(Tuin)feest & veilingen 2018

(TUIN)FEEST & VEILINGEN (GARDEN) PARTY & VENTES AUX ENCHÈRES MUSEUMDD 31.08.2018 1

2

Voorwoord ............................ 2 Programma ....................... 8 Christie’s live veiling ........ 10 Paddle8 Internetveiling .. 64 Colofon ............................ 124 Overzicht loten ... backcover Préambule ........................... 3 Programme ....................... 9 Vente aux enchères Christie’s live .................. 10 Vente aux enchères Internet Paddle8 ........... 64 Colophon ........................ 124 Aperçu lots ......... backcover

Voorwoord Op vrijdag 31 augustus 2018 organiseert het museum Dhondt-Dhaenens de twaalfde editie van het jaarlijkse (Tuin)feest in Flex XL Flanders Expo Gent.

Dit sfeervol feest is steeds meer een boeiende draaischijf voor diverse ontmoetingen en gesprekken en vormt een essentieel onderdeel van onze jaarlijkse programmatie.

De Paddle8 Internetveiling en de Christie’s live benefietveiling blijven de vaste waarden van de avond.

De twaalfde editie is zowel de verderzetting van een lange traditie als een nieuw begin. Met dit (Tuin)feest willen we beklemtonen dat we ons als museum “om de tuin geleid” voelen. Op vraag van de gemeente, zoeken we deze keer een nieuwe locatie op. We houden ons aan onze belofte uit respect voor onze buren en de gemeente, maar toch krijgen we de beloofde vergunningen niet om het museum uit te breiden.

We nemen deze kans als een nieuw, positief begin waar we ons blijven richten naar 4

Préambule Le vendredi 31 août 2018, le musée DhondtDhaenens organise la douzième édition de sa (Garden) Party annuelle dans l’espace Flex XL de Flanders Expo, à Gand.

Cet événement festif et chaleureux, qui constitue un élément essentiel de notre programmation annuelle, est plus que jamais l’endroit idéal pour faire de nombreuses rencontres et s’adonner à des conversations captivantes.

La vente aux enchères en ligne Paddle8 et la vente aux enchères caritative Christie’s seront, une fois de plus, les temps forts de la soirée.

Cette douzième édition sera à la fois la continuité d’une longue tradition et le symbole d’un nouveau départ. À cette occasion, nous souhaitons exprimer le fait que nous nous sentons « dupés » en tant que musée. À la demande de la commune nous avons dû chercher un nouvel endroit pour la (Garden) Party. Nous mettons un point d’honneur à tenir notre engagement de respect à l’égard de nos voisins et de la commune, mais nous n’avons pas reçu les 5

groei en verder willen kijken dan de muren van het museum.

Voor ons is het succes van deze avond cruciaal. De opbrengsten ondersteunen immers de dagelijkse werking van het museum dat er onder meer naar streeft een optimale tentoonstellingscontext voor de kunstenaars te creëren.

We zijn ons bewust dat de verwachtingen steeds groter worden en elk jaar doen we ons uiterste best om deze verwachtingen nog te overstijgen. We zijn dit jaar dan ook enorm trots op de selectie kunstwerken die geschonken werden aan het museum. Het niveau van de werken is top en we zijn ervan overtuigd dat jullie warme steun wederom overdonderend zal zijn.

Alle kunstwerken die op deze avond worden geveild, zijn aan het museum geschonken door bevriende kunstenaars, betrokken galeries en gepassioneerde verzamelaars.

De Internetveiling beoogt nieuw talent te ontdekken. We vroegen aan kunstkenners een kunstenaar te selecteren die zij als beloftevol ervaren. Het resultaat is een waaier

6

autorisations promises pour étendre notre musée. Nous saisissons cette chance pour prendre un nouveau départ positif tout en restant axés sur la croissance, et avec la volonté de regarder au-delà des murs du musée.

La réussite de cette soirée est cruciale pour le musée. Les recettes servent en effet à financer ses activités quotidiennes, l’objectif étant notamment d’offrir un contexte d’exposition optimal aux artistes.

Nous sommes conscients du fait que les attentes se multiplient et, tous les ans, nous mettons absolument tout en œuvre afin de les surpasser. Cette année encore, nous sommes immensément fiers de la sélection d’œuvres d’art qui a été offerte au musée.

Leur niveau de qualité est exquis et nous sommes profondément convaincus que vous nous offrirez un soutien massif et chaleureux.

Toutes les œuvres d’art mises en vente lors de cette soirée sont offertes au musée par des artistes amis, des galeries engagées et des collectionneurs passionnés.

La vente aux enchères en ligne vise à dénicher de nouveaux talents. Nous avons demandé

7

van werken van zeer diverse en talentvolle kunstenaars. De begeleidende teksten werden geschreven door de nominatoren.

Online bieden via Paddle8 (paddle8.com/auctions) op de kunstwerken van beide veilingen kan vanaf 16 uur op vrijdag 17 augustus 2018. De Internetveiling sluit af op 31 augustus 2018 om middernacht. De Live veiling wordt online afgesloten op donderdag 30 augustus 2018.

De Raad van Bestuur, het Uitvoerend Comité, het team van het museum en mezelf zijn ontzettend dankbaar voor het enthousiasme en de liefde waarmee de kunstenaars, de galerijen, de patroons van het museum, de sponsors en in het bijzonder Christie’s, Eland, Banque de Luxembourg en alle vrijwilligers, telkens het (Tuin)feest helpen mogelijk maken!

Heel hartelijk,

Directeur

Joost Declercq

8

aux spécialistes de l’art de sélectionner un artiste qui, selon eux, augure un avenir prometteur. Le résultat est remarquable : un éventail d’œuvres qui sont le fruit d’artistes à la fois hétéroclites et très talentueux. Les textes d’accompagnement ont été rédigés par les personnes qui ont nommé ces artistes.

Les enchères en ligne via Paddle8 (paddle8.com/ auctions) sur l’ensemble des œuvres d’art commenceront le vendredi 17 août 2018, à 16 h.

La vente aux enchères sur Internet sera clôturée le 31 août 2018, à minuit. La vente aux enchères en ligne de Christie’s sera clôturée le jeudi 30 août 2018.

Le Conseil d’administration, le Comité exécutif, l’équipe du musée et moi-même tenons à remercier chaleureusement les artistes, les galeries, les responsables du musée, les sponsors, et en particulier Christie’s, Eland et la Banque de Luxembourg, ainsi que l’ensemble des bénévoles pour leur enthousiasme et leur amour, sans qui la (Garden) Party annuelle ne pourrait devenir réalité !

Merci du fond du cœur,

Joost Declercq Directeur

9

Programma 18:30 .................. verwelkoming en aperitief 20:00 ....... diner verzorgd door Silverspoon 21:30 .......................... Christie’s live veiling 22:30–03:00 ........................ performances Doorlopend tot middernacht online veiling Paddle8 kiosk.

Alle kunstwerken van de Christie’s live veiling en de Paddle8 internetveiling worden tentoongesteld op de avond van het feest.

De tentoonstelling Biënnale van de Schilderkunst ‘Over Landschappen’ is uitzonderlijk gratis te bezoeken in het museum op vrijdag 31 augustus 2018, Museumlaan 14, 9831 Deurle.

10

Programme 18:30 .............................. accueil et apéritif 20:00 ......... dîner concocté par Silverspoon 21:30 ............. vente aux enchères Christie’s 22:30–03:00 ........................ performances Jusqu’à minuit vente aux enchères en ligne au kiosque Paddle8.

Toutes les œuvres de la vente aux enchères Christie’s live et Internet seront exposées lors de la soirée.

L’exposition Biennale de la peinture ‘À propos des paysages’ peut exceptionnellement être visitée gratuitement au musée le vendredi 31 août 2018, Museumlaan 14, 9831 Deurle.

11

i r h C 12

s ’ e i t is 13

Dit jaar werken we opnieuw samen met Paddle8, een internationaal bureau gespecialiseerd in benefietveilingen.

Christie’s live veiling – hoe kunt u bieden?

Vanaf 16 uur op vrijdag 17 augustus 2018 kan men via Paddle8 online (www.paddle8.com/auctions) bieden op alle kunstwerken van de Christie’s live veiling.

De Christie’s veiling online sluit af op 30 augustus 2018 om 17 uur. Het hoogste bod ontvangen door Paddle8 wordt geregistreerd als silent bod tijdens de Christie’s live veiling op de avond van het feest.

U kunt verder bieden op de avond zelf tijdens de live veiling vanaf 21u30.

Bent u geïnteresseerd in een bepaald lot en kunt u niet aanwezig zijn, doe een bod aan de balie van het museum: info@museumdd.be of 09 330 17 30

14

Nous collaborerons une fois de plus avec Paddle8, une agence internationale spécialisée dans les ventes aux enchères caritatives.

Vente aux enchères Christie’s live – comment enchérir ?

A partir de 16h00 le vendredi 17 août 2018 les enchères en ligne via Paddle8 (www.paddle8. com/auctions) sur toutes les œuvres d’art de la vente aux enchères Christie’s seront possibles.

La vente aux enchères en ligne de Christie’s se clôture le 30 août à 17h00. La meilleure enchère reçue par Paddle8 sera valable lors de la vente live orchestrée par Christie’s durant la (Garden) Party.

Vous pouvez continuer à enchérir lors de la vente aux enchères live à partir de 21h30.

Un lot vous intéresse, mais vous ne pouvez pas assister à la soiréé? Faites une offre à la réception du musée: info@useumdd.be ou 09 330 17 30 15

Lot 1

Kati Heck

Kati Heck (°1979, Düsseldorf, Duitsland) werkt en woont in Antwerpen. Haar werk omvat installaties, kortfilms, fotografie, maar ze is het meest gekend voor haar schilderwerk op grote formaten. Ze maakt gebruik van historische voorbeelden uit de kunstgeschiedenis, boeken en films om haar eigen verbeelding op doek te zetten. Haar werk omvat verschillende schilderstijlen. Zo creëert ze de illusie van een collage en combineert ze hyperrealisme met schetsen, illustraties en cartoons. Grote kleurrijke figuren domineren haar werk. Ze worden tussen objecten en symbolen geplaatst en vormen op die manier een verhaal. De figuren zijn meestal personen die ze ooit ontmoette en soms ook zelfportretten. De verbeelding speelt hierbij een grote rol, ze wil ruimte laten voor het imaginaire.

Kati Heck (°1979, Düsseldorf, Allemagne) vit et travaille à Anvers. Son œuvre comporte des installations, des courts-métrages et des photographies, mais elle est surtout connue pour ses peintures grand format. Elle exploite des exemples historiques tirés de l’histoire de l’art, de livres et de films pour coucher ses propres représentations sur la toile. En appliquant différents styles de peinture, l’artiste crée l’illusion d’un collage et combine l’hyperréalisme avec des croquis, des illustrations et des dessins humoristiques. De grands personnages colorés dominent ses toiles. Ceux-ci sont entourés d’autres objets et symboles, qui constituent, ensemble, une histoire.

Ses sujets sont généralement des personnes qu’elle a rencontrées, et parfois même des autoportraits. La fantaisie joue un rôle majeur dans les travaux de Kati Heck.

Elle entend, en effet, laisser une place à l’imaginaire.

Live veiling / Vente aux enchères Live

16

Zu befehl

2014

Inkt, letterset letters, gouache, aquarel, potlood op papier, met lijst 54 x 37 x 4 cm, courtesy Tim Van Laere Gallery, Antwerpen 17

Lot 2

Maxim Velčovský

Maxim Velčovský (°1976, Praag, Checoslovakije) is een Tsjechische designer en oprichter van Prague design studio Qubus. Hij is gekend om zijn sneeuwvazen: door sneeuw in vazen om te vormen en vervolgens in gips te gieten. Hij omschrijft die techniek als “verloren sneeuwgieten”. Hij creëerde zijn vazen over verschillende winters heen en gebruikte verschillende soorten sneeuw van meerdere jaren en afkomstig van verschillende plaatsen.

Hij neemt de sneeuw en modelleert de vazen. Vervolgens giet hij gips op de sneeuw. Het gips warmt op tijdens verharding, zodat de sneeuw smelt en je een mal krijgt.

Door slipgieten krijgt de vaas de vorm van sneeuw. “Ik ben meer en meer geïnteresseerd in het moment van vergankelijkheid. Ik dacht dat bevroren water een ideaal materiaal zou zijn om dat moment te verkennen”, zegt Maxim Velčovský over de vazen. “Je hebt het koud, je handen bevriezen en de vaas smelt of je slaagt erin om het te vangen in een andere vorm van water in combinatie met gips.” Dit hele proces en al zijn aspecten vindt Velčovský heel fascinerend.

Maxim Velčovský (°1976, Prague, République tchèque) est un designer tchèque et le fondateur du Prague design studio Qubus. Il est connu pour ses « vases de neige » : il se sert de neige pour former des vases, qu’il coule ensuite au moyen de plâtre. Il décrit cette technique comme la « fonte des neiges perdues ». L’artiste a réalisé ces œuvres sur plusieurs hivers et a utilisé divers types de neige, de provenance et d’âge différents.

Il se saisit de neige et modèle les vases. Il coule ensuite du plâtre sur la neige. Puisque le plâtre se réchauffe en durcissant, la neige fond et on obtient un moule. Le coulage en glissement donne au vase la forme de la neige. « Je suis de plus en plus intéressé par le moment de la fugacité. J’ai pensé que l’eau gelée constituerait un matériau idéal pour explorer ce moment », a confié Maxim Velčovský au sujet de ses vases. « Vous avez oid, Live veiling / Vente aux enchères Live

18

Snow Vase 2012

2012

vos mains gèlent et le vase fond, ou vous parvenez à le saisir sous une autre forme, à savoir de l’eau combinée à du plâtre. » C’est l’ensemble de ce processus et de ses aspects sous-jacents qui fascine Maxim Velčovský.

Porselein, 37 x 21 x 10 cm, editie 4/30, handtekening onderaan de vaas, courtesy atelier lachaert dhanis, Tielrode, foto: Kristina Hrabětová

19

Lot 3

Morgan Betz

Het werk van Morgan Betz (°1974, Amsterdam, Nederland) kent meerdere dimensies. Zijn sculptuur en schilderwerk is schijnbaar eenvoudig, toch is niets wat het lijkt. Geen van zijn werken vertoont eenduidigheid. Betz produceert net beelden die op directe wijze afkomstig zijn uit een beeldreservoir dat de kunstenaar zich eigen heeft gemaakt. Via een proces van nemen en hernemen krijgen die beelden nieuw leven, op een verissende en verwonderlijke manier. Zijn vormentaal oogt helder en geconstrueerd, maar wie de tijd neemt om goed te kijken ziet hoe Betz in staat is om beelden op te bouwen vol schoonheid en dubbele lagen waardoor geen enkelvoudige betekenis nog volstaat. Waanzin en ondoorgrondelijkheid worden in zijn werk verhelderd. Het voortdurend verspringen tussen twee werelden, tussen hier en elders, tussen interieur en exterieur, tussen groot en klein, is de drijfkracht achter veel van Betz’ werk. Zijn humor is een soort slapstick die de pijn van het falen en de absurditeit van onze ontoereikendheid een beetje moet verzachten.

L’œuvre de Morgan Betz (°1974, Amsterdam, Pays-Bas) revêt plusieurs dimensions. Ses sculptures et ses peintures sont simples en apparence, mais il s’agit en fait d’un faux-semblant. Aucune de ses œuvres n’incarne l’univocité. Morgan Betz produit des images qui sont directement tirées d’un réservoir visuel qu’il s’est approprié. Via un processus d’appropriation et de réappropriation, l’artiste donne une seconde vie à ces images, de manière rafraîchissante et surprenante.

Son langage conceptuel se veut clair et construit et celui qui prend le temps d’observer attentivement se rend compte que Morgan Betz est capable de construire des images d’une beauté saisissante, empreintes de double sens, de telle sorte qu’une signification univoque ne suffit plus. L’artiste met en lumière le Live veiling / Vente aux enchères Live

20

Hanging on the Telephone

2015

non-sens et l’impénétrabilité. Le passage permanent entre deux mondes, entre l’ici et l’ailleurs, entre l’intérieur et l’extérieur, entre le grand et le petit, est la force motrice de la plupart de ses œuvres. L’humour de Betz est un genre de burlesque qui vise à adoucir la douleur de l’échec et l’absurdité de notre insuffisance.

