Editorial david lynch issuu by Juan Dellacha

v e i n t i c u a t r o / s

hacia

sueño

más

profundo

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ly n c h

david

MAYO 2014 / Año 3 AR: $25 / UY: $u175 www.veinticuatro-s.com.ar ISSN 0329-5656

sumergirse en el u n i v e r s o ly n c h

avid Keith Lynch (n. Missoula, Montana, Estados Unidos, 20 de enero de 1946) es director de cine, productor de música y guionista. Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la fotografía e incluso el diseño de mobiliario. Su amor por el dadaísmo y el surrealismo queda patente en algunas de sus películas, cuya misteriosa y hasta inquietante atmósfera mezcla lo cotidiano con lo soñado escapando a veces a la comprensión exhaustiva del espectador. Como ejemplo de ello pueden citarse Eraserhead y la serie de televisión Twin Peaks. Sus películas tienden a describir los entresijos de pequeñas comunidades estadounidenses, como es el caso de Twin

Peaks: Fire walk with me o Blue Velvet. Lynch siente también predilección por los secretos ocultos de los barrios periféricos de Los Ángeles, retratados en Lost Highway y Mulholland Drive. El sonido en sus películas es de gran importancia, y por ello cada banda sonora es trabajada con esmero. Reconocido admirador de Jacques Tati, Ingmar Bergman y Herzog, Lynch ha conseguido destacarse como uno de los pocos directores actuales con un estilo auténticamente personal y constituye un referente ineludible en el cine contemporáneo. Su último largometraje, que le ocupó varios años de rodaje usando exclusivamente técnicas digitales, se tituló INLAND EMPIRE y su estreno se produjo en 2006.

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universo lynch

10 PĂĄg. 7

mar adentro

Ăndice

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el viaje más profundo

■ Editor Responsable Pablo González Montaner ■ Edición General Javier Jurado ■ Edición: María Baduel, Javier Jurado, Camila Merce

■ Redacción Ines Alvarez, Laura Ambrosio, Paola Baldo, Ana Decima, Rodrigo Hendler ■ Colaboración Ignacio Cohen, Cinthia Garab, Lucas Lopez, Cristian Pimentel,

fuera del espacio/tiempo

Pág. 7

26 Esteban Rinaldi, Lucas del Vecchio ■ Redacción Matías Lo Valvo ■ Diseño Juan Pablo Dellacha

■ Edición Fotográfica Julieta Dattoeil, Marcos Sern, Luciano Mayana ■ Julio 2014 [R] Proyecto Personal David Lynch #12 www.be.net/juandellacha

ide a s e i nspir a ci贸 n

mar aden

Para Lynch, cuando el intelecto y la emoci贸n se fusionan en la intuici贸n, llegamos a comprender aquello que antes nos parec铆a incomprensible.

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donde nadan L las ideas

> Escrito x Nicole Barbe > n.barbe@lamiradacautiva.com.ar

a vida está llena de abstracciones y la única manera de entenderla es a través de la intuición. Intuición es ver la solución: verla, saberla. Es la unión de la emoción y el intelecto. Algo esencial para el cineasta. ¿Cómo consigues que algo quede bien? Todo el mundo cuenta con las mismas herramientas: la cámara, las cintas, el mundo y los actores. Pero hay diferencias a la hora de unir esas partes. Y ahí es donde interviene la intuición. Personalmente, creo que la intuición puede afilarse y expandirse mediante la meditación, sumergiéndose en el Yo. Dentro de todos nosotros existe un océano de conciencia y es un océano de soluciones. Cuando te zambulles en ese océano, en esa conciencia, lo estimulas. No te sumerges en busca de soluciones específicas; te zambulles para estimular el océano de con-

ciencia. Entonces la intuición crece y encuentras la manera de solucionar los problemas: sabiendo cuándo algo no termina de estar bien y conociendo el modo de conseguir que parezca correcto. Esa capacidad crece y facilita mucho las cosas. Para el artista es bueno entender el conflicto y la tensión. Son cosas que pueden aportarle ideas. Pero te garantizo que, si soportas demasiada tensión, serás incapaz de crear. Y un exceso de conflicto se interpondrá en el camino de la creatividad. Puedes entender el conflicto, pero no tienes que vivir en él. En las historias, en los mundos en los que nos adentramos, hay sufrimiento, confusión, oscuridad, tensión e ira. Hay asesinatos; hay toda clase de cosas. Pero el cineasta no tiene por qué sufrir para mostrar el sufrimiento. Puede enseñarlo, puede mostrar la condición humana, conflictos y contrastes, pero no tiene que pasar por todo ello. Lo orquesta, pero no está dentro. Que sean los personajes los que sufran. Es pro sentido común: cuanto más sufre el artista, menos creativo va a ser. Hay menos probabilidades de que disfrute con su trabajo y menos probabilidades de que realice un buen trabajo. Ahora podría sacarse a colación a Vincent van Gogh como ejemplo de un pintor que realizó un trabajo magnífico pese a su sufrimiento o quizá gracias a él. Me gusta pensar que Van Gogh habría sido todavía más prolífico y brillante si las cosas que le atormentaban no le hubieran oprimido. No creo que fuera el dolor lo que le hizo grande, creo que toda la felicidad de la que pudiera disfrutar provenía de la pintura. Algunos artistas piensan que la ira, la depresión u otros aspectos negativos les hacen incisivos.

