Máscaras y disfraces by Vanesa

2 parcial

Sección

MÁSCARAS Y DISRACES

Laura Paulina Martínes Mancio Jenny Waleska Pérex Monterroso José Lauro Roberto Estrada Turcios Loida Marisell Morán Orellana Jesús Alberto Pirir Raxón Jackeline Vanesa Quevedo Aguilar Katia Noemi Gatica Pérez

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íNDICE Evolución de las máscaras y disfraces........................................1 Concepto máscaras...............................................................2 Prehistoria...................................................................3 Egipto..........................................................................5 Mesopotamia..............................................................7 Egeos..........................................................................8 Grecia.........................................................................10 Etruscos......................................................................12 Roma..........................................................................13 Bizantinos...................................................................14 Islámico.......................................................................15 Románico....................................................................16 Gótico..........................................................................17 Renacimiento..............................................................18 Manierismo..................................................................19 Barroco........................................................................20 Rococó........................................................................21 Neoclásico...................................................................22 Románticismo..............................................................23 Realismo..................................................................... 24 Egeos, Grecia, Etruscos, Roma...................................................25 Egeos..........................................................................26 Grecia..........................................................................28 Etruscos......................................................................31 Romana.......................................................................34 Análisis de obras..........................................................................36 Egeos..........................................................................37 Grecia.........................................................................38 Etruscos......................................................................39 Roma...........................................................................40 Comparación................................................................................41 Conclusiones................................................................................43 Bibliografía....................................................................................44 Anexos

EVOLUCIÓN DE LAS MÁSCARAS Y DISFRACES 1

La máscara participa del juego y la representación, de la palabra y la narración, de la memoria y del misterio, del drama y la comedia. Pero es un juego con raíces en un pasado natural. Hemos hecho del lenguaje verbal una herramienta para expresar el mundo que nos rodea y manifestar los comentarios que nos inspira. La comunicación entre animales se limita esencialmente a sus relaciones y sus actitudes relacionales, mientras que los humanos utilizan el lenguaje y los objetos para examinar juntos el mundo y compartir sus impresiones y su conocimiento sobre el mismo. Este aspecto referencial y emotivo es también característico de nuestro humor, de nuestro juego con el mundo que la máscara expresa. En cualquier lugar la máscara y el enmascarado contribuyen a determinar los valores, creencias y mitos del pueblo al que pertenecen. Las máscaras han sido tradicionalmente utilizadas de forma ritual para modificar con algún propósito el estado ordinario de conciencia. Una máscara o careta es una pieza normalmente adornada que oculta total o parcialmente la cara. Las máscaras se han utilizado desde la antigüedad con propósitos ceremoniales y prácticos. Y la máscara es a su vez una representación, cargada de intenciones y simbolismos, convertidos en arquetipos que son parte del inconsciente colectivo e individual y representan los temores y aspiraciones de una civilización. La palabra «máscara» tiene origen en el masque francés o maschera en italiano o másquera del español. Los posibles antepasados en latín (no clásico) son mascus, masca = «fantasma», y el maskharah árabe = «bufón», «hombre con una máscara».

Revistas.um, Ladislao Castro, ARQUEOLOGÍA COGNITIVA Y MÁSCARAS PREHISTÓRICAS, (consultado 04 de marzo de 2017) Disponible: http://revistas.um.es/apa/article/viewFile/230421/177861

HI ST OR IA PR E

El hombre estaba estrechamente vinculado con los animales y con su mundo circundante; conoce el miedo a las fuerzas por las que se encuentra amenazado: una tempestad, un animal salvaje o espíritus, por lo que considera necesarios símbolos y escudos protectores. Este sentimiento recae en todo el entorno y en que a todos los seres se les concede fuerzas sobrenaturales y sobre ellos se proyectan contenidos inconscientes; en consecuencia, se “personificaran” para influir en las fuerzas demoniacas. En el registro arqueológico del Paleolítico hay una serie de evidencias que inducen a pensar en prácticas relacionadas con la representación y el uso de máscaras. Un canto rodado de jasperita hallado en una cueva del valle de Makapan (Mokopane, Limpopo, Sudáfrica) en 1925. El canto fue localizado a varios kilómetros del lecho del río donde se formó y posiblemente transportado, en una fecha entre 2’5 y 2’9 millones de años, hasta la cueva de Makapan. R. Dart fue el primero en describir este hallazgo en 1974, como perteneciente a un contexto con restos de Australopithecus africanus (Dart 1974; Oakley 1981); si realmente fue recogido y transportado hasta aquel lugar por algún australopitecino (Oakley 1981) podría ser indicio de la presencia de un pensamiento simbólico más elevado. Este canto rodado evoca la imagen de una cara, resultado de procesos naturales, quizás por esa razón pudo haber sido recolectado y transportado por algún australopitecino guiado por una arcaica curiosidad (Lorblanchet 1999).

Wikipedia la enciclopedia libre, “Máscaras”, (consultado 04 mar. 17) Disponible: https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%A1scara#cite_note-2

Colección de máscaras prehistóricas en Israel

Una piedra recogida y trasladada al contexto cultural adquiere un significado nuevo, la manipulación convierte a la cosa en objeto y en arte. Hipotéticamente cabría hacer alusión a factores accidentales o impredecibles como motores de cambio. En un contexto del Paleolítico Medio se inscribe la llamada “máscara de La Roche-Cotard”, en realidad un hueso colocado en la perforación natural de una piedra que sugiere la representación de unos ojos en una cara. En el valle del Loira, en la entrada de la cueva de La RocheCotard, en la comuna de Langeais, fue hallado un hábitat Musteriense de tradición Achelense, fechado hace 33.000 hace años o quizás antes; allí apareció en 1975 este bloque de sílex cuyos bordes habían sido retocados, en una de las caras del bloque hay una perforación oval y en ella se introdujo deliberadamente una esquirla plana de hueso (Marquet 1997). Este presunto artefacto, denominado “protofigura musteriense” (Marquet y Lorblanchet 2003), parece resultado de la acción de algún neanderthal que pretendía crear una El Museo de Israel culmina con esta máscara animal o humana, tal vez se pionera exposición una década percibían a sí mismos como de investigación. "Cara a Cara: Las máscaanimales diferentes. ras más antiguas del mundo" exhibe doce máscaras neolíticas extraordinarias, todas originarias de la misma región en la antigua Tierra de Israel. Originarias de las colinas y del desierto de Judea, los doce máscaras muestran sorprendentes rasgos estilísticos. Grandes agujeros para los ojos y bocas abiertas crean la expresión de un cráneo humano. Las perforaciones que se pueden ver alrededor de estos rostros fueron seguramente utilizadas para fijar el cabello, lo que habría dado las máscaras una apariencia más humana, también se baraja la posibilidad de que estas perforaciones sirvieran para suspender las máscaras de pilares u otras arquitecturas. Se cree que las máscaras representaban a los espíritus de antepasados muertos, y que su uso estaba destinado a las ceremonias religiosas y sociales y en los ritos de curación y magia. Datan del período neolítico, antes de la invención de la escritura. Pero la tradición del uso de las máscaras es al parecer aun anterior.

Revistas.um, Ladislao Castro, ARQUEOLOGÍA COGNITIVA Y MÁSCARAS PREHISTÓRICAS, (consultado 04 de marzo de 2017) Disponible: http://revistas.um.es/apa/article/viewFile/230421/177861 Cueva de la pileta, Fuente de noticias de prehistoria, Pileta Prehistoria, “Exponen máscaras ancestrales en Jerusalén”, (consultado 05 mar. 17) Disponible; http://cuevadelapileta.blogspot.com/2014/03/exponen-de-mascaras-ancestrales-en.html

egipto Algunos hallazgos arqueológicos demostraron que eran muy usadas en Egipto para perpetuar con ellas los rostros de los muertos. Se hacían tratando de imitar de la forma más fielmente posible, el rostro del difunto, y se colocaba junto con el ataúd, pintándose de la misma manera que éste. Se elaboraban con un cartón realizado con lienzo o papiro, revestido con estuco, que -con el paso del tiempo- se endurecía y presentaba total consistencia. Según la clase social a la que perteneciera el muerto, podría llegar a revestirse con una lámina de oro. La Indumentaria en Egipto era una consecuencia directa del clima: cálido y seco, y de la forma de vida, al aire libre. Se usaban ropas exclusivamente de lino, aunque al principio se usaba el algodón, se impuso el lino por la creencia de que era más puro, y se cultivaba para fines textiles en exclusiva. El color preferido era el blanco, aunque podía llevar algunos dibujos en los bordes. La lana era conocida, pero fue considerada impura, ya que todas las fibras animales eran objeto de tabú, A partir de la conquista de Alejandro Magno, comenzó a emplearse la lana en las prendas de carácter cotidiano y continuando prohibidas en los templos y santuarios, dónde los sacerdotes debían usar ropas de lino de color blanco. Los campesinos, los trabajadores y las personas de condición modesta, solían ir con un taparrabos, y si se vestían, llevaban sólo el shenti, usado por los varones de toda condición social, que consistía en una especie de faldilla que se arrollaba a la cintura y se ceñía con un cinturón de cuero. Durante el Imperio Nuevo, hacia 1425 a. C., comenzó a usarse una túnica ligera, o camisa sin mangas, así como una especie de jubón plisado. Entre la gente de alta posición se adornaba la pieza con bordados y se colocaba sobre un calzón o túnica. Encima del schenti llevaban las personas de distinción una especie de saya corta formando menudos pliegues, que para salir de casa se cambiaba por una túnica con mangas o sin ellas, ambas de fina textura. Para cubrir la cabeza ambos sexos usaban una peluca postiza, y los hombres un tocado particular, el nemes, que se formaba con un lienzo cuadrado, hecho con una tela a rayas cuyos colores más comunes eran el azul y el amarillo, ajustado a la frente y con caídas a los lados. El vestuario real está bien documentado, vestían de modo semejante que el resto del pueblo, aunque utilizando los símbolos distintivos, como el cetro y la corona egipcia.

