Marzo
2016 R.I.F.: J-45682456-8 NIT: 1004567423 Depósito legal P.P00-01
Precio al público: 3€
Los coloridos trajes de
KAREL APPEL
expuestos en el
COBRA MUSEUM
S. Regionales P. 3
La mayor exposición de
EL BOSCO
en toda la historia S. Regionales P. 3
DRAMA Y EFERVESCENCIA
en la vanguardia rusa
La epopeya mítica de J a n F a b r e Easyvirtue
S. Internaciones P. 5
S. Teatro P. 8
Abre sus puertas el primer cine de
La prostitución se cuela en el Museo Van Gogh
S. Arte y Cultura P. 4
REALIDAD VIRTUAL
¡EN AMSTERDAM!
Pinned Up Un interesante debate sobre diseño con Timo de Rijk S. Diseño e Ilustración P. 6
S. Cine P. 7
TRUCK ART PROJETC
film institute netherlands S. Internacionales P. 5
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OPINIÓN Karen González karengleon5@gmail.com
Cine y sociedad ¿Qué hubiese ocurrido si George Melies nunca hubiese realizado “un viaje a la luna” en 1902? ¿Hubiese el hombre llegado a la luna en el 69? Si bien ya existía la literatura y todos los relatos fantásticos de Julio Verne para entonces, tan sólo una minúscula parte de la población tenía acceso a ellos; hasta que Melies, en conjunto con los hermanos Lumière, logra construir el cinematógrafo y proyectar estás historias increíbles se vuelven realidad en una pantalla abierta a todo público. En este momento la magia cobra vida. Ideas que quizá ya muchos habían pensado se materializan gracias a estos hombres. A partir de este momento nos damos cuenta que existe un sinfín de cosas que desconocemos pero que estamos ansiosos por descubrir.
pensable de nuestras vidas, simplemente las sociedades no pueden vivir sin el cine, porque el cine no es nada sin la sociedad, ¿sino donde nos refugiaríamos para alejarnos por un momento del mundo que nos acosa con todos sus problemas?, ¿o en quién se apoyaría el cine para crear sus historias?. Al igual que el cine como un arte, el hombre ha ido evolucionando con estas ideas. En 1968, un año antes de que Apolo 11 llegara a la luna, vemos “una odisea en el espacio” del Americano Stanley Kubrick cuya trama principal narra historia de la evolución humana a lo largo de varios millones de años; hasta otras más hollywoodenses como “misión rescate” en dónde ya el hombre llega a marte, idea que la NASA ya está considerando, por lo que no sería extraño verlos como un hecho real en unos años.
Todo lo que puedas imaginar es posible
Aquí es donde entra la interrogante del inicio, ¿realmente el hombre hubiese llegado en 1969 a la luna si en 1902 no se hubiese proyectado en una sala esa posibilidad?, al igual que surgen interrogantes cómo ¿existiría aún la esclavitud si Griffith no hubiese realizado “el nacimiento de una nación”? ¿cómo hubiese surgido el surrealismo sin Buñuel ni Dalí?. Pero aun faltaba mucho, grandes cambios se siguieron dando con el transcurrir de los años, el cine dejó de ser mudo y llegó la época sonora, luego cambió el blanco y negro al color, la tecnología avanzó y permitió una mejor calidad tanto de sonido e imagen y así hasta llegar a la época actual, y en cada uno de estos cambios históricos, el cine ganó miles y millones de adeptos, hasta convertirse hoy en día en parte indis-
El hecho de poder llevar una idea a un número amplio de personas le da un gran poder al cine como medio de expansión; el cineasta debe estar consciente del gran poder que tiene y hacia qué público se dirige. Con el cine reímos, lloramos, amamos, odiamos, compartimos, comparamos nuestra personalidad con la de algún personaje, nuestra historia con la de del film, nuestras ideas con las que el director quiso mostrar. Es aquí en donde el cineasta debe darse cuenta del papel influyente que tiene en la sociedad, y de lo que es capaz de generar. Cómo dijo Picasso, “todo lo que puedas imaginar es real”. El cine nos abre una puerta que antes separaba a imaginación de la realidad, para transformar los sueños convirtiéndolos en algo posible.
Patrícia Soley-Beltran patriciasoley@gmail.com
Ver o no ver Fotografiando sueños damos fin al pesar del corazón, a la angustia y a los miles de padecimientos que heredan nuestros míseros cuerpos De nuevo se demoró mi viaje a Dinamarca. Reina en Barcelona la húmeda melancolía que, a mis ojos, constituye su esencia. Las callejuelas adoquinadas del casco antiguo todavía están tranquilas. Cual vulgar turista, me arrodillo para fotografiar la luz blanquecina acariciando las camelias de la calle Carabassa. Al fondo, la estatua de la Mercè ondea al viento su túnica de piedra. Mi encuadre no recoge la miseria ni la marginación ni la especulación que asolan el barrio.
encuadre justo, que la circulación se paralice y nadie le estropee su “creación”. El problema es que hoy todo transeúnte anda con móvil-cámara en mano, y que fotografía cuanto se le ofrece, tenga o no interés, y como además no hay límite, todos tiran diez instantáneas de cada capricho, luego ya las borrarán. He visto a gentes retratando no ya a un músico callejero o a una estatua humana, no ya un edificio o un cartel, no ya a sus niños o amistades, sino una pared vacía o una baldosa como las demás. Uno se pregunta qué diablos les habrá llamado la atención de un suelo repugnante como los del centro de Madrid. Quizá los churretones de meadas (o vaya usted a saber de qué) que los jalonan, lo mismo en época de Manzano que de Gallardón que de Botella que de Carmena, alcaldes y alcaldesas sucísimos por igual. Caminar por mi ciudad siempre ha sido imposible: las aceras tomadas por bicis y motos, dueños de perros con largas correas, contenedores, pivotes, escombros, andamios, manteros, procesionarios, manifestantes, puestos de feria municipales, escenarios con altavoces, maratones, “perrotones”, ovejas, chiringuitos y terrazas invasoras, bloques de granito que figuran ser bancos, grupos de cuarenta turistas o más. Sólo faltaba añadir esta moda, por lo demás universal. ¿Para qué fotografían ustedes tanto, lo que ni siquiera ven con sus ojos, sólo a través de sus pantallas? ¿Miran alguna vez las fotos que han hecho? ¿Se las envían a sus conocidos sin más? ¿Para qué, para molestarlos? Detesto en particular las de platos, costumbre espantosamente extendida. “Mira lo que me voy a comer”, dicen. Al parecer nadie responde lo debido: “¿Y a mí qué?” La comida, eso además, en foto se ve siempre asquerosa. ¿Pueden no fotografiar algo? Por favor.