Creen que deben aferrarse a esa ira o ese miedo para poder trasladarlos a su obra. Y no les gusta la idea de ser felices: les da ganas de vomitar. Creen que perderán lo que los distingue, que perderán su fuerza. Pero si meditas, no pierdes mordiente. No pierdes creatividad. No pierdes fuerza. De hecho, cuanto más meditas y trasciendes, más aumentan esas cosas, y además lo notas. Cuando te zambulles, comprendes mucho mejor todos los aspectos de la vida. De ese modo, la comprensión crece, el aprecio crece, se forma una visión de conjunto y la condición humana deviene cada vez más evidente. Si eres artista, tienes que saber acerca de la ira sin que esta te limite. Para crear, tienes que tener energía; tienes que tener claridad. Tienes que ser capaz de atrapar las ideas. Tienes que ser lo bastante fuerte para luchar contra las inevitables presiones y tensiones del mundo. Por tanto, tiene sentido alimentar el lugar del que proceden la fuerza, la claridad y la energía: sumergirse en él y estimularlo. Es curioso, pero mi experiencia así me lo confirma: la dicha es como un chaleco antibalas. Protege. Si tienes suficiente dicha, eres invencible. Y cuando empiezan a desaparecer todas las cosas negativas, puedes pescar más ideas y entenderlas mejor. Te entusiasmas con mayor facilidad. Tienes más energía, más claridad. Después sí que puedes poner manos a la obra y traducir todas esas ideas a uno u otro medio.

ENCIENDE LA LUZ

Somos como bombillas. Si la dicha empieza a crecer en nuestro interior, se enciende una luz que afecta al entorno. Entrar en una habitación donde están discu-

Los sueños verdaderamente importantes son los que tienes cuando estás despierto. 10 se plantea permitir algo así, sólo se les ocurre a los escenógrafos. La gente está convencida de que no podemos alcanzar la paz, que se ha convertido en una broma. Alguien gana un concurso de belleza, y la broma es que desea la paz mundial. Y todo el mundo se ríe. Nadie cree en la paz. Es una idea bonita. Pero nada más: sólo una idea de ancianita encantadora. Sin sentido. Porque nunca va a suceder. Y vivimos en este lugar espantoso y creemos que tiene que ser así. Pero ¿y si nos equivocamos?

LA PRIMERA ZAM B ULLIDA

Sabemos que en un ser humano, cuando crece la conciencia –cuando se incrementa la luz de la unidad- las cosas negativas empiezan a desvanecerse. En ese individuo se ve cada vez más inteligencia, más creatividad, más dicha, y la negatividad se aleja al tiempo que emana influencia positiva hacia el mundo. Por tanto, sería maravilloso que hubiera mucha, muchísima gente que meditara. Aunque sin ellos, los grupos reducidos que meditan también pueden marcar una gran di-

ferencia. Dentro de todos nosotros existe un campo de unidad. Siempre ha estado ahí. Es ilimitado, infinito y eterno. Es ese nivel de vida que nunca tuvo un principio. Es y será para siempre. Y puede estimularse. En el ser humano, la estimulación de ese campo conduce a la iluminación: al potencial pleno del individuo. En el mundo, el resultado de estimular ala unidad mediante un grupo pacificador sería la verdadera paz mundial. ¿Cómo consigues que algo quede bien? Todo el mundo cuenta con las mismas herramientas: la cámara, las cintas, el mundo y los actores. Pero hay diferencias a la hora de unir esas partes. Y ahí es donde interviene la intuición. Personalmente, creo que la intuición puede afilarse y expandirse mediante la meditación, sumergiéndose en el Yo. Dentro de todos nosotros existe un océano de conciencia y es un océano de soluciones. Cuando te zambulles en ese océano, en esa conciencia, lo estimulas. No te sumerges en busca de soluciones específicas; te zambulles para estimular el océano de conciencia. Entonces la intuición crece y encuentras la manera de solucionar los problemas: sabiendo cuándo algo no termina de estar bien y conociendo el modo de conseguir que parezca correcto. Esa capacidad crece y facilita mucho las cosas. Para el artista es bueno entender el conflicto y la tensión. Son cosas que pueden aportarle ideas. Pero te garantizo que, si soportas demasiada tensión, serás incapaz de crear. Y un exceso de conflicto se interpondrá en el camino de la creatividad. Puedes entender el conflicto, pero no tienes que vivir en él. En las historias, en los mundos en los que nos adentramos, hay sufrimiento, confusión, oscuridad, tensión e ira. Hay asesinatos; hay toda clase de cosas. Pero el cineasta no tiene por qué sufrir para mostrar el sufrimiento. Puede enseñarlo, puede mostrar la condición humana, conflictos y contrastes, pero no tiene que pasar por todo ello. Lo orquesta, pero no está dentro. Que sean los personajes los que sufran. Es pro sentido común: cuanto más sufre el artista, menos creativo va a ser. Hay menos probabilidades de que disfrute con su trabajo y menos probabilidades de que realice un buen trabajo. Ahora podría sacarse a colación a Vincent van Gogh como ejemplo de un pintor que realizó un trabajo magnífico pese a su sufrimiento o quizá

