The Italian Touch #16 ES-EN by Kemon Italia

The paradigm shift What has happened in the world of communication in the last 8-10 years can be called a true “paradigm shift”. This term refers to the introduction of a technical innovation or thought able to establish a new system of knowledge that replaces the previous one. This is how most scientific disciplines have evolved; and, by looking at the impact the spread of the Internet has had on our lives, the relevance of the term is immediately clear: there has been a paradigm shift in our conception of communication and personal relationships. In our industry, beauty bloggers and beauty advisors as well as tutorials and online commerce have profoundly affected the way consumers relate to cosmetics. Everyone is more informed and independent, and it is precisely information, or rather the new broad accessibility to information, that has caused a significant change of pace in conceiving the different forms of exchange. In this scenario, we certainly cannot wish that human curiosity be “satiated” and it will certainly be to our advantage to see this change as an evolution and quickly adapt to the new being established. In fact, from now on, competition in the market will take place on a plane parallel to our everyday reality, and with different rules than those we are accustomed to. Providing well-founded, accurate and reliable explanations or clarifications will, thus, become a determining factor for success both on the web (to become an influential voice among the thousands of opinions travelling on the net) and in the real market (to establish oneself as a recognized specialist and professional). This is the case of the salon; it will always have the good fortune of being a physical place of exchange and human interaction that is essential for any society. For this reason, it will be crucial to become a reference point for professionalism and expertise. As a company, we have made the professional enrichment of hairstylists our mission. We take exacting care in preparing the message for the end-user and our training programs for hairstylists are finetuned and geared towards fully sharing our corporate know-how. Today, our vocation is moving online with the unveiling of our new website, which aims to become an example for design and content in the world of professional cosmetics. It will be constantly updated with new and entertaining topics, thanks to the online magazine The Italian Touch, and a place for direct and immediate interaction with our customers. Of course, like at the salon, all this is happening without losing, in our everyday life, the closeness to our customers and family feeling that have always characterized us and of which we are proud. It is this very feeling that leads us to a deeper understanding of the needs of our market and the development of ever more innovative ways for helping it grow.

Editorial El “cambio de paradigma” Lo que ha sucedido en el mundo de la comunicación en los últimos 8-10 años se puede definir como un auténtico “cambio de paradigma”. Por este término entendemos la introducción de una innovación técnica o de pensamiento capaz de establecer un nuevo sistema de conocimientos distinto al anterior. De esta manera han evolucionado la mayor parte de las disciplinas científicas, y observando el impacto que la difusión de Internet ha tenido en nuestras vidas, la pertinencia del término se hace inmediatamente clara: ha habido un cambio de paradigma en nuestra concepción de la comunicación y de las relaciones personales. En nuestro sector, el beauty blogger y beauty advisor, el tutorial y el comercio on-line influyen profundamente en el modo en que los consumidores se relacionan con la cosmética: todos están más informados y son más autónomos, y es precisamente la información, o mejor dicho la nueva y amplia accesibilidad a la información, la que ha determinado un cambio notable en la manera de concebir las distintas formas de intercambio. En este escenario, en el que ciertamente no podemos pretender que la curiosidad humana se “sacie”, es evidente que conviene vivir el cambio como una evolución y adecuarse rápidamente al nuevo orden establecido. Lo cierto es que de ahora en adelante la competición de mercado se desarrollará en un plano paralelo respecto a nuestra realidad cotidiana, y con reglas distintas respecto a las que estamos habituados. Ser capaces de proporcionar explicaciones o aclaraciones bien fundamentadas, veraces y fiables se convierte así en un factor determinante de éxito tanto en la web (para llegar a ser una voz autorizada entre los miles de opiniones que viajan por la red), como en el mercado real (para consolidarse como reconocidos especialistas y profesionales). Este es el caso del salón de peluquería, que siempre tendrá la suerte de ser un lugar físico de intercambio y de interacción humana imprescindible en la sociedad. Por este motivo es imprescindible que se convierta en un punto de referencia en cuanto a profesionalidad y competencias. Como empresa hemos hecho del enriquecimiento profesional del peluquero nuestra mission, cuidando al detalle la comunicación con el cliente final y creando planes formativos dirigidos a que el estilista comparta plenamente el know-how empresarial. Esta vocación nuestra se traslada hoy a la red con la inauguración de la nueva página web, que pretende ser un ejemplo de diseño y contenidos en el mundo de la cosmética profesional, actualizado con temáticas siempre nuevas e interesantes gracias al magazine on-line The Italian Touch, y lugar de interacción directa e inmediata con nuestros clientes. Obviamente, todo esto se produce, al igual que para el peluquero en su día a día, sin perder esa cercanía con nuestros clientes y ese family feeling que siempre nos ha caracterizado y del cual nos enorgullecemos, ya que nos lleva a comprender más profundamente las exigencias de nuestro mercado y a poner a punto soluciones cada vez más innovadoras para contribuir a su crecimiento.

Index The Modernist Issue

EDITORIAL

L’arricchimento professionale del parrucchiere è la nostra “mission...“

ARCHITECTURALLY FASHIONABLE

Le fotografie di Julius Shulman hanno anticipato i moderni principi del design TOM FORD

Anticipare quello che i clienti si aspettano, essere una sorta di tramite fra il nostro tempo e la gente

6 10

DIRETTORE EDITORIALE

Giuliano Nocentini COORDINAMENTO MARKETING

Aldo Nocentini EDITORIAL CONSULTANT

THE 2015 KEMON COLLECTION

Alessandro Di Giacomo MODERNIST FUTURE

Less esthetics, more ethics... MODERNIST ETHNIC

Only who dares travels... BRUCE CHATWIN

Non riporto impressioni, solo cose viste... GIUSEPPE CAPITANO

L’eterna leggerezza della materia THE KEMON COLLECTION SET

Hotel Straf e il Boscolo Hotel di Milano, i luoghi esclusivi per la nuova Collezione KEMON NEWS

Gli eventi “Wild Beauty” ed i Kemon Days in Riccione

14 48 76 80 82 86

HAIR CONCEPTS

Gruppo Ricerca Moda Kemon FOTOGRAFIA & DESIGN

Amedeo M.Turello BRAND MANAGER

Annamaria Lipparoni, Ennio Nocentini, Francesca Nocentini CONSULENTI DI PRODUZIONE

Maria Caterina Bianchi, Fabrizio Bisio, Donato Buonvino, Federico Comanducci Dario Donnini, Liliana Farinelli, Andrea Giuliani, Alessandro Guerrieri Stefano Isacchi, Marzia Lonardi, Valentina Monti, Sandra Parma, Angelica Patacca Simona Ragni, Giuseppe Sega, Stefania Santucci, Stefania Sorio, Elena Spapperi

GERMANY / AUSTRIA WILD BEAUTY AG Tel. +49 625750360 www.kemon.de www.kemon.at

SWITZERLAND Listowell GmbH tel. +41-32 392 40 54 www.kemon.ch

BENELUX PRO-DUO Tel. +329-216 30 00

KEMON S.P.A. Via E. Mattei 35 - 06016 San Giustino (PG) Tel. +39 075 861801 info line: 8000 15 496 info@kemon.it KEMON STYLE LAB S.GIUSTINO Via E. Mattei 35 - 06016 San Giustino (PG) KEMON STYLE LAB MILANO via Vitruvio 43 - 20124 Milano

SLOVENIA / CROATIA TRIMUZIJAT D.O.O. Tel. +386-5 3954280 www.kemon.si

HUNGARY HAIR-LINE Kft Tel. +36-23 332 126107 www.kemon.hu

RUSSIA MONBLAN PROF Tel. +7-343 355 3333 www.kemon.su

IRELAND FLAIR SALON SERVICES TEL. +353-458 564 87

MIDDLE EAST MADI INTERNATIONAL CO.LLC Tel. +971-4 338 27 73

POLAND POLWELL Sp. Z.O.O. Tel. +48-52 325 20 00 www.kemon.pl

USA TNG Worldwide Tel. +1-248 347 7700 www.kemonusa.com

MATHIAS GOERITZ AT HIS HOME WHICH WAS CO-DESIGNED WITH RICARDO LEGORRETA, CUERNAVACA, MEXICO, 1973 JULIUS SHULMAN. © J.PAUL GETTY TRUST

Una Arquitectura Novedosa... Las imágenes de Julius Shulman lideran los principios del diseño ...un ojo maestro cercano a la genialidad impulsa la epopeya crítica modernista hacia el profesionalismo metódico Andreas M.Jürgen Observar un edificio posmoderno en una tarde soleada, con la luz incidiendo por las ventanas de la forma correcta, es experimentar lo divino de la forma en que Dios, o al menos la Santísima Trinidad formada por Robert A. M. Stern, Frank Gehry y Michael Graves, pretendía hacerlo. Una arquitectura que depende de un exterior representado de una forma única, que continúa con frecuencia hacia el interior del edificio, debido al deseo de crear una superficie estéticamente agradable. Cargado de ironía, sorpresa, contradicción y burla de sí mismo, cada edificio único contiene indudablemente un elemento de originalidad. La creencia de que "la arquitectura es arte" es el nuevo mantra, que sustituye a las ideas anticuadas de los modernistas de que "la forma era una consecuencia de la función". En una ocasión le preguntaron a Frank Gehry, un icono de la arquitectura posmoderna, si tenía mentores o ídolos en la historia de la arquitectura. Su respuesta fue coger una fotografía de Brancusi de su escritorio... "En realidad, suelo pensar más en términos de artistas como este: ha tenido más influencia sobre mi obra que la mayoría de los arquitectos. De hecho, alguien dijo que el rascacielos con el que gané un concurso en Nueva York se parecía a una escultura de Brancusi. Podría nombrar a Alvar Aalto dentro del mundo de la arquitectura como a alguien a quien tengo mucho respeto y, por supuesto, a Philip Johnson." Marcadamente estructurales y funcionales, aunque no predecibles, los elementos del diseño de los edificios tienen en cuenta la sensibilidad del medio ambiente, aunque no con frecuencia para que todos lo aprecien. Lo que para unos es posmoderno e icónico y algunas veces irónico, para otros son solamente ladrillos y hormigón. Pongamos por ejemplo a los mormones, una sociedad no muy conocida por su gusto vanguardista, cuando se anunció recientemente que se iba a diseñar un templo posmodernista en Lehi (Utah). Indignados porque su iglesia ya no iba a representar los edificios apagados, uniformes y conformistas a los que estaban acostumbrados, el templo ha permanecido en desuso aunque abierto desde su construcción, demostrando que aparentemente Dios no puede ser adorado en ninguna parte.

