Revista KAOLÍN No. 1 by karlamartinezromero

revista

KAOLÍN

NO. 1

CERÁMICA EN MÉXICO

KAOLÍN

CONTENIDO

8. Nuevos

Creadores

10. Utilitario 12. Escultura 14. Conoce 16. Inspírate 18. Proyectos

KAOLÍN

20. Técnicas 22. Hablemos de 24. Exposiciones 26. Mex. en 28. Talleres 30. Entrevista

CONTENIDO

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34. Entrevista parte 2

38. Experimentación

42. Arte y Diseño

KAOLÍN

EUGENIA DÍAZ naturaleza y origen.

Eugenia, Uxi, es una diseñadora gráfica ceramista autodidacta, vive en Yucatán, México. Donde comenzaron algunos de los principios de las investigaciones prehispánicas sobre arcilla. 8

Su trabajo se construye dentro de la experiencia del fracaso basada en el conocimiento empírico y en la naturaleza del material “arcilla”, la versatilidad del mismo y la exploración incesante del oficio. El trabajo cerámico está muy relacionado con la historia, morfología, etnoarqueología, petrografía y otras corrientes que estudian los sedimentos de la tierra y el comportamiento humano, esto es importante para tener un mejor conocimiento de la composición, uso y origen de las vasijas prehispánicas del área maya. . Su obra surge como una extensión, un fragmento del suelo que se materializa para crear un objeto utilitario o simplemente una pieza escultórica que emerge como sinónimo o representación de su

Comenzó a indagar con el barro como co-fundadora de Región, una marca en colaboración con Aurea Design enfocada en el rescate de técnicas artesanales y los recursos de la zona. De esta forma es como conoció el barro de Ticul, y se podría decir que fue amor a primera vista. El barro de Ticul es un barro que se trabaja en la comunidad que lleva su nombre, en Yucatán. Un barro con muchas impurezas, pero con un color y textura muy particulares. Sus atributos la han llevado a investigar su contenido mineral y procedencia, de la misma forma, aprender a reconocer nuevos yacimientos de materiales de la zona que no han sido explorados.

la permanencia de la cultura y arquitectura prehispánica maya. Me enorgullece saber que vengo de un país rico en tradiciones y artesanía que se hereda de generación en generación, trabajar con los artesanos me ha dado la oportunidad de crecer no solo de manera creativa, si no personalmente. De la misma forma creo que como mujer es un poco difícil desarrollarse en un país donde la discriminación de género persiste, y las mujeres estamos predestinadas a realizar “ciertas labores”. Por tal motivo me encuentro motivada a desvincular los estereotipos y construir un lenguaje propio a través de la creación y el diseño.

“Me enorgullece saber que vengo de un país rico en tradiciones y artesanía”. -Eugenía Díaz

Aunque no soy arquitecta, disfruto mucho de la arquitectura y de la geometría de los espacios, creo que la distribución de un área tiene una gran influencia en el comportamiento y desenvolvimiento de una sociedad. Ambas piezas están inspiradas en

El diseño está vinculado directamente a la funcionalidad y estética de un producto. A la vez, funciona como un eje modular para comunicar, sin embargo, en mi opinión, el buen diseño es el que te sorprende, tiene personalidad y es atemporal.

NUEVOS CREADORES

KAOLÍN

MAXINE ÁLVAREZ

UTILITARIO ormas sinuosas y simétricas. Un equilibrio perfecto entre fuerza y dulzura, entre geometría y arte. Estas son las cerámicas de Maxine Álvarez, la unión armoniosa entre materia y creatividad Nacida y criada en México, siempre ha estado rodeada de un entorno artístico, lleno de ideas, imaginación y genio creativo, también gracias a la actividad de su padre, la pintora Maxine Scherb. La ceramista comenzó su carrera en 2014 después de mudarse a Los Ángeles, California, después de graduarse en literatura. Un viaje que la lleva a sumergirse por completo en el arte de la cerámica. Una pasión que brilla en cada una de sus creaciones y que expresa, en cada centímetro de arcilla, la continua investigación y exploración del materialW en sí. La comprensión de la masa, sus características, su maleabilidad y resistencia, son la base del trabajo de cada artista. Una fusión entre técnica y creatividad que se manifiesta como la máxima expresión en su cerámica. Líneas finas que transmiten solidez, quietud y silencio. El único sonido permitido es el del torno, un instrumento que da voz al asunto y a la historia intrínseca que contiene. Porque la arcilla tiene recuerdos. Contar una historia. Una melodía que late al ritmo natural de la tierra, reflejando en cada parte la conexión íntima entre el suelo y todo lo que vive y fluye en él, agua, tierra, fuego y aire.

Cada pieza proviene de la relación personal del artista con el material en sí. Las manos siguen la misteriosa historia de la arcilla y dan forma a un nuevo capítulo. Y así, quien lo posee, comienza una historia íntima y única con el objeto, que deja su historia pasada para convertirse en una parte integral de algo nuevo y de la vida de quienes lo eligen. Fuerza, acción y sonidos de lugares distantes. En las creaciones de Maxine Álvarez, se reviven las experiencias vividas por el material de las cuales provienen. Un viaje a través de la tierra, que se forma y se recrea a partir de ella misma, transformándose de barro en pequeñas piezas de arte, incontaminadas y puras. Una mezcla entre la firmeza de una escultura y la suavidad inherente a las pinceladas de una pintura, en un equilibrio que recuerda la armonía de la naturaleza y que, como un fluido, se adapta perfectamente a su contenedor, embelleciéndolo con sustancia, grosor y valor.

1. Vasija por Maxine Álvarez

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RABÍ MONTOYA que otorga estímulos económicos, y cuyo objetivo es promover el diseño, así como la calidad y la creatividad de los creadores mexicanos A pesar de su corta carrera, la obra de Rabí Montoya es muy extensa. Este escultor de origen mexicano trabaja con la cerámica para crear sus esculturas, entre las que destaca sus niños dioses. Este artista modela a unos pequeños y blancos seres de apariencia infantil a los que decora con máscaras, coronas y ropajes diversos. Unas desconcertantes obras en blanco, negro y oro y que no podrás dejar de mirar. Como artista contemporáneo asumió inmediatamente los fenómenos actuales y ha creado esculturas que presentan aleaciones de diferentes manifestaciones culturales, desde las más ancestrales y misteriosas hasta las más actuales y mediáticas, utilizando evidentemente recursos procedentes del arte contemporáneo internacional.