Los sueĂąos verdad mente importante los que tienes cua estĂĄs despierto. 11

Algunos artistas piensan que la ira, la depresión u otros aspectos negativos les hacen incisivos. Creen que deben aferrarse a esa ira o ese miedo para poder trasladarlos a su obra. Y no les gusta la idea de ser felices: les da ganas de vomitar. Creen que perderán lo que los distingue, que perderán su fuerza. Pero si meditas, no pierdes mordiente. No pierdes creatividad. No pierdes fuerza. De hecho, cuanto más meditas y trasciendes, más aumentan esas cosas, y además lo notas. Cuando te zambulles, comprendes mucho mejor todos los aspectos de la vida. De ese modo, la comprensión crece, el aprecio crece, se forma una visión de conjunto y la condición humana deviene cada vez más evidente. Si eres artista, tienes que saber acerca de la ira sin que esta te limite. Para crear, tienes que tener energía; tienes que tener claridad. Tienes que ser capaz de atrapar las ideas. Tienes que ser lo bastante fuerte para luchar contra las inevitables presiones y tensiones del mundo. Por tanto, tiene sentido alimentar el lugar del que proceden la fuerza, la claridad y la energía: sumergirse en él y estimularlo. Es curioso, pero mi experiencia así me lo confirma: la dicha es como un chaleco antibalas. Protege. Si tienes suficiente dicha, eres invencible. Y cuando empiezan a desaparecer todas las cosas negativas, puedes pescar más ideas y entenderlas mejor. Te entusiasmas con mayor facilidad. Tienes más energía, más claridad. Después sí que puedes poner manos a la obra y traducir todas esas ideas a uno u otro medio.

Hay gente a la que le gustan las películas que se entienden y hay gente a la que le gustan las que dejan espacio para que el espectador sueñe.

TRADUCIR LA IDEA

— Twin Peaks puede ser abordada desde múltiples miradas. Quedarse con una visión reduccionista como “la historia de un asesinato” o “de un pueblo” es no entender lo que Frost y Lynch pretendían contarnos: amor, corrupción y dualidad.

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â&#x20AC;&#x153;La amnesia es como la interpretaciĂłn: un buen actor renuncia a su propia identidad y se convierte en otra persona. Todo el mundo tiene ganas de perderse y entrar en un mundo nuevo. El cine te da esa oportunidadâ&#x20AC;?.

16 > Escrito x Florencia Beil > f.beil@lamiradacautiva.com.ar

ersonalmente, creo que la intuición puede afilarse y expandirse mediante la meditación, sumergiéndose en el Yo. Dentro de todos nosotros existe un océano de conciencia y es un océano de soluciones. Cuando te zambulles en ese océano, en esa conciencia, lo estimulas. No te sumerges en busca de soluciones específicas; te zambulles para estimular el océano de conciencia. Entonces la intuición crece y encuentras la manera de solucionar los problemas: sabiendo cuándo algo no termina de estar bien y conociendo el modo de conseguir que parezca correcto. Esa capacidad crece y facilita mucho las cosas. Para el artista es bueno entender el conflicto y la tensión. Son cosas que pueden aportarle ideas. Pero te garantizo que, si soportas demasiada tensión, serás incapaz de crear. Y un exceso de conflicto se interpondrá en el camino de la creatividad. Puedes entender el conflicto, pero no tienes que vivir en él. En las historias, en los mundos en los que nos adentramos, hay sufrimiento, confusión, oscuridad, tensión e ira. Hay asesinatos; hay toda clase de cosas. Pero el cineasta no tiene por qué sufrir para mostrar el sufrimiento. Puede enseñarlo, puede mostrar la condición humana, conflictos y contrastes, pero no tiene que pasar por todo ello. Lo orquesta, pero no está dentro. Que sean los personajes los que sufran. Es pro sentido común: cuanto más sufre el artista, menos creativo va a ser. Hay menos probabilidades de que disfrute con su trabajo y menos probabilidades de que realice un buen trabajo. Ahora podría sacarse a colación a Vincent van Gogh como ejemplo de un pintor que realizó un trabajo magnífico pese a su sufrimiento o quizá —Debido a sus extravagantes contenidos, al principio se pensó que Eraserhead no podría ser exhibida comercialmente.