Si bien Le Corbusier tendió el puente entre la arquitectura abstracta y la expresiva, también lo hizo entre el enfoque tectónico y el escultural del edificio. No obstante, arañemos la superficie de cualquier arquitectura posmodernista y veremos que refleja la "honestidad" tan frecuentemente lamentada en el posmodernismo. Una ironía a la última para los diseñadores urbanos que, según los eruditos: "El posmodernismo, por definición... se resiste a una definición". El libro Modernism Rediscovered (en español: El redescubrimiento del Modernismo), sacó a la luz por primera vez obras maestras arquitectónicas olvidadas. Pertenecientes a los archivos personales del fotógrafo Julius Suman, el libro rinde homenaje a los edificios residenciales y comerciales que se habían escapado de la visión del público. Sus asombrosas fotografías captan un lado rara vez visto del Modernismo californiano: con su ojo nítido para la forma y el contenido, su intuitiva elección del momento y peculiares ángulos de cámara, elaboró retratos de cientos de atrevidas estructuras modernas más allá de Los Ángeles. A través de la lente de Shulman, los edificios se convierten en estudios únicos de la masa, la sombra y la luz. Shulman ha pasado la mayor parte de su vida realizando la crónica de las obras maestras del modernismo. En calidad de uno de los fotógrafos arquitectónicos líderes del siglo XX, el artista Julius Shulman desarrolló una asociación próxima a los principales arquitectos modernistas de los años 50 y 60. Lo que volvemos a descubrir en Modernism Rediscovered no es la obra de Shulman, sino una visión particular de la arquitectura modernista. A partir de los originales, hace que la representación del modernismo de L.A. de Shulman parezca asombrosamente original. Esta retrospectiva épica en tres volúmenes ha surgido del admirable catálogo de fondo de Shulman, un archivo de trabajo de 260.000 impresiones, negativos y transparencias en color. Dirigido y producido por Benedikt Taschen, el viejo amigo y editor de la obra de Shulman, se trata de un monumento exhaustivamente cronológico y bellamente elaborado a una larga carrera profesional. Los elementos clásicos de una fotografía de Shulman son modelos que posan delicadamente frente a mobiliarios despejados y reestructurados y asombrosas vistas de paisajes urbanos o paisajes soleados californianos...

The reason why this architecture photographs so beautifully is the environmental consideration exercised by the architects. It was the sense that here we have beautiful canyons, hillsides, views of the ocean... Everyone loves these photographs because the houses are environmentally involved and this was before the emphasis on what everyone is calling â&#x20AC;&#x153;green... - Julius Shulman Los Angeles, November 2007

Architecturally Fashionable... Julius Shulman’s images pioneering the principles of design ...a master’s eye with a genius approach push into methodic professionalism the critical modernist epopea

To witness a post-Modern building on a sunny afternoon, the light hitting the windows in just the right way, is to experience the divine in the way that God, or at least the holy trinity of Robert A. M. Stern, Frank Gehry and Michael Graves, intended it. An architecture that relies on a uniquely represented exterior, often carrying over into the interior of the building, because of the desire to create an æsthetically pleasing surface. Laden with irony, surprise, contradiction and self-mockery, each unique building contains definitely an element of originality. The belief that “architecture is art” is the new mantra, replacing the out dated ideas of the Modernists that “form follows function”. Frank Gehry, an icon of post-Modern architecture, was once asked if he had any mentors or idols in the history of architecture. His reply was to pick up a Brancusi photograph on his desk... “Actually, I tend to think more in terms of artists like this. He has had more influence on my work than most architects. In fact, someone suggested that my skyscraper that won a New York competition looked like a Brancusi sculpture. I could name Alvar Aalto from the architecture world as someone for whom I have great respect and of course, Philip Johnson.” Distinctively structural and functional, yet non-formulaic the design elements of the buildings, consider the sensitivity of the environment, often not to the appreciation of all. What is post modern and iconic and sometimes ironic to some is just bricks and concete to others. Take for example the Mormons, a society not exactly well known for their avant gardist taste, when it was recently announced that a post-Modernist temple was to be designed in Lehi, Utah. Outraged that their church would no longer depict the drab, uniform, conformist buildings that they were used to, the temple has remained unused yet open since it’s contruction, proving that apparantly God cannot be worshiped anywhere. If Le Corbusier bridged the gap between abstract and expressive architecture, he as well bridged between the tectonic and sculptural approach to building. However, scratch the surface of any post modernist architecture and you will see that it reflects the “honesty” so often lamented in postmodernism. A hip irony for urban planners, that, according to scholars, “Postmodernism, by definition ...resists definition”.

The book Modernism Rediscovered, brought light for the first time on forgotten architectural masterpieces. Drawn from photographer Julius Shulman’s personal archives, the book pays pays tribute to residential and commercial buildings that had slipped from public view. His stunning photographs capture a rarely seen side of California Modernism; with his sharp eye for form and content, his intuitive timing and distinctive camera angles, he produced bold portraits of hundreds of modern structures beyond Los Angeles. Through Shulman’s lens, buildings become unique studies of mass, shadow, and light. Shulman has spent most of his life chronicling the masterpieces of modernism. As one of the leading architectural photographers of the 20th century, artist Julius Shulman developed a close association with the leading modernist architects of the 1950s and 1960s. What is being rediscovered in Moderism Rediscovered, is not Shulman’s work but a particular view on modernist architecture. Taken from originals, it makes Shulman’s depiction of L.A. modernism look startlingly fresh. This epic, three-volume retrospective has emerged from Shulman’s phenomenal back catalogue, a working archive of 260.000 prints, negatives and colour transparencies. Directed and produced by Benedikt Taschen, the long-time friend and publisher of Shulman’s work, this is a comprehensively chronological and beautifully produced, monument to a long career. The classic elements of a Shulman shoot are carefully posed models set against clean, streamlined furnishings and stunning vistas of cityscapes or sunburnt Californian landscapes... JULIUS SHULMAN. MODERNISM REDISCOVERED BY JULIUS SHULMAN, HUNTER DROHOJOWSKA-PHILP, OWEN EDWARDS PHILIP J. ETHINGTON AND PETER LOUGHREY - COURTESY TASCHEN

Si en el diccionario treccani en la definición de “lentejuelado” aparece Tom Ford… “El autor del case-history y de la success-story más clamorosa de la renovación de una marca de moda” - Michele Ciavarella leiweb.it - Oggi

¿La clave del éxito? “Anticipar lo que los clientes se esperan de Gucci, ser una especie de mediador entre nuestro tiempo y la gente. Personas que desean renovarse, ser especiales, fascinantes, seguras de sí mismas. Gucci tiene éxito porque ofrece un concepto de moda, no la moda por la moda. No mando nunca a la pasarela vestidos o accesorios cuya venta estoy seguro que será escasa, por muy efectistas que sean” (a Laura Dubini, Corriere della Sera 9/9/1996). Un crescendo hasta 2004, su último desfile en marzo, después deja el grupo “con gran tristeza, pero confiando en haber dejado uno de los equipos más fuertes del sector”. En 2005 anuncia su línea de hombre personal, la asociación con el Grupo Marcolin y la colaboración con Ermenegildo Zegna. Es su enésimo triunfo. Desde los perfumes chic, al cine, cuando funda la productora Fade to black y debuta como director con el film Un hombre soltero basado en la novela de Christopher Isherwood e interpretado por Colin Firth y Julianne Moore, en la que se narra la jornada de un profesor inglés homosexual que enseña en California. Desde 1986 mantiene una relación con el periodista inglés Richard Buckley. La carta de amor que Ford le dedicó en Vogue Paris en el número dedicado al estreno de su película ha hecho historia: “La primera vez que su mirada se encontró con la mía, tuve que girar la cabeza. No sé si fue porque sus ojos son tan peculiares y fascinantes, o porque se encendió una chispa entre nosotros. Los ojos de Richard tienen el color del agua. No son ni azules, ni grises, ni tampoco beige. Es uno de los seres más hermosos que he visto en toda mi vida”. En 2012 adoptaron un niño, Alexander John Buckley Ford, y viven los tres juntos en su rancho de Santa Fe junto con Angus e India, dos foxterriers de pelo liso que también aparecen en Un hombre soltero.