Zeefdruk op gekleurde stof, zonder lijst 182 x 134 x 3 cm, uniek, courtesy Willem Baars Projects, Amsterdam, foto: Arend Velsink, Amsterdam

21

Lot 4

Ethan Cook

Ethan Cook (°1983, Texas, US) woont en werkt in New York City. Met behulp van voorgeverfd katoen in standaardkleuren weeft Cook het katoen tot een canvas op een weefgetouw met vier harnassen. Het geweven canvas wordt daarna aan elkaar genaaid op basis van verschillende op regels gebaseerde systemen die de markeringen en de compositie bepalen, waarbij over het algemeen abstracties met kleurvlakken worden gecreëerd. Verschillende aspecten van het weefproces samen met het naaien en strekken worden gebaren op zichzelf, de aanwezigheid van de hand van de kunstenaar in een anders gestandaardiseerd industrieel proces. Door enkel doek te gebruiken in de hele compositie hoopt Cook een dialoog aan te gaan over abstractie, grootte, logica, kleur, schoonheid en het postmoderne probleem van wat nog kan worden gedaan met een leeg doek.

Ethan Cook (°1983, Texas, US) vit et travaille à New York. En utilisant du coton pré-teint en couleurs courantes, Cook tisse le coton en toile sur un métier à tisser à quatre faisceaux. La toile tissée est ensuite cousue ensemble en utilisant divers systèmes basés sur des règles qui déterminent la marcation et la composition, en créant généralement des abstractions de champs de couleur. Différents aspects du processus de tissage ainsi que la couture et l’étirement deviennent des gestes en soi, la main de l’artiste présente dans un processus industriel par ailleurs standardisé. En utilisant seulement la toile comme l’ensemble de la composition, Cook espère s’engager avec des thèmes d’abstraction, de format, de logique, de couleur, de beauté, et le problème postmoderne de ce qui peut encore être fait avec une toile vierge.

Live veiling / Vente aux enchères Live

22

Zonder titel

2018

Handgeweven katoenen doek, zonder lijst 101,6 x 76,2 cm, courtesy Patrick De Brock Gallery, Knokke 23

Lot 5

Koenraad Dedobbeleer

Koenraad Dedobbeleer (°1975, Halle) woont in Brussel. Hij maakt sculpturen, objecten, in-situ installaties en foto’s waarin hij refereert aan de kunstgeschiedenis en de werken voorziet van ironische commentaren. Hiervoor gebruikt hij alledaagse voorwerpen waar hij een andere dimensie aan geeft. Dedobbeleer legt de focus op de gelaagdheid van objecten, zo beschikken zijn sculpturen vaak over meerdere functies. Alledaagse voorwerpen en materialen worden hierdoor getransformeerd tot abstracte sculpturen door de plaatsing, uitvergroting of assemblage. Zijn werk opent, via die statusverandering van objecten of ideeën, nieuwe perspectieven en maakt meerdere interpretaties van de objecten mogelijk.

Koenraad Dedobbeleer (°1975, Hal) vit à Bruxelles. Il réalise des sculptures, des objets, des installations in situ et des photographies qui font référence à l’histoire de l’art et qu’il agrémente de commentaires humoristiques. Il utilise, pour ce faire, des objets du quotidien auxquels il donne une autre dimension. Koenraad Dedobbeleer met l’accent sur la stratification des objets, conférant ainsi généralement diverses fonctions à ses sculptures. Les objets et les matériaux du quotidien se transforment ainsi en sculptures abstraites de par leur positionnement, leur agrandissement ou leur assemblage. Via le changement de statut des objets ou des idées, les œuvres de l’artiste ouvrent de nouvelles perspectives et permettent plusieurs interprétations des objets.

Live veiling / Vente aux enchères Live

24

Approve a Raft of Measures to Bolster Growth

2015

Met verf bespoten metaal, seizoensvruchten, 120 x ⌀ 35 cm, courtesy van de kunstenaar en CLEARING, New York / Brussels 25

Lot 6

Maaike Schoorel

Maaike Schoorel (°1973, Santpoort, Nederland) is een Nederlandse schilder. Haar onderwerpen volgen de thematiek van Oudnederlandse schilderkunst zoals stillevens en portretten. Op het eerste gezicht lijken veel van haar werken monochroom en minimalistisch. Toch zijn ze dat niet. Als je beter kijkt zie je dat er vele soorten van wit en zwart aanwezig zijn. De kleuren zijn zo tastbaar en subtiel dat ze zich niet makkelijk laten representeren. De subtiele verwerking van de verf is iets waarvoor je goed moet kijken, iets waarvoor je even moet stilstaan. De ervaring van de kijker is voor Maaike Schoorel van groot belang.

De toeschouwer wordt gevraagd om te vertragen en zich te concentreren. Dat wijkt af van de snelle hedendaagse cultuur. Los van alle conventies confronteert ze de kijker met iets dat moeilijk zichtbaar is en vraagt ze om de eigen verbeelding te gebruiken.

Maaike Schoorel (°1973, Santpoort, Pays-Bas) est une peintre néerlandaise. Ses toiles sont inspirées de la peinture des Primitifs flamands, notamment de leurs natures mortes et portraits. Nombre de ses œuvres semblent, à première vue, monochromes et minimalistes. Mais il n’en est rien. Lorsqu’on y regarde de plus près, on remarque la présence de nombreuses teintes de blanc et de noir. Les couleurs sont si sensibles et subtiles qu’il est difficile de se les représenter. Le traitement subtil de la peinture doit être observé attentivement et mérite un temps de réflexion. L’expérience du spectateur est primordiale pour Maaike Schoorel. Le spectateur est invité à ralentir et à se concentrer. Une stratégie qui tranche avec la culture actuelle, où tout va très vite. En dépit de toutes les conventions, l’artiste confronte le spectateur à une chose difficile à percevoir et lui demande de faire appel à son imagination.

Live veiling / Vente aux enchères Live

26

Water and Wine Glasses

Olieverf op doek, zonder lijst 31 x 40 cm, courtesy Stigter Van Doesburg, Amsterdam

2018

27

Lot 7

Mircea Cantor

Mircea Cantor (°1977, Oradea, Roemenië) werkt met de door Marcel Duchamp gehanteerde techniek van readymades of objet trouvé. Cantor gebruikt hiervoor verschillende media zoals sculptuur, tekenkunst, schilderkunst maar ook video, animatie en installatiekunst. Het werk Chaplet (een reeks parels voor het tellen van gebeden) is een afbeelding van prikkeldraad. Het werd op expressieve manier gedrukt door de met inkt gedrenkte naalden die hij gebruikte. De afdruk bestaat uit meerdere vingerafdrukken die de lichamelijkheid van het werk benadrukken. Het patroon vormt een symbool van geweld en vrijheidsbeperkende dwang. Er ontstaat een paradox tussen de agressieve vorm, met pieken en spanning, en de tedere, gevoelige vingertoppen. Het werk gaat over onzichtbare barrières die zich in onze samenleving bevinden en de onoverkomelijke beperkingen, die de nieuwe bewakers van de grenzen zijn geworden, terwijl de meeste muren zijn ingestort of ervan dromen om dat te doen.

Mircea Cantor (°1977, Oradea, Roumanie) travaille avec la technique « ready-made » ou « objet trouvé » introduite par Marcel Duchamp. L’artiste roumain a, pour ce faire, recours à différents supports, tels que la sculpture, le dessin ou la peinture, mais aussi la vidéo, l’animation et l’art de l’installation. L’œuvre Chaplet (une série de perles pour compter les prières) représente un fil de fer barbelé. Celui-ci a été imprimé de manière expressive à l’aide d’aiguilles imbibées d’encre. L’impression se compose de plusieurs empreintes digitales qui soulignent la corporalité de l’œuvre. Le motif constitue un symbole de violence et de restriction des libertés. Un paradoxe se soulève entre la forme agressive, représentée par les picots et la tension, et les extrémités de doigts tendres et sensibles. Cette œuvre porte sur les barrières invisibles qui existent dans notre société et sur les contraintes infranchissables qui sont devenues les nouveaux gardiens des frontières, tandis que la plupart des murs ont été abattus ou tendent à l’être.

Live veiling / Vente aux enchères Live

28

Chaplet (9/11)

2017

Vingerafdrukken in inkt op krant, met lijst 37 x 30 x 3 cm, courtesy van de kunstenaar en Dvir Gallery, Brussels

29

Lot 8

Adelheid De Witte

Adelheid De witte (°1982, Roeselare) heeft een atelier in Gent. Haar werken kunnen gezien worden als het verderzetten van de Belgische surrealistische traditie, maar dan in een hedendaags kader. Haar landschappen komen uit haar eigen verbeelding, maar kennen ook invloeden van de oude meesters en ontstaan vooral op een intuïtieve, organische manier. Ze maakt olieverfschilderijen op zowel doek als op houten panelen. Soms met pastelkleuren andere keren met donkerdere aardekleuren. De houten werken hebben een vorm die afwijkt van het traditionele. Ze baseert die op willekeurige vormen van objecten. De vormen van het paneel zijn in kleine surrealistische details terug te vinden in het geschilderde landschap. Zo speelt ze met de paradox van illusie en realiteit en toont ze ons nieuwe perspectieven op de werkelijkheid. De kunstenaar maakt deel uit van de huidige Biënnale van de schilderkunst in het MDD Adelheid De Witte (°1982, Roulers) a un atelier à Gand.

Ses œuvres peuvent être considérées comme le prolongement de la tradition surréaliste belge, mais dans un cadre contemporain. Ses paysages proviennent de son imagination, mais sont également influencés par les anciens maîtres et naissent généralement de manière intuitive et organique. Elle réalise des peintures à l’huile sur toile, mais aussi sur panneaux de bois. Tantôt dans des tons pastel, tantôt dans des teintes terreuses plus sombres. Les œuvres sur bois divergent de la tradition par leur forme, en ce sens qu’elles reposent sur les formes aléatoires des objets. Les formes du panneau se retrouvent dans de petits détails surréalistes du paysage représenté. Adelheid De Witte joue ainsi avec le paradoxe de l’illusion et du réel et ouvre au spectateur de nouvelles perspectives sur la réalité. L'artiste fait partie de la Biennale actuelle de la peinture au MDD.

Live veiling / Vente aux enchères Live

30

Hindsight/l

Olieverf op hout, zonder lijst ⌀ 80 cm x 2,5 cm, courtesy van de kunstenaar

2018

31

Lot 9

Shahpour Pouyan

Het werk van Shahpour Pouyan (°1979, Isfahan, Iran) vormt een denkoefening rond de concepten van macht, overheersing en bezit door de invalshoek van de taal en de architectuur.

Shahpour Pouyan maakt zowel tekeningen (miniaturen) als beelden. Dankzij deze verschillende benaderingen snijdt hij het vraagstuk aan van zijn eigen hybride levenservaring tussen Iran en de Verenigde Staten. Hij heeft een breed en aanzienlijk oeuvre geproduceerd waarin een reeks symbolen en invloeden worden verkend, die zowel schatplichtig zijn aan de tradities van de Perzische kunst en de Iraanse cultuur als aan de grote meesters van de architectuur uit de eeuw van de Verlichting, zoals Étienne-Louis Boullée of Claude Nicolas Ledoux.

Dit beeld (een uniek werk) in keramiek maakt deel uit van een reeks van achtentwintig koepels, torens, mausolea, minaretten en militaire bunkers, alle met de hand gemaakt, die dateren van 2017. De kunstenaar bakt zijn beelden drie keer, op zeer hoge temperatuur. Deze baktechniek verandert ook het uitzicht van de monumenten, alle zandkleurig.

Het aldus verkregen effect wekt een surrealistische indruk, als een soort luchtspiegeling.

La pratique de Shahpour Pouyan (°1979, Isfahan, Iran) témoigne d’une réflexion autour des notions de pouvoir, de domination et de possession à travers le prisme, notamment, du langage et l’architecture.

Shahpour Pouyan réalise aussi bien des dessins (miniatures) que des sculptures. Grâce à ces différentes approches, il aborde la question de sa propre expérience de vie hybride entre l’Iran et les États-Unis. Il est l’auteur d’une œuvre vaste et importante qui explore un ensemble de symboles et d’influences tout autant hérités des traditions de l’art perse et de la culture iranienne, Live veiling / Vente aux enchères Live

32

In his majesty

2017

que des grands maîtres de l’architecture du Siècle des Lumières, tels qu’Étienne-Louis Boullée ou Claude Nicolas Ledoux.

Cette sculpture (œuvre unique) en céramique fait partie d’une série de vingt-huit dômes, tours, mausolées, minarets et bunkers militaires, tous réalisés à la main, et datant de 2017. L’artiste cuit ses sculptures trois fois, à une température très élevée. Cette technique de cuisson altère ainsi l’aspect des monuments, tous de couleur sable. L’effet obtenu donne une impression surréaliste, comme une sorte de mirage.

Hoog gebakken keramiek, sculptuur 67 x 29 x 29 cm, sokkel 100 x 45 x 45 cm, courtesy van de kunstenaar & Galerie Nathalie Obadia Paris / Bruxelles

33

Lot 10

Emmanuel Van der Auwera

Emmanuel Van der Auwera (°1982, Charleroi) woont en werkt in Brussel. In het voorjaar 2018 verbleef de kunstenaar als resident in de Woning Van Wassenhove. Hij maakt vooral films, (conceptuele) installaties en videosculptuur. Het werk White Noise, 2018 bestaat uit een 46-inch LCD-scherm (dat door Emmanuel gedeconstrueerd werd zodat de beelden die erop spelen onzichtbaar worden voor het menselijke oog), een 48 minuten durende video loop en een statief dat een rond stuk plexiglas vasthoudt. Het scherm lijkt niets af te spelen en de afwezigheid van beeld wordt geprojecteerd als spookachtig wit licht. Wanneer een toeschouwer zich op het plexiglas concentreert, wordt de verborgen film die onder het licht is begraven zichtbaar. Het betreft een geclassificeerde video die werd gelekt naar het publiek en een soldaat zijn vrijheid kostte. Het is het nieuwste werk in Van der Auwera’s reeks VideoSculptures, die gaat over mediaesthetiek, obsessieve meningen en over wat als realiteit geaccepteerd wordt.

Emmanuel Van der Auwera (°1982, Charleroi) vit et travaille à Bruxelles. Au printemps de 2018 l'artiste est resté en tant que résident dans la Maison Van Wassenhove. Il réalise principalement des films, des installations (conceptuelles) et des sculptures vidéo.

L’œuvre White Noise, 2018 est composée d’un écran LCD de 46 pouces, que l’artiste a déconstruit pour rendre les images qui y défilent invisibles à l’œil nu ; d’une boucle vidéo de 48 minutes et d’un support soutenant une pièce ronde en plexiglas. L’écran semble ne rien diffuser et l’absence d’image se projette comme une lumière blanche fantomatique. Lorsque le spectateur se concentre sur le plexiglas, le film enfoui sous la lumière apparaît. Il s’agit d’une vidéo classifiée et rendue publique au prix de la liberté d’un soldat. Cette Live veiling / Vente aux enchères Live

34

White Noise

2018

œuvre est la plus récente de la série VideoSculptures d’Emmanuel Van der Auwera ; une série qui traite de l’esthétique des médias, des opinions obsessionnelles et de ce qui est accepté comme « réalité ».

Gemanipuleerd LCD-scherm, video, statief met plexiglas, afmetingen variabel, editie 1/5, getekend op certificaat van echtheid, courtesy van de kunstenaar & Harlan Levey Projects, Brussel 35

Lot 11

Navid Nuur

Navid Nuur (°1976, Teheran, Iran) is werkzaam in Den Haag.

Veel van zijn werk start uit iets dat hem misnoegt. In zijn werkproces staat het “discomfort” centraal, deels als poging om werken te maken die alledaagse objecten transformeren. Hij maakt daarbij gebruik van verschillende media zoals tekenkunst, teksten, film, installatie en sculptuur.

Zijn eigen werk beschouwt hij als “Intermodules”, flexibele werken die verschillende functies kunnen uitvoeren afhankelijk van de relatie met andere werken, licht en ruimte. Hij hergebruikt hiervoor materialen zoals smartphones, neonlichten en afval. Het werk Study 110-62 (The Eye-codex of the Monochrome) is bijvoorbeeld gemaakt met een markeerstift en zwarte gesso op houten paneel.

Navid Nuur (°1976, Teheran, Iran) travaille à La Haye.