—Eraserhead se convirtió pronto en un clásico en salas especializadas en proyecciones de medianoche, fuera de las grandes audiencias.

gracias a él. Me gusta pensar que Van Gogh habría sido todavía más prolífico y brillante si las cosas que le atormentaban no le hubieran oprimido. No creo que fuera el dolor lo que le hizo grande, creo que toda la felicidad de la que pudiera disfrutar provenía de la pintura. Algunos artistas piensan que la ira, la depresión u otros aspectos negativos les hacen incisivos. Creen que deben aferrarse a esa ira o ese miedo para poder trasladarlos a su obra. Y no les gusta la idea de ser felices: les da ganas de vomitar. Creen que perderán lo que los distingue, que perderán su fuerza. Pero si meditas, no pierdes mordiente. No pierdes creatividad. No pierdes fuerza. De hecho, cuanto más meditas y trasciendes, más aumentan esas cosas, y además lo notas. Cuando te zambulles, comprendes mucho mejor todos los aspectos de la vida. De ese modo, la comprensión crece, el aprecio crece, se forma una visión de conjunto y la condición humana deviene cada vez más evidente. Si eres artista, tienes que saber acerca de la ira sin que esta te limite. Para crear, tienes que tener energía; tienes que tener claridad. Tienes que ser capaz de atrapar las ideas. Tienes que ser lo bastante fuerte para luchar contra las inevitables presiones y tensiones del mundo. Por tanto, tiene sentido alimentar el lugar del que proceden la fuerza, la claridad y la energía: sumergirse en él y estimularlo. Es curioso, pero mi experiencia así me lo confirma: la dicha es como un chaleco antibalas. Protege. Si tienes suficiente dicha, eres invencible. Y cuando empiezan a desaparecer todas las cosas negativas, puedes pescar más ideas y entenderlas mejor. Te entusiasmas con mayor facilidad. Tienes más energía, más claridad. Después sí que puedes poner manos a la obra y traducir todas esas ideas a uno u otro medio. Somos como bombillas. Si la dicha empieza a crecer en nuestro interior, se enciende una luz que afecta al entorno. Entrar en una habitación donde están discu— La crítica más avanzada la alabó inmediatamente como obra maestra, lo que colocó al director a la cabeza de la vanguardia cinematográfica.

—Stanley Kubrick afirmó con admiración que era una de sus películas favoritas de toda la historia del cine.

tiendo no resulta agradable. Incluso cuando la discusión ha terminado, sigue flotando en el ambiente. Pero si entras en una habitación en la que alguien acaba de meditar, notas esa dicha. Y resulta muy placentero. Todos nosotros condicionamos a nuestro entorno. Si disfrutas de esa luz interior y potencias su brillo cada vez más, también la gozarás más. Y esa luz alcanzará cada vez más lejos. Cuando vez un edificio avejentado o un puente oxidado, estás presenciando el trabajo conjunto del hombre y la naturaleza. Si pintas el edificio, pierde toda la magia. Pero si le permitimos envejecer, la naturaleza se suma al trabajo de construcción del hombre: el resultado es orgánico. Sin embargo, con frecuencia la gente ni siquiera se plantea permitir algo así, sólo se les ocurre a los escenógrafos. La gente está convencida de que no podemos alcanzar la paz, que se ha convertido en una broma. Alguien gana un concurso de belleza, y la broma es que desea la paz mundial. Y todo el mundo se ríe. Nadie cree en la paz. Es una idea bonita. Pero nada más: sólo una idea de ancianita encantadora. Sin sentido. Porque nunca va a suceder. Y vivimos en este lugar espantoso y creemos que tiene que ser así. Pero ¿y si nos equivocamos? Sabemos que en un ser humano, cuando crece la conciencia –cuando se incrementa la luz de la unidad- las cosas negativas empiezan a desvanecerse. En ese individuo se ve cada vez más

Creo profundamente que todo viene de lo que nos rodea, de todos esos elementos unificados. —Blue Velvet presentó sus elementos típicos: hechos inexplicables, mujeres ultrajadas, un pueblo pequeño, música antigua de modo poco convencional...

— En 1997 Lynch volvió a la palestra con el complejo film de argumento no lineal Lost Highway, el cual poseía muchos elementos de cine negro.