Fotografiar es soñar
Cual Hamlet redivivo, me pregunto: ver o no ver. Esa es la cuestión. ¿Qué es más noble? ¿Soportar los avatares de una realidad adversa o armar la cámara contra un mar de calamidades y desencuadrarlas? Fotografiar es soñar. Nada más. Fotografiando sueños damos fin al pesar del corazón, a la angustia y a los miles de padecimientos que heredan nuestros míseros cuerpos. He aquí el anhelado espejismo del consumo: fotografiar, soñar, tal vez comprar… la felicidad. Ahí está la dificultad. Es el torbellino de la miseria, el infortunio y el aburrimiento lo que nos ata al consumo de imágenes y productos. Nada se ha hecho más sagrado que las fotos obsesivas que todo el mundo hace todo el rato de todo. Si uno va por la calle y alguien está en trance de sacar una de algo, ese alguien lo fulmina con la mirada o le chilla si uno sigue adelante y no se detiene hasta que el fotógrafo decida darle al botón (lo cual puede llevar medio minuto). Si entre él y su presa hay cinco metros, pretende que ese espacio se mantenga libre y despejado hasta que haya dado con el
Este periódico fue creado únicamente con fines académicos para la cátedra Diseño Gráfico III de la Licenciatura en Artes mención Diseño Gráfico de la Universidad Arturo Michelena. Dirección General - Editor ................................................................................................ Karen González Dirección de Arte ........................................................................................................... Ana Milena Ospina Jefe de Redacción ............................................................................................................. María Teresa Soto Colaboraciones ........................................................................................................ María Gabriela Blanco María Paula Cirera Anailec Madrid
Esta publicación sensacionalista está orientada a un público apasionado por el arte de la ciudad de Ámsterdam, se publica mensualmente. Esta realizado bajo una retícula de 6 columnas, las tipografías utilizadas fueron Knubi y Avenir Book, además de Photographs para la imágen gráfica del periódico. La estética tiene aspectos holandeses como lo son los tulipánes, molinos y bicicletas. El margen está adornado con curvas que se asemejan a las pinceladas realizadas por Van Gogh, pintor holandés, en sus famosas obras.
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REGIONALES
LOS CONJUNTOS DE ÓPERA DE KAREL APPEL EN EL COBRA MUSEUM La colaboraciones del artista en el mundo del teatro. Stadshart Amstelveen, marzo 7 (Kasper Jansen)
Accesorios hechos por Karel Appel
EL ARTE CONTEMPORÁNEO TOMA
ROTTERDAM
CON UNA MEZCLA ENTRE LO VIEJO Y LO NUEVO
Coloridos, fantásticos y extraños animales de diversas especies se arrastran al Arca de Noé. Detrás se encuentran un caballito de mar sereno y un pulpo flotando en el mar. Salvados de la inundación son llevados al Cobra Musezzzum donde se reúnen con todo tipo de bestias fantásticas.
La Semana del Arte de Rotterdam comenzó hoy con la exposición de obras de decenas de artistas nacionales y extranjeros, que durante cuatro días exhiben pinturas, esculturas, vídeo-arte del mundo del arte contemporáneo, pero también objetos que, en el pasado, tuvieron una vida mejor. Decenas de museos y pequeñas galerías de la ciudad holandesa acogen exposiciones de arte contemporáneo de las más variadas. Una de las exposiciones es la “Object Rotterdam”, que se celebra en un barco anclado en el puerto de Rotterdam (Holanda). No se trata de una embarcación cualquiera, sino de un crucero que en los años 50 cubrió la ruta Nueva York-Rotterdam y que albergó entre sus pasajeros a artistas como Frank Sinatra. A lo largo de sus lujosas habitaciones e interminables pasillos, los artistas exponen y explican en persona sus trabajos de arte a los visitantes con el enorme puerto de la ciudad como paisaje de fondo. Uno de estos artistas es Rolff Bruggin, que ha creado objetos como bancos, platos o papeleras utilizando como materia prima dinero real. Entre sus utensilios destaca un
banco que ha levantado usando 25.000 monedas de cinco, dos y un céntimo de euro. “¿Qué sentido tiene hacer algo así? Muy sencillo. No sabemos qué va a pasar con las monedas que tenemos actualmente como el euro o el dólar, así que quiero dar sugerencias de cómo podríamos transformar ese dinero, que quizá en el futuro no sirva para nada, en objetos que sí tuvieran un cometido”, explicó Bruggin a Efe. Otro artista que expone en “Object Rotterdam” es Isaac Monté, un joven belga que en su trabajo “El arte de la decepción” muestra 18 corazones de cerdos que, tras ser tratados y decorados, han sido introducidos en vitrinas. Cada uno tiene un aspecto diferente según la personalidad de la persona que debería llevarlo. El llamado “corazón de la oscuridad”, por ejemplo, es negro y cerrado como la noche, mientras que el “corazón de acero” simula una capa hecha de un material que, en realidad, parece poco apropiado para un corazón. “Debido al insuficiente número de órganos que se donan, los médicos están pensando en utilizar corazones de cerdos para implantarlos en humanos”, dijo a Efe el propio Monté.
“¿Por qué no aprovechamos para personalizarlos también, y darles un diseño acorde a esa persona?” se pregunta el artista. Pero no todo lo expuesto en Rotterdam estos días es arte contemporáneo. El edificio Kunsthal acoge estos días “Red prosperity: Soviet design 1950-1980”, exposición que evoca la Rusia soviética de esos años con objetos como relojes, televisiones, guitarras eléctricas, o juguetes para niños. Algunos de estos utensilios son en realidad “prototipos de inventos que nunca se llevaron a facturar de forma industrial” explicó Sasha Sankova, responsable de la exposición.
También pintores como Picasso, Matisse y Chagall, trabajaron en el teatro. Appel ya estaba haciendo en 1963 conjuntos para el teatro un gran animal muerto Bert Schierbeek en el Festival de
Una pantalla de video muestra escenas de las óperas. El conjunto es sólo en parte representativa de las actuaciones.