El vestido femenino se mantuvo similar durante casi tres mil años, modificado sólo en algunos detalles. Las mujeres llevaban la falda larga y con la cintura muy alta, como un vestido largo y ceñido, de una pieza, sujeto con dos tirantes, que a veces eran anchos y les cubrían los senos. También llevaban una especie de capa corta cubriendo los hombros. La forma de colocarse las túnicas era muy variada, dando la impresión de constituir ropa diferente. A veces usaban una muselina muy fina, otras veces eran telas teñidas y pintadas, decoradas con diversos motivos que imitaban por ejemplo un plumaje como las alas de Isis. Las mujeres trabajadoras llevaban ropas más amplias, incluso algunas iban desnudas también. El calzado podía ser doméstico o ceremonial y se usaba en determinados situaciones y por ciertas personas. Llevaban unas sandalias hechas con juncos o con fibras vegetales, que para los reyes y magnates podían ser de otros materiales, como cuero trenzado, y llevar todo tipo de adornos, rematándose en una punta encorvada hacia arriba. La clase sacerdotal las usaba de Papiro. El "porta sandalias" era una función administrativa de primera importancia. El que tenía el título de porta sandalias del faraón, era uno de los hombres más influyentes del país. En la vida cotidiana el hombre común iba descalzo y solo en alguna ocasión especial usaba sandalias: cuando tenía que ir a algún sitio llevaba sus sandalias en la mano o las ataba al extremo de un bastón para calzarse al llegar al destino. Los polvos fueron utilizados para blanquearse la piel de la cara. Dos tipos diferentes de máscaras se usaban para los ojos: una negra para dibujar el contorno y acentuar su forma de almendra, y otra verde para las pestañas y las cejas.

Distintos en la igualdad, Exposición Máscaras, “Máscaras del mundo”, (consultado 04 mar. 17) Disponible: http://distintosenlaigualdad.org/imagenes/documentos/cuadernillos%20talleres/exposicion%20mascaras%20p.pdf

MESOPOTAMIA La Máscara de Sargón data del año 2250 a. C. y fue elaborada en época del Imperio acadio, un gran reino de Mesopotamia formado a partir de las conquistas de Sargón de Akkad 2334 a. C. – 2279 a. C. y que mantuvo su hegemonía durante 140 años entre los siglos XXIV y XXIII a. C. en los que se sucedieron cinco monarcas: el propio Sargón, sus hijos Rimush y Manishutusu, su nieto Naram-Sin y el hijo de éste, Sharkalisharri. Los dominios del Imperio acadio se extendieron a toda la cuenca de Mesopotamia, Elam, Siria y, según las inscripciones, aún más allá, hasta el Líbano y la costa mediterránea. La pieza fue hallada en el templo de Ishtar, de la antigua ciudad de Nínive, cerca de la actual Mosul, localidad situada en el norte de Irak. Forma: Máscara realizada a tamaño natural y coronada con un tocado en su parte superior. Altura: 36 cm. Material: fundida en bronce con incrustaciones. Los primeros trajes Sirios y Fenicios de la Mesopotamia Antigua, fueron evolucionando en paralelo con el "kalasaris" del antiguo Egipto; tanto los hombres como las mujeres llevaban una gran pieza rectangular de tela, con una fuerte ornamentación, y que se envolvía alrededor del cuerpo y se sujetaba al hombro; esta forma rectangular básica perduró durante muchos siglos, aunque existieron algunos modelos que llevaban aberturas tanto para la cabeza como para un brazo.

Wikipedia la enciclopedia libre, “Máscara de Sargón”, (consultado 04 mar. 17) Disponible: https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%A1scara_de_Sarg%C3%B3n

Los Mamuthones son personajes tradicionales de la fiesta de carnaval de Mamoiada, en Cerdeña. Representan figuras infernales que desfilan por las calles, junto a los Issohadores, el 17 de enero para la fiesta dedicada a San Antonio Abad y, días después, para el carnaval. El origen de los Mamuthones todavía hoy sigue siendo un misterio. Según un estudio de Marcello Madau, arqueólogo de la academia de Bellas Artes de Sassari, no hay fuentes escritas que testimonien la presencia de los Mamuthones en tiempos lejanos. Wagner, uno de los lingüistas más importantes para el estudio de la lengua sarda y de la vida tradicional de los Sardos, en sus estudios no hace ningún tipo de mención sobre los Mamuthones y en 1928 una de las asociaciones más importantes que defiende un turismo sostenible, el Touring Club italiano, describe solamente la tradición que celebra su focu de Sant’Antoni. Según aquel estudio, testimonios orales atestiguan la presencia de los Mamuthones en el siglo XIX. Algunos estudiosos, por el contrario, sostienen que la ceremonia se remonta a la Edad Nurágica, como símbolo de adoración hacia los animales, para protegerse de los espíritus del mal o para propiciar la cosecha. Existen, además, otras hipótesis al respecto. Una de ellas celebra la victoria de los pastores de Barbagia sobre los invasores sarracenos; otra nos cuenta una ceremonia totémica en la que se amansa el buey, animal representativo de la cultura nurágica; Por último, hipotizan una procesión ritual que los nurágicos celebraban en homenaje a cualquier divinidad, agrícola o pastoral. Algunos autores sostienen que hay un enlace con rituales dionisíacos, otros lo niegan, y lo incluyen entre los rituales que señalan el cambio de las estaciones. La máscara del mamuthone (visera) es negra y de madera, se ata mediante pequeñas correas de cuero y se completa cubriendo la cabeza con un pañuelo de mujer. El mamuthone lleva pieles de oveja negra (mastruca), mientras que sobre la espalda tiene cencerros (carriga) de diferentes tamaños. Por el contrario, el issohadore lleva una máscara blanca y un gorro llamado berritta, un cuerpo rojo (curittu), camisa y pantalones blancos, botones de oro, una canana de campanillas de bronce (sonajolos), un pequeño chal, polainas de lana típica sarda (cartzas), botas de cuero (‘usinzu) y por último la so’ a (particular tipo de cuerda). Las máscaras se producen con diferentes tipos de madera ennegrecida. Se utiliza madera de higuera, aliso y olmo; a veces pueden ser de castaño o nogal, mientras que antiguamente se producían con peral silvestre.

egeos

El Carnavade Mamoiada es la festividad más antigua del folklore de Cerdeña. Se celebra en Mamoiada, un pueblo en el centro de Barbagia. Consiste en un desfile que empieza por la tarde y acaba por la noche. Se desarrolla por las calles mayores del pueblo, mientras que el público está al lado, en las aceras. Aunque se llama Carnaval, no tiene la viveza que debería tener, sino que parece una procesión solemne y ordenada, que recuerda los cortejos religiosos. Los orígenes de esta fiesta, que es conocida también como “Il ballo dei Mamuthones”, son obscuras. Hay muchas hipótesis, pero ninguna puede ser demostrada en realidad. Según varios estudiosos este ritual dataría en la era Nurágica y probablemente nació para adorar los ganados, o para protegerse contra los espíritus del mal y para propiciar las cosechas. Una ceremonia muy importante del Carnaval es la Toma de Hábito de los Mamuthones, cumplida por dos personas. Después, los Mamuthones desfilan en grupos de doce, que representan los meses del año, guiados por los Issohadores, que desfilan en grupos de ocho, y hacen un baile muy complejo, que por eso tiene que ser aprendido de niños. Los Mamuthones desfilan lentos, agitando los cencerros, mientras los Issohadores tiran los lazos, para coger a la gente en la calle. Si un Issohadore te coge, tienes que darle algo de beber o de comer, pero también te trae suerte. Este Carnaval, con pequeñas diferencias, ahora está difundido en otros pueblos de Cerdeña.

Wikipedia la enciclopedia libre, “Mamuthones”, (consultado 04 mar. 17) Disponible: https://es.wikipedia.org/wiki/Mamuthones Wikipedia la enciclopedia libre, “Mamoiada”, (consultado 04 mar. 17) Disponible: https://es.wikipedia.org/wiki/Mamoiada#Fiestas_y_tradiciones_populares

GRECIA Las máscaras eran una especie de casco que cubría enteramente la cabeza y además de las facciones del rostro, tenía pelo, orejas y barba habiendo sido los griegos los primeros en usarlas en sus teatros a fin de que los actores pudieran semejarse físicamente al personaje que representaban. En Grecia la máscara no solo va a infundir temor, sino, también, alegría de vivir. Las fiestas rituales van a dejar paso a las representaciones teatrales; marcando así, una distancia entre ella misma y quien la porta. Las máscaras eran una especie de casco que cubría enteramente la cabeza y además de las facciones del rostro, tenía pelo, orejas y barba habiendo sido los griegos los primeros en usarlas en sus teatros a fin de que los actores pudieran semejarse físicamente al personaje que representaban. En Grecia la máscara no solo va a infundir temor, sino, también, alegría de vivir. Las fiestas rituales van a dejar paso a las representaciones teatrales; marcando así, una distancia entre ella misma y quien la porta.