—Su siguiente film, Mulholland Drive (2001) es una historia extraña que trata de ahondar en la vertiente oscura de Hollywood, la “fábrica de sueños”.

—INLAND EMPIRE (2006) fue filmada sin guion; sólo escribía escenas improvisadas, por lo que ni Dern ni Theroux sabían por dónde iba la trama.

todos los temas, parece ser que la imaginería que el artista nos enseñaba en sus películas no terminan ahí, sino que se expanden y se complementan perfectamente con sus canciones. Los puntos más altos llegan de la mano de Star Dream Girl, Say It y I Want You. Lo cierto es que todos estos tracks generan algo más, y es el efecto de tratar de imaginarlos como banda sonora de alguna de las obras del gran Dadid Lynch. Por otro lado, el creador de films como Lost Highway, Mulholland Drive y Blue Velvet nos deja en evidencia, ahora, que puede hacer canciones que estén al nivel de su carrera filmográfica.

El SONIDO DE LOS SUEÑOS

David Lynch confirma que no es un terrícola más. Los climas que tiene su cine los traslada al blues de su música en su segundo disco The Big Dream. El álbum “The Big Dream” est{a compuesto por doce temas, aunque su duración apenas sobrepasa los 45 minutos, a los que hay que sumar ese bonus junto a Lykke Li que ha servido como adelanto. Y lo más llamativo de este segundo trabajo en solitario de Lynch es el giro hacia terrenos más orgánicos y menos electrónicos.

Para este nuevo esfuerzo, aunque sigue muy presente la programación, ésta ha cedido gran parte de su peso a instrumentos de cuerda y percusiones no sintéticas, siempre en pos de revivir el blues de los años cincuenta… desde su personal y lynchiano punto de vista, claro. Así, “The Big Dream” se convierte en un apéndice de esas atmósferas, sensaciones y ambientes que Lynch nos ha mostrado una y otra vez en sus obras audiovisuales; dejando a un lado esta vez los aires dream pop y centrándose en un estilo que cuadra mucho más con la personalidad artística que le conocemos a Lynch. Con las baterías electrónicas como base de casi

EL ÁLBUM “THE BIG DREAM”

inteligencia, más creatividad, más dicha, y la negatividad se aleja al tiempo que emana influencia positiva hacia el mundo. Por tanto, sería maravilloso que hubiera mucha, muchísima gente que meditara. Aunque sin ellos, los grupos reducidos que meditan también pueden marcar una gran diferencia. Dentro de todos nosotros existe un campo de unidad. Siempre ha estado ahí. Es ilimitado, infinito y eterno. Es ese nivel de vida que nunca tuvo un principio. Es y será para siempre. Y puede estimularse. En el ser humano, la estimulación de ese campo conduce a la iluminación: al potencial pleno del individuo. En el mundo, el resultado de estimular ala unidad mediante un grupo pacificador sería la verdadera paz mundial. ¿Cómo consigues que algo quede bien? Todo el mundo cuenta con las mismas herramientas: la cámara, las cintas, el mundo y los actores. Pero hay diferencias a la hora de unir esas partes. Y ahí es donde interviene la intuición. Personalmente, creo que la intuición puede afilarse y expandirse mediante la meditación, sumergiéndose en el Yo. Dentro de todos nosotros existe un océano de conciencia y es un océano de soluciones. Cuando te zambulles en ese océano, en esa conciencia, lo estimulas. No te sumerges en busca de soluciones específicas; te zambulles para estimular el océano de conciencia. Entonces la intuición crece y encuentras la manera de solucionar los problemas: sabiendo cuándo algo no termina de estar bien y conociendo el modo de conseguir que parezca correcto. Esa capacidad crece y facilita mucho las cosas. Para el artista es bueno entender el conflicto y la tensión. Son cosas que pueden aportarle ideas. Pero te garantizo que, si soportas demasiada tensión, serás incapaz de crear. Y un exceso de conflicto se interpondrá en el camino de la creatividad. Puedes entender el conflicto, pero no tienes que vivir en él.

“Cada personaje e stá h e c h o d e pequeñas sutilezas, maneras especiales d e d e c i r u n a pa l a b r a .”