Tom Ford ¿La clave del éxito? Anticipar lo que los clientes se esperan, ser una especie de mediador entre nuestro tiempo y la gente Alessandro Di Giacomo

Thomas Carlyle Ford nació en 1961 en Austin (Texas). Conocido en todo el mundo como Tom Ford. A los 11 años se traslada con su familia a Santa Fe (Nuevo México), donde después construiría su mega-casa-rancho-mausoleo proyectada por el arquitecto estrella Tadao Ando); a los 17 se marcha a Nueva York. Estudia diseño en la Parsons School of Design e historia del arte en la Universidad de Nueva York. Son los años en los que frecuenta a Andy Warhol y la mítica discoteca Studio 54 (la leyenda sugiere que se inspiró en los personajes que llenaban el local corriendo después a dibujar bocetos en la cafetería de al lado). Antes del último año en la Parsons trabaja como becario en París durante seis meses en la oficina de prensa de Chloé. En 1986 se gradúa en arquitectura y entra a formar parte del equipo de la diseñadora Cathy Hardwick, en 1988 es contratado por Perry Ellis como Director de Diseño bajo la supervisión de Marc Jacobs. En 1990 inicia su aventura en la marca Gucci, entonces al borde de la bancarrota, primero como responsable de la ropa femenina ready-towear, y desde 1992 como Director de Diseño. A la firma florentina aporta sensualidad y una visión de la moda que refleja la cultura popular, evoca hedonismo y puntos que rompen todos los tabúes sobre el sexo y la sexualidad. Cuando en 1994 Gucci es comprada por Investcorp, Ford asciende a Creative Director, que será la última y esencial etapa que le permitirá llevar a la marca a su máximo apogeo. En 1995, insistiendo con su estilo sexy y elegante, con camisas de lo más chic, botas con barniz satinado con reflejos metálicos, pantalones que abrazan los costados, ropa casual con tacones de aguja, pana, raso, seda y tejidos de malla, Gucci y Ford entran juntos en la élite de la moda mundial. Desde entonces la marca florentina será asociada a todo lo que es sexy y chic. Sobre todo por el star-system mundial. Un salto increíble: de los 500 millones de 1995 la facturación asciende a 800 al año siguiente. Ya cotizando en bolsa, el título lanzado en octubre de 1995 a 22 dólares, se triplica 11 meses después, hasta llegar a 65. Un milagro de facturación y de imagen: “En América nunca hubiera podido hacer lo que he hecho con Gucci. En Italia hay numerosas y extraordinarias oportunidades no solo en cuanto a la calidad del trabajo sino también en las relaciones humanas”. Brillante, talentoso, con una visión sobre la estética y el arte sin parangón, intuye de forma increíble lo que gusta o lo que podrá gustar. Y lo que se venderá.

Fundamentales las campañas de comunicación de Gucci de los años 90, de las que se ocupa personalmente: “Mi papel desde el año 94 es multiforme. Yo mismo diseño y proyecto once colecciones con un equipo de diez asistentes. Cuido y controlo la imagen creativa de todos los aspectos de Gucci, de las campañas publicitarias, a las tiendas y los escaparates, pasando por el packaging. Tengo una visión global. Es un poco como si estuviese rodando una película o dirigiendo una orquesta”. La colección Otoño/Invierno de 1996 es su obra maestra. Smoking de terciopelo rojo, trajes a rayas femeninos, look andrógino… Una intensísima visión, perfecta fusión de glamour años 70 y modernismo italiano con toques de diseño clásico. Y pensar que en 1993 Gucci era una marca al borde de la quiebra… y en 2000 engloba ya a Yves Saint Laurent, convirtiéndose Ford en su Diseñador Jefe: “Históricamente, Gucci es Sophia Loren e Yves Saint Laurent, Catherine Deneuve. Ambas son sexys, pero Gucci es un poco más previsible respecto a Saint Laurent” (Tom Ford, citado en British Vogue, febrero 2001). “Lentejuelado”, según el diccionario “Treccani: “Neologismos (2008)”, es un adjetivo que significa “adornado con o recubierto de lentejuelas”. El laico [Tom] Ford se ha convertido en el indiscutido sacerdote del lujo propio cuando el credo minimalista empezó a hacer proselitismo. ¿Dominan las chicas y chicos lánguidos con ropa reducida a la mínima expresión? Él responde con el slip lleno de lentejuelas, los zapatos de cocodrilo, el tejano con diamante. Para hacer soñar, para hacer sonreír, sobre todo para vender: pasar inadvertido no es algo que agrade a todo el mundo (Gian Luigi Paracchini, Corriere della Sera, 30 de junio de 1998, pág. 15, Crónicas)”.

Look under the Italian word for “sequined” in the Treccani dictionary and you will find Tom Ford... The author of the most sensational case history and success story of the revival of a fashion brand - Michele Ciavarella leiweb.it - Oggi

The key to his success? “Anticipating what customers expect from Gucci, being a kind of intermediary between our time and the people. People who want to renew themselves, to be special, fascinating and self-confident. Gucci is successful because it offers a fashionable concept, not fashion for fashion’s sake. I never put dresses or accessories on the catwalk, even with impact, if they are sure to have low sales” (to Laura Dubini Corriere della Sera). A crescendo until 2004, his last show in March, after leaving the group “with great sadness, but we are confident in having left one of the strongest teams in the industry”. In 2005, he announced his personal men’s line, the partnership with the Marcolin Group and the collaboration with Ermenegildo Zegna. It was yet another triumph. From fragrances and accessories, to fashion and cinema, when he founded the production company Fade to black and debuted as a director with A Single Man, adapted from the novel by Christopher Isherwood, starring Colin Firth and Julianne Moore, which describes the day of a gay English professor teaching in California. Since 1986, he has been in a relationship with British journalist Richard Buckley and the love letter that Ford dedicated to him in Vogue Paris in the issue devoted to the premier of his film made history: “The first time his gaze crossed mine, I had to turn my head away. I don’t know if it was because his eyes are so unique and fascinating or because there was a spark between us. Richard’s eyes are the colour of water. Not blue, not grey, and not even beige. He is one of the most beautiful creatures I’ve ever seen in my life”. In 2012, they adopted a child, Alexander John Buckley Ford, and they all live together in their ranch in Santa Fe with Angus and India, two smooth-haired fox terriers that also appeared in the film A Single Man.

Tom Ford The key to his success...? Anticipating what customers expect, being a kind of intermediary between our time and the people

Thomas Carlyle Ford, born 1961 in Austin, Texas. Known worldwide as Tom Ford. At age 11, his family moved to Santa Fe, New Mexico, where later he built his mega-ranch-house-mausoleum designed by archi-star Tadao Ando and, at age 17, he flew to New York. He studied at the Parsons School of Design and Art History at New York University. These are the years spent around Andy Warhol and the legendary nightclub Studio 54, according to legend, he would take inspiration from the personalities who crowded the club and then run to sketch in the nearby café. Before his last year at Parsons, he did a six-month internship in the Chloé press office. In 1986, he received a degree in architecture and joined the staff of designer Cathy Hardwick and, in 1988, he went to Perry Ellis as Director of Design, under the supervision of Marc Jacobs. The year he began his adventure with the Gucci brand, then on the brink of bankruptcy, was 1990, first as the head of women’s ready-to-wear apparel and, from 1992 as Director of Design. To the Florentine company, he brought sensuality and a fashion vision that reflects popular culture, evokes hedonism and focuses on breaking every taboo of sex and sexuality. When Gucci was acquired by Investcorp in 1994, Ford rose to Creative director – the last essential piece that allowed him to make the brand explode. In 1995, continuing his sexy, elegant style with fashionable shirts, satinized patent-leather boots with metallic reflections, hip-hugging pants, casual dresses paired with high heels, and velvet, satin, silk and knitted fabrics, Gucci and Ford entered the elite worldwide fashion circles. From then on, the Florentine brand was associated with all that is sexy and chic, especially by the worldwide star system. The brand saw a huge leap in sales, from 500 million in 1995 to 800 million the following year. Listed on the stock exchange in 1995 at $22 dollars, in 11 months it tripled to 65. It was a sales and image miracle: “I could never have done what I did with Gucci in the United States.

In your country there are extraordinary and multiple opportunities not only in terms of the quality of work but also in human relations”. Brilliant, talented, with an unparalleled approach to aesthetics and art, he had an incredible intuition for what people like or could like – and for knowing what sells. Gucci’s communication campaigns in the 1990s, which he managed personally, were fundamental: “In 1994, my role was multifaceted. I designed and planned eleven collections with a team of ten assistants. I managed the creative image of all aspects of Gucci, from advertising campaigns to stores, windows and packaging. I had a global vision. It’s a bit like you’re shooting a film or directing an orchestra”. The Autumn/Winter 1996 collection was his masterpiece. Red velvet tuxedos, feminine pinstripes, an androgynous look: his was an intense vision, the perfect fusion of 70’s glamour and Italian modernism with a touch of classic design. In 1993, Gucci was a brand on the verge of collapse, in 2000 it absorbed non other than Yves Saint Laurent and Ford became Chief Designer: “Historically, Gucci is Sophia Loren, while Yves Saint Laurent is Catherine Deneuve. They are both sexy. It’s just that Gucci is a bit more obvious than Saint Laurent” (Tom Ford, quoted in British Vogue). From the Treccani dictionary: “[Neologisms (2008)]. Sequined, adj. Ornate, covered with sequins. The layman [Tom] Ford became the undisputed priest of luxury when the minimalist credo began to win converts. Are colourless girls and young men dominating fashion in clothing that is even too basic? He responds with sequined briefs, crocodile shoes and jeans with diamonds. To make you dream and smile, but especially to sell: passing unobserved is not a condition that pleases everyone (Gian Luigi Paracchini, Corriere della Sera)”.

The 2O15 Modernist Collection

MODERNIST FU photographed by Amedeo M.Turello

TURE 15

LESS ESTHETICS MORE ETHICS...