Wikipedia la enciclopedia libre, “Máscaras”, (consultado 04 mar. 17) Disponible: https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%A1scara#cite_note-2

Era bastante sencilla, al principio influida por oriente, consistente en un chitón (túnica larga, a veces hasta los tobillos, en ocasiones ceremoniales, sujeta por un cinturón, y en los hombros por una fíbula) y un himatión (capa que se envolvía al cuerpo, hecha de una sola pieza de tela, sujeta en ciertas ocasiones con una esclavina o clámide) que servían indistintamente para hombres y mujeres. En el caso de hombres que lucían túnicas más cortas, completaban su atuendo con un manto corto y sin mangas, llamado palio. Marcaban como en casi todas las culturas diferencias de clase, ya que los campesinos vestían generalmente ropas de lana, cuero o pieles de animales, y un gorro del mismo material (kyné). Con lino, lana y pieles, resolvían estas cuestiones de vestuario, que aparentemente incluían además, como lo demuestran la decoración de vasos, pantalones que usaban los guerreros, y especies de camisetas, llamadas jalecos.

Los pilos cubrían la cabeza con forma de bonete, usado por lo general por los artesanos y esclavos, y el petaso, lo hacía por medio de un sombrero con grandes alas. Al principio, hombres y mujeres lucían largas cabelleras, pero luego de las guerras médicas los hombres adultos comenzaron a cortar sus cabellos. Las damas griegas usaban los chitones ajustados hasta el talle, pero se hacían amplios en la falda, a través de pliegues, y decoraban sus atavíos mediante joyas. Resaltaban su figura con un cinturón y remarcaban su busto con un strophion. El calzado unisex era de sandalias, o sea, un trozo de suela, sostenido a los tobillos, con tiras. La vestimenta de los guerreros tenía un fin protector, en las batallas cuerpo a cuerpo. Los hoplitas se protegían con cascos, pesados escudos, sus torsos con corazas metálicas y las piernas se resguardaban con cnémides de bronce. La caballería en lugar de Cnémides usaba polainas de cuero, igual material que se usaba para el jubón y las hombreras. El pecho se protegía con discos de bronce.

teatro-griego.blogspot, Marta & Helia, “mascaras y vestimentas griegas”, (consultado 05 mar. 17) Disponible: http://teatro-griego.blogspot.com.es/2006/02/mascaras-y-vestimentas-griegas.html La Guía, “la vestimenta griega”, (consultado 05 mar. 17) Disponible: http://www.laguia2000.com/edad-antigua/la-vestimenta-griega

Polichinela, también conocido como Pulcinella o Pulchinela, es un personaje de la commedia dell'arte. Dentro del grupo de los zanni (siervos o criados) es, con "Coviello", uno de los principales personajes de la trama en el modelo napolitano. "Pulcinella", popular rufián, alcahuete y filósofo (físicamente socrático y resignado senequista), es un «zanno» con una especial capacidad de adaptación y una gran experiencia en apalear y ser apaleado. Jorobado, barrigudo y de enorme nariz ganchuda (atributos físicos de su aspecto encorvado y su media máscara negra con profundas arrugas), es sin embargo un excelente orador y un singular cantor. Es el único que ha conservado el traje blanco original, común a los «zanni». En el siglo XVIII, a Polichinela le creció la barba y el bigote, y un alto sombrero de alas levantadas (continuando el simbolismo gallináceo). En la versión francesa, Polichinela evolucionó hacia el enano malvado que primero cambió su tocado por una pañoleta, como la de Pierrot, y finalmente recuperó el sombrero, ahora con dos plumas de gallo. En el espacio escénico de los teatros de títeres del Lyon obrero del siglo XVIII, "polichinela" (sucedáneo de marioneta) se convirtió en "Monsieur Guignol". A partir de objetos encontrados, se puede deducir la gran influencia micénica, en los drapeados, egea en la indumentaria militar y más tarde oriental. Utilizaban una especie de toga hecha a partir de un semicírculo de tela, esta era una prenda masculina. Las mujeres llevaban un vestido largo y ajustado de manga corta. Además llevaban un tipo de botas altas con cordones, con las puntas levantadas. El cabello era pintado, colgando por detrás de la espalda o traído alrededor de pecho. El tipo de sombrero más usado fue el griego de ala ancha, también se utilizaban cintas decoradas con pieles en el cabello corto. En el siglo V se pueden observar ciertos cambios, como la desaparición del tutulus y la incorporación de las sandalias. Y en el siglo II notamos el uso de ojotas hechas de cuero amarillo. Las clases altas etruscas la ornamentación era de gran importancia. En el siglo VII d.C. la prosperidad económica y la influencia oriental refino el lujo en los vestidos, collares, pendientes, brazaletes, etc. Los soldados son mostrados con pantalones cortos apretados, cascos circulares con protectores en el cuello y mejillas. La mayor arma desprotección era el escudo que recubría el torso utilizado con una túnica corta por debajo.

ETRUSCOS

Wikipedia la enciclopedia libre, “Polichinela”, (consultado 05 mar. 17) Disponible: https://es.wikipedia.org/wiki/Polichinela

Comenzó a evolucionar el uso de la máscara, en Roma, cuando la llevaban actores en los cortejos fúnebres, para que se reconociera y recordara el rostro del difunto. A partir de este empleo por parte de actores, la careta rápidamente fue utilizada para diferentes fines. Comenzaron a usarla los actores para representar fielmente en sus obras los rostros de los personajes históricos que estaban interpretando. Rápidamente, se adoptó su uso en las fiestas saturnales en Roma, y se las comenzó a usar con carácter festivo, dando origen a la utilización en lo que hoy es nuestro carnaval. Con dichas caretas se comenzaron a realizar escenas burlescas de los ritos sagrados. Fueron evolucionando y cambiando sus usos, hasta la actualidad, en que es frecuente solamente en las carnestolendas. Los romanos utilizaron una gran variedad de indumentaria luego de finalizada la república, de la cual se tiene poca información acerca de su vestuario. Se dividen en dos tipos de vestidos: aquellos que se colocaban por la cabeza (indumenta) y aquellos que eran envueltos al rededor del cuerpo (amictus). La indumenta comprendia de dos partes: el subligaculum y la tunica, panilla de lino cosida equivalente al chiton giego. La túnica fue introducida a Italia por los colonizadores griegos y era solo usada por los hombres. Consistia en dos piezas de lino cocidas, puestas por la cabeza y atadas en la cintura. Cuando era de mangas cortas era conocida como dalmática.En el imperio los romanos utilizaban dos túnicas, una interior, la subula y una exterior la tunica exteriodum. Las dos contaban con mangas cortas. Cuando las tunicas comenzaron a ser más largas se les dio el nombre de caracallas.

Buenas tareas, “Vestimenta Etruscos y romanos”, (consultado 05 mar. 17) Disponible: http://www.buenastareas.com/ensayos/Vestimenta-Etruscos-y-Romanos/3890964.html Romanos/3890964.html Distintos en la igualdad, Exposición Máscaras, “Máscaras del mundo”, (consultado 04 mar. 17) Disponible: http://distintosenlaigualdad.org/imagenes/documentos/cuadernillos%20talleres/exposicion%20mascaras%20p.pdf Buenas tareas, “Vestimenta Etruscos y romanos”, (consultado 05 mar. 17) Disponible: http://www.buenastareas.com/ensayos/Vestimenta-Etruscos-y-Romanos/3890964.html

roma

BIZANT INOS

Tanto los hombres como las mujeres vestían túnicas de seda, damasco, brocado y otras telas suntuosas, ceñidas con anchos cinturones de cuero, muy trabajados. Sobre la túnica usaban una capa de forma semicircular, y sobre el costado izquierdo se colocaban una insignia o clavus. Las mujeres lucían vistosas joyas con piedras preciosas. Los soldados usaban una coraza de metal hasta la cintura con caídas de cuero. Los jefes principales llevaban una rica capa semicircular, sostenida por el clavus o insignia de dignatarios. El calzado era de cuero suave, y las calzas de seda labrada. La espada fue alargándose y los escudos adoptaron una forma ojival muy característica. Los soldados usaban una túnica corta y protegían su cabeza con cascos lisos de metal, escudo y espada. Algunos cuerpos eran muy hábiles en el manejo de las lanzas. Cada escudaron tenía su estandarte con diversas insignias, pero en la mayoría aparecían símbolos cristianos. La civilización bizantina dio el primer paso para adaptar la vestimenta a las líneas naturales del cuerpo, ya que en la antigüedad era muy holgada. El atuendo masculino y femenino estaba constituido por tres prendas: la túnica, que alcanzaba la rodilla en los hombres y el tobillo en las mujeres, la dalmática, o capa de algodón o lana según las estaciones, larga y recta pero plegable, y otra especie de echarpe de seda recta echada sobre los hombros y recogida en el lado derecho con un broche. Las damas de la corte usaban túnicas de sedas ricas y sedas labradas. Recogían su cabellera con una cofia de seda o una red de perlas, costumbre que se adoptó luego en el resto de Europa. En las joyas usaban mucho las perlas que combinaban con diamantes y otras piedras preciosas. El traje sacerdotal era parecido al de los laicos, pero la túnica talar era blanca. Sobre ella colgaban la casulla, con una cruz bordada en la parte posterior. Los obispos usaban una larga banda blanca con una cruz negra.