Es egresado de la licenciatura de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana y de la maestría en Estudios sobre el arte en el Instituto Universitario Realia. Ha sido profesor de procesos cerámicos de la Escuela Gestalt de Diseño en las licenciaturas de Arquitectura y Diseño Industrial y profesor de la UNICACH en la licenciatura de Artes Visuales, y fundador del taller de cerámica del Instituto de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana. Actualmente se dedica a la investigación y producción artística principalmente con medios cerámicos, y se desarrolla como creador independiente. Con la obra “platos” Rabí Montoya obtuvo el primer lugar de la novena edición de la bienal de cerámica utilitaria contemporánea, certamen

ESCULTURA

“El oro está incluido en mi paleta de esmaltes, de color. Por otra parte, soy admirador de la naturaleza y la vida, por eso los motivos que decoran los platos son hojas, porque el ambiente en el que vivo me inspira mucho. Las hojas que dibujé son las plantitas que hay en mi taller.” -Rabí Montoya

KAOLÍN eníamos clase de Volumen, que era algo así como escultura y fue ahí cuando tuve mi primer contacto con el barro pero la verdad es que en aquel momento no le presté demasiada atención.

Se me da muy bien dibujar e ilustrar, tengo mucha sensibilidad a la hora de combinar colores y crear texturas, es algo que disfruto mucho. Si hablamos concretamente de técnicas cerámicas, diría que ahora mismo me estoy centrando Lo que sí que me fascinó fue que en la técnica del churro (en otros hasta entonces lo que hacíamos países creo que es rollo o chorizo). era dibujar cosas del natural o bodegones y en está clase el proceso Es una técnica que disfruto muera el inverso, partíamos de una cho porque es muy sencilla, sólo idea o imagen y lo convertíamos necesitas tus manos y tener paen algo físico, tridimensional.Eso ciencia, no tiene ningún misterio. me parecía super interesante y que A partir de ahí me gusta explorar no había probado hasta entonces. formas más complejas, juganteriosa historia de la arcilla y dan do con volúmenes y equilibrios forma a un nuevo capítulo. de peso. Es una búsqueda más formal y que da resultados muy Y así, quien lo posee, comienza atractivos. una historia íntima y única con el objeto, que deja su historia pasada para convertirse en una parte integral de algo nuevo y de la vida de quienes lo eligen. Fuerza, acción y sonidos de lugares distantes. En las creaciones de Maxine Álvarez, se reviven las experiencias vividas por el material de las cuales provienen. Un viaje a través de la tierra, que se forma y se recrea a partir de ella misma, transformándose de barro en pequeñas piezas de arte, incontaminadas y puras. Una mezcla entre la firmeza de una escultura y la suavidad inherente a las pinceladas de una pintura, en un equilibrio que recuerda la armonía de la naturaleza y que, como un fluido, se adapta perfectamente a su contenedor, embelleciéndolo con sustancia, grosor y valor.

ARANTZA COTERA

CONOCE

Mis piezas son muy variadas y si las miras por separado, pueden parecer que están hechas por diferentes personas pero si se miran en conjunto se puede ver una unidad. Hago cerámica y también ilustración, foto y objetos de todo tipo con materiales del día a día y obviamente salen cosas muy diferentes. En mi opinión está sobrevalorado el concepto de la especialización y ser experto en una única cosa. Una parte de mí le gustaría estar ahí y tener un estilo super definido y concreto, porque sería mucho más fácil, pero yo no funciono así, ya he aceptado que hago cosas muy diferentes y no soy experta en ellas.

1. Plato coral por Arantza Cotera.

SODA ESCOMBRO

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Ella es Luci Rod y su proyecto se llama Soda Escombro. Estudió Diseño Industrial y desde el 2014 explora el oficio de la cerámica, trabaja en piezas y proyectos propios que engloban fundamentalmente el volumen y el dibujo como vía de expresión creativa a través de un producto utilitario. La construcción de cada pieza puede ser con adujas, repulgue o torno, la pieza se concluye ilustrando y vidriando para que pueda ser funcional.

Rod cree que el arte, así como el diseño, cambian las formas de de experiencia, de producción y de consumo de las sociedades, haciéndolas más conscientes y significativas. Trabaja en su taller en la ciudad de Guadalajara.

INSPÍRATE La cerámica ha acompañado al ser humano desde la prehistoria hasta nuestro días. La naturaleza, las formas orgánicas, las texturas, lo ancestral y la magia del universo forman parte del imaginario de Luci Rod. Todas las piezas están realizadas de manera artesanal en Guadalajara con mucho mimo y delicadeza. Por ese motivo se puede apreciar las sutiles diferencias del proceso manual. Cada pieza es única.

“La cerámica me da la gran oportunidad de expresarme. Profundamente enamorada de mi oficio”. -Luci Rod

“Hacer cerámica es despertar a ese niño jugando con el lodo que todos llevamos dentro”. -Luci Rod

1. Maceta lata por Luci Rod.

Quienes han tenido el placer de trabajar con cerámica, saben que este caprichoso y multifacético material requiere de tiempo, paciencia y mucha dedicación.

Si tienes conocimientos básicos en Técnicas de construcción de piezas en cerámica y Torno eléctrico, tenemos diferentes modalidades de renta y espacio.

El proceso de creación cerámica implica, además de pasión por parte del artista, diferentes herramientas; y demanda un espacio adecuado para trabajar cómodamente y lograr el óptimo desarrollo de las piezas.

Soda Escombro cuenta con tornos eléctricos, el espacio, las instalaciones y los materiales para que escojas el horario que más te convenga.

Soda Escombro es el lugar ideal para concretar lo que has ideado porque cuenta con personal con experiencia en el campo del diseño, el arte y la cerámica, con instalaciones cómodas, horarios accesibles, material, equipo y herramienta necesarios de producción y acabado. Además cuentas con espacios asignados para cada etapa del proceso de tu pieza.

Las quemas de sancocho y alta temperatura para tus piezas están incluidas.Las sesiones son de horario abierto de lunes a jueves de 9:00 am a 5:00 pm y viernes de 9:00 am a 2:00 pm.

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MAREMOTO Cada mañana mi corazón comienza con el ritmo de hacer, hacer, hacer y se sigue con este mismo latido todo el día el hacer no se aleja, la cerámica atrapa. Sobre el silencio hay todo un proceso en el interior. El silencio habita en la piedra, reposa en la pasta, órbita en el torno en lo profundo del centro de la pella, cuando se entra para abrir, suspira en el entorno quieto del horno, vibra en las crujientes flamas y al final el silencio descansa seguro dentro de la vasija. Mi proceso inicia al recoger los materiales de tierras cercanas así como hojas y ramas de arboles nativos por estas zonas. Excavo tierras en pueblos cercanos como Tapalpa y Mazamitla y obtengo tierras de Tonala, Oaxaca, Puebla, Hidalgo y Zacatecas. Estudiar los efectos de la combinación de tierras y esmaltes ha sido una par18

Mi viaje en la cerámica comienza con una piedra, observar su inamovilidad el que no va a ningún lado me invita a mirar hacia adentro, a explorar y a escuchar. Hay una pregunta constante que no me deja, ¿De qué forma la cerámica y tornear han enriquecido mi percepción de la vida en una dimension en la que ya nunca podría dejarlos ir? Mi trabajo ha sido el darle a la tierra una voz con todos sus elementos únicos, el agua con su movilidad y fluidez permite moldear la forma, el fuego ruge para fusionar pasta y esmalte imprimiendo ademas sus gestos caprichosos. Al final busco que estas piezas de cerámica nos recuerden de un ritmo natural, reflejen la pauta lenta de nuestro terreno y la intima conexión que somos con la tierra, el agua, el aire y el fuego.

