The Italian Touch #16 DE-EN by Kemon Italia

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The paradigm shift What has happened in the world of communication in the last 8-10 years can be called a true “paradigm shift”. This term refers to the introduction of a technical innovation or thought able to establish a new system of knowledge that replaces the previous one. This is how most scientific disciplines have evolved; and, by looking at the impact the spread of the Internet has had on our lives, the relevance of the term is immediately clear: there has been a paradigm shift in our conception of communication and personal relationships. In our industry, beauty bloggers and beauty advisors as well as tutorials and online commerce have profoundly affected the way consumers relate to cosmetics. Everyone is more informed and independent, and it is precisely information, or rather the new broad accessibility to information, that has caused a significant change of pace in conceiving the different forms of exchange. In this scenario, we certainly cannot wish that human curiosity be “satiated” and it will certainly be to our advantage to see this change as an evolution and quickly adapt to the new being established. In fact, from now on, competition in the market will take place on a plane parallel to our everyday reality, and with different rules than those we are accustomed to. Providing well-founded, accurate and reliable explanations or clarifications will, thus, become a determining factor for success both on the web (to become an influential voice among the thousands of opinions travelling on the net) and in the real market (to establish oneself as a recognized specialist and professional). This is the case of the salon; it will always have the good fortune of being a physical place of exchange and human interaction that is essential for any society. For this reason, it will be crucial to become a reference point for professionalism and expertise. As a company, we have made the professional enrichment of hairstylists our mission. We take exacting care in preparing the message for the end-user and our training programs for hairstylists are finetuned and geared towards fully sharing our corporate know-how. Today, our vocation is moving online with the unveiling of our new website, which aims to become an example for design and content in the world of professional cosmetics. It will be constantly updated with new and entertaining topics, thanks to the online magazine The Italian Touch, and a place for direct and immediate interaction with our customers. Of course, like at the salon, all this is happening without losing, in our everyday life, the closeness to our customers and family feeling that have always characterized us and of which we are proud. It is this very feeling that leads us to a deeper understanding of the needs of our market and the development of ever more innovative ways for helping it grow.

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Editorial Der „Paradigmenwechsel“ Was in der Welt der Kommunikation in den letzten 8-10 Jahren passiert ist, kann man als einen wahrhaftigen „Paradigmenwechsel“ bezeichnen; unter diesem Begriff versteht man die Einführung einer technischen oder geistigen Innovation, die es schafft, ein neues Wissenssystem gegenüber dem vorhergehenden zu etablieren. Auf diese Weise haben sich die meisten wissenschaftlichen Disziplinen weiterentwickelt; und die Beobachtung der Auswirkungen, die die Verbreitung des Internets auf unser Leben hat, macht sofort klar, wie passend dieser Begriff ist: Es gab einen Paradigmenwechsel in unserer Vorstellung von Kommunikation und persönlichen Beziehungen. In unserer Branche beeinflussen Beauty Blogger und Beauty Advisors, Tutorials und E-commerce stark die Art und Weise, wie sich die Verbraucher gegenüber Kosmetikartikeln verhalten: Jeder einzelne Verbraucher ist heute besser informiert und autonomer. Es sind eben diese Informationen, oder besser gesagt die neue breite Zugriffsmöglichkeit auf Informationen, die zu einer erheblichen Veränderung der Konzeption von verschiedenen Formen des Austauschs geführt hat. In diesem Szenarium, da man natürlich nicht erhoffen kann, dass die menschliche Neugier „gestillt“ wird, ist es sicherlich besser, die Veränderung wie eine Evolution zu erleben und sich schnell an die neu etablierte Ordnung anzupassen: In der Zukunft wird der Wettbewerb des Marktes in der Tat auf einer Ebene stattfinden, die sich parallel zu unserem Alltag befindet, und anderen Regeln folgt als die, die wir gewohnt sind. Die Fähigkeit, Erläuterungen oder fundierte Erklärungen zu liefern, die wahrheitsgemäß und zuverlässig sind, wird demnach zu einem für den Erfolg wesentlichen Faktor, sowohl im Web (um eine einflussreiche Stimme unter den Tausenden von Meinungen zu werden, die ins Netz gestellt werden), als auch auf dem realen Markt (um sich als anerkannte Spezialisten und Profis zu etablieren). Dies ist der Fall des Friseursalons: Er wird immer, ein realer Ort des Austauschs und der menschlichen Interaktion sein, der nicht aus der Gesellschaft wegzudenken ist; aus diesem Grund ist es entscheidend, ein Bezugspunkt für Professionalität und fachliche Kompetenz zu sein. Als Unternehmen haben wir aus der professionellen Weiterentwicklung der Friseure unsere Mission gemacht, wobei wir ein besonderes Augenmerk auf die Kommunikation mit den Endkunden legen und unser Know-how mit Nachdruck während der Schulungen an die Friseure weitergeben. Dies natürlich auch online, mit der Einführung der neuen Website, die darauf abzielt, beispielhaft in Bezug auf Design und Inhalte in der Welt der professionellen Kosmetik zu werden, immer auf dem neuesten Stand, mit stets neuen und interessanten Themen, dank des Online-Magazins The Italian Touch, und gleichzeitig Ort der direkten und unmittelbaren Interaktion mit unseren Kunden. Natürlich geschieht all das, ohne dabei, wie beim Friseur im Friseuralltag, die Nähe zu unseren Kunden und das Family Feeling zu verlieren, die uns seit jeher auszeichnen und auf die wir stolz sind, da sie uns zu einem tieferen Verständnis der Bedürfnisse unseres Marktes und zur Ausarbeitung von immer innovativeren Lösungen antreiben, um zu dessen Wachstum beizutragen.

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Index The Modernist Issue

EDITORIAL

L’arricchimento professionale del parrucchiere è la nostra “mission...“

ARCHITECTURALLY FASHIONABLE

Le fotografie di Julius Shulman hanno anticipato i moderni principi del design TOM FORD

Anticipare quello che i clienti si aspettano, essere una sorta di tramite fra il nostro tempo e la gente

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DIRETTORE EDITORIALE

Giuliano Nocentini COORDINAMENTO MARKETING

Aldo Nocentini EDITORIAL CONSULTANT

THE 2015 KEMON COLLECTION

Alessandro Di Giacomo MODERNIST FUTURE

Less esthetics, more ethics... MODERNIST ETHNIC

Only who dares travels... BRUCE CHATWIN

Non riporto impressioni, solo cose viste... GIUSEPPE CAPITANO

L’eterna leggerezza della materia THE KEMON COLLECTION SET

Hotel Straf e il Boscolo Hotel di Milano, i luoghi esclusivi per la nuova Collezione KEMON NEWS

Gli eventi “Wild Beauty” ed i Kemon Days in Riccione

14 48 76 80 82 86

HAIR CONCEPTS

Gruppo Ricerca Moda Kemon FOTOGRAFIA & DESIGN

Amedeo M.Turello BRAND MANAGER

Annamaria Lipparoni, Ennio Nocentini, Francesca Nocentini CONSULENTI DI PRODUZIONE

Maria Caterina Bianchi, Fabrizio Bisio, Donato Buonvino, Federico Comanducci Dario Donnini, Liliana Farinelli, Andrea Giuliani, Alessandro Guerrieri Stefano Isacchi, Marzia Lonardi, Valentina Monti, Sandra Parma, Angelica Patacca Simona Ragni, Giuseppe Sega, Stefania Santucci, Stefania Sorio, Elena Spapperi

GERMANY / AUSTRIA WILD BEAUTY AG Tel. +49 625750360 www.kemon.de www.kemon.at

SWITZERLAND Listowell GmbH tel. +41-32 392 40 54 www.kemon.ch

BENELUX PRO-DUO Tel. +329-216 30 00

KEMON S.P.A. Via E. Mattei 35 - 06016 San Giustino (PG) Tel. +39 075 861801 info line: 8000 15 496 info@kemon.it KEMON STYLE LAB S.GIUSTINO Via E. Mattei 35 - 06016 San Giustino (PG) KEMON STYLE LAB MILANO via Vitruvio 43 - 20124 Milano

SLOVENIA / CROATIA TRIMUZIJAT D.O.O. Tel. +386-5 3954280 www.kemon.si HUNGARY HAIR-LINE Kft Tel. +36-23 332 126107 www.kemon.hu RUSSIA MONBLAN PROF Tel. +7-343 355 3333 www.kemon.su

IRELAND FLAIR SALON SERVICES TEL. +353-458 564 87

MIDDLE EAST MADI INTERNATIONAL CO.LLC Tel. +971-4 338 27 73

POLAND POLWELL Sp. Z.O.O. Tel. +48-52 325 20 00 www.kemon.pl

USA TNG Worldwide Tel. +1-248 347 7700 www.kemonusa.com

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MATHIAS GOERITZ AT HIS HOME WHICH WAS CO-DESIGNED WITH RICARDO LEGORRETA, CUERNAVACA, MEXICO, 1973 JULIUS SHULMAN. © J.PAUL GETTY TRUST

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Architecturally Fashionable ... Julius Shulmans Bilder sind wegweisend für die Grundsätze im Design ... mit dem Auge eines Meisters treibt er mit genialem Ansatz und methodischer Professionalität die komplexe und akzentuierte Geschichte der Moderne voran. Andreas M. Jürgen Ein postmodernes Gebäude an einem sonnigen Nachmittag, das Licht trifft genau im richtigen Winkel das Fenster, das bedeutet das Göttliche zu erfahren, wie Gott oder zumindest die heilige Dreieinigkeit Robert A. M. Stern, Frank Gehry und Michael Graves es verstanden haben. Eine Architektur, die auf ein einzigartig repräsentiertes Äußeres setzt, oft übertragen in das Innere des Gebäudes, weil der Wunsch besteht, eine ästhetisch ansprechende Oberfläche zu verwirklichen. Jedes mit Ironie, Überraschung, Widerspruch und Selbstironie beladene, einzigartige Gebäude enthält ein Element der Originalität. Die Überzeugung, dass „Architektur Kunst ist“, ist das neue Mantra, das den veralteten Leitsatz der Moderne ersetzt, dass „die Form der Funktion folgt“. Frank Gehry, eine Ikone postmoderner Architektur, wurde einmal gefragt, ob er irgendwelche Mentoren oder Vorbilder in der Architekturgeschichte hätte. Als Antwort nahm er ein Foto von Brâncuși von seinem Schreibtisch. „Eigentlich neige ich mehr dazu, an Künstler wie diesen zu denken. Er hat meine Arbeit mehr als die meisten Architekten beeinflusst. In der Tat meinte einmal jemand, dass mein Wolkenkratzer, der einen Wettbewerb in New York gewonnen hatte, aussah wie eine Skulptur von Brâncuși. Aus der Welt der Architektur könnte ich Alvar Aalto als jemanden nennen, vor dem ich großen Respekt habe, und natürlich Philip Johnson.“ Unverwechselbar strukturell und funktionell, aber nicht formelhaft berücksichtigen die Gestaltungselemente der Gebäude die Empfindlichkeit der Umwelt, oft nicht zur Freude aller. Was für die einen postmodern und ikonisch und manchmal ironisch ist, ist für andere nichts als Ziegel und Beton. Nehmen Sie zum Beispiel die Mormonen, eine Gesellschaft, die nicht gerade für ihren modernen Geschmack bekannt ist, als vor Kurzem bekannt wurde, dass ein postmoderner Tempel in Lehi, Utah, gebaut werden sollte: Empört darüber, dass ihre Kirche nicht mehr weiter die düsteren, gleichförmigen, konservativen Gebäude darstellen würde, die sie gewohnt waren, blieb der Tempel seit seiner Erbauung und Fertigstellung ungenutzt, was beweist, dass Gott anscheinend nicht überall angebetet werden kann. Wenn Le Corbusier die Lücke zwischen abstrakter und expressiver Architektur überbrückt, überbrückt er ebenso den tektonischen und skulpturalen Ansatz des Baus. Doch wenn Sie an der Oberfläche jeder postmodernen Architektur kratzen, werden Sie feststellen, dass sie die „Ehrlichkeit“ widerspiegelt, die in der Postmoderne so oft beklagt wurde. Es ist eine angesagte Ironie für Städteplaner, dass, wissenschaftlich gesehen, die „Postmoderne sich per Definition jeglicher Definition widersetzt.“