La historia de la moda, “LOS BIZANTINOS”, (consultado 05 mar. 17) Disponible: http://lahistoriadelamoda.webnode.es/los-bizantinos/

islámico El burka o burqa se refiere a dos formas de ropa tradicional usadas por mujeres en algunos países de religión islámica, principalmente Afganistán, donde es la vestimenta impuesta a las mujeres afganas pastunes fuera de casa. La primera y más conocida por este nombre es una prenda que cubre el cuerpo y la cara por completo, a menudo llamada burka completo o burka afgano y que en ocasiones es confundida con el chador prenda tradicional iraní, la cual cubre todo el cuerpo a excepción del rostro. La segunda, no estrictamente un burka, es un tipo de velo que se ata a la cabeza, sobre un cobertor de cabeza y que cubre la cara a excepción de una apertura en los ojos para que la mujer pueda ver a través de ella, mejor conocida como niqab. Ambas clases de burka son utilizadas por algunas mujeres musulmanas como una interpretación del código de vestido del hiyab. El hiyab es un código de vestimenta femenina islámica que establece que debe cubrirse la mayor parte del cuerpo y que en la práctica se manifiesta con distintos tipos de prendas, según zonas y épocas. En sentido restringido, suele usarse para designar una prenda específica moderna, llamada también velo islámico.

Wikipedia la enciclopedia libre, “Burka”, (consultado 05 mar. 17) Disponible: https://es.wikipedia.org/wiki/Burka Wikipedia la enciclopedia libre, “Hiyab”, (consultado 05 mar. 17) Disponible: https://es.wikipedia.org/wiki/Hiyab

En algunas iglesias románicas aparecen personajes enmascarados, máscaras o elementos similares. No es uno de los temas principales del románico; pero, aunque no se encuentre en lugares muy destacados, sobre todo en canecillos y más raramente en capiteles, que son elementos constructivos característicos del arte románico, consistentes en piezas pétreas colocadas en la parte superior del muro, sobresaliendo del mismo y sirviendo de base al alero del tejado. Se usan también para soportar el dintel de las portadas y aparece en unas cuantas iglesias. Estas máscaras se caracterizan por ser extrañas figuras que, con sus deformidades, pueden ser tanto máscaras como, simplemente, personajes monstruosos. Las máscaras, como gran parte de la iconografía románica, están abiertas a una multitud de interpretaciones. Hay quien las considera representación, junto con las escenas de músicos, danzantes... de la parte festiva de la vida cotidiana románica; también quien las ve, al igual que a estas, como un símbolo del pecado. Otros las consideran simple y llanamente demonios. Pero la verdad es que las máscaras románicas representan distintas cosas en distintos lugares. En cuanto al vestuario, la lana era el tipo de material más utilizado para confeccionar las prendas, dada su abundancia y fácil manejo. Dependiendo del poder adquisitivo de la persona en cuestión las prendas podían ser de algodón, lino o seda. Las mujeres patricias de buen pasar prácticamente utilizaban exclusivamente seda para sus chitones. Como es lógico asumir las decoraciones eran un punto importante a la hora de definir el gusto de los romanos. Los adornos de perlas eran muy utilizado para adornar desde los broches en las túnicas hasta las mismas sandalias o zapatos. Diferentes tinturas eran utilizadas para decorar la ropa. La purpura y otras tinturas de origen vegetal, también eran utilizadas para embellecer las prendas.

románico 16

Arte Románico, “Vesturio”, publicado el 27 de Octubre de 2010. Sitio Web: http://andreycamilo.blogspot.com/2010/10/vestuario.html

El gótico es un estilo que se desarrollo en los últimos siglos de la edad media (XII-XVI), en Francia como un movimiento anti-social encabezado por obreros en su mayoría y por estudiantes que vivían en constante opresión por parte del sistema que la sociedad en ese entonces tenía, maquillando sus caras de blanco y vistiendo de negro daban a entender el hecho de que la opresión los tenía muertos. Posteriormente a esto se propagó por toda Europa. A partir del siglo XIII (XIV de peste, hambrunas, desesperación...) se producen cambios profundos en la actitud del hombre ante la muerte, desde el punto de vista de su significación religiosa y desde el punto de vista de la propia liturgia del entierro. Todo esto generó una rica manifestación artística, tanto en la representación de la muerte de Cristo como en la iconografía funeraria, donde, paulatinamente, la imagen del difunto se va convirtiendo en un retrato debido a la obtención generalizada de mascarillas funerarias para tal fin.

gótico Cultura Gótica, “Periodo Gótico”, publicado el 16 de Julio del 2013. Sitio Web: https://es.slideshare.net/l0velybaby/cultura-gotica-23052896 Arte Gótico, “Gótico clásico”, 2013. Sitio Web: http://ocitogetra.webnode.es/escultura/gotico-clasico/

RENACIMIENTO Durante el Renacimiento tuvieron un auge inesperado con la comedia dell’arte italiana, siendo las máscaras notablemente burlescas para estas comedias de improvisación con un repertorio fijo de personajes y esquemas básicos argumentales –por lo tanto arquetípicos–: arlequines, pierrots y colombinas, entre otros, que podían decir impunemente la verdad. Una de las máscaras más famosas del mundo es la que todos conocemos como “máscara de pico”, la típica que utilizan en el carnaval veneciano y llamada “Il Dottore della peste” o “El doctor de la peste”. “Aunque parezca mentira, su origen no tiene nada que ver con la bufa del carnaval, sino todo lo contrario; y es que apareció con la enfermedad de la peste”. Durante la Edad Media y el Renacimiento, la peste negra azotaba Europa y miles eran las víctimas que cada día se rendían a sus pies. Los doctores rellenaban la zona del pico con plantas aromáticas para mitigar los olores. Asimismo, se incluían unos ojos de cristal para salvaguardar los globos oculares. Las prendas eran confeccionadas por sastres, y se adaptaban a los gustos de la clientela. La tienda, el hogar y el taller se localizaban en el mismo lugar. Los sastres ambulantes atendían a la gente del campo, que no podía acceder fácilmente a los centros urbanos. Los cortesanos requerían un extenso guardarropas, y a menudo vendían sus ropajes en establecimientos de segunda mano para recuperar parte de su costo, lo cual denota porqué la moda era pasatiempo de las personas acomodadas.

Wikipedia la enciclopedia libre, “Máscaras”, (consultado 04 mar. 17) Disponible: https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%A1scara#cite_note-2 EFE: Salud, “La máscara de la peste, ¿Cuál es su origen?”, http://www.efesalud.com/noticias/la-mascara-de-la-peste-cual-es-su-origen/ Renacimiento y humanismo, “vestimenta del renacimiento”, (consultado 05 mar. 17) Disponible: http://magalimetticahistoria.blogspot.com/2012/05/vestimenta-del-renacimiento_28.html

MANIERISMO

manierismo

Manierismo es la denominación historiográfica del periodo y estilo artístico que se sitúa convencionalmente en las décadas centrales y finales del siglo XVI (Cinquecento en italiano), como parte última del Renacimiento. Es el momento en que se pierde lo más propio del clasicismo y la belleza clásica: proporciones, armonía, serenidad, equilibrio. El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere, en escultura sobre todo, la línea o figura serpentinata, en que las figuras se disponen en sentido helicoidal ascendente. Las prendas eran confeccionadas por sastres, y se adaptaban a los gustos de la clientela. La indumentaria básica de las mujeres era camisa interior de lino blanco, manga larga, sobre ella un vestido de cintura de color contratante y el escote en forma de V. Pero la pieza principal de los guardarropas femeninos será la cota, o vestido interior.

ArteEspaña, “Marierismo”, Octubre 2005. Sitio Web: http://www.arteespana.com/manierismo.htm Manierismo, “Detalle de características artísticas en el periodo Manierista”, publicado el 19 de Noviembre de 2014. Sitio Web: https://es.slideshare.net/emmaeufemiaaguero/manierismo-41753596

barroco

El barroco es la continuación al manierismo italiano que prevalece durante la primera mitad del siglo XVI. Si el manierismo comienza a usar los cánones clásicos con artificiosidad, el barroco que le sucede abandona la serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos. Por tanto, la tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación. En la época de mayor esplendor de Francia, la vestimenta se torna sumamente recargada, la de los hombres es tan femenina como la de las mujeres, con encajes y moños por doquier, zapatos con rosetas y telas costosas y labradas. Para el hombre, la prenda clásica es el terno (chaleco-saco y calzón largo hasta la rodilla) y el vestido de escote bote para las mujeres. Se sigue la estética impuesta por Luis XIV, por lo que los hombres usan pelucas de muchos rulos de color castaño. La mujer aún no usa peluca sino un peinado de bucles cayendo a ambos lados de la cabeza.

rococó El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma progresiva entre los años 1730 y 1760 aproximadamente en donde su vestuario estaba compuesto por varias prendas: Vestido a la francesa: costa de una falta y una sobre falta y un peto triangular que cubría el pecho y el estómago bajo la cobertura frontal del vestido. Se llevaban encima del corsé y guardainfantes encargadas de formar la silueta. Peto: estaban bordados en sedas de colores e hilos metálicos que dibujan motivos florales decorados con un encaje de punto de España. Cerraban por delante los vestidos del siglo XVIII. Casaca: llega hasta la cadera, con corte en la cintura y pliegues en los lados. La manga tiene forma triangular. El tejido es de la época de 1730-1740. Se usaban en la primera mitad del siglo XVII. La máscara del Rococó esta basada en el período del rococó contiene una guirnalda de flores doradas realizadas a mano y un cordón dorado que remata la máscara. Lazos de raso negro para sujetar la máscara a cualquier medida o bien para colgarla.