Explorar el pasado y todo lo bello que ha sabido crear para magnificar el presente y hacerlo extraordinario. Este es el mood de una colección basada en un hedonismo que transmite estabilidad y seguridad. El estilo y la belleza siempre permanecen, como las reglas de oro del pasado pueden transformarse en un elegante regreso al futuro. Es la celebración de un estilo sofisticado con sabor años 70, que recuerda una elegancia esencial, refinada y conceptual con el fin de recuperar un concepto de lujo hecho de detalles elegantes pero sencillos, y una riqueza nunca ostentada. Incluso Londres acaba de ensalzar el italian style en la muestra The glamour of Italian Fashion celebrada en el Victoria & Albert Museum, símbolo indiscutido del arte, la cultura y el lifestyle en el mundo. De la mujer andrógina y emprendedora de Giorgio Armani que ayer vestía Richard Gere en American Gigolo y hoy lo hace Leonardo Di Caprio en The Wolf of Wall Street, a los revers del avvocato Gianni Agnelli, los ojales de Mastroianni, las sandalias de Capri de Jackie Kennedy, hasta el neo-frac de Dolce & Gabbana… “La moda italiana es fundamental en la evolución de la indumentaria. No es solo pasado. Es presente y futuro” (Sonnet Stanfill, comisaria de la muestra). Un regreso al pasado que es el nuevo trend y el futuro de las colecciones de griffe italianas y extranjeras. Una sencillez refinada de líneas rigurosas, geometrías y androginia en trajes típicamente masculinos caracterizados por líneas simples y muy elegantes y siempre sensuales. En la colección Gucci Otoño/Invierno 2014/2015 vuelve un total-look con un sabor decididamente años 70. Abrigos de corte sastre y pantalones skinny, una androginia suave que reduce todavía más las diferencias entre los sexos. Una mujer moderna y más dedicada a la ética que a la estética, “Para gustar más a sí mismas que a los demás”, confirma la Directora Creativa Frida Giannini. Es una nueva vuelta de la marca florentina a los años 60 y 70, como ya hizo diez años antes Tom Ford, inspirándose en iconos masculinos y femeninos tanto de ruptura como Marianne Faithfull como burgueses véase Jackie Kennedy. La misma y elegante recuperación que propone con éxito Hedy Slimane para Yves Saint Laurent este invierno: una sensual malicia de formas lisas, trajes slim, pantalones pitillo, mini-dress de corte sastre. Y la vuelta del mítico tuxedo femenino pero sobre leggins negros y con un top con lentejuelas. Colores de tonalidades uniformes, saturadas y brillantes: negro, azul, rojo y naranja predominan sobre textures brillantes. Es la reconquista de una sencillez enriquecida con sensualidad y refinamiento también en la moda del cabello. Estilo austero y riguroso, cabezas con volúmenes pequeños, líneas limpias y formas compactas. Los cortes casi unisex expresan también ellos la androginia y se caracterizan por “nucas largas”, a pesar de una concentración de los volúmenes en la zona delantera y mechones laterales. El color de los nuances va desde el cobre “red” al rubio clarísimo pasando por el castaño; redescubriendo, también aquí, la saturación de los colores. Redescubrir, reclamar, valorizar. Son los mandamientos para un regreso a un pasado inmortal que continúa renovando a todo un siglo...

“Desde la postguerra y el progresivo resquebrajamiento del dogma según el cual una mujer refinada debía vestir a lo francés y un señor distinguido lucir el english-style, el estilo italiano ha cambiado el concepto de elegancia” - Gian Luigi Paracchini Style, aprile 2014

Color: NaYo 1007- NaYo 8.33 / MechĂ¨s: Lunex Ultra Cream Styling: AND Liss Spray 15 / Finishing: AND Heat Spray 25 - AND Vamp Spray 44 - AND Shine Spray 06

Since the post-war period and the progressive disintegration of the dogma that a sophisticated woman should dress in a French and a distinguished gentleman in an English style the Italian style has changed the concept of elegance... - Gian Luigi Paracchini Style, aprile 2014

Color: NaYo 6.5 - MechĂ¨s: Lunex Decap Super / Tonalizzazione: YoGreen 7.4 - Lunex Colorful Arancio Styling: AND Magic Serum 26 - AND Liss Spray 15 / Finishing: AND Heat Spray 25 - AND Satin Paste 32 - AND Vamp Spray 44

Color: NaYo 6.3 / MechĂ¨s: Lunex Decap Super / Tonalizzazione: YoGreen 7.2 Styling: AND Soft Cream 23 - AND Liss Spray 15 - AND Vol Foam 43 / Finishing: AND Heat Spray 25

To explore the past and all the beauty that it was able to create in order to magnify the present and make it extraordinary. This is the mood of a collection based on a hedonism that conveys stability and security. Style and beauty are eternal and, like the golden rules of the past, can be transformed into a stylish return to the future. It is a celebration of a sophisticated style with a 1970s flavour that recalls an essential, refined and conceptual elegance, to recover a concept of luxury made of simple but elegant details and wealth that is never ostentatious. Even London has just praised the Italian style in the show, The Glamour of Italian Fashion at the Victoria & Albert Museum, the undisputed worldwide symbol of art, culture and lifestyle. From Giorgio Armani’s androgynous, managerial woman, yesterday, he dressed Richard Gere in American Gigolo and, today, Leonardo Di Caprio in The Wolf of Wall Street, to Attorney Gianni Agnelli’s lapels, Mastroianni's button holes, Jackie Kennedy’s Capri sandals and Dolce & Gabbana’s neo-tuxedo... “Italian fashion is essential in the evolution of costume history. It is not just the past. It is today and tomorrow” (Sonnet Stanfill, Curator of the exhibition). A return to the past that is the new trend and the future of Italian and foreign designer collections. A refined simplicity of rigorous, geometrical and androgynous lines in typically masculine clothing characterized by simple, absolutely elegant and always sensual lines. The Gucci Fall-Winter 2014-2015 collection returns to a total-look with a strongly 1970s flavour. Tailored coats and skinny pants evoke a soft androgyny that reduces the differences between the sexes even further. Modern women are more dedicated to ethics than aesthetics, “to please themselves more than others”, said Creative Director Frida Giannini. It is also the Florentine brand’s return to the 1960s and 1970s, as Tom Ford did ten years ago, taking its inspiration from masculine and feminine icons, both break-away, such as Marianne Faithfull and bourgeois, see Jackie Kennedy. The same recovery of elegance successfully proposed this winter by Hedy Slimane for Yves Saint Laurent: a sensual maliciousness of smooth shapes, slim suits, cigarette pants and tailored mini-dresses. And the return of the legendary feminine tuxedo, but over black leggings and with a sequined top.

Colours with uniform, saturated and brilliant tones: black, blue, red and also orange predominating on shiny textures. It is a return to simplicity enhanced by sensuality and sophistication, even in hair fashion. An austere, rigorous style, small-volume heads with clean lines and compact shapes. Even the almost unisex cuts recall an androgyny characterized by “long necks”, despite a concentration of volumes in the front and side-swept bangs. Hair colour shades range from copper-red to light blond passing through chestnut, rediscovering colour saturation here as well. Rediscover, evoke, enhance. These are the commandments of a return to an immortal past that continues to renew an entire century...

Color: NaYo 6.3 / MechĂ¨s: Lunex Decap Super / Tonalizzazione: YoGreen 7.2 Styling: AND Soft Cream 23 - AND Liss Spray 15 - AND Vol Foam 43 / Finishing: AND Heat Spray 25

Color: NaYo 1007- NaYo 8.33 / MechĂ¨s: Lunex Ultra Cream Styling: AND Liss Spray 15 / Finishing: AND Heat spray 25 - AND Vamp Spray 44 - AND Shine Spray 06

Styling: AND Soft Cream 23 - AND Liss Spray 25 / Finishing: AND Satin Paste 32

Styling: AND Magic Serum 26 - AND Liss Spray 15 / Finishing: AND Gelwax 45 - AND Shine Spray 06

Color: NaYo 6.3 / MechĂ¨s: Lunex Decap Super / Tonalizzazione: YoGreen 7.2 Styling: AND Soft Cream 23 - AND Liss Spray 15 - AND Vol Foam 43 / Finishing: AND Heat Spray 25

Styling: AND Soft Cream 23 - AND Body Fluid 14 / Finishing: AND Hairshaper 63

Stylist : Antonio Bardini Hair Stylist : Pierre Baltieri, Luigi Martini Andrzej Kawulok and Primoz Kersic for Kemon Color Concept : Kemon Technical Team Make-Up Artist : Fabrizio Bertoneri Models : Carlo Barassi, Alessandro Dellâ&#x20AC;&#x2122;Isola Gus Drake, Ginevra Pardi, Eugeniya Vasina and Liliya Zalunina Location : Studio P12 and Boscolo Hotel - Milano

