Watchover by Miguel Angel Gil

Portada

nĂşm. 1 - mayo 2013

Créditos Miguel Angel Gil Martínez Davi Barros Da Silva Telles Yanira Magdaleno Cardero Marta San Jose de la Cruz Jorge Yeray Manrique Santana

“Una buena fotografía es una imagen que te emociona en algo.” Javier Herrero

Índice SG-09 pág 4 Titirimundi pág. 8 Diversidad artística en la Escuela de Arte de Segovia

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Publicatessen: Publicidad y Cine

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Museo Esteban Vicente pág. 18

SG - 09 El Colectivo Veracruz fue creado por tres fotógrafos José Luis Haces, Alfredo Moreno y Javier Herrero. Su objetivo principal se fundamenta en la creación de proyectos de manera conjunta, moviéndose e identificándose en el ámbito de la fotografía crítica.

“No quiero crear una fotografía nueva de un amanecer porque ya existe”

Alfredo Moreno fue el primero en embarcarse en el proyecto del que rápidamente comprobó que no podía realizar de manera individual. De esta manera pidió ayuda a los actuales componentes de SG-09 para crear el proyecto, enseñándoles dos meses después de su propuesta algunas fotos tipo “Street view” de Google que venían haciendo Built Richard y Michael Wolf. Tiempo después formó un grupo en la red social Facebook, al que puede considerarse el verdadero origen del proyecto. Fue entonces cuando los tres fotógrafos empezaron a buscar enérgicamente material, alentados por Alfredo, aunque con un ritmo irregular, fueron colgando fotografías en el

grupo de las que después buscaban su localización. Durante los cuatro meses que duró esta búsqueda tuvieron épocas de mucha producción y otras menos productivas. El nombre del colectivo Veracruz se debe a la Iglesia Veracruz en Segovia, ya que dos fotógrafos del grupo están relacionados con Segovia y José Luis Saces es de la provincia de Veracruz en México, por lo que todos tienen un vínculo con Veracruz. Una vez elegido el nombre establecieron la imagen corporativa en relación con esta iglesia.

“He visto esto que está muy bien y nadie le ha prestado atención esa es nuestra mirada, es una mirada más reposada y de análisis”

El nombre de SG 09 viene de la propia provincia y de las nueve cámaras que utiliza Google para tomar las fotos de Google Street View. Éste es un servicio que tiene Google en el que a través de 9 cámaras colocadas encima de un coche van creando miles de fotografías a su paso. Actualmente la labor de SG 09 está más relacionado con el comisariado y la selección de fotografías que inundan la red 5

y que no tienen ni dueño ni una mirada. Esto es lo que se denominaría post fotografía o nueva fotografía en la que se elige algo que ya exista para darle una nueva visión. Esta asociación partió de Segovia para delimitarlo un poco, aunque cabe destacar que también abarca la comunidad de Castilla y León. La razón de esta delimitación no es otra que establecerse ellos mismos unos límites al considerar que cuando empiezas a recorrer Google Street View puedes perderte en la inmensidad de fotos que encuentras a tu disposición. Esta infinidad de instantáneas necesitan horas de trabajo y su estrategia ha sido estrangular la visión de Castilla y León a partir de imágenes de Segovia. Los proyectos que había habido antes de la apropiación de fotos de Google Street View iban relacionadas, por un lado con la parte anecdótica de la vida diaria de las personas y los sucesos que les ocurren. El grupo SG 09 quería huir del aspecto anecdótico, otra razón por la que elegir Segovia, al ser una ciudad en la que sus calles están vacías y nunca pasa nada. Esto hace que sea más difícil encontrarse con este tipo de imágenes que por ejemplo en EEUU.

Por otro lado, otra de las visiones de Google Street View era plasmar el nuevo paisaje americano, SG 09 también quería huir del estereotipo de paisaje degradado de decadencia. Si hubieran querido este enfoque únicamente tendrían que haber ido a polígonos industriales y captar diferentes detalles relacionados con prostitución, destrucción, construcciones paralizadas… que dan resultados bastante resultones a nivel fotográfico. Por eso se decantaron por una visión más reposada, compleja y auténtica de su propia forma de ver. El grupo SG 09 definen la postfotografía como una manera de reciclar la cantidad de imágenes que hay por el mundo y a las que la gente ya no se para a ver. Hay varias fotógrafas en el ámbito de la nueva fotografía, una es Penélope Umbrico, que entabla con los modelos mentales que se tienen de las personas a la hora de ver lo que es la belleza en una fotografía. Un ejemplo de ello es el amanecer, todo el mundo cree que es algo bonito, de ahí que Penélope Umbrico recicle todos los amaneceres del mundo, buscando en Flickr bajo la etiqueta sunset. Es como “no quiero crear una fotografía nueva de un amanecer porque ya existe”. Esto es algo que cada vez hacen más autores con prensa y con Street View. El tema de las nuevas fotografías es apropiarte de otra imagen y darle una nueva realidad, que puede ser de otro fotógrafo, una fotografía antigua, una imagen

“Es mejor tener un concepto claro y una fotografía difusa que una fotografía hipertécnicamente correcta y que sea aburrida” Ansel Adams

de internet, buscar en bases de datos, y sobre todo reciclar no creando imágenes que ya existen. Según el propio Javier Herrero es sólo pararse un poco, observar y decir, “he visto esto que está muy bien y nadie le ha prestado atención” esa es nuestra mirada, es una mirada más reposada y de análisis. Cuando preguntamos a Javier Herrero que era una buena fotografía para él respondió que es una imagen que te emociona en algo, él crea todas las fotografías pero no existen ni buenos retoques gráficos, fotográficos ni condiciones excepcionales de toma ni de captura. Una buena fotografía es la que te emociona.