Historia del vestuario Femenino, “Romanticismo”, consultada el 5 de Marzo del 2017. Sitio Web: http://www.cyberpadres.com/tiempo_libre/carteleras/fetiche/mingote/3parte/romant.htm Historia del vestuario Femenino, “Romanticismo”, consultada el 5 de Marzo del 2017. Sitio Web: http://www.Artesanum, “Máscara Rococó”, consultado el 5 de Marzo del 2017. cyberpadres.com/tiempo_libre/carteleras/fetiche/mingote/3parte/romant.htm Sitio Web: Artesanum, “Máscara Rococó”, consultado el 5http://www.artesanum.com/artesania-mascara_rocode Marzo del 2017. Sitio Web: http://www.artesanum.com/arco-2867.html tesania-mascara_rococo-2867.html

El término surgió en el siglo XVIII sobre la revolución francesa en donde la vestimenta se produjo un profundo cambio en la moda. Se adopto una manera de vestir como objeto de propagan y de lógica de la nueva era. Aquellos que vestían ropas de seda extravagante y de vivos colores se consideraban antirrevolucionarios. Por eso el vestido camisero, llamado asi por su parecido a una camisola de ropa interior, se convirtió en la moda dominante. Su simplicidad marcaba un gran contraste con los complicados vestidos de la época rococo. Vestido camisa: con cintura alta, cuerpo y falda se usaba una sola pieza, mediante una línea clara y tubular. El material mas utilizado era el algodón. Bata: recibió este nombre en España. Son largos y abiertos por delante. Se caracteriza por pliegues planos que parten del cuello, recorren toda la espalda y termina en una cola. apareció alrededor de 1780. Moda masculina: la moda masculina en el neoclásico no era muy diferente a la época del rococó. Se seguían usando la chupa, la casaca, las medias largas, el calzón y las mangas largas. Cada vez se necesitaba menos tela puesto que la figura de los hombres de esta época fue cambiando y era más estilizada.

NEOCLÁSICO Artesanum, “Máscara Rococó”, consultado el 5 de Marzo del 2017. Sitio Web: http://www.artesanum.com/artesania-mascara_rococo-2867.html Museo del traje, “Moda durante digo XVII”, consultado el 5 de marzo 2017. Sitio Web: http://museodeltraje.mcu.es/popups/publicaciones-electronicas/2007-indumenta0/Indumenta00-09-ALS.pdf

El Romanticismo se caracteriza por la libre expresión de ideas en un mundo de caos. La personas durante el movimiento trataba de evadir de la realidad para estar en un mundo totalmente opuesto. Los artistas del Romanticismo usaban la naturaleza para expresar su sentimientos y exaltaban características de sus naciones como símbolo de patriotismo. En la época del Romanticismo las modas las marcó el imperio británico: tras la Revolución Industrial se abrió la época victoriana e Inglaterra se convirtió en la gran potencia del siglo XIX. En primer lugar, los peinados de los hombres se liberaron: cambiaron las pelucas por el pelo suelto, desordenado y sin ostentación. Las mujeres optaron por el pelo recogido, flequillos rizados y, en muchos casos, con bucles en las orejas. Y a mitad de siglo, llegaron los rodetes. Por contraste, el traje femenino será más aristocrático: vestidos enterizos y mangas acolchadas. Lo más representativo es que vuelve el corsé, muy mal visto durante la Revolución francesa.

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realismo Es un término que, además de utilizarse para denominar ciertos movimientos artísticos reactivos contra el romanticismo en literatura o pintura, ambos originados en la Francia de mediados del siglo XIX y continuados en el naturalismo literario y pictórico posterior; tiene una dimensión genérica que permite identificar un realismo artístico como una postura estética o de teoría del arte que identifica arte y realidad. Presentar de forma fiel la realidad: las obras literarias, pinturas y esculturas son representaciones de lo que el autor ve. Son obras que al presentar la sociedad de la época tal y como es, sirven para realizar una crítica de la misma. Las damas usaban vestidos largos hasta los pies armadas con enaguas de volados, confeccionados generalmente por ellas mismas ayudadas por sus esclavas. Las telas eran traídas de Europa. También llevaban peinetones con delicadas mantillas, abanicos y sombrillas para protegerse del sol. Los sastres en esa época eran muy escasos y en el interior no existían. Las señoras también confeccionaban la ropa de sus maridos y de sus hijos. Los caballeros se vestían con sacos de levita, camisas con volados, pantalones angostos o polainas, galera y bastón con puño de metal. Uno de los más notables bailes de máscaras del siglo XX fue el que tuvo lugar en el Palazzo Labia de Venecia el 3 de septiembre de 1951, organizado por Carlos de Beistegui y apodado "la fiesta del siglo". El elegante y teatral Carlos de Beistegui era heredero de una gran familia hispano-mexicana que eligió vivir en Francia, aunque su fortuna provino principalmente de las minas de plata descubiertas en México a principios del siglo XIX. De Beistegui no era un mero anfitrión de fiestas, era el productor de brillantes eventos sociales que eran verdaderas obras de arte temáticas y tenía el dinero para llevar a cabo el más mínimo detalle. Su baile de 1951 en el Palacio Labia -que había comprado en 1948 y restaurado y reformado con valiosas antigüedades y tapices- se encuentra en la historia social como uno de los más célebres del siglo XX, si no el más célebre. "El baile fue el comienzo de los medios de comunicación de masas", dijo su sobrino Juan de Beistegui. "Nadie se dio cuenta de lo que los medios podían hacer hasta ese momento.”

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EGEOS Hombres de espíritu vigoroso y de vario ingenio. Su centro principal estuvo en la isla de Creta, donde desarrollaron una civilización de la piedra que duró hasta fines del cuarto milenio. Hasta entonces no mostraron los egeos ninguna particularidad extraordinaria; pero como estas islas abundaban en cobre, comenzó a desarrollarse en ellas con gran éxito una metalurgia que muy prono proporcionó a Creta ventajas decisivas. En efecto, el trabajo del cobre probó allí como en otras partes que ese metal, tan útil como pueda parecer, ofrece el grave inconveniente de su blandura, que lo hace inservible para reemplazar a la piedra. Este hecho resultó decisivo, porque los cretenses iniciaron los ensayos para endurecer el cobre por aleación de otros metales, también como otros pueblos descubrieron que el estaño era el material que necesitaban, pero, a diferencia de los demás y debido a sus caracteres de pueblo insular y marino, los cretenses resolvieron iniciar la búsqueda del estaño en las diversas y lejanas comarcas donde abundaba. La consecuencia fue que, a principios del tercer milenio, ya eran ellos los más poderosos intermediarios en el tráfico de ese metal y aun los más importantes fabricantes y distribuidores de objetos manufacturados de bronce. Así comenzó el esplendor de Creta. El arte egeo, se manifiesta en vastas construcciones de piedra, en objetos de cerámica pintada y zoomorfa, en joyas y artículos de adorno, en armas de piedra y de bronce , en relieves e idolillos de mármol o de bronce e incluso en tablitas con inscripciones. No se han encontrados estatuas de gran tamaño ni templos conocidos, aunque sí se encontraron grandes palacios que debieron servir de templos a la vez que de moradas regias, teniendo por lo menos un oratorio en ellas aunque de reducidas dimensiones.

La Arquitectura Egea se divide por lo general en dos épocas o períodos: El cretense o minoico que principalmente abarca los siglos XX al XV a.C. El micenaico o miceno extendiéndose desde el siglo XV a.C. al XII a.C. Cada una de estas épocas o períodos se divide en otros, los cuales tomados en conjunto forman según muchos arqueólogos ¨La edad protohistórica de Grecia¨ y, estas deben considerarse como propias de una civilización independiente y oponible a las de Egipto y Asiria, de las cuales tomó algún elemento sin constituir, jamás una mera copia de ellas. Periodo minoico o cretense coincide en el tiempo de su esplendor con las dinastías XII a XVII egipcias. Con frecuencia se cita al único disco de arcilla encontrado en el emplazamiento de Festo como la muestra más antigua de impresión; el disco se imprimió por ambos lados, mientras estaba húmedo, con una serie de sellos de piedra que constaban de 45 símbolos. Periodo miceniano este periodo se caracteriza en arquitectura por los robustos muros y palacios de aparejo ya ciclópeo, poligonal y medio escuadrado y por las tumbas de cúpula falsa la cuales se hallan diseminadas por las regiones de Grecia y mar Egeo. Entre los monumentos celebres de este periodo encontramos: La tumba hallada en Orcomene y conocida con el nombre de tesoro de Minyas, La Puerta de los Leones de Micenas con sus murallas de tres a siete metros de espesor La tumba llamada Tesoro de Atreo o Tumba de Agamenón, en la misma localidad, las murallas y el palacio de Tirinto. PINTURA: en la composición pictórica hubo mayor libertad, la temática no gira alrededor del rey o del dios, sino en la vida diaria, captando el momento natural, su carácter es esencialmente decorativo, utilizaron la técnica al temple y al fresco, el dibujo sigue la tradición de perfil, el ojo de frente y una tendencia a la desproporción, alargaban las figuras, (estilización) lo que les da una gran elegancia.