La plupart de ses œuvres s’inspirent d’un fait ou d’une chose qui l’a contrarié. Le « malaise » occupe une place centrale dans sa méthode de travail, en partie dans un effort pour créer des œuvres qui transforment les objets du quotidien. Il utilise, pour ce faire, différents supports comme le dessin, le texte, la vidéo, l’installation et la sculpture. L’artiste considère ses propres travaux comme des « Intermodules », des œuvres flexibles qui peuvent exercer différentes fonctions selon leur relation avec les autres œuvres, la lumière et l’espace.

Navid Nuur réutilise des matériaux tels que des smartphones, des tubes fluorescents ou des déchets. L’œuvre Study 110-62 (The Eye-codex of the Monchrome) a, par exemple, été réalisée à l’aide d’un marqueur et d’un apprêt gesso noir sur un panneau en bois.

Live veiling / Vente aux enchères Live

36

Study 110-62 1984(The Eye-Codex of 2017 the Monochrome)

Markeerstift en zwarte gesso op houten paneel, zonder lijst 71,6 x 51,8 x 2,5 cm, courtesy van de kunstenaar & Martin van Zomeren, Amsterdam

37

Lot 12

John Kørner

John Kørner (°1967, Aarhus, Denemarken) leeft en werkt in Kopenhagen en is in Denemarken een prominente hedendaagse kunstenaar. Hij benadert de schilderkunst als installatie en doet dit op een onverwachte manier. Running Problems, dat tussen maart en juni in MDD werd tentoongesteld, is de eerste museale tentoonstelling van de kunstenaar in België. Hij creëerde een volledige omgeving van beweging, sport, propaganda en kunst. Kørner werkt met de rol van sport in onze samenleving als een sociaal fenomeen dat economie alsook lichaams- en genderpolitiek raakt. Voor Kørner is sport met haar visuele taal, kleur en codes zowel invloedrijk als esthetisch. Hij eigent zich de taal van sport toe en creëert zo schilderijen of installaties die de kijker tegelijkertijd entertainen en uitdagen, zoals een antiterroristische wegversperring die is omgevormd tot een hindernisseoop of een bar die getransformeerd is in een klimrek.

John Kørner (°1967, Aarhus, Danemark) vit et travaille à Copenhague et est un artiste contemporain renommé au Danemark. Il approche la peinture et l’installation d’une manière inattendue. Running Problems, exposée entre mars et juin au MDD, est la première exposition muséale de l’artiste en Belgique. Il a créé un environnement complet composé de mouvement, de sport, de propagande et d’art. John Kørner travaille sur le rôle du sport dans notre société en tant que phénomène social qui affecte à la fois à l’économie, la politique corporelle et la politique de genre. Selon l’artiste, le sport est, avec son langage visuel, ses couleurs et ses codes, aussi influent qu’esthétique. John Kørner s’approprie le langage du sport et réalise ainsi des peintures et des installations qui divertissent et stimulent le spectateur, à l’image d’un barrage antiterroriste transformé en parcours d’obstacles ou d’un bar transformé en mur d’escalade.

Live veiling / Vente aux enchères Live

38

Problem

2018

Piepschuim, epoxy deklaag, 50 x 45 x 25 cm, courtesy Victoria Miro Gallery, London / VenetiĂŤ, foto: Anders Sune Berg

39

Lot 13

Pavel Büchler

Hoewel hij beweert dat zijn artistieke praktijk draait om “niets te laten plaatsvinden”, produceert Pavel Büchler (°1952, Tsjechoslowakije, gevestigd in Manchester, GrootBrittannië) installaties, video’s, sculpturen en werken op papier die het brein stimuleren door louter humor en conceptuele strengheid. Het doel van Büchler met de serie New Paintings is om de oorspronkelijke ambitie van de afgewezen werken van zijn vrienden te recupereren en er zijn eigen werk van te maken. Dit recuperatieproces kost wel enige moeite. Bücher moet in de eerste plaats al het werk dat in het schilderij werd gestoken ongedaan maken.

Hij verwijdert de verf, maakt het doek schoon, maalt de verf tot stof en brengt het vervolgens weer zo gelijkmatig op het doek aan. Na dagen en weken van arbeid eindigt Büchler, conceptueel gesproken, waar de oorspronkelijke kunstenaar was begonnen: met een soort van ‘niets’.

Bien qu’il prétende que sa pratique artistique tourne autour de “ne rien laisser passer”, Pavel Büchler (°1952 à Tchécoslovaquie, basé à Manchester, GrandeBretagne) produit des installations, des vidéos, des sculptures et des œuvres sur papier qui stimulent le cerveau par leur humour et rigueur conceptuelle. Le but de Büchler avec la série New Paintings est de retrouver l’ambition originale des œuvres rejetées de ses amis et d’en faire ses propre oeuvres. Ce processus de récupération demande un certain effort. Bücher doit d’abord défaire tout le travail qui a été mis dans le tableau. Il enlève la peinture, nettoie la toile, broie la peinture en poussière et l’applique ensuite aussi uniformément que possible sur la toile. Après des jours et des semaines de travail, Büchler termine, conceptuellement parlant, là où l’artiste original avait commencé : avec une sorte de ‘rien’.

Live veiling / Vente aux enchères Live

40

New Paintings (Ariana)

2017

Gerecupereerde verf op doek, zonder lijst 50 x 70 cm, courtesy Tommy Simoens, Antwerpen

41

Lot 14

Arpaïs Du Bois

Arpaïs Du Bois (°1973, Gent) is een Belgische tekenaar en schilder actief in Antwerpen. Haar werk heeft vele lagen en staat stil bij de realiteit van zowel politiek als van haar directe omgeving. Haar recente introspectieve werk Fracasser chaque semblant de soi reflecteert over de ‘condition humaine’. Het bevraagt de waarachtigheid van onze aanwezigheid op aarde, hoe wij interageren met de omgeving en de verschillende rollen die we (moeten) aannemen al naar gelang de omstandigheden. Het beeld is zowel hard als dat het mededogen oproept. We zien tegelijkertijd een verbrijzeling maar ook (reeds) een omwikkelen, een omzwachtelen.

Arpaïs Du Bois (°1973, Gand) est une dessinatrice et peintre belge, active à Anvers. Son travail présente différentes strates et se concentre sur la réalité tant de la politique que de son environnement direct. Sa récente œuvre introspective intitulée Fracasser chaque semblant de soi engage une réflexion sur la condition humaine.

Elle met en question la véracité de notre présence sur la terre, notre manière d’interagir avec l’environnement et les différents rôles que nous assumons / devons assumer selon les circonstances. L’image est tant dure qu’empreinte de compassion. Elle laisse également paraître une désagrégation, mais aussi (déjà) un enrobage, une sorte de bandage.

Live veiling / Vente aux enchères Live

42

Fracasser chaque semblant de soi

2017

Gemengde techniek op papier, zonder lijst 150 x 110 cm, met lijst 160 x 120 x 3,5 cm, gesigneerd en gedateerd in potlood op verso, courtesy Gallery Fifty One, Antwerpen

43

Lot 15

Helmut Stallaerts

Het ongemak dat wordt opgewekt door een leegte of een niets is een van de terugkerende impulsen in het oeuvre van Helmut Stallaerts (°1982, Brussel). De foto’s die hij maakt, zijn altijd in evenwicht tussen zijn en niet zijn. Hij stelt niet de leegte zelf voor, maar eerder datgene dat de leegte omhult. Veel van de werken van Stallaerts worden het best begrepen als dromen of hallucinaties die ons enerzijds dichter bij het enigma brengen, maar anderzijds verschijnen als een onbekend zwart gat, waardoor we uit evenwicht raken.

De mens is ongetwijfeld het centrale motief in het complexe en brede oeuvre van Helmut Stallaerts. Het is niet de mens in het hier en nu, maar de vervreemde mens, wazig en afwezig. Op een nogal theatrale en vaak ongemakkelijke manier laat deze mens zich zien, poseert hij voor zijn publiek. De acties die hij onderneemt refereren vaak aan een ongedefinieerd ritueel. Er is niets grappigs aan de absurde atmosfeer die op deze manier wordt gecreëerd; integendeel, het is heel vreemd en donker. De omgeving waarin zijn menselijk bestaan is ​​ geëncadreerd, is eveneens vreemd: zonder anekdotisch detail, steriel en koud.

L’inconvénient d’un vide ou d’un néant est l’une des impulsions récurrentes de l’œuvre de Helmut Stallaerts (°1982, Bruxelles). Les images qu’il réalise sont toujours en équilibre entre être et ne pas être. Il ne représente pas le vide en lui-même, mais plutôt ce qui enveloppe la vacuité. Nombre d’œuvres de Stallaerts sont mieux comprises comme des rêves ou des hallucinations qui, d’une part, nous rapprochent de l’énigme, mais de l’autre apparaissent comme un trou noir inconnu, de sorte que nous devenions déséquilibrés.

L’homme est sans aucun doute le motif central de l’œuvre complexe et vaste de Helmut Stallaerts. Ce n’est pas Live veiling / Vente aux enchères Live

44

Paperworks

2005

l’homme d’ici et maintenant, mais l’homme aliéné, brouillé et absent. D’une manière plutôt théâtrale et souvent inconfortable, cet homme se montre, pose pour son public. Les actions qu’il entreprend se réfèrent souvent à un rituel indéfini. Il n’y a rien de drôle dans l’atmosphère absurde créée de cette manière ; au contraire, c’est très étrange et sombre. L’environnement dans lequel son existence humaine est représentée est également étrange : sans aucun détail anecdotique, stérile et froid.

Inkt en acrylverf op papier, met lijst 91,5 x 34,5 cm, courtesy Albert Baronian, Brussel

45

Lot 16

Glen Rubsamen

Glen Rubsamen (°1957, Hollywood, US) is een beeldend kunstenaar die zich vooral toelegt op schilderkunst en fotografie. Zijn werken zijn gebaseerd op de virtuele wereld waarin we leven en op de technologie die we in hedendaagse stadslandschappen kunnen vinden. In zijn schilderkunst ontkracht Rubsamen de clichés van Los Angeles en creëert, net zoals de Amerikaanse conceptuele fotograaf Ed Ruscha, een soort filmische iconografie. Hij herleidt het landschap tot enkele essentiële elementen en geeft het weer in geïdealiseerde beelden met een zeker gevoel voor ironie. Voor de creatie van deze beelden maakt Rubsamen gebruik van Google Street View. Hij creëert een reisplan doorheen Los Angeles en zoekt daarbij naar ‘onregelmatigheden’ in het landschap: esthetische combinaties in de natuur of absurde combinaties van palmbomen, gebouwen, straatverlichting en advertenties. Vervolgens gaat hij met de auto naar deze locaties om ze ter plaatse te fotograferen. De foto’s dienen als uitgangspunt voor het maken van zijn schilderijen. Via een juxtapositie van natuur en cultuur toont Rubsamen ons banale bijzonderheden van het door de mens getransformeerde landschap. De kunstenaar maakt deel uit van de huidige Biënnale van de schilderkunst in het MDD. Glen Rubsamen (°1957, Hollywood, États-Unis) est un artiste visuel qui s’adonne essentiellement à la peinture et à la photographie. Ses œuvres sont basées sur le monde virtuel dans lequel nous vivons et sur la technologie que nous retrouvons dans les paysages urbains modernes.

Par le biais de la peinture, l’artiste infirme les clichés sur Los Angeles et crée, à l’image du photographe conceptuel américain Ed Ruscha, une sorte d’iconographie filmique. Il réduit le paysage à quelques éléments essentiels et le reproduit au travers d’images idéalisées, ponctuées d’un sens évident de l’ironie. Glen Rubsamen Live veiling / Vente aux enchères Live

46

Make gentle the life 2011 of this world intègre Google Street View à son processus de création. Il trace un itinéraire dans les rues de Los Angeles et cherche des « irrégularités » dans le paysage : des combinaisons esthétiques dans la nature ou des combinaisons absurdes de palmiers, de bâtiments, d’éclairage public et de publicités. Il se rend ensuite en voiture à ces différents endroits pour les photographier. Ces photos lui servent de point de départ pour la réalisation de ses peintures. En juxtaposant la nature et la culture Glen Rubsamen illustre les particularités banales du paysage transformé par l’homme. L'artiste fait partie de la Biennale actuelle de la peinture au MDD.

Acrylverf op doek, zonder lijst 90 x 90 cm, courtesy van de kunstenaar, foto: Sugitra Gantner

47

Lot 17

Emo Verkerk

Het werk van Emo Verkerk (°1955, Amsterdam, Nederland) past naadloos in de eeuwenoude traditie van Hollandse schilders. Hoewel de werken spaarzaam zijn opgebouwd, zijn ze tegelijk rijk aan verbeelding en kleur. Via zijn portretten kende Verkerk veel faam. Het is echter een genre dat zich laat in de beeldcultuur van de hedendaagse kunst voegt. Toch bezit zijn werk een actuele urgentie, omdat het een directe confrontatie met de waarneming weergeeft. Vanaf het begin van zijn carrière bleef hij trouw aan het portret. Toch weet Verkerk weg te blijven van een herhalende stijlfiguur, in plaats daarvan is elk schilderij weer een avontuur dat vanaf nul begint en waarvan de uitkomst allerminst zeker is. De geportretteerden zelf zijn hierbij van minder belang. Hoe de ruimte zich in zowel illusionistische als geestelijke zin vertaalt naar vlakke of driedimensionale beelden is belangrijker. Deze kunst gaat over het leven zelf, verpakt in verbindende, geconstrueerde beelden die de rijkdom van de schilderkunst in al haar glorie toont.

L’œuvre d’Emo Verkerk (°1955, Amsterdam, Pays-Bas) s’inscrit parfaitement dans la tradition séculaire des peintres néerlandais. Bien que ses toiles soient composées avec parcimonie, elles ne manquent ni de fantaisie ni de couleur. Ses portraits lui ont valu une grande renommée. Ce genre peut néanmoins être parfaitement intégré à la culture visuelle de l’art contemporain. L’œuvre d’Emo Verkerk témoigne en effet d’une urgence actuelle, car elle reflète une confrontation directe avec la perception. Depuis le début de sa carrière, l’artiste est resté fidèle au genre du portrait. Il a toutefois su rester à l’écart d’une figure stylistique répétitive, puisque chaque peinture est une nouvelle aventure qui part de zéro et dont l’issue est tout aussi incertaine. Les sujets représentés passent au second Live veiling / Vente aux enchères Live

48

Joseph Roth Sleeptros

2009

plan. La manière dont l’espace se traduit en images plates ou tridimensionnelles, à la fois au sens illusoire et spirituel, est bien plus importante. Cette forme d’art symbolise la vie même, enrobée dans des images construites et fédératrices, qui illustrent la richesse de la peinture dans toute sa splendeur.

Olieverf op doek, zonder lijst 83 x 97 x 2,5 cm, courtesy Willem Baars Projects, Amsterdam

49

Lot 18

Philippe Vandenberg

Philippe Vandenberg (1952-2009, Gent) was een Belgische schilder. Centraal in zijn oeuvre stond de mens, getekend door zijn innerlijke en uitwendige conflicten. Om deze strijd in haar diversiteit te verbeelden, hanteerde Vandenberg een ‘kamikaze’ attitude. Na periodes waarin hij een thema of motief intens behandelde, moesten ze wijken voor nieuwe invloeden. Het overschilderen van oudere werken was soms nodig om de vooruitgang te voltrekken.

De tekening die ter veiling wordt aangeboden, stamt uit een periode waarin Vandenberg een dergelijke geste maakte. In 1995 werden de woordtekeningen van een jaar voordien overgeschilderd met zwarte geometrische figuren in gouache. De geste weerspiegelt die van Ad Reinhardt en Kazimir Malevich, maar kadert binnen een ander conceptueel kader. Ze beoogde geen nulgraad van het schilderen, maar was juist noodzakelijk in de ontwikkeling van zijn werk.

Philippe Vandenberg (1952-2009, Gand) était un peintre belge. Il accordait une place centrale à l’humain, caractérisé par ses conflits intérieurs et extérieurs. Afin de représenter cette lutte dans toute sa diversité, l’artiste adoptait une attitude kamikaze.

Après avoir traité longuement et intensivement un thème ou un motif, ces derniers devaient céder la place à de nouvelles influences. Il était parfois nécessaire de « surpeindre » d’anciennes œuvres pour accomplir le progrès.

Le dessin qui est mis aux enchères témoigne d’une époque où Philippe Vandenberg a posé un tel geste.