The Making-Of The Kemon Collection : Modernist Future and Modernist Ethnic 2015

The 2O15 Modernist Collection

MODERNIST ET photographed by Amedeo M.Turello

HNIC 49

...ONLY HE W H O D A R E S T R AV E L S

Colores y ambientes de la naturaleza, literatura de viajes y nomadismo de las pertenencias. A modo de definición: futurismo étnico. En el segundo mood de la colección The Italian Touch los signos arcaicos y casi primordiales se mezclan entre sí en un estilo que sabe a tradiciones revisitadas en clave moderna: elegantes y refinadas notas afroasiáticas, centroamericanas y zen son expresión de un nomadismo que trae a la mente el viaje y su sentido de libertad. Un mood que a primera vista puede parecer estar en contraste con el contexto contemporáneo 2.0, pero que es una perfecta amalgama que mezcla el aspecto más matérico e introspectivo del pasado con el más moderno y público del presente. Como si quisiéramos solemnemente afirmar que nos encontramos en los orígenes del futuro y ser su vanguardia y sus pioneros. Un regreso contemporáneo a lo arcaico, con Asia y África como protagonistas. Como en las últimas cruise de Chanel y en las colecciones de los clásicos como Hermès e Yves Saint Laurent: el mismo monsieur Yves visitó muchas veces Marruecos y estuvo en contacto con las tribus bereberes; un auténtico amor el suyo, por el continente africano, hasta tal punto que creó un Museo Beréber en el jardín Majorelle de Marrakech y recogiendo con su compañero Pierre Bergé una increíble colección de objetos antiguos, joyas y fotografías, que solo hace unos meses fueron los protagonistas de la última muestra parisina importante Femmes Berbères du Maroc organizada por su fundación. La misma África elegida como telón de fondo para sus espacios infinitos y “esa mezcla tribal tan cargada de estímulos” en la última campaña publicitaria del fotógrafo Steve McCurry para la línea de gafas Etnia Barcelona: un derroche de fantasía animalier, todo primeros planos de aborígenes con gafas de sol con la sabana como fondo: “África es el futuro” dice McCurry, eligiendo como localización para sus instantáneas la reserva natural de Lindberg Lodge, en Sudáfrica. El cruise de Chanel para la temporada Primavera/Verano 2015 es emblemático ya desde la localización seleccionada por Karl Lagerfeld: The Island de Dubai es puro futurismo étnico. Todos sentados sobre cojines en el suelo representando un contacto con los campamentos nómadas del desierto, pero en un edificio de lo más moderno y que domina el espectacular skyline del emirato. Detalles originales y excéntricos calibrados junto a otros de gran estilo, motivos floreales, accesorios, formas amplias y colores cálidos en un oriente siempre presente. También en el maquillaje de princesas árabes. “Mi idea de Oriente del siglo XXI es romántica, sin toques folclorísticos”, explica Lagerfeld, que de este modo continúa y desarrolla la anterior colección de este invierno, cruise presentado por el kaiser Karl en un supermercado, y especialmente rico en ideas para los peinados, con diferentes texturas y aplicaciones en estilo salvaje de trenzas y rastas. Mismo mood usado en la colección cruise Louis Vuitton Primavera/Verano 2015 firmada por segunda vez por Nicolas Ghesquière (y descrita como un retorno a los orígenes del lujo combinado con el concepto de viaje). Todavía más acentuado en Givenchy, donde formas, colores y fantasías tienen un fuerte sabor étnico: el amplio uso de pieles y abrigos de piel y la propuesta de cabellos con trenzas cruzadas entre sí son un viaje intercultural entre Japón, África y América. Una moda en búsqueda de influencias y estilos de las distintas culturas que han podido escapar de una globalización salvaje. De los vestidos a los peinados, pasando por los accesorios. Como Olivier Rousteing para Balmain en la próxima temporada Primavera/Verano: detalles en cuerda, collares étnicos inspirados en los masai, maxi-cinturones y pendientes estilo hip-hop con Rihanna testimonial. Diseño escultórico y viaje, colores de la tierra con matices orgánicos, tonalidades brillantes pero oscuras y de aspecto totalmente natural: es un trend de colores marrón oscuro, avellana, crema o rojo oscuro, los nuances más evidentes. También los accesorios, usados de manera casi excesiva, son una mezcla de materia bruta y superficies cromadas o en espejo, capaces de sintetizar el alma étnica y futurista del mood. Al igual que el make-up, gracias al uso extendido de halos en bronce, oro y plata. La moda del cabello en este sentido presenta un estilo menos riguroso y con más libertad de expresión y formas más libres. Las cabezas crean más volumen lateral o son alargadas, casi proponiendo turbantes de cabello o crestas mohicanas, y en algunos casos los peinados se caracterizan por trenzas y textures alternativas, casi salvajes, pero siempre elegantes. Los nuances de referencia son los rubios ceniza o hielo, los dorados y las tonalidades del castaño. Un constante retorno a los orígenes que mira al futuro, aunque no sin antes medirse con el mundo que nos rodea. Sobre todo con lo bello, libre e incontaminado que queda de él.

Color: NaYo 7.81 / MechĂ¨s: Lunex Ultra Cream / Toning: YoGreen 10.7 Styling: AND Liss Spray 15 / Finishing: AND Heat Spray 25 - AND Vamp Spray 44

Color: YoGreen 6.3 / MechĂ¨s: Lunex Ultra Cream / Toning: YoGreen 8.3 Styling: AND Magic Serum 26 - AND Haishaper 63 - AND Vol Foam 43 / Finishing: AND Vamp Spray 44

Styling: AND Body Fluid 14 / Finishing: AND Gelwax 45 - AND Shine Spray 06

Stylist : Antonio Bardini Hair Stylist : Angelo Labriola, Fabrizio Pandolfi Federica Trerè and Renè Wagner for Kemon Color Concept : Kemon Technical Team Make-Up Artist : Fabrizio Bertoneri Models : Silvia Bella, Annalisa Blaha Ivany Guzman, Kinga Mikos Valeria Sardone and Zach Vickers Location : Studio P12 and Straf Hotel - Milano

Color: Lunex Ultra Cream / Mechès: NaYo 10.78 / Toning: YoGreen 10.1 + 10.7 Styling: AND Magic Serum 26 - AND Liss Spray 15 / Finishing: AND Heat Spray 25 - AND Satin Paste 32

Colours and moods of nature, travel literature and nomadic identity. In a definition: ethnic futurism. In the second mood of The Italian Touch collection, archaic, almost primordial notes are combined in a style characterized by traditions reinterpreted in a modern key: elegant and refined Afro-Asiatic, Central American and Zen references are the expression of a nomadic lifestyle that recalls travel and its sense of freedom. A mood that, at first glance, may seem at odds with the contemporary context 2.0 but that is, instead, a perfect blend that combines the most material and introspective aspect of the past with that most modern and public of the present. A desire to proclaim that we are at the dawn of the future, pioneers in the vanguard. Asia and Africa are the stars in this contemporary return to the archaic. The Chanel cruise for Spring-Summer 2015 is already emblematic due to the location selected by Karl Lagerfeld: The Island in Dubai is pure ethnic futurism. All sitting on cushions on the floor in contact with nomadic encampments in the desert, but in an ultra-modern structure dominating the spectacular skyline of the Emirate. Original and eccentric details calibrated to particular elements of great style, floral motifs, accessories, broad shapes and warm colours in an East that is always present. Even in the exotic Arabian princess makeup. â&#x20AC;&#x153;My concept of the 21st-century orient is romantic, without folkloristic touchesâ&#x20AC;?, says Lagerfeld, who thus continues and develops the previous collection of this winter, the cruise collection presented by Lagerfeld in a supermarket that turned the spotlight on a wealth of hairstyle ideas, looks of different textures and applications in a wild style of small braids and dreadlocks. The same mood is reprised in the cruise collection from Louis Vuitton for Spring-Summer 2015, designed for the second time by Nicolas GhesquiĂ¨re (described as a return to the origins of luxury combined with the concept of travel). It is even more pronounced in Givenchy, where the shapes, colours and patterns have a strong ethnic flavour: the extensive use of leather and fur and hairstyles featuring crossed braids are an intercultural journey through Japan, Africa and America. It is fashion searching for influences and styles from the various cultures that have escaped from a savage globalization. From clothes to hairstyles and accessories. Like Olivier Rousteing for Balmain next Spring-Summer: Details in string, ethnic necklaces inspired by the Masai, maxi-belts and hip-hop style earrings (with a Rihanna testimonial). Sculptural design and travel, earth colours with organic highlights, brilliant but dark tones and an entirely natural look: it is a trend with dark browns, hazelnut, cream or dark red being the most obvious colours. Even the accessories, used almost excessively, are a mix of raw materials and chromed or mirror surfaces, and thus able to synthesize the ethnic and futuristic soul of the mood. Along with the make-up, thanks to extensive use of bronze, silver and gold halos. In this sense, the hair fashion presents a less rigorous style with more freedom of expression and freer forms. The heads create more side volume or are elongated, almost recreating hair turbans or Mohican crests and, in some cases, defined by small braids and wild but very elegant alternative textures. Hair colours include ash or ice blonde, golds and shades of brown. A constant return to the origins that looks to the future, but not before being compared with the world that surrounds us. Especially the free and pristine beauty that remains...