Das Buch Modernism Rediscovered zeigte erstmals vergessene architektonische Meisterwerke. Aus den persönlichen Archiven des Fotografen Julius Shulman entnommen, zeigt das Buch Wohn- und Gewerbebauten, die von der Öffentlichkeit vergessen wurden. Seine beeindruckenden Fotografien fangen eine selten gesehene Seite des kalifornischen Modernismus ein; mit seinem scharfen Blick für Form und Inhalt, seinem intuitiven Zeitgefühl und den unverwechselbaren Aufnahmewinkeln hat er Porträts von Hunderten modernen Konstruktionen außerhalb von Los Angeles aufgenommen. Durch Shulmans Objektiv werden Gebäude zu einzigartigen Studien von Masse, Schatten und Licht. Shulman hat den Großteil seines Lebens über die Meisterwerke der Moderne gearbeitet. Als einer der führenden Architekturfotografen des 20. Jahrhunderts entwickelte der Künstler Julius Shulman eine enge Zusammenarbeit mit den führenden Architekten der Moderne der 1950er- und 1960er-Jahre. Was in Moderism Rediscovered wiederentdeckt wird, ist nicht Shulmans Arbeit, sondern eine besondere Sicht auf die modernistische Architektur. Von Originalen aufgenommen erscheint Shulmans Darstellung des Modernismus erstaunlich frisch. Diese epische, dreibändige Retrospektive ist aus Shulmans phänomenalem Backkatalog, einem Arbeitsarchiv mit 260.000 Drucken, Negativen und Farbdias, entstanden. Lektoriert und produziert von Benedikt Taschen, dem langjährigen Freund und Herausgeber von Shulmans Arbeiten, handelt es sich um ein chronologisch umfassendes und wunderschön verlegtes monumentales Werk einer langen Karriere. Die klassischen Elemente einer Shulman-Aufnahme sind die sorgfältig ausgesuchten Stellungen der Modelle, die klarem, geradlinigem Mobiliar und herrlichen Städteansichten oder von der Sonne verbrannten kalifornischen Landschaften entgegengestellt sind ...

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The reason why this architecture photographs so beautifully is the environmental consideration exercised by the architects. It was the sense that here we have beautiful canyons, hillsides, views of the ocean... Everyone loves these photographs because the houses are environmentally involved and this was before the emphasis on what everyone is calling â&#x20AC;&#x153;green... - Julius Shulman Los Angeles, November 2007

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Architecturally Fashionable... Julius Shulman’s images pioneering the principles of design ...a master’s eye with a genius approach push into methodic professionalism the critical modernist epopea.

To witness a post-Modern building on a sunny afternoon, the light hitting the windows in just the right way, is to experience the divine in the way that God, or at least the holy trinity of Robert A. M. Stern, Frank Gehry and Michael Graves, intended it. An architecture that relies on a uniquely represented exterior, often carrying over into the interior of the building, because of the desire to create an æsthetically pleasing surface. Laden with irony, surprise, contradiction and self-mockery, each unique building contains definitely an element of originality. The belief that “architecture is art” is the new mantra, replacing the out dated ideas of the Modernists that “form follows function”. Frank Gehry, an icon of post-Modern architecture, was once asked if he had any mentors or idols in the history of architecture. His reply was to pick up a Brancusi photograph on his desk... “Actually, I tend to think more in terms of artists like this. He has had more influence on my work than most architects. In fact, someone suggested that my skyscraper that won a New York competition looked like a Brancusi sculpture. I could name Alvar Aalto from the architecture world as someone for whom I have great respect and of course, Philip Johnson.” Distinctively structural and functional, yet non-formulaic the design elements of the buildings, consider the sensitivity of the environment, often not to the appreciation of all. What is post modern and iconic and sometimes ironic to some is just bricks and concete to others. Take for example the Mormons, a society not exactly well known for their avant gardist taste, when it was recently announced that a post-Modernist temple was to be designed in Lehi, Utah. Outraged that their church would no longer depict the drab, uniform, conformist buildings that they were used to, the temple has remained unused yet open since it’s contruction, proving that apparantly God cannot be worshiped anywhere. If Le Corbusier bridged the gap between abstract and expressive architecture, he as well bridged between the tectonic and sculptural approach to building. However, scratch the surface of any post modernist architecture and you will see that it reflects the “honesty” so often lamented in postmodernism. A hip irony for urban planners, that, according to scholars, “Postmodernism, by definition ...resists definition”.

The book Modernism Rediscovered, brought light for the first time on forgotten architectural masterpieces. Drawn from photographer Julius Shulman’s personal archives, the book pays pays tribute to residential and commercial buildings that had slipped from public view. His stunning photographs capture a rarely seen side of California Modernism; with his sharp eye for form and content, his intuitive timing and distinctive camera angles, he produced bold portraits of hundreds of modern structures beyond Los Angeles. Through Shulman’s lens, buildings become unique studies of mass, shadow, and light. Shulman has spent most of his life chronicling the masterpieces of modernism. As one of the leading architectural photographers of the 20th century, artist Julius Shulman developed a close association with the leading modernist architects of the 1950s and 1960s. What is being rediscovered in Moderism Rediscovered, is not Shulman’s work but a particular view on modernist architecture. Taken from originals, it makes Shulman’s depiction of L.A. modernism look startlingly fresh. This epic, three-volume retrospective has emerged from Shulman’s phenomenal back catalogue, a working archive of 260.000 prints, negatives and colour transparencies. Directed and produced by Benedikt Taschen, the long-time friend and publisher of Shulman’s work, this is a comprehensively chronological and beautifully produced, monument to a long career. The classic elements of a Shulman shoot are carefully posed models set against clean, streamlined furnishings and stunning vistas of cityscapes or sunburnt Californian landscapes... JULIUS SHULMAN. MODERNISM REDISCOVERED BY JULIUS SHULMAN, HUNTER DROHOJOWSKA-PHILP, OWEN EDWARDS PHILIP J. ETHINGTON AND PETER LOUGHREY - COURTESY TASCHEN

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Schlägt man in der italienischen Enzyklopädie Treccani unter dem Begriff "paillettenbesetzt" nach, erscheint der Name Tom Ford ... „Der Autor der beeindruckendsten Erfolgsgeschichte der Neuinszenierung eines Modelabels.“ - Michele Ciavarella leiweb.it - Oggi

Der Schlüssel zum Erfolg? „Man muss antizipieren, was die Kunden von Gucci erwarten, eine Art Vermittler zwischen unserer Zeit und den Menschen sein. Menschen, die Lust haben, etwas Neues zu wagen und etwas Besonderes, charmant und selbstbewusst zu sein. Gucci ist erfolgreich, weil das Unternehmen ein Modekonzept bietet und nicht Mode um der Mode willen. Ich schicke nie Kleidungsstücke oder Accessoires auf den Laufsteg, die vielleicht wirkungsvoll sind, sich aber schlecht verkaufen.“ (im Gespräch mit Laura Dubini, Corriere della Sera, 09.09.1996) Ein Crescendo bis 2004, seine letzte Modenschau im März, danach verlässt er die Gruppe „sehr traurig, aber zuversichtlich, eines der stärksten Teams in der Branche zurückgelassen zu haben.“ 2005 kündigt er seine persönliche Herrenkollektion, die Partnerschaft mit der Marcolin-Gruppe und die Zusammenarbeit mit Ermenegildo Zegna an. Ein weiterer Triumph. Von Parfums bis zu Mode und Kino er probiert sich aus. Mit Gründung der Produktionsfirma Fade to black debütiert er als Regisseur mit A Single Man nach dem Roman von Christopher Isherwood. Mit Colin Firth und Julianne Moore in den Hauptrollen, erzählt dieser Film den Tagesablauf eines homosexuellen englischen Professors, der in Kalifornien unterrichtet in den verschiedensten Bereichen erfolgreich aus. Seit 1986 lebt er in einer Beziehung mit dem britischen Journalisten Richard Buckley. Der Liebesbrief, den Ford seinem Partner in der Vogue Paris in der Ausgabe zu seinem Filmdebüt widmet, hat Geschichte geschrieben: „Das erste Mal, als sein Blick den meinen kreuzte, musste ich meinen Kopf abwenden. Ich weiß nicht, ob es daran lag, dass seine Augen so einzigartig und faszinierend sind, oder daran, dass ein Funke zwischen uns übergesprungen war. Die Augen von Richard haben die Farbe des Wassers. Nicht blau, nicht grau, und auch nicht beige. Er ist eines der schönsten Geschöpfe, die ich je in meinem Leben gesehen habe.“ 2012 haben sie ein Kind adoptiert, Alexander John Buckley Ford; heute leben sie alle zusammen auf ihrer Ranch in Santa Fe ‒ mit Angus und India, zwei Glatthaar-Foxterriern, die auch im Film A Single Man zu sehen waren.