La mayor exposición de “El Bosco” en la historia
El Bosco ha sido noticia estos días. Investigadores internacionales han reiterado su certeza de que tres cuadros que conserva el Museo del Prado no son de Jerónimo Bosch, El Bosco. En cambio, han anunciado el hallazgo de una nueva obra del pintor que ha estado durante décadas en el almacén del Museo de Arte Nelson-Atkins de Kansas. Se trata de una versión de Las tentaciones de San Antonio, una obra que estuvo clasificada durante años como trabajo de un aprendiz o discípulo de El Bosco. El cuadro será así la principal atracción de la exposición que homenajea al pintor (1450-1516) en su pueblo natal de Bolduque o Den Bosch en el 500 aniversario de su muerte y que se abrirá al público desde el
próximo día 13 hasta al 8 de mayo. Con 20 cuadros y 19 dibujos, es la mayor retrospectiva de la obra de El BoscoLa exposición “Jheronimus Bosch - Visiones de un genio” reune 20 cuadros (paneles y trípticos) y 19 dibujos, en la que es la mayor exposición retrospectiva hasta el momento de El Bosco. La exposición constituye un homenaje sin precedentes al artista medieval más importante de Holanda: nunca antes se habían reunido en una sola muestra tantas obras de este “visionario retratista de sueños y demonios”. La exposición es el punto culminante del evento “Jheronimus Bosch 500”, que se celebra en 2016 con motivo del V centenario de la muerte del artista. Durante los últimos seis años, un equipo de expertos in-
Uno de los pocos artículos de “Red prosperity” que sí se llegó a facturar de forma industrial es un radio-gramófono enorme de madera. Este utensilio, que llevó música y radio a millones de casas rusas, recuerda sospechosamente a los miles de gramófonos que se han vuelto a poner de moda en España y que han conseguido dar una segunda vida a los vinilos que se apilaban en los cajones. La “Semana del Arte de Rotterdam” constará de dos fechas, del 14 al 20 de marzo en Rotterdam, y del 18 al 24 de abril en la capital Holandesa, Ámsterdam.
Holanda. En 1987 diseñó el escenario montado para un espectáculo de danza por Min Tanaka. Appel vez fue admirado por su estilo violento y directo de la pintura con tubos de paleta y de la pintura, aunque no dio asistencias de provocación: “acabo de perder el tiempo un poco una” y “pinto como un bárbaro en este momento bárbaro”.
Una buena razón para visitar Holanda
Bolduque, marzo 7, EP
Rotterdam, marzo 3 David Morales Urbaneja, EFE
Todos los trajes que se encuentran expuestos fueron realizados por el pintor Karel Appel, a diez años de su muerte, cuando trabajó con el director Pierre Audi en “Noah: La ópera” (1994), la cual era una advertencia contra el apocalipsis ambiental; y “La flauta mágica” (1995), llena de animales míticos y pájaros Pappageno.
Las tentaciones de San Antonio de Abbad
ternacionales, reunidos en el BRCP, han estudiado y documentado de manera intensiva y sistemática prácticamente toda la obra de El Bosco. Además, se han restaurado un gran número de cuadros. Préstamos internacionales, también de El Prado Las decenas de obras en préstamo proceden de importantes museos de todo el mundo, entre los que se encuentran el Museo del Prado (Madrid), el Museum Boijmans Van Beuningen (Rotterdam), la Gallerie dell’Accademia/Palazzo Grimani (Venecia) y el Metropolitan Museum (Nueva York). Entre los préstamos hay obras como La barca de los locos (Musée du Louvre, París); La muerte de un avaro (National Gallery of Art, Washington); El tríptico de los eremitas (Gallerie dell’Accademia, Venecia); y desde España llegarán provenientes del Museo del Prado La extracción de la piedra de la locura, Las tentaciones de San Antonio y El Carro de Heno junto a Meditaciones de San Juan Bautista del Museo Lázaro Galdiano. Después de 450 años, el Carro de Heno viaja por primera vez desde Madrid a Holanda. El gran tríptico dedicado al pecado es una obra maestra dentro de las obras de El Bosco, y una de las obras principales de la colección de El Prado. Felipe II fue un gran coleccionista de las obras de El Bosco y en 1570 compró este tríptico para su colección privada. La obra de arte nunca antes había abandonado España y llega a Holanda en un estado excelente, después de que hace algunos años fuera restaurada.
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ARTE Y CULTURA
A M Y W I N E H O U S E : R E T R ATO D E U N A FA M I L I A Amsterdam, febrero 27 EFE La exposición “Amy Winehouse: Retrato de una familia” muestra en el Museo Histórico Judío de Amsterdam vestidos, objetos y fotografías familiares de la fallecida cantante y viaja a su pasado a través de vídeos inéditos grabados cuando aún no era mundialmente conocida. Mucho se sabe de la vida de Amy Winehouse a partir de 2003, año en el que grabó “Frank”, su primer álbum, y también sobre sus problemas con el alcohol, las drogas, o su temprana muerte a los 27 años en 2011 por una intoxicación etílica. Otra cosa es su etapa anterior, aquella antes de ser famosa. Amy era una niña proveniente de una familia judía que vivía en los subur-
bios de Southgate, al norte de Londres. Su padre cantaba temas de Frank Sinatra a todas horas y su influencia la llevó a escuchar y coleccionar discos de Aretha Franklin, Ray Charles o Ella Fitzgerald. Precisamente esa historia es la que cuenta esta exposición, que se abre mañana al público.
olvide sus problemas durante cinco minutos. Quiero ser recordada por ser actriz, cantante, por vender todas las entradas de los conciertos, por ser sólo yo”, decía.
Las fotografías familiares, de esas que había que llevar a revelar y que se podían tocar e incluso oler, enseñan los primeros años de su vida, así como algunos retratos de sus antepasados. Entre ellos está Cynthia Winehouse, la abuela de Amy, cuyo parecido con la cantante es espectacular y que fue un referente para ella. Amy Winehouse fue una adolescente rebelde: sus
Esta misma Amy de 14 años es la que se puede ver en un vídeo inédito grabado en esa misma escuela. Delante de un coro, una niña de pelo largo y desparpajo espectaAmy Winehouse, entre la adicción y la bulimia cular canta con una voz que primeros rasgos de persome han mandado a callar. ya tenía algunas de las canalidad se dejan ver en un La única razón por la que racterísticas que la hicieron trabajo escrito por su propio hablo así es porque tienes famosa: fuerza, emotividad y puño y letra para la escuela que gritar para ser oído en mi un amplio rango vocal. de teatro “Sylvia Young” y familia”. Más adelante, deja expuesto al público. Con una letra redondeada y cuidada, una Amy de 14 años empezaba la redacción de la siguiente manera: “Toda la vida he hablado alto, hasta el punto de que
ver sus intenciones para el futuro. “Tengo el sueño de ser famosa, de trabajar en el escenario. Es una ambición a largo plazo. Quiero que la gente escuche mi voz y
“Puedes ver perfectamente su talento, cómo se mueve libremente. Ya era una estrella a esa edad”, explicó a Efe Julie-Marthe Cohen, coordinadora de la exposición.
