tuinfeest '15 by museum Dhondt-Dhaenens

TUINFEEST GARDEN PARTY P POP-UN STELLING

‘15

15 TENTOO N 22/23/29/30.08.20 E O NHOV E S S A EXPOSITI W AN

V WONING

VEILING INTERNETVEILING

CHRISTIE’S

Pop-up tentoonstelling In Woning Van Wassenhove, een uniek woonconcept van architect Juliaan Lampens Zaterdag en zondag 22, 23 en 29 en 30 augustus 2015 tussen 11 tot 18 uur. Bezoek enkel mogelijk via inschrijving: beatrice.pecceu@museumdd.be Het toekomstbeleid van het museum is ambitieus. Naast de renovatie van het bestaande museum zijn er plannen om een nieuwe vleugel te bouwen die een verdubbeling van de tentoonstellingsoppervlakte oplevert. Deze nieuwe vleugel zal de permanente museumcollectie herbergen, terwijl de tentoonstellingen hedendaagse kunst hun plaats krijgen in het bestaande gebouw. Het museum bezit met VillaDD, gelegen langs de Leie vlakbij het museum, een indrukwekkend werk van kunstenaar Hans Op de Beeck. Dit huis/ kunstwerk zal de bibliotheek van Jan Hoet herbergen en ook plaats bieden voor een residentieprogramma voor kunstenaars, onderzoekers en auteurs (in werking vanaf april 2016). Het museum beschikt sinds kort over een van de belangrijkste modernistische gebouwen in BelgiĂŤ: de Woning Van Wassenhove, een uniek voorbeeld van modernistische betonarchitectuur van Juliaan Lampens. Deze eenpersoonswoning, gebouwd in 1973, werd door UGent aan het museum ter beschikking gesteld voor een periode van 27 jaar. Het museum kan de woning zowel openstellen voor het publiek als er een residentieprogramma uitbouwen.

Exposition Pop-up Dans la Woning Van Wassenhove, une résidence unique conçue par l’architecte Juliaan Lampens. Samedi et dimanche le 22, 23, 29 et 30 août 2015 entre 11 h-18 h. Visite uniquement possible par inscription : beatrice.pecceu@museumdd.be Le musée mène une politique d’avenir ambitieuse. Outre la rénovation du musée existant, une nouvelle aile va venir doubler la surface d’exposition. Cette nouvelle aile abritera la collection permanente du musée tandis que les expositions d’art contemporain se tiendront dans le bâtiment existant. Avec la VillaDD/, nichée le long de la Lys, juste à côté du musée, le musée dispose d’une impressionnante œuvre de l’artiste Hans op de Beeck. Cette maison/œuvre d’art abritera la bibliothèque de Jan Hoet et pourra aussi accueillir un programme de résidence destiné à des artistes, des chercheurs et des auteurs (en fonction à partir d’avril 2016). Le musée dispose depuis peu d’un des plus éminents bâtiments modernistes de Belgique: la maison de Van Wassenhove, un exemple unique d’architecture moderniste signé Juliaan Lampens. Construite en 1973, cette maison a été mise à la disposition du musée par l’UGent pour une durée de 27 ans. Le musée peut l’ouvrir au public ou y déployer un programme de résidence.

PARTY GARDEN PARTY

‘15

VENTE AUX ENCHÈRES (INTERNET) VEILING

Voorwoord

Het Tuinfeest van het museum Dhondt-Dhaenens, feest van ontmoeting, sfeer en traditioneel veel zon, is een mooie traditie die het begin aankondigt van het nieuwe artistieke seizoen. De negende editie heeft plaats op zaterdag 5 september 2015 vanaf 18u.

Het feest is een ongedwongen gebeuren waarbij het museum op een unieke manier in beeld wordt gezet. Vaste waarden blijven de succesvolle internetveiling en de benefietveiling verzorgd door Christieâ&#x20AC;&#x2122;s. Alle kunstwerken worden een paar weken voor het Tuinfeest op de website geplaatst van het internationaal veilingplatform, Paddle8, waardoor het bieden voor iedereen toegankelijk is. De kunstwerken die op deze avond onder de hamer gaan, zijn aan het museum geschonken door bevriende kunstenaars, betrokken galeries en gepassioneerde verzamelaars. We hebben dit jaar opnieuw een fraai aanbod van bijzondere werken waarop onze enthousiaste kunstliefhebbers kunnen bieden. De internetveiling heeft als doel nieuw talent te ontdekken. We vroegen aan kunstkenners om een kunstenaar te selecteren die zij als beloftevol ervaren. Het resultaat is een waaier van werken van zeer diverse en talentvolle kunstenaars. De internetveiling Paddle8 (http://paddle8.com/auctions) opent reeds vanaf 10 uur op vrijdag 20 augustus 2015 en sluit af op 5 september 2015 om 24 uur. Gedurende deze avond zijn er een aantal iPads in het museum beschikbaar die u toelaten te bieden tot middernacht. Op de werken die op 5 september 2015 door Christieâ&#x20AC;&#x2122;s live worden geveild kan ook online geboden worden vanaf 10 uur op vrijdag 20 augustus 2015 (http://paddle8.com/auctions) en dit tot

middernacht op 4 september 2015. Het hoogste bod dat door Paddle8 werd ontvangen geldt tevens als bod voor de Christie’s veiling tijdens het Tuinfeest. Last but not least, als u meedoet met het bieden, verlies dan niet uit het oog dat alle opbrengsten zorgvuldig besteed worden om de werking van het museum te optimaliseren en de kunstenaars een betere tentoonstellingsomgeving te faciliteren. De Raad van Bestuur, het Uitvoerend Comité, het team van het museum en mezelf zijn ontzettend dankbaar voor het enthousiasme en de liefde waarmee de kunstenaars, de galeries, de patroons van het museum, de sponsors en in het bijzonder Christie’s, Stageteam en alle vrijwilligers telkens het Tuinfeest helpen mogelijk maken! Heel hartelijk, Joost Declercq Directeur

Préface

La Garden Party du musée Dhondt-Dhaenens est devenue une merveilleuse tradition arrosée de soleil et un événement où, dans la bonne entente, de belles rencontres ont lieu. Cette année, la neuvième édition se tiendra le samedi 5 septembre 2015 à partir de 18 h.

La Garden Party met en valeur le musée d’une façon originale et l’ambiance se veut informelle. Les valeurs sures restent le succès de la vente aux enchères sur Internet et la vente aux enchères de bienfaisance prise en charge par Christie’s. Toutes les œuvres seront téléchargées sur le site de vente aux enchères international, Paddle8, permettant des enchères d’un public très varié. Les œuvres d’art présentées à la vente aux enchères sont gracieusement offertes au musée par des artistes amis, des galeries ou des collectionneurs passionnés et généreux. Nous pouvons une nouvelle fois offrir une sélection intéressante de créations qui inspireront nos afficionados d’art et les stimuleront à faire leur offre. La vente aux enchères Internet a comme but de découvrir du nouveau talent. Nous avons demandé à des connaisseurs d’art de sélectionner un artiste prometteur. Le résultat est une offre très diverse d’œuvres d’artistes talentueux. La vente aux enchères internet ouvre sur Paddle8 (http://paddle8. com/auctions) le vendredi 20 août 2015 à partir de 10 heures et se termine le 5 septembre 2015 à minuit. Lors de la Garden Party il y aura un certain nombre de iPads disponible au musée vous permettant de miser jusqu'à minuit. Le vendredi 20 août 2015 à partir de 10 heures vous pourrez également miser online sur les œuvres de la vente aux enchères Christie’s http://paddle8.com/auctions. Cette vente sera clôturée online le

4 septembre 2015 à minuit. La mise la plus élevée entre également dans la vente aux enchères Christie’s le soir de la Garden Party. Last but not least, si vous participez aux ventes aux enchères, n’oubliez pas que tous les revenus sont intégralement consacrés à optimiser le fonctionnement du musée et à faciliter de meilleurs moyens d’exposition pour les artistes. Le Conseil d’Administration, le Comité exécutif, les collaborateurs du musée et moi-même sommes infiniment reconnaissants face à l’enthousiasme et l’amour des artistes, des galeries, des patrons du musée et des sponsors. Nous remercions en particulier Christie’s, Stageteam et tous les volontaires. Tous contribuent indéniablement au succès de la Garden Party. Très cordialement, Joost Declercq Directeur

Programma 18u Verwelkoming en aperitief

De tentoonstelling “Picturex,” is gratis te bezichtigen tot 21u.

Vanaf 19u Dinner verzorgd door ‘Coeur d’Artichaut Catering’

Ook de internetveiling wordt dezelfde avond afgesloten. Een aantal iPads zullen ter beschikking staan in de feesttent om uw laatste bod uit te brengen.

21.30u Veiling van kunstwerken Van 22.30 - 1u Doorlopend DJ-sets

Bent u geïnteresseerd in een bepaald lot maar kunt u niet aanwezig zijn, doe dan een bod aan de balie van het museum. 09/330 17 30 info@museumdd.be

Programme 18h Accueil et apéritif

L’exposition 'Picturex,' est à visiter jusque 21h.

A partir de 19h Dîner par ‘Coeur d’Artichaut Catering’

La vente Internet se termine également le soir de la fête.Vous aurez l’occasion de faire vos dernières enchères via les iPads qui seront disponible dans la tente de la fête.

21h30 Vente aux enchères des œuvres d’art De 22h30 à 1h DJ-sets

Si une ou plusieurs œuvres vous intéressent, mais que vous ne pouvez pas être présent, faites vos enchères à la réception du musée. 09/330 17 30 info@museumdd.be

VEILING VENTE AUX ENCHÈRES

LOT

Johan De Wilde History 066, 2014 Grafiet en kleurpotlood op zuurvrij archiefkarton 30 x 21 cm (met kader en museumglas) Courtesy van de kunstenaar en G262 Sofie Van De Velde, Antwerpen

De tekeningen van Johan De Wilde (België, 1964) kunnen worden beschouwd als het werk van een 'human printer (de mens creëerde computers naar zijn beeld): ze zijn opgebouwd als schilderijen, laag na laag horizontale en verticale lijnen met een vorm, een gewoven vorm. Laten we zeggen dat hij het doek dat hij schildert, tekent door het gebruik van allerlei soorten potloden. Hij gebruikt meestal dezelfde formaten: A4 omdat hij de tekeningen zo universeel wil (en A4 is tenslotte wat iedereen elke dag gebruikt) en afgeleid heeft het dezelfde verhoudingen als A2. Thema's zijn zeer verschillend en heel divers, soms laat hij ze gaan om ze na verloop van tijd opnieuw op te pakken. De reden waarom hij bijna al zijn tekeningen Geschiedenis (+ een getal) noemt, is dat hij in principe de tijd tekent, op een schaal 1/1. Hij tekent de lijnen terwijl zijn eigen/ieders tijd door gaat, een ironische opmerking over 'vita brevis, ars longa'. Les dessins de Johan De Wilde (Belgique, 1964) s'apparentent à la production d’une « imprimante humaine » (l’homme a créé les ordinateurs à son image) : ils sont composés comme des peintures, couche après couche de lignes horizontales et verticales ayant une forme, en l’occurrence une forme ondoyante. On peut dire de la toile que peint De Wilde qu’il la dessine à l’aide d’un large éventail de crayons. Il utilise généralement les mêmes formats : l’A4 parce qu'il entend assurer l'universalité des dessins (l'A4 est finalement ce que chacun utilise au quotidien) et qu’il présente les mêmes rapports que l’A2. Les thèmes sont très éclectiques et divers. L’artiste les laisse parfois se chercher leur voie avant de les reprendre avec le temps. La raison pour laquelle De Wilde baptise pratiquement tous ses dessins « Geschiedenis » (Histoire) (+ un chiffre) tient au fait qu’il dessine en principe le temps, à une échelle de 1/1. Il trace des lignes tandis que son temps et le temps de chacun s'écoulent. Un regard ironique sur le « vita brevis, ars longa ».

LOT

Ed Templeton Lincoln at Gettysburg, Huntington Beach, 2011 Silver gelatin print, ed. 3 + 1AP, #1/3 67 x 96.5 cm Courtesy van de kunstenaar en van Tim Van Laere Gallery, Antwerpen Ed Templeton (USA, 1972) begon met fotografie te experimenteren in 1995. Hij was geïnteresseerd in de mix van sociale documentaire en persoonlijke expressie, geïllustreerd door voorlopers zoals Nan Goldin en Larry Clark, die in de late 20e eeuw een bepaalde trend zouden definiëren. "Ik realiseerde me dat ik geen deel uitmaakte van het geweldige basismateriaal dat me omringde.", aldus Templeton, wiens skateboarding carrière hem over de hele wereld stuurde voor wedstrijden en demonstraties. Hij gaf het maken van foto's van deze insulaire scene gauw op, en startte met het fotograferen van de details van zijn dagelijks bestaan. "Elk vrij moment loop ik door de straten en maak ik foto's van het leven in het algemeen - met inbegrip van mijn persoonlijk leven." De meest beruchte foto’s zijn de candid naaktfoto's van zijn vrouw Deanna, waarvan Templeton vindt dat ze helaas een onnodige hoeveelheid aandacht kregen. Het is niet de opwinding of de exploitatie, maar eerder het natuurlijke eindresultaat om het degenererende leven en de kunst tot een enkelvoudige eenheid te brengen. Relaties, reizen, religie, portretten, straatscènes - ze maken integraal deel uit van Eds fotografisch oeuvre. Ed Templeton (États-Unis, 1972) a commencé à expérimenter la photographie en 1995. Il était intéressé par le mélange des genres entre documentaire social et expression personnelle, illustré par des précurseurs comme Nan Goldin et Larry Clark qui définirent une certaine tendance à la fin du 20e siècle. « J’ai réalisé que je ne faisais pas partie du fantastique matériel de base qui m’entourait », affirma un jour Templeton, dont la carrière de skateboarder le conduisit aux quatre coins du monde pour des tournois et des démonstrations. Il abandonna assez vite la photographie de cette scène insulaire et se lança dans celle des détails de son existence quotidienne. « Je parcours les rues à chaque moment libre et je photographie la vie en général, y compris ma vie personnelle. » Les photos les plus célèbres sont les nus pris sur le vif de sa femme Deanna, dont Templeton trouve qu’ils ont hélas fait l’objet d’une attention exagérée. Il ne s’agit pas de l’excitation ou de l’exploitation, mais plutôt du résultat final naturel afin de fédérer l’art et la vie dégénérescente en une entité simple. Les relations, les voyages, la religion, les portraits, les scènes de rue sont autant de thèmes qui émaillent l'œuvre photographique d'Ed. 15

LOT

John Baldessari/Lawrence Weiner The Metaphor Problem - Again, 1999 Lithografie op Rives, 270 gr. met genummerde catalogus, ed. 75 + 15 AP, #32/75, Gesigneerd en genummerd, Tweedelig Elk 70 x 61,5 cm Courtesy van de kunstenaars en van Mai 36 Galerie, Zürich Twee helden van de conceptuele kunst die geen introductie meer behoeven. Zowel Lawrence Weiner (USA, 1942) als John Baldessari (USA, 1931) hebben een traditie wat betreft het samenwerken met andere kunstenaars. Het samengaan van woord en beeld is een spel dat beiden graag spelen, en waar ze zich in vonden bij de realisatie van het project The Metaphor Problem. Deux héros de l’art conceptuel que l’on ne présente plus. Tant Lawrence Weiner (États-Unis, 1942) que John Baldessari (États-Unis, 1931) font de la collaboration avec d’autres artistes une authentique tradition. L’accord entre le mot et l’image est un jeu auquel ils s'adonnent volontiers tous les deux et pour lequel ils se sont d'ailleurs retrouvés lors de la réalisation du projet The Metaphor Problem.