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Tom Ford Der Schlüssel zum Erfolg? Antizipieren, was die Kunden erwarten, eine Art Vermittler zwischen unserer Zeit und den Menschen sein. Alessandro Di Giacomo Thomas Carlyle Ford, geboren 1961 in Austin, Texas. Der ganzen Welt als Tom Ford bekannt. Mit 11 Jahren zog er mit seiner Familie nach Santa Fe, New Mexico (wo er sein gigantisches Ranch-Mausoleum nach den Plänen des Stararchitekten Tadao Ando erbauen ließ), mit 17 zog es ihn nach New York. Er studierte an der Parsons School of Design Architektur und Kunstgeschichte an der New York University. In dieser Zeit lernt er Andy Warhol und den legendären Nachtclub Studio 54 kennen (die Legende besagt, dass er sich von den Gästen inspirieren ließ, die sich im Club tummelten, um daraufhin Skizzen im nahe gelegenen Café zu machen). Vor seinem letzten Jahr an der Parsons School arbeitete er sechs Monate lang in Paris als Praktikant im Pressebüro von Chloé. 1986 schloss er sein Architekturstudium erfolgreich ab und wurde Mitarbeiter im Team der Designerin Cathy Hardwick, bevor er 1988 als Director of Design zu Perry Ellis wechselte unter der Leitung von Marc Jacobs. 1990 beginnt sein Abenteuer beim nahezu bankrotten Modelabel Gucci, zunächst als Leiter der Prêt-à-porter-Damenkollektion, und ab 1992 als Director of Design. In das Florentiner Unternehmen bringt er Sinnlichkeit und eine Modevision, die für Popkultur, Hedonismus, Sex und Sexualität steht. Als Gucci 1994 von Investcorp übernommen wird, steigt Ford zum Creative Director auf: Mit diesem wichtigen Schritt verhalf er dem Label zum Durchbruch. 1995 schaffen Gucci und Ford mit seinem sexy, eleganten Stil aus modischen Hemden, glänzenden Lackstiefeln mit Metallreflexen, hüftumspielenden Hosen, schlichten Kleidern in Kombination mit hohen Absätzen, Samt, Satin, Seide und Strick den Sprung in die Weltelite der Modebranche. Seitdem steht das Modelabel aus Florenz für alles, was sexy und chic ist und hat absoluten Star-Appeal. Ergebnis war eine enorme Umsatzsteigerung von 500 Millionen US-Dollar im Jahr 1995 auf 800 Millionen USDollar im Folgejahr. Der anfängliche Börsenwert von 22 US-Dollar pro Aktie im Jahr 1995 verdreifachte sich in nur 11 Monaten auf einen Wert von 65 US-Dollar. Ein wahres Wunder, was den Umsatz und das Image angeht: „Das, was ich mit Gucci gemacht habe, hätte ich in Amerika nie tun können. In eurem Land gibt es außergewöhnliche und vielfache Möglichkeiten, nicht nur in Bezug auf die Qualität der Arbeit, sondern auch, was die zwischenmenschlichen Beziehungen angeht.“ Brillant, talentiert und mit einem Hang zu Ästhetik und Kunst, hatte er ein erstaunliches Gespür dafür, was gefällt bzw. gefallen könnte.

Und was sich verkauft. Von grundlegender Bedeutung waren die Gucci-Werbekampagnen der 1990er-Jahre, um die er sich persönlich kümmerte: „Seit 1994 nehme ich sehr vielfältige Aufgaben wahr. Ich habe elf Kollektionen mit einem Team von etwa zehn Assistenten kreiert und entwickelt. Ich betreue und leite das komplette kreative Image von Gucci, von den Werbekampagnen über die Läden bis zu den Schaufenstern und der Verpackung. Ich hatte eine umfassende Vision. Es ist ein bisschen so, als würde ich einen Film drehen oder ein Orchester dirigieren.“ Die Kollektion Herbst/Winter 1996 ist sein Meisterwerk. Smokings aus rotem Samt, feminine Nadelstreifenanzüge, androgyner Look: Eine sehr intensive Vision, die perfekte Verschmelzung des Glamours der 1970er-Jahre und der italienischen Moderne mit einem Hauch klassischem Design. Während Gucci 1993 noch am Rande des Bankrotts stand, übernimmt das Unternehmen im Jahr 2000 sogar Yves Saint Laurent und Ford wird dortiger Chefdesigner: „Historisch gesehen ist Gucci Sophia Loren und Yves Saint Laurent Catherine Deneuve. Sie sind beide sexy, aber Gucci ist ein wenig markanter als Saint Laurent.“ (Tom Ford, in British Vogue, Februar 2001). Definition (Treccani-Wörterbuch): "paillettenbesetzt": „[Neologismen (2008)], Adjektiv. Geschmückt, mit Pailletten bedeckt. Der Laie [Tom] Ford betritt genau zu dem Zeitpunkt die Luxusbühne, als der Minimalismus Fuß zu fassen beginnt, als sich Laufstege mit blutleeren Mädchen und blassen jungen Männern in extrem einfacher Kleidung füllen ... Er antwortet mit Pailletten-Slip, Krokodillederschuhen und Jeans mit Diamantenbesatz. Er möchte zum Träumen und Lachen verführen und vor allem zum Kaufen Denn minimalistisches Understatement gefällt nun mal nicht jedem." (Gian Luigi Paracchini, Corriere della Sera, 30. Juni 1998, S. 15. Nachrichtenteil.)

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Look under the Italian word for “sequined” in the Treccani dictionary and you will find Tom Ford... The author of the most sensational case history and success story of the revival of a fashion brand - Michele Ciavarella leiweb.it - Oggi

The key to his success? “Anticipating what customers expect from Gucci, being a kind of intermediary between our time and the people. People who want to renew themselves, to be special, fascinating and self-confident. Gucci is successful because it offers a fashionable concept, not fashion for fashion’s sake. I never put dresses or accessories on the catwalk, even with impact, if they are sure to have low sales” (to Laura Dubini Corriere della Sera). A crescendo until 2004, his last show in March, after leaving the group “with great sadness, but we are confident in having left one of the strongest teams in the industry”. In 2005, he announced his personal men’s line, the partnership with the Marcolin Group and the collaboration with Ermenegildo Zegna. It was yet another triumph. From fragrances and accessories, to fashion and cinema, when he founded the production company Fade to black and debuted as a director with A Single Man, adapted from the novel by Christopher Isherwood, starring Colin Firth and Julianne Moore, which describes the day of a gay English professor teaching in California. Since 1986, he has been in a relationship with British journalist Richard Buckley and the love letter that Ford dedicated to him in Vogue Paris in the issue devoted to the premier of his film made history: “The first time his gaze crossed mine, I had to turn my head away. I don’t know if it was because his eyes are so unique and fascinating or because there was a spark between us. Richard’s eyes are the colour of water. Not blue, not grey, and not even beige. He is one of the most beautiful creatures I’ve ever seen in my life”. In 2012, they adopted a child, Alexander John Buckley Ford, and they all live together in their ranch in Santa Fe with Angus and India, two smooth-haired fox terriers that also appeared in the film A Single Man.

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Tom Ford The key to his success...? Anticipating what customers expect, being a kind of intermediary between our time and the people

Thomas Carlyle Ford, born 1961 in Austin, Texas. Known worldwide as Tom Ford. At age 11, his family moved to Santa Fe, New Mexico, where later he built his mega-ranch-house-mausoleum designed by archi-star Tadao Ando and, at age 17, he flew to New York. He studied at the Parsons School of Design and Art History at New York University. These are the years spent around Andy Warhol and the legendary nightclub Studio 54, according to legend, he would take inspiration from the personalities who crowded the club and then run to sketch in the nearby café. Before his last year at Parsons, he did a six-month internship in the Chloé press office. In 1986, he received a degree in architecture and joined the staff of designer Cathy Hardwick and, in 1988, he went to Perry Ellis as Director of Design, under the supervision of Marc Jacobs. The year he began his adventure with the Gucci brand, then on the brink of bankruptcy, was 1990, first as the head of women’s ready-to-wear apparel and, from 1992 as Director of Design. To the Florentine company, he brought sensuality and a fashion vision that reflects popular culture, evokes hedonism and focuses on breaking every taboo of sex and sexuality. When Gucci was acquired by Investcorp in 1994, Ford rose to Creative director – the last essential piece that allowed him to make the brand explode. In 1995, continuing his sexy, elegant style with fashionable shirts, satinized patent-leather boots with metallic reflections, hip-hugging pants, casual dresses paired with high heels, and velvet, satin, silk and knitted fabrics, Gucci and Ford entered the elite worldwide fashion circles. From then on, the Florentine brand was associated with all that is sexy and chic, especially by the worldwide star system. The brand saw a huge leap in sales, from 500 million in 1995 to 800 million the following year. Listed on the stock exchange in 1995 at $22 dollars, in 11 months it tripled to 65. It was a sales and image miracle: “I could never have done what I did with Gucci in the United States.

In your country there are extraordinary and multiple opportunities not only in terms of the quality of work but also in human relations”. Brilliant, talented, with an unparalleled approach to aesthetics and art, he had an incredible intuition for what people like or could like – and for knowing what sells. Gucci’s communication campaigns in the 1990s, which he managed personally, were fundamental: “In 1994, my role was multifaceted. I designed and planned eleven collections with a team of ten assistants. I managed the creative image of all aspects of Gucci, from advertising campaigns to stores, windows and packaging. I had a global vision. It’s a bit like you’re shooting a film or directing an orchestra”. The Autumn/Winter 1996 collection was his masterpiece. Red velvet tuxedos, feminine pinstripes, an androgynous look: his was an intense vision, the perfect fusion of 70’s glamour and Italian modernism with a touch of classic design. In 1993, Gucci was a brand on the verge of collapse, in 2000 it absorbed non other than Yves Saint Laurent and Ford became Chief Designer: “Historically, Gucci is Sophia Loren, while Yves Saint Laurent is Catherine Deneuve. They are both sexy. It’s just that Gucci is a bit more obvious than Saint Laurent” (Tom Ford, quoted in British Vogue). From the Treccani dictionary: “[Neologisms (2008)]. Sequined, adj. Ornate, covered with sequins. The layman [Tom] Ford became the undisputed priest of luxury when the minimalist credo began to win converts. Are colourless girls and young men dominating fashion in clothing that is even too basic? He responds with sequined briefs, crocodile shoes and jeans with diamonds. To make you dream and smile, but especially to sell: passing unobserved is not a condition that pleases everyone (Gian Luigi Paracchini, Corriere della Sera)”.

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The 2O15 Modernist Collection

MODERNIST FU photographed by Amedeo M.Turello

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TURE 15

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LESS ESTHETICS MORE ETHICS...