Cohen recalca que “la gente solamente la conoce por un periodo de su vida en la que no estaba haciendo las cosas muy bien”. “Su imagen en la prensa no era buena por razones obvias, pero ella no era ni mucho menos solo eso. En la exposición mostramos a Amy como realmente era”, sostiene. La idea de la exposición surgió cuando su hermano Alex Winehouse, meses después de la muerte de la cantante, acudió al Museo Judío de Londres para donar algunos de los objetos de su hermana. Esta misma muestra después pasó por Tel Aviv, Viena, y San Francisco. Ahora regresa a Europa y aterriza en Amsterdam, donde estará abierta al público hasta el 4 de septiembre.
LA PROTISTUCIÓN SE CUELA EN EL MUSEO DE VAN GOGH CON
EASY VIRTUE
BANKSY
“Forgive Us Our Trespassing” por Banksy
E N
Á M S T E R D A M
´ Ámsterdam, marzo 3 EFE Presentando más de 10 obras de arte originales y todas las impresiones limitadas que el artista ha hecho, la LionelGallery de Ámsterdam organizada la exposición de venta de arte más desarrollada del artista callejero británico Banksy en los Países Bajos. La obra maestra es la enorme pintura “Forgive Us Our Trespassing”, que mide 122 por 244 centímetros, que Banksy usó para la promoción de su DVD “Exit Through the Gift Shop” en Oxford Street, Londres, en 2010. Banksy se conoce como el rey del arte callejero, como Andy Warhol era del arte pop. En los últimos 10 meses, ha ocupado el primer lugar en el
mayor motor de búsqueda de arte del mundo, dejando a artistas famosos como Picasso, Warhol y Van Gogh muy atrás. El mundo del arte comenzó a adquirir un enorme interés tras la exposición de Banksy de Sotheby, Londres, hace seis meses. Lionel and Kim de LionelGallery, un éxito con artistas icónicos como Picasso, Koons y Basquiat, están vendiendo Banksys cada semana a personas de todo el mundo. El ojo de su conservador lleva la colección junto con el arte contemporáneo de la más alta calidad. Todos los jóvenes coleccionistas que compran su primera obra de arte real o A-listers de Hollywood, se paran en Ámsterdam para buscar obras de arte. Según LionelGallery, ahora es el momento de reconocer el
mayor evento de Banksy en los Países Bajos. El arte callejero, vinculado con la política y satírico, de Banksy combina humor con graffiti, ejecutado en una técnica de estampado distintivo. Sus obras se han mostrado en ciudades de todo el mundo, incluso en sitios en conflicto, como Gaza. Sus diversos trucos en relaciones públicas llaman mucho la atención. “Algunos artistas callejeros están haciéndose muy conocidos y se les está conociendo como los Picassos de su tiempo”, dijo Kim Logchies de LionelGallery. “Algunos han llamado la atención de casas de subastas e importantes galerías, un buen ejemplo de cómo el mundo del arte antiguo se une al nuevo”.
Amsterdam, febrero 27 EFE
das salvajemente en los burdeles.
El museo Van Gogh de Amsterdam exhibe hasta el 19 de junio Easy virtue. La exhibición hace un recorrido por las diferentes modalidades que tenía la prostitución en la capital parisina entre 1850 y 1910.
Axel Rüger, director del museo Van Gogh, recordó en unas declaraciones que actualmente la prostitución sigue siendo un tema prominente en Amsterdam. “También lo fue entre mediados y finales del siglo XIX en París, ciudad símbolo de la vida moderna de la época, así que era lógico que los artistas la reflejaran en sus obras”.
A lo largo de sus salas se podrá observar desde cuadros de cortesanas que ejercían como trabajadoras del sexo a cambio de grandes sumas de dinero hasta mujeres que, ahogadas en deudas, eran explota-
Rüger aseguró que el mismo Van Gogh visitó algunos burdeles y dejó constancia de ello en cartas escritas por su propio puño y letra. Uno de los cuadros que saluda al visitante nada más entrar es “Mujer en los Campos Elíseos por la noche”, de Louis Anquetin. En él se puede ver a una señora abrigada por un grueso abrigo, mientras al fondo varios caballos trasladan carruajes por las calles de
Femme-tirant-son-bas del pintor Toulouse-Lautrec
París. Solo tras contemplar detenidamente la pintura se vislumbra que justo detrás de la mujer, casi en las sombras, un hombre ataviado con un sombrero de copa se gira para observarla.
“¿Se trata de un cliente? ¿Un acosador? ¿O un simple transeúnte caminando? No lo sabemos, de ahí la ambigüedad de la obra”, explica Richard Thomson, profesor de Arte de la Universidad de Edimburgo. Otros cuadros son más explícitos. Uno de ellos es un Baudric titulado “La Magdalena penitente”, donde se retrata a la cortesana Blanche d’Antigny recostada en el suelo a cielo abierto, desnuda de cintura para arriba mientras mira al horizonte. La prostitución en la calle estaba legalizada en el París de la época bajo circunstancias especiales. Otros objetos de la muestra son unas monedas propias de los burdeles, que eran compradas por los clientes y canjeadas después por sexo con las prostitutas que trabajaban en ellos. De esta manera las “madames”, las propietarias de los negocios, evitaban que las chicas tocaran dinero real y, con ello, la posibilidad de que le robaran.
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INTERNACIONALES
T R U C K A
R
T
PROJECT Una iniciativa que lleva de viaje al arte urbano
Madrid, España, febrero 28 EFE El objetivo es llegar a los 100 camiones, que circulen y paren en ciudades grandes, localidades medianas y pequeñas; en pueblos remotos y estaciones de servicio. En las lonas no debe figurar el nombre de una empresa con letras sobrias y un logotipo, tampoco una imagen comercial. Estos camiones son grandes lienzos sobre ruedas, preparados para recorrer cientos de kilómetros en autopistas y carreteras secundarias y difundir así el arte que los adorna. La galería IAM de Madrid y los comisarios de arte Fer Francés y Óscar Sanz se asocian con el empresario y coleccionista Jaime Colsa —dueño de la empresa de transportes Palibex— para dar forma a Truck Art Project, una iniciativa que promueve llevar arte contemporáneo y urbano a lugares inesperados o en los que existe una oferta cultural limitada.