E n t r e v ista

F a n 谩 t i c o d e l a m e d i t a c i 贸 n , l y n c h r e v e l a l a s h u e ll a s d e e s t a d i s c i pl i n a e n

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> Escrito x Brenda Ruseler > b.ruseler@lamiradacautiva.com.ar

¿Qué hace un director como usted en un festival como éste? Soy muy sensible al entusiasmo. Me llamaron y no me pude resistir a tanta energía. ¿Qué ocurre en Hollywood para que un cineasta como usted no haga películas desde 2006? Lo que ocurre es simplemente que las oportunidades para que el cine independiente se vea en las salas han desaparecido completamente. Imagino que no es para siempre, que va por ciclos, pero la gente que acude al cine hoy es sólo para ver producciones de Hollywood. Creo que el cine de autor ha muerto. 24

cula, se podría hacer hoy? Sin duda. No sé muy bien qué ocurrió entonces para que se pudiera hacer esta película y desconozco lo que sucedió después una vez acabada. Se creó una atmósfera especial alrededor. Controlé todo el proceso y nadie se entrometió desde que se empezó hasta que conseguí acabarla. Llevó años. No sé si ahora alguien podría tener tanta libertad. Pero estoy convencido de que cualquiera que quiera hacer aquello en lo que realmente cree acaba por hacerlo. Y esto es así en cualquier época o circunstancia. ¿Se arrepiente de haber sido tan radical a lo largo de toda su carrera? No me arrepiento en absoluto. Ni de mis errores. Son míos.

Imagino que es consciente de que ninguna de las dos series existirían sin ‘Twin Peaks’... No soy un pionero de nada, porque las cosas no se hacen para ser el primero, sino porque amas hacerlas, porque te enamoras del proyecto. Y eso es ‘Twin Peaks’. Mark Frost (cocreador y productor de la serie) y yo mismo contamos con todo lo necesario para hacer lo que queríamos: los medios y la libertad. Los compañeros no se lo podían creer.

Hay quien ha leído el la radicalidad de ‘Inland empire’, una película que condensa con violencia cada una de sus obsesiones, el necesario colofón y testamento de su carrera. ¿Se puede seguir haciendo cine después de ella? Por supuesto que se puede. Los críticos siempre van más allá de lo que yo me siento capaz. No creo que sea una película extraordinaria. Son las ideas las que dictan todo y eso ha sido siempre así. Las ideas para esta película vinieron e ‘Inland empire’ surgió. Tan sencillo. Ahora mismo no soy capaz de predecir de dónde vendrán las siguientes ideas. Lo más hermoso que te puede pasar es cuando atrapas una idea que amas. Las ideas están ahí, sólo hay que atraparlas.

¿Cree que una película como ‘Cabeza borradora’, su primera pelí-

¿Cuál es el precio a pagar para no tener que dar explicaciones a nadie?

Parte del cine de autor, quizá, se está haciendo en la televisión... Sin duda. Me encantan ‘Breaking bad’ o ‘Mad men’. Son dos buenos ejemplos.

— Retrato de David Lynch por Miles Aldridge

No hay precio. Se paga cuando te vendes y pierdes la libertad y el poder de decidir el montaje último de la película. Es sencillamente un crimen. Es absurdo, triste. ¿Está recordando lo que le pasó en ‘Dune’? En efecto. Cometí la mayor estupidez de mi vida al firmar un contrato que no me permitía el control del resultado final. ¿Qué es más importante: el dinero o la libertad de la que habla? [Se ríe] Entiendo que me está provocando. No hay dinero que pague la libertad de crear. En el libro ‘Atrapa el pez dorado’ usted da por muerto el cine y anuncia que el futuro es digital...

Nunca dije que el cine hubiera muerto, anuncié que era el celuloide el cadáver. Pues no. Tras ver muchísimo rodado en digital, me he dado cuenta de que la película, el celuloide, captura algo tan profundo, tan orgánico, que no puede ser sustituido. Lo digital es incapaz de traducir esa impresión. No sé explicarlo con precisión. Es algo abstracto que el digital es incapaz de capturar. Es algo que tiene que ver con el sentimiento, una forma de vida. Su juicio es, de nuevo, radical... Bueno, conviene precisar que una pésima historia no la mejora nunca el que esté rodada con película... Ver una película es entrar en un mundo a oscuras, sin teléfonos que suenen, sin nada alrededor; sin nada que puede romper esa experiencia.

Ahora mismo en España se discute el papel del Estado en el cine... La experiencia americana es completamente diferente. Al Gobierno le importa una mierda el cine; y a los cineastas les importa una mierda el Gobierno... Digamos que la cosa está compensada [se ríe]. Pero conozco el caso francés y es diferente. Es muy bello. Para proteger precisamente al cine de la avalancha de Hollywood es bueno no confiar en el mercado exclusivamente. De lo contrario, desaparece cualquier forma genuina de arte, de cine. Desgraciadamente, compruebo que es el modelo americano el que se impone. Hollywood está cambiando a Europa. ¿Cómo se las arregla para que convivan bajo el mismo peinado el pintor, el músico (en 2011 publicó el disco ‘Crazy Clown Time’), el fotógrafo y el cineasta?