PROYECTOS te muy importante de mi proceso. Cada año dedico tres semanas a el desarrollo de pastas y esmaltes. Los esmaltes llenan mis sentidos, esto me ha acercado a un mundo lleno de retos y sorpresas. Cuando las partículas de la pasta ya han reblandecido por el agua y se tiene la humedad precisa y la maleabilidad en la pella la pasta esta lista para comenzarse a amasar, el amasado trae orden a las partículas de la pella y saca las burbujas de aire. La mano plana presiona contra la pasta, hay un ir y venir en balance del cuerpo y se crea un espiral interminable de partículas en orden. Es como si diera un reconfortante orden al caos en la vida. El olor, el tacto y sentir la tierra es información esencial, me provee de una tendencia innata de enfocarme en la vida, somos tierra y allí es a donde regresaremos un día, para seguir orbitando con ella. En el torno parece un proceso de regresar a un equilibrio. El ritmo de la torneta al girar del tiempo que se perpetua de obtener un centro con la pasta y conmigo misma, el ritmo de entrar y al mismo tiempo salir en el silencio del hacer, hay una presencia de uno mismo que fluye con libertad. El agua facilita la comunicación entre las manos y la pasta y así las manos y los dedos se sienten libres de dar forma a la tierra mientras que el agua ayuda con la fluidez de todo.

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1. Piezas por Maxine Álvarez..

TÉCNICAS

RAKÚ

Una de las técnicas decorativas usadas en cerámica es la denominada Rakú. El nombre raku-yaki es una técnica tradicional oriental de elaboración de cerámica utilitaria. La palabra significa “diversión” o “felicidad”. El Rakú es una compleja alquimia donde intervienen los cuatro elementos (tierra, fuego, agua y aire) de la cual resultan piezas únicas, siempre maravillosas. Se usó en las antiguas civilizaciones japonesa y china. Aunque hay creencias que se originó en Corea, es en Japón donde floreció. En algunas fiestas y reuniones sociales de cierto prestigio, adonde se reunían los maestros de la filosofía budista Zen, los asistentes bebían el té en vasijas elaboradas por ellos mismos. Después de fabricar unos recipientes en forma de vaso (vasos y tazas de té), de pequeñas dimensiones, se decoraban con óxidos y se efectuaba una monococción en unos hornos de leña llamados “cestones”. El verdadero Rakú, el que se practica siguiendo la tradición, en realidad, debe obtenerse con temperaturas que oscilen entre 750º y 850º C, empleando arcilla roja común y/o arcilla para loza, chamota o arena.

Estas arcillas o pastas cerámicas deberan trabajarse a mano, ya que, si se utiliza el torno, por su composición en chamota, las citadas pastas se muestra demasiado abrasivas a la superficie de las manos. Después de fabricadas las piezas, deberá procederse a su secado para posteriormente llevarlas a un horno pequeño a 900 grados centígrados aprox. (Depende del esmalte o lustre utilizado, hay de temperaturas menores y otros para mayores de 1000 grados). Cuando la pintura está a punto se saca la pieza en estado de incandescencia y se deposita cuidadosamente, con la ayuda de pinzas de hierro, en un recipiente lleno de viruta de madera (también se pueden hojas secas de árbol). El contacto con este medio incendia la viruta, las hojas o el papel y se genera una enorme cantidad de humo que penetra en la pieza y entra a ser parte de ella. Los óxidos o esmaltes con que han sido pintadas las piezas proporcionan una parte del oxígeno para esta combustión, que al reducirse se transforman así en metal puro, lo cual le da la apariencia con que se conoce este tipo de cerámica.

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La primera aclaración que debemos hacer es que una pasta cerámica es un compuesto de diferentes ingredientes/elementos cuyo fin último será ser horneado. Ahora bien, ¿las pastas cerámicas son arcillas? Pues no únicamente. Uno de los principales elementos que componen a una pasta cerámica en un porcentaje muy alto son las arcillas. Pero además hay otros ingredientes que intervienen en la composición total. Por eso hablamos de pastas cerámicas y no de arcillas porque una pasta es una mezcla de diferentes elementos.

tendrá color y más cosas si nos quisiéramos poner profundos. Pero iremos a lo concreto y a intentar responder nuestra pregunta inicial. Los elementos principales que conforman una pasta cerámica son 3 y el vehículo que los unirá en crudo será el agua. Cada uno de estos elementos tiene una función particular que hace que se juegue determinado rol dentro del proceso, por ello hablaremos de:

Parte plástica: Minerales arcillosos. Arcillas y caolines. Su función principal será la de permitir que la Entonces, ¿cómo empiezo a hacer mi pasta cerámi- pasta sea posible de ser modelada en algún proceso ca? hay dos cosas que se consideran clave a la hora de posible. responder a la pregunta anterior. El uso que le daremos a la pasta y la temperatura a la que hornearemos Parte fundente: Es el componente que da cohesión serán nuestros elementos guías para saber que ingre- a la pasta y permite el proceso de sinterización o vitdientes necesitará nuestra pasta. rificación al pasar por el proceso térmico. También No es lo mismo realizar una pasta para modelar que disminuye la porosidad de las piezas y el porcentaje realizar una pasta que luego transformaremos en de absorsión de agua. Los encontramos en feldespabarbotina para realizar coladas. El tipo de confor- tos y carbonatos. mado determinará el porcentaje de agua que llevará la misma. La temperatura a la que queremos hornear Parte desengrasante o antiplástico: Los desengrastambién tendrá un impacto diferente en nuestra ma- antes disminuyen el nivel de plasticidad cuando una teria prima y es algo a considerar. arcilla tiene exceso de plasticidad y por ende se pone difícil es trabajar bien. Ayudan a disminuir el porPodemos también tener otras cosas en consid- centaje de contracción de una pieza durante el proeración, el origen natural de los ingredientes, el tipo ceso de secado. Podemos encontrarlos en cuarzo o la de horneada que realizaremos, el tipo de acabado de chamota. superficie que le daremos a nuestra pasta, la resistencia mecánica final de nuestras piezas, si nuestra pasta

HABLEMOS DE

ABC DE PASTAS CERÁMICAS

Estos tres elementos juntos con el agua se vincularán de manera dinámica y el porcentaje de cada uno de ellos puede variar según la receta que estemos manejando. El dinamismo de estos ingredientes estará dado bajo el criterio del índice óptimo de laborabilidady los porcentajes variarán en función de que podamos llegar a dicho índice.