Suso 33
“El camión es uno de los fetiches del arte urbano”,
dice Sanz, recordando cómo los inicios del grafiti están en los “elementos móviles”, en los vagones del metro de Nueva York en los años setenta, cuando el arte urbano nacía en parte como respuesta al caos ruinoso de la ciudad estadounidense. Recuperando la condición móvil, el proyecto tiene como objetivo el eterno viaje, convertirse en una “epidemia artística”. En esta primera remesa de autores españoles dispuestos a movilizar sus creaciones están Suso 33, Javier Arce, Javier Calleja, Abraham Lacalle, Okuda San Miguel y Marina Vargas. Aunque de momento la idea se limita a las expresiones plásticas, hay planes de incluir en el futuro fotografía, cine y música. Empleando tonos vivos, Okuda San Miguel tiene un estilo que engloba en el “surrealismo pop”, crea geometrías precisas, animales y figuras humanas rebosantes de color. Cuenta que, acostumbrado al formato vertical habitual en los murales, “aquí todo era muy horizontal” y ha tenido que cambiar el chip
y adaptarse dibujando “un personaje tumbado”. La fugacidad de la imagen En el camión ilustrado por la artista Marina Vargas se lee: “Allí donde los rayos de la razón se quiebran, el corazón manda”. Acostumbrada a trabajar en la intimidad del estudio, destaca que tuvo que “agudizar todos los sentidos” para crear su obra con más rapidez. “El camión llegó un viernes a las 20:00 h y salía el lunes para trabajar de nuevo, de forma que marchaba con el inicio del trabajo y no regresaba hasta el próximo fin de semana”. Arce compara la fugacidad con el consumo veloz de imágenes en InternetJavier Arce apunta a la novedad de pintar sobre una lona, pensada “para proteger y preservar un producto” y no para el arte. No ve la fugacidad como un obstáculo, le gusta que el espectador sólo tenga “unos pocos segundos” para disfrutar de la imagen en movimiento y establece un paralelismo con lo que sucede en Internet, donde consumimos imágenes e información a toda velocidad.
Sexta edición de la DRAMA Y EFERVESCENCIA EN LA VANGUARDIA RUSA Bienal de Arte de Marrakech tra “Chagall to Malevich. The Russian Avantgardes”, que incluye trabajos de Mikhail Larionov, Natalia Goncharova, Kazimir Malevich, Kandinsky o Marc Chagall.
Marc Chagall. Jew in Red, 1915
San Petersburgo, Rusia Febrero 12, EP En ningún otro momento de la historia del arte proliferaron, con tal rapidez e intensidad, escuelas y asociaciones artísticas como en la década transcurrida entre 1910 y 1920, y cada uno de esos colectivos tuvo su propio programa, si bien todos se dirigieron a combatir tradiciones. Uno de los escenarios de aquella gran efervescencia creativa de comienzos del siglo pasado fue Rusia, y a las obras maestras de grandes artistas de aquel periodo la Albertina vienesa les dedica hasta el 26 de junio la mues-
El objetivo de la muestra es que el público austriaco pueda experimentar las tensiones visuales inherentes a esta fase del arte ruso, que se nutrió de la influencia de vanguardias europeas como el fauvismo y el cubismo a través de trabajos de Van Gogh, Matisse, Picasso y Braque y que también incorporó rasgos del folclore y la tradición pictórica del país. Buscando una pintura pura y una abstracción llevada al límite, los artífices del suprematismo tuvieron en común con creadores figurativos que cultivaron formas más tradicionales su intento de romper, hasta allí donde pudieran, con el pasado; los primeros tratando de negarlo radicalmente, los segundos haciendo referencia a él. En ocasiones, el estalinismo sofocó sus manifestaciones; otras veces orientó a sus creadores hacia el realismo
socialista. La mayor parte de los artistas ligados a estas tendencias tomaron fuerza en sus posiciones de vanguardia cuando Lenin inició la revolución de 1917 e identificó al partido comunista como “vanguardia de la clase obrera”. Muchos recibieron con entusiasmo los postulados bolcheviques, contemplándose a sí mismos como innovadores futuristas: fue el caso de Larionov, Goncharova, Malevich, Popova, Exter, Chagall, Kandinsky, Lissitzky y Rodchenko. La caída de las vanguardias coincidió con la llegada de Stalin al poder en 1924, que fue precedida por la emigración de Chagall a París y de Kandinsky a Weimar, para formar parte de la Escuela Bauhaus, a inicios de los años veinte. En 1932, el suprematismo de Malevich fue condenado como una degeneración formalista, se cerraron sus exposiciones y muchos artistas fueron detenidos o perseguidos. La muestra ha sido organizada en colaboración con el State Russian Museum de San Petersburgo.
Marruecos, África, marzo 2 EFE
¿Qué hay de nuevo? Con este eslogan arrancó el pasado 24 de febrero la sexta edición de la Bienal de Arte de Marrakech. La palestina Reem Fadda, comisaria del evento, ha centrado su programa en artistas del mundo árabe, del Mediterráneo y del África Subsahariana. Las obras de tres artistas pioneros de la nueva estética marroquí de los 60 también forman parte de la bienal al igual que las piezas de Yto Barrada quien reinterpretó cuentos populares bereberes consiendo retales de tejidos
procedentes de su casa familiar en Marruecos. “La gente joven trabaja con tejidos tradicionales, los vuelve a utilizar. Desde que salí de Marruecos aprendí a coser y también aprendí qué papel ha jugado la artesanía en la historia de todos los movimientos civiles. Un papel que ha sido muy importante en los movimientos a favor de los derechos de los homosexuales, por ejemplo”, asegura Barrada.
La Bienal de Arte de Marrakech también ha rendido homenaje este año a la fotógrafa franco-marroquí Leila Alaoui, fallecida el pasado mes de enero en un atentado en Burkina Faso.
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DISEÑO E ILUSTRACIÓN
Un interesante debate sobre diseño sobre la exposición de Marcel Wanders, “Pinned Up”, en el Stedelijk
Ámsterdam, marzo 4 Un debate de diseño saludable ha entrado en erupción en los Países Bajos sobre la reacción de los críticos a Marcel Wanders “Pinned Up”, exposición que se encuentra en el Museo Stedelijk. “El Stedelijk ha perdido por completo su forma”, fue el titular de la semana pasada en de Volkskrant. Profesor de Diseño Cultura y Sociedad Timo de Rijk arremetió contra el venerable institución para la organización de la gran exposición sobre “Marcel Wanders:. Pinned Up en el Stedelijk.” Dentro de un día Jeroen Junte, crítico de diseño del periódico, azota de nuevo. El argumento de Rijks es que Wanders dice ser un héroe en una batalla que es inexistente. “Se posiciona a sí mismo como un solitario anárquico luchando una batalla de por vida contra los fundamentalistas de diseño moderno con una preferencia por la transparencia,
la sobriedad y el progreso. Pero esto es ridículo, por supuesto, como los oponentes se retiró hace años. Así que esta compuesto por la controversia que se beneficia Wanders, es menos de una batalla de retaguardia “. El Stedelijk nunca debería haber tomado en serio Wanders, dice De Rijk. “Sin ninguna objetividad, se deja utilizar por algo que se parece más a una participación en la feria.”
progresista, Junte admite de buena gana, pero entiende lo que la gente quiere diseños exitosos así una ha creado. “Wanders representa una nueva generación de diseñadores: empresarios inteligentes, en lugar de resolver problemas. El diseñador como nuevo magnate de los negocios: es que lo que el mundo estaba esperando ¿no?, es la realidad “.
