. Berenci, uno de los máximos exponentes del Grupo Cántico, poetas disidentes al fin del franquismo. En esa obra vuelve a hablar sobre una serie de obras pictóricas (bodegones, vírgenes, escenas religiosas, etc.). Un año después, en 2007, José Corredor Matheos publica un pez que va por el jardín. Hay un ciclo de écfrasis que comienza Ante un cuatro de (Edward Hopper, Pallarés, Joan Miró, Van der Home, Mark Rothko). Luis Bagué publica el libro “El rencor de la luz” en 2006 con tres textos que tienen que ver con la écfrasis sobre tres artistas españoles: Murillo, Velázquez y Sorolla. En el caso de Velázquez, trata sobre “Las hilanderas”.

22-ENERO-2013 Tizziano y los poetas españoles Cetina S. XVI D. H. M Quevedo S. XVII Lope Fernando López Martín S. XX

Alberti Cernuda A. Nuñez – “Figura en un paisaje”

Series ecfrásticas: incluye fotográficas de los cuadros A. Nuñez – el poema incluye convergencia de nociones, en el caso de las pinturas de Tizziano es la réplica artística. “Ha caído la tarde en la alameda que converge…” Características. 66

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4. Bipartición – describe la alameda, fuente con sátiro, ciervo y amantes que pasean. Por lo que la 1º agrupación estrófica se refiere al fondo. Además, recurre a un tipo de novilitación poética que conecta la atmósfera del cuadro (culto y refinado), con la propia elaboración del lenguaje poético (la misma ave de Juno = pavos reales – perífrasis mitológica, muy utilizada durante el barroco, el siglo de oro y el manerismo). Las perífrasis mitológicas recurren a artificios poéticos propios de la hembra del cuadro. La temática mitológica permite conectar con el ambiente refinado. El ciervo y los amantes son percibidos como “en su apresuramiento hacia la nada”= da sensación de movimiento congelado, igual que un fotograma. Se trata de un momento pregnante de dos personajes secundarios. Llama la atención la bipartición establecida, para dar sensación de espacio envolvente del protagonista, sitúa el contexto en 1º posición. Cambio de registro, de descripción plana a apo´strofe / vocativo – aparece una destinataria intratextual explícita en la 2º parte del poema “Y tú Venus de espuma, haces el mismo caso al perrito fiel i al vil pupilo” = se establece que, en realidad, ya se fija en la diferencia de los cuadros ya que en el 1º aparece Venus y en la 2º Venus acariciando un perro. “Sólo un ligero cambio de aderezo te hace vana…” – de un cuadro a otro hay diferencia. De fondo del 1º plano, da cuenta del cambio de acompañante y pendiente. Son cuadros similares pero detecta diferencias. En la segunda agrupación estrófica hay otra bipartición, hay 2 figuras esenciales: Venus y el organista anonadado. Def. bozo = bello de barba primeriza. Diferencias en el cambio temporal del protagonista, aludiendo al bello de la barba: bozo y perilla. Tiene un ribete lúdico ya que se toma la molestia de establecer la comparación entre dos obras archifamosas de Tizziano, diferenciadas por pequeños detalles y para ello ha hecho una reflexión. En un solo texto aparecen dos cuadros. Se repite misma, misma y mismo ya que al abordar dos cuadros muy similares, la 1º cuestión planteada es que tiene que dar cuenta tanto de similitudes como de diferencias. Aparece una écfrasis referida a dos cuadros con pequeñas diferencias y un mismo esquema iconográfico. “Venus con el amor y la música” y “Venus recreándose en la música”

