reticula javier carratala perez by javier carratala perez

Dise単o

Sumario

Me gustaria agradecer la elaboracion de este libro a todos los alumnos de los que he copiado ideas en clase para hacer mi reticula, a Victoriano por las preciosas horas de mi vida dedicadas a la elaboracion de la reticula y a mi madre por no parar de darme el follon mientras hacias el trabajo, a todos ellos mis sinceros agradecimientos...

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Movimiento Estetico Arte Noveau/Jugendstill Deutscher Werkbund Constructivismo Bahuaus Art DecĂł Arte OrgĂĄnico Arte Internacional DiseĂąo Radical Pop

MOVIMIENTO ESTETICO

Miembros del grupo: Esmeralda Lessire, Linh Nguyen, y Kate Pastoor Introducción y panorama general por Linh Nguyen

Silla Thonet

El movimiento Arts and Crafts es la línea principal del diseño de la reforma en el siglo 19 que define el período de su mayor desarrollo, aproximadamente entre 1875-1920. El movimiento estético y de estilo Art Nouveau, cuyas raíces estaban en la reacción a la Revolución Industrial en Inglaterra a mediados del siglo 19, son los dos principales acontecimientos de estilo de la filosofía de este movimiento (una cosa de belleza 9). El término “estética Movimiento” se refiere a la introducción de principios que hizo hincapié en el arte en la producción de muebles, orfebrería, cerámica, vidrieras, textiles, fondos de escritorio y libros. El catalizador de su gran popularidad fue la Exposición del Centenario de Filadelfia de 1876. Allí, en numerosas exposiciones, muchos estadounidenses, artistas y artesanos, así como el público en general, están expuestos a objetos de arte de una gran variedad de naciones y de los períodos (Bolger

MOVIMIENTO ESTETICO Burke et al. 19). La mayoría de los escritores sobre el movimiento estético de acuerdo en que tiene sus raíces en la reacción a la industrialización a mediados del siglo XIX-19 Inglaterra, el movimiento incorporado exóticas y las fuentes históricas del diseño en general, la influencia japonesa se convirtió en el más fuerte y mejor conocidos. Sin embargo, no todo el diseño estético Movimiento es de estilo japonés, y viceversa. Hoy en día sigue siendo relativamente pequeña de las más altas expresiones de la estética del diseño del Movimiento. Nunca barato y por lo tanto nunca abundantes, pocos objetos y los interiores intactos muy pocos, en particular el interior doméstico, sobrevivir a sugerir su riqueza y belleza (una cosa de belleza 11-12). El movimiento estético en el Reino Unido comenzó como un impulso de reforma. Era parte de una crítica más de la Revolución Industrial, que había alterado radicalmente el Reino Unido tras las guerras napoleónicas, y paralelo a los acontecimientos políticos que se habían establecido firmemente el poder de la clase media con la Segunda Ley de Reforma de 1867. Los costos de estas transformaciones sociales fueron objeto de apasionado debate, en el ámbito estético, así como en otros lugares (Bolger Burke et al. 25). Al principio, los diseñadores y los fabricantes de Inglés siguieron el patrón de imitación consciente esta-

MOVIMIENTO ESTETICO blecidas en el continente. Además de las impresiones, el uso libre también se hizo de cloisonné japonés desgaste, marfiles, bronces, lacas y productos textiles. Sin embargo no pasó mucho tiempo antes de una marca distinta de Inglés Japonisme comenzaron a aparecer. Alfareros Inglés, en particular, estaban bien acostumbrados a los principios de diseño de decoración oriental, y así comenzó casi inmediatamente a su vez, la forma pura de Europa en un Japonisme esencialmente decorativo hasta la fecha de 18 de chinesca del siglo XIX (Klein 10). Así, la velocidad con la que los estilos japoneses fueron aceptados en el Reino Unido como resultado de una tradición bien establecida de decoración oriental, borrosas las fronteras entre las artes de Japón y China como estilos cada vez más se hizo bastante oriental. Pero sigue siendo principalmente una expresión de la cultura británica.

William morris

Fuera del movimiento estético vinieron nuevas ideas y formas que miró hacia el siglo 20 º. El estudio de los principios del diseño japonés trajo resultados variables, muchas de las grandes empresas comerciales como Wedgwood, Copeland, Worcester y Minton estaban interesados en las influencias extranjeras sólo por sus valores de moda decorativa, que se satisface el apetito de un mercado de masas, aunque con mano de obra fina y el diseño.