“El Museo Stedelijk ha demostrado que está en contacto con la realidad. Y, Jeroen Junte no está de muy importante, que tiene acuerdo. Wanders muestra agallas. [..] Por supuesto “dura realidad”, muestra un que podemos cuestionar la mundo en el que las acciones profundidad intelectual de humanas están gobernadas diseño Wanders”, y todo el por “el ansia de espectáculo, mundo lo hace. También el al igual que el orgullo y la co- Stedelijk está simplemente dicia.” El trabajo de Wanders mostrando el arte barroco es un signo de los tiempos. Wanders, estilo exceso Pero De Rijk, no le gustan de hierba mardi. No está estas señales, dice Junte. actuando como un maestro de escuela, y esto también “La inconformidad de De Rijk es un signo de los tiempos. contra Wanders se basa úni- Las masas, liberados de la camente en el gusto, no en modernidad, no se les dirá hechos”, dice Junte. “El hecho lo que es el buen gusto por es que Wanders es uno de los un museo. O por un profediseñadores más influyentes sor de diseño “. en el mundo.” Wanders no es
VBAT Meet Market
convoca a diseñadores La agencia de diseño VBAT invita a los diseñadores mexicanos a participar por un viaje a Ámsterdam para obtener un programa de entrenamiento de dos semanas con creativos de la agencia. Con oficinas en Holanda y México, VBAT busca explorar y descubrir grandes historias de diseño a través de diferentes culturas. El reto de este año es diseñar el look & feel de una aerolínea con destino entre sus dos sedes. Los participantes (mexicanos y holandeses) deberán utilizar elementos de cada una de sus culturas para diseñar la imagen de la cola de un avión, puede ser un patrón, un logotipo tipográfico o un símbolo. Los diseños ganadores se exhibirán en las exposiciones de diseño Meet Market 2016, las que se llevarán a cabo en la ciudad de México y Ámsterdam.
Primer lugar
Un viaje a Ámsterdam o México durante dos semanas
Segundo lugar
Membresía anual de Adobe Creative Cloud.
Tercer lugar Un iPad de 16GB
El diseñador ganador del viaje será elegido de entre los participantes mexicanos y holandeses. Si el ganador es mexicano su viaje será a Ámsterdam, si resulta ganador un diseñador holandés, el viaje lo realizará a la ciudad de México. El segundo y tercer lugar serán elegidos entre todos los participantes.
FANTASTIC CITIES Un libro para colorear dedicado a los adultos ¿Recuerdas lo divertido que era dibujar cuando eras niño? Sacar los lápices de colores de su caja o de su estuche exclusivo, utilizar el mejor sacapuntas que pudieras encontrar y dejar que los colores fluyeran desde tu mano hasta tu dibujo. Comenzar a trazar figuras y líneas que pronto se convertían en personas, animales y edificios. ¿Recuerdas cuánto trabajo te costó no “salirte de la raya”? O quizás te acordarás de cuando descubriste que podías colorear con la viruta del color, haciendo un dibujo mucho más claro en sus tonos. Es cierto, en ocasiones, era un tanto desmotivante
ver cómo entre tus amigos existían grandes artistas del dibujo y del color mientras que tal vez tus dibujos no eran tan buenos. O quizás tu eras el amigo que asombraba con tu forma de dibujar y de colorear. Sin embargo, fueras la envidia de tus amigos o alguien que se quedó con las ganas de mejorar su técnica, existe una gran oportunidad para ti. Para aquellos adultos que aún mantienen con vida a su niño interior, Steve McDonald, artista canadiense, ideó un proyecto genial. McDonald es reconocido en el mundo artístico de Canadá por sus dibujos de alta precisión de ciudades,
pueblos y áreas rurales, mismos que han sido su inspiración para este primer libro para colorear. Sí, leíste bien. Fantastic Cities se trata de un libro, destinado para los adultos, que tiene entre sus páginas múltiples dibujos aéreos de construcciones humanas con trazos simples en blanco y negro, dejando el espacio para que el comprador sea quien dote de color al mundo. Incluso, aquel ávido amante del color, puede darle una nueva perspectiva y un nuevo diseño a ciudades como Estambul, Amsterdam, Nueva York, Tokio, Londres y París.
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CINE
The Virtual Reality Cinema El primer cine de realidad virtual del mundo
Documentary Film
Festival Amsterdam convoca:
Starflash Camera
La convocatoria para participar en la edición número 26 del Documentary Film Festival Amsterdam (IDFA), que se llevará a cabo del 20 de noviembre al 1 de diciembre, ya está abierta. Si tienes un trabajo con un estilo innovador, que aborde temas sociales y que logre una comunicación exitosa con el público, no pierdas esta oportunidad de presentarlo ante un público internacional.
Usuario del The Virtual Reality Cinema
Ámsterdam, marzo 2 EFE
el exterior. ¿Y si pensáramos en algo más grande? ¿Y si pudiéramos ver El Renacido, Deadpool o StarWars mediante esta técnica? Sentir ser el portador de la Fuerza, luchar mano a mano contra un oso que trata de acabar con tu vida o enfundarte unas mallas un tanto apretadas. ¿Qué os parecería poder vivir una experiencia de este tipo? Probablemente aceptaríais con los ojos cerrados. Pues a partir de ahora vais a poder hacerlo.