Color: Lunex Ultra Cream / MechĂ¨s: NaYo 10.78 / Toning: YoGreen 10.1 + 10.7 Styling: AND Magic Serum 26 - AND Liss Spray 15 / Finishing: AND Heat Spray 25 - AND Satin Paste 32

Styling: AND Tonic Cream 33 / Finishing: AND Vol Powder 42 - AND Vamp spray 44

Color: YoGreen 6.3 / MechĂ¨s: Lunex Ultra Cream / Toning: YoGreen 8.3 Styling: AND Magic Serum 26 - AND Haishaper 63 - AND Vol Foam 43 / Finishing: AND Vamp Spray 44

Styling: AND Tonic Cream 33 / Finishing: AND Vol Powder 42 - AND Vamp spray 44

Styling: AND Magic Serum 26 / Finishing: AND Vamp Spray 44

Styling: AND Body Fluid 14 / Finishing: AND Gelwax 45 - AND Shine Spray 06

Styling: AND Magic Serum 26 / Finishing: AND Vamp Spray 44

Color: NaYo 7.81 / MechĂ¨s: Lunex Ultra Cream / Toning: YoGreen 10.7 Styling: AND Liss Spray 15 / Finishing: AND Heat Spray 25 - AND Vamp Spray 44

Styling: AND Body Fluid 14 / Finishing: AND Gelwax 45 - AND Shine Spray 06

Color: YoGreen 6.3 / MechĂ¨s: Lunex Ultra Cream / Toning: YoGreen 8.3 Styling: AND Magic Serum 26 - AND Haishaper 63 - AND Vol Foam 43 / Finishing: AND Vamp Spray 44

Styling: AND Tonic Cream 33 / Finishing: AND Vol Powder 42 - AND Vamp spray 44

PHOTO COURTESY MARIO TRAVE

Mi carrera ha seguido una trayectoria inversa respecto a la norma, ya que empecé como un pequeño capitalista desagradable en una gran empresa en la que conseguí consolidarme de forma extraordinaria, haciendo la pelota, y de repente, cuando cumplí los veinticinco años, me di cuenta de que odiaba cada instante de mi vida. Tenia que encontrar otro camino... - Bruce Chatwin

Bruce Chatwin No transmito impresiones, solo cosas vistas... Alessandro Di Giacomo

“La verdadera casa del hombre no es una casa, es la carretera. La propia vida es un viaje para hacer andando”. Bruce Chatwin nace en 1940, en plena Segunda Guerra Mundial, en el seno de una familia acomodada de Sheffield (Inglaterra). Ya de niño manifiesta gran interés por la geografía y la literatura. Acabada la secundaria, no continúa con los estudios y empieza a trabajar con éxito en Sotheby’s. De este modo, Bruce Chatwin abandona su trabajo de experto en arte expresionista y empieza a viajar por el mundo con un cuaderno Moleskine y una cámara fotográfica. “El único y verdadero viaje hacia lo desconocido no consiste en buscar nuevos paisajes, sino en tener unos ojos nuevos” (Marcel Proust). Cuenta que una mañana, cuando todavía trabajaba en Sotheby’s, se despertó ciego a causa de tanto arte, como si de un síndrome de Stendhal de ceguera se tratase. Un oculista le tranquilizó diciéndole que en sus ojos no había ningún problema, aconsejándole, eso sí, de que no observara los cuadros tan de cerca y que dirigiera su mirada hacia el “horizonte”. En 1973 es contratado por el Sunday Times y empieza a viajar por el mundo. Y ya nunca más dejaría de hacerlo. “¿Por qué me pongo tan nervioso cuando llevo un mes en el mismo sitio, e insoportable cuando llevo dos?” (en L’alternativa nomade - Lettere 1948-1989). Se trata del malestar por quedarse estático y por la rutina, contrapuesto a una inédita ligereza en la descripción de lugares y personas. “No me llaméis escritor de viajes, yo no transmito impresiones, solo cosas vistas”. Narrando el alma y la esencia de las cosas, con su rostro de Che Guevara blanco, la fascinación del vagabundo y la muerte joven, pronto se convertirá en un mito. Y con él vuelve a estar en auge de forma impetuosa la literatura de viajes: Afganistán y África, Australia, Tíbet, China, Unión Soviética, Australia… Viaja por el mundo demostrando una gran facilidad -y felicidad- a la hora de escribir. Sus reportajes son al mismo tiempo reflexiones interiores, diarios y análisis antropológicos. Explorador, etnólogo, antropólogo, fotógrafo, arqueólogo y periodista, a Chatwin se le ha amado no solo por lo que ha escrito, sino por la felicidad con la que lo ha escrito. Cuando entrevista en París a la arquitecta Eileen Gray observa en su despacho un mapa de la Patagonia. “Siempre he querido ir allí”, le dice. “Yo también”, le responde ella, “vaya usted en mi lugar”. Parte inmediatamente y de aquellos seis meses en Sudamérica saldrá la narración-símbolo de todos los viajes, En Patagonia, su primer libro que es a la vez novela, ensayo filosófico y crónica, todavía hoy un best-seller (desde entonces centenares de reediciones y millones de ejemplares vendidos en todo el mundo). Una escritura muy potente, que al mismo tiempo es narración, historia, antropología y reportaje fotográfico. Dandy y místico, su existencia fue siempre inquieta y teniendo siempre a los nómadas como referente, casi como una obsesión: “Lo que más me interesaba eran los individuos inclasificables arqueológicamente, los nómadas, que habían dejado huellas en el terreno y no habían construido pirámides”. Amante de una vida vagabunda y moderno juglar, en sus relatos se inspiraba en las tradiciones y en el pasado para crear mitos futuros, como vemos en los títulos de sus obras: Los trazos de la canción, Anatomía de la inquietud, ¿Qué hago yo aquí?... “Auténtico oxímoron viviente: gay casado, nómada muy vinculado a Londres, primogénito de un modesto abogado de Birmingham que quiso ser ciudadano del mundo, coleccionista de todo y propietario de nada, austero y excesivo, solitario y sociable, indiferente a las incomodidades del desierto y sin embargo enamorado de las batas de seda, cómodo con su mochila y a veces acompañado de equipajes que Murray Bail comparaba con los de Greta Garbo, cantor de los desheredados de la tierra y al mismo tiempo amigo de los Guggenheim, laborista y enamorado de la heráldica” (Francesco Battistini, Sette). Enfermo de sida a finales de la década de los 80, en los últimos meses de su vida se traslada a Niza, donde muere a la temprana edad de 48 años. Así lo recuerda el escritor iraní Salman Rushdie en su funeral, el mismo día que contra él se dictó la fatwa de Jomeini por sus Versos satánicos: “Habíamos atravesado juntos Australia, le envidiaba la idea de leer los caminos como una partitura, comiendo muchos espaguetis con la Iliada y la Odisea de fondo”. “No es un escritor sino un estado de ánimo que se convirtió en mochila de cuero, pies, ojos y visión del mundo” (Marcello Veneziani, Il Giornale). Viaja solo quien se atreve a hacerlo.

PHOTO COURTESY MARIO TRAVE

My career was the reverse of most peopleâ&#x20AC;&#x2122;s in that I started as a rather unpleasant little capitalist in a big business in which I was extremely successful and smarmy and suddenly I realized at the age of 25 or so that I was hating every minute of it I had to change... - Bruce Chatwin

Bruce Chatwin i don’t report impressions, only what I saw...

“Man’s real home is not a house, but the Road, and that life itself is a journey to be walked on foot”. Bruce Chatwin was born in 1940, in the middle of the Second World War, into a wealthy Sheffield, England family. From an early age, he demonstrated great interest in geography and literature. After college, he abandoned his studies and began a successful career at Sotheby’s. So Bruce Chatwin abandoned his job as an expert in expressionist art and began to travel the world with a Moleskin notebook and a camera. “The only real voyage of discovery consists not in seeking new landscapes, but in having new eyes” (Marcel Proust). Almost like Stendhal’s syndrome with blindness, when he was still working for Sotheby’s, he said that he woke up one morning blind due to so much art and an ophthalmologist reassured him: there was nothing wrong with his eyes, advising him to stop looking at paintings from so close and to look, instead, towards the “horizon”. In 1973, the Sunday Times hired him and he began to travel the world, without ever stopping. “Why do I become restless after a month in a single place, unbearable after two?” (in The Nomadic Alternative - Letters 1948-1989). The discomfort of immobility and routine opposed to an unprecedented lightness in the description of places and people. “Don’t call me a travel writer, I do not report impressions: only what I’ve seen”. Writing of the soul and essence of those things seen, with his face of a white Che Guevara, the charm of a young vagabond and, because of his early death, he soon became a legend. And with him, travel literature came forcefully back in vogue: Afghanistan, Africa, Australia, Tibet, China, the Soviet Union. He travelled the world writing with great ease and contentment: his reports are, at the same time, inner reflections, diaries and anthropological analysis. Explorer, ethnologist, anthropologist, photographer, archaeologist and journalist, Chatwin was loved not only for what he wrote, but also for the contentment with which he wrote it. When he interviewed architect Eileen Gray in Paris, he noted a map of Patagonia in her studio. “I’ve always wanted to go there", he said. “Me, too”, she replied, “Go there in my place”. He left immediately and his six months in South America produced a story-symbol of all journeys. In Patagonia, his first book, novel, philosophical essay and guide all in one, is still a best-seller today, since then hundreds of reprintings and millions of copies sold worldwide. A very powerful document that combines narrative, history, anthropology and photographic reportage. A dandy and mystic, his was a restless existence modelled on nomads, almost an obsession: “What interested me most were the individuals who escaped archaeological classification, the nomads, who left traces on the land and didn't build pyramids”. A lover of the wandering life and modern storyteller, his stories drew on the traditions and myths of the past to create the future. Even in the titles of his works: The Songlines, Anatomy of Restlessness, What am I doing here? “A living oxymoron: a gay man who got married, a nomad tied to London, the eldest son of a small Birmingham attorney who wanted to be a citizen of the world, a collector of everything and owner of nothing, austere and excessive, solitary and gregarious, indifferent to the discomfort of the desert yet crazy for silk dressing gowns, comfortable with his backpack and sometimes accompanied by luggage that Murray Bail compared to those of Greta Garbo, singer of the last of the earth and in the meantime a friend of the Guggenheims and a Labourite with a passion for heraldry” (Francesco Battistini, Sette). He fell ill with AIDS at the end of the 1980s and spent the last months of his life in Nice, where he died at the age of 48. This is how he was remembered by the Iranian writer Salman Rushdie at his funeral, the same day the Ayatollah Khomeini issued a fatwa against him for his Satanic Verses: “We crossed Australia together and I envied his idea of reading the paths like a score, so many strands of spaghetti of the Iliad and Odyssey”. “He is not a writer but a state of mind that is made of a leather backpack, feet, eyes and a vision of the world" (Marcello Veneziani, il Giornale). Only he who dares, travels.