En lo que respecta a nuestro trabajo distinguimos entre arcillas de alta y baja temperatura según la temperatura necesaria para cocerlas:

Hay que aclarar, que cuando hablamos de arcilla, barro, porcelana, gres, terracota, mayólica, loza, barro de alfarero etc., estamos hablando de pastas cerámicas , cada una tiene sus características específicas, pero todas son pastas cerámicas y se convertirán en cerámica con todas sus propiedades cuando sufran un proceso de cocción durante el cual, perderán el agua, contraerán y vitrificaran convirtiéndose en algo distinto a lo que era antes de cocer, es decir adquieren dureza y sus estructura interna cambia.

Por baja temperatura: Estamos hablando de 9501000 grados centígrados aproximadamente. Las arcillas de baja son las terracotas, las mayólicas, alfarería principalmente. Las hay de distintos colores, estas dos son la arcilla de alfarería tradicional y los colores varían según del lugar de donde se extraiga.

Hay en el mercado materiales que imitan a la cerámica, son pastas para trabajar en frio, se las moldea y endurecen al aire, incluso algunas se calientan en hornos caseros, pero no se les puede someter a temperaturas superiores a 800 grados, pues se quemarían por completo. Es importante no confundirlas, estos materiales no son cerámica y como ejemplo tenemos las arcillas poliméricas, la porcelana fría, etc. Más adelante haremos comparaciones de trabajabilidad de estos materiales con respecto a las pastas cerámicas. Las pastas cerámicas tienen una propiedad, que aparece al mezclarlas con agua, en una cantidad adecuada, se dice que son plásticas, es decir que cuando modificamos su forma a nuestro antojo, esta forma permanecerá una vez dejamos de hacer fuerza sobre la arcilla.

Las de alta temperatura: Cuecen sobre 1280 grados centígrados, son principalmente la porcelana y el gres.

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BARRO Y FUEGO Con un linaje ininterrumpido desde hace cuatro milenios, los alfareros en los pueblos del sur de México han creado alfarería funcional con tan solo barro, agua, fuego y sus hábiles manos.

Gracias a estas creaciones han cubierto sus necesidades en el hogar, han creado un lenguaje artístico, han heredado un oficio a sus hijos y han mantenido sus pueblos vivos, al mismo tiempo que han conservado un balance estable con sus recursos naturales. Han logrado esto a través de sistemas de gestión de tiempo y recursos que son complejos y simples a la vez. En términos contemporáneos, podríamos llamar a esta producción una producción realmente sustentable. Esta es una exposición sobre la alfarería simple y funcional de los pueblos indígenas de México. Con facilidad podría ser etiquetada como rústica, y lo es. Los prejuicios hacen que sea menos probable catalogarla como sofisticada, y sin embargo, también lo es. Casi todos los pueblos alfareros de Oaxaca son completamente desconocidos fuera de las regiones donde venden su obra. Su oficio se ha ido desvaneciendo aceleradamente, debido a los cambios radicales y las presiones del contexto social, económico e incluso ambi-

ental, por lo que ya son pocas co- y sus alrededores, que constituyen munidades en las que la alfarería una unidad cultural más allá de las tradicional se encuentra fuerte y estable. fronteras políticas. Es el fruto de 20 años de exploración en la OaxAún cuando estos alfareros aca rural, condensados en la pubpuedan parecer indiferentes ante licación Barro y fuego. El arte de este hecho, el resto de nosotros, la alfarería en Oaxaca, escrito por sin siquiera saberlo, estamos per- Eric Mindling. diendo la oportunidad de aprender de ellos. Aquí se exhiben piezas únicas que Sus saberes y experiencia los han nacen de técnicas como pulido, llevado a la creación de objetos engobes y esmaltes, que reafirman que mantienen en balance, de for- la belleza de las tradiciones milema hermosa, la elegancia, el diseño narias. Se cuenta de igual manera funcional, el bienestar social de las con elementos visuales que dan alfareras y la compatibilidad con contexto a las piezas, videos que el medio ambiente. Ignorados du- muestran la elaboración y material rante siglos, ha llegado el momen- gráfico de las comunidades alfareto de honrar a estos creadores. ras en Oaxaca La exhibición se ha presentado en Barro y Fuego es una exposición diferentes centros culturales alrecompuesta por piezas provenientes dedor del mundo: Oaxaca, Bélgide 70 pueblos alfareros en Oaxaca ca, Finlandia, Alemania, Ciudad

EXPOSICIONES

de México y Puebla. Agradecemos a Innovando la Tradición A. C., por la realización de esta muestra que con gusto recibimos en el Museo de Historia Mexicana para que podamos abrir todos nuestros sentidos a la sutil e intensa belleza de esta alfarería rústica, sofisticada, simple y compleja. A pesar de que son muy agradables a la vista, estas ollas no están hechas para ser admiradas como objetos de contemplación; están hechas para utilizarse. Están creadas para desempeñar trabajos específicos como: transportar agua, enjuagar maíz, cocer tamales, hervir jugo de cañas de azúcar, servir estofado a 200 huéspedes, silbar, quemar incienso y servir chocolate. Al examinarlas a detalle, uno se da cuenta que las formas de los envases no provienen de elecciones arbitrarias o fortuitas, sino de un impresionante conocimiento sobre el diseño. Son adaptadas idealmente a la materia prima de la que están elaborados y son resultado de las técnicas utilizadas para su creación y de su función última. Estos humildes utensilios de cocina son ciertamente una elegante unión de mate-

riales, función y forma. Hay más de cien pueblos alfareros distribuidos a lo largo del sur de México. En una comunidad puede haber tan sólo media docena o hasta varios miles de alfareros produciendo vasijas con el estilo único del pueblo. Los estilos han evolucionado a lo largo de los siglos debido a los tipos de barro y a los recursos locales, a las técnicas específicas de cada pueblo en el modelado y el horneado, a las costumbres regionales y a los accidentes de la vida. Sin que esa sea la intención, cada estilo se convierte en la marca de ese determinado pueblo y se reconoce con facilidad dentro de la región. La “cerámica suave” logra un balance entre su uso, su vida útil y el impacto ambiental de su creación y su posterior eliminación. Los únicos materiales utilizados para la creación de este tipo de alfarería son barro, arena y agua. Todos son recursos locales extraídos y refinados a mano.