The Still House Group Après son passage remarqué au musée Dhondt-Dhaenens, nous sommes ravis de pouvoir présenter un important ensemble d'œuvres de The Still House Group, à l’occasion de ces enchères de bienfaisance. Les jeunes artistes qui constituent The Still House partagent, depuis 2010, un atelier à Brooklyn, New York. Bien que les membres travaillent dans le même espace, leurs œuvres individuelles présentent de grandes différences les unes par rapport aux autres. Les artistes y collaborent intensivement, sans pour autant réaliser des œuvres « des oeuvres en groupe ». Ils exploitent des techniques et des supports très divers, allant de la peinture classique à l’huile à la couture de morceaux de tissu ou de papier, l'utilisation de divers matériaux d’enseignes de bricolage ou la réappropriation et la réinterprétation d’images et d'objets existants. Les membres du Still House Group(Isaac Brest (°1987), Nick Darmstaedter (°1988), Louis Eisner (°1988), Jack Greer (°1987), Brendan Lynch (°1985), Dylan Lynch (°1987), Alex Perweiler (°1986), Zachary Susskind (°1986) exposent régulièrement, organisent en groupe des projets et des activités et font aussi office de curateurs de leurs expositions. Ils invitent également d'autres jeunes artistes (Alex Ito (°1991), Haley Mellin (°1983), Peter Sutherland (°1976), Augustus Thompson (°1985), …) en résidence dans leur atelier. À cet égard, The Still House est un groupe de jeunes artistes ambitieux en constante expansion.

LOT

Augustus Thompson Toile (For Quitting), 2015 Epson UltraChrome inkt op tijk 30,48 x 190,5 cm Courtesy van de kunstenaar en The Still House Group, New York

LOT

Alex Ito Her Singing Coach Advised a Light Smoke, 2014 UV-uithardende inkt en droge naald op aluminium paneel 60,96 x 45,72 cm Courtesy van de kunstenaar en The Still House Group, New York

LOT

Brendan Lynch Heâ&#x20AC;&#x2122;s Right There, 2015 Grafiet en aluminium blad op houten paneel 152.40 cm x 121.92 cm Courtesy van de kunstenaar & The Still House Group, New York & Galerie Rodolphe Janssen, Brussel

LOT

Haley Mellin Untitled, 2015 UV print, olie op doek 43,18 x 36,20 cm Courtesy van de kunstenaar & The Still House Group, New York

LOT

Jack Greer Solveig, 2014 Doek, draad en latexverf 50,80 x 40,64 cm Courtesy van de kunstenaar & The Still House Group, New York & Galerie Rodolphe Janssen, Brussel

LOT

Zachary Susskind Artifacts: Language Barrier (Aleksei Kivshenko, Alexander Mikhailovic, Juan Pantoja de la Cruz), 2014 Katoen en papier in kunstenaarslijst (3x) 27,94 x 20,32 cm Courtesy van de kunstenaar & The Still House Group, New York & Galerie Rodolphe Janssen, Brussel

LOT

Kamrooz Aram From the series 7000 years (10), 2014 Collage, Gemengde technieken op papier 43 x 35 x 2,5 cm Courtesy van de kunstenaar en Green Art Gallery, Dubai

De diverse praktijk van Kamrooz Aram (Iran, 1978) behandelt vaak de gecompliceerde relatie tussen de traditionele niet-westerse kunst en het westers modernisme. Door het gebruik van een verscheidenheid van media, waaronder schilderen, collage, tekening en installatie, heeft Aram het potentieel voor beeldvorming gevonden dat kritisch functioneert als middel voor een welbepaalde heronderhandeling van de geschiedenis. Arams schilderijen onthullen de essentiële rol die ornament speelde in de ontwikkeling van de moderne kunst in het Westen. Hij gebruikt florale motieven uit Perzische tapijten en configureert ze herhaaldelijk in schilderkunstige meditaties; hij bouwt het patroon op, vernietigt het en begint opnieuw, hetgeen resulteert in explosieve beelden, altijd in een staat van flux. Deze weelderige doeken en collages vormen repetitieve patronen die door de chaos van fragmenten een nieuwe betekenis krijgen. Aram maakt de relatie tussen ornament en decoratie ingewikkeld; hij openbaart de geschiedenis van het ornament als een impuls naar afwezigheid van figuratie, op zoek naar abstractie. La pratique éclectique de Kamrooz Aram (Iran, 1978) traite souvent de la relation compliquée entre l’art traditionnel non occidental et le modernisme occidental. Par l’utilisation d’un large éventail de supports, parmi lesquels la peinture, le collage, le dessin et l'installation, Aram a trouvé le potentiel d’imagerie pouvant permettre, de manière critique, un retraitement particulier de l'histoire. Les peintures d'Aram dévoilent le rôle essentiel que l’ornement a joué dans le développement de l’art moderne en Occident. Il utilise des motifs floraux tirés de tapis persans et les configure de manière répétitive en méditations picturales. Il construit le patron, le détruit et recommence, ce qui se traduit par des images explosives, dans un état de flux constant. Ces toiles et collages luxuriants forment des motifs répétitifs qui trouvent une nouvelle signification par le chaos des fragments. Aram rend complexe la relation entre l'ornement et la décoration. Il révèle l'histoire de l'ornement comme une impulsion vers l'absence de figuration, en quête d'abstraction.

LOT

Chiharu Shiota Red Shadow, 2013 Oliepastel en draad op papier 40 x 30 cm 52 x 42 x 2 cm (met kader) Courtesy van de kunstenaar en Galerie Daniel Templon, Brussel Chiharu Shiota (Japan, 1972) is een Japanse performance en installatie kunstenaar, meest bekend voor het creëren van ruimte vullende, monumentale doch delicate, poëtische omgevingen. Centraal in het werk van de kunstenaar zijn de thema's van herinnering en vergetelheid, dromen en slapen, sporen van het verleden en de kindertijd, en het omgaan met angsten. Shiota vindt diverse visuele uitingen voor deze onderwerpen, de meest gevierde zijn ondoordringbare installaties gemaakt van zwarte draad die vaak diverse huishoudelijke en alledaagse, persoonlijke voorwerpen omsluiten: een verbrande piano, een trouwjurk, een regenjas van een vrouw, soms zelfs de slapende kunstenaar zelf. Chiharu Shiota behoort tot een generatie jonge kunstenaars die in de afgelopen jaren internationale aandacht kregen voor de lichaam-gerelateerde kunst. Chiharu Shiota (Japon, 1972) est une artiste japonaise de performance et d’installation, essentiellement connue pour la création d’environnements expansifs et monumentaux, mais délicats et poétiques. L’œuvre de l’artiste s’articule autour de thèmes comme le souvenir et l’oubli, le rêve et le sommeil, les traces du passé et l'enfance, mais aussi la confrontation aux angoisses. Shiota trouve diverses expressions visuelles pour ces thèmes, les plus plébiscitées étant ses installations impénétrables faites de fil noir et qui renferment souvent des objets personnels, ménagers et de la vie de tous les jours : un piano incendié, une robe de mariée, un imperméable pour femme, parfois l'artiste endormie elle-même. Chiharu Shiota appartient à une génération de jeunes artistes qui ont bénéficié, ces dernières années, d’une attention internationale accrue pour l’art corporel.

LOT

Lieven De Boeck X, Y, Z, 2015 Uitsnedes uit polyester calqueerpapier (3x) 42,2 x 29,7 cm Courtesy van de kunstenaar en Meessen De Clercq, Brussel

Rode draad doorheen het werk van Lieven de Boeck (België, 1971) is een fundamenteel bevragen, een heen-en-weer slingeren – nu eens subtiel, dan weer ludiek, soms heel erg radicaal – tussen de universele taal van abstracte vormen en de eerder omstandige taal van tekens en woorden. In het algemeen kan zijn poëtiek gezien worden als de poëtiek van het teruggetrokkene, het verborgene en het afgeslotene, en dit door middel van een esthetisch gebruik van de weglating, van knippen en plakken, van bedekken. Dit alles zorgt ervoor dat wit, op een haast natuurlijke manier, de meest voorkomende kleur is in zijn werk. (extract uit tekst Emmanuel Lambion) Le fil conducteur de l’œuvre de Lieven de Boeck (Belgique, 1971) est un questionnement fondamental, un aller-retour tour à tour subtil et ludique, parfois très radical, entre le langage universel des formes abstraites et le langage plutôt circonstanciel des dessins et des mots. En général, sa poétique peut être perçue comme celle de l’introverti, du caché et du reclus, et ce, par le biais de l’utilisation esthétique du délaissement, du couper-coller, du recouvrement. Le tout explique pourquoi le blanc, d’une manière presque naturelle, est la couleur la plus récurrente dans son œuvre (extrait du texte d’Emmanuel Lambion).

LOT

Strook Like a Madonna, 2014 Acrylverf en spray paint op doek 100 x 80 X 4 cm Courtesy van de kunstenaar en Karl Dhont, kunstverzamelaar

Stefaan De Croock (België, 1982) studeerde Schone Kunsten (grafisch ontwerp) aan Sint-Lucas in Gent. Sinds 2011 wijdt Stefaan zich volledig aan zijn artistieke ambacht en het project 'Strook'. Zijn opleiding en ervaring als grafisch ontwerper zetten een duidelijke stempel op zijn artistieke visie. Stefaan trekt eerst een aantal basislijnen. Elke tekening begint met deze vlugge, spontane, zelfs impulsieve actie – het is bijna automatisch tekenen. Binnen deze lijnen creëert hij verschillende dimensies door het toevoegen van kleur, structuur en verhalende details die om de aandacht van de kijker vragen, doch de basiscompositie houdt stand. Stefaan De Croock (Belgique, 1982) a étudié les Beaux-Arts (conception graphique) à Sint-Lucas, à Gand. Depuis 2011, Stefaan se consacre pleinement à l’artisanat artistique et au projet « Strook ». Sa formation et son expérience de concepteur graphique ont clairement une empreinte sur sa vision artistique. Stefaan trace d’abord quelques lignes de base. Chaque dessin commence par cet acte rapide, spontané, parfois même impulsif dans lequel on peut pratiquement voir du dessin automatique. Dans ces lignes, il crée ensuite différentes dimensions par l'ajout de la couleur, de la structure et de détails narratifs qui mobilisent l'attention du spectateur, bien que la composition de base subsiste.

LOT

Max Frintrop Untitled ("Protagonist"), 2015 Mixed media 200 x 150 x 4 cm Courtesy van de kunstenaar en Gallerie Berthold Pott, Keulen

Max Frintrop (Duitsland, 1982) werkt met kleuren, lijnen en texturen die de grenzen van de ruimte of het doek aftasten. Het liefst werkt hij op groot formaat om het vrijheidsgevoel optimaal te beleven. Zijn houten lijnsculpturen lijken een verlengde te vormen van zijn kleurrijke schilderijen. In zijn werk gaan zo het twee- en driedimensionale hand in hand en creëren een ruimte binnenin de ruimte. In zijn recentste schilderijen worden de lijnen steeds vager en creëert hij abstracte composities waarin de gevoelsmatige verfaanbreng zeer bepalend wordt. Max Frintrop (Allemagne, 1982) travaille avec des couleurs, un trait et des textures qui défient les limites de l’espace ou de la toile. Il travaille idéalement sur de grands formats afin d’éprouver de manière optimale le sentiment de liberté. Ses sculptures linéaires en bois semblent être un prolongement de ses peintures hautes en couleur. Son œuvre combine ainsi les aspects bidimensionnels et tridimensionnels qui créent un espace au sein de l’espace. Dans ses peintures les plus récentes, les lignes s’estompent de plus en plus et l’artiste crée des compositions abstraites dans lesquelles le trait instinctif devient déterminant.

LOT

Hans Vandekerckhove The Other Realm, 2013 Olie op doek 135 x 100 cm Courtesy van de kunstenaar en Light Cube Art Gallery, Ronse

Hans Vandekerckhove (België, 1957) staat alleen in de hedendaagse schilderkunst; zijn kunst is het resultaat van introspectieve concentratie en ontwikkeling in plaats van een reactie op bestaande stijlen of trends. Het ‘leitmotiv’ in het werk van deze kunstenaar is de dingen te aanschouwen om de dagelijkse realiteit te transformeren in een een poëtische wereld van roerloze schoonheid. Deze transformatie verandert voorwerpen in een fenomeen en personen in wezens. In deze zoektocht naar duidelijkheid en mysterie heeft de schilder inspiratie gevonden in tuinen en landschappen over heel Europa. Vaak transponeert hij landschappen in een bijna virtuele omgeving weg van het heden of het verleden. Al deze werken gaan over verbeelding en het onderbewustzijn, maar zijn vaak gebaseerd op de waarnemingen tijdens wandelingen of afgezonderde verblijfplaatsen. Zijn meest recente schilderijen onderzoeken de relatie tussen natuur en cultuur. Hans Vandekerckhove (Belgique, 1957) fait figure d’homme seul dans l’art pictural contemporain. Son art est le fruit d’une concentration et d’un développement introspectifs plutôt qu’une réaction à des tendances ou à des styles existants. Le « leitmotiv » de l’œuvre de cet artiste consiste à contempler les choses afin de transformer la réalité quotidienne en un univers poétique de beauté immobile. Cette transformation métamorphose les objets en un phénomène et les personnes en êtres. Dans cette quête de clarté et de mystère, le peintre a trouvé l’inspiration dans des jardins et des paysages aux quatre coins de l’Europe. Il transpose souvent les paysages dans un environnement pratiquement virtuel, loin du présent ou du passé. Toutes ses œuvres évoquent l’imaginaire et l’inconscient, mais sont souvent basées sur des observations faites au fil de promenades ou dans des villégiatures isolées. Ses peintures les plus récentes explorent la relation entre la nature et la culture.

LOT

Germaine Kruip Lebron James number # 1, 2015 Bewerkte archieffoto, ed. 5 + 1 AP, #1/5 15 x 15 cm 40 x 40 cm (met kader) Courtesy van de kunstenaar en G262 Sofie Van De Velde, Antwerpen

Sinds haar overgang van het theater naar de beeldende kunst aan het begin van deze eeuw, verkent Germaine Kruip (Nederland, 1970) verschillende pistes. Veel werk vertrekt vanuit haar interesse in het efemere en hoe deze in een fysiek of visueel moment kan vastgelegd worden. Het is de scenografie van oncontroleerbare of ongrijpbare fenomenen, zoals het steeds veranderende daglicht en het verstrijken van de tijd. De taal van simpele geometrische vormen, zoals cirkels of vierkanten, is diep geworteld in de geschiedenis van ideeën, religie en kunst. Kruip gebruikt deze vormen om de relatie te onderzoeken tussen kunst en ritueel in repetitieve gebaren, die tot doel hebben de perceptie subtiel te veranderen. Door de nadruk te leggen op de gestieke en fysieke oorsprong van abstracties, onderzoekt zij of een absolute abstractie überhaupt ooit mogelijk kan zijn. Depuis son passage du théâtre à l’art sculptural au début de ce siècle, Germaine Kruip (Pays-Bas, 1970) explore différentes pistes. De nombreuses œuvres s’inspirent de son intérêt pour l’éphémère et la manière dont il peut être fixé dans un moment physique et visuel. Il est ici question de la scénographie de phénomènes incontrôlables ou insaisissables, comme la lumière changeante ou l’écoulement du temps. Le langage des formes géométriques simples, comme les cercles et les carrés, est profondément enraciné dans l’histoire des idées, de la religion et de l’art. Kruip exploite ces formes pour étudier la relation entre l’art et le rituel en gestes répétitifs, qui ont pour but de changer subtilement la perception. En mettant l'accent sur l’origine gestuelle et physique des abstractions, elle étudie la possibilité d'une abstraction absolue.

LOT

Paul Bourgeois PB 1546, 2015 Geperforeerd papier 119 x 97,5 cm Courtesy van de kunstenaar en Galerie Sofie Lachaert, Tielrode

Paul Bourgeois (België, 1941) is altijd schilder gebleven, ook al is in de loop van zijn ontwikkeling het gebruik van verf en doek verdwenen. Hij reanimeert aan elkaar geplakte vellen posters die zijn losgekomen van hun drager en op de grond liggen langs de spoorlijnen of in achterbuurten. Het is niet specifiek het beeld op de voorkant dat zijn belangstelling wekt, maar veeleer de commercieel te verwaarlozen achterzijde. Hoewel de gerimpelde overblijfselen vaak om versterking vragen, probeert hij hun kwetsbare karakter zoveel mogelijk te behouden en accentueert het zelfs door ze gedurende maanden open te stellen aan de krachten van de natuur. Zijn belangrijkste artistieke en technische ‘act’ bestaat uit perforeren. Zorgvuldig, bewust en in alle rust en stilte past hij een rigide patroon toe van duizenden doorboringen op de vorm die per ongeluk door de natuur is ontstaan. Paul Bourgeois (Belgique, 1941) est toujours resté peintre, même si la peinture et la toile ont disparu de son bréviaire au fil de son développement. Il réinsuffle la vie à des affiches collées les unes aux autres, désolidarisées de leur support, qui traînent le long des voies ferrées ou dans des quartiers défavorisés. Ce n’est pas spécifiquement la représentation du recto qui suscite son intérêt, mais beaucoup plus le verso, trop souvent négligé sur le plan commercial. Bien que ces vestiges fanés nécessitent souvent d'être revigorés, il s'attache à préserver autant que possible leur vulnérabilité et l'accentue même en les exposant pendant des mois aux rigueurs de la nature. Son « numéro » artistique et technique le plus important reste la perforation. Soigneusement, résolument, en toute sérénité et dans le silence, il applique un modèle rigide fait de milliers de forages sur la forme qui, par accident, est née de la nature.