Cuando te levantas por la mañana, son las ideas las que adoptan dentro de ti sitios diferentes. Hay ideas musicales, fotográficas, cinematográficas... Son ellas las que deciden. ¿El proceso creativo es diferente en cada uno de los casos? Es el mismo... y es diferente. [se ríe]. Lo más complicado es una idea de cine. Llega la idea y empieza un largo proceso desde el guión hasta la pantalla. Es siempre complicado y muchas veces, doloroso. Nunca hace declaraciones políticas. ¿No cree en el poder de un artista de cambiar el mundo? No, el arte no cambia nada, el arte te cambia a ti. No creo en los políticos. Son una broma. Al final, crean más problemas de los que solucionan. Yo, personalmente, creo en la meditación trascendental.

1977 1986 1990 Eraserhead — Primer largometraje, considerado “de culto”, lleno de escenas abstractas, oníricas y perturbadoras abiertas a múltiples interpretacines.

Blue Velvet — Cuarto largometraje de gran éxito, muestra el dualismo existente en el mundo, un temática recurrente.

Twin peaks — Trabajo de mayor aceptación entre el público. Sus temas principales son la dualidad, el amor y la corrupción.

a la Música y al cine le otorgamos ese poder que exagera las imágenes, las sensaciones, las vibraciones: es algo mágico. ¿Para sustituir a la política? Sí, la meditación trascendental es una técnica para cobrar consciencia del nivel más profundo de la vida. Dentro de nosotros hay un sentimiento positivo, oceános de consciencia pura. La idea es experimentar ese sentimiento, un sentimiento liberador. Si estás estresado o atormentado, tus sentimientos son negativos. Básicamente, la meditación trascendental es una manera de limpiar la máquina, de cambiar. Y acabas por sentirte mejor. Ése es el futuro: la llave para la iluminación personal y la llave para la paz mundial.

moras de una idea, por muy turbia que sea, es siempre un proceso placentero, liberador, creativo. Puedes rodar una escena horrorosa, pero eres dentro de ti feliz. Esa es la clave. Puede ocurrir al revés: gente confusa que ruede comedias. ¿Cómo se imagina el cine después de Lynch? No acabe conmigo todavía [se ríe]. El cine nunca morirá. La pintura muere regularmente cada cinco años y sigue ahí. El cine es un medio de expresión y conocimiento inmensamente profundo que está condenado a cambiar con el mundo.

¿Cómo concilia esta manera tan optimista de ver el mundo con un cine que tanto tiene que ver con el lado oscuro de la vida? Es fácil. Un artista no sufre al mostrar el sufrimiento. Cuando te ena-

1997 2001 2006 LOST HIGHWAY — El filme es un thriller psicológico que cuenta con elementos de cine negro, de cine policíaco y surrealistas.

Mulholland Drive — Lynch se ha negado a ofrecer una explicación de sus intenciones para la narración, abriendo la especulación e interpretación.

Inland Empire — Abundan los planos expresionistas, el sonido distorsionado y envolvente, escenas cómico-grotescas de gran impacto.

Eso es lo que EN verdad me importa de las películas: ir a mundos cada vez más extraños

— Lynch es un director profundamente autoral, posmoderno: toma un poco de todos lados pero el resultado es algo totalmente nuevo y original (no sólo la suma de las partes), sin que se noten las costuras - cine fantástico, melodrama, policial, terror psicológico, gótico americano, surrealismo, comedia del absurdo...

su r r e a lis m o

fuera del e s pac i o y del Tiempo

“El absurdo es lo que más me gusta en la vida.”

Q — Muerte y Continuidad “La muerte en mi mente no es una finalidad. Hay un continuo: Es como por la noche, que te vas a dormir y durante el día te despiertas, o cuando te despiertas, y es un nuevo día.”

— Lynchiano “Lo único que puedo decir es que mi doctor me ha recomendado no pensar en ello.” (respuesta a la pregunta ¿Cómo definiría lo que es lynchiano?) — Abstracción “Hay que estar dispuesto a dejarse llevar por el mundo abstracto. Hay que querer perderse en él. Si no, se tendrá la sensación de frustración.” — Público “Se dice que el público no quiere pensar, que prefiere las cosas ya masticadas. Eso son chorradas. A la gente le encanta pensar. Todos somos detectives, tenemos capacidad para sacar conclusiones. Y eso es francamente bueno.”