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MEXICANOS EN: ITALIA

Karla Sotres es la creadora de Geográfica Cerámica, un proyecto actualmente ubicado en una pequeña zona rural de Italia, que celebra la diversidad, origen y evolución de las cerámicas en el mundo. Como estudiante de diseño industrial hizo un intercambio en Milán, en donde conoció a su esposo. Al graduarse, se fueron a Australia, regresaron a Europa, y posteriormente a México. Es el proceso de llegar a un lugar nuevo,

conocer el entorno e insertarse en él, lo que considera le abrió mucho el panorama. Por eso, para Karla, Geográfica tiene tal importancia: “es el hilo conductor que une México e Italia y que me ha ayudado a enraizarme en un nuevo territorio.” Si bien, la experiencia de Karla ha demostrado que se puede vivir de la cerámica, el hecho de contar con un respaldo nos puede dar tranquilidad y confianza para ir construyendo poco a poco, hasta llegar al punto en el que podamos sostenernos de ello.

MEXICANOS EN l proceso no fue fácil, en especial si tomamos en cuenta que se topó con el reto de empezar a generar interés y abrir mercado en su zona. Así fue como, con un trabajo de medio tiempo en un café de diseño, ahorró el dinero necesario para comprar un torno, un horno y puso manos a la obra. Justo en ese momento una Galería de México, Ángulo Cero, la contacta para pedirle una producción exclusiva, y así es como llegamos al siguiente punto: la importancia de mostrar el trabajo. Las páginas web, portafolios de trabajo, redes sociales, cualquier plataforma es válida. Por otro lado, además de la adaptación a nuevas regiones, la creadora de Geográfica también nos habló de la adaptación a diferentes etapas de la vida. Para ella, la maternidad para ella ha sido una muy importante, pues la ha obligado a hacer y ver las cosas de manera diferente. Hoy Karla produce en menor cantidad, pero con más consciencia y mejor posicionamiento. En este aspecto nos menciona que lo más importante ha sido entender cómo funciona la propia economía, es decir ¿cuánto dinero necesito para llevar el estilo de vida que llevo?, entonces podemos adaptar nuestro ritmo de trabajo ello, según las prioridades que tengamos en dicho momento. Dentro de Geográfica maneja dos líneas principales de pro-

ductos: línea ordinaria y línea extraordinaria. En la línea extraordinaria se incluyen todas aquellas piezas que sorprenden por distinguirse de las otras, sin importar que pudieran haber formado parte de la línea ordinaria inicialmente. Estas piezas tienen un valor mayor que ayuda a que la gente entienda su carácter irrepetible y las aprecie por lo que son. Finalmente, nos habló de modalidades de venta. Me sorprendió y a la vez me hizo mucho sentido cuando dijo que la venta en línea no ha funcionado para ella, ya que no conecta con la forma en la que ella entiende la cerámica. Karla prefiere que la gente toque las piezas, sienta su peso, textura y densidad. Todas estas cosas son sumamente difíciles de transmitir por medio de una página de internet. Hoy Karla produce en menor cantidad, pero con más consciencia y mejor posicionamiento. Esto demuestra que podemos adaptar nuestro ritmo de trabajo ello, según las prioridades que tengamos en dicho momento.

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El ENGAÑO: CASA CERÁMICA En el taller de El Engaño (casa-cerámica), ubicado en San Ángel, Ciudad de México, todo adquiere una dimensión íntima. Su concepto nace de una idea muy linda: cada mano es distinta, y por lo tanto la relación de una persona con la cerámica nace de un contacto profundamente personal.

Eso prioriza El Engaño en las clases que imparte: ¿cómo es tu mano?, ¿qué sienten tus dedos cuando tocan barro?, ¿tus ideas creativas se relacionan con sensaciones o con exploraciones racionales? Son clases personalizadas donde el interés principal es resaltar lo privado: aquello que hay de único en el pensamiento de cada alumno. Es una pedagogía de la sensualidad y el convivio, siempre abierta hacia el intercambio de preguntas, ¿mi pieza debe ser sutil o enérgica?, ¿es posible trabajar identidades a través de la cerámica?, ¿cómo puedo hablar políticamente a través de un objeto?, ¿qué tan afilados o romos debo trazar estos contornos? A El Engaño la gente va a trabajar con sus pensamientos secretos y enfrentar sus miedos; es un espacio para crear desde la desinhibición e incluso replantear masculinidades (la cerámica sigue siendo culturalmente en México un oficio asociado a lo femenino). También las discusiones cerámicas se dirigen hacia el trabajo artesanal en su incesante y ardua lucha contra la acel-

eración serial a través de la paciencia. Además de talleres y pláticas, hay una tienda/showroom en donde se venden y exponen piezas que muestran las interminables posibilidades creativas que ofrece el barro: desde máscaras hasta cucharas, y, sobre todo, las posibilidades artísticas que encierran platos, vasos, ceniceros y cualquier objeto cuya intención utilitaria no anula un asombroso potencial estético. De la mando del taller y tienda/showroom tienen un programa expositivo que invita a creadorxs internxs e invitados a que dialoguen con los dos espacios. Aunque quizá lo más importante que debes saber sobre El Engaño es su interés por abrir un espacio lúdico, emocionante, inspirador y creativo para que a través de la cerámica los habitantes de la Ciudad de México puedan distraerse, reconectarse y tranquilizarse en medio de estos tiempos tan inciertos, y es que no hay nada más relajante y sensual que hundir los dedos en el barro para inventar algo. En cuanto a sus clases, tienen presenciales, seminarios de teoría sobre arcilla y cursos extraordinarios. Además de la tienda del taller, El Engaño está presente en distintos puntos de venta en la CDMX y Puebla (Histeria, Querencia, Templo y OCHO30).

TALLERES

KAOLÍN ¿Quíen está detrás de Manos Sanas? Hola soy Bárbara Ayala, diseñadora industrial y constante aprendiz de cerámica. Tengo 30 años. ¿Nos podrías contar un poco sobre tu primer acercamiento a la cerámica? Cuando estaba en la universidad en 4to semestre mi clase de diseño se trataba de hacer un producto a partir de modelos y moldería en cualquier material. Yo elegí a mi profesor justo porque su enfoque era en cerámica y aprendí a trabajar el yeso y después a hacer vaciados en moldería. El proyecto requería hacer un set de botaneros y listo, a mí me gustó tanto que en cuanto descubrí de que se trataba el proceso no pude parar, terminé con 4 sets diferentes y quería hacer más. Fue ahí que descubrí que había entrado a diseño para encontrarme con la cerámica y desde entonces no he dejado de practicar y aprender.

Definitivamente lo que me atrajo fue trabajar manualmente con él, estar involucrada en la producción de un producto que podría ser en serie de manera más o menos fácil. Se me pasaban las horas haciendo vaciados, puliendo las piezas y ni me daba cuenta. Además tener un pieza totalmente funcional, utilitaria y de buena calidad, prácticamente comercializable fue muy atractivo, como estudiante no lo había vivido hasta entonces.