LOT

Zak Kitnick Rewind, 2015 Olijfoliedispenser te bevestigen aan plafond met assortiment olijfolies 122 x 33 x 33 cm Courtesy van de kunstenaar en C L E A R I N G, New York/Brussel Zak Kitnick (USA, 1984) maakt sculpturen door gebruik te maken van producten in plaats van materialen. Hij is geïnteresseerd in de inefficiëntie tussen onze verwachtingen en het potentieel van een voorwerp en geeft industriële producten en procedures een andere bestemming. Een centraal aandachtspunt in zijn werk is de vage grens tussen kunst, decoratie en nut. Voor de kunstenaar kan kopen ook maken zijn (selectie wordt de primaire methode van de productie) doch de producten zijn vaak afwezig. Zak Kitnick (États-Unis, 1984) réalise des sculptures en utilisant des produits à la place de matériaux. Il s’intéresse à l'inefficacité entre nos attentes et le potentiel d’un objet et donne une autre affectation aux procédures et aux produits industriels. Un point central de son œuvre reste la limite floue entre l’art, la décoration et l’utilité. Pour l’artiste, acheter, c’est peut-être aussi faire (la sélection est la méthode primaire de production), bien que les produits soient souvent absents.

LOT

Sadaharu Horio Ironuri (Paint Placement), 27 april 2015, Art Brussels Performance Horio - Mixed media, Unieke editie 10,5 x 14 x 10,5 cm Courtesy van de kunstenaar en Axel Vervoordt Gallery, Antwerpen

Sadaharu Horio (Japan, 1939) wordt beschouwd als een van de belangrijke vertegenwoordigers van de Japanse Gutai Art Group in de jaren 1960. In zijn werk maakt hij zowel gebruik van performance als schilderkunst. Een van zijn bekendste reeksen zijn de schilderijen op gevonden voorwerpen als stukjes hout, huishoudelijk afval, stenen, kistjes… Dit werk ontstaat als een dagelijks ritueel ongeacht de omstandigheden van de dag. Voor de realisatie van deze schilderijen mijdt hij elke vorm van kleurensymboliek. Vandaar volgt hij gewoon de opeenvolging van de kleuren in zijn verfdoos. Sadaharu Horio (Japon, 1939) est considéré comme un des principaux représentants du groupe artistique japonais Gutaï, dans les années 1960. Son œuvre fait la part belle tant à la performance qu’à l’art pictural. Une de ses séries les plus connues est composée de peintures sur des objets trouvés tels que des morceaux de bois, des déchets ménagers, des pierres, de petites boîtes… Cette œuvre voit le jour comme un rituel quotidien, indépendamment des circonstances de la journée. Pour la réalisation de ces peintures, il évite soigneusement toute forme de symbolique chromatique et se conforme simplement à la succession des couleurs de sa boîte de peinture.

LOT

Sverre Bjertnaes Hanna Maria, 2014 Olie op doek 60 x 40 x 3 cm Courtesy van de kunstenaar en Galleri Brandstrup, Oslo

Sverre Bjertnaes ( Noorwegen, 1976) werd als jonge figuratieve schilder opgemerkt na het volgen van de Noorse Nerdrum School als tiener. Tijdens de laatste jaren is hij een rijzende ster in de hedendaagse kunst scène van Noorwegen met een sterke artistieke identiteit. Met een rigoureus gestructureerde methode om de wereld te observeren, schildert Bjertnaes doeken met levende (en meestal vertrouwde) onderwerpen, die allen met een kille onthechting worden weer gegeven in scenario's die illustreren dat het onmogelijk is om nauwkeurige portretten te maken van de mensen of dingen waarvoor men gevoelens heeft. In 2013 had hij, in samenwerking met Bjarne Melgaard, een solotentoonstelling in White Columns in New York. De New York Times noemde het een van de 10 beste tentoonstellingen van het jaar. Sverre Bjertnaes (Norvège, 1976) s’est distingué en tant que jeune peintre figuratif après avoir suivi les cours de la Norwegian Nerdrum School pendant son adolescence. Ces dernières années, il s’est profilé comme une étoile montante sur la scène de l’art contemporain en Norvège, avec une forte identité artistique. Grâce à sa méthode rigoureusement structurée d’observation du monde, Bjertnaes propose des toiles empreintes de sujets vivants (et essentiellement familiers), tous présentés avec un détachement cadavérique dans des scénarios qui illustrent l'impossibilité de représenter précisément les personnes ou les choses pour lesquelles on éprouve des sentiments. En 2013, ses œuvres ont été présentées lors d’une exposition solo, en coopération avec Bjarne Melgaard, à la White Columns de New York. Le New York Times y a vu une des 10 meilleures expositions de l’année.

LOT

Will Benedict The Last Dustbowl, 2014 Olie op doek 30 x 40 cm Courtesy van de kunstenaar en Dépendance, Brussel

Het oeuvre van Will Benedict (USA, 1978) handelt over thema’s als werelddistributie, agricultuur, marketing en handel. Complexe thema’s benadert hij vanuit een vaak onverwacht en zelfs absurd standpunt. Hij gebruikt hiervoor schilderkunst, maar evengoed ook video en installatie. De taal van marketing en advertisement brengt hij in verband met de hedendaagse kunst, die vandaag evengoed bepaald wordt door commerciële verkoopstrategieën, en de daarmee gepaard gaande vraag en aanbod. L’œuvre de Will Benedict (États-Unis, 1978) traite de thèmes tels que la distribution mondiale, l'agriculture, le marketing et le commerce. Il aborde ces sujets complexes dans une perspective souvent inattendue et même absurde. Il utilise, à cet égard, l’art pictural, mais également la vidéo et l’installation. Il met le langage du marketing et de la publicité en lien avec l’art contemporain, aujourd’hui également balisé par des stratégies commerciales et l’offre et la demande afférentes.

LOT

Johan Clarysse Looking at (for) the invisible, 2014 Olie op doek 90 x 70 cm Courtesy van de kunstenaar en Galerie S&H De Buck, Gent

De schilderijen van Johan Clarysse (België, 1957) willen ‘op een heldere manier raadselachtig zijn’. Thema’s als identiteitsvorming, communicatie en non-communicatie, de ongrijpbaarheid van menselijke verlangens en drijfveren vormen een rode draad in zijn werk. Al schilderend stelt hij vragen rond de ambiguïteit van onze menselijke conditie, rond het statuut van het beeld en van de schilderkunst als zodanig. Zijn schilderijen trekken aan en verwarren, ze onthullen en verhullen, ze stellen de vanzelfsprekendheid en eenduidigheid van vertrouwde beelden in vraag en zetten ze terzelfdertijd kracht bij. Zo ontstaat een intrigerend oeuvre vol dubbele bodems en verwijzingen dat zowel speels als ernstig is, zowel helder als dubbelzinnig, emotioneel ingetogen als intens. Les peintures de Johan Clarysse (Belgique, 1957) se veulent « énigmatiques de manière limpide ». Des thèmes comme l’individuation, la communication et la non-communication, l’insaisissabilité des motivations et des désirs humains forment le fil conducteur de son œuvre. En peignant, il questionne l’ambiguïté de notre condition humaine, le statut de l’image et de l’art pictural en tant que tel. Ses peintures attirent et troublent. Elles dévoilent et masquent. Elles mettent en question l’évidence et l’univocité d’images familières et leur apportent simultanément de la puissance. Il en résulte une œuvre intrigante, riche en doubles fonds et références à la fois ludiques et sérieuses, claires et ambiguës, réservées et intenses.

LOT

Raf Simons / Sterling Ruby Limited Collection - Inspiration AW 14/15 Trenchcoat # Look 44

Maat 48 - 100% katoen - collector’s item

Pants & Jacket # Look 26

Maat 48 - 100% katoen - collector’s items Courtesy Raf Simons Voor de herfst/winter collectie 2014/15 was er een intensieve vorm van samenwerking tussen Raf Simons (België,1968) en de kunstenaar Sterling Ruby (Duitsland / U.S.A, 1972). Het uitgangspunt voor beide mannen was om een collectie volledig samen te maken en dit vanuit een wederzijds denkproces. Raf Simons en Sterling Ruby ontmoetten elkaar negen jaar geleden en vatten toen reeds het idee op om samen een collectie te creëren. Beiden voelen zich diep verbonden met muziek, kunst en textiel. De belangrijkste elementen van de collectie bestaan voor een groot deel uit het unieke patchwork en collage. De silhouetten en de proporties van de kleding worden gecombineerd met de organische chaos die kenmerkend is voor de kunst van Sterling Ruby. Het patchwork in de collectie verwijst naar de manier waarop vroeger jeugdgroepen stukken stof op hun eigen T-shirts naaiden. Een thema dat aan het patchwork is gekoppeld, is de manier waarop jeugdgroepen met elkaar communiceren en hun welbepaalde ideeën met de wereld delen. Ze experimenteerden met de grenzen van de mode en verkenden op welke manieren de modesystemen de ontworpen stukken beïnvloedden. Het resultaat is dat Raf Simons en Sterling Ruby een unieke collectie maakten met een bepaalde houding. La collection automne/hiver 2014/15 a donné lieu à une forme intensive de collaboration entre Raf Simons (Belgique, 1968) et l’artiste Sterling Ruby (Allemagne/U.S.A, 1972). Le point de départ des deux hommes consistait à créer toute la collection ensemble, et ce, à partir d’un processus de réflexion réciproque. Raf Simons et Sterling Ruby se sont rencontrés il y a neuf ans. Ils avaient déjà lancé l’idée, à l’époque, de créer ensemble une collection. Les deux artistes se sentent intimement liés à la musique, à l'art et au textile. Uniques, le patchwork et le collage inspirent les principaux éléments de la collection. Les silhouettes et les proportions des vêtements sont combinées au chaos organique typique à l’art de Sterling Ruby. Le patchwork de la collection est un clin d’œil à la manière dont les jeunes avaient autrefois l’habitude de coudre des morceaux de tissus sur leurs propres T-shirts. Un autre thème associé au patchwork n’est autre que la manière dont les jeunes communiquent entre eux et partagent leurs idées sur le monde. Ils ont ainsi expérimenté les limites de la mode et exploré de quelles manières les systèmes de mode influencent les pièces créées. Pour résultat, Raf Simons et Sterling Ruby ont signé une collection unique, caractérisée par une attitude certaine. 53

LOT

Glenn Sestig Pleasure Dome, 2015 Travertino Titanium, Dusk en glas, ed. 28, #12/28 50 x 50 x 60 cm Courtesy Glenn Sestig & Van Den Weghe – Setting The Tone in Stone, Zulte De bekende architect en designer Glenn Sestig (België, 1968) ontwerpt regelmatig bijzondere en kostbare gebruiksobjecten. Zijn meest recente realisatie is een Pleasure Dome. Het is het klassieke archetype van de glasstolp, maar dan ontworpen en gerealiseerd met het grootste raffinement. Om het beste resultaat te verkrijgen werkte Sestig samen met ITEMS / Van Den Weghe. Le célèbre architecte et designer Glenn Sestig (Belgique, 1968) conçoit régulièrement des objets usuels particuliers et précieux. Sa plus récente réalisation est un Pleasure Dome. Il s’agit de l’archétype classique de la cloche en verre, mais conçue et réalisée avec un raffinement extrême. Pour obtenir le meilleur résultat, Sestig a collaboré avec ITEMS/Van Den Weghe.

FOTO: LUDWIG HOFFENREICH, VROEGE JAREN ‘70

LOT

Rudolf Schwarzkogler 1. Aktion, 1965 Silver gelatine contact print, historisch werk, uniek exemplaar 6x6 cm - 40 x 40 cm (met kader) Courtesy Galerie Krinzinger, Wenen

Rudolf Schwarzkogler (Oostenrijk, 1940-1969) was een Oostenrijkse performancekunstenaar die nauw verbonden was met het Weense ‘Actionisme’. Vandaag is hij het meest bekend voor de scherp gecontroleerde fotoreeksen "Aktionen ', met als iconografie een dode vis, een dode kip, kale lampen, gekleurde vloeistoffen, gebonden voorwerpen en een man gewikkeld in gaas. De permanente thema’s in Schwarzkoglers werken gaan over de ervaring van pijn en verminking, vaak in een ongerijmde klinische context. Ze weerspiegelen een boodschap van wanhoop door de teleurstellingen en de pijn van de wereld. Het te veilen werk is een unieke, historisch waardevolle foto. Rudolf Schwarzkogler (Autriche, 1940-1969) était un artiste autrichien de performance, étroitement lié à l’actionnisme viennois. Il reste aujourd’hui connu pour ses séries de photographies très contrôlées « Aktionen », dont l’iconographie tourne autour d’un poisson mort, d’un poulet mort, de lampes nues, de substances colorées, d’objets liés et d’un homme enveloppé dans la gaze. Les thèmes récurrents de l’œuvre de Schwarzkogler traitent de l’expérience de la douleur et de la mutilation, souvent dans un contexte clinique absurde. Ils reflètent un message de désespoir dû aux déceptions et à la douleur du monde. L’œuvre proposée aux enchères est une photo unique, historique et précieuse.

LOT

Hermien Cassiers Untitled, 2014 Halsketting 18 karaat goud Unieke editie - 18 x18 X 4 cm Courtesy van de kunstenaar en Caroline Van Hoek, Brussel

Hermien Cassiers (België, 1991) studeerde juweelontwerp in Antwerpen aan de Koninklijke Academie voor Schone Kunsten Antwerpen en maakte voor haar afstudeerproject een serie armbanden en kettingen van driedimensionale koppelingen met 18 karaats gouddraad. De rationele en wiskundige benadering is essentieel in haar ontwerpen. Elk stuk wordt geconstrueerd door het samenvoegen van dezelfde componenten in een goed berekende weg, waardoor het een bepaald ritme vormt. Hermien Cassiers werkt samen met Galerie Caroline Van Hoek, die er bekend om staat zeer innovatieve juweelontwerpers te vertegenwoordigen. Hermien Cassiers (Belgique, 1991) a étudié la joaillerie à Anvers, à la Koninklijke Academie voor Schone Kunsten Antwerpen et a réalisé, pour son travail de fin d’études, une série de bracelets et de chaînes faits de maillons tridimensionnels en or à 18 carats. L’approche rationnelle et mathématique est essentielle dans ses concepts. Chaque pièce est réalisée par la fusion des mêmes composants de manière parfaitement calculée, ce qui lui confère un certain rythme. Hermien Cassiers collabore avec la Galerie Caroline Van Hoek, réputée pour représenter les joailliers très innovants.

LOT

Xavier Mary Digital Monolithe - Silver Blue, 2015 Polyurethaanhars, gespoten chroom, transparante gekleurde lak, Reynobond zilveren spiegel 25x25x25cm + sokkel 31x31x31 cm Courtesy van de kunstenaar en Albert Baronian, Brussel Xavier Mary (België, 1982) is een rijzende ster aan het Belgische kunstenfirmament. Zijn oeuvre bestaat uit vaak monumentale sculpturen met complexe geometrische vormen en industriële materialen zoals lichtarmaturen, chroom en metaalconstructies. In zijn werk combineert Mary een tot de verbeelding sprekende futuristische beeldtaal met vormen die evengoed verwant zijn aan het historisch modernisme. Xavier Mary (Belgique, 1982) est une étoile montante au firmament artistique belge. Son œuvre se compose souvent de sculptures monumentales aux formes géométriques complexes et aux matériaux industriels comme des armatures lumineuses, le chrome et les constructions métalliques. Dans son œuvre, Mary combine un lange sculptural futuriste qui parle à l'imaginaire, avec des formes également liées au modernisme historique.