En 1995, il a recouvert les dessins de mots de l’année précédente avec des figures géométriques noires à la gouache. Ce geste fait écho à celui d’Ad Reinhardt et Live veiling / Vente aux enchères Live

50

Zonder titel

19951996

de Kazimir Malevich, à la différence qu’il s’inscrit dans un cadre conceptuel différent. Cet acte ne consistait pas à revenir au degré zéro de la peinture, mais était tout simplement nécessaire au développement de l’œuvre de l’artiste.

Gouache en houtskool op papier, getekend, zonder lijst 73 x 110 cm, met lijst 80,2 x 117,2 x 4 cm, courtesy Estate Philippe Vandenberg en Hauser & Wirth

51

Lot 19

Dave McDermott

Dave McDermott (°1974, Santa Cruz, US) leeft en werkt in Brooklyn, New York. Zijn oeuvre is een zoektocht naar de grenzen van het medium waarvoor hij inspiratie vindt in films. Hoewel zijn werk een melancholische en herkenbare stijl heeft, verzet het zich tegen categorisering. Zijn werk is zowel sculpturaal als schilderkunstig en hij maakt gebruik van verschillende materialen zoals bladgoud en garen, waardoor het werk rijk aan visuele prikkels is.

Dave McDermott (°1974, Santa Cruz, États-Unis) vit et travaille à Booklyn, New York. Son œuvre est une recherche des limites du support, dans le cadre de laquelle il s’inspire de films. Bien que son travail soit empreint d’un style mélancolique et identifiable, il s’oppose à la catégorisation. Son œuvre est à la fois sculpturale et picturale et il utilise divers matériaux tels que la feuille d’or et le fil, ce qui confère à ses œuvres de nombreux stimuli visuels.

Live veiling / Vente aux enchères Live

52

L’ homme

2011

Garen, digitale prints, Flashe vinylverf op paneel, met lijst 198,1Â x 152,4 x 5,5 cm, gesigneerd aan achterkant, courtesy van de kunstenaar & GRIMM, Amsterdam / New York, foto: Sander Tiedema 53

Lot 20 Sofie Middernacht & Maarten Alexander Met deze kwetsbare fotowerken, bestaande uit veelvuldig gelaagde scans van medicijndoosjes, zoekt het duo Sofie Middernacht (°1985, Aalst) en Maarten Alexander (°1990, Rotterdam) de grens op tussen fotografie en conceptuele kunst. Door hun transparantie en fragiliteit lijken de werken haast te zweven in de ruimte. Maar achter die schijnbare lichtheid schuilt een zwaarmoedig thema. De gescande medicijndozen zijn afkomstig van een geestelijk zieke naaste van een van de kunstenaars, die door een psychotische stoornis dagelijks medicatie dient in te nemen. Als een persoonlijk verwerkings- en aanvaardingsproces worden de scans laag na laag opgebouwd en ontleed, als ware het een zorgvuldige dissectie van het subject. De gelaagdheid is zowel letterlijk als symbolisch aanwezig. Door meerdere transparante lagen toe te voegen tussen onderwerp en kijker lijkt het wel alsof de werken duidelijker worden, als een eindeloos aanslepend probleem dat zich manifesteert door heel veel herhaling.

Avec ces photographies fragiles, composées de multiples numérisations de boîtes de médicaments superposées, le duo Sofie Middernacht (°1985, Alost) et Maarten Alexander (°1990, Rotterdam) explore la frontière entre l’art photographique et l’art conceptuel. Les œuvres semblent flotter dans l’espace en raison de leur transparence et de leur vulnérabilité.

Derrière cette apparente légèreté se cache toutefois un thème sombre. Les boîtes de médicaments numérisées ont été empruntées à un proche d’un des artistes, contraint de prendre un traitement journalier en raison de troubles psychotiques. À la manière d’un processus personnel de traitement et d’acceptation, les numérisations sont construites et extraites couche Live veiling / Vente aux enchères Live

54

Untitled 02 from Like Today, But More Like Forever

2018

par couche, comme s’il s’agissait d’une dissection minutieuse du sujet. La stratification est présente au sens tant littéral que symbolique. Grâce à l’ajout de multiples couches transparentes entre le sujet et le spectateur, les œuvres semblent devenir plus claires, comme un problème persistant qui se manifeste par de très nombreuses répétitions.

8 x 23% inkjetprint op acetaat, tussen 9 x 2mm Perspex, zonder lijst 21 x 14,8 x 1,8 cm, met lijst 22,5 x 16,3 x 4,5 cm, editie 1/3, met certificaat, courtesy van de kunstenaars 55

Lot 21

Bouke de Vries

Bouke de Vries (°1960, Utrecht, Nederland) is in Londen gevestigd en specialiseert zich in keramische kunst en porselein. Voor het maken van zijn kunstwerken gebruikt hij zijn talent als restaurateur. Het werk toont de schoonheid van vernieling. In plaats van nieuw werk te construeren, deconstrueert hij gebroken keramiek, waardoor het werk een nieuwe waarde krijgt. In zijn werk Cultural Revolution Repudiated zien we de scherven van antieke (20e-eeuwse) Chinese keramiek die Mao ooit probeerde te elimineren.

Daarnaast refereert het aan de terugkeer uit het Westen van diezelfde dynastieke keramiek, die momenteel wordt gekocht door de nieuwe rijken van China. De openingen tussen de scherven van keramiek bezorgen het werk een kubistisch uitzicht. Bouke de Vries speelt met de grenzen van wat origineel is en wat zijn eigen aandeel inhoudt. Hij creëert hierover twijfel en blaast zo de keramiek nieuw leven in.

Bouke nam deel aan de tentoonstelling NAP in Amsterdam, gecureerd door Joost Declercq en Charlotte Crevits in de zomer van 2018.

Bouke de Vries (° 1960, Utrecht, Pays-Bas) est un artiste basé à Londres, spécialisé dans l’art de la céramique et la porcelaine. Pour la réalisation de ses œuvres, il fait appel à son talent de restaurateur. Ses travaux illustrent la beauté de la destruction. Au lieu de construire quelque chose de neuf, il déconstruit des céramiques cassées et leur attribue une nouvelle valeur. Son œuvre Cultural Revolution Repudiated montre les fragments d’une céramique chinoise ancienne (XXe siècle) que Mao avait tenté de détruire. Elle renvoie, en outre, au retour de l’Occident de cette même céramique dynastique, qui est actuellement achetée par les nouveaux riches chinois. Les ouvertures entre les fragments de céramique confèrent à l’œuvre un aspect cubiste. Bouke de Vries joue avec les limites de l’original et de sa propre Live veiling / Vente aux enchères Live

56

Cultural Revolution 2014 Repudiated contribution. Il sème le doute à ce sujet et insuffle ainsi une nouvelle vie à la céramique.stimuli visuels. Bouke a participé à l'exposition NAP, été 2018, à Amsterdam, curatée par Joost Declercq et Charlotte Crevits.

Chinees porseleinen borstbeeld van voorzitter Mao uit de 20ste eeuw met Chinees porseleinen scherven uit de 18de en 19de eeuw en gemengde media, beeld 156 x 40 x 31 cm, sokkel 26 x 40 x 31 cm, courtesy van de kunstenaar & Galerie Ron Mandos, Amsterdam 57

Lot 22 Marina Rheingantz Marina Rheingantz (°1983, Araraquara, Brazilië) is werkzaam in São Paulo en plaatst zich als jonge Braziliaanse schilder in een rijke traditie. Ze groeit op in de natuurlijke regio Araraquara wat een belangrijke drijfveer is voor haar werk. Deze rurale omgeving uit haar jeugd blijft een belangrijke inspiratiebron voor haar landschapschilderkunst. Voor de schilderijen gebruikt ze olieverf waarmee ze als het ware ‘boetseert’, waardoor haar werken vaak bestaan uit meerdere lagen verf. De schilderijen van Rheingantz balanceren moeiteloos tussen figuratie en abstractie en lijken vaak onvolledig of onaf te zijn. Bij langere contemplatie, transformeert een verfstreek echter al snel tot een berg of een figuur, of omgekeerd.

De op het eerste gezicht idyllische natuurlandschappen in Brazilië refereren ook aan de binnensluipende moderniteit. De landschappen bevatten duidelijke sporen van industrialisatie zoals zendmasten, windturbines en utiliteitspalen. Loskomend van de werkelijkheid abstraheert ze het landschap en belaadt ze de natuur met geologische, economische, symbolische of affectieve betekenissen. De kunstenaar maakt deel uit van de huidige Biënnale van de schilderkunst in het MDD. Marina Rheingantz (°1983, Araraquara, Brésil) est basée à São Paulo et s’inscrit, en tant que jeune artiste brésilienne, dans une riche tradition picturale.

Elle grandit dans la zone naturelle d’Araraquara, ce qui constituera un moteur important pour son travail.

L’environnement rural de son enfance reste une source d’inspiration majeure pour ses peintures de paysages.

Elle réalise ses toiles à l’aide de peinture à l’huile, qu’elle « façonne », ce qui crée généralement plusieurs couches de couleur. Les toiles de Marina Rheingantz oscillent sans peine entre abstraction et figuration et semblent souvent incomplètes ou inachevées. Après une contemplation plus longue, cependant, un coup de pinceau se transforme rapidement en une montagne Live veiling / Vente aux enchères Live

58

Pelego

2017

ou un personnage, et vice versa. Les paysages naturels à première vue idylliques du Brésil renvoient également à la modernité insidieuse. Ces paysages portent des stigmates évidents de l’industrialisation, comme des tours de transmission, des éoliennes ou des pylônes électriques. Se détachant de la réalité, Marina Rheingantz abstrait le paysage et insuffle à la nature des significations géologiques, économiques, symboliques ou affectives. L'artiste fait partie de la Biennale actuelle de la peinture au MDD.

Olieverf op doek, zonder lijst 80 x 60 x 3,5 cm, courtesy Zeno X Gallery, Antwerpen, foto: Peter Cox

59

Lot 23

Matt Connors

Matt Connors (°1973, Chicago, US) is een schilder met een grote belangstelling voor techniek en kleur. Zijn werk baseert zich op de geschiedenis van schilderkunst en haar processen, met name minimalisme en abstractie, maar hij wordt ook beïnvloed door design, poëzie, schrijven en muziek. Tijdens een groot deel van zijn carrière heeft Connors, een in New York woonachtige schilder, op een bijna ondeugende manier bekende sjablonen gebruikt om te creëren wat hij “dwingende verwarring” noemt. Zijn benadering van schilderen legt de nadruk op het idee van de structuur van zijn werk. Voor dit werk ontwikkelde Connors een kleurenpalet, voortbouwend op de inspiratie die hij put uit het leven in een stad gebouwd op rasters, lijnen en grenzen, waarbij serendipiteit een belangrijk compositorisch hulpmiddel is voor de kunstenaar. Connors zegt dat deze mogelijke filters afkomstig zijn van een richtlijn die hij zichzelf heeft opgelegd als een 21-eeuwse stadsbewoner. Vormen komen terug in verschillende patronen, met verschillende gewichten en kleurpaletten. Diepe kleurenvelden worden in evenwicht gebracht met blokken witte ruimte. Grenzen kunnen traditioneel zijn – vervat in het idee van een kader – of kunnen een beroep doen op de wereld van de kijker.

Matt Connors (1973, Chicago, Etats-Unis) est un peintre animé d’un grand intérêt pour la technique et la couleur.

Son œuvre repose sur l’histoire de la peinture et des processus, en particulier le minimalisme et l’abstraction, mais il est aussi influencé par le design, la poésie, l’écriture et la musique. Pendant une grande partie de sa carrière, ce peintre basé à New York a embrassé de manière presque ludique les modèles familiers pour créer ce qu’il appelle une « confusion impérieuse ».

Son approche de la peinture met l’accent sur l’idée de structure dans son œuvre. Pour cette toile, Connors a créé une palette de couleurs inspirée de sa vie dans une Live veiling / Vente aux enchères Live

60

Proscenium for 2018 SMC (Red, Green) ville faite de quadrillages, de lignes et de frontières ; la sérendipité étant un outil de composition majeur pour l’artiste. Matt Connors affirme que ces filtres potentiels proviennent d’une directive qu’il s’est lui-même imposée en tant que citadin du XXIe siècle. Ses représentations réapparaissent dans différents motifs, aux poids et palettes variés. Les profonds champs de couleurs sont contrebalancés par des blocs d’espace blanc. Les limites peuvent être traditionnelles, contenues dans l’idée d’un cadre, ou faire appel à l’univers du spectateur.

Zeefdruk en acrylverf op papier, zonder lijst 61 x 45,7 cm, met lijst 84 x 68,5 x 3 cm, courtesy van de kunstenaar en Xavier Hufkens, Brussel

61

Lot 24

Marcus Jahmal

Marcus Jahmal (°1990, New York, US) is een kunstenaar uit Queens, New York. Zijn schilderijen tonen huiselijke scènes en landschappen die zijn opgebouwd vanuit het geheugen en de verbeelding. In zijn beelden, die zowel theatraal als stil intiem zijn, toont Jahmal uitbundig penseelwerk en zijn bijzondere sterke kant als colorist. Zoals de kunstcriticus Roberta Smith in de New York Times schreef, “Jahmal’s grootste liefde is kleur, die hij verbluffend gebruikt, maar hij exploiteert alles – ruimte, oppervlakte, kleur, beeld – om verschillende ongerijmdheden te creëren.” De rode, oranje en andere levendige tinten in zijn composities creëren een symbolistische taal die verbonden is met het onderbewuste en de dromen van de kunstenaar. Jahmal verzamelt zijn ideeën door een praktijk van automatisch tekenen, en beweegt zich intuïtief door beelden gegrepen uit het leven of uit de kunstgeschiedenis. Uit deze tekeningen verzamelt hij een verzameling van objecten, waarbij hij zijn dagelijkse ervaring vermengt met het moderne en de mythe. Deze motieven vormen samen een surrealistische omgeving met herkenbare figuren die de complexiteit en onzichtbare relaties suggereren binnen het alledaags leven. Het werk van Jahmal is tentoongesteld in New York, Chicago, Miami, Tokio, Japan en in heel Europa.

Marcus Jahmal (°1990, New York, US) est un artiste basé à Queens, New York. Ses peintures représentent des scènes domestiques et des paysages construits à partir de la mémoire et de l’imagination. Dans ses images à la fois théâtrales et tranquilles, Jahmal met en exergue un pinceau exubérant et sa force particulière de coloriste.

Comme l’a écrit le critique d’art Roberta Smith dans le New York Times, « l’amour principal de Jahmal est la couleur, qu’il utilise de façon éblouissante, mais il exploite tout – espace, surface, couleur, image – pour créer diverses incongruités ». Les rouges, les oranges et les autres couleurs vibrantes de ses compositions créent un langage symboliste lié au subconscient et aux rêves de Live veiling / Vente aux enchères Live

62

Chlorophyll

2018

l’artiste. Jahmal recueille ses idées à travers une pratique du dessin automatique, en se déplaçant intuitivement à travers des images issues de la vie ou de l’histoire de l’art. À partir de ces dessins, il réunit une distribution d’objets, mélangeant son expérience quotidienne avec le moderne et le mythe. Contemplés dans l’ensemble, ces motifs forment un environnement surréaliste avec des figures reconnaissables qui suggèrent les complexités et les relations invisibles dans la vie quotidienne.

Les oeuvres de Jahmal ont été exposées à New York, Chicago, Miami, Tokyo, Japon et partout en Europe.

Oil stick and acrylverf op doek, zonder lijst 76,2 x 91,44 cm, courtesy van de kunstenaar & Almine Rech Gallery 63

Lot 25

Kunstreis Voyage artistique

⁕ Zes personen, onder begeleiding van Joost Declercq, directeur

museum Dhondt-Dhaenens ⁕ Driedaags verblijf in München van do. 09.05 tot zo. 12.05.2019 ⁕ Bezoek aan de Alte Pinakothek, Museum Brandhorst, Sammlung

Goetz, Pinakothek der Moderne, Neue Pinakothek, Haus der

Kunst, Lenbachhaus, toonaangevende galerieën en enkele

private collecties en enkele private collecties ⁕ Heen & terug met Brussels Airlines in Economy Light (tijden

onder voorbehoud)

Heen Zaventem: 09.05.2019 om 10:25

Aankomst München: 11:40

Terug München: 12.05.2019 om 18:40

Aankomst Zaventem: 20:00 ⁕ 3 nachten in Hotel Vier Jahreszeiten Kempinski München (*****),

ontbijt inbegrepen ⁕ luchten, hotel, toegangtickets musea, begeleiding door Joost

Declercq inbegrepen ⁕ Andere maaltijden en transport ter plaatse zijn niet inbegrepen ⁕ Six personnes, sous la direction de Joost Declercq, directeur du

musée Dhondt-Dhaenens ⁕ Séjour de trois jours à Munich du jeu. 09.05 au di. 12.05.2019 ⁕ Visite de la Alte Pinakothek, Museum Brandhorst, Sammlung

Goetz, Pinakothek der Moderne, Neue Pinakothek, Haus der

Kunst, Lenbachhaus, des galeries renommées et quelques

collections privées ⁕ Aller- retour avec Brussels Airlines en Economy Light (heures de

vol sous réserve) Aller Zaventem : 09.05.2019 à 10:25 Arrivée Munich : 11:40 Retour Munich : 12.05.2019 à 18:40 Arrivée Zaventem : 20:00 ⁕ 3 nuits à l’Hotel Vier Jahreszeiten Kempinski München (*****),

petit déjeuner inclus.