¿Qué tipo de técnica utilizas? Ahora la técnica que más utilizo (y me gusta) es el torno, esta herramienta significó un gran reto personal, en un principio me pareció bastante compleja, porque requiere una completa sincronía máquina-humano que para ser sincera me costó encontrar. Pero mi obstinación y curiosidad me hizo practicar hasta que hoy puedo decir es el elemento más importante en mi trabajo. Además es un proceso de producción muy rápido y hasta económico una vez que adquieres las habilidades manuales.

ENTREVISTA

MANOS SANAS CON BÁRBARA AYALA

Por ejemplo, en un día con prisa puedo tornear unas 30 piezas de repetición, utilizando solo el torno y mis manos, a diferencia de si las sacara en molde, para esas mismas 30 piezas necesitaría por lo menos 5 moldes para hacer 3 vaciados, que es el máximo de vaciados que se puede hacer en un día y ya super forzándolo Una de las cosas que te ha costado mas trabajo es.... Me costó mucho la etapa del esmaltado de piezas. Hace unos años cuando decidí tomarme en serio lo de la cerámica y empecé a producir me di cuanta de que siempre terminaba acumulando sancochos y me rehusaba a esmaltar, siempre encontraba un buen

pretexto para no hacerlo. En primer lugar, como trabajo con esmaltes artísticos que cambian tanto, me frustraba mucho no saber cuál sería el resultado final y definitivo de una pieza y en segundo lugar, justo el decir “listo pieza, ya así te vas a quedar para siempre”, me asustaba, después me di cuenta de que tenía mucha relación con el cómo me sentía en aspectos personales en ese momento. No sabía muy bien en dónde echar raíz y se manifestaba también en mi trabajo. Una vez que me di cuenta me reí un rato y empecé a medio forzarme a esmaltar y tomar decisiones definitivas para el acabado de mis piezas, hoy puedo decir que hacerlo terminó ayudándome también en mi vida personal.

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¿Cuál ha sido un aprendizaje que te ha dejado la cerámica? Todo es un gran aprendizaje, así como vas caminando en el mundo de la cerámica, al mismo tiempo vas creando una vida que se permea de todo lo que te deja su proceso, pero si tuviera que elegir una cosa, creo que sería la paciencia, trabajar la cerámica me ha hecho una persona muy paciente, he dejado de preocuparme por lo inmediato, hasta me da mala espina. Considero que lo bueno lleva su tiempo. Y esa paciencia además de aplicarla externamente, la aplico conmigo misma, me he vuelto mucho más considerada con mis tiempos y mis procesos porque sé que lo vale. ¿A quién admiras en el mundo de la Cerámica? Voy con puros mexicanos: -Gustavo Perez por su exquisitez, su calidad y alta emotividad, tanto en el proceso como en el resultado final de la pieza -Javier de Cueto por ser tan compartido y basto en conocimiento, por su gran método, por su honestidad y por que su visión me parece muy poética - Marta Ruiz y Gloria Rubio. Además de admirarlas, estoy muy agradecida con ellas por crear ese espacio Arta Cerámica donde he aprendido mucho de lo que sé. A mi punto de vista han sido pioneras del diseño de producto en cerámica en México y fueron mi primera referencia cuando estaba estudiando para atreverme a dedicarme a esto. - Cualquier taller de artesanos. Pasearme por talleres en Tonalá y varios municipios de Oaxaca me quitó la idea de que se necesita una gran infraestructura para comenzar tu taller. Caer en talleres bastante bien montados desde muy temprano hizo que de repente sintiera que pon-

er el mío requería de una gran inversión. El visitar talleres de artesanos de estás zonas me dio el empujón que necesitaba para destinar una mesa dentro de mi casa y pensar “listo, aquí va a empezar mi taller” realmente no se necesitan grandes cosas para trabajar la cerámica, lo que sí es necesario es tomar la decisión y la responsabilidad que conlleva hacerlo. Además me encanta el método artesanal, donde se aprende desde la tradición, desde tu vida cotidiana, con el trabajo diario, casi sin darte cuenta y siempre he buscado quizá, desde mi mundo urbano, hacerlo un poco así. ¿Sientes que tienes un estilo definido? Creo que estoy en construcción o por lo menos intento evitar definirme tan pronto en mi camino. Me gusta la idea de pensar que mi próxima pieza o proyecto será mejor que la que estoy haciendo ahora. Pienso que empezar a definirnos desde muy temprano de alguna manera te limita a seguir explorándote. Sin embargo me gusta ver que mis piezas van formando familia, son identificables y eso ha ido sucediendo a partir de mi propia exploración del proceso y los materiales.

ENTREVISTA Noto la influencia de lo que me inspira y me alegra poder traducirlo a mi lenguaje personal. ¿Cómo te ves en 5 años? En 5 años espero estar ya construyendo mi taller fuera de la ciudad, planeando mi partida pero aún sin irme del todo. Me gustaría ya haber encontrado la fórmula para poder ir a hacer residencias fuera del país mientras continúo con mi trabajo de producción de piezas a mano. Seguro seguiré enseñando, especializándome en procesos de producción y diseño en torno alfarero. Seguro ya habré dado el salto a la escultura, me he detenido a hacerlo, no sé si por mi formación como diseñadora, o quizá por no seguir mi propio consejo de no definirse demasiado pronto.

me siento en el torno sin saber muy bien qué va a pasar, comienzo trazando una línea de barro en el aire, como un cilindro por ejemplo y me quedo ahí un rato sintiéndolo a ver qué pasa. Es tan fácil modificar esa línea que te da muchísima libertad para explorar, documentar lo que te gusto o volver a empezar si no. Estéticamente me siento muy atraída por todo esto que tenga la huella humana, movimiento, de estos objeto que nos hablan un poco de su propia aventura a travez de las manos de quién los hizo.

Me da un especie de vértigo hacerlo, como sí una vez que de ese salto ya no pudiera volver a hacer piezas utilitarias sencillas o de repetición y la verdad amo hacerlas. Pienso que la gente siente que se puede acercar de una manera mucho más fácil a mi trabajo así que cuando le pones la etiqueta de escultura o arte. Algo que me gusta mucho es que la gente conviva de manera cotidiana con un plato, cuenco, taza que yo hice, que note eso que le aporta a su vida algo tan sencillo. ¿Que te inspira? Trabajar, el contacto con el material en su forma plástica es mi mayor inspiración, es justo cuando trabajo cuando llegan las ideas. Mi relación con el barro es sobre todo táctil. Entonces muchas veces sólo