LOT

Anne Marie Laureys Bundled Container, 2013 Keramiek 48 x 26 x 31 cm Courtesy van de kunstenaar en Galerie Sofie Lachaert, Tielrode

Anne Marie Laureys (België, 1962) haalt haar inspiratie uit de klei zelf. Ze start met een reeks op de schijf gedraaide potten, allemaal even groot en met een dunne wand en bodem. De pas gedraaide klei is plastisch, zacht, nat en week. Het is dan dat ze die dunne kleiwand vervormt. Ze knijpt, trekt, plooit en duwt met haar vingers, ze vervormt om de taal van het materiaal te ontdekken en beter te tonen. In feite bevrijdt Anne Marie zichzelf van de ronde potvorm door wand en bodem met haar vingers te bepotelen. Het resultaat zijn tactiele potten, met een dynamische sensualiteit die het uiterste uit de kan halen met betrekking tot de kneedbaarheid van klei. De essentie en plasticiteit van de nog natte klei en de beweging van het draaien blijven verstild achter. Anne Marie noemt haar stukken niet voor niets metaforen van het gevoel. Anne Marie Laureys (Belgique, 1962) tire son inspiration de l’argile elle-même. Elle commence avec une série de pots réalisés sur un tour de potier, tous de même taille et présentant une paroi et un fond fins. L’argile fraîchement tournée est plastique, douce, humide et molle. C’est à ce moment qu’elle transforme cette fine paroi d’argile. Elle pince, tire, plie et pousse du bout des doigts pour découvrir le langage du matériau et mieux le faire ressortir. En fait, Anne Marie s’affranchit du tour de potier en modelant la paroi et le fond du bout de ses doigts. Il en résulte des pots tactiles, dotés d’une sensualité dynamique qui tire la quintessence du contenant grâce à la malléabilité de l’argile. L’essence et la plasticité de l’argile encore humide et le mouvement du tour en restent figés. Ce n’est pas pour rien qu’Anne Marie voit en ses œuvres des métaphores du ressenti.

LOT

Ida Tursic & Wilfried Mille Interview Défacement 2, 2011 Gravure/Monotype, AP 79 x 59 cm Courtesy van kunstenaars en Almine Rech Gallery, Brussel

De werken van Ida Tursic en Wilfried Mille (Servië, 1974/Frankrijk, 1974) zijn bedrieglijke beelden, valstrikken van zuivere schilderkunst. In hun werk wordt een beknopt overzicht geboden van de ruime mogelijkheden en de onweerstaanbare aantrekkingskracht van het medium. Het onderwerp is belangrijk én verdwijnt naar de achtergrond. De kijker wordt nu eens betoverd door een blik, dan weer door een textuur. Hier komt een mysterie aan de oppervlakte, daar wordt de inkijk verstoord door een dikke klad verf. Alles is schilderkunst, maar niets is dat toevallig: een pagina die uit een magazine is gescheurd, de met verf bedekte en daarna verbrande reproductie van een plaat, een natuurbeeld, een erotisch beeld, een landschap in het beeld... Aan ieder van ons om de goede oogtoestand te vinden en binnen te dringen in de beelden, in deze mysterieuze snoepjes vol wildheid, erotiek en nostalgische spot. (Jean-Marie Gallais) Les œuvres d’Ida Tursic et Wilfried Mille (Serbie, 1974/France, 1974) sont des images trompeuses, autant de pièges d’art pictural pur. Leur œuvre propose un aperçu succinct des vastes possibilités et de l’irrésistible pouvoir d’attraction du support. Le sujet est important et disparaît à l’arrière-plan. Le spectateur est ensorcelé par un regard, puis à nouveau par une texture. Ici, un mystère se profile à la surface. Là-bas, le regard est troublé par une peinture épaisse et approximative. Tout est art pictural, mais rien n’est dû au hasard : une page qui est déchirée dans un magazine, la reproduction recouverte de peinture et ensuite brûlée d’une plaque, d’une représentation de la nature, d'une image érotique, d'un paysage dans l'image... Il incombe à chacun de nous de trouver le bon angle de vision et de pénétrer dans les images, dans ces merveilles empreintes de sauvagerie, d’érotisme et de nostalgie. (Jean-Marie Gallais)

LOT

Philippe Van Snick Mélange particulier #12, 1995 Acrylverf, vinyl, grafiet op doek 70 x 72 cm Courtesy van de kunstenaar en Galerie Tatjana Pieters, Gent

Het werk van Philippe Van Snick (België, 1946) ontplooit zich als een spel met kleuren, technieken, dragers en formaten, waarbij hij zichzelf bepaalde spelregels oplegt om een systematiek in het experiment te introduceren. Zo doet hij steeds beroep op 10 kleuren en ontstaan de meeste van zijn werken in een reeks, gebruik makend van combinaties van de kleuren. Synthetiserende licht- en kleurexperimenten gaan hand in hand met een intuïtieve aanpak waarbij gemoedstoestanden even goed hun rol hebben. L’œuvre de Philippe Van Snick (Belgique, 1946) se déploie comme un jeu de couleurs, de techniques, de supports et de formats, dont il fixe lui-même les règles afin d'insuffler une systématique dans l’expérimentation. Il utilise ainsi toujours 10 couleurs et la plupart de ses œuvres naissent en une série, en exploitant des combinaisons de couleurs. Les expériences lumineuses et chromatiques synthétisantes vont de pair avec une approche intuitive dans laquelle les états d’âme ont eux aussi leur rôle à jouer.

The Still House Group Na hun opgemerkte passage in het museum Dhondt-Dhaenens, zijn we zeer verheugd een belangrijk ensemble werken van The Still House Group te kunnen aanbieden in deze benefietveiling. De jonge kunstenaars die samen The Still House vormen, delen sinds 2010 een ateliergebouw in Brooklyn, New York. Hoewel de leden in dezelfde ruimte werken, is hun individueel werk toch vrij verschillend van elkaar. De kunstenaars kiezen er dan ook voor om intens samen te werken zonder echter kunstwerken ‘in groep’ te maken. Ze maken gebruik van heel diverse media en technieken, gaande van het klassiek schilderen met olieverf, het aan elkaar naaien van lappen doek of papier, het gebruiken van diverse materialen uit de doe-het-zelfzaak, tot en met het zich toe-eigenen en herinterpreteren van bestaande beelden en voorwerpen. De leden van de Still House Group (Isaac Brest (°1987), Nick Darmstaedter (°1988), Louis Eisner (°1988), Jack Greer (°1987), Brendan Lynch (°1985), Dylan Lynch (°1987 ), Alex Perweiler (°1986), Zachary Susskind (°1986)) stellen regelmatig samen tentoon, organiseren als groep projecten en activiteiten en treden ook zelf op als curator van hun tentoonstellingen. Ook nodigen ze andere jonge kunstenaars (Alex Ito (°1991), Haley Mellin (°1983), Peter Sutherland (°1976), Augustus Thompson (°1985), …) uit om een residentie te doen in hun atelier. Hierdoor is The Still House een steeds uitdijende groep jonge kunstwolven. Après son passage remarqué au musée Dhondt-Dhaenens, nous sommes ravis de pouvoir présenter un important ensemble d'œuvres de The Still House Group, à l’occasion de ces enchères de bienfaisance. Les jeunes artistes qui constituent The Still House partagent, depuis 2010, un atelier à Brooklyn, New York. Bien que les membres travaillent dans le même espace, leurs œuvres individuelles présentent de grandes différences les unes par rapport aux autres. Les artistes y collaborent intensivement, sans pour autant réaliser des œuvres « en groupe ». Ils exploitent des techniques et des supports très divers, allant de la peinture classique à l’huile à la couture de morceaux de tissu ou de papier, l'utilisation de divers matériaux d’enseignes de bricolage ou la réappropriation et la réinterprétation d’images et d'objets existants. Les membres du Still House Group (Isaac Brest (°1987), Nick Darmstaedter (°1988), Louis Eisner (°1988), Jack Greer (°1987), Brendan Lynch (°1985), Dylan Lynch (°1987), Alex Perweiler (°1986), Zachary Susskind (°1986)) exposent régulièrement, organisent en groupe des projets et des activités et font aussi office de curateurs de leurs expositions. Ils invitent également d'autres jeunes artistes (Alex Ito (°1991), Haley Mellin (°1983), Peter Sutherland (°1976), Augustus Thompson (°1985), …) en résidence dans leur atelier. À cet égard, The Still House est un groupe de jeunes artistes ambitieux en constante expansion.

LOT

Peter Sutherland Creative Drought, 2015 Inkjet op geperforeerd vinyl op OSB, matte afwerkingslaag 182,88 x 121,92 cm Courtesy van de kunstenaar & The Still House Group, New York & Galerie Rodolphe Janssen, Brussel

LOT

Nick Darmstaedter Curaรงao, 2015 Magneten op een stalen paneel 22,86 x 16,51 cm Courtesy van de kunstenaar & The Still House Group, New York & Galerie Rodolphe Janssen, Brussel

LOT

Alex Perweiler Severna Towers, 2015 Omgedraaide archieffoto 31,12 x 18,42 cm (met kader) Courtesy van de kunstenaar & The Still House Group, New York & Galerie Rodolphe Janssen, Brussel

LOT

Louis Eisner You Can (Not) Redo, 2014 Olie op doek 33,02 x 50,80 cm Courtesy van de kunstenaar & The Still House Group, New York & Galerie Rodolphe Janssen, Brussel

LOT

Isaac Brest Less Talk, More Walk, 2015 Voegmiddel en gipsplaat in kunstenaarslijst 62,87 x 47,63 cm (met kader) Courtesy van de kunstenaar & The Still House Group, New York & Galerie Rodolphe Janssen, Brussel

AT L A S REIZEN

ontmoet de wereld

LOT

Kunstreis naar Berlijn Gallery Weekend 2016 Zes personen - onder begeleiding van Joost

Declercq

• D riedaags verblijf in Berlijn van donderdag 28 april tot zondag 1 mei 2016 • B ezoek aan alle prominente galerijen tijdens Gallery Weekend en aan de musea Gemäldegalerie, Alte Nationalgalerie, Pergamom Museum, Hamburger Bahnhof Berlin, Martin-Gropius-Bau. Dit onder begeleiding van Joost Declercq, Directeur museum Dhondt-Dhaenens • H een-terug met Brussels Airlines in flex economy heen Zaventem 28.04.2016 om 9.45 – aankomst Berlin Tegel 11.05 terug Berlin Tegel 01.05.2016 om 18.40 – aankomst Zaventem 20.00 • 3 nachten in dubbele kamer in Park Inn by Radisson Berlin **** • Maaltijden en transport ter plaatse zijn niet inbegrepen – vluchten, hotel, toegangstickets musea, begeleiding inbegrepen.

Voyage artistique à Berlin Gallery Weekend 2016 Six personnes - sous la direction de Joost

Declercq

• S éjour de trois jours à Berlin du jeudi 28 avril au dimanche 1 mai 2016 • V isite des galeries renommées durant le Gallery Weekend et des musées Gemäldegalerie, Alte Nationalgalerie, Pergamom Museum, Hamburger Bahnhof Berlin, Martin-Gropius-Bau. Sous la direction de Joost Declercq, Directeur du musée Dhondt-Dhaenens • A ller-retour avec Brussels Airlines en flex economy (*) Aller Zaventem 28.04.2016 à 9.45 – arrivée Berlin Tegel à 11.05 Retour Berlin Tegel 01.05.2016 à 18.40 – arrivée Zaventem 20.00 • 3 nuits en chambre double au Park Inn by Radisson Berlin **** • Repas et transport sur place ne sont pas compris – vols, hôtel, tickets d’entrée des musées, visites guidées par Joost Declercq sont compris.

Met dank aan/ Remerciements Art Travel/Atlas Reizen – Vanessa Vande Vyvere/Bert Uyttenbroeck 75

Les éditions Van Halewyck ont le plaisir de collaborer pour la troisième fois avec le musée Dhondt-Dhaenens dans le cadre d’une vente aux enchères en ligne qui braquera les projecteurs sur de jeunes artistes. Tous nos vœux de succès au musée et aux artistes ! André Van Halewyck

VENTE AUX ENCHERES Cette année marquera notre deuxième collaboration avec Paddle8, une maison internationale spécialisée dans les ventes caritatives. La vente aux enchères internet ouvre sur Paddle8 (http://paddle8.com/auctions) le vendredi 20 août 2015 à partir de 10 heures et se termine le 5 septembre 2015 à minuit. Lors de la Garden Party il y aura un certain nombre de iPads au musée vous permettant de miser jusqu'à minuit. Le vendredi 20 août 2015 à partir de 10 heures vous pourrez également miser online sur les œuvres de la vente aux enchères Christie’s (http:// paddle8.com/auctions). Cette vente sera clôturée online le 4 septembre 2015 à minuit. La mise la plus élevée entre également dans la vente aux enchères Christie’s le soir de la Garden Party.

Uitgeverij Van Halewyck verheugt zich voor de derde maal op de samenwerking met het museum Dhondt-Dhaenens bij de onlineveiling waar deze jonge kunstenaars extra voor het voetlicht worden gebracht. Het museum en kunstenaars worden hierbij een denderend succes toegewenst. André Van Halewyck

INTERNET VEILING Dit jaar werken we voor de tweede maal samen met Paddle8, een internationaal bureau gespecialiseerd in benefiet veilingen. De internetveiling Paddle8 (http://paddle8.com/auctions) opent reeds vanaf 10 uur op vrijdag 20 augustus 2015 en sluit af op 5 september 2015 om 24 uur. Gedurende deze avond zijn er een aantal iPads in het museum beschikbaar die u toelaten te bieden tot middernacht. Op de werken die op 5 september 2015 door Christie’s live geveild worden kan ook online geboden worden vanaf 10 uur op 20 augustus 2015 (http://paddle8.com/auctions) en dit tot middernacht op 4 september 2015. Het hoogste bod dat door Paddle8 werd ontvangen, geldt tevens als bod voor de Christie’s veiling tijdens het Tuinfeest.

LOT

Alain Biltereyst Untitled, 2015 Acrylverf op doek 23 x 17 x 2 cm Courtesy van de kunstenaar, Brand New Gallery, Milaan en Galerie van der Mieden, Brussel VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR TANGUY EN BIEKE VAN QUICKENBORNE - CLERINX

Alain Biltereyst (België, 1970) is geïnspireerd door het alledaagse van onze hedendaagse tijd. Hij verwerkt deze inspiratie in geometrische werken die uiterst simpel en poëtisch zijn. Herhalingen van kleur en vormen zijn de basis, hoewel de toets van de klassieke schilder nooit ver weg is. De laag per laag opgebouwde kleine schilderijen op hout zijn hier een mooie illustratie van, de diepte is duidelijk waarneembaar. Alain Biltereyst (Belgique, 1970) s’inspire du quotidien de notre époque contemporaine. Il projette son inspiration dans des œuvres géométriques extrêmement simples et poétiques. Si les répétitions de couleurs et de formes servent de base, la touche de ce peintre classique n’est jamais bien loin. Construites couche par couche, les petites peintures sur bois en sont le parfait exemple ; la profondeur est clairement perceptible.

LOT

Evy Bosman Lobsters are like mermaids to scorpions, 2015 Draagbare installatie, zilver gelatine fotografische tekeningen en houten omlijstingen, koperen scharnieren, museum glas (2x) 35,4 x 27,9 cm (2x) 35,4 x 55 x 27, 9 cm Courtesy van de kunstenaar VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉE PAR PATRICK RONSE,

Platform voor actuele kunst Stillevens zijn artistieke composities van roerloze of levenloze objecten. Schilders pleegden hun virtuositeit te bewijzen aan de hand van een stilleven. De Fransen spreken eerder over dode natuur, nature morte. Evy Bosman (België, 1975) tekent stillevens. Ze maakt daarvoor gebruik van een grootformaat scanner waarmee ze dieren (dood wild, vissen, …) digitaliseert. Deze scans vormen het materiaal waarmee zij tekent. Afhankelijk van de scans verkrijgt Evy Bosman de schriftuur van een potlood, een pen of een burijngravure. Het werk balanceert op de grens tussen een klassiek kunsthistorisch genre en een hedendaagse beeldtaal, tussen realisme en abstractie, tussen fotografie en tekenkunst. Les natures mortes sont des compositions artistiques d’objets inertes ou inanimés. Les peintres avaient coutume de recourir à ce style pour prouver leur virtuosité. Evy Bosman (Belgique, 1975) dessine des natures mortes. Pour ce faire, elle utilise un scanner grand format pour numériser des animaux (gibier mort, poissons…). Ces numérisations forment le matériel avec lequel elle dessine. Selon les numérisations, Evy Bosman obtient le rendu d’un crayon, d’un stylo ou d’une gravure au burin. Son œuvre est à cheval entre l’histoire de l’art classique et un langage contemporain, entre le réalisme et l’abstraction, entre la photographie et le dessin.