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Eine Erkundung der Vergangenheit und all der Schönheit, die sie hervorgebracht hat – als Aufwertung der Gegenwart, die dadurch einzigartiger wird. Das ist der Mood einer hedonistischen Kollektion, die Stabilität und Sicherheit vermittelt. Stil und Schönheit sind zeitlose Werte, genau wie die goldenen Regeln der Vergangenheit – sie ermöglichen eine elegante Rückkehr in die Zukunft. Hier wird ein anspruchsvoller Stil mit Anklängen an die 1970er Jahre zelebriert, in denen raffinierte Eleganz ein absolutes Muss war und sich wie ein Leitgedanke durch die Mode zog. Das Ziel ist, sich wieder auf ein Konzept von Luxus zu besinnen – mit einfachen und dennoch geschmackvollen Details und einem Reichtum, der nie pompös daherkommt. Sogar in London feierte man gerade den italienischen Stil mit der Ausstellung The Glamour of Italian Fashion im Victoria & Albert Museum, das weltweit die Adresse für Kunst, Kultur und Lifestyle ist. Von der androgynen Managerfrau Giorgio Armanis der gestern noch Richard Gere in American Gigolo eingekleidet hat und gerade eben Leonardo DiCaprio in The Wolf of Wall Street über den Revers des Rechtsanwalts Gianni Agnelli, die Knopflöcher von Mastroianni, die CapriSandalen von Jackie Kennedy bis hin zum Neofrack von Dolce & Gabbana ... „Italienisches Design spielt eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung der Mode. Sie ist nicht nur die Vergangenheit. Sie ist die Gegenwart und die Zukunft.“ (Sonnet Stanfill, Kuratorin der Ausstellung). Eine Rückkehr in die Vergangenheit, die den neuen Trend darstellt – und zugleich die Zukunft der Kollektionen der italienischen und internationalen Designer. Eine edle Schlichtheit mit strengen, androgynen Linien und geometrischen Formen in typisch männlichen Kleidungsstücken, die durch einfache, aber durch und durch schicke und stets sinnliche Linien gekennzeichnet sind. Mit der Gucci-Kollektion Herbst/Winter 2014/2015 kommt wieder ein Total-Look mit starken Bezügen auf die 1970er Jahre. Maßgeschneiderte Mäntel und schmale Hosen schaffen eine weiche Androgynie, die die Unterschiede zwischen den Geschlechtern noch weiter verringert. Eine moderne Frau hat mehr übrig für Sein statt Schein. „Es gilt, sich selbst zu gefallen, nicht den anderen“, bestätigt Creative Director Frida Giannini. Eine erneute Rückkehr des Modelabels aus Florenz in die 1960er und 1970er-Jahre, wie es bereits zehn Jahre zuvor Tom Ford gemacht hat, inspiriert von männlichen und weiblichen Ikonen, die sowohl die Bürgerlichkeit (wie Jackie Kennedy) wie auch ein Ausbrechen daraus (wie Marianne Faithfull) verkörperten. Auch Yves Saint Laurent setzt mit Hedy Slimane in diesem Winter erfolgreich auf eine Rückkehr der Eleganz: ein sinnlich-gerissener Mix aus geradlinigen Formen, eng gehaltenen Hosenanzügen, schmal geschnittenen Hosen und maßgeschneiderten Minikleidern. Ganz zu schweigen von der Rückkehr des legendären Damensmokings (aber bitte über schwarzen Leggings mit einem Paillettentop). Gleichmäßige, satte und brillante Farbtöne: Schwarz, Blau, Rot und Orange überwiegen auf glänzenden Texturen. Es ist die Rückkehr einer Schlichtheit, diesmal in sinnlich-kultiviertem Gewand – auch im Bereich der Haarmode. Strenger und akkurater Stil, Frisuren mit wenig Volumen, klare Linien und kompakte Formen. Auch die Schnitte, die nahezu unisex wirken, haben etwas Androgynes und zeichnen sich durch einen „langen Nacken“ aus, trotz einer Fülle im vorderen Bereich und an den Seitenpartien. Die Farbe der Nuancen reicht von Kupferrot über Kastanienbraun bis hin zu sehr hellem Blond – auch hier eine Rückkehr zu satten Farben. Wiederentdecken, Erinnerungen wachrufen, intensivieren. Das sind die Gebote für eine Rückkehr in eine unsterbliche Vergangenheit, die dabei ist, ein ganzes Jahrhundert zu erneuern.

„Seit der Nachkriegszeit und der zunehmenden Auflösung des Dogmas, dass eine Dame sich französisch kleiden und ein Herr von Welt am englischen Stil festhalten sollte, hat der italienische Stil das Konzept der Eleganz verändert.“ - Gian Luigi Paracchini Style, aprile 2014

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Color: NaYo 1007- NaYo 8.33 / MechĂ¨s: Lunex Ultra Cream Styling: AND Liss Spray 15 / Finishing: AND Heat Spray 25 - AND Vamp Spray 44 - AND Shine Spray 06

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Since the post-war period and the progressive disintegration of the dogma that a sophisticated woman should dress in a French and a distinguished gentleman in an English style the Italian style has changed the concept of elegance... - Gian Luigi Paracchini Style, aprile 2014

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Color: NaYo 6.5 - MechĂ¨s: Lunex Decap Super / Tonalizzazione: YoGreen 7.4 - Lunex Colorful Arancio Styling: AND Magic Serum 26 - AND Liss Spray 15 / Finishing: AND Heat Spray 25 - AND Satin Paste 32 - AND Vamp Spray 44

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Color: NaYo 6.3 / MechĂ¨s: Lunex Decap Super / Tonalizzazione: YoGreen 7.2 Styling: AND Soft Cream 23 - AND Liss Spray 15 - AND Vol Foam 43 / Finishing: AND Heat Spray 25

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To explore the past and all the beauty that it was able to create in order to magnify the present and make it extraordinary. This is the mood of a collection based on a hedonism that conveys stability and security. Style and beauty are eternal and, like the golden rules of the past, can be transformed into a stylish return to the future. It is a celebration of a sophisticated style with a 1970s flavour that recalls an essential, refined and conceptual elegance, to recover a concept of luxury made of simple but elegant details and wealth that is never ostentatious. Even London has just praised the Italian style in the show, The Glamour of Italian Fashion at the Victoria & Albert Museum, the undisputed worldwide symbol of art, culture and lifestyle. From Giorgio Armani’s androgynous, managerial woman, yesterday, he dressed Richard Gere in American Gigolo and, today, Leonardo Di Caprio in The Wolf of Wall Street, to Attorney Gianni Agnelli’s lapels, Mastroianni's button holes, Jackie Kennedy’s Capri sandals and Dolce & Gabbana’s neo-tuxedo... “Italian fashion is essential in the evolution of costume history. It is not just the past. It is today and tomorrow” (Sonnet Stanfill, Curator of the exhibition). A return to the past that is the new trend and the future of Italian and foreign designer collections. A refined simplicity of rigorous, geometrical and androgynous lines in typically masculine clothing characterized by simple, absolutely elegant and always sensual lines. The Gucci Fall-Winter 2014-2015 collection returns to a total-look with a strongly 1970s flavour. Tailored coats and skinny pants evoke a soft androgyny that reduces the differences between the sexes even further. Modern women are more dedicated to ethics than aesthetics, “to please themselves more than others”, said Creative Director Frida Giannini. It is also the Florentine brand’s return to the 1960s and 1970s, as Tom Ford did ten years ago, taking its inspiration from masculine and feminine icons, both break-away, such as Marianne Faithfull and bourgeois, see Jackie Kennedy. The same recovery of elegance successfully proposed this winter by Hedy Slimane for Yves Saint Laurent: a sensual maliciousness of smooth shapes, slim suits, cigarette pants and tailored mini-dresses. And the return of the legendary feminine tuxedo, but over black leggings and with a sequined top.

Colours with uniform, saturated and brilliant tones: black, blue, red and also orange predominating on shiny textures. It is a return to simplicity enhanced by sensuality and sophistication, even in hair fashion. An austere, rigorous style, small-volume heads with clean lines and compact shapes. Even the almost unisex cuts recall an androgyny characterized by “long necks”, despite a concentration of volumes in the front and side-swept bangs. Hair colour shades range from copper-red to light blond passing through chestnut, rediscovering colour saturation here as well. Rediscover, evoke, enhance. These are the commandments of a return to an immortal past that continues to renew an entire century...

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Color: NaYo 6.3 / MechĂ¨s: Lunex Decap Super / Tonalizzazione: YoGreen 7.2 Styling: AND Soft Cream 23 - AND Liss Spray 15 - AND Vol Foam 43 / Finishing: AND Heat Spray 25

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Color: NaYo 1007- NaYo 8.33 / MechĂ¨s: Lunex Ultra Cream Styling: AND Liss Spray 15 / Finishing: AND Heat spray 25 - AND Vamp Spray 44 - AND Shine Spray 06

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Styling: AND Soft Cream 23 - AND Liss Spray 25 / Finishing: AND Satin Paste 32

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Styling: AND Soft Cream 23 - AND Liss Spray 25 / Finishing: AND Satin Paste 32

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Styling: AND Soft Cream 23 - AND Liss Spray 25 / Finishing: AND Satin Paste 32

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Styling: AND Magic Serum 26 - AND Liss Spray 15 / Finishing: AND Gelwax 45 - AND Shine Spray 06

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Color: NaYo 6.3 / MechĂ¨s: Lunex Decap Super / Tonalizzazione: YoGreen 7.2 Styling: AND Soft Cream 23 - AND Liss Spray 15 - AND Vol Foam 43 / Finishing: AND Heat Spray 25

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Styling: AND Soft Cream 23 - AND Body Fluid 14 / Finishing: AND Hairshaper 63

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Stylist : Antonio Bardini Hair Stylist : Pierre Baltieri, Luigi Martini Andrzej Kawulok and Primoz Kersic for Kemon Color Concept : Kemon Technical Team Make-Up Artist : Fabrizio Bertoneri Models : Carlo Barassi, Alessandro Dellâ&#x20AC;&#x2122;Isola Gus Drake, Ginevra Pardi, Eugeniya Vasina and Liliya Zalunina Location : Studio P12 and Boscolo Hotel - Milano

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The Making-Of The Kemon Collection : Modernist Future and Modernist Ethnic 2015

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The 2O15 Modernist Collection

MODERNIST ET photographed by Amedeo M.Turello

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HNIC 49

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...ONLY HE W H O D A R E S T R AV E L S