Otra cosa que me inspira mucho es leer teoría de los materiales, para mí la parte poética de la cerámica está ahí, en ese viaje que hacen todos esos materiales para llegar a nuestras manos y volverlos nuevamente roca. Además aprender sobre ellos da una seguridad bonita al trabajar. ¿Qué tipo de técnica utilizas? Ahora la técnica que más utilizo (y me gusta) es el torno, esta herramienta significó un gran reto personal, en un principio me pareció bastante compleja, porque requiere una completa sincronía máquina-humano que para ser sincera me costó encontrar. Pero mi obstinación y curiosidad me hizo practicar hasta que hoy puedo decir es el elemento más importante en mi trabajo. Además es un proceso de producción muy rápido y hasta económico una vez que adquieres las habi-

KAOLÍN lidades manuales. Por ejemplo, en un día con prisa puedo tornear unas 30 piezas de repetición, utilizando solo el torno y mis manos, a diferencia de si las sacara en molde, para esas mismas 30 piezas necesitaría por lo menos 5 moldes para hacer 3 vaciados, que es el máximo de vaciados que se puede hacer en un día y ya super forzándolo

Una de las cosas que te ha costado mas trabajo es.... Me costó mucho la etapa del esmaltado de piezas. Hace unos años cuando decidí tomarme en serio lo de la cerámica y empecé a producir me di cuanta de que siempre terminaba acumulando sancochos y me rehusaba a

esmaltar, siempre encontraba un buen pretexto para no hacerlo.

preocuparme por lo inmediato, hasta me da mala espina.

En primer lugar, como trabajo con esmaltes artísticos que cambian tanto, me frustraba mucho no saber cuál sería el resultado final y definitivo de una pieza y en segundo lugar, justo el decir “listo pieza, ya así te vas a quedar para siempre”, me asustaba, después me di cuenta de que tenía mucha relación con el cómo me sentía en aspectos personales en ese momento.

Considero que lo bueno lleva su tiempo. Y esa paciencia además de aplicarla externamente, la aplico conmigo misma, me he vuelto mucho más considerada con mis tiempos y mis procesos porque sé que lo vale.

No sabía muy bien en dónde echar raíz y se manifestaba también en mi trabajo. Una vez que me di cuenta me reí un rato y empecé a medio forzarme a esmaltar y tomar decisiones definitivas para el acabado de mis piezas, hoy puedo decir que hacerlo terminó ayudándome muchísimo también en mi vida personal. ¿Cuál ha sido un aprendizaje que te ha dejado la cerámica? Todo es un gran aprendizaje, así como vas caminando en el mundo de la cerámica, al mismo tiempo vas creando una vida que se permea de todo lo que te deja su proceso, pero si tuviera que elegir una cosa, creo que sería la paciencia, trabajar la cerámica me ha hecho una persona muy paciente, he dejado de

¿Cuál es uno de tus más grandes sueños? Quiero construir una casa estudio, similar a la que tengo ahora pero rústica, en el campo. La mayoría de las veces que me siento a tornear llega a mi mente ese momento. Siempre he vivido en ciudades muy grandes y representa para mí una gran aventura salirme de ellas para ir a un lugar tranquilo, amplio, producir, investigar, explorar y seguir enseñando. Me gustaría crear un programa para diseñadores aprendices de cerámica, visto desde el oficio, no desde el producto o concepto. Tener un gran y maravilloso

“Me encanta pasar horas torneando, sentir que pude dominar mi mente pude entrenar mis manos y me llena de emoción” 35

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ENTREVISTA horno para aprender a jugar el fuego. ¿Quá consejo podrías darle a alguien que va empezando en este mundo, que te hubiera gustado que alguien mas te dijera cuando comenzaste? Que si le quieren entrar en serio deben ser muy pacientes porque llevará su tiempo. Recuerdo al salir de la carrera decidida a dedicarme a la cerámica empecé a leer sobre ceramistas que admiraba y todos tenían en su biografía… “fue aprendiz durante 10 años de tal otro ceramista” y yo no podía creer que tomara tanto tiempo, me asustaba esa cifra o las que aparecían, fue darme cuenta de que sí, ya había terminado la carrera, pero me faltaba quizá otra más larga para aprender cerámica, sobre todo si no te interesa maquilar, si lo que te interesa es crear las piezas. Entonces no hay que desesperarse y buscar maneras de poder sostenerse económicamente mientras estas aprendiendo. Hay muchos espacios que están dispuestos a realizar intercambios conocimiento/trabajo y es una muy buena manera de aprender cuando no tienes mucho dinero para pagar cursos que en algunas ocaciones son bastante costosos. Irse empapando día a día con el funcionamiento cotidiano de un taller es muy valioso, así sea con digamos en tareas no creativas, como sólo amasar, ayudar a cargar un horno, pulir una pieza, empacar, etc.

fuego es a la que le tengo más respeto, me impone mucho y a la vez me llama mucho la atención, siento que aún me falta experimentar esa parte de la aventura con el barro y estas quemas son espectaculares, desde la cargada del horno, la quemas que pueden llegar a durar 24 horas, agregando leña para mantener la temperatura y la sal en el momento exacto para dar el acabado, suena como hacer magia. Este concepto de pintar con fuego es el que traigo rondando en la cabeza y me gustaría aprender para después implementarlo en mi taller de sueño. Por lo pronto tengo los ojos puestos en tomar un curso con Yusuke Suzuki y Masakazu Kusakabe, hace poco dieron un curso de quema en horno de leña sin humo, desde la construcción del horno, la parte química de los esmaltes, pastas y su relación con el fuego y la leña ya en la quema. De sólo pensarlo se me enchina la piel.

“Acérquense y estudien a quienes los inspiran, creo que es bueno salir del anonimato, presentarse y ofrecer

¿Si pudieras tomar clases con alguien? ¿En dónde y con quién seria? Me encantaría viajar a algún taller del Countryside de Inglaterra o a Japón como aprendiz, ahora mismo estoy fascinada leyendo y viendo documentales sobre las quemas con sal. La parte del

algo a cambio de ese conocimiento, piensen en qué puede ser, estoy segura que hoy más que nunca la mayoría estamos abierto a ese tipo de tratos”.