Silla Barcelona

MOVIMIENTO ESTETICO

MOVIMIENTO ESTETICO un movimiento de arte, pero tiene una estructura bastante compleja de las ideas sociales, políticas y morales de la vida británica durante ese período.

Pero Christopher Dresser y Edward Godwin respondió a la parte funcional del diseño oriental, analizarla, despojándolo de su esqueleto, y revelando un nuevo sentido de la funcionalidad en el diseño que fue a crear el ambiente para el siglo 20 º. Cuadernos de Godwin demuestran que estudió los diseños de otras tantas naciones como sea posible, pero en sus productos terminados estos estudios se han incorporado en un estilo completamente Inglés (Klein 10). Un líder revolucionario hace un siglo, el trabajo de inglés William Morris, como artista, diseñador, impresora, e intelectual se refleja la búsqueda de un nuevo orden social. Convenció a muchos de la necesidad de cambio. Él escribió: “Sé por mis propios sentimientos y deseos lo que estos hombres quieren, lo que les habría salvado de esta profundidad más baja de la barbarie; Empleo, que fomente su autoestima y ganar la simpatía y reconocimiento de sus semejantes, y las viviendas que podría llegar a con gusto, un ambiente que calmar y elevarlos, el trabajo razonable, de descanso razonables. Sólo hay una cosa que les puede dar esto, y es el arte “(Kaplan VIII-IX). Morris instó a la necesidad de recuperar el sentido perdido de la belleza que la deshumanización de la industria ha obligado a la sociedad.

Obras citadas Una cosa de belleza (Catálogo de una exposición en el High Museum of Art en Atlanta, Georgia, 1 febrero a 6 abril 1980). Atlanta: El High Museum of Art. 1980. Bolger Burke, et al. En busca de la Belleza. Nueva York, Museo Metropolitano de Arte.

Mesa Estetica

Reloj de Breuer

Silla de Diseño Las divisiones de trabajo del artesano se priva del placer de su trabajo y el trabajo es fundamental para la vida social del individuo, este se desintegró y la sociedad Inglés degradada. La belleza y la calidad fueron ignoradas con fines de lucro y la cantidad. La filosofía política era, naturalmente, la lucha contra la aristocracia y la expresión de esta idea en términos de los principios de diseño fue un rechazo de las características de diseño asociadas con los ricos. Hubo también un componente religioso, en que la naturaleza de las creencias religiosas era una gran influencia en la formación de los valores británicos. Como se ha orientado lejos de rituales y símbolos visuales y más hacia los ideales sociales y la comunidad, que refuerza el carácter social del movimiento (una cosa de belleza 9). Así, aunque el movimiento definitivamente tiene sus expresiones de estilo, no era simplemente

1986. Kaplan, Wendy. El arte que es la vida: El Movimiento de Arte y Artesanía en Estados Unidos, 1875 -1920. New York: Little, Brown and Company. 1987. Klein, Dan. Aspectos de la estética. Londres: Gordon House / Hillingdon Press. 1978. Arquitectura victoriana por Esmeralda Lessire

JUGENDSTILL/ART NOUVEAU

Logotipo de epoca de AEG El nuevo arte gira en Alemania en torno a dos importantes publicaciones: “Jugend”, que comenzó a publicarse en Munich en 1896 y “Pan”, en Berlín en 1895. Si las hojeamos nos encontraremos con un asiduo decorador de sus páginas, Otto Eckmann (1865-1902), un pintor que en 1894 subasta sus cuadros como herencia artística y se dedica por completo al diseño de muebles, lámparas y utensilios. Muy influido por el arte japonés, que estaba presente sistemáticamente desde que Brinkmann fundara el Museo de Artes y Oficios, pasará de los lirios, cisnes y el sentimentalismo floral a la abstracción caligráfica. Destacan sus letras (legado que transmite en el alfabeto y la cubierta para el libro de Ruskin “Seven Lamps of Architecture” en 1900). En 1897 publica diseños decorativos con el significativo título de “Neue Formen” (Formas nuevas). En Munich, centro dinámico por excelencia, trabaja Hermann Obrist (1863-1927), fundador en 1894 de un taller de bordados. Profundo conocedor de la naturaleza por sus estudios en medicina