Para mejorar la experiencia, la sala de cine cuenta con sillas individuales con las que podrás girar 360 grados para que no te pierdas ni un solo detalle de la película. Por el momento no podrás ver estrenos de películas de Hollywood puesto que, por el momento, no se ruedan mediante esta técnica. En el Virtual Reality Cinema no podrás elegir qué película quieres ver, no hay ningún tipo de cartelera. Tan solo tendrás que sentarte y comenzar a Ayer, en Amsterdam se abrie- disfrutar de la aventura en la ron las puertas del The Virtual que te hayan metido. Reality Cinema, el primer cine del mundo con realidad Según explican en la página virtual. ¿En qué se diferencia web del cine, durante la Desde videojuegos en los este cine de los cines tradiprimera semana podrás que se recrea un viaje por cionales? Nada más entrar formar parte de un concierel espacio hasta películas en la sala, cada espectador to de U2 o recorrer Nueva pornográficas. La gafas de recibe un Samsung Gear VR, York en helicóptero. Se realidad virtual han recreaes decir, un casco de realidad espera que, según vayan do miles de historias, miles virtual, junto a un smartphopasando los meses se vaya de sentimientos, miles de ne Galaxy S6. Gracias a esto, añadiendo una oferta cada sonrisas. el espectador podrá vivir la vez más variada de películas película como si fuera uno y documentales grabados Cada vez son más las hismás de los protagonistas. íntegramente con la técnica torias que son contadas a Además de los dos disposide la realidad virtual. través de esta técnica. Una tivos de Samsung, este cine técnica que nos permite vivir, ofrecerá a los espectadores La inmersión en este tipo en primera persona, nuestra unos cascos Sennheiser HD de películas se trata de una propia aventura sin tener que 201 para que puedan vivir experiencia individual y salir si quiera de casa. aislados con lo que suceda en personal. Por lo tanto, si eres La realidad virtual crece a pasos agigantados. No hace mucho que llegaron las primeras gafas de realidad virtual a nuestras vidas y ya están cada vez más integradas en nuestro día a día. Uno de los casos más conocidos fue, sin duda alguna, el de Oculus Rift. Estas gafas, que saldrán al mercado de Estados Unidos y Europa durante los meses de marzo y abril, supusieron una auténtica revolución para este sector. Un sector que se expande con la creación de The Virtual Reality Cinema el primer cine del mundo de realidad virtual.
de los que adora compartir la experiencia del cine con tus amigos, tu pareja o la familia, se trata de un hándicap para ti. Este cine se ha creado con el objetivo de que cada persona viva su propia historia dentro de la película. En lo que respecta al precio, una entrada para acudir al Virtual Reality Cinema cuesta alrededor de 12,50 euros. Teniendo en cuenta que en la actualidad podemos llegar a pagar casi diez euros por ver una película en tres dimensiones, el precio para vivir esta nueva experiencia resulta razonable. El caso es que los creadores tienen pensado, en caso de que triunfe el cine de Amsterdam, abrirse a nuevas capitales europeas como es el caso de Londres, París, Berlín o Madrid. Si quieres disfrutar de esta experiencia, ya puedes comprar las entradas para el VR Cinema en la página web. ¿Crees que las películas en realidad virtual son el futuro? ¿Te gustaría ver Star Wars en primera persona? ¿Qué tipo de película te gustaría ver?
EL CINE CARIBEÑO FUE PROTAGONISTA DE LA 6TA EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE AMSTERDAM Amsterdam, marzo 3 EFE La sexta edición del Festival de Cine de Amsterdam, la cita cinéfila que durante diez días, gratuitamente, presenta películas producidas durante el último año en Latinoamérica, Asia y África, pone especial interés en el cine caribeño con un programa que muestra el auge y creatividad
del séptimo arte en la región. La idea del festival es “presentar directores noveles y jóvenes artistas y crear una especie de plataforma para ayudarles a mostrar y promocionar su trabajo”, explicó en una entrevista a Efe el director del Festival, Raymond Walraven. Por esta razón, el Festival se centra “en territorios desconocidos para mostrar las
últimas producciones”, y este año las islas caribeñas conforman el programa especial porque “están haciendo proyectos muy interesantes y la zona está experimentando un crecimiento sin precedentes con nuevos creadores emergentes”, comentó Walraven. El programa “Cine Caribe” recoge diez películas y nueve cortometrajes que mues-
tran las últimas películas realizadas en las Bahamas, Cuba, Curaçao (Países Bajos), República Dominicana, Guadalupe, Haití, Jamaica y Trinidad y Tobago, al tiempo que, según el director, “da a conocer al mundo la cultura y la identidad de estas islas”. Es un cine local, histórico, realista y crítico, pero al mismo tiempo con una visión humana y universal.
El IDFA selecciona alrededor de 250 nuevos documentales cada año, los cuales pueden mostrarse fuera o dentro de competencia. Desde su fundación en 1988, este festival se preocupa por la difusión de documentales creativos, es decir, aquellos que expresan la visión original del cineasta y que se comprometen social y políticamente. Las secciones competitivas del IDFA incluyen competencia de largometraje y mediometraje; competencia de primeras y segundas obras (en la que se admiten documentales de cualquier duración); competencia de documentales estudiantiles; competencia de documentales holandeses y una competencia de narrativa digital para proyectos transmedia. La convocatoria 2016 permanecerá abierta hasta el 1 de mayo para documentales terminados entre el 1 de agosto y el 1 de abril de 2016, y hasta el 1 de agosto para documentales terminados después del 1 de abril de 2016. La inscripción al IDFA tiene un costo de €30 más impuestos.
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TEATRO
MOUNT OLYMPUS Jan Fabre nos muestra una obra de 24 horas sin pudor alguno
Ámsterdam, febrero 28 EFE ¿Es un sueño? ¿O un sueño dentro de otro sueño? Quizás, una hechizante pesadilla que envuelve al espectador que ya no sabe lo que es. ¿Alguien que sueña o que recuerda? El Teatro Central de Ámsterdam acogió el estreno en Holandade la última epoyeya del artista belga Jan Fabre: Mount Olympus. Una auténtica bacanal griega de 24 horas -desde la tarde del sábado a la del domingo- con la que Fabre quiso recrear las Grandes Dionisias, las fiestas de la antigua Grecia en las que durante tres días con sus noches se representaba teatro, se comía, se bebía, se dormía...Los espectadores acudían al Teatro Central como a un templo. «Quiero que el teatro sea como un lugar para sanar las heridas de nuestra mente», explica Fabre que se mantiene las 24 horas controlando la mesa de luces, del sonido o los camerinos donde los actores se preparan. Fabre no duerme, es casi un insomne y ha trasladado al público a ese viaje al no-sueño para habitar las sombras del contrasueño. El teatro está preparado para una jornada intensa. La cafetería no cerrará en toda la noche y en la planta alta se han instalado colchonetas y tumbonas para