Live veiling / Vente aux enchères Live

64

naar München à Munich ⁕

⁕

2019

Vols, hôtel, tickets d’entrée des musées, visites guidées par Joost Declercq inclus Autres repas et transport sur place non compris

Met dank aan / Merci à: Art Travel / Atlas Reizen, Vanessa Vande Vyvere / Bert Uyttenbroeck

65

d d a P 66

8 e l d d 67

Gevestigd in België om zo het beste van de Luxemburgse privébank uit te dragen, adviseert de Banque de Luxembourg particulieren, families en ondernemers bij het beschermen, het beheren en het overdragen van hun vermogen. Wij begeleiden hen ook bij hun filantropische en culturele projecten.

Als attent Huis moedigen we sinds weleer jong creatief talent aan. Het is als buren en als vrienden dat we het museum DhondtDhaenens ondersteunen, en in het bijzonder The Wunderkammer Residence en de talentvolle kunstenaars van de Internetveiling 2018.

68

Installée en Belgique pour y apporter le meilleur de la banque privée luxembourgeoise, la Banque de Luxembourg conseille des particuliers, des familles et des entrepreneurs dans la protection, la gestion et la transmission de leur patrimoine. Nous les accompagnons également dans leurs projets philanthropiques et culturels.

En tant que Maison attentionnée, nous encourageons depuis toujours la jeune création artistique. C’est en voisins et en amis que nous soutenons le musée DhondtDhaenens et plus particulièrement The Wunderkammer Residence et les artistes talentueux de la vente aux enchères Internet 2018.

69

Internetveiling – hoe kunt u bieden? đ&#x;Ą˘ Vanaf 16 uur op vrijdag 17 augustus 2018 kan men via Paddle8 online (www.paddle8.com/ auctions) bieden op alle kunstwerken van de Internetveiling. đ&#x;Ą˘ De Internetveiling sluit af op 31 augustus 2018 om middernacht en tijdens het feest kan men doorlopend tot middernacht online bieden aan de Paddle8 kiosk.

Bent u geĂŻnteresseerd in een bepaald lot en kunt u niet aanwezig zijn, doe een bod aan de balie van het museum: info@museumdd.be of 09 330 17 30 đ&#x;Ą˘ Paddle8 neemt een commissie van 20 % op het winnende bod van elk werk op de Internetveiling. Deze commissie is niet van toepassing op de werken die op de avond van de live veiling door Christie’s worden aangeboden.

P.s. Als u tijdens de avond een bod online uitbrengt, is het belangrijk om u nadien steeds uit te loggen.

70

Ventes aux enchères Internet – comment enchĂŠrir? đ&#x;Ą˘ A partir de 16h00 le vendredi 17 aoĂťt 2018 les enchères en ligne via Paddle8 (www.paddle8.com/auctions) sur toutes les Ĺ“uvres des enchères Internet seront possibles. đ&#x;Ą˘ Cette vente se clĂ´ture le 31 aoĂťt Ă minuit et pendant la fĂŞte vous pourrez enchĂŠrir au kiosque Paddle8 jusqu’à minuit.

Un lot vous intĂŠresse, mais vous ne pouvez pas assister Ă la soirĂŠĂŠ? Faites une offre Ă la rĂŠception du musĂŠe: info@useumdd.be ou 09 330 17 30 đ&#x;Ą˘ Paddle8 percevra une commission de 20 % sur la meilleure enchère de chacune des Ĺ“uvres mises aux enchères sur Internet. Cette commission ne s’appliquera pas aux Ĺ“uvres prĂŠsentĂŠes lors de la vente aux enchères organisĂŠe par Christie’s en cours de soirĂŠe.

P.s. Si vous surenchĂŠrissez sur Internet

durant la soirĂŠe, veillez Ă vous dĂŠconnecter Ă chaque fois.

71

Lot 26

Rik De Boe

Ik voelde me onmiddellijk aangesproken door het oeuvre van Rik De Boe (°1964, Ninove) en koos het werk Reflectie op Magritte bij Gallery Sofie Van de Velde in Antwerpen.

De kracht van het werk zit in de eenvoud. Van ver zou je denken dat het om een foto gaat, maar eens je het werk minutieus bekijkt, ontdek je de opbouw van houtskool. Rik De Boe haalt het poëtische in dit werk naar boven. De woorden brachten me terug naar het oeuvre van Broodthaers, ook al gaat het om een ander lettertype. De fijne streepjes die te zien zijn stellen de lampen voor uit de omgeving van het werk. Ik kocht zelf ook een werk van Rik waarin je een werk van Mondriaan ziet, alsook de omgevingsfactoren van het Gemeentemuseum Den Haag. Er gaat een mooie, poëtische kracht uit van Riks zwart-wit werken. Zijn werken zijn te vinden op www.rikdeboe.be.

J’ai immédiatement été séduite par l’œuvre de Rik De Boe (°1964, Ninove) et j’ai choisi la toile Reflectie op Magritte, de la Gallery Sofie Van de Velde, à Anvers. La puissance de l’œuvre réside dans sa simplicité. On pourrait a priori croire qu’il s’agit d’une photo, mais si l’on regarde la toile de plus près, on remarque la texture du fusain. Rik De Boe met ici en avant l’aspect poétique. Les mots m’ont fait penser à l’œuvre de Broodthaers, bien qu’il s’agisse d’une autre police d’écriture. Les fines rayures visibles représentent les lampes environnantes. J’ai moi-même acquis une œuvre de Rik De Boe sur laquelle apparaît une œuvre de Mondriaan et où on voit également les éléments contextuels du Gemeentemuseum Den Haag.

Une somptueuse force poétique émane des œuvres en noir et blanc de Rik De Boe. Vous les retrouverez sur www.rikdeboe.be.

Voorgedragen door / Nommé par: Vanessa Matthys-Vande Vyvere, ART Travel / Atlas Reizen, Waregem

72

Reflectie op Magritte

2017

Houtskool op papier, zonder lijst 76,5 x 53,5 cm, met lijst 85,5 x 62 x 3 cm, courtesy Gallery Sofie Van de Velde, Antwerpen

73

Lot 27

Wim De Prez

Graag stellen wij het werk voor van de in Deurle gevestigde kunstenaar Wim De Prez (°1962, Aalst). Via zijn schilderijen en sculpturen zoekt hij de raakvlakken op tussen kunst en technologie. Daarbij bevraagt hij en steekt hij de draak met de ons opgelegde schoonheidsidealen. Zijn werk is een apologie voor imperfectie en is doordrenkt van fantasie, opvallende kleuren, humor, ironie, speelsheid en asymmetrie.

C’est avec plaisir que nous vous présentons l’œuvre de l’artiste Wim De Prez (°1962, Alost), établi à Deurle. À travers ses peintures et ses sculptures, il explore les liens entre l’art et la technologie. Il remet en question et se moque des idéaux de beauté qui nous sont imposés.

Empreinte de fantaisie, de couleurs vives, d’humour, d’ironie, d’espièglerie et d’asymétrie, son œuvre est une apologie de l’imperfection.

Voorgedragen door / Nommé par: Sylvie Dubois

74

Prins Artemys annaagramm

2018

Hars, lakverf, markeerstift, sculptuur 19 x 10 x 13 cm, glazen stolp 27 cm x ⌀ 19 cm, getekend onderaan de sculptuur, courtesy van de kunstenaar

75

Lot 28

Babs Decruyenaere

My love for you knows no boundaries, de titel van het werk van Babs Decruyenaere (°1978, Kortrijk) onthult haar liefde voor ‘licht-grafisme’ of het letterlijk schrijven met licht.

Babs ontleent haar visuele beeldtaal uit de natuur. Al jaren verzamelt ze ‘objets trouvés’ zoals twijgjes, schelpjes, keien,… die ze rechtstreeks met licht vastlegt op papier.

Zo komen autonome composities tot stand, al dan niet in abstracte of figuratieve vorm. Ze fotografeert af en toe details van diezelfde natuurlijke biotoop om die mee te assembleren in haar unieke creaties. De werken van Babs zijn uitgepuurde composities op zoek naar de poëzie van het licht. Haar eerstvolgende solotentoonstelling zal plaatsvinden in oktober 2018 bij Tique art space in Antwerpen.

My love for you knows no boundaries : le titre de l’œuvre de Babs Decruyenaere (°1978, Courtrai) révèle son amour pour le « photo-graphisme », ou littéralement l’écriture par la lumière. Babs Decruyenaere emprunte son langage visuel à la nature. Elle collectionne depuis des années des « objets trouvés » comme des brindilles, des coquillages ou des pierres, qu’elle fixe directement sur papier à l’aide de la lumière. Elle donne ainsi naissance à des compositions autonomes, sous une forme abstraite ou figurative. Elle photographie parfois des détails de ce même biotope naturel pour les intégrer dans ses créations uniques. Les travaux de Babs Decruyenaere sont des compositions épurées, en quête de la poésie de la lumière. Sa prochaine exposition individuelle aura lieu en octobre 2018, au Tique Art Space d’Anvers.

Voorgedragen door / Nommée par: Valérie Wille

76

My love for you knows no boundaries

2018

Zilvergelatinedruk, zonder lijst 30,5 x 40,6 cm, met lijst 44,5 x 54,5 x 4 cm, uniek, courtesy van de kunstenaar

77

Lot 29

Joëlle Dubois

Het kleurrijke, figuratieve werk van Joëlle Dubois (°1990, Gent) zag ik voor het eerst tijdens ‘Coming People’ in het S.M.A.K. waar ze de publieksprijs in de wacht sleepte.

Sindsdien volg ik haar werk van de ene naar de andere veelbelovende tentoonstelling. Ik bewonder hoe Joëlle (in letterlijke zin) op een humoristische en strippende manier de menselijke onderwerping aan nieuwe media en sociale netwerken blootlegt door een krachtige illustratieve en onbevooroordeelde visuele taal. Menselijk contact, privacy, seksualiteit en eenzaamheid zijn slechts enkele van de onderwerpen die ze op luchtige wijze, maar mét impact weet te verzinnebeelden.

J’ai découvert l’œuvre colorée et figurative de Joëlle Dubois (°1990, Gand) à l’occasion de « Coming People » au S.M.A.K., où elle a remporté le prix du public. Je suis, depuis lors, son travail, d’une exposition prometteuse à l’autre. J’admire la façon dont elle expose (au sens propre), de manière humoristique et décapante, l’assujettissement humain aux nouveaux médias et réseaux sociaux grâce à la puissance d’un langage visuel illustratif et sans préjugés. Le contact humain, la vie privée, la sexualité et la solitude ne sont que quelquesuns des thèmes qu’elle symbolise avec légèreté, mais non sans impact.

Voorgedragen door / Nommée par: Phaedra Cremmery, beheerder private kunstcollectie

78

Make her the sexy voyeur of her own seduction

2017

Acrylverf op houten paneel, zonder lijst 15 x 30 cm, courtesy van de kunstenaar

79

Lot 30

Claire Ducène

Ik draag beeldend kunstenaar Claire Ducène (°1986, La Louvière) voor die net als ik afstudeerde van de Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles en sinds enkele jaren met mij samenwerkt. Het werk van Claire Ducène is een plastische reflectie over het geheugen en herinneringen.

Een gebied dat ze verkent a.d.h.v. palimpsesten en de vermenging van reële en imaginaire verhalen, waardoor verwarring ontstaat tussen realiteit en fictie. Gepassioneerd door huizen en andere bijzondere ruimtes is het werk van Claire Ducène veelzijdig. Van tekening tot installatie, via video en fotografie, gebruikt Claire Ducène alle vormen om allegorieën van menselijke cognitieve processen voor te stellen. Vertrekkende vanuit eenvoudige maar betekenisvolle elementen, vaak vanuit haar persoonijk universum, creëert Claire Ducène onverwacht vertrouwde universums die toch vragen opwerpen. Tussen de droom, het onbewuste en de tijd die stilstaat, stelt Claire Ducène je voor de poëzie aan te voelen, en ze niet enkel te lezen.

J’ai choisi de soutenir l’artiste plasticienne Claire Ducène (°1986, La Louvière), qui est également issue de l’Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles et avec qui je collabore depuis plusieurs années. Le travail de Claire Ducène est une réflexion plastique autour de la mémoire et des souvenirs. Elle explore ce domaine en usant de palimpsestes et en mêlant histoires vraies et imaginaires, créant un trouble entre réalité et fiction. Passionnée par les maisons et autres espaces particuliers, Claire Ducène propose des œuvres protéiformes. Du dessin à l’installation, en passant par la vidéo et la photographie, elle exploite toutes les formes pour dresser des allégories des processus cognitifs humains. Au départ d’éléments simples, mais chargés de sens, souvent issus de son univers personnel, Claire Ducène construit des univers étrangement familiers et pourtant générateurs d’interrogations. Entre rêve, Voorgedragen door / Nommée par: Nicolas Riquette, kunstenaar

80

Hypermnesia

2016

inconscient et arrêt du temps, Claire Ducène vous propose non seulement de lire, mais aussi de ressentir la poésie.

Digitale print, video extract, zonder lijst 85,5 x 132 cm, editie 1/3, courtesy van de kunstenaar

81

Lot 31

Bertrand Fournier

Overdag is Bertrand Fournier (°1985, Dourdan, Frankrijk) verpleger in het psychiatrische ziekenhuis van de politieprefectuur van Parijs. ’s Nachts, wanneer zijn kinderen slapen, schildert hij. De jonge Franse kunstenaar publiceert zijn afgewerkte doeken op zijn Instagram-pagina, waar hij ondertussen een substantieel publiek van trouwe volgers opbouwde. Het onderwerp van zijn bescheiden maar directe en spontane schilderstijl varieert van planten en regenbogen tot abstracte composities. Bertrand heeft onlangs zijn eerste tentoonstellingen gehad, met name in London, Parijs en Madrid.

Le jour, Bertrand Fournier (°1985, Dourdan, France) travaille à l’infirmerie psychiatrique de la préfecture de police de Paris. La nuit, pendant que ses enfants sont au lit, il peint. Ce jeune artiste français publie des photos de ses toiles finies sur sa page Instagram, où il s’est entretemps constitué une solide communauté d’abonnés fidèles. L’objet de son style de peinture, certes modeste, mais direct et spontané, varie de plantes et d’arcs-enciel à des compositions abstraites. Bertrand Fournier a récemment tenu ses premières expositions, notamment à Londres, Paris et Madrid.

Voorgedragen door / Nommé par: Bertram De Brock, Patrick De Brock Gallery, Knokke

82

The Lonely Burning Sun

2018

Olieverf op doek, zonder lijst 146 x 114 x 1,8 cm, met lijst 148,2 x 116,2 x 4,2 cm, courtesy van de kunstenaar 83

Lot 32

Alexis Gautier

De serie kunstwerken Stairs, Zebra, Bees and Light Purple Jackets bestaat uit verschillende stemmen en interpretaties en is een voorbeeld van het terugkerende vertalingsproces in het werk van Alexis Gautier (°1990, Amiens, Frankrijk). Of het nu gaat van de ene naar de andere taal, van tekst naar afbeelding of van één persoon naar de volgende. Kleinschalige taferelen geborduurd op zwarte en witte doeken zijn het resultaat van het vertalen van verhalen en sculpturale ingrepen in Hindi, die vervolgens worden doorgegeven aan lokale borduurders in het district Muzaffarpur in India. In dit specifiek werk vertelt Gautier zijn eigen interventie met de mythe van trappen, zonder te weten dat het woord voor trappen in Hindi hetzelfde betekent als ‘ladder’. Vandaar dat de borduurwerken de mythe scheeftrekken en opnieuw vertellen waarbij het centrale object vervangen werd.