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Farben und Stimmungen der Natur, Reiseliteratur und Nomadentum. Kurz definiert: Ethnischer Futurismus. Beim zweiten Mood der Kollektion The Italian Touch vermischen sich archaische und nahezu primordiale Zeichen zu einem Stil, der auf moderne Weise an neu interpretierte Traditionen erinnert: Elegante und raffinierte afroasiatische, mittelamerikanische Züge und Zen-Anklänge sind Ausdruck einer nomadischen Lebensweise, die das Reisen und das ursprüngliche Gefühl von Freiheit in Erinnerung ruft. Diese Stimmung mag auf den ersten Blick im Widerspruch zum zeitgenössischen Kontext 2.0 stehen, jedoch stellt sie eine perfekte Verbindung materieller und introspektiverer Aspekte der Vergangenheit mit modernsten, bekannten Aspekten der Gegenwart dar. Eine feierliche Bekräftigung des Anbeginns der Zukunft der Avantgardisten und Pioniere. Hier zeigt sich eine zeitgenössische Rückkehr zum Archaischen ‒ mit Asien und Afrika als Protagonisten. Die Cruise Collection von Chanel für Frühjahr/Sommer 2015 ist schon aufgrund der von Karl Lagerfeld gewählten Location emblematisch: The Island in Dubai ist reiner ethnischer Futurismus. Alle sitzen auf Kissen auf dem Boden und stellen so eine Verbindung zu nomadischen Zeltlagern in der Wüste, jedoch in einem hochmodernen Gebäude her, das die spektakuläre Skyline des Emirats bestimmt. Originelle und exzentrische Details mit stilvollen Elementen, floralen Motiven, Accessoires, großzügigen Formen und warmen Farben erinnern an einen stets präsenten Orient. Und das selbst im exotischen Make-up der arabischen Prinzessin. „Eine romantische Idee, ohne jeglichen folkloristischen Touch – so stelle ich mir den Orient des 21. Jahrhunderts vor“, erklärt Lagerfeld, der damit die bisherige Cruise Collection dieses Winters weiterführt und weiterentwickelt, die „Kaiser Karl“ in einem Supermarkt präsentiert und besonders reich an kreativen Frisuren, unterschiedlichen Texturen sowie wilden Zöpfen und Dreadlocks ist. Die gleiche Stimmung wird in der Cruise Collection von Louis Vuitton für Frühjahr/Sommer 2015 wiederholt, die zum zweiten Mal von Nicolas Ghesquière entworfen wurde (und als Rückkehr zu den Ursprüngen des Luxus in Kombination mit dem Konzept Reise beschrieben wird). Noch ausgeprägter sind diese Merkmale bei Givenchy ‒ Formen, Farben und Muster sind hier stark ethnisch angehaucht: Die umfangreiche Verwendung von Leder und Pelzen und zahlreich verflochtene Zöpfe zeugen von einer interkulturellen Reise durch Japan, Afrika und Amerika. Diese Mode sucht Einflüsse und Stilrichtungen aus verschiedenen Kulturen, die der drastischen Globalisierung entkommen sind, was sich in Kleidung, Frisuren und Accessoires widerspiegelt. Wie bei Olivier Rousteing für Balmain im nächsten Frühjahr/Sommer: Details mit Seilen, ethnischen Halsketten inspiriert von den Massai, Maxi-Gürteln und Ohrringen im HipHop-Stil (präsentiert von Rihanna). Plastisches Design und Reise, Erdfarben mit organischen Schattierungen, brillante, aber dunkle und absolut natürlich wirkende Farbtöne: Ein Trend mit dunklen Brauntönen und Haselnussbraun, bei dem Creme und Dunkelrot zu den auffälligsten Nuancen gehören. Auch die Accessoires in ihrer beinahe exzessiven Verwendung sind eine Mischung aus groben Materialien und verchromten oder verspiegelten Oberflächen, die die Verbindung zwischen ethnischer und futuristischer Seele in diesem Mood herstellen. Doch auch das Make-up mit auffälligen bronzefarbenen, goldenen und silbernen Umrandungen unterstreicht die Stimmung. Die Haarmode zeichnet sich durch einen weniger strengen Stil mit mehr Ausdrucksfreiheit und freieren Formen aus. Viel Volumen an den Seiten oder langgezogene Frisuren wie Turbane aus Haar oder Irokesenschnitte und teilweise auch Zöpfchen und alternative, beinahe wilde, jedoch stets elegante Texturen bestimmen die Hairstylings. Bei den Haarfarben setzen sich Aschblond- bzw. Eisblondtöne, Gold- sowie Brauntöne durch. Eine ständige Rückkehr zu den Ursprüngen, die in die Zukunft blickt, jedoch nicht, bevor sie sich mit der Welt um uns herum auseinandergesetzt hat. Vor allem mit dem Schönen, Freien und Unberührten, das bleibt.

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Color: NaYo 7.81 / MechĂ¨s: Lunex Ultra Cream / Toning: YoGreen 10.7 Styling: AND Liss Spray 15 / Finishing: AND Heat Spray 25 - AND Vamp Spray 44

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Color: YoGreen 6.3 / MechĂ¨s: Lunex Ultra Cream / Toning: YoGreen 8.3 Styling: AND Magic Serum 26 - AND Haishaper 63 - AND Vol Foam 43 / Finishing: AND Vamp Spray 44

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Styling: AND Body Fluid 14 / Finishing: AND Gelwax 45 - AND Shine Spray 06

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Stylist : Antonio Bardini Hair Stylist : Angelo Labriola, Fabrizio Pandolfi Federica Trerè and Renè Wagner for Kemon Color Concept : Kemon Technical Team Make-Up Artist : Fabrizio Bertoneri Models : Silvia Bella, Annalisa Blaha Ivany Guzman, Kinga Mikos Valeria Sardone and Zach Vickers Location : Studio P12 and Straf Hotel - Milano

Color: Lunex Ultra Cream / Mechès: NaYo 10.78 / Toning: YoGreen 10.1 + 10.7 Styling: AND Magic Serum 26 - AND Liss Spray 15 / Finishing: AND Heat Spray 25 - AND Satin Paste 32

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Colours and moods of nature, travel literature and nomadic identity. In a definition: ethnic futurism. In the second mood of The Italian Touch collection, archaic, almost primordial notes are combined in a style characterized by traditions reinterpreted in a modern key: elegant and refined Afro-Asiatic, Central American and Zen references are the expression of a nomadic lifestyle that recalls travel and its sense of freedom. A mood that, at first glance, may seem at odds with the contemporary context 2.0 but that is, instead, a perfect blend that combines the most material and introspective aspect of the past with that most modern and public of the present. A desire to proclaim that we are at the dawn of the future, pioneers in the vanguard. Asia and Africa are the stars in this contemporary return to the archaic. The Chanel cruise for Spring-Summer 2015 is already emblematic due to the location selected by Karl Lagerfeld: The Island in Dubai is pure ethnic futurism. All sitting on cushions on the floor in contact with nomadic encampments in the desert, but in an ultra-modern structure dominating the spectacular skyline of the Emirate. Original and eccentric details calibrated to particular elements of great style, floral motifs, accessories, broad shapes and warm colours in an East that is always present. Even in the exotic Arabian princess makeup. â&#x20AC;&#x153;My concept of the 21st-century orient is romantic, without folkloristic touchesâ&#x20AC;?, says Lagerfeld, who thus continues and develops the previous collection of this winter, the cruise collection presented by Lagerfeld in a supermarket that turned the spotlight on a wealth of hairstyle ideas, looks of different textures and applications in a wild style of small braids and dreadlocks. The same mood is reprised in the cruise collection from Louis Vuitton for Spring-Summer 2015, designed for the second time by Nicolas GhesquiĂ¨re (described as a return to the origins of luxury combined with the concept of travel). It is even more pronounced in Givenchy, where the shapes, colours and patterns have a strong ethnic flavour: the extensive use of leather and fur and hairstyles featuring crossed braids are an intercultural journey through Japan, Africa and America. It is fashion searching for influences and styles from the various cultures that have escaped from a savage globalization. From clothes to hairstyles and accessories. Like Olivier Rousteing for Balmain next Spring-Summer: Details in string, ethnic necklaces inspired by the Masai, maxi-belts and hip-hop style earrings (with a Rihanna testimonial). Sculptural design and travel, earth colours with organic highlights, brilliant but dark tones and an entirely natural look: it is a trend with dark browns, hazelnut, cream or dark red being the most obvious colours. Even the accessories, used almost excessively, are a mix of raw materials and chromed or mirror surfaces, and thus able to synthesize the ethnic and futuristic soul of the mood. Along with the make-up, thanks to extensive use of bronze, silver and gold halos. In this sense, the hair fashion presents a less rigorous style with more freedom of expression and freer forms. The heads create more side volume or are elongated, almost recreating hair turbans or Mohican crests and, in some cases, defined by small braids and wild but very elegant alternative textures. Hair colours include ash or ice blonde, golds and shades of brown. A constant return to the origins that looks to the future, but not before being compared with the world that surrounds us. Especially the free and pristine beauty that remains...

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Color: Lunex Ultra Cream / MechĂ¨s: NaYo 10.78 / Toning: YoGreen 10.1 + 10.7 Styling: AND Magic Serum 26 - AND Liss Spray 15 / Finishing: AND Heat Spray 25 - AND Satin Paste 32

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Styling: AND Tonic Cream 33 / Finishing: AND Vol Powder 42 - AND Vamp spray 44

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Color: YoGreen 6.3 / MechĂ¨s: Lunex Ultra Cream / Toning: YoGreen 8.3 Styling: AND Magic Serum 26 - AND Haishaper 63 - AND Vol Foam 43 / Finishing: AND Vamp Spray 44

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Styling: AND Tonic Cream 33 / Finishing: AND Vol Powder 42 - AND Vamp spray 44

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Styling: AND Magic Serum 26 / Finishing: AND Vamp Spray 44

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Styling: AND Body Fluid 14 / Finishing: AND Gelwax 45 - AND Shine Spray 06

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Styling: AND Magic Serum 26 / Finishing: AND Vamp Spray 44

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Color: NaYo 7.81 / MechĂ¨s: Lunex Ultra Cream / Toning: YoGreen 10.7 Styling: AND Liss Spray 15 / Finishing: AND Heat Spray 25 - AND Vamp Spray 44

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Styling: AND Body Fluid 14 / Finishing: AND Gelwax 45 - AND Shine Spray 06

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Color: YoGreen 6.3 / MechĂ¨s: Lunex Ultra Cream / Toning: YoGreen 8.3 Styling: AND Magic Serum 26 - AND Haishaper 63 - AND Vol Foam 43 / Finishing: AND Vamp Spray 44

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Styling: AND Tonic Cream 33 / Finishing: AND Vol Powder 42 - AND Vamp spray 44

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PHOTO COURTESY MARIO TRAVE

Meine Laufbahn hat sich im Vergleich zur Norm umgekehrt entwickelt, da ich als ziemlich unangenehmer kleiner Kapitalist in einer großen Firma begann, in der ich äußerst erfolgreich und widerlich war und im Alter von 25 Jahren plötzlich begriff, dass ich jede Minute meines Lebens hasste. Ich musste einen anderen Weg finden... - Bruce Chatwin