The eternal lightness of the material

“The sculptor Giuseppe Capitano controls his tools with his mind but without suppressing the inner breath that regulates their operation. The young artist understands that the house of sculpture defines its perimeter on the front of surface. Here are gathered all the thicknesses, inner eyes, interstices and secret corners that denote the spatiality and temporality of the dwelling of art” (Achille Bonito Oliva).

Giuseppe Capitano was born in Campobasso in 1974. He mainly works using natural materials and techniques, modelling beautiful sculptures from hemp, sometimes with stone or marble, and often draws on paper. One evident personality trait is the importance of staying on a level of emotion and truth: “If something moves you, it is close to you”. His many exhibitions include a one-man show at the Mart - Museum of Contemporary Art of Trento and Rovereto, and a group show at the 54th Venice Biennale of Contemporary Art for the 150th anniversary of the Unification of Italy. An artist, he has his studio in Rome, where he lives in the San Lorenzo district. In the beginning, used as a “hairstyle”, then came all the rest: “Hemp is a material that I began to use as hair on the sculpture of a head, so I began to work it like a surface”. The great critic Achille Bonito Oliva defines his work “A visible house, Capitano's psycho-mental sculpture does not refuse to live in it and does not evacuate the material”. The parrot, wolf, heads, hair, the hand that holds the threads of fate, the leaf ... Metal structures covered with hemp, the real skin of his works, which are never standardized because “Each work stands on its own. Uniqueness is essential because only uniqueness contains the gesture. A repeated gesture is debased, drained”. While, in his sculptures, the touch is always harmonious, but slightly controlled.

Light, as in Something Yellow, his exhibition at the Mart in Rovereto, sculptures and installations that are formed by the union of two elements, “one that represents a broader, non-human, time scale, marble; the other, lemon, a seasonal fruit, as the precariousness of becoming. The union of these two elements subverts a primary temporality, which is that of permanence. Only what is harder remains; and with this, I would like to symbolize the fact that life wins over non-life, the organic over the inorganic”. To gently remember the value of existence: “We weigh things in terms of non-life, but instead life and temporality are a value”. The magic of the work of art as a necessity for the artist, in his case “comes from the utopian need to give life to inanimate objects. Every artist is an alchemist, even the painter who touches the pigments, behind a work, there is always a process of transformation. And this transformation is even more interesting when it is not a story, but it manifests itself as an effect, a result, and not as a route of arrival”. In this way, Giuseppe Capitano lives the genesis and labour of his works and, by using simple materials that evoke a world that is archaic and modern at the same time, lightly moulds them, harmonizing them to his soul and our contemporary world. “Everything is built by hand, with the distances of a hand able to implicate the gaze. Symmetry and proportion governing the system, highlighting the existence of a gentle design that accompanies the executive process. The body and the mind preside over the foundation of this sculpture. Which has body and concept” (Achille Bonito Oliva). Form and substance in the perfect harmony that is created between his works and the environment in which they are located. Exposed there to be admired.

Giuseppe Capitano La eterna ligereza de la materia Alessandro Di Giacomo

“El escultor Giuseppe Capitano controla con la mente sus herramientas pero sin reprimir la respiración interna que regula su funcionamiento. El joven artista entendió que la casa de la escultura desarrolla su perímetro en la frontalidad de la superficie. Aquí aumentan todos los espesores, los ojos internos, los intersticios y los ángulos secretos que denotan espacialidad y temporalidad de la morada del arte” (Achille Bonito Oliva). Giuseppe Capitano nace en Campobasso en 1974. Trabaja preferentemente utilizando materiales y técnicas naturales, modela espléndidas esculturas de cáñamo, a veces combinando con piedra o mármol, y suele dibujar sobre papel. Un rasgo evidente de su personalidad es la importancia de mantenerse siempre en un plano emocional y auténtico: “Si una cosa te emociona está cercana a ti”. De entre las muchas exposiciones suyas, hay una muy personal en el Mart - Museo de Arte Contemporáneo de Trento y Rovereto, y una colectiva en la 54 Bienal de Arte Contemporáneo de Venecia para el 150 aniversario de la Unidad de Italia. Artista que tiene su estudio en Roma, donde vive en el barrio de San Lorenzo. En principio era un “peinado”, después llegó todo el resto: “El cáñamo es un material que empecé a usar a modo de cabello en la escultura de una cabeza, así comencé a trabajarlo como superficie”. El gran crítico Achille Bonito Oliva define sus obras así: “una casa a la vista, la escultura psico-mental de Capitano no renuncia a habitarla y no evacua la materia”. El loro, el lobo, las cabezas, las melenas, la mano que gobierna los hilos del destino, la hoja … Estructuras de metal revestidas de cáñamo, la verdadera piel de sus trabajos que nunca son de serie, porque “cada obra es única. La unicidad es fundamental porque solo ella contiene el gesto. El gesto repetido es menospreciado, vaciado”. En cambio en las esculturas el toque es siempre armónico, controlado pero leve.

Ligero como en Qualcosa di Giallo, su muestra en el Mart de Rovereto es escultura e instalaciones que toman forma gracias a la unión de dos elementos, “el uno, que representa una escala temporal más amplia, no humana, el mármol; la otra, el limón, un fruto estacional, como la precariedad del devenir. La unión de estos dos elementos subvierte una temporalidad elemental que es la de la permanencia. Permanecería solo lo que es más duro; y con esto querría simbolizar el hecho de que la vida vence a la no-vida, lo orgánico a lo inorgánico”. Recordar con dulzura el valor de la existencia: “Pesamos las cosas en función de la no-vida, pero en cambio la vida y la temporalidad son un valor”. La magia de la obra de arte como necesidad para el artista, en su caso “nace de la necesidad utópica de dar vida a objetos inanimados. Cada artista es un alquimista, también el pintor que toca los pigmentos, detrás de una obra hay siempre un proceso de transformación. Y esta transformación es aún más interesante cuando no es relato, sino que se manifiesta como efecto, resultado, y no como trayectoria de llegada”. Giuseppe Capitano vive así la génesis y el trabajo de sus obras, y utilizando materiales sencillos representativos de un mundo arcaico y moderno al mismo tiempo, los modela con ligereza armonizándolos con su ánimo y con el nuestro contemporáneo. “Todo se construye a mano, con las distancias de una mano capaz de implicar la mirada. Simetría y proporción rigen la instalación, evidencian la existencia de un proyecto dúctil que acompaña el proceso ejecutivo. El cuerpo y la mente presiden la fundación de esta escultura. Que tiene cuerpo y concepto” (Achille Bonito Oliva). Forma y sustancia, en la perfecta armonía que se crea entre sus obras y el lugar donde se colocan. Expuestas allí para dejarse admirar.

Hotel Straf El elegante fusión de diseño italiano y el arte contemporáneo

“Desvincularse de la habitual impersonalidad de los hoteles de serie”, una de las exigencias que ha guiado al arquitecto y diseñador de interiores Vincenzo De Cotiis a la hora de idear, concebir y realizar el hotel Straf de Milán. El set de la sesión fotográfica del segundo mood de la colección The Italian Touch no solo es un espacio elegante y futurista, sino la perfecta fusión entre arte y diseño contemporáneo en un complejo hotelero de lujo. “Imagino al Straf casi como una instalación, un concept del que partí para elegir los materiales de las múltiples referencias a corrientes artísticas contemporáneas como el Arte Povera (“Arte Pobre”), mientras que el modo de tratarlas pertenece a una metodología proyectística profundamente ligada a la ética/estética que deriva de la reutilización y la recolocación en nuevos contextos, de objetos y componentes de recuperación”, así De Cotiis describe su particular atmósfera. Con interiores minimalistas, ambientes con pocos elementos pero de gran efecto y un alto nivel artesano en espacios y mobiliario, el hotel Straf se acerca inevitablemente a una obra de arte por su carácter único y exclusivo. Los materiales combinados según dos líneas principales, en pizarra o en cemento combinado con latón bruñido, con la presencia de paredes y espejos que multiplican virtualmente los espacios, haciendo de perfecto fondo al mood étnico-futurista de la colección. De este modo, el cemento utilizado para escaleras y pavimentos, el latón oxidado, la pizarra cortada de forma irregular, las gasas envejecidas y arrancadas a mano recordando casi las obras de Alberto Burri, regalan una atmósfera cálida a pesar de los materiales duros y de procedencia industrial. Porque cada detalle, cada acabado, es sometido a sofisticados procesos. Una joya al alcance de todos, un espacio con el Bar Straf todavía más abierto hacia la ciudad, ventana moderna hacia Milán y Europa con el cartel plagado de exposiciones y muestras, instalaciones y dj-set. Piezas de recuperación como la gran lámpara en plexi verde-manzana años 70, paneles perfilados en fibra de vidrio reciclada con lentes ópticas engastadas, taburetes y sofás vintage en piel marrón conviven en un ambiente siempre vivo y vibrante, decididamente con una vocación internacional y con detalles estilísticos sublimes. Una obra de arte que responde perfectamente a la necesidad de un usuario sin prejuicios y que quiere encontrarse a gusto en un ambiente sofisticado: cada luz, cada color, cada material del Straf de Milán ha sido estudiado para crear una atmósfera única. Personas y espacios, volúmenes, ambientes. Como en una instalación de arte contemporáneo.