La série d’œuvres Stairs, Zebra, Bees and Light Purlple Jackets repose sur différentes voix et interprétations et illustre le processus de traduction récurrent dans l’œuvre d’Alexis Gautier (°1990, Amiens, France), d’une langue à l’autre, du texte à la représentation ou d’une personne à la suivante. Les représentations à petite échelle, brodées en noir et blanc sur des toiles, résultent de la traduction de récits et d’interventions sculpturales en hindi, qui sont ensuite transmis aux brodeuses locales du district de Muzaffarpur, en Inde. Dans cette œuvre en particulier, Alexis Gautier illustre sa propre intervention sur le mythe de l’escalier, sans savoir que la traduction hindi du terme « escalier » a la même signification que le terme « échelle ». D’où les broderies déforment et réinventent le mythe, se substituant à l’objet central.

Voorgedragen door / Nommé par: Maxime de la Brousse, Directeur, Gladstone Gallery, Brussel

84

Nude Descending 2016 a Staircase (Village Diary)

Zijde, katoenen draad (met de hand geborduurd), zonder lijst 41 x 39 cm, courtesy van de kunstenaar

85

Lot 33

Ratna Gupta

De praktijk van Ratna Gupta (°1979, Madras, India) kan gezien worden als een fysieke demonstratie / het uitspelen van complexe, soms pijijke onderhandelingen en resoluties van persoonlijke, psycho-emotionele tegenstellingen.

Haar werk beperkt zich echter niet tot zelfreferentiële verwennerij. Hoewel het ‘zelf’ sterk aanwezig is in haar werk, wijst ze de directe figuratieve representatie af voor een actievere conceptuele / sculpturale manier om de levende figuur af te beelden in al haar fragiliteit en tegenstrijdigheden. Ze wil daarnaast de aarde-lichaam tegenstelling ondermijnen en gebruikt het als vertrekpunt om te speculeren over de verschillende manieren dat die breuk verder werd aangewakkerd door onze consumptiecultuur. Het proces een nog levend element te extrapoleren is een manier om het in de tijd te bevriezen. Ratna’s werk herinnert toeschouwers eraan dat we omringd zijn door info-gebieden met een sterke afbraak van onze biologische / natuurlijke ecosystemen. Toen haar gevraagd werd om haar werk te beschrijven, schreef ze het volgende: herinneringen, herhaling, tijd, tijdelijk, verandering, afdrukken, behouden, bevatten, opvolging.

L’œuvre de Ratna Gupta (°1979, Madras, Inde) peut être considérée comme une démonstration physique/la conduite de négociations et de résolutions complexes et parfois douloureuses liées à des contradictions psycho-émotionnelles personnelles. Son travail ne se limite toutefois pas à un plaisir autoréférentiel. Bien que le « moi » soit fortement présent dans son œuvre, l’artiste rejette la représentation figurative directe au profit d’une représentation conceptuelle/sculpturale plus active de la figure vivante dans toute sa fragilité et dans toutes ses contradictions. Elle souhaite, par ailleurs, saper la contradiction « terre-corps » et l’utilise en tant que point de départ pour spéculer sur les différentes manières dont notre culture de consommation Voorgedragen door / Nommée par: Felix Frachon, Galerie Felix Frachon, Brussel

86

Untitled (afloat)

2017

a alimenté cette rupture. Le processus d’extrapolation d’un élément encore vivant est une manière de le figer dans le temps. L’œuvre de Ratna Gupta rappelle aux spectateurs que nous sommes entourés de zones d’information qui dégradent considérablement nos écosystèmes biologiques / naturels. Voici ce qu’a répondu l’artiste lorsqu’on lui a demandé de décrire son œuvre : souvenirs, répétition, temps, temporaire, changement, imprimer, conserver, contenir, suivi.

Polyesterhars, hout, ballon latex, klei, staal, Rotring inkt, waterlak voor hout, zonder lijst 28 x 33 x 4,5 cm, courtesy van de kunstenaar 87

Lot 34

Toufan Hosseiny

Als jonge kunstenaar en multidisciplinaire ontwerper werkt Toufan Hosseiny (°1988, La Louvière) met verschillende materialen zoals textiel, porselein en metaal om een universum te creëren bewoond door imaginaire personages en verhalen. Geïnspireerd door Perzische motieven en symbolen, oude verhalen en het rijk van dromen, draait haar werk om de angst bekeken te worden, het zoeken naar identiteit en de obsessie om steeds opnieuw dezelfde gebaren te herhalen. De personages en maskers die ze al dan niet voor zichzelf creëert – monsters die ons achtervolgen, herinneringen aan monsters, plaatsen met monsters, monsters die we aanbidden – worden geboren uit een soms alarmerende, soms speelse interactie met een wereld vol met wezens en objecten die haar omringen en observeren.

En tant que jeune artiste et conceptrice pluridisciplinaire, Toufan Hosseiny (°1988, La Louvière) utilise différents matériaux tels que le textile, la porcelaine et le métal pour créer un univers habité par des personnages et des récits imaginaires. Inspirée par les motifs et les symboles persans, les histoires anciennes et le royaume des rêves, l’artiste aborde l’angoisse d’être observé, la recherche d’identité et l’obsession de répéter toujours les mêmes gestes. Les personnages et les masques qu’elle crée pour elle-même ou pour les autres (les monstres qui nous hantent, des souvenirs de monstres, des lieux habités par des monstres, les monstres que nous idolâtrons) naissent d’une interaction tantôt alarmante, tantôt ludique, avec un monde rempli d’êtres et d’objets qui l’entourent et l’observent.

Voorgedragen door / Nommée par: Audrey Christiaens, directeur OV project, Brussel

88

Les pots bavards # 01

2018

Borduurwerk – calicot, katoenen draad, hout, zonder lijst 1,1 x ⌀ 26 cm, courtesy rodolphe janssen, Brussel

89

Lot 35

Oscar Hugal

Voor de tekening Composition with Red, Yellow and Blue hermaakte Oscar Hugal (°1986, Wilrijk) een bekende compositie van Piet Mondriaan door elke kleur hetzelfde ‘visuele gewicht’ te geven. De haast wetenschappelijke en systematische werkwijze is gebaseerd op een studie van de psychologen Warden en Flynn die aantoonden dat bijvoorbeeld de kleur blauw, 1.3 keer meer weegt dan de kleur geel.

Met deze tekening, die deel uitmaakt van een nog lopende reeks, reflecteert Hugal over het creatieproces en over wat het exact is dat een kunstwerk doet “werken”.

Pour son dessin intitulé Composition with Red, Yellow and Blue, Oscar Hugal (°1986, Wilrijk) a reproduit une célèbre composition de Piet Mondriaan, mais en donnant le même « poids visuel » à chaque couleur.

Cette méthode systématique et presque scientifique se fonde sur une étude des psychologues Warden et Flynn qui ont, par exemple, démontré que la couleur bleue pesait 1,3 fois plus que la couleur jaune. À travers ce dessin, qui s’inscrit dans une série inachevée à ce jour, Oscar Hugal nourrit une réflexion sur le processus créatif et sur les éléments précis qui font qu’une œuvre d’art « fonctionne ».

Voorgedragen door / Nommé par: Wouter De Vleeschouwer & Jeroen Staes, oprichters CONVENT Space for Contemporary Art, Gent

90

Composition with Red, Yellow and Blue

2015

Inkt op papier, houten lijst, met lijst 32,7 x 43,4 x 3 cm, courtesy van de kunstenaar

91

Lot 36

Bert Huyghe

Yay team. I know I can do it. Just put me in Coach: de magistrale titel van de tentoonstelling van de jonge kunstenaar Bert Huyghe (°1989, Eeklo) bij Rossicontemporary vorig jaar. Zijn serie schilderijen van voetbalshirts, waaronder dit werk, belichaamt een ludiek maar subliem spel, eigen aan Berts werk. Bert legt in zijn werk heel persoonlijke en generatie-typerende invloeden bloot: zo waren de kleuren en patronen van zijn favoriete voetbalploegen zijn enige referentiekader toen hij voor het eerst musea bezocht.

Tegelijk nodigt zijn werk uit tot een bredere beschouwing van pop-, beeld- en consumptiecultuur. Met een scherpe, humoristische en kunsthistorisch gelaagde ‘appropriation’ (toeëigening) daagt Bert Huyghe de betekenis van kunst en haar spelregels uit, en stelt hij de positie van de jonge kunstenaars in vraag.

Yay team. I know I can do it. Just put me in Coach est le titre magistral donné à l’exposition du jeune artiste Bert Huyghe (°1989, Eeklo) organisée l’an passé à la galerie Rossicontemporary. Sa série de peintures de maillots de football, dont cette œuvre fait partie, incarne un jeu à la fois ludique et sublime, propre à l’artiste. Bert Huyghe dévoile dans ses œuvres des influences personnelles et propres à sa génération : les couleurs et les motifs de ses équipes de football préférées étaient, par exemple, son seul cadre de référence lorsqu’il a visité ses premiers musées. Le travail de l’artiste invite également à une conception plus large de la culture populaire, de la culture visuelle et de la culture de consommation. Par le biais d’une appropriation affûtée, humoristique et stratifiée en termes d’histoire de l’art, Bert Huyghe défie la signification de l’art et ses règles et remet en question la position des jeunes artistes.

Voorgedragen door / Nommé par: Eline Jacobs, Vanmoerkerke Collection, Oostende

92

FC Pune City

2017

Olieverf op doek, zonder lijst 30 x 40 cm, met lijst 31,3 x 40,8 x 2 cm, courtesy van de kunstenaar

93

Lot 37

Tom Król

Tom Król (°1991, Keulen, Duitsland) woont en werkt in Brussel en studeerde aan de Hochschule für Gestaltung Offenbach am Main en de academie voor Beeldende Kunsten in Düsseldorf. Hij verkent symbolen, vormen en details die onopgemerkt zouden kunnen blijven.

Inspirerende begrippen vinden hun oorsprong in alledaagse observaties waarin hij schoonheid ontdekt in de indrukken van het dagelijkse leven. Zijn schilderijen en tekeningen brengen banale routines tot leven en onderzoeken de perceptie van onze omgeving en de krachten aangedreven door economische waarden. Het proces van een editie of een zine te publiceren is een van de elementen van zijn oeuvre.

Tom Król (°1991, Cologne, Allemagne) a étudié à la Hochschule für Gestaltung Offenbach am Main et à l’Académie des Beaux-Arts de Dusseldorf. Il vit et travaille actuellement à Bruxelles. L’artiste explore des symboles, des formes et des détails qui pourraient passer inaperçus. Ses conceptions inspirantes trouvent leur origine dans ses observations quotidiennes, qui lui permettent de déceler la beauté dans les sensations de la vie de tous les jours. Ses peintures et ses dessins donnent vie à la routine et étudient la perception de notre environnement et les forces engendrées par les valeurs économiques. Le processus de publication d’une édition ou d’un artzine est l’un des aspects de son œuvre.

Voorgedragen door / Nommé par: Priya Shetty & Zoë Denys, Damien & The Love Guru, Co-founders / Directors, Brussel

94

Zonder titel

2017

Lakverf en olieverf op doek, zonder lijst 90 x 70 x 2,5 cm, courtesy van de kunstenaar en Damien & The Love Guru, Brussel, foto: Alexey Shlyk 95

Lot 38

Lola Lasurt

Duelo por la España Negra / Mourning for the Black Spain kwam tot stand tijdens omzwervingen die Lola Lasurt (°1983, Barcelona, Spanje) in 2017 maakte doorheen Noord- en Midden-Spanje. De kunstenares liet zich hierbij leiden door La España Negra (1898), een alternatieve gids voor de streek. Het boek bevat notities van de Belgische auteur Émile Verhaeren en schetsen van de Spaanse schilder – niet zelden van nachtelijke landschappen – en mede-auteur Darío de Regoyos. La España Negra is doordrongen van verlies, rouw, melancholie en donkere schoonheid. Lasurt bezocht dezelfde verlaten dorpen die Verhaeren en de Regoyos doorkruisten. Haar schilderij is gebaseerd op een zeldzame foto die ze vond in een lokaal archief in Guadarrama, een kleine stad naast Madrid. We zien gewapende Republikeinen die besneeuwde bergen beschermden tegen de militaire opstand van generaal Francisco Franco tijdens de Spaanse burgeroorlog in 1937. In zijn ontwapende, ambigue schoonheid is het werk een uiting van een rouwproces.

Duelo por la España Negra / Mourning for the Black Spain a vu le jour au cours des pérégrinations de Lola Lasurt (°1983, Barcelone, Espagne) dans le nord et le centre de l’Espagne, en 2017. L’artiste s’est alors laissé aiguiller par La España Negra (1898), un guide alternatif de la région. Ce livre contient des notes de l’auteur belge Émile Verhaeren, ainsi que des croquis du peintre espagnol et coauteur Darío de Regoyos, réputé pour ses nombreux paysages nocturnes. La España Negra est imprégnée des idées de perte, de deuil, de mélancolie et de beauté sombre. Lola Lasurt a visité les mêmes villages abandonnés que Verhaeren Voorgedragen door / Nommée par: Sofie Crabbé, journalist (o.a. H ART, Metropolis M), copywriter S.M.A.K. en artist liaison bij Deweer Gallery, Otegem

96

Duelo por la España Negra

2017

et de Regoyos avaient traversés. Sa peinture est basée sur une photo rare qu’elle a trouvée dans une archive locale de Guadarrama, une petite ville située non loin de Madrid. On y voit des Républicains armés défendre des montagnes enneigées contre le soulèvement militaire du général Francisco Franco, lors de la guerre d’Espagne, en 1937. Dans sa beauté désarmée et ambiguë, cette œuvre est l’expression d’un processus de deuil.

Olieverf op zink, zonder lijst 40 x 58 cm, courtesy van de kunstenaar

97

Lot 39

Almudena Lobera

Almudena Lobera (°1984, Madrid, Spanje) legt zich toe op het tonen van alternatieve modellen voor de configuratie van het zichtbare, waarbij ze zich verdiept in het idee dat het beeld niet altijd zichtbaar of toegankelijk is van aard.

In de informatica is WYSIWYG (What You See is What You Get) een systeem waarbij inhoud (tekst en afbeeldingen) kan bewerkt worden in een vorm die sterk lijkt op de uiteindelijke vorm wanneer die wordt afgedrukt of wordt getoond als een afgewerkt product. Tijdens het werken aan een computer zijn er veel vluchtige tekens die tijdelijk naast elkaar bestaan ​​en alleen zichtbaar zijn in de afbeeldingen en documenten waarmee we werken. Die elementen worden alleen tijdens het werkproces gezien en transcenderen nooit hun virtuele locatie: hulplijnen, marges, vectorpaden, selectiegebieden, achtergronden zonder afbeelding, enz. Omdat ze de betekenis van WYSIWYG nog strikter toepast, schilderde Almudena Lobera precies wat ze zag op het scherm, en toch krijgt ze nooit een fysiek beeld. Elk werk is een olieverfschilderij van grafische en virtuele schema’s die ze gezien heeft tijdens het werken met documenten, gegenereerd door software, ontworpen voor tekst- en beeldbewerking.

Almudena Lobera (°1984, Madrid, Espagne) s’attelle à présenter des modèles alternatifs pour la configuration du visible et s’inspire de l’idée que l’image n’est pas toujours visible ou accessible par essence. En informatique, le WYSIWYG (What You See is What You Get) est un système qui permet d’éditer du contenu (texte et illustrations) sous une forme très similaire à la forme finale lorsque le contenu est imprimé ou affiché comme un produit fini. Lors du travail sur ordinateur, de nombreux signes éphémères coexistent temporairement et sont uniquement visibles dans les illustrations et les Voorgedragen door / Nommée par: Monia Warnez, curator bij M O N ! A L I S A

98

WYSIWYG # A4-07

2017

documents de travail. Ces éléments sont visibles seulement pendant le processus de travail et ne transparaissent jamais dans leur environnement virtuel : lignes auxiliaires, marges, trajectoires vectorielles, zones de sélection, arrière-plans sans image, etc. Appliquant la signification du WYSIWYG dans un sens encore plus strict, Almudena Lobera a peint précisément ce qu’elle a vu à l’écran, sans pour autant en avoir reçu une image physique. Chaque œuvre est une peinture à l’huile de schémas graphiques et virtuels qu’elle a aperçus en travaillant avec des documents générés par des logiciels conçus pour l’édition de texte et d’image.