“Una buena fotografía es una imagen que te emociona en algo”

Recordando palabras de Ansel Adams es mejor tener un concepto claro y una fotografía difusa que una fotografía hipertécnicamente correcta y que sea aburrida. Javier Herrero cree que toda fotografía que te llegue a emocionar o que, sobre todo, que veas que el autor ha sabido transmitir algo que te agrada, es una buena fotografía. Los fotógrafos que más le gustan son los que son capaces de cambiar su forma de hacer fotografía, esos son los excepcionales.

Titirimundi Cada año se localiza en la ciudad de Segovia el Festival Internacional de Títeres, Titirimundi, dotándola de un gran valor cultural y cautivando a miles de personas, especialmente a los más pequeños.

“La fórmula del éxito radica en algo muy sencillo y universal; ofrecer calidad”

Para conocer más los entresijos, quien mejor que su fundador y presidente Julio Michel quien ha accedido amablemente a entrevistarse con nosotros. En primer lugar, nos comentó cómo surgió la idea y por qué se eligió el emplazamiento de Segovia, y no otro como sede del festival. Segovia era la ciudad idónea por que la idea surgió aquí y para aquí, de hecho, posteriormente se ha comprobado el acierto de esta decisión puesto que difícilmente se puede encontrar un escenario mejor que esta bellísima ciudad. La idea surgió en 1984 en plena transición a la democracia, un momento histórico en el que España se desperezaba del letargo en el que nos tenía sumidos la dictadura franquista. Fue un momento para la utopía, muy propicio para infinidad de iniciativas como esta. Luego vino el “desencanto” pero Titirimundi consiguió arraigar profundamente en la sociedad segoviana. Tuvimos la oportunidad de que nos hablara de sus comienzos, en el año 1975 con su compañía Libélula dedicada a teatro de títeres que por aquel entonces y aún ahora pesan demasiados perjuicios.

“Hace 28 años, en los albores de Titirimundi, apenas había compañías de teatro de títeres en España”

Asumiendo que durante los primeros años no era muy conocido, le preguntamos acerca de cómo se consiguió la fórmula para su éxito. “La fórmula del éxito radica en algo muy sencillo y universal; ofrecer calidad. Este principio vale para cualquier actividad, en cualquier ámbito” Esta contundente frase revela la clave del éxito. Por otra parte, añade que al tratarse de un festival abierto y popular que llega a todos los rincones de una ciudad tan hermosa, sus escenarios realzan la calidad de los espectáculos. Con la suma de un ambiente festivo, un paréntesis en la rutina cotidiana, la transformación y la alegría que se respira en la ciudad, se obtiene la receta infalible para conseguir el éxito. Cuando le preguntamos acerca de la principal debilidad del festival destacó la excesiva dependencia de los patrocinios públicos y privados, especialmente de instituciones locales y de la Junta de Castilla y León. Aunque hace hincapié a la falta de compromiso de los negocios de la localidad, que tienen altos beneficios durante su transcurso pero no apoyan suficientemente la acción. En contraposición ensalzó la total independencia con la que cuentan. “Titirimundi siempre ha sido bien aceptado por la población segoviana abriendo sus brazos y corazón a esta iniciativa original y diferente, atrayendo a miles de turistas y curiosos.” Llama la atención la mayoritaria presencia de compañías extranjeras, a lo cual destacó que hace 28 años, en los albores de Titirimundi, apenas había compañías de teatro de

Hormiga mecánica que anunciaba Vida Acuática de Ferroluar

“Titirimundi siempre ha sido bien aceptado por la población segoviana abriendo sus brazos y corazón a esta iniciativa original y diferente, atrayendo a miles de turistas y curiosos”

Titiricircus de Tanxarina

títeres en España y, salvo excepciones, estaban ancladas en unas formas arcaicas y carentes de interés, algunas incluso eran herederas directas del teatro propagandístico del “movimiento”.