LOT

Koen Broucke Mephisto, 2011 Chinese inkt op papier 21 x 19.6 cm - 40 x 50 cm (met kader) Courtesy van de kunstenaar en Light Cube Gallery, Ronse VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR NATHALIA TSALA,

Light Cube Art Gallery

Koen Broucke (België, 1965) is een buitengewoon veelzijdige kunstenaar. Het unieke universum dat Koen Broucke weet vorm te geven door middel van beeld, tekst en muziek is ontzettend fascinerend. Een spel waarin de werkelijkheid en historische feiten alterneren met de verbeelding en fantasie van de kunstenaar. Een zelfgeschreven scenario waarin geschiedkundige figuren en fictieve personages tot leven komen. Met zijn tekeningen, schilderijen en performances heeft Koen Broucke een magnifieke maar ook een zeer eigen kenmerkend schriftuur ontwikkeld, die hem een heel bijzonder plekje waarborgt in het landschap van de hedendaagse Belgische kunst. Koen Broucke (Belgique, 1965) est un artiste particulièrement polyvalent. L’univers unique auquel il donne forme par l’image, le texte et la musique est fascinant. Un jeu où la réalité et les faits historiques alternent avec l’imagination et la fantaisie de l’artiste. Un scénario qui donne vie aux grandes figures historiques et aux personnages fictifs. Avec ses dessins, ses peintures et ses performances, Koen Broucke a développé une écriture bien à lui, à la fois magnifique et caractéristique, qui lui garantit une place toute particulière sur la scène belge de l’art contemporain.

LOT

Matt Connolly AM I OLD / NATURAL A / DOG OPEN WOUND / OR A FAKE BRANCH / A BROKEN LEG / OK OAKEN OR / CLOVES AM I SMOKE, 2014 Inkt op papier 129.5 cm x 122 cm Courtesy van de kunstenaar VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR PASCALINE SMETS,

collectioneur d’art, kunstverzamelaar

Bij het uitvoeren van zijn repetitief werk balanceert Matt Connolly (USA, 1985) tussen het behoud van controle en het laten varen ervan. De tekening combineert drie verschillende visuele motieven - een stukje tekst, een gebaren patroon, en het meest opvallende , een informele weergave van een monocle en mondachtige vormen. Deze motieven beginnen als schetsen in potlood, en worden geleidelijk geaccentueerd door middel van een proces waarbij talloze lijnen worden getekend horizontaal en verticaal, in opeenvolgende fases. Connolly bedacht een systeem waarmee hij dingen kan tekenen die eruit zien als textiel maar het niet zijn. Uiteindelijk blijft de kijker achter met een concept dat los staat van zijn functie. Het resultaat is een compacte compositie die een losheid projecteert die ongemakkelijk contrasteert met de nauwgezette manier waarop het werd gerealiseerd. Dans l’exécution de son travail répétitif, Matt Connolly (USA, 1985) oscille entre le contrôle et le lâcher-prise. Le dessin associe trois motifs visuels différents – un extrait de texte, un dessin de gestes et, le plus remarquable, une représentation informelle d’un monocle et de formes de bouche. Ces motifs commencent comme des esquisses au crayon et se voient progressivement accentués par un processus consistant à dessiner d’innombrables lignes horizontales et verticales, en phases successives. Connolly a imaginé un système lui permettant de dessiner des choses qui ressemblent à du textile, mais qui n’en sont pas. Au final, il sert au spectateur un concept affranchi de sa fonction. Résultat : une composition compacte qui projette une décontraction qui contraste incommodément avec la précision avec laquelle elle a été réalisée.

LOT

Joachim Coucke If you say so...(The Internet is the greatest poem ever written), 2014 Print, ed. 2, #1/2 72,5 x 63 x 2,5 cm (met kader) Courtesy van de kunstenaar VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR PAUL VANHONSEBROUCK

Joachim Coucke (België, 1983) realiseerde in 2013 de grote, permanente installatie Unforced Errors In The Desert in de Liebaert-hal in Kortrijk. Onze overtuiging is dat Joachim een zeer beloftevol Belgisch kunstenaar is, en wel om de volgende reden: kunstenaar Coucke wil de kijker de ingewikkelde en voor velen onbegrijpelijke wereld van de geglobaliseerde digitalisering tonen met de materialen die hiervoor ontwikkeld zijn: draden, modems etc. Een hele uitdaging om dit te doen, maar Joachim slaagt er wonderwel in het gevoel van chaos en orde in de wereld van algoritmen een beeld te geven, telkens met een verwonderende twist. Met deze eenvoudige, gerecupereerde materialen uit computers, onderling verbonden met draden, schept hij een nieuwe wereld, vaak met een functie. (Gery Van Tendeloo) Joachim Coucke (Belgique, 1983) a réalisé, en 2013, l’impressionnante installation permanente Unforced Errors In The Desert qui trône chez Liebaert, à Courtrai. Nous avons la conviction que Joachim est un artiste belge très prometteur, et ce, pour plusieurs raisons : Coucke veut dépeindre le monde complexe et, pour beaucoup, incompréhensible de la numérisation mondialisée à l’aide de matériaux conçus à cet effet : des fils, des modems, etc. Un défi de taille ! Joachim parvient malgré tout avec brio à représenter le sentiment de chaos et d’ordre qui règne dans le monde des algorithmes, en créant chaque fois la surprise. Il relie ces pièces récupérées sur des ordinateurs par des fils pour créer un nouveau monde, souvent doté d’une fonction. (Gery Van Tendeloo)

LOT

Etienne Courtois L’oiseau à midi, 2015 Archival pigment print, ed. 5 106,6 x 86,4 x 3,5 cm (met kader) Courtesy van de kunstenaar VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR CÉDRIC LIENART DE JEUDE,

kunstverzamelaar/collectioneur d’art

Het werk van Etienne Courtois (België,1969) is opgebouwd rond perceptie en representatie, een poging om het medium fotografie buiten zijn functie te rekken en te gebruiken als een middel tot beeldvorming. Hij is geïnteresseerd in de aard van onze verhouding tot het beeld en de breuk daarvan naar aanleiding van de komst van de digitale fotografie. Door het instellen van het fotografisch proces, het gebruik van studio gebaseerde technieken buiten de studio, het aanwenden van natuurlijk licht en het manipuleren van de camera, maakt Etienne Courtois onbeperkte beelden waardoor de kijker verschillende niveaus kan lezen. Zijn losse benadering van het onderwerp, het objectief en de functie ervan, samen met een onbekende interpretatie benadrukt door verduistering en afleiding beogen ook beelden te maken die het subjectieve en het dubbelzinnige onthullen. L’œuvre d’Etienne Courtois (Belgique, 1969) s’articule autour de la perception et de la représentation ; une tentative d’étendre la fonction de la photographie pour l’utiliser comme un moyen de créer une image. Courtois s’intéresse à la nature de notre rapport à l’image et à la rupture de ce rapport à la suite de l’avènement de la photographie numérique. En paramétrant le processus photographique, en utilisant, hors studio, des techniques de studio, en exploitant la lumière naturelle et en manipulant l’appareil photo, Etienne Courtois crée des images sans limites où le spectateur peut percevoir plusieurs niveaux. Doublée d’une interprétation inconnue soulignée par l’assombrissement et la dérivation, son approche libre du sujet, de son objectif et de sa fonction tend à créer des images qui dévoilent le subjectif et l’ambigu.

LOT

Emeline Depas Déchirure, 2013 Acrylverf en olie op papier 29,7 x 21 cm Courtesy van de kunstenaar en Yoko Uhoda Gallery, Luik VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉE PAR LAURENCE DUJARDYN,

curator

Emeline Depas (België, 1987) tekent, schildert, snijdt en stelt iconografische elementen opnieuw samen uit de stapel beelden van onze tijd. In haar composities schuwt ze geen pop of humoristische referenties. Op gevoelige wijze onderzoekt ze formele spanningen, bijvoorbeeld in de klassieke relatie tussen het onderwerp en de achtergrond. De eerste keer dat ik met haar werk kennismaakte was in juni 2013 tijdens de tentoonstelling "SHARE" in Brussel waarvoor ze samen met twee bevriende kunstenaars een reeks tekeningen had gemaakt "met 3 handen". Elkeen werkte één week aan een tekening en gaf deze dan door aan de twee anderen. Het resultaat waren frisse zuurstokkleurig reproducties van kledingstukken met dierenprints, allerlei lichaamsdelen, kapsels en accessoires. Daartegenover kan haar eigen werk een pak uitgepuurder en abstracter worden genoemd, hoewel het nog steeds die vleug van pop en humor bevat. Emeline Depas (Belgique, 1987) dessine, peint, découpe et recompose des éléments iconographiques sur la base de l’amas d’images de notre époque. Elle n’a pas peur d’insérer des références pop ou humoristiques dans ses compositions. Elle étudie avec sensibilité les tensions formelles, notamment la relation classique entre le sujet et le décor. J’ai découvert son travail pour la première fois en juin 2013, à l’occasion de l’exposition SHARE organisée à Bruxelles. Emeline et deux amis artistes y présentaient une série de dessins réalisés ‘à 3 mains’. Chaque artiste avait travaillé une semaine sur un dessin avant de le transmettre aux deux autres. Résultat : des reproductions tout en fraîcheur de vêtements à imprimé animaux, de parties du corps, de coiffures et d’accessoires, déclinées dans des coloris acidulés. L’œuvre personnelle d’Emeline peut, par contre, être qualifiée de plus épurée et plus abstraite, bien qu’elle recèle toujours une touche de pop et d’humour.

FOTO: MAYZ.BE

LOT

Marijke De Roover Home Decor at eye sight to feel conscious, 2015 Ikea-houder voor schilderijen, Ikea-kunstplant, bio-appel, print in plexi - ca. 55 x 10 x 18 cm Courtesy van de kunstenaar en Galerie Tatjana Pieters, Gent VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉE PAR MIENE GILLION,

kunstverzamelaar/collectioneur d’art

Ik ontdekte het werk van Marijke De Roover (België, 1990) op de laatste editie van Art Brussels bij Tatjana Pieters. Ik vind het leuk en decoratief en dit is ook precies de bedoeling van het voorgestelde werk : 'Home Decor at eye sight to feel conscious’. Het is het vierde en laatste beschikbare werk uit de recente serie van 4 unieke werken 'Home Decor at eye sight', waarin ze irl- en url-marketingtechnieken samenbrengt. Terwijl blogs vervuld zijn met beelden van planten, die aangewend worden voor hun grafische kwaliteiten, zijn ze ook de tentoonstellingsruimte binnengetreden. In ‘Home Decor’ verwijzen ze naar een huiselijke omgeving en zijn ze gebruikt om de decoratieve functie van kunstwerken te bevragen. Multinationals vs de lokale markt. Vastgoed, woondecoratie en commerciële interieurontwerpen als contexten voor consumptie en de circulatie van beelden van hoge naar lage cultuur. De door de toeschouwer/gebruiker te vervangen bio-appel refereert tevens naar het performatieve aspect in De Roovers multimediale praktijk, die bestaat uit het samenstellen van objecten/environments die werken met verschillende media en vormen van schouwspel. J’ai découvert Marijke De Roover (Belgique, 1990) lors de la dernière édition d’Art Brussels chez Tatjana Pieters. Je trouve sa pratique agréable et décorative. Et c’est précisément l’objectif de l’œuvre présentée : ‘Home Decor at eye sight to feel conscious’. C’est le quatrième et dernier volet de la récente série intitulée ‘Home Decor at eye sight’ et basée sur les techniques de marketing IRL et URL. Alors que les blogs regorgent de photos de plantes utilisées pour leurs qualités graphiques, elles s’invitent également dans la salle d’exposition. Dans ‘Home Decor’, elles renvoient à un environnement familial et sont utilisées pour s’interroger sur la fonction décorative des œuvres d’art. Multinationales vs marché local. L’immobilier, la décoration intérieure et la conception d’intérieurs commerciaux servent de contextes à la consommation et à la circulation des images de la culture élitiste à la culture populaire. La pomme bio à remplacer par le spectateur/l’utilisateur fait également référence à l’aspect performatif de la pratique multimédiale de De Roover, qui consiste à composer des objets/environnements qui exploitent différents médias et diverses formes de spectacle.

LOT

Baldvin Einarsson Yellow Boy, 2013 Sculptuur in metaal en olielakverf ca. 160 X 50 x 50 cm Courtesy van de kunstenaar VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR CEL CRABEELS,

kunstenaar-documentarist/artiste-documentariste

Ik ontmoette deze IJslandse kunstenaar tijdens een van mijn omzwervingen op dat eiland. Toen Baldvin (Ijsland, 1985) recent te Antwerpen aan de Academie afstudeerde ontmoetten we elkaar opnieuw. Baldvin heeft nog stevige roots in de zeer specifieke IJslandse scene: hij organiseert er regelmatig tentoonstellingen en events. Baldvin gebruikt graag een openend structuur waardoor de betekenis van zijn werk nog kan verschuiven. Het werk is vaak licht en humoristisch en met een speelse ondertoon. Vertrouwde elementen uit het dagelijks leven versmelten met een surrealistisch ogende en zeer persoonlijke beeldtaal en materiaalgebruik. Het werk heeft een mysterieuze en sociologische ondertoon. For Icelanders, it pays to be weird. J’ai rencontré cet artiste islandais lors d’une de mes pérégrinations sur cette île. Nous nous sommes recroisés récemment, à la fin de ses études à l’Académie d’Anvers. Baldvin (Islande, 1985) est encore bien ancré sur la scène très particulière d’Islande : il y organise régulièrement des expositions et des événements. Baldvin aime utiliser une structure open-end, qui permet un glissement de la signification de son œuvre. On y retrouve souvent une légèreté et un humour teintés d’un accent ludique. Les éléments familiers de la vie quotidienne se marient à un langage très personnel et d’apparence surréaliste. Sans oublier l’utilisation des matériaux. L’œuvre recèle une pointe de mystère et de sociologie. For Icelanders, it pays to be weird.

LOT

Tino Geiss Gästebett, 2010 Collage (Acrylverf, Kleefband, Karton, Lakverf) - 42x30 cm - 48,5 x 36,5 cm (met kader) met wit kader en Flabeg museumglas Courtesy van de kunstenaar en Galerie OMS Pradhan, Brussel VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR OLAF MAN SINGH PRADHAN,

Galerie OMS Pradhan

Tino Geiss (Duitsland 1978) woont en werkt in Leipzig , waar hij afstudeerde als Meisterschüler onder Neo Rauch . Een van de belangrijkste aspecten in het werk van Tino Geiss, is de betrokkenheid bij het verleden en de verschillende lagen van de herinnering , die de basis vormen van ons heden. Centraal in zijn oeuvre zijn ruimtes, publiek en privaat, die een collectieve traditie vertegenwoordigen en die hij plaatst in samenspraak met zijn persoonlijke en subjectieve herinneringen. Hoewel hij voornamelijk werkzaam is als schilder, maakt hij ook regelmatig gebruik van de techniek van ‘decollage’, waarbij hij tijdens een intuïtief proces van constructie en deconstructie, intrigerende, levendige werken creëert. Tino Geiss (Allemagne, 1978) vit et travaille à Leipzig, où il a terminé ses études de Meisterschüler sous Neo Rauch. L’un des principaux aspects de l’œuvre de Tino Geiss est l’implication vis-à-vis du passé et les différentes strates du souvenir, qui forment la base de notre présent. Son œuvre accorde une place centrale aux espaces, publics et privés, qui représentent une tradition collective et que l’artiste fait dialoguer avec ses souvenirs personnels et subjectifs. Bien qu’il pratique essentiellement la peinture, il utilise aussi régulièrement la technique du ‘décollage’ pour créer des œuvres vives et intrigantes en appliquant un processus intuitif de construction et de déconstruction.