JUGENDSTILL/ART NOUVEAU

Escalera de Art Noveau y ciencias naturales, será uno de los más importantes responsables de lo que Shmutzler denomina Jugendstil romántico y amigo de la naturaleza. Su colgadura Ciclamen (1895) resume formalmente lo que se ha conocido como “golpe de látigo de la línea modernista” (la revista “Pan” recogió la impresión que producía el tapiz de Obrist: “Este enfurecido movimiento nos recuerda las súbitas, poderosas curvas del restallar de un latigazo”). La fuerza, el ritmo y el crecimiento, en definitiva el poder del mundo vegetal, son llevados con sutil abstracción a la decoración. Un verdadero canto a la vida orgánica. De esta bidimensionalidad del bordado pasa a la plasticidad del volumen, pues quiere “despertar la alegría de tocar y destacar las sensaciones que provocan toda clase de texturas”. Su Proyecto de monumento de 1902 resulta un auténtico horizonte contra el que habrá que contrastar a Boccioni y a Tatlin. Otra obra representativa del Jugendstil será la renovación de la fachada del estudio fotográfico El-

DEUTSCHER WERKBUND

DEUTSCHER WERKBUND Primeros Diseño de Bicicleta

Mono de Trabajo El Werkbund más que un movimiento artístico era una acción sufragada por el estado para integrar los oficios tradicionales con las técnicas industriales de producción en masa a fin de poner a Alemania en un lugar competitivo con otras potencias tales como Gran Bretaña o los Estados Unidos. Su lema era “Vom Sofakissen zum Städtebau” (desde los cojines de los sofás a la construcción de ciudades) indica su amplio abanico de intereses. Buscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina, con una componente importante de teoría, como todos los movimientos de principios del siglo XX. Entre estos, tres claves hacen destacar estéticamente a este movimiento: por un lado separar la estética de la calidad material, frente a las ideas anteriores que las vinculaban; por otro lado, imponer la normalización del formato DIN; y finalmente, la adopción de la forma abstracta como base estética del diseño industrial, sustituyendo al ornamento.

Lo que antes se veía como una restricción es ahora una virtud, especialmente a partir de 1914, cuando la necesidad militar hace que cada vez más la producción industrial siga estos estándares. La Bauhaus tomaría esta base, permitiendo el nacimiento de la fabricación modular. Se pensó en la posibilidad de fabricar edificios en serie. Existió en una primera etapa hasta 1934, sufriendo una pausa en sus actividades en 1918, por los costes en la industria debido a la primera guerra mundial, y se volvió a restablecer después de la segunda guerra mundial en 1950. Otros arquitectos afiliados al proyecto incluyen a Heinrich Tessenow y al belga Henry van de Velde. El Werkbund comisionó a van de Velde la construcción de un teatro para la exhibición de 1914 en Colonia, que fue un momento álgido de su historia antes de la primera guerra mundial. Este teatro fue su mejor trabajo, pero que solo estuvo en pie un año al ser destruido en la guerra. Van de

CONSTRUCTIVISMO

El constructivismo se origina como respuesta al caos que se vivia en eso años e conflicto. Se origina en Rusia, desde donde empieza a involucrarse a otros lugares de Europa, hasta llegar algunos años después a Latinoamérica, de

mos tiempos, los movimientos artísticos que se han ido desarrollando están siendo caracterizados por tener muy poca duración, ya que continuamente, gracias al desarrollo de la tecnología y algunos otros aspectos externos Silla Roja y Azul

donde nos vemos muy influenciados.

Chaise Longue

Dicho movimiento se caracteriza por ser muy abstracto, por lo que se recurre generalmente a figuras geométricas y muy bien definidas. A continua-

Silla

ción se muestra mas detalladamente el origen, entornos, y manifestaciones que se provocaron con el advenimiento de dicho movimiento. CONSTRUCTIVISMO

Silla Barcelona- Mies Van der Rohe

En estos últi-

CONSTRUCTIVISMO

que en cierta forma va contribuyendo a una evolución mas rápida.

crear nuevas obras. Las obras que dan por inaugurado este movimiento son las construcciones en relieve de Tatlin, elaboradas entre 1913 y 1917, para cuando en 1920 ya se comenzaban a integrar otros artistas

Entre estos tipos de movimiento ha surgido el constructivismo, tema a tratar a continuación, que viene luego de Silla Tubular

Figura Constructivista

la aparición del futurismo y del cubismo, por lo que se ve un poco influenciada con dichos movimientos. HISTORIA Surge en el siglo XX, específica-

Sofas de Diseño

mente en 1920. Rusia es el lugar de donde se desprende dicho movimiento, y su fundador es el escultor y pintor ruso Vladimir Tatlin; quien se dedico a la elaboración de piezas escultóricas abstractas, por medio de la utilización de y

Silla emulando a una vaca

CONSTRUCTIVISMO Alexánder Rodchenko, El Lissitzky, Naum Gabo y Antón Pevsner, entre otros. En 1920 Gabo y Pevsner se dedicaron a la publicación en Moscú el Manifiesto realista, donde se exponen los principios teóricos del nuevo estilo.