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Bruce Chatwin Ich berichte nicht über Impressionen, nur darüber, was ich gesehen habe ... Alessandro Di Giacomo

„Das wahre Zuhause des Menschen ist nicht in einem Haus, sondern auf der Straße. Denn das Leben selbst ist eine Reise, die man zu Fuß gehen muss.“ Bruce Chatwin wurde 1940, mitten im Zweiten Weltkrieg, als Sohn einer wohlhabenden Familie aus Sheffield in England geboren. Schon als Kind zeigte er großes Interesse an Geografie und Literatur. Nach dem College brach er sein Studium ab und startete eine erfolgreiche Karriere bei Sotheby’s. Bruce Chatwin verlässt seine Arbeit als Experte für expressionistische Kunst und beginnt, die Welt mit einem Moleskine-Notizbuch und einem Fotoapparat zu bereisen. „Die besten Entdeckungsreisen macht man nicht in fremden Ländern, sondern indem man die Welt mit neuen Augen betrachtet.“ (Marcel Proust). Fast wie bei einem Stendhal-Syndrom mit Blindheit, erzählt er, wachte er eines Morgens, als er noch für Sotheby’s arbeitete, blind von der vielen Kunst auf und ein Augenarzt beruhigte ihn, dass nichts mit seinen Augen sei, riet ihm jedoch, die Bilder nicht mehr so aus der Nähe zu betrachten und seinen Blick besser gen „Horizont“ zu richten. 1973 erhielt er eine Anstellung bei der Sunday Times und begann die Welt zu bereisen. Ohne jemals wieder damit aufzuhören. „Warum werde ich nach einem Monat an ein und demselben Ort unruhig und unausstehlich nach zweien?“ (in Die nomadische Alternative - Briefe 1948-1989). Das Unwohlsein durch Bewegungslosigkeit und Routine steht im Gegensatz zu einer beispiellosen Leichtigkeit bei der Beschreibung von Orten und Menschen. „Nennt mich nicht Reiseschriftsteller, ich berichte nicht über Impressionen: Nur darüber, was ich gesehen habe.“ Durch seine Erzählungen von der Seele und Essenz des Gesehenen, sein Gesicht, das einem weißen Che Guevara ähnelte, den Charme des jungen Vagabunden und seinen frühen Tod wird er schnell zum Mythos. Und mit ihm erlebt die Reiseliteratur ein großes Comeback: Afghanistan, Afrika, Australien, Tibet, China, die Sowjetunion. Er reist um die Welt und schreibt mit großer Leichtigkeit und Freude: Seine Berichte sind innere Reflexionen, aber auch Tagebücher und anthropologische Untersuchungen. Der Entdecker, Ethnologe, Anthropologe, Fotograf, Archäologe und Journalist Chatwin wurde nicht nur für das geliebt, was er schrieb, sondern auch für die Freude, mit der er schrieb. Beim Interview in Paris mit der Architektin Eileen Gray sieht er in deren Büro eine Karte von Patagonien. „Ich wollte schon immer dorthin“, sagte er zu ihr. „Ich auch“, antwortete sie, „fahren Sie für mich.“ Er fährt ganz spontan los und aus sechs Monaten Südamerika entsteht ein literarisches Werk, das symbolisch für das Reisen schlechthin steht. In Patagonien, sein erstes Buch, Roman, philosophischer Essay und Bericht in einem, ist heute noch immer ein Bestseller (seither wurden Hunderte von Nachdrucken und Millionen von Exemplaren weltweit verkauft). Ein sehr starker Text, der Erzählung, Geschichte, Anthropologie und fotografische Reportage vereint. Chatwin, ein Dandy und Mystiker wird stets ein unruhiges und nomadisierendes Leben führen, für ihn fast eine Obsession: „Was mich am meisten interessierte, waren die Individuen, die der archäologischen Klassifikation entkommen waren, die Nomaden, die Spuren auf dem Boden hinterlassen und keine Pyramiden gebaut haben.“ Der Freund des unsteten Lebens und moderne Geschichtenerzähler bezog sich in seinen Geschichten auf die Traditionen und Mythen der Vergangenheit, um die Zukunft zu erschaffen. Das geht bereits aus den Titeln seiner Werke hervor: Traumpfade, Der Traum des Ruhelosen, Was mache ich hier? „Ein lebendes Oxymoron: Ein homosexueller Mann, der geheiratet hat, ein Nomade, der eng mit London verbunden war, der älteste Sohn eines kleinen Anwalts aus Birmingham, der ein Weltbürger sein wollte, Sammler von allem und Besitzer von nichts, streng und exzessiv, einsam und gesellig, gleichgültig gegenüber den Beschwerlichkeiten in der Wüste und dennoch verrückt nach Morgenmänteln aus Seide, zufrieden mit seinem Rucksack und manchmal von Gepäckbergen begleitet, die Murray Bail mit denen von Greta Garbo verglich, Sänger der Letzten der Erde und gleichzeitig Freund der Guggenheims, Anhänger der Labour Party mit einer Leidenschaft für die Heraldik.“ (Francesco Battistini, Sette). Ende der 1980er-Jahre erkrankte er an Aids und zog in seinen letzten Lebensmonaten nach Nizza, wo er im Alter von nur 48 Jahren verstarb. Der iranische Schriftsteller Salman Rushdie gedachte ihm bei seiner Beerdigung, die am selben Tag stattfand, an dem die Fatwa des Ayatollah Khomeini wegen seiner Satanischen Verse gegen ihn ausgesprochen wurde, wie folgt: „Wir waren gemeinsam durch Australien gereist, ich beneidete ihn um die Idee, die Reisepfade wie eine Partitur zu lesen, wie Kabelstränge aus der Ilias und Odyssee.“ „Er ist kein Schriftsteller, sondern ein Geisteszustand, der zu einem Lederrucksack, Füßen, Augen und einer Vision der Welt geworden ist.“ (Marcello Veneziani, il Giornale). Es reist nur der, der wagt.

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PHOTO COURTESY MARIO TRAVE

My career was the reverse of most peopleâ&#x20AC;&#x2122;s in that I started as a rather unpleasant little capitalist in a big business in which I was extremely successful and smarmy and suddenly I realized at the age of 25 or so that I was hating every minute of it I had to change... - Bruce Chatwin

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Bruce Chatwin i don’t report impressions, only what I saw...

“Man’s real home is not a house, but the Road, and that life itself is a journey to be walked on foot”. Bruce Chatwin was born in 1940, in the middle of the Second World War, into a wealthy Sheffield, England family. From an early age, he demonstrated great interest in geography and literature. After college, he abandoned his studies and began a successful career at Sotheby’s. So Bruce Chatwin abandoned his job as an expert in expressionist art and began to travel the world with a Moleskin notebook and a camera. “The only real voyage of discovery consists not in seeking new landscapes, but in having new eyes” (Marcel Proust). Almost like Stendhal’s syndrome with blindness, when he was still working for Sotheby’s, he said that he woke up one morning blind due to so much art and an ophthalmologist reassured him: there was nothing wrong with his eyes, advising him to stop looking at paintings from so close and to look, instead, towards the “horizon”. In 1973, the Sunday Times hired him and he began to travel the world, without ever stopping. “Why do I become restless after a month in a single place, unbearable after two?” (in The Nomadic Alternative - Letters 1948-1989). The discomfort of immobility and routine opposed to an unprecedented lightness in the description of places and people. “Don’t call me a travel writer, I do not report impressions: only what I’ve seen”. Writing of the soul and essence of those things seen, with his face of a white Che Guevara, the charm of a young vagabond and, because of his early death, he soon became a legend. And with him, travel literature came forcefully back in vogue: Afghanistan, Africa, Australia, Tibet, China, the Soviet Union. He travelled the world writing with great ease and contentment: his reports are, at the same time, inner reflections, diaries and anthropological analysis. Explorer, ethnologist, anthropologist, photographer, archaeologist and journalist, Chatwin was loved not only for what he wrote, but also for the contentment with which he wrote it. When he interviewed architect Eileen Gray in Paris, he noted a map of Patagonia in her studio. “I’ve always wanted to go there", he said. “Me, too”, she replied, “Go there in my place”. He left immediately and his six months in South America produced a story-symbol of all journeys. In Patagonia, his first book, novel, philosophical essay and guide all in one, is still a best-seller today, since then hundreds of reprintings and millions of copies sold worldwide. A very powerful document that combines narrative, history, anthropology and photographic reportage. A dandy and mystic, his was a restless existence modelled on nomads, almost an obsession: “What interested me most were the individuals who escaped archaeological classification, the nomads, who left traces on the land and didn't build pyramids”. A lover of the wandering life and modern storyteller, his stories drew on the traditions and myths of the past to create the future. Even in the titles of his works: The Songlines, Anatomy of Restlessness, What am I doing here? “A living oxymoron: a gay man who got married, a nomad tied to London, the eldest son of a small Birmingham attorney who wanted to be a citizen of the world, a collector of everything and owner of nothing, austere and excessive, solitary and gregarious, indifferent to the discomfort of the desert yet crazy for silk dressing gowns, comfortable with his backpack and sometimes accompanied by luggage that Murray Bail compared to those of Greta Garbo, singer of the last of the earth and in the meantime a friend of the Guggenheims and a Labourite with a passion for heraldry” (Francesco Battistini, Sette). He fell ill with AIDS at the end of the 1980s and spent the last months of his life in Nice, where he died at the age of 48. This is how he was remembered by the Iranian writer Salman Rushdie at his funeral, the same day the Ayatollah Khomeini issued a fatwa against him for his Satanic Verses: “We crossed Australia together and I envied his idea of reading the paths like a score, so many strands of spaghetti of the Iliad and Odyssey”. “He is not a writer but a state of mind that is made of a leather backpack, feet, eyes and a vision of the world" (Marcello Veneziani, il Giornale). Only he who dares, travels.

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The eternal lightness of the material

“The sculptor Giuseppe Capitano controls his tools with his mind but without suppressing the inner breath that regulates their operation. The young artist understands that the house of sculpture defines its perimeter on the front of surface. Here are gathered all the thicknesses, inner eyes, interstices and secret corners that denote the spatiality and temporality of the dwelling of art” (Achille Bonito Oliva).