LOT

Filip Gilissen Listen To Your Dream, 2015 Gouden plastic kaders, digitale druk op gouden vinyl, ed. 50, #3/50 21 x 29,7 cm (met kader) Courtesy van de kunstenaar VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR CEL CRABEELS,

kunstenaar-documentarist/artiste-documentariste

Real Fake Gold is all around you. Filip (België, 1980) laat niet na ons te confronteren met de relatieve waarde van alle aardse dingen. Hij gaat in de clinch met de leegte en glitter die de ‘haute couture’ van de hedendaagse kunstwereld kenmerkt. Zijn werk flirt met kitsch maar tussen kunst en kitsch worden door hem bijzondere vondsten gedaan. Ik ben benieuwd hoe deze kunstenaar de gouden tijden van de kunstwereld overleeft! Real Fake Gold is all around you. Filip Gilissen (Belgique, 1980) ne manque pas de nous confronter à la valeur relative de toutes les choses de la Terre. Il est aux prises avec la vacuité et le bling-bling qui caractérisent la ‘haute couture’ de l’univers de l’art contemporain. Si son œuvre flirte avec le kitsch, l’artiste n’en fait pas moins d’incroyables découvertes entre l’art et le kitsch. J’ai hâte de voir comment il survivra aux beaux jours du monde des arts !

LOT

Nadia Guerroui Beam Split, 2015 Installatie (papier vastgemaakt met naald en lijm) ca. 30 x 45 x 30 cm Courtesy van de kunstenaar VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉE PAR ELÉONORE DE SADELEER,

directrice CAB Art Center, Brussel

Guerroui Nadia (Frankrijk, 1988) is een jonge getalenteerde kunstenaar, een harde werkster met een echte reflectie op haar werk. Sinds ze aarzelde tussen het kunstonderwijs of een wetenschappelijke richting, werd haar artistieke praktijk sterk beïnvloed door de principes van de wetenschap, namelijk de wereld en haar verschijnselen in de meest elementaire manier te begrijpen en te verklaren. Haar projecten gaan over materie, identiteit en de omgeving, rekening houdend met de kijker. Nadia creëert een andere ruimte, een ongedefinieerd gebied dat de grens tussen de reële ruimte en droomruimte bepaalt. Nadia Guerroui (France, 1988) est une jeune artiste talentueuse, travailleuse montrant une vraie réflexion sur son travail. Ayant hésité entre des études d'Arts et le milieu scientifique, elle définit sa pratique artistique en restant fidèle aux principes de la science à savoir « permettre de comprendre et d'expliquer le monde et ses phénomènes de la manière la plus élémentaire possible ». Ses projets parlent de matière, d'identité et d'environnement, tout en prenant en compte le spectateur. Nadia crée un autre espace, un espace flou, qui définit les limites entre l'espace réel et l'espace onirique.

101

LOT

Tyler Healy Monday, January 26, 2015, 2015 UV inkt op gevonden voorwerp 40,64 x 30,48 cm Courtesy van de kunstenaar en The Still House Group, New York VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR ISAAC BREST,

kunstenaar en medestichter, artiste et co-fondateur, The Still House Group, New York Als opkomende kunstenaars in New York geven we zelden eerbetoon aan de antropologische onderstructuur van de stad. De vroege geschiedenis wordt vergeten, als ze dan al bekend is om te beginnen, en dit ondanks de grote invloed ervan op het hedendaags stedelijk landschap van waaruit we eindeloze inspiratie putten. Flags (2015 , UV inkt op gevonden voorwerp) maakt deel uit van een nieuwe reeks kunstwerken van Tyler Healy (USA, 1989). Het fungeert als een overblijfsel van een performance, een uitwisseling tussen Healy en de stad New York , versterkt door de kortstondige symbolen die de meteorologische omstandigheden uitbeelden op het moment dat de vlaggen werden verwijderd uit hun officiële leefgebieden. Het werk roept zowel een gevoel van fiere burgerzin op als een bereidheid om het gezag te ondermijnen, een toeloop van gevoeligheden even onverenigbaar als het definitief Amerikaans is. En tant qu’étoiles montantes de la scène new-yorkaise, nous rendons rarement hommage à la sous-structure anthropologique de la ville. L’aube de l’histoire est oubliée, pour peu qu’elle soit connue, et ce, malgré son influence considérable sur le paysage urbain contemporain, source inépuisable d’inspiration. Flags (2015, encre UV sur un objet trouvé) fait partie d’une nouvelle série d’œuvres d’art signées Tyler Healy (USA, 1989). Il s’agit en quelque sorte du vestige d’une performance, un échange entre Healy et la ville de New York, renforcé par les symboles éphémères qui représentent les conditions météorologiques du moment où les drapeaux ont été retirés de leur milieu officiel. L’œuvre fait à la fois appel à un sentiment de fierté civique et à une volonté de saper l’autorité, un flux de sensibilités tout aussi incompatibles que l’est l’Américain.

103

LOT

Katrin Kamrau SPEKTRUM*objekt17(cheeese!), 2014 Zeefdruk op papier, ed. 8 +1 AP, #2/8 75 x 110 cm Courtesy van de kunstenaar en Still Gallery, Antwerpen VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉE PAR IVES MAES,

kunstenaar/artiste

Tijdens het afgelopen decennium heeft de digitale fotografie haar analoge voorganger ingehaald. Het fotografische beeld is vandaag immaterieel en hyper reproduceerbaar. De nostalgie naar materie en uniciteit heeft een jonge generatie kunstenaars aangezet tot het experimenteren met de analoge fotopraktijk, grafische technieken en fotosculpturen. Katrin Kamrau (België, 1981) vertrekt in haar werk steeds vanuit deze analyse van het analoge fotografische medium. Haar werk is vaak een tautologische verwijzing naar het medium en het werk zelf. In haar foto-installaties verschijnen lege doka’s, ouderwetse fototechnische gebruiksvoorwerpen en vintage foto’s. Op die manier gaat ze ook te werk bij SPEKTRUM*objekt17(cheeese!) dat ze maakte tijdens een residentie in het Frans Masereel Centrum. Het werk refereert duidelijk aan het algemene beroep van de ‘fotograaf’ en de fysieke afdruk van de foto. Maar de intelligente keuze voor deze ordinaire fotokader en het objectieve gebruik van de kleur ‘Kodak Grey’ kunnen de persoonlijkheid van de kunstenares niet verbergen in deze grijszone met voor gereproduceerde modelfamilie. Ces dix dernières années, la photographie numérique a rattrapé son prédécesseur analogique. Aujourd’hui, l’image photographique est immatérielle et hyper reproductible. La nostalgie de la matière et de l’unicité a incité une jeune génération d’artistes à expérimenter avec la photographie analogique, les techniques graphiques et les sculptures photographiques. Quand elle conçoit ses œuvres, Katrin Kamrau (Belgique, 1981) part toujours de cette analyse du médium photographique analogique. Son travail constitue souvent une référence tautologique au médium et à l’œuvre proprement dite. Ses installations photo mettent en scène des chambres noires vides, des objets usuels phototechniques désuets et des photos vintage. Réalisé lors d’une résidence au Frans Masereel Centrum, SPEKTRUM*objekt17(cheeese!) ne déroge pas à la règle. L’œuvre fait clairement référence au métier général du ‘photographe’ et à l’impression physique de la photo. Mais le choix judicieux de ce cadre photo ordinaire et l’utilisation objective de la couleur ‘Kodak Grey’ ne parviennent pas à occulter la personnalité de l’artiste dans cette zone grise avec une famille modèle préreproduite. 105

LOT

Hayeon Kim Baby.Boring, 2015 Olieverf op doek 50 x 40 cm Courtesy van de kunstenaar VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉE PAR CEL CRABEELS,

kunstenaar-documentarist/artiste-documentariste

Ik heb deze Koreaanse kunstenares verschillende keren ontmoet als gastdocent aan het KASK Gent en ze assisteerde me bij het project D. Park dat ik in 2014 in Seoel realiseerde. Hayeon (Zuid-Korea, 1988) is erg gedreven en haar werk is gelaagd, hybride en speels. Het ontsnapt gelukkig aan elke categorisering en is uiteraard nog in volle evolutie. Ze tekent, schildert, maakt video’s, performance en muurschilderingen. Hayeon verbindt dit alles aan elkaar op een zeer eigenzinnige en spannende manier. Via de handeling van het tekenen zet ze haar visueel denken om in praktijk en materie. Het werk 'Baby.Boring' stelt een engel voor die in de traditionele beeldende geschiedenis van de schilderkunst vaak voorkomt. Door het werk in losse en abstracte penseelstreken te zetten heft ze de afbeelding gedeeltelijk op. Haar inzet hier is gericht op de schoonheid en de enigmatische kwaliteit die uitgaat van een fantasierijk en onzichtbaar onderwerp als de engel. J’ai rencontré cette artiste coréenne à plusieurs reprises en tant que professeur invité à la KASK de Gand. Elle m’a assisté dans le cadre du projet D. Park que j’ai réalisé à Séoul en 2014. Hayeon (Corée du Sud, 1988) est enthousiaste ; son art est stratifié, hybride et ludique. Encore en pleine évolution, il échappe heureusement à toute catégorisation. L’artiste dessine, peint et réalise des vidéos, des performances et des peintures murales. Hayeon réunit le tout avec une originalité captivante. L’acte de dessiner lui permet de transposer sa pensée visuelle dans la pratique et la matière. L’œuvre Baby.Boring représente un ange qui revient fréquemment dans l’histoire de l’art traditionnelle. En donnant des coups de pinceau isolés et abstraits, elle élève partiellement l’image. Son enthousiasme se concentre ici sur la beauté et la qualité énigmatique qui émanent d’un sujet fantastique et invisible, en l’occurrence l’ange.

107

LOT

Lieven Lefere I never promised you a horizon V, 2015 Fotografie, ed. 3 + 2 AP, #3/3 105 x 87 x 8 cm (met kader) Courtesy van de kunstenaar en Casa Argentaurum, Gent en Galerie Oms Pradhan, Brussel VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR JAN(US) BOUDEWIJNS

Een geschreven tekst over een kunstwerk is steeds afhankelijk van de interpretatie van de lezer. Ik nodig u dan ook liever uit om het werk van Lieven Lefere (België, 1978)te ontdekken, te bekijken en zelf te interpreteren – voor het geval u dit nog niet zou gedaan hebben. Anders laat ik u vooral verder genieten. Reeds geruime tijd volg ik het werk van Lieven en heb ik hem zien evolueren in z’n oeuvre. Gestaag en langzaam puurt hij zijn werk uit. Niet enkel de foto zelf, maar ook de presentatie ervan maken samen het kunstwerk. Zo verfijnt Lieven steeds zijn inlijsting en laat dit deel uitmaken van ‘zijn’ werk. Zijn laatste reeks werken lijken ruimte te bieden aan de ontdekking. De deuren openen of sluiten, en laten je een glimp zien van wat je zelf verder wil ontdekken. Al ga je op in de horizontaliteit of in de verticaliteit, neem gerust je tijd. Un texte portant sur une œuvre d’art dépend toujours de l’interprétation du lecteur. Je préfère donc vous inviter à découvrir, à observer et à interpréter vousmême l’œuvre de Lieven Lefere (Belgique, 1978), si ce n’est pas déjà fait. Vous la connaissez déjà ? Je n’aurai qu’un conseil : profitez-en. Je suis Lieven depuis quelque temps et j’ai vu évoluer son œuvre. Il l’épure lentement, progressivement. La photo compose l’œuvre au même titre que sa présentation. Lieven affine ainsi constamment son encadrement pour qu’il fasse partie intégrante de « son » œuvre. Sa dernière série laisse place à la découverte. Les portes s’ouvrent ou se ferment, en vous laissant entrevoir ce que vous avez personnellement envie de découvrir. Même si vous êtes absorbé par l’horizontalité ou la verticalité, prenez simplement votre temps.

109

LOT

Gwendolyn Lootens Untitled, 2015/ Untitled, 2014 / Untitled, 2014 Olie op papier / Olie en potlood op papier / Olie, potlood, en acrylpen op papier - 24 x 26 cm /23 x 18,5 cm /15,5 x 14,5 cm Courtesy van de kunstenaar VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉE PAR PETER RODRIGUES,

kunstverzamelaar/collectioneur d’art

Het werk van Gwendolyn Lootens (België, 1981) oogt subtiel, speels en absurd. Het bestaat uit intieme tekeningen, objecten en video’s. De tekeningen zijn het fundament van haar artistieke proces, en komen zonder vooropgezet plan tot stand in een hoge productiviteit. De interactie tussen de verschillende elementen van haar werk roept in een tentoonstellingsruimte verrassende en poëtische spanningen op. In haar meest recente tentoonstelling “Werkschwamm/Eponge de travail/ Werkspons/Working sponge” in WIELS project room werden zo de kijkrichtingen en relaties tussen de werken uitgediept, gebruikmakend van vindingrijke presentatievormen. In deze selectie van drie tekeningen geeft Gwendolyn een inkijk in enkele karaktertrekken van haar werk, die als sequenties voorkomen in het levendige archief van haar atelier. De suggestieve interactie tussen deze drie tekeningen bekrachtigt en ontkracht de lijnen van elke individuele tekening. L’œuvre de Gwendolyn Lootens (Belgique, 1981) se veut subtile, ludique et absurde. Elle renferme des dessins intimes, des objets et des vidéos. Les dessins forment la base du processus artistique et voient le jour sans plan préconçu, avec une productivité élevée. L’interaction entre les différents éléments de son œuvre suscite des tensions surprenantes et poétiques dans une salle d’exposition. Sa dernière exposition, intitulée Werkschwamm / Eponge de travail / Werkspons / Working sponge et organisée dans la Project Room de WIELS, a permis de creuser les points de vue et les relations entre les œuvres en utilisant des formes de présentation inventives. Au travers de cette sélection de trois dessins, Gwendolyn expose quelques-uns des traits de caractère de son œuvre, qui apparaissent comme des séquences dans les archives bouillonnantes de son atelier. L’interaction suggestive entre ces trois dessins confirme ou infirme les lignes de chaque dessin pris individuellement.

111

LOT

Koen Meersman Greyish, 2015 Mixed media 86 x 57 x 7cm Courtesy van de kunstenaar en Cecilia Jaime Gallery, Gent VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR CECILIA JAIME,

Cecilia Jaime Gallery

In zijn recente eerste solo show in België in Cecilia Jaime Gallery heeft Koen Meersman (België, 1972) twee series getoond: The Paper Structures en The Turned Wood Series. Zijn werk is gebaseerd op de bewuste repetitie van vorm en actie. Het resultaat van een continuïteit die Meersman over het afgelopen decennium heeft ontwikkeld. Zijn werk introduceert niet alleen een zekere traagheid of kalmte in de ruimte waarin ze wordt geplaatst, maar prikkelt ook de perceptie om in te zoomen op de topografie van het papier of de oorsprong van de vormtaal. In beide series wordt een vormelijke eenheid bereikt die tegelijkertijd ook gelinkt is aan de obsessie van Koen Meersman om de ruimte te suggereren vanuit systemen. Zelfs deze zoektocht naar de notie van ruimte is repetitief. Lors de sa première exposition solo en Belgique, qui s’est tenue à la Cecilia Jaime Gallery, Koen Meersman (Belgique, 1972) a présenté deux séries : The Paper Structures et The Turned Wood Series. Son œuvre repose sur la répétition délibérée de la forme et de l’action. C’est le résultat d’une continuité que Meersman a mise en place au cours des dix dernières années. En plus d’instaurer une impression de lenteur et de calme dans la salle d’exposition, son œuvre incite à faire un gros plan sur la topographie du papier ou l’origine du langage conceptuel. Les deux séries atteignent une unité formelle, également liée à la volonté obsessionnelle de Koen Meersman de suggérer l’espace au départ de systèmes. Même cette recherche de la notion d’espace est répétitive.

113

LOT

Adrien Nuttens Under control, 2014 Foto gedrukt op gevouwen aluminium, ed. 3 + 1 AP, #1/3 118,5 x 109,5 x 62,5 cm Courtesy van de kunstenaar VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR LAURENCE DUJARDYN,

curator

Op basis van een fotografische praktijk streeft Adrien Nuttens (België, 1990) ernaar om de mogelijkheden van het beeld en diens aanwezigheid in de ruimte naar voor te brengen. Hij creëert een spanning tussen de intrinsieke materialiteit van het beeld en het fysieke voorkomen hiervan, bv. als print, videowerk, sculptuur of installatie. Het is een manier voor hem om de perceptie van een bepaalde plek of object om te vormen om zo vat te krijgen op de realiteit. Tijdens een residentie in november vorig jaar bij het Zsenne Art Lab in Brussel maakte Adrien een reeks persoonlijke en zinspelende beelden die hij op een doordachte manier vertaalde naar verschillende disciplines. Adrien Nuttens (Belgique, 1990) tente, sur la base d’une pratique photographique, de mettre en avant les possibilités de l’image et sa présence dans l’espace. Il crée une tension entre la matérialité intrinsèque de l’image et son apparence physique : impression, vidéo, sculpture ou installation. C’est une manière pour lui de transformer la perception d’un lieu ou d’un objet afin d’avoir prise sur la réalité. Lors d’une résidence au Zsenne Art Lab de Bruxelles en novembre dernier, Adrien a conçu une série d’images personnelles et allusives qu’il a soigneusement transposées dans différentes disciplines.