MURALES: A través de estos se puede apreciar que la naturaleza fue para ellos un espectáculo lleno de color, movimiento y alegría, su pintura mural mostró el gusto por vivir, entre las más representativas encontramos: - El príncipe de los lirios: mural de pintura al fresco de un supuesto príncipe, se encuentra en el palacio de Cnossos, en Creta. -La parisiense: es un fragmento de un mural al fresco, se encuentra en el palacio de Cnossos, revela la gran frescura inventiva del arte Cretense. - Los delfines: En el apartamento de la reina es impresionante la pintura de los delfines, en este fresco el artista pretendió plasmar ciertos avances en la perspectiva, y del animal se desprende el símbolo tradicional de la inteligencia. ESCULTURA Aunque en esta escultura la fecundidad y la maternidad son parte esencial y sus dioses los representan de manera antropomorfa, la característica principal es el realismo. La Diosa de las serpiente representan a las sacerdotisas con la serpiente, como si estuvieran poseídas o embriagadas, como estando en contacto con la divinidad, en un verdadero éxtasis, miden como máximo 40 cm. Portan una tiara en su cabeza, como símbolo sacerdotal, el pecho al descubierto, su vestido se ajusta a la espalda, costado y cintura, la falda llega hasta los pies es acampanada con amplios volantes.

grecia Oficialmente República Helénica, es un país soberano, miembro de la Unión Europea. En el país viven alrededor de once millones de habitantes que conforman una sociedad muy homogénea, donde mayormente se habla el idioma griego y se practica el cristianismo ortodoxo, y en distinta medida el dodecateísmo o neohelenismo, que es la religión practicada en la antigua Grecia. Atenas, la capital, es la ciudad más poblada del país. Otras ciudades como Salónica, El Pireo, Patras, Heraclión y Lárisa, son centros políticos, económicos y culturales a nivel regional. La Grecia moderna tiene su origen en la civilización de la antigua Grecia, la cuna de la civilización occidental. Para Occidente es el lugar de nacimiento de la democracia, la filosofía occidental, los Juegos Olímpicos, la literatura y el estudio de la historia, la política y los más importantes principios de las matemáticas y la ciencia. El legado de su larga historia se refleja en el arte, la arquitectura, gastronomía, literatura y otros aspectos culturales. Se conocía antiguamente como Hélade, pero políticamente estaba fragmentado en numerosas polis o ciudades estado independientes entre sí, que unas veces se aliaban y otras se enfrentaban en guerras sangrientas. La civilización griega tuvo un fuerte desarrollo en el campo filosófico. Se le suele considerar la «cuna de la civilización occidental», ya que sus grandes pensadores fueron los que desarrollaron los primeros conceptos de la filosofía entre los que estaba la concepción de la física del átomo (sin división) y su arte, sencillo, se caracterizó por la construcción de templos con grandes pilares y techos a dos aguas; en la música destacaron sus danzas folclóricas y sus cantos se ejecutaban todos los días en todas sus actividades. Entre los monumentos más famosos de esta antigua civilización se encuentran, entre otros, el Partenón, el teatro de Epidauro y el Mausoleo de Halicarnaso. Su evolución en el arte la convirtió en una de las mas influyentes de la historia occidental , el arte griego se caracterizó por sus figuras humanas y su vida cotidiana y en el ámbito pictórico no se conoce grandes siclos decorativos sin embargo se conservan piezas de cerámica , joyas , moneda y gemas que junto con las pinturas etruscas no ofrece ninguna pista del arte griego a cuanto pintura. Los ciudadano solo utilizaba las artes plásticas para su tumbas y las artes decorativas se utilizaba para uso mas privado como vajillas en bronce y espejo las cuales conservaban las familias mas ricas. Su edificios fueron construidos en mármol, piedra caliza y bronce las estatuas votivas que forjaban en planchas de bronce o se recubrían de laminas de oro o marfil , algunas veces se realizaban por separados las cabezas o los brazos extendidos que posteriormente se unían al torso. Utilizaban en sus vajillas elementos curvilíneos y rectilíneos de arte micénico en el año 750 a. C fue donde se empezó a ver motivos humanos y zoomorfos de formas estilizadas el mejor ejemplo de la cerámica son los vasos cinerarios que se utilizaban para que contuvieran las cenizas de sus difuntos.

Los diseños abstractos empezaron a remplazar por motivos naturistas como la flor de loto, la palmera, los leones y los esfinges , en el periodo arcaico con la extensión geográfica y económica la riqueza y los contactos en el exterior propiciaron el desarrollo de la arquitectura y la escultura en los materiales como el mármol y la piedra caliza que abundaron en Grecia sus templos eran decorados con imágenes de sus dioses y pinturas y esculturas, en sus últimos experimentos tuvieron el desarrollo en la decoración de sus vajillas que fueron importantes para el comercio. Se caracteriza por su idealismo estético, proporcionalidad, equilibrio de los elementos y su interés por reflejar la expresividad genuina en la figura humana; por ello, desarrollaron una gran perfección en el dibujo. El atletismo, tan cultivado por estos pueblos, brindó a los artistas sus mejores modelos. La sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad dominan todas sus formas artísticas; así, los griegos alcanzaron sus mayores logros en la cerámica, la escultura y la arquitectura. El arte griego comienza aproximadamente en los siglos V y IV. Se caracterizó por darle a sus obras el mayor sentido de la proporcionalidad, por expresar armonía y equilibrio de elementos y por reflejar una genuina expresión de humanismo. Grecia, es una pequeña península situada al sureste de Europa. Pero en este pequeño país nacieron las primeras ideas que dieron forma a la cultura occidental, de tal modo que nuestros conocimientos y modos de pensar son una consecuencia de la filosofía, la ciencia y el arte de los griegos. ARQUITECTURA: En la arquitectura griega no se empleó ni el arco ni la bóveda. El elemento sustentador de sus monumentales obras fueron las columnas. El sistema de construcción utilizado fue el adintelado. Se destacan por orden jerárquico, los templos como exponentes principales, luego, los teatros, las acrópolis, los propileos, los estadios, los gimnasios y las palestras, las ágoras y los monumentos funerarios. Los diferentes tipos y formas de columnas dieron origen a los famosos órdenes arquitectónicos griegos: Dórico, Jónico y Corintio. Los griegos usaron de manera preferente el mármol, el cual pulían de forma cuidadosa; también emplearon la piedra. ESCULTURA: La escultura griega no está sujeta ni a reglas ni a convencionalismos. El escultor tiene libertad de expresión, sin embargo, toda ella busca y logra la perfección humana, por tanto es una escultura dedicada a exaltar la fuerza física, la perfección de los rasgos, el movimiento y la expresión de la divinidad. Su tema central gira en torno a la figura humana. La escultura griega pasa por 3 períodos épocas o fases evolutivas, con características propias en cada una de ellas.

Estas son: - Arcaica: Se caracterizó por ser una época en donde los escultores buscan un estilo y una técnica propios. En ella aparece la figura femenina y masculina, al inicio estas figuras eran de tipo hierático, sin movimiento, pero luego surgieron ideas de movimiento, los brazos se despegan del cuerpo y el rostro expresa una curiosa sonrisa. Las esculturas eran hechas como ofrenda a los deportistas. Son de esta época: El Kouros de Anavyssos, la Dama de Auxirre o Xoana, la cabeza del caballero Rampios, etc. - Clásica: esta época significó el período de mayor auge en todas las manifestaciones artísticas y literarias. Los escultores logran la perfección de sus técnicas, así como las mejores piezas escultóricas, en donde se observa la magnificencia de la figura humana. Esta época tiene 2 períodos: el estilo Sublime, en el que se destacan escultores como Mirón, Fidias y Polícleto, y el estilo Bello, donde se destacan Scopas, Praxite les y Lisipo, ambos estilos tenían características propias.

- Helenista: esta época corresponde al fin del arte griego, las obras de esta época toma modelos de las anteriores, perfeccionándolos, demostrando una gran capacidad de realización, entra la figura del niño como tema. La escultura adquiere caracteres de monumentalidad, dominando lo pintoresco, lo grotesco, lo episódico, etc. El retrato pasa a un primer plano. En este período surgen diferentes escuelas, entre las más importantes: las Escuela de Pérgamo, la de Rodas y la de Alejandría. PINTURA: Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, sin embargo, si es de conocimiento la maestría que se manifestaba en los increíbles efectos de realismo que sabían producir por descripciones de algunas pinturas. Pero su obra se ha perdido casi toda, y lo que ha quedado son copias y fragmentos que no dan una idea clara de cómo era aquella pintura. Se destacan: Polignoto, Apolodoro de Atenas, Agatarco de Samos, Zeuxis, Parrasio y Apeles. CERÁMICA: Esta constituye en las artes menores la mejor y más variada expresión en lo que a decorado y pintura se refiere. Esta variedad nos da una muy completa evolución de su cultura. Con un estilo y técnicas propias, se caracteriza por tener formas variadas y originales, predominan los elementos geométricos dispuestos en franjas, las tonalidades del barro, desde el amarillo hasta el gris castaño, presenta figuras en rojo sobre fondo negro o rojo el fondo y figuras negras, predominan formas animales y humanas.