Giuseppe Capitano was born in Campobasso in 1974. He mainly works using natural materials and techniques, modelling beautiful sculptures from hemp, sometimes with stone or marble, and often draws on paper. One evident personality trait is the importance of staying on a level of emotion and truth: “If something moves you, it is close to you”. His many exhibitions include a one-man show at the Mart - Museum of Contemporary Art of Trento and Rovereto, and a group show at the 54th Venice Biennale of Contemporary Art for the 150th anniversary of the Unification of Italy. An artist, he has his studio in Rome, where he lives in the San Lorenzo district. In the beginning, used as a “hairstyle”, then came all the rest: “Hemp is a material that I began to use as hair on the sculpture of a head, so I began to work it like a surface”. The great critic Achille Bonito Oliva defines his work “A visible house, Capitano's psycho-mental sculpture does not refuse to live in it and does not evacuate the material”. The parrot, wolf, heads, hair, the hand that holds the threads of fate, the leaf ... Metal structures covered with hemp, the real skin of his works, which are never standardized because “Each work stands on its own. Uniqueness is essential because only uniqueness contains the gesture. A repeated gesture is debased, drained”. While, in his sculptures, the touch is always harmonious, but slightly controlled.

Light, as in Something Yellow, his exhibition at the Mart in Rovereto, sculptures and installations that are formed by the union of two elements, “one that represents a broader, non-human, time scale, marble; the other, lemon, a seasonal fruit, as the precariousness of becoming. The union of these two elements subverts a primary temporality, which is that of permanence. Only what is harder remains; and with this, I would like to symbolize the fact that life wins over non-life, the organic over the inorganic”. To gently remember the value of existence: “We weigh things in terms of non-life, but instead life and temporality are a value”. The magic of the work of art as a necessity for the artist, in his case “comes from the utopian need to give life to inanimate objects. Every artist is an alchemist, even the painter who touches the pigments, behind a work, there is always a process of transformation. And this transformation is even more interesting when it is not a story, but it manifests itself as an effect, a result, and not as a route of arrival”. In this way, Giuseppe Capitano lives the genesis and labour of his works and, by using simple materials that evoke a world that is archaic and modern at the same time, lightly moulds them, harmonizing them to his soul and our contemporary world. “Everything is built by hand, with the distances of a hand able to implicate the gaze. Symmetry and proportion governing the system, highlighting the existence of a gentle design that accompanies the executive process. The body and the mind preside over the foundation of this sculpture. Which has body and concept” (Achille Bonito Oliva). Form and substance in the perfect harmony that is created between his works and the environment in which they are located. Exposed there to be admired.

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Giuseppe Capitano Die ewige Leichtigkeit der Materie Alessandro Di Giacomo

„Der Bildhauer Giuseppe Capitano steuert seine Werkzeuge mit den Gedanken, ohne jedoch den inneren Atem zu unterdrücken, der deren Funktion regelt. Der junge Künstler hat erkannt, dass das Haus der Skulptur seinen Umfang in der Frontalität der Fläche entfaltet. Hier versammeln sich alle Stärken, die inneren Augen, die Zwischenräume und die geheimen Ecken, die die Räumlichkeit und Zeitlichkeit des Hauses der Kunst auszeichnen.“ (Achille Bonito Oliva) Giuseppe Capitano wurde 1974 in Campobasso geboren. Er arbeitet hauptsächlich mit natürlichen Materialien und Techniken, modelliert wunderschöne Skulpturen aus Hanf, manchmal mit Stein oder Marmor, und zeichnet oft auf Papier. Ein offensichtliches Merkmal seiner Persönlichkeit ist die der Wahrhaftigkeit, stets auf einer emotionalen und wahren Ebene zu bleiben: „Wenn Dich etwas bewegt, ist es Dir nahe.“ Unter seinen zahlreichen Ausstellungen finden sich eine Einzelausstellung im MART Museum für Zeitgenössische Kunst von Trient und Rovereto und eine Gruppenausstellung auf der 54. Biennale für Zeitgenössische Kunst von Venedig, zum 150. Jahrestag der italienischen Einheit. Der Künstler hat sein Atelier in Rom, wo er im Stadtteil San Lorenzo wohnt. Am Anfang stand „eine Frisur“, dann kam der ganze Rest: „Hanf ist ein Material, das ich begann auf der Skulptur eines Kopfes als Haare zu verwenden, also fing ich an, ihn als eine Fläche zu bearbeiten.“ Der bedeutende Kritiker Achille Bonito Oliva definiert seine Werke als „ein Sichthaus ‒ die psycho-mentale Skulptur von Capitano verzichtet nicht darauf, es zu bewohnen und verlässt die Materie nicht.“ Der Papagei, der Wolf, die Köpfe, die Mähnen, die Hand, die die Fäden des Schicksals hält, das Blatt ... Metallstrukturen, verkleidet mit Hanf, die wahre Haut seiner Arbeiten, die niemals Serienanfertigungen sind … „Jedes Werk ist eigenständig. Die Einzigartigkeit ist wichtig, weil nur die Einzigartigkeit den Handgriff enthält. Der wiederholte Handgriff wird abgewertet, aufgelöst.“ Stattdessen ist in seinen Skulpturen die Hand immer harmonisch, kontrolliert, aber leicht.

Leicht wie in Qualcosa di giallo, seiner Ausstellung im Mart in Rovereto, Skulpturen und Installationen, die ihre Form durch die Verbindung von zwei Elementen bekommen, „das eine, das eine breitere, nicht-menschliche Zeitskala darstellt, der Marmor – das andere, die Zitrone, eine saisonale Frucht, wie die Unsicherheit des Werdens. Die Verbindung dieser beiden Elemente stürzt eine elementare Zeitlichkeit um ‒ die der Dauerhaftigkeit. Es würde nur das bleiben, was härter ist; und damit möchte ich die Tatsache zum Ausdruck bringen, dass das Leben über das Nicht-Leben, das Organische über das Nicht-Organische siegt. “ Ein sanftes Erinnern an den Wert der Existenz: „Wir bewerten die Dinge im Sinne des Nicht-Lebens, jedoch sind das Leben und die Zeitlichkeit ein Wert.“ Die Magie des Kunstwerkes als eine Notwendigkeit für den Künstler entsteht in seinem Fall „aus der utopischen Notwendigkeit, unbelebte Gegenstände zum Leben zu erwecken. Jeder Künstler ist ein Alchemist, auch der Maler, der die Pigmente berührt. Hinter einer Arbeit steht immer ein Prozess der Verwandlung. Und diese Verwandlung ist noch interessanter, wenn sie nicht erzählt wird, sondern sich als Effekt offenbart, als Resultat, und nicht als Anreiseroute.“ Giuseppe Capitano lebt so die Entstehung und die Arbeit seiner Werke und durch den Einsatz einfacher Materialien, die gleichzeitig an eine archaische und moderne Welt erinnern, formt er sie mit Leichtigkeit und bringt sie mit seiner Seele und unserer Moderne in Einklang. „Alles wird von Hand konstruiert, mit den Abständen einer Hand, die den Blick mit einbezieht. Symmetrie und Proportion stützen die Anlage, heben die Existenz eines zarten Projekts hervor, das den Durchführungsprozess begleitet. Der Körper und der Geist leiten das Fundament dieser Skulptur, die Körper und Konzept hat.“ (Achille Bonito Oliva) Form und Substanz in perfekter Harmonie, die zwischen seinen Werken und dem Umfeld entsteht, in dem sie platziert sind. Dort ausgestellt, um bewundert zu werden.

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Hotel Straf Die elegante Kombination aus italienischem Design und zeitgenössischer Kunst

„Sich vom gewöhnlichen, unpersönlichen Standard der Hotels zu befreien“, war eines der Bedürfnisse, die den Architekten und Inneneinrichter Vincenzo De Cotiis dazu bewogen, das Hotel Straf in Mailand zu entwerfen, zu konzipieren und zu verwirklichen. Das Set für das Shooting für das zweite Mood der Kollektion The Italian Touch ist nicht nur ein eleganter und futuristischer Raum, sondern die perfekte Verbindung von Kunst und zeitgenössischem Design in einer luxuriösen, gastfreundlichen Unterkunft. „Ich stelle mir das Hotel Straf als eine Art Installation vor, ein Konzept, aus dem ich begonnen habe, eine Vielzahl von Materialien zu entnehmen, die mit moderner Kunst verbunden sind, z. B. der Arte Povera, also die ästhetische Entwicklung aus dem ethischen Kriterium, Objekte und Teile zu recyceln und sie in neuen Umgebungen zu platzieren“, beschreibt De Cotiis die ganz besondere Atmosphäre. Minimalistische Einrichtung, ein Ambiente mit wenigen, aber sehr effektvollen Elementen und hohes handwerkliches Niveau bei der Raumgestaltung und -einrichtung machen das Hotel Straf durch seine Einzigartigkeit und Exklusivität unweigerlich zu einem Kunstwerk. Die nach zwei Hauptmotiven kombinierten Materialien Schiefer und Beton bilden in Verbindung mit brüniertem Messing sowie Wänden und Spiegeln, die die Räume optisch vergrößern, die perfekte Kulisse für den ethno-futuristischen Flair der Kollektion. So sorgen der Beton für Treppen und Böden, das oxidierte Messing, der geschnittene und gebrochene Schiefer, der gealterte und von Hand zerrissene Stoff, ähnlich den Werken von Alberto Burri, trotz der kalten Materialien aus dem Bereich der Industrie für eine warme Atmosphäre. Denn jedes Detail, jede Oberfläche, wird einer anspruchsvollen Bearbeitung unterzogen. Ein für alle zugängliches Juwel ‒ und mit der Straf-Bar ein sich noch stärker für die Stadt öffnendes Trendfenster auf Mailand und Europa mit einem Terminplan voller Darbietungen, Ausstellungen und DJSets. Recycelte Einzelstücke, wie der große apfelgrüne Kronleuchter aus den 1970er-Jahren mit Formplatten aus recyceltem Fiberglas mit eingebetteten optischen Linsen sowie Vintage-Hocker und -Sofa aus braunem Leder leben in einer stets lebendigen und dynamischen, zweifellos internationalen Atmosphäre von erhabenem Stil zusammen. Ein Kunstwerk, das perfekt auf die Bedürfnisse anspruchsvoller Besucher eingeht, die sich in einem außergewöhnlichen Ambiente wohlfühlen möchten. In der Tat wurde jede Lampe, jede Farbe, jedes Material im Hotel Straf Mailand gezielt ausgewählt, um eine einzigartige Atmosphäre zu schaffen. Menschen und Räume, Inhalte, Umgebungen. Wie eine Installation zeitgenössischer Kunst.