115

LOT

Tim Onderbeke Der Traum XI, Car tuning yellow green blue, 2015 Olie op doek 130 x 90 cm Courtesy van de kunstenaar VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR JULIE SENDEN,

Galerie Rodolphe Janssen, Brussel

Negatieve ruimte is de ruimte tussen twee voorwerpen in. De werken van de Gentse kunstenaar Tim Onderbeke (België, 1983) zijn als het positieve beeld van de ruimte die hen omringt. In zijn foto's, video's, sculpturen en schilderijen die op mechanische wijze worden vervaardigd, laat hij de materialen voor zich spreken. Na deze fysieke totstandkoming wordt bij de kijker door middel van associatieve connotaties een mystiek waarnemen afgedwongen. De eenwording van deze twee processen vormt de kern van het oeuvre van deze kunstenaar. L’espace négatif est l’espace compris entre deux objets. Les œuvres de l’artiste gantois Tim Onderbeke (Belgique, 1983) sont comme l’image positive de l’espace qui les entoure. Dans ses photos, vidéos, sculptures et peintures, qui sont fabriquées mécaniquement, il laisse s’exprimer les matériaux. Après cette réalisation physique, le spectateur est confronté à la perception mystique au travers de connotations associatives. L’union de ces deux processus forme le cœur de l’œuvre de cet artiste.

117

LOT

Jean-François Paquay Bowl, 2004 Keramiek 11 x 28 cm VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR VZW ART WITHOUT BARS

Na de opgemerkte samenwerking met de vzw Art Without Bars naar aanleiding van het project van The Still House Group zijn we verheugd dit werk te veilen ten voordele van de werking van de vzw. Art Without Bars zet zich in voor de organisatie van creatieve workshops in Belgische gevangenissen. Zoals befaamde keramisten als Pierre Culot en Piet Stockmans, leeft en werkt ook Jean-François Paquay (België, 1956) in nauw contact met de natuur. In een extreem respect voor al wat groeit en bloeit , recycleert de tuinman Jean-François al wat zijn directe omgeving hem in de op elkaar volgende seizoenen aanbiedt. Zo vermengt hij vaak zaden en takjes in de kleimassa. De vormen van zijn aardewerk zijn archetypisch: kelken, schalen en bekers met dunne wanden en met subtiele oneffenheden en kleurschakeringen. Après une collaboration remarquée avec l’ASBL Art Without Bars dans le cadre du projet de The Still House Group, nous avons le plaisir de mettre cette œuvre aux enchères au profit de cette ASBL. Art Without Bars organise des ateliers créatifs dans les prisons belges. À l’instar de céramistes célèbres tels que Pierre Culot et Piet Stockmans, Jean-François Paquay (Belgique, 1956) vit et travaille en contact étroit avec la nature. Profondément respectueux de ce qui pousse et fleurit, le jardinier Jean-François recycle tout ce que son environnement direct lui offre au fil des saisons. Ainsi, il incorpore souvent des graines et des branches à de l’argile. Sa céramique revêt des formes archétypales : coupes, plats et gobelets à bords minces, agrémentés de nuances et d’imperfections tout en subtilité.

119

LOT

Joris Perdieus In itself for itself, 2015 Gemengde techniek : metaal, lakverf, hout en cellofaan, ed. 9, #1/9 120 x 35 x 12 cm VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR SARAH INDEHERBERGE

Perdieus' werken ontstaan op het raakvlak tussen beeldende kunst, theater en performance. Voor deze "geassembleerde werkelijkheden", maakt Joris Perdieus (België, 1981) gebruik van een bewust beperkt gehouden vocabularium. De woordenschat bestaat uit alledaagse materialen en gebruiksvoorwerpen maar ook meer iconische elementen zoals klimtouwen, een spade, een jerrycan of een slee. Deze objecten zijn enerzijds heel concreet, basaal, down-to-earth, maar anderzijds hebben ze ook het potentieel om bij de toeschouwer tal van verwijzingen op te roepen. Zo ontstaat een onheilspellend universum waarin de grote ramp reeds heeft plaatsgevonden, maar die tegelijk misschien wel kansen biedt voor kleinschalige experimenten.

Les œuvres de Joris Perdieus (Belgique, 1981) prennent forme au carrefour des beaux-arts, du théâtre et de la performance. Pour ces ‘réalités assemblées’, Joris utilise un vocabulaire qu’il a volontairement limité. Le vocabulaire se compose de matériaux courants et d’objets usuels, mais aussi d’éléments plus emblématiques tels que des cordes à grimper, une bêche, un jerrican ou un traîneau. Malgré leur côté très concret, banal et pragmatique, ces objets ont également le pouvoir d’évoquer une foule de références au spectateur. Un univers sinistre prend alors forme, où le pire s’est déjà produit, mais qui offre peut-être malgré tout des possibilités d’expérimentations à petite échelle.

121

LOT

Pica Pica Untitled, 2014 Email op hout 160 x 122 cm Courtesy van de kunstenaars VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR FRANK MAES,

kunsthistoricus en directeur/historien d’art et directeur Emergent Atelier Pica Pica is een kunstenaarscollectief, gevestigd in Luik en bestaande uit Boris Magotteaux (België, 1978), Manuel Falcata (België, 1979) en Jérôme Degive (België, 1980). Ze creëren schilderijen, sculpturen en foto's, die soms worden gepresenteerd in ruimtelijke constellaties. Dit oeuvre bevat meer dan een herinnering aan de non-figuratieve en constructivistische avantgarde kunst van de jaren 1910. Zowel toen als nu toonde de samenleving en cultuur veel spanning en de noodzaak voor transformatie. Zowel toen als nu, bevat de beste 'constructivistische' kunst veel paradoxen, ergens tussen het concrete en het abstracte, het bijzondere en het algemene of universele, individuele autonomie en collectieve interactie. Untitled werd afgelopen najaar gerealiseerd tijdens een residentie in Alice Gallery. Het doel was om een vruchtbare dynamiek te ontwikkelen tussen de innerlijke, autonome processen van de creatie en de relatie met de externe context. Dit is een van de evenwichten die mij fascineert in dit oeuvre, alsook de interacties tussen de leden van het collectief. L’Atelier Pica Pica est un collectif d’artistes basé à Liège et composé de Boris Magotteaux (Belgique, 1978), Manuel Falcata (Belgique, 1979) et Jérôme Degive (Belgique, 1980). Ces artistes créent des peintures, des sculptures et des photos parfois présentées en constellations spatiales. Cette œuvre renferme bien plus qu’un simple souvenir de l’art d’avantgarde non figuratif et constructiviste des années 1910. À l’époque, comme aujourd’hui, la société et la culture étaient marquées par une forte tension et une nécessité de transformation. À l’époque, comme aujourd’hui, le plus bel art ‘constructiviste’ recelait de nombreux paradoxes, quelque part entre le concret et l’abstrait, l’exceptionnel et le banal ou l’universel, l’autonomie individuelle et l’interaction collective. Untitled a vu le jour à l’automne dernier, lors d’une résidence à l’Alice Gallery. L’objectif était d’instaurer une dynamique productive entre les processus intérieurs et autonomes de la création et la relation avec le contexte externe. C’est l’un des équilibres qui me fascinent dans cette œuvre, au même titre que les interactions entre les membres du collectif.

123

LOT

Sibran Sampers Tripudiometrie Sibran, 2014 Performance/Installatie Courtesy van de kunstenaar VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR MATTHIAS YZEBAERT,

oprichter/fondateur These Things Take Time

De praktijk van de tripudiometrie is gebaseerd op de Romeins-Etruskische ‘auspicium ex tripudiis’, het interpreteren van de goddelijke wil aan de hand van hoendervogels. Tijdens zijn studies Kunstwetenschappen vatte Sibran Sampers (België, 1991) een bijzondere interesse op voor deze archaïsche voorspellingsmethode en trachtte ze in te passen in onze hedendaagse samenleving. Zodoende bespeelt hij de schemerzone tussen de geaccepteerde waarheid zoals die geproduceerd wordt in het wetenschappelijke, psychologische en juridische veld enerzijds en de kwakzalverij anderzijds. ‘Tripudiometrie Sibran Sampers’ is een reizende praktijk waarbij de performatieve en installatoire kwaliteiten aangepast worden aan het soort voorspelling die men voor ogen heeft: persoonlijke sessies voor individuen of groepsseances voor predikten van algemeen nut. Deze keer biedt u op één avondvullende, theatrale seance waarbij u uitgenodigd wordt als centrale gast. Gedurende deze ca. 80 minuten durende sessie wordt uw toekomst voorspeld in aanwezigheid van een publiek. De neerslag van het tripudiometrisch onderzoek (de feitelijke voorspelling) wordt niet openbaar gemaakt, maar persoonlijk aan u overhandigd als tastbare herinnering aan het gebeuren. La pratique de la tripudiométrie repose sur ‘l’auspicium ex tripudiis’ romano-étrusque, soit l’interprétation de la volonté des Dieux à l’aide des gallinacés. Pendant ses études d’histoire de l’art, Sibran Sampers (Belgique, 1991) a développé un intérêt particulier pour cette méthode de prédiction archaïque et elle a tenté de l’appliquer à notre société contemporaine. Elle évolue dans la zone de transition entre, d’une part, la vérité acceptée telle qu’elle est produite dans les domaines scientifique, psychologique et juridique et, d’autre part, le charlatanisme. ‘Tripudiometrie Sibran Sampers’ est une pratique itinérante où les qualités performatives et installatoires sont adaptées au type de prédiction qu’on envisage : séances individuelles ou séances de groupe pour les prédictions d’utilité générale. Cette fois, il s’agit d’une séance théâtrale d’une soirée à laquelle vous êtes convié au titre d’hôte central. Au cours de cette séance d’environ 80 minutes, votre avenir sera prédit en public. Les conclusions de l’analyse tripudométrique (la prédiction proprement dite) ne seront pas dévoilées publiquement, mais vous seront remises personnellement en guise de souvenir tangible de l’expérience.

125

LOT

Chris Swart Cyanotype of receipts from my pocket, 2015 Cyanotype 26 X 39 cm Courtesy van de kunstenaar VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR CEL CRABEELS,

kunstenaar-documentarist /artiste-documentariste

Chris Swart (Zuid-Afrika, 1989) werkt als een alchemist: het lijkt wel alsof hij de "lapis philosophorum" wil ontdekken. Zijn werk is permanent onaf: hij hanteert een praktijk waarin verschillende traditionele ambachtelijke media zoals verf maken, etsen of olieverfschildering worden gecombineerd met nieuwere media. Het zijn telkens tijdelijke materialisaties die leiden tot nieuwe ingrepen. De werken hebben een rationele en een impulsieve toets. In het installatieproces probeert hij met zijn werken de tentoonstellingsruimte te activeren. Het resulteert in zeer gevoelig en minutieus uitgekiende opstellingen met tactiele en onstabiele vormen, beelden en verbanden. Chris Swart (Afrique du Sud, 1989) travaille comme un alchimiste : on dirait qu’il cherche à découvrir la ‘pierre philosophale’, ‘lapis philosophorum’ en latin. Son œuvre reste constamment inachevée : sa pratique associe, d’une part, les médias artisanaux traditionnels tels que la peinture, les estampes et la peinture à l’huile et, d’autre part, les médias plus récents. Ce sont chaque fois des matérialisations éphémères qui débouchent sur de nouvelles interventions. Il émane des œuvres une touche rationnelle et impulsive. Dans le cadre du processus d’installation, l’artiste tente d’activer la salle d’exposition avec ses œuvres. Résultat : des mises en place sensibles et minutieuses composées de formes, d’images et de liens tactiles et instables.

127

LOT

Oscar van der Put Zonder titel (Untitled), 2014 Eitempera op linnen 40 x 40 cm Courtesy van de kunstenaar en Kusseneers Gallery, Brussel VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR HANS MARTENS,

curator/directeur Academie Mechelen

Oscar van der Put (Nederland, 1989) is een jonge kunstenaar uit Nederland die recent zijn opleiding beëindigde in Sint-Lucas te Gent waar hij ook leeft en werkt. Met zowel een groepstentoonstelling als een solopresentatie bij Kusseneers Gallery in Brussel wist hij zich onmiddellijk te onderscheiden en mijn aandacht te trekken. In zijn werk zoekt hij voortdurend de limieten van het beeld en het schilderij op. Zijn werken zijn (letterlijk) een uitdaging voor het kijken en het zien. Kleur- en lichtintensiteit krijgen een nieuwe dimensie. Gevoelige nuances in de verfaanbreng bezorgen de schilderijen een bijzondere tactiliteit. Een schilder om te volgen! Oscar van der Put (Pays-Bas, 1989) est un jeune artiste néerlandais qui a récemment terminé sa formation à Sint-Lucas (Saint-Luc), à Gand, où il vit et travaille. C’est au travers d’une exposition collective et d’une présentation solo à la Kusseneers Gallery de Bruxelles qu’il a su se démarquer et attirer mon attention. Dans son œuvre, il explore constamment les limites de l’image et de la peinture. Ses œuvres sont (littéralement) un défi pour celui qui les voit et les regarde. L’intensité des couleurs et de la lumière prend une nouvelle dimension. De délicates nuances dans l’application de la peinture confèrent une tactilité exceptionnelle aux œuvres. Un peintre à garder à l’œil !

129

LOT

Kristof Van Heeschvelde LONDON FOG, 2014 Olie op doek 80 x 53 cm Courtesy van de kunstenaar en Galerie Jan Dhaese, Gent VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR JAN DHAESE,

Galerie Jan Dhaese

Graag wil ik de jonge kunstenaar Kristof Van Heeschvelde (België, 1979) voorstellen. De kunstenaar weet met technische kunde een eigenzinnig en uniek verhaal te vertellen, je ziet vrij snel de hand van Kristof Van Heeschvelde in de werken. Maar wat in een eerste blik soms ludiek overkomt, vraagt ook een tweede blik. En die blik ontsluit het "ludieke" schilderij en gaat door de lagen - zowel de letterlijke schilderlagen als de betekenislagen - heen. Dan pas zien we een werk dat ondanks zijn eigenzinnigheid (alleen al het coloriet: gifgroen/ zotgeel/goud/fluo…) zich ook inschrijft in een rijke schilderkunsttraditie en een socio-politieke context. Wat hem eigen maakt is de kunde een esthetisch beeld te maken dat de pure esthetiek overschrijdt en flirt met een statement. J’aimerais vous présenter Kristof Van Heeschvelde (Belgique, 1979). Ce jeune artiste maîtrise l’art technique de raconter une histoire unique et originale. On repère très vite la patte de Kristof Van Heeschvelde. Mais ce qui semble ludique de prime abord requiert un second coup d’œil. Ce second coup d’œil révèle la peinture et traverse les couches – tant celles de la peinture que celle du sens. C’est alors qu’on découvre une œuvre qui, en dépit de son originalité (ne fût-ce que dans ses coloris : vert fluorescent, jaune, or, fluo…), s’inscrit aussi dans une riche tradition d’histoire de l’art et dans un contexte sociopolitique. La particularité de l’artiste ? Sa capacité à créer une image esthétique qui dépasse l’esthétisme pur pour flirter avec un véritable ‘statement’.

131

LOT

Bas van den Hurk Untitled III, 2014 Litho, AP 80,3 x 62,7 cm Courtesy van de kunstenaar en Rod Barton, London VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR TANGUY & BIEKE VAN QUICKENBORNE - CLERINX

Bas van den Hurk (Nederland, 1965) stelt in zijn werk vaak de vraag naar wat schilderkunst in deze dagen nog kan betekenen, hoe er nog radicale verandering kan optreden. Hij streeft naar absolute autonomie binnen de schilderkunst, maar beseft tegelijkertijd dat zijn werk is ingeschreven in een grote kunsthistorische traditie en geschiedenis. Dans ses œuvres, Bas van den Hurk (Pays-Bas, 1965) pose souvent une question : que signifie encore la peinture aujourd’hui ? Comment des changements radicaux pourraient-ils encore survenir ? Si l’artiste aspire à une autonomie absolue au sein de la peinture, il se rend également compte que son œuvre s’inscrit dans une tradition et une histoire artistiques riches.