“Breaking free from the impersonal standardization of hotels”, was one of the requirements that guided architect and interior designer Vincenzo De Cotis in conceiving, designing and building Straf Milan. The shooting set of the The Italian Touch collection is not only an elegant and futuristic space, but the perfect fusion between art and contemporary design with a luxurious hospitality structure. “I imagine the Straf as almost an installation, a concept from which I started for the choice of materials, with multiple references to modern art movements such as Arte Povera, while the way of processing them belongs to a design methodology deeply linked to the ethics/aesthetics that derives from the reuse and relocation in new contexts of recovered objects and components”. This is the way that De Cotis describes its particular atmosphere. Featuring minimal interiors, environments with few very impactful elements and high craftsmanship of spaces and furnishings, the Straf can inevitably be qualified as a work of art for its uniqueness and exclusivity. Materials combined according to two main concepts, slate or cement in combination with burnished brass, as well as walls and mirrors that visually multiply the size of spaces, are the perfect backdrop to the ethnic-futuristic mood of the collection. The cement used for stairs and floors, the oxidized brass, the cut and split slate, and the gauze, aged and hand-torn as if to recall the works of Alberto Burri, create a warm atmosphere despite the hard, industrial materials. Because every detail, every finish, has undergone sophisticated processing. This jewel is accessible to all and, with the Straf Bar, the space is even more open to the city, a trendy window on Milan and Europe with a full program of shows, installations and DJ sets. Recovered pieces like the large, apple-green, 1970s chandelier, the panels moulded from recycled fibreglass with embedded optical lenses, and the vintage brown leather stools and sofa coexist in an atmosphere that is always lively and vibrant, with a decisively international vocation and peaks of lofty style. It is a work of art that responds perfectly to the needs of evolved consumers who want to feel at ease in a sophisticated environment. In fact, every light, colour and material used in Straf Milan is designed to create a unique atmosphere. People and spaces, volumes, environments. Like a contemporary art installation.

Boscolo Milano Cinco estrellas se nace tendencia se hace...

“Una simple historia de amor en la ciudad de los sueños”. Tal como el director David Lynch describe su obra maestra Mulholland Drive, así la localización del primer mood de la primera colección The Italian Touch hace de telón de fondo a un elegante shooting fotográfico en otro espacio, que funde la elegancia y el arte con el italian style. Parece que no estemos en Milán sino en el Los Ángeles de David Lynch o retratados en un trabajo de Cheyco Leidman. Boscolo Milano – Autograph Collection by Marrott dicta una nueva relación entre lujo y contemporaneidad, proyectado como referencia y punto de encuentro; el 50 % de sus espacios es público, casi como si la metrópolis se fundiese en su interior. No tiene dos habitaciones iguales entre sí. Estilo, arte y diseño italiano en corso Matteotti y en el corazón del cuadrilátero de la moda milanesa, a dos pasos de vía Montenapoleone y vía della Spiga, Boscolo no solo es el clásico hotel de cinco estrellas: cocina chic abierta las 24 horas del día, spa hasta medianoche, una zona destinada a muestras y exposiciones artísticas. Líneas refinadas, colores cálidos, atmósfera cool. Nacido del plano de remodelación de Italo Rota de un edificio de los años 20, la suya es una vocación de contemporary hotel que amplía la clásica perfección de un espacio de lujo, expresando una concepción innovadora de la relación entre bello y contemporáneo. Lugar de encuentro y comunicación, sus dos grandes ventanales hacia la calle son una puerta abierta a la ciudad como localización principal de las más prestigiosas iniciativas culturales y de tendencia en la Milán de la moda y del diseño, de las líneas rigurosas de Armani y sexual-chic de Gucci. Se lee nada más abrir su página web, “Cinco estrellas se nace”. Tendencia se hace.

“A simple love story in the city of dreams”. Director David Lynch’s description of his masterpiece Mulholland Drive is fitting for the location that served as the backdrop for the elegant photo shoot of the The Italian Touch collection, a different place that blends elegance, art and Italian style. It doesn’t feel like we’re in Milan, though, but in David Lynch’s Los Angeles or in a Cheyco Leidmann portrait. Boscolo Milan - Autograph Collection by Marriott dictates a new relationship between luxury and contemporaneity. Designed as a reference and meeting point, 50% of its space is public. It’s almost as if its interior is the continuation of the metropolis. No two rooms are the same. Style, art and Italian design on Corso Matteotti and in the heart of Milan’s fashion district, a stone’s throw from Via Montenapoleone and Via della Spiga, Boscolo is not just the classic five-star hotel. The chic kitchen is open 24 hours a day, the spa until midnight and there’s an area for shows and art exhibitions. The lines are refined, the colours warm, the atmosphere cool. Created out of Italo Rota’s renovation of a building built in 20’s, its vocation is to be a contemporary hotel that extends the classic perfection of a luxury space, expressing an innovative concept of the relationship between what is beautiful and what is contemporary. A place for meeting and communication, the two large windows overlooking the street are an open gateway to the city as the top location of the most prestigious cultural initiatives and trends in the Milan of fashion and design, the Milan of Armani’s rigorous lines and Gucci’s sexual-chic.

Kemon y Wild Beauty AG La profesionalidad del estilo italiano que gusta a los alemanes

Wild Beauty AG, empresa alemana que distribuye en Alemania las marcas líder dedicadas al mercado profesional de la peluquería, es socia desde hace algunos años de la Asociación Central de Peluquería Alemana. Esta colaboración se ha enriquecido desde que también Kemon se ha incorporado a la lista de marcas prestigiosas que forman parte de la cartera de Wild Beauty AG. La decisión de incluir a Kemon entre sus socios comerciales se debió al reconocimiento del mérito de la empresa italiana a la hora de desarrollar y fabricar productos profesionales, con altos niveles de calidad, tanto desde el punto de vista del rendimiento como de la sostenibilidad. Pero eso no es todo, Wild Beauty AG ha decidido también cooperar con Kemon porque en Alemania están seguros de que esta nueva colaboración garantizará que los peluqueros alemanes aumenten su profesionalidad, gracias a lo que se ha definido como un excelente sistema de formación estilístico, técnico y de gestión del salón de peluquería. Noah y Reinhold Wild expresaron a Rainer Röhr (presidente de la Asociación Central de Peluquería Alemana) su entusiasmo por continuar con la colaboración con esta importante asociación, gracias al nuevo impulso aportado por Kemon en cuanto a profesionalidad y estilo. El propio Röhr ha dicho estar muy satisfecho, considerando a Kemon como un socio estratégico que está en condiciones de ofrecer altos niveles de calidad e innovación: una combinación perfecta capaz de garantizar un soporte especial a todos los peluqueros alemanes.

Wild Beauty AG, a German company that distributes the leading brands for professional hairstylists in Germany, has been a partner of the Central Association of German Hairstylists for several years. This partnership was further enhanced when Kemon was added to the prestigious brands in Wild Beauty AG’s portfolio. The decision to include Kemon among its trading partners was dictated by the fact that it recognized the Italian company’s ability to develop and produce professional products to high quality standards in both performance and sustainability. In addition, Wild Beauty AG chose to work with Kemon because they are confident that this new partnership will help German hairstylists increase their professionalism, thanks to what has been called an excellent system of stylistic, technical and salon management training. Noah and Reinhold Wild told Rainer Röhr, President of the Central Association of German Hairstylists, of their enthusiasm for continuing to work with this important association, strengthened by the new life brought by Kemon in terms of professionalism and style. Röhr himself said he was very pleased and considered Kemon a strategic partner that can bring a high standard in the areas of quality and innovation: the perfect mix that will be a real support to all Germans hairstylists.

Kemon Days Las dos jornadas temáticas, con grandes muestras de diseñadores italianos e internacionales... Kemon Marketing

Espectáculos, música, desfiles y nuevas tendencias entre el Palacio de Congresos de Riccione y la discoteca Altromondo. El 30 y 31 de marzo pasados, la Riviera Romagnola volvió a albergar los Kemon Days, desde hace casi veinte años un evento único en su género: dos jornadas temáticas y los shows de grandes hair-stylist italianos e internacionales en el escenario y por sorpresa, durante el party, la “atípica” presentación de la Evolution Collection The Italian Touch con la que se profundizó para la temporada Primavera/Verano 2014 en el trend Grunge ya presentado en la Master Collection el pasado mes de septiembre. Mil personas involucradas entre espectadores, equipo, espectáculos y organizadores; huéspedes llegados de Europa, Asia, Oriente Medio y Extremo Oriente; casi diez horas de espectáculo en el escenario del Palacio de Congresos de Riccione alternados con la party del domingo por la noche en la discoteca Altromondo Studio’s. Estos son solo algunos números de la 19 edición de los Kemon Days, un éxito de público y espectáculo que nuevamente llevó a la Riviera Romagnola la excelencia del hair styling italiano de Kemon frente al mundo, el evento empresarial más importante del año, que emplazará a todos para su cita del año 2015, que será la edición del veinte aniversario: dos décadas de Kemon Days de absoluta excelencia italiana del hair styling frente al mundo.

Performances, music, fashion shows and new trends at Riccione’s Conference Centre and Altromondo disco. Last 30 and 31 March, the Romagna Riviera played host again to Kemon Days, for almost twenty years the only event of its kind. Two theme days, shows by top Italian and international hairstylists and, during the party, the surprise and “offbeat” presentation of The Italian Touch Evolution Collection, which delved deeper into the Grunge trend that was already presented last September in the Master Collection. A thousand people involved between spectators, staff, shows and organizers; guests from Europe, Asia and the Middle and Far East; nearly ten hours of shows on stage, with a break for the party Sunday night at the Altromodo Studios disco. These are just a few numbers from the 19th Kemon Days, making it an all-around success. From the Italian Adriatic Riviera, the event once again brought the excellence of Kemon's Italian hairstyling to the world stage. And in 2015 it will be the mustattend happening for all. In fact, the company’s most important annual event will be celebrating its 20th anniversary: two decades of Kemon Days and Italian hairstyling excellence.

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