etruscos fueron un pueblo de la antigüedad cuyo núcleo geográfico fue la Toscana (Italia), a la cual dieron su nombre. Llegaron a ser una gran potencia naval en el Mediterráneo occidental, lo cual les permitió establecer factorías en Cerdeña y Córcega. Sin embargo, hacia el siglo V a. C. comenzó a deteriorarse fuertemente su poderío, en gran medida al tener que afrontar casi al mismo tiempo las invasiones de los celtas y los ataques de griegos y cartagineses. En cierto modo predecesora de Roma y heredera del mundo helénico, su cultura (fueron destacadísimos orfebres, así como innovadores constructores navales) y sus técnicas militares superiores hicieron de este pueblo el dueño del norte y centro de la Península Itálica desde el siglo VIII a. C. hasta la llegada de Roma. Hacia el 40 a. C., las diferentes ciudades de Etruria (nombre del país de los etruscos) perdieron su independencia política y se convirtieron en parte del territorio de la Roma republicana (con todo, la presencia etrusca fue siempre destacada, los últimos tres reyes de Roma fueron etruscos). Es de destacar el arte funerario y su relación en la pintura y escultura, destacándose sus terracotas y la talla de una piedra local llamada "nenfro". Desarrollaron una importante industria orfebre, trabajaron el bronce, su metalurgia se caracteriza por sus grabados, graneados, filigranas y repujados, en relación a la coroplastia crearon el estilo Bucchero en cerámica. Todos estos productos fueron base para la exportación tanto hacia el norte de Europa como hacia Oriente. Otro punto importante es la pintura donde varias escuelas produjeron frescos admirables, pero la misma tiene temas marcadamente narrativos, anecdóticos y principalmente funerarios. Aunque el arte etrusco, como otras artes del Mediterráneo Occidental, se vio influido fuertemente por el arte de la Grecia Clásica y el magnificente arte helenístico, guarda características singulares, el arte etrusco muy relacionado a los rituales funerarios legó a Roma un extraordinario naturalismo en cuanto a la representación de rostros: los bustos son prácticamente una invención etrusca, el busto propiamente dicho, realizado en bronce fundido, difiere del "busto" griego, en este último la persona retratada suele estar idealizada, no así en el genuino busto etrusco. Los colores preferidos en la pintura por los etruscos fueron el rojo, verde y el azul, al parecer porque les asignaban connotaciones religiosas.

Arquitectura En las construcciones de viviendas se utilizaba el adobe, con estructura de madera y revestimiento de barro cocido y en los templos la piedra. Conocían el arco de medio punto, la bóveda de cañón, y la cúpula, elementos que utilizaron para la construcción de puentes. También construyeron canales para drenar las zonas bajas, levantaron murallas defensivas de piedra pero, sobre todo, destacó la arquitectura funeraria, en forma de impresionantes hipogeos. Los templos estaban inspirados en el modelo griego, aunque presentaban notables diferencias: solían ser más pequeños, de planta cuadrangular, cerrados, sin peristilo, sólo con una hilera de columnas del orden llamado "toscano" a modo de los pronaos griegos, y el altar estaba sobre un foso llamado por los latinos mundus —limpiadero, purificador, es decir, un orificio que, simbólicamente, serviría para arrojar los restos de los sacrificios. La escultura fue una de las expresiones artísticas más importantes del pueblo etrusco. Su arte era en gran parte una derivación del arte griego, aunque desarrollado con muchas características propias. Como su cultura en general, la escultura etrusca tiene muchos aspectos oscuros para los estudiosos, siendo objeto de controversia y que obligan a proponer sus interpretaciones siempre con carácter provisional, pero el consenso es que fue parte del legado más importante y original del arte italiano e incluso contribuyó significativamente a la formación inicial de las tradiciones artísticas de la antigua Roma. Escultura privada Uno de los rasgos distintivos de la escultura etrusca es que sirvió, principalmente, para la decoración privada y la religión. En su periodo cenital, los etruscos desarrollaron una élite rica y cultivada, amante del arte y del lujo, pero a diferencia de otros pueblos de la antigüedad, parecen no haber tenido interés en registrar a través del arte su propia historia, ensalzando las virtudes de los ciudadanos. Tampoco crearon grandes obras de culto para los dioses ni deseaban adornar sus ciudades con grandes monumentos civiles para proclamar la gloria de su civilización. Su arte es anónimo, colectivo, ecléctico y no competitivo

Escultura religiosa La religión también determinó la preferencia por ciertos tipos de escultura presentes en las tumbas, como exvotos y estatuillas de los dioses, más allá de las figuras esculpidas de los muertos en urnas funerarias y sarcófagos. La estatuaria vinculada a los contextos fúnebres es, en gran medida, la producción más abundante etrusca. Otras tipologías son también importantes como la pareja abrazada y varias estatuillas, amuletos y relieves que muestran imágenes de fuerte carácter sexual, usadas en una amplia variedad de prácticas rituales de conjuros. También aparecían con frecuencia escenas de sacrificio humano, a menudo con impactantes detalles realistas siendo especialmente común el episodio del sacrificio de Ifigenia. Escultura decorativa En cuanto a la desnudez de la escultura, los etruscos tenían opiniones muy diferentes de los griegos. Mientras que éstos la favorecían ampliamente, aquellos la evitaban, siendo escasas las veces en las que se mostraban desnudos, pero innovaron el tipo de la madre amamantando con el pecho expuesto, sin precedente en el arte griego, tipología que con el advenimiento del cristianismo sería un antecesor directo de una variación del tipo fértil de la Virgen, la Virgo lactans. Con respecto a sus cánones estilísticos, según Cunningham y Reich no estaban los etruscos, como los griegos, preocupados con reflexiones profundas sobre las asociaciones entre el arte y la ética o la comprensión de cómo funciona el cuerpo en una representación artística y su atención se dirigió más a los efectos inmediatos de las figuras. Prueba de ello es la existencia de innumerables figuras distorsionadas, esquemáticas o desproporcionadas, a menudo con un acabado rudimentario, acercándose al carácter de la caricatura, resaltando los rasgos individuales sin ningún tipo de idealismo.

ROMA Escultura religiosa La religión también determinó la preferencia por ciertos tipos de escultura presentes en las tumbas, como exvotos y estatuillas de los dioses, más allá de las figuras esculpidas de los muertos en urnas funerarias y sarcófagos. La estatuaria vinculada a los contextos fúnebres es, en gran medida, la producción más abundante etrusca. Otras tipologías son también importantes como la pareja abrazada y varias estatuillas, amuletos y relieves que muestran imágenes de fuerte carácter sexual, usadas en una amplia variedad de prácticas rituales de conjuros. También aparecían con frecuencia escenas de sacrificio humano, a menudo con impactantes detalles realistas siendo especialmente común el episodio del sacrificio de Ifigenia. Escultura decorativa En cuanto a la desnudez de la escultura, los etruscos tenían opiniones muy diferentes de los griegos. Mientras que éstos la favorecían ampliamente, aquellos la evitaban, siendo escasas las veces en las que se mostraban desnudos, pero innovaron el tipo de la madre amamantando con el pecho expuesto, sin precedente en el arte griego, tipología que con el advenimiento del cristianismo sería un antecesor directo de una variación del tipo fértil de la Virgen, la Virgo lactans. Con respecto a sus cánones estilísticos, según Cunningham y Reich no estaban los etruscos, como los griegos, preocupados con reflexiones profundas sobre las asociaciones entre el arte y la ética o la comprensión de cómo funciona el cuerpo en una representación artística y su atención se dirigió más a los efectos inmediatos de las figuras. Prueba de ello es la existencia de innumerables figuras distorsionadas, esquemáticas o desproporcionadas, a menudo con un acabado rudimentario, acercándose al carácter de la caricatura, resaltando los rasgos individuales sin ningún tipo de idealismo. destacan al menos la República, hasta el año 27 a. C., y el Imperio, que se extendió desde los tiempos de Augusto hasta la caída de Roma en manos de los bárbaros en el año 476 después de Cristo. El periodo clásico del arte romano dura hasta el triunfo del cristianismo (siglo IV). Asimila y desarrolla la cultura griega (órdenes arquitectónicos, diseño de los templos, concepción escultórica), incorporándole características propias, tanto en materiales de construcción (mortero y cemento y hormigón romanos) como en elementos arquitectónicos (el arco -Arco de triunfo- y la bóveda, orden toscano y orden compuesto, principio de superposición de órdenes) y formas escultóricas (el retrato romano -exigido por el culto a los antepasados y la propaganda política, y que permite datar la evolución estilística y de la moda, sobre todo en la expresión y el peinado- ya el relieve romano, caracterizado por la búsqueda de la profundidad y la perspectiva) y pictóricas (los estilos pompeyanos, decorativos, narrativos o procurando el trampantojo). Desarrollo arquitectónico con gusto por lo colosal y magnificente, al tiempo que con un acusado sentido práctico y utilitario.