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n este segundo acercamiento el estudio reflexiona y merodea por la idea de ¿dónde comienza la vida? y ¿qué hay después de la muerte en el proceso cerámico? Para nosotros como hacedores es común vivir el proceso y sentir una especie de final o muerte del mismo para que un producto nazca... es por eso que con esta exploración nos preguntamos: ¿será posible mantener vivo el proceso? ¿el proceso puede vivir en el producto creado? Popdots es un proyecto en el que colaboran Luis y Melissa. Arrancó en Londres con una intención juguetona y curiosa. Ellos deliberadamente ven a la cerámica más como un medio más que como un material. Se enfocan en ella, en su ser y su entorno, así todo lo que conlleva es considerado cerámica y, por lo tanto, hay mucho, MUCHO, con qué jugar. El verdadero propósito de todo esto, es averiguar de qué manera, sin contar con grandes conocimientos técnicos, se puede aportar algo al saber cerámico. ¡Vaya que lo están haciendo! Para entender un poco de qué va el rollo de PopDots, tenemos que hablar de algunos de sus proyectos. Pensando en la cerámica como un polvo, como un ingrediente en una receta de cocina, ¿qué pasaría si la mezclaban con algo más que agua?, ¿si le añadieran avena?, ¿pintura acrílica? Buscaban obtener un catálogo

de todos los errores y sorpresas posibles. Terminaron haciendo merengues de arcilla y muchos otros experimentos. Al meter las pruebas al horno, se dieron cuenta que lo único que quedaba de los otros ingredientes, eran sus rastros. Así decidieron llamar este ejercicio. A partir de “Rastros” surgieron otros proyectos como la serie “Vida y Muerte”, de la mezcla de arcilla con semillas. El objetivo es compartir el proceso creativo con el comprador, quien se convertirá en el “hacedor” de la pieza al regarla, y crear un diálogo con él en torno a la cerámica. Las semillas, inmersas en la arcilla, comenzarán a germinar y a modificar la pieza con sus raíces. Una vez que se decida dejar de regar la pieza, esta “morirá” quedando expuestas todas las grietas y surcos.

EXPERIMENTACIÓN

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Entonces entra al horno, y regresa con su “hacedor”. Con este proyecto se dieron cuenta de muchas cosas: distintos tipos de semilla interactúan de manera distinta con las piezas; el tipo de semillas también puede influir en el color que toma la pieza después de la quema; y que, cuando se quema una pieza con hongos a alta temperatura, se forma una ligera capa de una especie de esmalte delgado satinado. La principal forma de hacerse redituables y financiar este tipo de proyectos es mostrando de todas las formas posibles el concepto que ellos tienen de la cerámica. De inicio, tal vez se requiera valerse de productos más comerciales que posibiliten estas investigaciones. El chiste es encontrar un balance entre la parte generadora y la experimental, de forma que la producción no se vuelva tediosa y estresante. Mas que para vender, Luis y Melissa utilizan cualquier oportunidad de exposición (ferias, por ejemplo) para mostrar estos proyectos. Se han dado cuenta que es mucho más fácil acercarse a la gente cuando no hay un interés económico de por medio, aparte de que les sirve para despertar su curiosidad y de ello siempre pueden surgir nuevas oportunidades. Otra forma que han encontrado para monetizar conceptos como “Rastros” y “Vida y Muerte” es la posibilidad que representan para publicaciones en revistas y otros medios de mayor alcance al público. Por esta y otras razones, hicieron mucho hincapié en que la diversificación ayuda a generar otras salidas y conexiones. La cerámica se presta para muchísimos cruces y nosotros tenemos que ser los primeros en ampliar nuestros panoramas para buscar todas esas posibilidades. Los ceramistas siempre nos quejamos de que la gente sólo tenga la idea de la cerámica por los “jarritos y cantaritos”. No caigamos en lo que tanto criticamos y rompamos los esquemas hacia nuevas formas de ver y utilizar el material.

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MINX FACTORY: CERÁMICA NÓMADA Michelle creció en una familia nómada. Desde pequeña experimentó la vida en varios lugares como Guadalajara, CDMX, Monterrey y Argentina. La cerámica también la conoció a corta edad y la ha acompañado a lo largo de su vida hasta el día de hoy. En algún punto pensó dedicarse a la publicidad, sin embargo, se dio cuenta que el estilo de vida no se adaptaba a lo que ella quería y volvió a poner la mirada en el barro. Montó su taller y comenzó a dar clases hasta que la inquietud por seguir moviéndose la llevó, un año después, a dejarlo todo y aventurarse a empezar de cero en Barcelona.

representa una gran cantidad de retos además del choque cultural. Se tiene que comenzar desde el principio: ubicando proveedores, calidades de materia prima disponible, insertarse en el gremio nuevamente, encontrar espacios de taller… imagínate.

Aun así, la cantidad de nuevos conocimientos y de confianza en uno mismo La creadora de Minx Factory admite que ir a un país nuevo que esta experiencia brinda, no tiene comparación, y es por eso que, para Michelle, hacerlo una sola vez no es suficiente. Después de 3 años en España, considera su ciclo terminado y está a punto de moverse a Portugal. Aquí la pregunta es, si parte de la naturaleza de la cerámica implica un asentamiento, ¿de qué herramientas puedo valerme para convertirme en un ceramista nómada? Ahí te va lo que nos compartió Michelle: En primer lugar, los talleres colaborativos. Esta modalidad de taller es cada vez más común y conveniente desde el punto de vista económico y de aprendizaje. De entrada, será mucho más sencillo insertarse en el gremio comenzando desde ahí, la inversión inicial es muy pequeña y podemos disponer de todas las herramientas necesarias.

Además, dentro de esta dinámica se lleva a cabo un intercambio de conocimiento muy importante que nos nutre a nosotros mismos, y a nuestros compañeros. Así pues, la comunidad se convierte en nuestra más grande aliada en este tipo de cambios. Concebir un enfoque nómada dentro de la cerámica no tiene porqué excluir la parte comunitaria, pues es gracias a ella que hemos heredado este saber milenario y podemos seguir transmitiéndolo. Por otro lado, tenemos a las plataformas de venta en línea. Estas nos brindan acceso a un gran mercado virtual que no sólo se limita a un territorio, como en el caso de las tiendas físicas, permiten un funcionamiento 24/7, y los costos de operación son muy reducidos.

En el caso particular de Michelle, ella utiliza y recomienda Etsy, una página con gran mercado en Estados Unidos y Europa, que se caracteriza por valorar el trabajo manual y artesanal.

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Por otro lado, tenemos a las plataformas de venta en línea. Estas nos brindan acceso a un gran mercado virtual que no sólo se limita a un territorio, como en el caso de las tiendas físicas, permiten un funcionamiento 24/7, y los costos de operación son muy reducidos. En el caso particular de Michelle, ella utiliza y recomienda Etsy, una página con gran mercado en Estados Unidos y Europa, que se caracteriza por valorar el trabajo manual y artesanal. Entre sus servicios ofrece la posibilidad de implementar publicidad pagada, dentro y fuera de la plataforma, así como comunicación directa con los clientes y la posibilidad de establecer tus propios

términos en cuanto a envíos y devoluciones. Si bien sí hay un cobro de comisión mensual o por venta, este sigue siendo menor al que manejan la mayor parte de las tiendas físicas. Al tener poco contacto con los clientes en esta modalidad de venta, cada paso es importante. Para crear una buena experiencia de servicio en estas plataformas, Michelle nos recomendó ser muy cuidadosos a la hora de los envíos. El embalaje es importante, a los clientes les importa cada vez más el uso de alternativas amigables con el medio ambiente; le da un valor extra al producto y a nuestra marca.

ARTE & DISEÑO

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