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Otra cuestión que aflora es que desde el S. XVI al S.XX, los poetas españoles que se fijan en Tizziano han tenido en cuenta que los cuadros se definen fundamentalmente por su sensualidad e incitación erótica. Organista – ropas de cortesano del S. XVI Venus – desnuda mítica e intemporal. Otro elemento interesante es que hay determinados artificios poéticos: “Venus de espuma” – es otro artificio mitológico ya que en griego se llama Afrodita = diosa nacida de la espuma. Reflejo poético de características poéticas propias de la época del cuadro. Por su significado y complejidad, es interesante por varios motivos: 5. Ritratti on coperctio (retrato con cubierta – típico del renacimiento) – cuando un noble encargaba a un pintor elaborar su retrato y para que no se estropeara, era muy habitual mantenerlos en un soporte que lo protegía y no se podía ver y se sacaba cuando interesaba. Muchas veces el propio pintor era el que realizaba el cuadro y el coperctio (otro cuadro en la etapa). Obispo Bernardo de Idrosi Ej – retratos de dos hermanos Hermana del obispo – coperctio – ningún documento interartístico. Las coperctio se desgranaran de su contexto original ha hecho la existencia crítica artística sin fundamentar porque no se concebía su función real. “Disputa de eruditos ante el sueño de la doncella “ de Lorenzo Lotto ha dado lugar a interpretaciones diferentes. El cuadro es interpretativo por dos eruditos y un tercero que actúa de narrador sirve de apaciguador. 1. Interpretación I – lluvia áurea 2. Interpretación II – flores / laurel – Lara Petrarca 3. Vanidad del discurso crítico y límites de la interpretación iconográfica. Sermociniato = discurso en estilo directo El cuadro en el que se fija Nuñez es de interpretación problemática, la propia hermenéutica de la obra plástica es complicada y va a ser sometida a poetización – écfrasis.

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La problemática se verá reflejada en los versos, articula una descripción pragmáticamente sorprendente – tres elementos: 6. Sermocinatio I – aparece el plural inclusivo (“Nuestro cuadro presenta…”) 7. Sermociniato II – “Pero son flores lo que llueve sobre la amada del poeta” 8. “Narrador” – poeta (no autoidentificación) Laura, dice el laurel, es la doncella cuya actitud amanerada no se ha podido explicar…” – contraposición entre I y II sermociniatos. Llegamos a la 3º parte, que refleja lo que el poeta puede pensar, así como los límites iconográficos. “Actitud que sería de desprecio si la pintura oyese”. Ejemplo de écfrasis muy singular, ya que hay 3 voces referidas a un cuadro enigmático cuya interpretación resulta muy difícil

Cuadro

discurso historiográfico en torno a la obra

Écfrasis

Por 1º vez, los elementos seleccionados iconográficos tienen gran peso. Diálogo: Pintura cuadro

Poesía / Poema

Discurso crítico de la historia del arte En una misma serie ecfrástica aparecen obras de un mismo pintor: Huysmans – Moreau, Julián del Casal – Moreau, A. Nuñez – “Vista del jardín de Villa Medici” y “El príncipe Baltasar Carlos”. Al igual que toda la colección de Nuñez está bautizada como paisaje – 3 personajes anónimos. Cortinaje blanco + cipreses = sudario de un muerto El yo lírico hipotetiza sobre lo que podría haber y cree que hay una estatua. 2 ejemplos referidos a un mismo pintor español, Velázquez y elige dos géneros pictóricos distintos. El 1º es un paisaje y el 2º retrato (oficial). “Indica posesión de algún paisaje el que sirva del fondo a tu retrato…” – hay un tu intratextual explícito en el poema, que es el propio príncipe. El poema se plantea como un diálogo con el protagonista del retrato.