Olieverf op hout en gegraveerde lijst, met lijst 34,2 x 25,2 x 2 cm, courtesy van de kunstenaar

99

Lot 40

Rebekka Löffler

Rebekka Löffler (°1985, Freiburg im Breisgau, Duitsland) studeerde af aan de Staatliche Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe en het HISK in Gent. Haar werk combineert uitbundige bewegingen en objecten op een complexe maar speelse manier waarbij sommige vormen duidelijk geïnspireerd zijn door de realiteit en andere uitgevonden door het schilderproces. Door verschillende technieken en materialen met elkaar te verweven ontstaat er een harmonieuze botsing van objecten en golven. Aan de hand van driedimensionale collages, die verschillende papiersoorten en tekeningen combineren, maakt ze voorstudies die dienen als een ruimtelijk voorbereidend schilderkundig onderzoek. Ze geven een idee van hoe de schilderijen worden opgebouwd, en hoe ze als complexe bewegingen in de ruimte kunnen worden opgevat.

Rebekka Löffler (° 1985, Fribourg-en-Brisgau, Allemagne) est diplômée de la Staatliche Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe et du HISK à Gand. Son travail combine des mouvements exubérants et des objets de manière complexe, mais néanmoins ludique. Certaines formes sont clairement inspirées de la réalité, d’autres sont inventées au cours du processus de peinture. De la conjugaison de différents matériaux et techniques naît une collision harmonieuse entre les objets et les ondulations. À l’aide de collages tridimensionnels mélangeant différents types de papiers et de motifs, Rebekka Löffler réalise des études préliminaires qui servent de recherche spatiale préparatoire à la peinture. Ces études illustrent la façon dont ces peintures sont construites et indiquent en quoi elles peuvent être considérées comme des mouvements complexes dans l’espace.

Voorgedragen door / Nommée par: Oliver Barbé & Christophe Urbain, BARBÉ URBAIN gallery, Gent

100

es bleibt 2018 immerwährend, was am Ende bleibt

Kleurpotlood op Hahnemühle papier (Dyptich), zonder lijst (x2) 21 x 29,7 cm, met lijst (x2) 33,8 x 25 x 2 cm, courtesy van de kunstenaar 101

Lot 41

Natasja Mabesoone

Natasja Mabesoones (°1988, Knokke-Heist) werk is gewoon steengoed. Ze maakt verrassende en weldoordachte beelden die ze zorgvuldig laag per laag opbouwt. Natasja studeerde grafiek, maar je zou haar even goed schilder kunnen noemen. De ambacht blijft voor haar een belangrijk vertrekpunt in het maken van haar werk. Een samensmelting van technieken die allemaal als een geheel samenkomen. Ze combineert die technieken, speels, vanuit toeval, waardoor telkens nieuwe elementen verschijnen die je als kijker op ontdekkingsreis nemen. Zo bestaat Jantje Van Leiden uit: vernis mou, monoprint, kleurpotlood, stift en grafiet op papier in handgemaakt kader. Natasja zal er zich niet snel met een jantje-van-leiden van afmaken en daarom raad ik u als koper haar werk ten zeerste aan!

Le travail de Natasja Mabesoone (°1988, Knokke-Heist) est tout simplement formidable. Cette artiste crée des images surprenantes et mûrement réfléchies qu’elle élabore minutieusement couche après couche. Natasja Mabesoone a étudié la gravure, mais mérite tout autant le titre de peintre. L’artisanat reste pour elle un point de départ essentiel dans la création de ses œuvres.

L’assemblage de techniques qui forment un tout. Elle combine ces techniques au hasard, de manière ludique, générant de nouveaux éléments qui invitent systématiquement le spectateur à la découverte. L’œuvre Jantje Van Leiden est ainsi composée de vernis mou, de monotype, de crayon couleur, de marqueur et de graphite sur papier, le tout dans un cadre artisanal. L’artiste exécute ses œuvres de façon exceptionelle. Dès lors je recommande vivement cette pièce à tous les acheteurs !

Voorgedragen door / Nommée par: Laurens Mariën, kunstenaar / curator

102

Jantje Van Leiden

2017

Opgehoogde vernis mou, monoprint, kleurpotlood, stift en grafiet op papier in handgemaakt kader, met lijst 54,5 x 70,5 x 4 cm cm, courtesy van de kunstenaar 103

Lot 42 Pieter-Jan Martyn De thema’s in het oeuvre van Pieter-Jan Martyn (°1986, Kortrijk), bijvoorbeeld het Neurenbergproces, de terreurgroep RAF, de brand in de Innovation, de Surgery-reeksen of the Audience-reeksen, inspireren zich op een doorgedreven, bijna journalistiek geschiedkundig beeldonderzoek. Het gaat bij Martyn om het vormelijk vertalen van een “pseudo” accurate reconstructie van een specifiek moment. Daarin ligt de nadruk op het verbeelden van de beeldhiaten als spoorloze referentialiteit van een gebeurtenis. Aan de hand van eigen fotografische ensceneringen wordt, aan de geschilderde reconstructie van deze beeldleemtes uit het verleden, een dwingende esthetische waarde meegegeven. De werken recupereren als het ware de esthetische perceptie van waardevolle fotografische documenten. Een bijna geschiedkundige referentialiteit aan zelfgeschilderde taferelen. Op basis van een zeer beperkt kleurenpallet wordt gezocht naar een complexiteit aan nuances van licht, schaduw, kleur- en vormcompositie. Pieter-Jan Martyn hanteert hierbij een zeer typisch werkprocedé om via het veelvuldig aanbrengen en wegschuren van diverse transparante arcyllagen een sluierachtige grisaillefilter over zijn werk te bekomen. Een kenmerkende verweerde fotografische tijdsdimensie die vaak met zijn werk wordt geassocieerd, waarbij de onderlaag een figuratief geabstraheerde aanzet vertaalt van een herkenbare werkelijkheid.

Les thèmes abordés dans l’œuvre de Pieter-Jan Martyn (°1986, Courtrai), par exemple le procès de Nuremberg, le groupe terroriste RAF, l’incendie de l’Innovation ou encore les séries Surgery et Audience, s’inspirent d’une vaste étude visuelle historique, quasi journalistique.

L’artiste vise à traduire formellement une reconstruction « pseudo » consciencieuse d’un moment précis. Il met l’accent sur la représentation des hiatus de l’image en Voorgedragen door / Nommé par: Sven Vanderstichelen, curator

104

S01 kommando manfred grashof

2015

tant que référentialité sans trace d’un événement. Par le biais de mises en scène photographiques propres, la reconstruction peinte de ces lacunes visuelles du passé revêt une puissance esthétique impérieuse. Ses œuvres récupèrent véritablement la perception esthétique de documents photographiques précieux. Une référentialité presque historique à des scènes peintes par la main de l’artiste. Sur la base d’une palette de couleurs très limitée, Pieter-Jan Martyn recherche une complexité de nuances de lumière, d’ombre, de composition de couleurs et de formes. Il adopte, pour ce faire, une méthode très caractéristique : il applique et gratte de multiples couches d’acrylique transparente, déposant ainsi sur la toile un voile de grisaille. Une dimension temporelle photographique typiquement rongée par le temps, qui est souvent associée à l’œuvre de l’artiste et par laquelle la couche inférieure traduit une ébauche figurativement abstraite d’une réalité identifiable.

Acrylverf & houtskool op doek, aluminium spieraam, zonder lijst 60 x 50 x 2 cm, courtesy van de kunstenaar

105

Lot 43

Rokko Miyoshi

Rokko Miyoshi (°1975, Casablanca, Marokko) voert een meditatieve verkenning uit, waarbij de resonanties, dualiteiten en circulariteiten de relatie tussen het zichtbare en het onzichtbare, de formele aanwezigheid en het gewicht van de herinnering raken. Zijn benadering vertrekt vanuit objecten en documenten waarvan hij de inherente taal laat dialogeren met de culturele autoriteit. Met een minimaal gebaar, met wijzigingen en associaties, zet hij een fundamenteel sculpturaal werk neer dat doordrongen is van materialistische gevoeligheden. Zoals dit werk, dat op de grond wordt geplaatst, waar de ondersteuning zich omkeert en ontdubbelt, waarbij van vlak tot vlak een eenheid ontstaat.

Rokko Miyoshi (°1975, Casablanca, Maroc) mène une exploration méditative où les résonances, dualités et circularités touchent à la relation entre le visible et l’invisible, la présence formelle et la charge mémorielle.

Sa démarche prend sa source dans des objets et documents dont il fait dialoguer le langage inhérent avec leur autorité culturelle. D’un geste minimal, à coup de déplacements et d’associations, il élabore une œuvre foncièrement sculpturale imprégnée de sensibilités matérialistes. À l’image de cette pièce, à poser au sol, dont le support s’inverse et se dédouble : d’un face à face naît une unité.

Voorgedragen door / Nommé par: Pauline Hatzigeorgiou, Historienne de l’art, curatrice, chargée de médiation à l’ISELP

106

Face off

2018

Katoenen canvas, hout, primer, vloeibaar asfalt, 61 x 50 x 8 cm, onderdeel van een reeks sculptuurschilderijen, courtesy van de kunstenaar

107

Lot 44

David Polzin

David Polzin (°1982, Hennigsdorf, Duitsland) is geïnteresseerd in het gebruik van architectuur en design, hun sociale functie en het psychologische effect dat ze uitoefenen op het individu en de collectieve culturele identiteit. Of zoals vaak gezegd wordt: “We creëren eerst gebouwen en objecten, maar daarna vormen ze ons en onze perceptie van de realiteit.” In zijn oeuvre creëert David Polzin installaties en bewoonbare gebouwen. Hij creëert, monteert en verandert objecten in verschillende vormen. Bovendien is Polzin gefascineerd door het gebruik van papier als medium.

Voor zijn recente soloshow bij Waldburger Wouters toonde hij een reeks van 72 unieke werken op papier, waarin hij het potentieel van het tekenen op papier onderzoekt door zoveel mogelijk verschillende stijlen, effecten en tekenmedia te ontwikkelen en te testen.

David Polzin (°1982, Hennigsdorf, Allemagne) s’intéresse à l’utilisation de l’architecture et du design, de leur fonction sociale et de l’effet psychologique qu’ils exercent sur l’individu et sur l’identité culturelle collective. Ou comme on dit souvent : « Nous créons d’abord des bâtiments et des objets, mais ces derniers viennent ensuite nous déterminer, nous et notre perception de la réalité. » En tant qu’artiste, David Polzin crée des installations et des bâtiments habitables. Il conçoit, monte et modifie les objets de différentes façons. Il est, en outre, fasciné par l’utilisation du papier en tant que médium. Dans le cadre de sa récente exposition individuelle à la galerie Waldburger Wouters, il a présenté une série de 72 travaux uniques sur papier, où il étudie le potentiel du dessin sur papier en développant et en testant le maximum de styles, d’effets et de supports de dessin.

Voorgedragen door / Nommé par: Tim Wouters, partner en directeur van Waldburger Wouters, Brussel

108

Telephone Drawing N°171

2013

Inkt op papier, zonder lijst 25 x 25 cm, met lijst 28,5 x 28,5Â cm, courtesy Galerie Waldburger Wouters, Brussel

109

Lot 45

Léopoldine Roux

Kleur is voor Léopoldine Roux (°1979, Lyon, Frankrijk) een medium op zich. Zowel voor haar installaties in openbare ruimtes, haar ‘promenades’ als voor haar ‘color escaped’ is ze eerst en vooral schilder. Ze onderzoekt de mogelijkheden van de kleur tot het uiterste. Haar ‘postcard’-serie, begonnen in 2010 en geput uit familiaal archief, is een dialoog met een nostalgisch beladen verleden. De postkaarten geven blijk van een grote verbondenheid met de geschiedenis van een plek, met het verleden en met toekomstige ontmoetingen. Ze gebruikt kleur als een levenswijze, een hechte band met ‘het’ leven. Haar werk is genereus en onmiskenbaar vrouwelijk.

Pour Léopoldine Roux (°1979, Lyon, France), la couleur est un support en soi. Que ce soit pour ses installations en plein air, ses « promenades » ou sa « color escaped », elle est avant tout une peintre. Elle pousse à l’extrême l’étude des possibilités de la couleur. Sa série « Postcard », commencée en 2010 et puisée de ses archives familiales, incarne un dialogue avec un passé chargé de nostalgie.

Les cartes postales témoignent d’un lien fort avec l’histoire d’un lieu, avec le passé et avec les rencontres futures. Léopoldine Roux fait de la couleur un mode de vie, une réelle connexion avec la « vraie » vie. Son œuvre est généreuse et incontestablement féminine.

Voorgedragen door / Nommée par: Luc Theuwis, curator en collectioneur ARTandADVICE, Hasselt

110

From HanoĂŻ with love

Nagellak en lak op een oude familiepostkaart, zonder lijst 10 x 15 cm, met lijst 20 x 25 x 1,5 cm, courtesy van de kunstenaar

2017

111

Lot 46

Frederik Van Simaey

Arrêtez de me copier van Frederik van Simaey past perfect binnen zijn humoristische oeuvre. Hij benadert alledaagse objecten op een manier die hen een eigen karakter geeft dat los staat van hun oorspronkelijke functie en hen maakt tot eigenwijze dingen met een eigen leven. Het op losse schroeven zetten van de dagdagelijkse realiteit past binnen zijn drang naar surrealisme. Van Simaeys’ werk verrast me aangenaam sinds 15 jaar en vaak denk ik dat de gestes in zijn werk passen binnen het typische ‘belgicisme’ dat Belgische kunst bijzonder maakt en uitdrukking krijgt in het werk van meesters zoals Marcel Broodthaers, Guillaume Bijl of Jef Geys.

Arrêtez de me copier de Frederik Van Simaey s’intègre parfaitement dans son œuvre humoristique. Il approche les objets quotidiens de manière à leur donner un caractère propre, indépendant de leur fonction originale, et les transforme en choses curieuses, vivantes en tant que telles. La remise en cause de la réalité quotidienne cadre avec son penchant pour le surréalisme. L’œuvre de Frederik Van Simaey me surprend agréablement depuis quinze ans et je me dis souvent que les gestes qu’il effectue dans ses travaux font partie du « belgicisme » typique qui fait la particularité de l’art belge et qui transpire dans l’œuvre de maîtres tels que Marcel Broodthaers, Guillaume Bijl ou Jef Geys.

Voorgedragen door / Nommé par: Heidi Ballet, curator Beaufort Triënnale, 2018, Oostende

112

ArrĂŞtez de me copier

Spiegel, houten lijst, met lijst 85 x 60 x 3,5 cm, courtesy van de kunstenaar

2013

113

Lot 47

Klaus Verscheure

De mens Klaus Verscheure (°1968, Kortrijk) is een vriendelijke, aimabele man. De titel van zijn werk Smiling Faces klinkt liefelijk, zelfs onschuldig. En, zet de kijker duidelijk op het verkeerde been want de kunstenaar Klaus Verscheure presenteert ons geen wereld van rozegeur en maneschijn maar een wereld waarin grimmig geweld altijd voor een onderliggende dreiging zorgt. De gezichten die hij toont zijn afstandelijk, emotieloos, kil. Het zijn portretten van criminelen, uit nieuwsflarden, uit internetfragmenten. Grof geborsteld met verdunde gouache op doek en monochroom maakt Klaus Verscheure er fascinerende beelden van, die door de inherente dramatiek de aandacht blijven trekken en zo een blijvende confrontatie met de duistere kanten van de wereld zijn.

L’humain Klaus Verscheure (°1968, Courtrai) est un homme sympathique et aimable. Le titre de son œuvre Smiling Faces inspire la grâce, voire l’innocence, et met ainsi clairement le spectateur sur une fausse piste, car l’artiste nous présente non pas un monde où tout va bien, mais un monde dont l’effroyable violence crée une menace sous-jacente perpétuelle. Les visages qu’il peint sont distants, impassibles et froids. Il s’agit de portraits de criminels, tirés de bribes de nouvelles ou de fragments dénichés sur le web. En les brossant grossièrement sur la toile à la gouache diluée et monochrome, Klaus Verscheure en fait des images fascinantes, qui monopolisent l’attention par leur dramatique et constituent, par conséquent, une confrontation permanente avec les facettes plus sombres de l’univers.