CONSTRUCTIVISMO Edificio Escolinpower

En 1915 hace esculturas de metal completamente abstractas, destinadas para ser suspendidas de cualquier medio. Tatlin pasa de los bajorrelieves a unos metales más profundos, hasta llegar a sus llamados “Contrarrelieves”, que son formas de metal para ser colgadas. Es también una de las figuras clave en la reorganización de las instituciones artísticas en el Estado Soviético. Pronto se da cuenta de que el arte no cubre las necesidades

del momento, y decide acercarse más a los problemas cotidianos y de nivel social. Dicha idea se ve bloqueada por la escasez de medios y materiales. Esto les hace diferentes al diseño moderno europeo. Como todo movimiento, este tubo diferentes etapas en las que se dividió, pero esencialmente se trata de defender los ideales del utilitarismo, la funcionalidad y abstracción; aunque su momento más brillante se remonta a las tres primeras décadas de este siglo. La emergencia revolucionaria se vio ciertamente plasmada en las artes y tuvo en el constructivismo su expresión más sobresaliente.

Edificio preing

BAUHAUS

Escuela de la Bahuaus

Logotipo de Bahuaus

bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza. La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (Heinrich von Eckardt). Dada su importancia Las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau

La Das Staatliches Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933. El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, “de la construcción”, y Haus, “casa”; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia. Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930,

ART DECO El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía. Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizan la ‘Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes’ en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; en realidad, el término Art Decó fue acuñado en

ART DECO Coche de Diseño

la retrospectiva titulada “Les Annés 25” llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966[1], en francés el término se escribe Art Déco y en inglés Deco.

Silla de Art Deco

DISEÑO ORGANICO

Ron Arad

Sillon de Diseño

El diseño orgánico se desarrolla en una primera fase entre los años 1931 y 60, reapareciendo desde los 90 a nuestros días. Un enfoque humanizador del diseño, la interconexión y el espíritu de la naturaleza son la base del diseño orgánico, las curvas suaves y sinuosas frente al geometrismo y la línea. Para muchos el diseño del futuro es orgánico. Hay que experimentar e investigar en los principios de la naturaleza. Sus formas, movimientos y a los seres vivos incorporándolos

en el proceso de creación, y así orientar el futuro del diseño, con ayudas de la tecnología, al mejor conocimiento de la ergonomía y los avances del diseño junto a nuevos materiales, hacen que emerja y se reinterprete nuevamente. Esta tendencia del diseño no ha perdido presencia y es hora que ocupe nuevamente el lugar que le corresponde. El diseño tiene que llegar al corazón humano, crear emociones.

Jacobsen

La casa shell con sus formas rotundas ubicada en Nagano, Japón, se integra en el entorno, Silla Aint

ESTILO INTERNACIONAL

Edificio Internacional

Anuncio de Nike

El Estilo Internacional fue impulsado por un pequeño grupo de destacados arquitectos, entre ellos Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, Charles-Edouard Jeanneret -más conocido como Le Corbusier-, J. J. P. Oud, Richard Neutra, Rudolf Schindler y Phillip Johnson. Como testimonio más valorado del Estilo Internacional prevalece el Edificio Seagram, construido por el alemán Mies van der Rohe para la corporación de las bebidas alcohólicas. Se ubica en Park Avenue, en Nueva York, donde Mies ideó una gran plaza urbana situada entre el edificio y la alineación de las edificaciones de la avenida, permitiendo tener un punto de observación inmejorable hacia la alta edificación que muestra su estructura de acero, y tiene la sencilla forma de un prisma rectangular desprovisto de toda ornamentación.