“Breaking free from the impersonal standardization of hotels”, was one of the requirements that guided architect and interior designer Vincenzo De Cotis in conceiving, designing and building Straf Milan. The shooting set of the The Italian Touch collection is not only an elegant and futuristic space, but the perfect fusion between art and contemporary design with a luxurious hospitality structure. “I imagine the Straf as almost an installation, a concept from which I started for the choice of materials, with multiple references to modern art movements such as Arte Povera, while the way of processing them belongs to a design methodology deeply linked to the ethics/aesthetics that derives from the reuse and relocation in new contexts of recovered objects and components”. This is the way that De Cotis describes its particular atmosphere. Featuring minimal interiors, environments with few very impactful elements and high craftsmanship of spaces and furnishings, the Straf can inevitably be qualified as a work of art for its uniqueness and exclusivity. Materials combined according to two main concepts, slate or cement in combination with burnished brass, as well as walls and mirrors that visually multiply the size of spaces, are the perfect backdrop to the ethnic-futuristic mood of the collection. The cement used for stairs and floors, the oxidized brass, the cut and split slate, and the gauze, aged and hand-torn as if to recall the works of Alberto Burri, create a warm atmosphere despite the hard, industrial materials. Because every detail, every finish, has undergone sophisticated processing. This jewel is accessible to all and, with the Straf Bar, the space is even more open to the city, a trendy window on Milan and Europe with a full program of shows, installations and DJ sets. Recovered pieces like the large, apple-green, 1970s chandelier, the panels moulded from recycled fibreglass with embedded optical lenses, and the vintage brown leather stools and sofa coexist in an atmosphere that is always lively and vibrant, with a decisively international vocation and peaks of lofty style. It is a work of art that responds perfectly to the needs of evolved consumers who want to feel at ease in a sophisticated environment. In fact, every light, colour and material used in Straf Milan is designed to create a unique atmosphere. People and spaces, volumes, environments. Like a contemporary art installation.

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Boscolo Milano Mit fünf Sternen geboren. Zum Trend geworden

„Eine einfache Liebesgeschichte in der Stadt der Träume.“So wie Regisseur David Lynch sein Meisterwerk Mulholland Drive beschreibt, liefert die Location den ersten Mood der Kollektion The Italian Touch, die Kulisse für ein elegantes Fotoshooting in einem anderen Raum, der Eleganz, Kunst und italienischen Stil verbindet. Man scheint nicht in Mailand zu sein, sondern im Los Angeles von David Lynch oder abgebildet in einem Werk von Cheyco Leidmann. Das Boscolo Milano – Autograph Collection by Marriott bringt Luxus und Zeitgenössisches in einen neuen Zusammenhang. In dem als Bezugs- und Treffpunkt konzipierten Hotel sind 50 % der Räumlichkeiten für die Öffentlichkeit zugänglich. Fast so, als würde die Metropole in seinem Inneren verschmelzen. Kein Zimmer ist dem anderen gleich. Stil, Kunst und italienisches Design auf dem Corso Matteotti und im Herzen des Mailänder Modeviertels, nur wenige Schritte von der Via Montenapoleone und der Via della Spiga entfernt. Das Boscolo ist nicht nur ein klassisches Fünf-Sterne-Hotel: Die moderne Küche ist rund um die Uhr, der Wellnessbereich bis Mitternacht geöffnet, für Veranstaltungen und Kunstausstellungen wurde ein eigener Bereich geschaffen. Raffinierte Linien, warme Farben, trendige Atmosphäre. Das von Italo Rota neu gestaltete Gebäude aus den zwanziger Jahren hat eine neue Bestimmung: Das moderne Hotel soll die klassische Perfektion einer luxuriösen Unterkunft und ein innovatives Konzept aus Schönheit und Zeitgenössischem zum Ausdruck bringen. Ein Ort der Begegnung und der Kommunikation. Die zwei großen Fensterfronten zur Straße hin sind ein Tor zur Stadt, eine fürstliche Location für die renommiertesten Kultur- und Modeveranstaltungen im Mailand der Mode und des Designs, der strengen Linien von Armani und dem sexual Chic von Gucci. Beim Öffnen der Website liest man als Erstes den Claim „Cinque stelle si nasce“ ‒ Mit fünf Sternen geboren. Zum Trend geworden ‒ würden wir hinzufügen.

“A simple love story in the city of dreams”. Director David Lynch’s description of his masterpiece Mulholland Drive is fitting for the location that served as the backdrop for the elegant photo shoot of the The Italian Touch collection, a different place that blends elegance, art and Italian style. It doesn’t feel like we’re in Milan, though, but in David Lynch’s Los Angeles or in a Cheyco Leidmann portrait. Boscolo Milan - Autograph Collection by Marriott dictates a new relationship between luxury and contemporaneity. Designed as a reference and meeting point, 50% of its space is public. It’s almost as if its interior is the continuation of the metropolis. No two rooms are the same. Style, art and Italian design on Corso Matteotti and in the heart of Milan’s fashion district, a stone’s throw from Via Montenapoleone and Via della Spiga, Boscolo is not just the classic five-star hotel. The chic kitchen is open 24 hours a day, the spa until midnight and there’s an area for shows and art exhibitions. The lines are refined, the colours warm, the atmosphere cool. Created out of Italo Rota’s renovation of a building built in 20’s, its vocation is to be a contemporary hotel that extends the classic perfection of a luxury space, expressing an innovative concept of the relationship between what is beautiful and what is contemporary. A place for meeting and communication, the two large windows overlooking the street are an open gateway to the city as the top location of the most prestigious cultural initiatives and trends in the Milan of fashion and design, the Milan of Armani’s rigorous lines and Gucci’s sexual-chic. The website opens with the words “Born Five-Star”. (And, we would add, “Made Trendy”.)

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Kemon und der Wild Beauty AG Italienischer Stil und Professionalität kommt in Deutschland gut an

Die Wild Beauty AG, ein deutsches Unternehmen, führend im Vertrieb von Haarpflegeprodukten exklusiv für den professionellen Friseurmarkt in Deutschland, Österreich und einigen anderen Ländern, ist seit vielen Jahren sog. Fördernder Partner des Zentralverbandes des Deutschen Friseurhandwerks. Diese Partnerschaft wurde weiter ausgebaut, seit auch Kemon zu den renommierten Marken des Produktportfolios der Wild Beauty AG zählt. Die Entscheidung, Kemon als Handelspartner aufzunehmen, beruht auf der Tatsache, dass das italienische Unternehmen professionelle Produkte entwickelt und produziert, die sich sowohl in Bezug auf Leistung als auch auf Nachhaltigkeit durch hohe Qualitätsstandards auszeichnen. Aber das ist nicht der einzige Grund: Die Wild Beauty AG hat sich auch für die Zusammenarbeit mit Kemon entschieden, weil sie davon überzeugt ist, dass deutsche Friseure durch das System stilistischer und fachlicher Weiterbildung sowie Fortbildungen im Bereich Salonmanagement im Rahmen dieser neuen Partnerschaft nur gewinnen können. Noah und Reinhold Wild haben Rainer Röhr (Präsident des Zentralverbandes des Deutschen Friseurhandwerks) gegenüber ihre Begeisterung über die Weiterführung und den Ausbau der Partnerschaft zum Ausdruck gebracht, die durch den neuen Input von Kemon in Sachen Professionalität und Stil weiter gestärkt wird. Auch Röhr selbst zeigt sich sehr zufrieden und sieht in Kemon einen strategischen Partner, der hohe Standards in puncto Qualität und Innovation setzt: die perfekte Mischung, die für alle Friseure eine echte Bereicherung sein wird.

Wild Beauty AG, a German company that distributes the leading brands for professional hairstylists in Germany, has been a partner of the Central Association of German Hairstylists for several years. This partnership was further enhanced when Kemon was added to the prestigious brands in Wild Beauty AG’s portfolio. The decision to include Kemon among its trading partners was dictated by the fact that it recognized the Italian company’s ability to develop and produce professional products to high quality standards in both performance and sustainability. In addition, Wild Beauty AG chose to work with Kemon because they are confident that this new partnership will help German hairstylists increase their professionalism, thanks to what has been called an excellent system of stylistic, technical and salon management training. Noah and Reinhold Wild told Rainer Röhr, President of the Central Association of German Hairstylists, of their enthusiasm for continuing to work with this important association, strengthened by the new life brought by Kemon in terms of professionalism and style. Röhr himself said he was very pleased and considered Kemon a strategic partner that can bring a high standard in the areas of quality and innovation: the perfect mix that will be a real support to all Germans hairstylists.

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Kemon Days Die beiden Thementage, mit großer Show der italienischen und internationalen Designern ... Kemon Marketing

Shows, Musik, Modeschauen und neue Trends im Kongresspalast von Riccione und der Diskothek Altromondo. Am vergangenen 30. und 31. März beherbergte die Riviera Romagnola wieder einmal die Kemon Days, das seit nahezu 20 Jahren einzigartige Ereignis dieser Art: Zwei Thementage mit Bühnenshows großer italienischer und internationaler Hairstylisten und als Überraschung während der Party die „offbeat“ Präsentation der Evolution Collection The Italian Touch, die den Grunge-Trend der im vergangenen September vorgestellten Master Collection noch vertieft. Tausend Besucher, darunter Zuschauer, Team, Showteilnehmer und Organisatoren; Gäste aus Europa, Asien, dem Mittleren und Fernen Osten erleben fast zehn Stunden Bühnenshow im Kongresspalast von Riccione und die Party am Sonntagabend in der Diskothek Altromondo Studios. Dies sind einige Fakten der 19. Kemon Days, einer rundum gelungenen Veranstaltung, der es wieder einmal gelang, Kemons Koryphäen des italienischen Hairstylings von der Adriaküste auf die Weltbühne zu bringen. Die bedeutendste Jahresveranstaltung des Unternehmens hat bei dieser Gelegenheit bereits zum nächsten Termin 2015 ‒ zur zwanzigjährigen Ausgabe ‒ eingeladen. Zwei Jahrzehnte Kemon Days mit höchster italienischer Hairstylingkunst, auf die die Welt gewartet hat.

Performances, music, fashion shows and new trends at Riccione’s Conference Centre and Altromondo disco. Last 30 and 31 March, the Romagna Riviera played host again to Kemon Days, for almost twenty years the only event of its kind. Two theme days, shows by top Italian and international hairstylists and, during the party, the surprise and “offbeat” presentation of The Italian Touch Evolution Collection, which delved deeper into the Grunge trend that was already presented last September in the Master Collection. A thousand people involved between spectators, staff, shows and organizers; guests from Europe, Asia and the Middle and Far East; nearly ten hours of shows on stage, with a break for the party Sunday night at the Altromodo Studios disco. These are just a few numbers from the 19th Kemon Days, making it an all-around success. From the Italian Adriatic Riviera, the event once again brought the excellence of Kemon's Italian hairstyling to the world stage. And in 2015 it will be the mustattend happening for all. In fact, the company’s most important annual event will be celebrating its 20th anniversary: two decades of Kemon Days and Italian hairstyling excellence.

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Events www.kemon.it

FORUM DEL PARRUCCHIERE ECCELLENTE

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