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Pregunta si el retratado es el dueño del paisaje, no es una pregunta retórica, la contesta negándolo porque está de espaldas, que el verdadero dueño es el pintor que es el que lo ha creado. Vaticinatio ex evento – profecía con suceso ya producido. Muerte o altivez del personaje – la muerte le llegó antes. Parnasianismo (1890) – Julián del Casal – “Mi museo real” (10 Moreau) Serie ecfrástica Poesía española (1970 – 1990) – Aníbal Nuñez En el parnasianismo se usa con regularidad el patrón poético. Descriptio – enunciación plana. La poesía española se vasa en las variaciones – pragmática – enunciación lírica: yo lírico dirigido al tú dentro del cuadro o a Baltasar Carlos. La enunciación plana es totalmente de contrario a enunciación lírica y para conseguir esta última hay que hacer interpelaciones. Polifonía o pluralidad de voces referidas a un cuadro “Disputa de eruditos…” Conclusión de la serie de A. Nuñez: 1ºLa serie ecfrástica se aborda desde el pluriperspectivismo. 2º Introducir variación = carácter mecánico de la reiteración. El estudio de las diferencias ecfrásticas es muy interesante a partir de la cronología en la que se desarrollan.

MELANCHOLIA 9. Alberto Durero  Introducción al renacimiento en ambiente germánico  Gran maestro de la técnica del grabado – más famoso – Melancholia – fictio personae – Alegoría. 10. Guillermo Valencia 11. Aníbal Nuñez Melancholia es descrita en un poema de Guillermo Valencia (modernista) y luego aparece también en la colección “Figura en un paisaje” de A. Nuñez. Cita que aparece en el poema de Durero: “Redent Saturnia rgna” = Vuelven los reinos de Saturno (dios de la melancolía)

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Destaca que la propia figura de la melancolía es la mujer. 24-ENERO-2013    

Pablo García Baena: Grupo cántico (incobarroco) Antonio Colina: Función Pragmática Irene Sánchez Canón Guillermo Carnero: Dibujo de la muerte y Verano ingles bouguerau

Para comprender el alcance de las relaciones entre las artes visuales y la literatura en la segunda mitad del S.XX, tendríamos que tener en cuenta como a finales de los 60 y los 70 hubo una reacción por parte de un grupo de poetas jóvenes con la poesía de compromiso político con temática muy tenue. No solo eran escritores, también eran estudiantes de la literatura. Parte de la lírica, de los más influyentes del Grupo Cántico de Sevilla (García Baena ha sido uno de los más influyentes, gran parte de su inspiración puede acotarse en neobarroco). La principal seña de identidad de los jóvenes escritores es la cronología de los novísimos.59 Respecto a la écfrasis, tiene que ver más con una actitud de estética creativa a otras tendencias artísticas a un tipo de poesía que se convierta en un instrumento de lucha contra los poderes políticos. Respecto a la propia visión que tienen los poetas de este entorno, hay un texto de Guillermo como muy interesante; preámbulo de lectura. La poesía tiene que tener un mensaje que tenga un calado moral. Frente a ellos Carnedo reacciona y dice que esta cultura es inauténtica. Guillermo Carnero (aplicable a todos los poetas de este grupo) establece dos ámbitos: el contrario y lo cultural, que aparecen naturalmente entrelazados. El imaginario cultural no se superpone a un discurso necio. El imaginario cultural de por si empapado de y en simbiosis con ella y se convierte en un procedimiento innovador de la expansión de la intimidad y de su individuo primero en tanto que permite dar cuenta de sus experiencias cotidiana a través de la experiencia cultural. Esto parece también interpretar el lenguaje del YO LIRICO trasponiendo ese yo a un personaje históricio. Dentro de la propia revista Cántico había elementos: emblemas. Antonio Colinas, su primer poemario Sepulcro en Tarquinia. Dentro del arte leprusco. El poema tiene un correlato que no pertenece a la pintura sino a la escritura. El hecho de que el arte etrusco haya quedado en la atmosfera protectora de estar entrenado bajo una cultura ha hecho que gran parte de la cultura conservará la policromía inicial.

Generación de la berza vr los poetas venecianos. La tendencia se crea en una retórica sencilla abierta a lo coloquial. Ciudadano comprometido con su sociedad.