Para para el denominado “estilo internacional” característico de la pintura de Europa Occidental en los siglos finales de la Edad Media, véase gótico internacional. Se conoce como Estilo Internacional a un estilo arquitectónico de la arquitectura moderna, encuadrable dentro de el funcionalismo arquitectonico, que propugnaba una forma de proyectar “universal” y desprovista de rasgos regionales. Comenzó a tomar forma a partir de 1920. El Estilo Internacional se caracterizó, en lo formal, por su énfasis en la ortogonalidad, el empleo de superficies lisas, pulidas, desprovistas de ornamento, con el aspecto visual de ligereza que permitía la construcción en voladizo, por entonces novedoso. El empleo de las nuevas técnicas y materiales, como el hormigón armado, permitían también la configuración de los amplios espacios interiores que caracterizaron a los de los edificios del Estilo Internacional

DISEÑO RADICAL

DISEÑO RADICAL El posmodernismo en el diseño se remonta a la década del ‘60, cuando emergen el Pop, el antidiseño y las críticas de las esferas intelectuales y artísticas a diversos aspectos de la Modernidad. Los primeros defensores del posmodernismo argumentaban que la adhesión del anterior movimiento moderno a la abstracción geométrica (que negaba el ornamento y el simbolismo) había deshumanizado al diseño, dado que en éste primaba entonces el funcionalismo y el racionalismo.

hacían referencia a antiguos estilos y que solían ser irónicos en su contenido.

En el área del diseño y la arquitectura, Robert Venturi, por ejemplo, sostenía que la arquitectura moderna carecía de sentido, ya que no poseía la complejidad e ironía que enriquecía a los edificios históricos.

El grupo Memphis, integrado por diseñadores italianos militantes del diseño radical, la vanguardia y de otros equipos de diseño como Studio Alchimia, produjeron monumentales y vistosos diseños “neopop” que causaron gran sensación a nivel mundial desde 1981.

Umeda, Sillón flor A partir de mediados del ‘70, arquitectos americanos como Michael Graves empezaron a introducir motivos decorativos en sus diseños, que a menudo

Lampara

La obra de Memphis recibía una serie de influencias muy eclécticas, y con sus motivos

Logotipo de boli Bic

Lampara de Panton

DISEÑO RADICAL

DISEÑO RADICAL Tiempo después, la recesión económica de los años noventa motivó a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y más racionales: de este modo, las atrevidas manifestaciones del antidiseño de los años ochenta fueron sustituidas por la silenciosa pureza del minimalismo de los noventa.

Maquina de afeitar Braun

Objeto de Diseño

atrevidos y formas estrafalarias, se burlaba de la noción de “buen gusto”. Memphis contribuyó durante los años ochenta a la comprensión del Posmodernismo como estilo internacional, puesto que los diseños posmodernos abrazaban el pluralismo cultural de la sociedad global contemporánea y utilizaban un lenguaje simbólico concebido para trascender fronteras. Entonces, el movimiento posmoderno puede resumirse como un híbrido del diseño, dado que en el proceso de creación las formas, extraídas de su contexto temporal y concreto, se combinan al azar y hacen del diseño decoración pura, convirtiéndolo en una verdadera enciclopedia de materiales.

POP

POP El diseño pop fue usado por primera vez en los años 50 para designar el diseño dirigido a la cultura popular de la década. En los años 50 se fundó un grupo llamado Independent Group en Londres formado por artistas como Richard Hamilton, Eduardo Pallozzi y otros, que fueron los primeros en explorar la cultura de consumo.

En los años 60, algunos artistas en Estados Unidos, como Andy Warhol, empezaron a inspirarse en “el arte menor” de la vida cotidiana como la publicidad, el envasado, el packaging, los comics y la televisión.

El estilo Pop empezó a manifestarse en objetos de consumo cotidiano, y los diseñadores buscaron un planteamiento más juvenil y divertido, menos serio que el buen diseño de los años 50. Logotipo Pop

Sillon en forma de huevo

En los 60 también apareció el concepto de obsolescencia planificada, donde se dota de un tiempo de vida a un objeto para que el comprador lo tire y compre otro, a cambio del bajo coste de un producto. Esto causó el consumismo que reina en el mercado hasta hoy en dia.

En los 60, las nuevas formas onduladas, la combinación de colores vivos y los materiales

POP

POP Silla Pop

plásticos cobraron un protagonismo muy importante, que desbancaron del todo a los años de austeridad de la postguerra. El diseño pop, con sus asociaciones de antidiseño desbanco al “menos es más” del movimiento moderno (o racionalismo) y fue un puente hacia el diseño radical de los años 70, influenciado por estilos como el surrealismo, el futurismo y el art decó.

Sillon Pop

Verner Panton