133

LOT

Charlotte vander Borght Distortion Therapy, 2015 Karton, pigmenten, paraffine, was 75 x 60 x 16 cm Courtesy van de kunstenaar VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉE PAR SYBILLE DU ROY,

director Galerie Rodolphe Janssen, Brussel

Charlotte vander Borght (België, 1988) is een beeldhouwer die een intieme lichamelijke relatie met haar werk onderhoudt. Ze maakt gebruik van materialen zoals was, gips, metaal die ze manipuleert en verbuigt. Ze poogt hierbij vormen te creëren die vaak kwetsbaar lijken en onwrikbaar zijn in de tijd. De relatie met de vloer, het plafond, de ruimte en de nuances in verhoudingen die ze aan haar sculpturen geeft lijken het niveau van de luchtdruk weer te geven via tegenstrijdige impulsen. Door deze wax/karton sculptuur die deel uitmaakt van een reeks, biedt Charlotte ons muterende lichamen aan. Ze wordt één met deze onuitputtelijke veranderende gemoedstoestanden. Charlotte vander Borght (Belgique, 1988) est une sculptrice qui entretient une intime relation physique avec son travail. Elle utilise des matériaux tels que la cire, le plâtre, le métal qu'elle manipule, distortionne et tente d'en ressortir des formes qui paraissent souvent vulnérables, figées dans un temps. La relation au sol, au plafond, à l'espace et les différences d'échelle qu'elle donne à ses sculptures semblent nous indiquer le niveau de la pression atmosphérique à travers de pulsions contradictoires. À travers cette sculpture en cire et carton qui fait partie d’une série, Charlotte propose des corps en mutations. Elle fait bloc avec ces changements d'état dans l'immense refonte des sentiments. C’est ce qui me touche particulièrement dans son travail.

135

LOT

Jan Verhaeghe Restricted Art Zone – Model 03, 2005 Mixed media 60 x 40 cm VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR VZW ART WITHOUT BARS

Na de opgemerkte samenwerking met de vzw Art Without Bars naar aanleiding van het project van The Still House Group zijn we verheugd dit werk te veilen ten voordele van de werking van de vzw. Art Without Bars zet zich in voor de organisatie van creatieve workshops in Belgische gevangenissen. Jan Verhaeghe (België, 1965) is een conceptueel kunstenaar die installaties ontwerpt waarbij het begrip ‘censuur’ centraal staat. Zowel in zijn project Operatie Terra Radicalis (2002) waarbij hij de binnenstad van Brugge omgorde met het signalisatielint ‘KIJKVERBOD’, als in suggestieve, door hem getitelde Peepshows. Ook in Restricted Art Zone laat hij veel aan de verbeelding van de kijker over. Een stuk zeep in een zeepbakje heeft hij letterlijk verzegeld en het maakt nu deel uit van het kunstwerk. Verhaeghe laat het aan de kijker om te evalueren wat begrippen als openbare en privéruimte vandaag wel betekenen, in dit concreet geval toegepast op het begrip en het genre ‘naaktportret’. Denken we maar aan de cruciale rol die het vrouwelijk naakt vervult in de bajes! Après une collaboration remarquée avec l’ASBL Art Without Bars dans le cadre du projet de The Still House Group, nous avons le plaisir de mettre cette œuvre aux enchères au profit de cette ASBL. Art Without Bars organise des ateliers créatifs dans les prisons belges. Jan Verhaeghe (Belgique, 1965) est un artiste conceptuel qui crée des installations dédiées au concept de la ‘censure’. Dans le cadre de son projet Operatie Terra Radicalis (2002), il a ceint la ville de Bruges d’un ruban de signalisation ‘DÉFENSE DE REGARDER’. Le projet suggestif qu’il a intitulé Peepshows s’inscrit dans la même veine. Restricted Art Zone laisse également libre cours à l’imagination du spectateur. Il a littéralement scellé un morceau de savon dans un porte-savon : il fait désormais partie intégrante de l’œuvre. Verhaeghe laisse au spectateur le soin d’évaluer la signification actuelle de concepts tels que l’espace public et privé, en l’occurrence appliqués au concept et au genre du nu. Pensons au rôle crucial de la nudité féminine en prison !

137

LOT

Sven Verhaeghe Katrina, 2015 Olie op doek 30 x 20 cm 44 x 34 cm (met kader) Courtesy van de kunstenaar en Galerie S&H De Buck, Gent VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR HERMINE DE GROEVE,

Galerie S&H De Buck

Het werk van Sven Verhaeghe (België, 1974) is niet eenduidig. Het zweemt tussen kunst en kitsch, tussen high en low culture. Soms is het grappig, dan weer wrang. Essentieel is de kracht van het suggestieve die voor een groot deel de genese van het irrationele bepaalt. De toeschouwer wordt uitgedaagd met dubbele bodems, een rits diep verborgen referenties en bijzonder duistere taferelen. Hoewel Sven Verhaeghe heel verschillende media hanteert zijn ze inhoudelijk elkaars verwanten. Het ene medium vloeit uit of inspireert het andere. Zelf spreekt hij slechts van 'maquettes' en 'decors' voor zijn l'histoire filmée. Of die ene grote film er daadwerkelijk komt, vindt Verhaeghe bijkomstig. Hoe betrekkelijk is ons bestaan? Wat is authenticiteit en hoe kunnen we die bereiken? Wat is 'echt' en wat is 'vals'? Zijn wij vrije wezens of koesteren we slechts welwillend die illusie? Hoe diep wortelen we in het verleden en is het überhaupt mogelijk ons los te rukken van de geschiedenis? L’œuvre de Sven Verhaeghe (Belgique, 1974) n’est pas univoque. Elle oscille sur la frontière entre l’art et le kitsch, entre la culture élitiste et la culture populaire. Tantôt amusant, tantôt acerbe. L’essentiel reste le pouvoir du suggestif qui détermine en grande partie la genèse de l’irrationnel. Le spectateur est confronté à des doubles fonds, une série de références bien cachées et des scènes particulièrement sombres. Bien que Sven Verhaeghe utilise des médias très différents, ces médias restent proches au niveau du contenu. Un média découle d’un autre ou inspire le troisième. L’artiste parle seulement de ‘maquettes’ et de ‘décors’ quand il évoque son histoire filmée. Quant à savoir si ce grand film se produira réellement, ce n’est que secondaire pour Verhaeghe. À quel point notre existence est-elle relative ? Qu’est-ce que l’authenticité et comment l’atteindre ? Qu’est-ce qui est ‘vrai’ et qu’est-ce qui est ‘faux’ ? Sommes-nous des êtres libres ou ne faisons-nous que chérir cette illusion avec bienveillance ? À quel point sommes-nous ancrés dans le passé et est-il possible de nous détacher de l’histoire ? 139

LOT

Filip Vervaet Hollow Blue on Hollow Red, 2014 Plexiglas, karton, wengé kader, ed. 6, #2/6 84 x 70 x 5 cm Courtesy van de kunstenaar VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR ANGÉLIQUE DE LEUSSE

Een jaar geleden werd ik voor het eerst geconfronteerd met een werk van Filip Vervaet (België, 1977) : Oblatio, een Brancusi-achtige stapel van alledaagse voorwerpen, geschilderd in een glimmende metaalverf, vormde de basis voor een bronzen tros bananen. Deze sculptuur is kenmerkend voor zijn eclectische beeldtaal en fascinatie voor het natuurlijke en het bovennatuurlijke, het materiële en het niet materiële. Een ander terugkerend element in zijn werk is de weergave van de binnenkant van de dingen als een metafoor voor het onderbewuste. In zijn werk Hollow Blue on Hollow Red worden de kleuren van twee plexiglas gemengd en creëren aldus een oneindig zwart gat. J’ai découvert pour la première fois une œuvre de Filip Vervaet (Belgique, 1977) il y a un an. Il s’agissait d’Oblatio, un empilement ‘façon Brancusi’ d’objets usuels peints à la peinture métallisée brillante qui servent de base à une grappe de bananes en bronze. Cette sculpture est caractéristique d’un langage visuel éclectique et d’une fascination pour le naturel et le surnaturel, le matériel et l’immatériel. Autre élément récurrent dans l’œuvre de l’artiste : la représentation de l’intérieur des choses, telle une métaphore pour le subconscient. Hollow Blue on Hollow Red mélange les couleurs de deux plexiglas pour créer un trou noir sans fin.

141

LOT

Tim Volckaert Deflower Narcissus, 2015 Fotografische techniek op glas, hout, verf 72,5 x 48,2 x 3 cm (met kader) Courtesy van de kunstenaar en Galerie Van De Weghe, Antwerpen VOORGEDRAGEN DOOR /NOMINÉ PAR MIENE GILLION,

kunstverzamelaar/collectioneur d’art

Het eerste werk van Tim Volckaert (België, 1979) dat ik ontdekte in een verzamelaarswoning intrigeerde mij al: het leek het midden te houden tussen schilderij en wandkabinet. Bij onze eerste ontmoeting sprak hij mij over zijn project voor de tentoonstelling Pass in het dorp Wannegem-Lede. Daar presenteerde hij een sculptuur in het landschap die hij gedurende 24 uur fotografeerde, het resultaat is intrigerend, poëtisch en filosofisch. Zo is hij ook! Belangrijke rode draden in zijn werk zijn het landschap, de verhouding mens – natuur en ook de spanning tussen onze westelijke opvoeding tegenover de oosterse inzichten. In 2004 stelde hij al tentoon in het Gentse S.M.A.K. en binnenkort heeft hij zijn eerste solotentoonstelling bij Galerie Van De Weghe. La première œuvre de Tim Volckaert (Belgique, 1979) que j’ai découverte chez un collectionneur m’avait déjà intrigué: elle semblait à mi-chemin entre la peinture et le buffet. Lors de notre première rencontre, il m’a parlé de son projet pour l’exposition Pass, dans le village de Wannegem-Lede. Il y présentait une sculpture qu’il avait prise en photo dans le paysage pendant 24 heures. Le résultat est à la fois intrigant, poétique et philosophique. À son image en quelque sorte. Les fils rouges de sa pratique sont le paysage, le rapport entre l’homme et la nature ainsi que la tension entre notre éducation occidentale et les convictions orientales. Après avoir exposé au S.M.A.K. de Gand en 2004, il proposera bientôt sa première exposition solo à la Galerie Van De Weghe.

143

Raad van bestuur / Conseil d’administration Jan Steyaert* (voorzitter), Bie Hooft-De Smul* (ondervoorzitter), Lieve Andries-Van Louwe, Frank Benijts*, Bieke Clerinx, Franciska Decuypere, Laurence DelagayeSoens, Karel De Meulemeester, Luc De Pesseroey, Francesca Ghekiere-Van Landuyt, André Gordts, Jocelyne Vanthournout, Marianne Hoet*, Agnes Lannoo-Van Wanseele, Filiep Libeert, Damien Mahieu, Roger Matthys, Michel Moortgat, Stéphanie Moortgat-Donck, Christian Mys, Serge Platel, Patricia Talpe-Duyck, Paul Thiers*, Olivier Vandenberghe, Jef Van den Heede*, Katrien van Hulle, Johan Van Geluwe, Tanguy Van Quickenborne* (* = uitvoerend comité / comité exécutif)

Stafmedewerkers / Collaborateurs du personnel Joost Declercq (directeur), Jan(us) Boudewijns, Kelly De Cock, Tanguy Eeckhout, Monique Famaey, Lies Leliaert, Rik Vannevel, Beatrice Pecceu, Gerry Van Billemont

Patroons / Patrons Rinaldo Castelli, Virginie Cigrang, Benedicte De Pauw, Michel Delfosse, Regine Dumolin, Miene Gillion, Eric & Marc Hemeleers, Marianne Hoet, Luc Keppens, Marc Maertens, Michel Moortgat, Peter Rodrigues, Paul Thiers, James Van Damme, Tanguy Van Quickenborne, Jocelyne Vanthournout, Pierre Verschaffel en anonieme leden

Schenkers / Donateurs Bank Degroof, Advocatenkantoor Keirsmaekers, Zeno X Gallery en anonieme schenkers

Structurele sponsors / Sponsors structurels Christie's, Eeckman Art & Insurance, Stageteam

Tentoonstellingsponsors / Sponsors d’exposition BNP Paribas Fortis, Petercam

Bedrijfsclub / Club d'entreprise Barista Coffee & Cake, Bio Bakkerij De Trog, bRoodstop, Cegeka, Coeur d’Artichaut Catering, Deloitte Bedrijfsrevisoren, Deloitte Fiduciaire, Duvel Moortgat, Filliers, Group Hugo Ceusters-SCMS n.v, Houthandel Lecoutere, Jet Import, Mobull Art Packers and Shippers, Pentacon bvba, Stone, Taschen, Taste To Treasure, Van Den Weghe, Westmalle

Mediapartner / Partenaire média Klara

OEUR

ontmoet de wereld

ING

CAT

ATLAS REIZEN

DANK U / MERCI We willen graag alle kunstenaars en galerijen bedanken alsook iedereen die geholpen heeft bij het welslagen van het Tuinfeest. Nous tenons à remercier chaleureusement tous les artistes et les galléries ainsi que tous ceux qui ont contribué au succès de la Garden Party.

De kunstenaars/Les artistes Kamrooz Aram, John Baldessari, Will Benedict, Alain Biltereyst, Sverre Bjertnaes, Evy Bosman, Paul Bourgeois, Isaac Brest, Koen Broucke, Hermien Cassiers, Johan Clarysse, Matt Connolly, Joachim Coucke, Etienne Courtois, Nick Darmstaedter, Lieven De Boeck, Marijke De Roover, Johan De Wilde, Emeline Depas, Baldvin Einarsson, Louis Eisner, Max Fintrop, Tino Geiss, Filip Gilissen, Jack Greer, Nadia Guerroui, Tyler Healy, Sadaharu Horio, Alex Ito, Katrin Kamrau,Hayeon Kim, Zak Kitnick, Germaine Kruip, Anne Marie Laureys, Lieven Lefere, Gwendolyn Lootens, Brendan Lynch, Xavier Mary, Koen Meersman, Haley Mellin, Wilfried Mille, Adrien Nuttens, Tim Onderbeke, Jean-François Paquay, Joris Perdius, Alex Perweiler, Pica Pica, Sterling Ruby, Sibran Sampers, Rudolf Schwarzkogler, Glenn Sestig, Chiharu Shiota, Raf Simons, Strook, Zachary Susskind, Peter Sutherland, Chris Swart, Ed Templeton, Augustus Thompson, Ida Tursic, Bas van den Hurk, Oscar van der Put, Kristof Van Heeschvelde, Philippe Van Snick, Hans Vandekerckhove, Charlotte vander Borgth, Jan Verhaeghe, Sven Verhaeghe, Filip Vervaet, Tim Volckaert, Lawrence Weiner

De galerijen/Les galléries Albert Baronian, Brussel; Almine Rech Gallery, Brussel; Axel Vervoordt Gallery, Antwerpen; Gallerie Berthold Pott, Keulen; Galleri Brandstrup, Oslo; Bunk Club, Brussel;C L E A R I N G, New York / Brussel; Caroline Van Hoek, Brussel; Casa Argentaurum, Gent; Cecilia Jaime Gallery, Gent; Galerie Daniel Templon, Brussel; Dépendance, Brussel; G 262 Sofie Van De Velde, Antwerpen; Green Art Gallery, Dubai; Galerie Jan Dhaese, Gent; Galerie Krinzinger, Wenen; Kusseneers Gallery, Brussel; Light Cube Art Gallery, Ronse; Mai 36 Galerie, Zürich; Meessen De Clercq, Brussel; Galerie OMS Pradhan, Brussel; Rod Barton, London; Galerie Rodolphe Janssen, Brussel; Galerie S&H De Buck, Gent; Galerie Sofie Lachaert, Tielrode; Still Gallery, Antwerpen; Galerie Tatjana Pieters, Gent; The Still House Group, New York; Tim Van Laere Gallery, Antwerpen; Galerie Van De Weghe, Antwerpen; Yoko Uhoda Gallery, Luik

Schenkers/Donateurs Art Travel/Atlas Reizen Karl Dhondt Van Den Weghe – Setting the Tone in Stone