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Sepulcro en Tarquinia: originado en un pueblo leonés había participado en excavaciones arqueológicas. Tras formar en filología en Madrid obtiene un puesto de lector de español en la Universidad de Viena. Es un poemario configurado con la experiencia estética de Colinas. Simoreta Ves Pucci: primer poema de Antonio Colina. En el caso de Guillermo Carnero su obra inicial es Dibujo de la muerta. La ecfrasis más llamativas serán Tempestad (Giorgine).

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ANEXOS ANEXO 1: Poes铆a y edici贸n en el siglo de oro. ANEXO 2: El peregrino en su patria. ANEXO 3: Los trofeos ANEXO 4: Palimpsesto. ANEXO 5: Coloquio de los centauros. ANEXO 6: Oraciones Paganas. ANEXO 7: La flor y la sierpe. ANEXO 8: Armand Godoy o la 茅cfrasis decadente. ANEXO 9: Contexto S.XIX.

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(ANEXO 10) INTRODUCCIÓN AL CONTEXTO EUROPEO DEL PRINCIPIO DE SIGLO XX

Los avances científicos son característicos de todo el siglo XIX (Ej. El cine, en 1895). Surge y se extiende la alta burguesía. Pero estos avances científicos se van a unir a los problemas sociales (derivados de la época industrial), por lo que surgen organizaciones obreras como la I Internacional (1862). También surgen corrientes en contra del materialismo y el neorrealismo, por una parte, y de la estética realista, por otra. Surgen movimientos que dan más importancia a la lírica por encima de la narrativa (prioridad de la forma sobre contenido). PLANO POLÍTICO Inglaterra – Era Victoriana (1837-1901): La paradigma del imperialismo europeo. conservadurismo, alta burguesía, estabilidad revolución industrial. La reina Victoria consiguió imperio.

reina Victoria constituye un Principales características: económica, progreso de la estabilidad y la expansión del

En París comienza el II Imperio con Napoleón III (1852-1870) hasta que se proclama la III República. En 1871 se produce la Comuna de París: una breve insurrección durante 2 meses que acaba instaurando un proyecto de autogobierno que se asemejó al comunismo. A finales del siglo XIX se dan los últimos coletazos del imperialismo europeo. En 1885 en las Conferencias de Berlín, las potencias europeas se repartieron África. En 1887 se produce el fin de la era victoriana: se celebró el 50 aniversario del reinado de la reina Victoria, que se sintió como el final de una era. Comienza la rebelión de las colonias en Sudáfrica, la llamada “Guerra de Boer” (1899.1902). En 1885 ya se habían rebelado las colonias españolas. En 1900, el rey Humberto I (de Italia) es asesinado por un anarquista, hay una rebelión contra la burguesía y la monarquía. PLANO SOCIAL Existe un pesimismo generalizado. En 1859 se publica “El origen de las especies” de Darwin. Se empieza a plantear la existencia de Dios. A finales del siglo XIX el modo de vida preindustrial ya casi había desaparecido. En 1911, casi el 60% de la población vivía en zonas urbanas, lo que trajo como consecuencia: mayor anonimato del individuo; sociedad fragmentada; sentido de clase más flexible. A finales del siglo XIX, las clases altas y la aristocracia ejercían menos influencia. 74