Voorgedragen door / Nommé par: Luc Depuydt

114

Smiling Face Pottes #41bis & #52

2017

Gouache op doek, dyptiek, zonder lijst (x 2) 40 x 40 x 2,5 cm, courtesy van de kunstenaar 115

Lot 48

Mira Verstraeten

“Ik ken en volg Mira (°1992, Gent) al enige tijd en zie een mooie progressie in haar werk. In dit beeld brengt ze voor mij heel wat samen waar we het de afgelopen jaren vaak over hebben gehad. Het is een heel poëtisch beeld dat voor mij persoonlijk meteen associaties oproept met onder meer Broodthaers’ La Pluie. Mira maakt een foto van een uitgewassen drager. Kan poëzie nog suggestiever zijn?” « Je connais Mira (°1992, Gand) et je la suis depuis longtemps, en observant une belle progression dans son travail. Sur cette image, elle rassemble, selon moi, un grand nombre de sujets dont nous avons parlé, ces dernières années. Il s’agit d’une image extrêmement poétique qui, à titre personnel, m’évoque directement certaines associations, notamment avec La Pluie de Broodthaers. Mira prend une photographie d’un support délavé. La poésie peut-elle être plus suggestive ? »

Voorgedragen door / Nommée par: Dirk Braeckman, kunstenaar

116

F_V_S_II

2018

Pigmentprint op Hahnemühle Fine Art William Turner 310 gsm, gekleefd op Dibond en gemonteerd in een aluminium schaduwlijst, zonder lijst 24 x 36 cm, met lijst 24,3 x 36,3 x 1,5 cm, uniek, courtesy van de kunstenaar

117

Lot 49

Camilla Wills

Camilla Wills (°1985, Cheltenham, UK) is een Britse kunstenaar die in Brussel woont. Ze maakt performances, sculpturale installaties, tekst- en drukwerk. Voor de veiling biedt ze twee nieuwe zeefdrukken uit haar recente tentoonstelling Tonight bij Gaudel de Stampa in Parijs, waar ze gepresenteerd werden op een gestileerde schouwmantel. De open haard is een sociale façade; een vorm die oorspronkelijk functioneel was maar nu puur visueel is geworden. Wills gebruikt de haard daarom als een metafoor voor de representatie zelf, die ze beoogt te ontmantelen. Dit doet ze aan de hand van de vraag: wie of wat kijkt er binnenin deze open architectuur (eerder dan ernaar)? Wat ziet het vuur vanuit zijn eigen innerlijke beleving? Het vuurelement is kenmerkend voor de interesse van de kunstenares in thema’s als verlies, rouw en gepassioneerd denken, die ons voorbij de uiterlijke schijn van de dingen kunnen leiden.

Camilla Wills (°1985, Cheltenham, Royaume-Uni) est une artiste britannique établie à Bruxelles. Elle réalise des performances, des installations sculpturales, ainsi que des travaux textuels et d’impression. Dans le cadre de cette vente aux enchères, elle offre deux nouvelles sérigraphies issues de sa récente exposition Tonight, à la galerie Gaudel de Stampa de Paris, où elles étaient exposées sur une élégante cheminée. La cheminée constitue une façade sociale ; une forme initialement fonctionnelle devenue purement visuelle. Camilla Wills utilise donc la cheminée comme une métaphore de la représentation même, qu’elle vise à démanteler. Elle pose, pour ce faire, les questions suivantes : qui (ou quoi) s’intéresse réellement à l’intérieur de cette architecture ouverte, plutôt qu’à son apparence ? Que voit la cheminée depuis son propre point de vue inhérent ?

Voorgedragen door / Nommée par: Caroline Dumalin, curator, WIELS, Brussel

118

From the 2018 perspective of a fire L’élément du feu est caractéristique de l’intérêt de l’artiste pour des thèmes tels que la perte, le deuil et la réflexion passionnée, qui peuvent nous conduire au-delà de l’enveloppe externe des choses.

Digitale print en zeefdruk, dyptiek, zonder lijst (x2) 70 x 50 cm, uniek, courtesy van de kunstenaar

119

Lot 50

Marie Zolamian

Toen Marie Zolamian (°1975, Beiroet, Libanon) antwoordde op mijn vraag om een werk te schenken voor deze veiling wist ik meteen waarom ik het haar had gevraagd. Ze stelde me een prachtige tekening voor van een offerande en de schenking kreeg meteen betekenis. Het aquarel maakt deel uit van een reeks werken van hetzelfde formaat waarop diensters afgebeeld worden. In à servir legt ze gevoelige verbanden tussen Perzische miniaturen, het offer, het water, de reizen, haar eigen leven en een veelzijdige afkomst. Kleine verhalen vermengt ze met de grote en samen maken ze onze wereld, de wereld waarin Marie haar beelden maakt.

Lorsque Marie Zolamian (°1975, Beyrouth, Liban) a accepté d’ofir une œuvre pour cette vente aux enchères, j’ai immédiatement compris pourquoi je le lui avais demandé. Elle m’a présenté un sublime dessin d’une ofande et son geste a rapidement pris tout son sens. Cette aquarelle fait partie d’une série d’œuvres du même format, sur lesquelles sont représentées des serveuses. Dans À servir, elle établit des liens sensibles entre les miniatures persanes, l’ofande, l’eau, les voyages, sa propre vie et des origines variées. Marie Zolamian mêle les petites histoires aux grandes et, ensemble, ces histoires façonnent notre monde, le monde dans lequel elle crée ses œuvres.

Voorgedragen door / Nommée par: Pierre Muylle, independent curator

120

A servir

2013

Gouache op papier, zonder lijst 21 x 14 cm, met lijst 45 x 30 x 1,5 cm, courtesy van de kunstenaar en Galerie Nadja Vilenne, Luik

121

Kanttekeningen

122

Annotations

123

124

125

Raad van bestuur / Conseil d’administration Jan Steyaert* (voorzitter), Bie Hooft-De Smul* (ondervoorzitter), Lieve Andries-Van Louwe, Frank Benijts*, Bieke Clerinx, Luc De Pesseroey, Franciska Decuypere, Karel De Meulemeester, Stéphanie Donck, André Gordts, Marianne Hoet, Filiep Libeert, Damien Mahieu, Dirk Matthys, Michel Moortgat, Christian Mys, Serge Platel, Laurence Soens, Patricia Talpe, Paul Thiers*, Johan van Geluwe, Katrien Van Hulle, Tanguy Van Quickenborne*, Olivier Vandenberghe, Jocelyne Vanthournout (*uitvoerend comité) Team MDD Joost Declercq, Jan(us) Boudewijns, Charlotte Crevits, Nathalie De Pauw, Monique Famaey, Beatrice Pecceu, Gerry Vanbillemont, An-Valerie Vandromme, Rik Vannevel, Linde Vanneylen Patroons / Patrons Rinaldo Castelli, Virginie Cigrang, Benedicte De Pauw, Michel Delfosse, Arnold Devroe, Regine Dumolin, Miene Gillion, Eric & Marc Hemeleers, Marianne Hoet, Luc Keppens, Peter Lecoutere, Damien Mahieu, Marc Maertens, Sarah Moortgat – Muller, Laurence Soens, Paul Thiers, Tanguy Van Quickenborne, Leo Van Tuyckom, Peter Vandekerckhove, Peter van der Graaf, Jocelyne Vanthournout, Pierre Verschaffel en anonieme leden

Schenkers / Donateurs Advocatenkantoor Depla & Vennoten, Advocatenkantoor Keirsmaekers, B & T Textilia nv, Zeno X Gallery en anonieme schenkers

Structurele sponsors / Sponsors structurels Banque de Luxembourg, Christie’s, Eeckman Art & Insurance, Eland Tentoonstellingsponsors / Sponsors d’exposition BNP Paribas Fortis, Limited Edition Bedrijfsclub / Club d’entreprise Barista Coffee & Cake, Batsleer NV, Bio Bakkerij De Trog, bROODSTOP, Cassochrome, Deloitte Bedrijfsrevisoren, Deloitte Fiduciaire, Duvel Moortgat, Filliers, Houthandel Lecoutere, I.R.S.Btech nv-sa, Jet Import, Mobull Art Packers and Shippers, Orange, Pentacon bvba, Stone, Van Den Weghe, Westmalle 126

Mediapartner / Partenaire média Klara WONING VAN WASSENHOVE / MAISON VAN WASSENHOVE Mecenassen / Mécènes Philippe en Miene Gillion

THE WUNDERKAMMER RESIDENCE Mecenassen / Mécènes Lieve Andries-Van Louwe, Frank Benijts, Stefaan en Isabelle BettensMoriaud, Stefan en Bénédicte De Bock-De Pauw, Peter en Isabelle De Roo, Bernard en Lena Dubois-François, Regine Dumolin, Galleria Continua, Galerie Ron Mandos, Michel Goreux en Ria Martens, Familie Jan Hoet, Marianne Hoet, Bie Hooft-De Smul, Karel en Martine Hooft, I.R.S.-Btech nv-sa, Carl en Ella Keirsmaekers, Rudy en Hilde Koch-Ockier, Carl en Dominique Krefting, Jean-Claude en Nicole Marian, Studio Hans Op de Beeck, Jan Steyaert, Paul Thiers, Yves en Isabelle Van Bavel-Van Hool, Tanguy Van Quickenborne, Leo en Diana Van Tuyckom-Taets, Marc Vandecandelaere, Bernard en Gonda Vergnes, Philippe en Ann Verlinden-Timmermans, Jacques en Marie Zucker, anonieme schenkers & Banque de Luxembourg NIEUWE MUSEUMVLEUGEL / NOUVELLE AILE DU MUSÉE Mecenassen / Mécènes Lieve Andries-Van Louwe, Piet & Anne Van Cauwenbergh-De Man, Familie Luc Dekeyser, Familie Roger Matthys-Colle, Paul en Sabine Vanhonsebrouck-Lecot, Familie Luc Dekeyser, Familie Roger Matthys-Colle en anonieme schenkers De kunstenaars / Les artistes Richard Aldrich, Ellen Altfest, Karla Black, Michael Borremans, Dirk Braeckman, Johan Creten, Berlinde De Bruyckere, Raoul De Keyser, Tracey Emin, Wade Guyton, Thomas Hirschhorn, Rashid Johnson, Joseph Kosuth, Thomas Lerooy, Kris Martin, Julie Mehretu, MullerVan Severen, Wangechi Mutu, Hans Op de Beeck, Matthieu Ronsse, Sterling Ruby, Thomas Ruff, Julião Sarmento, Turi Simeti, The Still House Group, Ante Timmermans, Luc Tuymans, Koen van den Broek, Joris Van de Moortel, Banks Violette, Rebecca Warren, Andy Wauman, Christopher Williams en de talrijke kunstenaars die het museum al jarenlang steunen.

127

De galerijen / Les galeries Bortolami New York, Galleri Brandstrup Oslo, Galerie Gisela Capitain Keulen , Dépendance Brussel , Galerie Jan Dhaese Gent , Konrad Fischer Galerie Düsseldorf & Berlijn , Gladstone Gallery New York & Brussel, Marian Goodman Gallery New York, Parijs, Londen , Hauser & Wirth, Xavier Hufkens Brussel , Rodolphe Janssen Brussel , JMM Gallery Brussel & Knokke , Mai 36 Galerie Zürich , Galerie Greta Meert Brussel, Meessen De Clercq Brussel, Galerie Natalie Obadia Parijs & Brussel, Office Baroque Brussel, Berthold Pott Keulen , Almine Rech Brussel, Sies & Höke Düsseldorf, Sprüth Magers Berlijn, Londen, Los Angeles , Tatjana Pieters Gent , Galerie Transit Mechelen , Michael Werner Gallery Berlijn , White Cube Londen , Gallery Sofie Van de Velde Antwerpen , Axel Vervoordt Gallery Antwerpen , Zeno X Gallery Antwerpen , David Zwirner Gallery New York & Londen en de talrijke galerieën die het museum al jarenlang steunen.

128

DANK U We willen graag alle kunstenaars en galerijen hartelijk danken alsook iedereen die geholpen heeft bij het welslagen van het (Tuin)feest, in het bijzonder alle personen die een beloftevolle kunstenaar hebben voorgedragen.

MERCI Nous tenons à remercier chaleureusement l’ensemble des artistes et des galeries ainsi que tous ceux qui ont contribué au succès de la (Garden) Party. Un merci tout particulier aux personnes qui ont proposé un artiste prometteur.

De kunstenaars / Les artistes Morgan Betz, Arpaïs Du Bois, Pavel Büchler, Mircea Cantor, Matt Connors, Ethan Cook, Rik De Boe, Wim De Prez, Bouke de Vries, Adelheid De Witte, Babs Decruyenaere, Koenraad Dedobbeleer, Joëlle Dubois, Claire Ducène, Bertrand Fournier, Alexis Gautier, Ratna Gupta, Kati Heck, Toufan Hosseiny, Oscar Hugal, Bert Huyghe, Marcus Jahmal, John Kørner, Tom Król, Lola Lasurt, Almudena Lobera, Rebekka Löffler, Natasja Mabesoone, Pieter-Jan Martyn, Dave McDermott, Sofie Middernacht & Maarten Alexander, Rokko Miyoshi, Navid Nuur, David Polzin, Shahpour Pouyan, Marina Rheingantz, Léopoldine Roux, Glen Rubsamen, Maaike Schoorel, Helmut Stallaerts, Emmanuel Van der Auwera, Frederik Van Simaey, Philippe Vandenberg, Maxim Velčovský, Emo Verkerk, Klaus Verscheure, Mira Verstraeten, Camilla Wills, Marie Zolamian De galerijen / Les galeries Willem Baars Projects Amsterdam , Albert Baronian Brussel, CLEARING New York / Brussel, Patrick De Brock Gallery Knokke , Ingrid Deuss Gallery Antwerpen , Dvir Gallery Brussel / Tel Aviv, Gallery Fifty One Antwerpen , GRIMM Amsterdam / New York, Hauser & Wirth, Xavier Hufkens Brussel, atelier lachaert dhanis Tielrode , Harlan Levey Projects Brussel, Mai 36 Galerie Zurich , Galerie Ron Mandos Amsterdam , Victoria Miro Gallery London / Venice , Nathalie Obadia, Parijs / Brussel , Almine Rech Gallery, Parijs / Brussel / London / New York , Tommy Simoens Antwerpen , Stigter Van Doesburg Amsterdam , Estate Philippe Vandenberg, Tim Van Laere Gallery Antwerpen , Martin van Zomeren Amsterdam , Zeno X Gallery Antwerpen Schenkers / Donateurs Art Travel / Atlas Reizen

129

Druk / Print Cassochrome, Waregem Vormgeving / Design Chloé D’hauwe

130

D/2017/76349/4 131

CHRISTIE'S

PADDLE8

Lot 1 Lot 2 Lot 3 Lot 4 Lot 5 Lot 6 Lot 7 Lot 8 Lot 9 Lot 10

Lot 11 Lot 12 Lot 13 Lot 14 Lot 15 Lot 16 Lot 17 Lot 18 Lot 19 Lot 20

Lot 21 Lot 22 Lot 23 Lot 24 Lot 25

Lot 26 Lot 27 Lot 28 Lot 29 Lot 30 Lot 31 Lot 32 Lot 33 Lot 34 Lot 35 Lot 36 Lot 37 Lot 38 Lot 39 Lot 40 Lot 41 Lot 42 Lot 43 Lot 44 Lot 45 Lot 46 Lot 47 Lot 48 Lot 49 Lot 50

Kati Heck Maxim Velčovský Morgan Betz Ethan Cook Koenraad Dedobbeleer Maaike Schoorel Mircea Cantor Adelheid De Witte Shahpour Pouyan Emmanuel Van der Auwera Navid Nuur John Kørner Pavel Büchler Arpaïs Du Bois Helmut Stallaerts Glen Rubsamen Emo Verkerk Philippe Vandenberg Dave McDermott Sofie Middernacht & Maarten Alexander Bouke de Vries Marina Rheingantz Matt Connors Marcus Jahmal Kunstreis / Voyage artistique

Museumlaan 14 9831 Deurle +32 (0)9 330 17 30 info@museumdd.be www.museumdd.be

Rik De Boe Wim De Prez Babs Decruyenaere Joëlle Dubois Claire Ducène Bertrand Fournier Alexis Gautier Ratna Gupta Toufan Hosseiny Oscar Hugal Bert Huyghe Tom Król Lola Lasurt Almudena Lobera Rebekka Löffler Natasja Mabesoone Pieter-Jan Martyn Rokko Miyoshi David Polzin Léopoldine Roux Frederik Van Simaey Klaus Verscheure Mira Verstraeten Camilla Wills Marie Zolamian

132