el público. La obra se ha representado ya en Berlín, Ámsterdam, Brujas y Amberes. Después de Sevilla viajará a Viena y Bruselas. Hay que aplaudir a Fabre su osadía para la experimentación, su desmesura artística precisamente en estos tiempos de mercantilismo y culturicidio. No es fácil representar un espectáculo de 24 horas donde se representan hasta treinta y tres tragedias griegas -realizadas con el codramaturgo de la obra Hans-Thies Lehmann- con treinta actores que quedan literalmente exhaustos. Por el escenario pasan Eteocles, Edipo, Odiseo, Dionisos, Fedra, Hipólito, Alcestes, Heracles, Agamenón, Electra, Orestes, Medea, Antígona, Ayax... «Mi teatro se remonta a los orígenes de la tragedia. A veces me siento una especie de viejo brujo griego», explica Fabre. El brujo griego ha convocado a un público expectante. La gente se sienta y se apagan las luces. El tiempo se ha vuelto líquido y baja por las escaleras del teatro, llena el escenario y salpica el patio de butacas. Arranca la máquina de sueño que devora almas en una performance de 24 horas, de teatro y tornateatro en busca de la catarsis como en las antiguas tragedias. La bacanal griega comienza sin concesiones. Dos hombres-estatua miran al público. Por detrás aparecen dos bailarines a cuatro patas, bestias de templos antiguos que meten literalmente la cara en el trasero de los mensajeros y
Escena de Mount Olympus
desde allí balbucean o gruñen para que por las bocas de los hombres-estatua salgan frases inteligibles que advierten del ritual que se avecina. En la oscuridad, un hombre completamente desnudo tiene una erección que el público contempla en silencio. Y empieza todo. Una orgía sobre el escenario que durará todo un día. Dionisos aparece animando a los bailarines enfebrecidos por la espectacular música de Dag Taeldeman, líder del grupo de rock A Brand y distribuida en España por Bertus Distribution. A lo largo de 24 horas habrá de todo: monólogos de dioses y de hombres, escenas de guerra, asesinatos, violaciones, masturbaciones colectivas y vísceras lanzadas sobre el escenario. Pronto el teatro huele a sangre. Es una de las obsesiones de Fabre, recuperar lo salvaje, lo primitivo, lo excesivo, la crueldad de los tiempos arcaicos. «Los instintos han sido enterrados bajo una espesa capa de civilización», aclara. La gente entra y sale de la sala para comer, beber, ir al lavabo o descansar. En el escenario continúa la danza con figuras que parecen salir de antiguas cráteras y vasijas de terracota. También esa particular estética contemporánea de la crueldad, lo grotesco y la belleza del exceso. Puro Fabre con guiños al Bosco, Goya, Pollock, Pasolini, Mozart, Racine y a todos los sedimentos del imaginario cultural que
durante siglos ha narrado el mito.Es la una de la mañana. En el escenario, suenan los grillos e imaginamos un paisaje nocturno de olivos y lechuzas, ruinas de templos olvidados. Ruidos de una noche cualquiera de hace siglos. La extrañeza de un recuerdo del pasado.Casi a las tres de la madrugada llega la hora del sueño. Habrá tres interrupciones en las que los bailarines duermen sobre el escenario envueltos en sábanas-crisálidas. Entran los primeros rayos de sol en el Teatro Central que en la zona de los vestíbulos tiene paredes de cristal. Se ve el Guadalquivir y gente que pasea en la calle. Dentro, Electra y Orestes relatan su tragedia. En 24 horas hay mucho material de desecho narrativo. A Fabre no le interesa la presentación, el nudo y el desenlace. No existe el clímax, todo es un fluir. Pero eso es la vida ¿no? Llena de momentos sin asombro, de puro aburrimiento. Corre un aire sonámbulo por el teatro. La sangre se ha secado sobre el escenario, pero nadie quiere irse. El público está hechizado, sin poder salir del teatro como si formaran parte del argumento de El ángel exterminador de Buñuel. Hay espectadores que ya huelen un poco a hiena. A los actores-bailarines se les supone. Es de día. Hay gente que desayuna con la sensación de haber descendido en la noche al Hades, paseado por el Ática, la Tracia, los campos de batalla de Troya, la Argólida, la Cólquida. Y el vago recuerdo de haber dormido en el lecho maldito de Edipo y Yocasta.
EL MITO DE MARILYN ENTRA EN LA ÓPERA Ámsterdam, marzo 3 EFE En 1997 fue Jacqueline Kennedy Onassis quien subió a un escenario lírico, la Ópera de Houston, con Jackie O, del compositor estadounidense Michael Daugherty; el año pasado le tocó el turno a la desparecida conejita de Playboy Anna Nicole Smith en el Covent Garden de Londres de la mano del músico británico Mark Anthony Turnage; y este sábado, 9 de junio, será la mítica Marilyn Monroe quien se convierta en Amsterdam en personaje operístico con el estreno de Waiting for Miss Monroe, de compositor holandés Robin de Raaff y la libretista Janine Brogt.
Laura Aikin preparándose antes de la ópera
La Ópera Neerlandesa y el Festival de Holanda, coproductores del montaje y ambos dirigidos por Pierre
Audi, han aprovechado la proximidad de la conmemoración, el próximo 5 de agosto, del 50 aniversario de su muerte de la actriz, como motor de promoción y esperan que, con libreto en inglés y el reparto internacional encabezado por la soprano estadounidense Laura Aikin metida en la piel Marilyn, la obra pueda traspasar las fronteras holandesas. La idea de convertir a Marilyn Monroe en personaje operístico se le ocurrió a Robin de Raaff (Breda, Holanda, 1968) tras leer el libro de Matthew Smith Víctima: Las grabaciones secretas de Marilyn Monroe (2004). Tras el estreno de su primera ópera, Raaff , un proyecto que inició en 1994 tras participar en un curso de composición con Pierre Boulez y que
duró una década, el músico se lo pensó dos veces antes de embarcarse en una nueva aventura lírica, pero encontró en el personaje de la actriz el material ideal para su segunda ópera y, como en la primera, recurrió a su compatriota dramaturga Janine Brogt para que le escribiera el libreto. La ópera, estructurada en tres actos, más que un repaso a la biografía de la actriz pretende ser el dibujo de la complejidad y fragilidad de Marilyn Monroe, con su soledad, miedos, triunfos y demonios como marco, explica Brogt. En el primero de los actos, titulado Trabajo, encontramos a la actriz en uno de sus días malos durante una jornada de rodaje de una película; por el segundo, Cumpleaños, transitan algunos de los
fantasmas de Marilyn, como su exmarido y jugador de béisbol Joe DiMaggio; y en el tercero y último, Muerte, se encuentra con ella misma cuando era Norma Jeane antes de expirar. Cuenta la soprano Laura Aikin que nunca llegó a imaginarse que llegaría a interpretar un personaje tan icónico como el de Marilyn Monroe. De Raaff ha compuesto para ella una partitura plagada de monólogos en cuya orquestación usa el violonchelo y la viola, juntos o en grupo, para dibujar musicalmente los estados de ánimo de la actriz. En total son seis las funciones que se han programado de Waiting for Miss Monroe hasta el 16 de junio en el Stadsschouwburg Amterdam, un teatro fin de siglo en el Leidseplein, la zona más animada en la metrópoli holandesa.