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Preocupación, por parte del Estado, por las clases más bajas. Comienza un proceso de alfabetización: “Education act” (1870); consistía en la educación obligatoria para niños entre 5-13 años. En 1928: sufragio universal (femenino). El público de literatura es poco sofisticado. Nace la prensa popular (no especializada). La literatura popular se dirige a un público semianalfabeto o poco culto. Hay una reacción en los artistas: o bien crean obras para todos, o se produce una intelectualización del arte (obras más elitistas). Ante tantos cambios, surge una forma de expresión muy compleja: “stream of consciounness”: el monólogo interior se basa en esta técnica, se plasma todo lo que se va pensando. Surge una literatura más profunda y también el comic. La intertextualidad es típica (recurrir a otros textos en el propio texto). Kafka está dentro del modernismo, en concreto, del expresionismo y existencialismo. Existencialismo: en el plano social-filosófico. El hombre no encuentra el hogar, es el fin de la seguridad en Dios … el hombre es visto como animal. En España tenemos ejemplos como Unamuno. El exilio espiritual, el hombre se siente sin patria espiritual. Por otro lado, también destaca Kafka, autor modernista, en concreto expresionista y existencialista. PLANO ARTÍSTICO El siglo XIX se considera “la ruina de la civilización”. La modernidad empezó en 1789 (Revolución francesa) y finalizó con la IIGM (1945). Hasta la IGM (1914) la literatura miraba hacia atrás, pero a partir de entonces, se define la modernidad y mira hacia delante. La modernidad es postdarwiniana, trata de explicar el lugar del hombre en el mundo moderno. El modernismo como corriente artística carece de una poética unitaria. . Lo que tienen en común es la revelación contra la burguesía. En cuanto al contenido hay una ruptura con lo anterior, y en cuanto a la forma también (tendencia iconoclasta). SIGLO XX: RUPTURA TOTAL CON EL PENSAMIENTO PRECEDENTE.       

Karl Marx, El capital: influencia en el futurismo. Nietzsche, Así habló Zaratustra: marca las vanguardias. Freud, Interpretación de los sueños: especial impacto en el surrealismo. Bergson, Materia y memoria: influye en Joyce. Frazer, La Roma dorada: el autor es antropólogo, por primera vez se estudian otras tribus que no son occidentales. Darwin, El origen de las especies. Todas estas obras son muy influyentes para el pensamiento de inicios del siglo XX.

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Modernismo, decadentismo y simbolismo: Serán movimientos artísticos de finales del S.XIX que se darán Europa y que supondrán un antecedente a las vanguardias que se gestarán en el próximo siglo. Últimas décadas del S.XIX. MODERNISMO EN LA LITERATURA •Significado amplio: Representa todas las vanguardias de principio de siglo (1890-1930) •Modernismo hispánico (1890-1910): Surge en Hispanoamérica. •High modernism (1910-1930): surge en Inglaterra. Novela: Joyce, Kafka. Teatro: Lorca, Valle-Inclán. MODERNISMO HISPANO: Su máximo representante es Rubén Darío. El modernismo hispano está directamente vinculado con el simbolismo/parnasianismo. Es su continuación. El modernismo va más allá, incluyendo imágenes más atrevidas. Se da un escapismo, que se puede realizar en el espacio o en el tiempo. El modernismo hispánico se desarrolla con más fuerza en 1888 (publicación de Azul) y 1916 (muerte de Rubén Darío). Entre 1917 y 1926 existirán grupos de poetas que quedan anclados en el modernismo (tardomodernismo). Destaca Fernando López Martín. En La raza del Sol destaca el poema "Elogio de Tiziano" y La capa española. Hay ya contactos directos entre artistas, uno de ellos el pintor cordobés Julio Romero de Torres. En Oraciones paganas hay un poema llamado Joyas de la pintura es una serie ecfrástica y se detalla el autor, el título (ubicación-procedencia). Tiziano, Julio Romero de Tormes, Van Artois, Guerino, Velázques pertenecen al Barroco. Dentro de ese ámbito, se siente atraído por una serie de escenas lascivas. De hecho, determinadas imágenes de desnudos en aquellas personas que no han sido culturalmente adiestradas, se convierte en una especie de impulso de lujuria. Es importante explicar la base de una serie ecfrástica dentro de un libro de poemas. Si se examina la desaforada producción pictórica de Rubens, no hay ningún cuadro en el que aparezca Diana dando muerte a un centauro. Rubens relaciona asaltos lascivos en los cuadros de Diana pero nunca son centauros. Lo que introduce F. López introduce una de esas exactitudes. A la hora de interpretar el significado de inexactitud referida a las obras de Rubens, 76