uizá el surrealismo como tal haya quedado atrás en el siglo XX, pero nadie como David Lynch lo ha arrastrado hasta la actualidad con tanta maestría. Si has visto alguna de sus películas, o su serie Twin Peaks, sabrás que el director apela a algo que resuena en áreas que las palabras no te ayudan a entender. Su cine es desde el inconsciente artístico hacia el inconsciente receptivo. Y por ello es mucho mejor experimentarlo que tratarlo de explicar. En 1987, el año después del lanzamiento de Blue Velvet, la BBC consideró a Lynch como una autoridad en la materia del surrealismo cinematográfico y lo convocó a presentar un episodio de Arena sobre ello. La tarea de Lynch, además de presentar hechos sobre los filmes y los cineastas, fue contar la historia del cine surrealista. Vemos pequeños recortes de películas como Un chien Andalou de Luis Buñuel y Salvador Dalí, La Jetée de Chris Marker y Entr’acte de René Clair, en donde aparecen Man Ray y Marcel Duchamp jugando ajedrez en un techo. Lynch no sólo contextualiza estos filmes, sino que discute su influen-

cia en su propio trabajo. Al permitir que Lynch hable de cómo el cine es el formato perfecto del surrealismo ya que permite que el subconsciente hable, este programa es una de las producciones más desconcertantes e inusuales de la historia de la televisión. Vale la pena verla en su totalidad. Magritte, Duchamp, Francis Bacon, Edward Hopper, Billy Wilder, Karl Freund , Stanley Cortez o Luis Buñuel entre otros, aunque el cine de Buñuel lo descubrió de forma tardía ya que al señalar algunos críticos el parecido de Cabeza Borradora con sus obras más surrealistas a Lynch le entró curiosidad por su obra, quedando patente la huella que le dejó en las escenas de insectos de Terciopelo Azul. De Magritte por la introducción de una simbología ( aspecto muy patente en todas sus películas). De Duchamp el insertar escenas ambivalentes y cuyo significado parece inalcanzable. De Bacon Lynch define que lo que más le impactó eran imágenes de carne y cigarrillos, y lo que más me impresionó fue la belleza de la pintura y el equilibrio y el contraste con los cuadros. Era como la perfección. Edward Hopper, el pintor americano, “supo retratar la soledad del americano a través de desoladoras imágenes, serenas y perfectamente compuestas, en las que el vacío adquiere una importancia esencial”. •

Muerte

Extraño

Ideas

"Lo más hermoso que te puede pasar es cuando atrapas una idea que amas. Están ahí, sólo hay que atraparlas: las ideas dictan todo, tienes que ser fiel a eso, o estás muerto".

“La muerte en mi mente no es una finalidad. Hay un continuo: Es como por la noche, que te vas a dormir y durante el día te despiertas, o cuando te despiertas, y es un nuevo día”.

Absurdo

Abstracción

“Todas mis películas son acerca de mundos extraños, mundos a los que nunca podrías ir a menos que los construyas y los reproduzcas en una película. Eso es lo que verdad me importa de las películas a mí: ir a mundos cada vez más extraños”

“El absurdo es lo que más me gusta en la vida. Si ves a un hombre en repetidas ocasiones golpear contra un muro hasta sangrar, después de un tiempo te hacen reír porque se convierte en absurdo”.

“Hay que estar dispuesto a dejarse llevar por el mundo abstracto. Hay que querer perderse en él. Si no, se tendrá la sensación de frustración”.

“Cada personaje está hecho de muchas pequeñas sutilezas, opciones extrañas, maneras especiales de decir una palabra.”

Particular

“Hay gente a la que le gustan las películas que se entienden y hay gente a la que le gustan las películas que dejan espacio para que el espectador sueñe. A mí me gustan las que permiten soñar.”

Comprensión

“Me interesa saber que se esconde tras las limpias fachadas, soy como un detective que destapa lo que los demás ocultan. Y es que este mundo de hoy no es un lugar tan maravilloso como dicen. No es el sueño más brillante”.

Detective

“Los sueños verdaderamente importantes son los que tienes cuando estás despierto”.

Sueños

Sumergirse

“La comprensión intelectual no tiene más importancia que la posibilidad de sumergirse en cada escena separadamente. Me encanta enamorarme de una idea y ver cómo se transforma en cine, qué va haciendo con esa idea el proceso de filmación”.

no conocemos absolutamente nada.”

Es maravilloso saber que de la mayoría de las cosas

“el misterio es el magnetismo de la vida.

Créditos —Jousse, Thierry (2008). El libro de David Lynch. Madrid: Prisa-El País (“Cahiers du cinéma”, París, 2007). —Le Blanc, Michelle & Odell, Colin (2000). David Lynch. Harpenden, Hertfordshire: Pocket Essentials. —Lynch, David & Rodley, Chris (2005). Lynch on Lynch. (revised edition) New York: Faber and Faber. —Chion, Michel (2003). David Lynch (revisado). Paidos.

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Próximo Número #13 — Sofía Coppola

Veinticuatro/s #12 se terminó de imprimir en Julio de 2014 en V/P Impresos. Ciudad Autónoma de Buenos Aires - Argentina. © Veinticuatro/s

me gusta sumergirme en un mundo onĂrico

me gusta sumergirme en un mundo onĂrico que yo he construido; un mundo que yo elijo.

que yo he construido; un mundo que yo elijo.