Los orígenes de la pintura romana se confunden a menudo con los de su escultura y de tal modo se hallan en el arte helenista que aun los ejemplares que de ella se conservan, sobre todo, los mejores, se atribuyen hoy a mano griega si bien la escuela llegara por fin a romanizarse. Los romanos admiraban la pintura griega tanto como la escultura, y animaban a los artistas que trabajaban para ellos a hacer copias de obras griegas especialmente famosas o populares. Los romanos tendían más que los griegos a decorar sus paredes con pinturas murales, y aunque siguen la tradición griega, muestran en sus pinturas un gran colorido y movimiento. Las pinturas, con figuras individuales, grupos o paneles enteros, se reproducían, se adaptaban, estropeaban o embellecían según el talento de los artistas y las exigencias del cliente. Los procedimientos usados en esta pintura debieron ser el encausto, el temple y el fresco. Aunque se sabe que los romanos desarrollaron la pintura sobre tabla, los restos pictóricos conocidos más importantes son de tipo mural, frescos protegidos con una capa de cera que avivaba los colores. La arquitectura de la Antigua Roma Se caracteriza por lo grandioso de las edificaciones y su solidez que ha permitido que muchas de ellas perduren hasta nuestros días. La organización del Imperio romano normalizó las técnicas constructivas de forma que se pueden ver construcciones muy semejantes a miles de kilómetros unas de otras. Los romanos emplearon profusamente el arco y la bóveda. Ésta no se forma con dovelas de piedra aparejada, como se disponía en la bóveda etrusca, sino de una masa confeccionada con puzolana y cascajo. Las bóvedas solían tener gruesos arcos de ladrillo, ya paralelos, ya diagonales pero embebidos en la bóveda misma, que servían como sujeción provisional y como refuerzo interior de la bóveda. Los edificios romanos, según su uso, podían ser muy sobrios o muy suntuosos. Puentes y acueductos son austeros y funcionales, mientras que templos y palacios son lujosos y monumentales, con un claro fin representativo. Las edificaciones más nobles se revestían de piedra formando órdenes, que no reflejaban la estructura interior real. Se decoraban los muros de los edificios suntuosos con pinturas y los pavimentos con mosaicos.

anรกlisis

egeos Mujeres de Azul, una obra del arte minoico

Muchachos minoicos boxeando

Análisis El color hace uso de una armonía de color además de un contraste entre cálidos y fríos, así pues, el color de la vestimenta presenta colores fantasiosos. El significado de los colores es celeste para dar confianza y seguridad, amarillo para dar felicidad, alegría y lujo finalmente el beige que transmite tranquilidad y pasividad. La textura que presenta es lisa, granulada, liviana y fina. La luz que presenta es difusa, pues si bien se puede observar que proviene del lado derecho no es del todo clara. La forma (estructura) que la obra presenta son círculos, cuadrados y rectángulos. Así mismo la geometría es redondeada y angulosa. Por otro lado, la interrelación se manifiesta en forma de toque, superposición, intersección y coincidencia. La tensión presente es por agrupación de figura. Finalmente, el movimiento es estático, continuo. Además de tener un ritmo continuo.

Análisis El color presenta una armonía de colores además de cierta parte fantasiosa en el pelo, la textura presente es lisa, áspera, liviana, final, seca. No hay presencia de algún tipo de luz pues no hay sombras en la pintura. La estructura es circular, rectangular además de tener una geometría redondeada y angulosa. Estas se interrelacionan superponiéndose. La tensión aplicada es por la situación en el espacio. Finalmente, el movimiento es estático con un ritmo continuo.

Grecia Edipo interrogado por la Esfinge Análisis El color utilizado es monocromo, aplicando un contraste con el fondo negro. La textura que presenta es lisa, brillante, suave, fina, seca. La luz no tiene mayor relevancia pues no presenta sombras, así pues, la estructura está conformada por círculos y cuadrados. De la misma manera la geometría es redondeada dispersa. Se interrelacionan coincidiendo. La tensión presente es por la situación en el espacio además de por zona de interés. El movimiento es estático con un ritmo continuo.

Crátera con una escena de preparación de un espectáculo teatral Análisis El color es monocromo con la variante de distintos tonos, aplicando una armonía de color, la textura es lisa, brillante, suave, fina y seca. La luz aplicada es artificial. La estructura está conformada por círculos y cuadrados, de la misma manera la geometría es redondeada y accidentada. Se interrelacionan tocándose, superponiéndose y coincidiendo. La tensión presente es por la situación en el espacio, finalmente el movimiento es estático con un ritmo continuo.

ETRUSCO

Tumba de los leopardos Análisis El color aplicado es una armonía fantasiosa, la textura es lisa, áspera, granulada, pesada, seca. La luz aplicada es lateral ¾, la forma de la obra es a base de círculos y rectángulos, así mismo la geometría es redondeada-orgánica, por otro lado, estas se interrelacionan coincidiendo. La tensión aplicada es por uso de la línea inclinada. Finalmente, el movimiento es estático con un ritmo continuo.

Tumba de los Augures Análisis El color aplicado es una armonía de colores, la textura es lisa, áspera, opaca, rugosa, granulada, seca. La luz no tiene mayor relevancia pues no presenta sombras, así pues, la estructura presente es en base a círculos y rectángulos, por otro lado, la geometría es redondeada además se interrelacionan coincidiendo y tocándose. La tensión aplicada es por uso de la línea diagonal. Además, el movimiento es estático con un ritmo continuo.

Villa de los misterios Análisis El color se conforma por una armonía de cálidos, así pues, la textura que presenta es lisa en algunas partes y áspera en otras granulada, suave, seca. La luz presente es irreal, por otro lado, la estructura se basa en círculos además la geometría es redondeada interrelacionándose por medio de coincidencias. La tensión aplicada es por agrupación de figuras, además el movimiento estático uniforme mientras que el ritmo es alterno.

Pintura da Roma Antiga Análisis El color presenta una armonía de colores fríos además de un contraste con una pequeña parte de colores cálidos. La textura que se hace presente es áspera, granulada, opaca, fina y seca. La luz utilizada es frontal artificial, por otro lado, la estructura se basa en círculos, cuadrados y rectángulos. La geometría es redondeada, angulosa y la interrelación se hace presente por medio de la superposición y coincidencia. La tensión aplicada es por puntos de interés por la situación en el espacio. Finalmente el movimiento es estático uniforme, además de tener un ritmo continuo.

romana 40

comparaciรณn

Prehistoria

Esculpidas en piedra

Egipto

Los sacerdotes utilizaban máscaras con formas de animales para comunicarse con los dioses, se utilizaban pintadas y doradas primorosamente en embalsamar y ceremonias de entierros.

Mesopotamia

Máscara realizada a tamaño natural y coronada con un tocado en su parte superior. Fundida en bronce con incrustaciones. Algunos expertos aseguran que la máscara no reflejaría el rostro del rey Sargón de Acad, sino el de su nieto Naram-Sin.

Egeos

Máscara funeraria de oro que se encontró colocada encima de la cara de un cuerpo ubicado en la tumba V.

Grecia

Fueron muy importantes en los ritos religiosos, representaban a dioses, cubrían el rostro de difuntos y se colgaban de los árboles pidiendo mágica protección.

Etruscos

Roma

Utilizó la máscara funeraria y el uso pagano de la máscara que continuó hasta la Edad Media. Pero únicamente permanecieron estas máscaras en las fiestas de carnaval debido al rechazo de varios concilios. Se adoptó su uso en las fiestas saturnales en Roma, y se las comenzó a usar con carácter festivo, dando origen a la utilización en lo que hoy es nuestro carnaval. Se comenzaron a realizar escenas burlescas de los ritos sagrados.

Islámico

Prenda que cubre el cuerpo y la cara por completo o tipo de velo que se ata a la cabeza, sobre un cobertor de cabeza y que cubre la cara a excepción de una apertura en los ojos.

Románico

Están abiertas a una multitud de interpretaciones. Pueden significar algo alegre o demoniaco.

Gótico

Maquillando sus caras de blanco y vistiendo de negro daban a entender el hecho de que la opresión los tenía muertos.

Renacimiento

Surgieron como protección de la identidad del portador. Aparecieron como un acto de rebeldía hacia las imposiciones sociales de la República de La Serenísima.

Manierismo

Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción.

Barroco

Con el disfraz llegó el escándalo y una teatralidad imposible de soportar.

Rococó

Contiene una guirnalda de flores doradas realizadas a mano y un cordón dorado que remata la máscara.

Neoclásico

Los trajes eran coloridos y muy adornados, a menudo con encajes que los hacían atractivos. También utilizaban a menudo máscaras acorde con el estilo de la obra.

Romanticismo

Libre expresión de ideas en un mundo de caos. Usaban la naturaleza para expresar sus sentimientos y exaltaban características de sus naciones como símbolo de patriotismo.

Realismo

Las máscaras han perdido su carácter ritual entre los hombres civilizados, más se usan en las festividades de Carnaval y se realizan aplicaciones en el arte y en el diseño, habiendo influenciado en el arte contemporáneo.

CONCLUSIONES A lo largo de la historia humana, las máscaras han sido utilizadas con propósitos muy diferenciados, de acuerdo con la cultura y la religión de las personas que han adoptado este objeto. Las máscaras tuvieron un papel activo en muchas civilizaciones. En el ámbito religioso, jugaron un rol espiritual como instrumentos esenciales para rituales sagrados. Se trata de una simplificación ornamental. Lo visible se reduce a los elementos básicos que transforman un rostro en máscara. Y la máscara es a su vez una representación, cargada de intenciones y simbolismos, convertidos en arquetipos que son parte del inconsciente colectivo e individual y representan los temores y aspiraciones de una civilización Su uso se remonta a la más lejana antigüedad encontrándose entre los egipcios, griegos y romanos. Los griegos las empleaban en las fiestas dionisiacas; los demás en las representaciones escénicas. En Grecia la máscara no solo va a infundir temor, sino, también, alegría de vivir. Un disfraz es una vestimenta u ornamenta diseñada con el propósito de distraer o llamar la atención con fines artísticos, religiosos, promocionales o de otro género

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