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aparece otro concepto llamado contaminatio (contaminación) de varios modelos. En realidad, hay una fusión de un modelo icónico con un modelo literario (Palimpsesto). Erwin Panofsky, Estudios sobre la iconología: Identificación determinada tipología asociada a un tema, personaje o motivo.

una

En realidad, hay una serie de cuadros cuya datación puede centrarse entre los siglos XVI y XVII que presentan problemas desde un tipo de enfoque iconológico. Cuando aparece una figura femenina con una cabeza cortada hay un rasgo que comparte con la de Sebastiano del Piombo y la de Tiziano que es que estaríamos ante representaciones de Delfina Rodríguez Fonseca: Salomé, La influencia de Oscar Wilde en las literaturas hispánicas. Antes el tema iconográfico de Salomé había sido tratado en el Barroco y el Manierismo. Sebastiano del Piombo: Es un autor que se crió en Milán. Se forma en uno de los momentos más importantes del Barroco. Deja Milán y buena parte de su trayectoria posterior está centrada a la Italia Central y Meridional. Pintó el tránsito de una virgen con el cuerpo de una prostituta y causó bastante polémica. Además se le acusó de participar en varias reyertas. Caravaggio. Salomé y la cabeza del Bautista. Con su tenebrismo también recurrió al tema de Salomé. En lugar de optar por la representación de la bandeja de plata, el efecto cromático más inmediato es que parece una bandeja de oro. DECADENTISMO El decadentismo se caracteriza por la existencia de la descripción frente a los parámetros narrativos. El decadentismo va a insertar la écfrasis dentro de su ética. Es una nueva sensibilidad, a la que Baudelaire se había anticipado a finales del XIX. Sus delimitaciones y sus características son difíciles de establecer. Esta corriente tiene un trasfondo pesimista. Es una reacción contra el positivismo científico. Conecta con el romanticismo. El término nace en Francia, con un carácter de desprecio hacia sus artistas (por parte de la burguesía, porque se alejan de su concepción del arte).

En los decadentistas se va fijando la figura del poeta bohemio, se los denomina “poetas malditos” (Baudelaire, Verlaine). Se reúnen en lugares decadentes con nombres extraños (Ej. Hydrophates, Chat Noir). Estos poetas 77

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asumen la denominación de decadentes. En esta época surge el término “dandy”: así se autodenominan los poetas decadentes, que se alejan de la forma de vestir del resto. En la revista Le Decadent Literarie publican muchos de sus poemas. Se publica el Manifiesto decadent” (1886). SIMBOLISMO Las diferencias entre simbolismo y decadentismo apenas existen:  

Ambos buscan lo absoluto causado por una insatisfacción existencial. Ambos ya estaban resumidas en Baudelaire (el decadentismo hace referencia o señala la parte más oscura).

En 1886 también se publica el Manifiesto simbolista (Jean Moréas). El autor define el simbolismo como enemigo de la falsa sensibilidad y la descripción objetiva. Señala que su objetivo no está en sí mismo, sino en expresar el ideal. El simbolismo trata de captar y reflejar la esencia de las cosas. En 1891, Moréas señala la muerte del simbolismo: el motivo es que en Europa empiezan a surgir una serie de movimientos intermedios entre las vanguardias y el simbolismo: son movimientos muy heterogéneos. MOVIMIENTOS INTERMEDIOS (entre vanguardias y simbolismo) 1. Ideorrealismo: El principal representante es Saint-Pol-Roux. Se considera al poeta como mediador entre el hombre y Dios. Se centra en captar la esencia de las cosas. 2. Naturismo (1874): Es un regreso a la materia, y por tanto un arte más humanizado. Es la primera vez que se tienen en cuenta objetos técnicos (en algunos poemas aparecen máquinas). Se publica el Manifiesto Naturista. André Gide, muy vinculado al naturismo. 3. Unanimismo: su máximo exponente es Jules Romains.