“Se trata de un festival abierto y popular que llega a todos los rincones de una ciudad tan hermosa, sus escenarios realzan la calidad de los espectáculos”

En 1984 no existía en España una tradición arraigada de títeres, no obstante, hoy empezamos a ver compañías españolas muy interesantes, incluso de vanguardia, pero han hecho falta muchas ediciones de este y de otros festivales para aprender de nuestros vecinos. Titirimundi ha funcionado a lo largo de los años como una escuela y una ventana abierta a las culturas del mundo a través de las marionetas. Durante estos 28 años, nos queda un maravilloso recuerdo de las primeras ediciones donde no había grandes aglomeraciones y se podía disfrutar tranquilamente de los espectáculos y de la ciudad. Cuando comenzó la masificación se consideró que el Festival podía morir de éxito y se buscó la forma para adaptarse al nuevo entorno. Tenemos que reconocer que el público ha sabido convivir muy cívicamente con las masificaciones, con un comportamiento de respeto y entrega en los espectáculos realmente admirables. Ahora

Omelette de Clair de Lune Teatre. Foto: Diana Serrano Sanz

somos muchísimos más, pero prevalece un buen ambiente festivo, tolerante y colaborador. Cuando ponemos la vista en el futuro no podemos evitar enumerar las tareas pendientes del Festival para estar preparado no se puede descansar en la búsqueda patrocinadores privados que financien el programa callejero, ese que no genera ingresos, pero que es imprescindible en un festival abierto y popular. Los espectáculos de pago se autofinancian. Cuando preguntamos a Julio por alguna anécdota, con una sonrisa recuerda cómo en 1987 la Junta, único patrocinador del festival, retiró su ayuda un mes antes de la celebración. En lugar de suspenderlo se hizo. Los artistas renunciaron solidariamente a sus emolumentos y los segovianos acogieron en sus casas y alimentaron a los titiriteros. Fue el festival de la Utopía. Precioso…pero también ruinoso. Por entonces, tenía un caballo en un pueblo y lo tuvo que vender para pagar deudas.

“Titirimundi ha funcionado a lo largo de los años como una escuela y una ventana abierta a las culturas del mundo a través de las marionetas”

“Con aquel acto quijotesco nos arruinamos, pero también nos ganamos a la ciudad y conquistamos la independencia.” 11

Diversidad artística en la Escuela de Arte de Segovia

Proyecto fin de ciclo de Carolina Alcalá, “Pensamientos de Vagón”

La diversidad de estilos artísticos que se desarrollan en el curso de Ilustración, en la Casa de los Picos, es impresionante, y eso lo podemos comprobar por el resultado obtenido por los alumnos con sus proyectos de fin de ciclo.

“Entramos La Casa de los Picos como un hierro en bruto, lleno de impurezas y con el que no se puede trabajar y a base de meternos en el fuego, de darnos golpes y echarnos agua fría consiguen templarnos y dejarnos listos para que podamos convertirnos en aquello que deseamos”

Carolina Alcalá Cárdenas, se descubrió en el arte después de haber sido expulsada de clases de matemáticas, por siempre estar dibujando. Una de la veces, al llegar al despacho del director, este la miró, miró su cuaderno, lo volvió a mirar y le dijo: “Hija, estás segura que echaste la matrícula correcta?” Y desde entonces supo que su camino no era el que recorría hasta entonces. Tanto es así, que hace poco, terminó el curso de Ilustración en la Casa de los Picos con un 10 en su proyecto de fin de ciclo, “La Alquimia del Arte”. “La Alquimia del Arte”, es un manual para artistas con fórmulas para preparar las propias pinturas, escrito a modo

“...siendo un niño, ya el dibujo pertenecía a mi ser...”

“Estudio sobre aceleraciones” de Giuseppe Sposato

de diario y de estética Steampunk. Pero el proyecto no se limita solo al libro, sino que va acompañado de una carta y unas postales asemejándose a un paquete procedente de la India. Este es una caja que contiene el diario y tres botes con material para fabricar tinta. La inspiración del proyecto, en parte son sus propios diarios de viaje, y la estética está inspirada en el cine y los videojuegos. El proyecto tiene un objetivo didáctico, se trata de un manual de artista útil y sencillo con un punto de vista subjetivo y repleto de ilustraciones. Por otro lado, al introducirlo en una caja llena de complementos, lo envuelve en una atmósfera de misterio y aventura, como si tuvieras que descubrir un tesoro o un libro perdido. Todo eso hace que se convierta en un objeto de coleccionista, como una edición de lujo o similar. Utiliza principalmente la acuarela y tinta para pintar, y puntualmente dibuja con lápiz de color. Muy de vez en cuando pinta con óleo, siendo su principal herramienta los pinceles, de todos los tipos: de pelo natural, sintéticos, gordos, finos, largos, cortos, usados, nuevos, planos, redondos.

Es una artista que establece sus influencias e inspiraciones dependiendo del momento en que esté viviendo, y no restringiéndolo solo al arte como referencia, sino a todo lo que se encuentra en su entorno. Jose Casado, un curioso e interesante surrealista que físicamente vive en la actualidad pero mentalmente es atemporal. También se hace llamar Giuseppe Sposato, un artista con influencias e inspiraciones en, como él mismo dice, “el grande paranoique de la sique y del método paranoico-crítico, el surrealiste cosmogonique del cosmes plural”, se refiere a Salvador Dali y Domènech. Giuseppe considera haber nacido con el don innato del arte, el que ha desarrollado a lo largo de su vida, como por ejemplo en la Casa de los Picos. Un lugar que para él reúne unas características magníficas, aunque considera que lo que hará cambiar el mundo del arte es la energía personal y experiencias de cada uno. Su proceso de pintura se divide en dos etapas, la primera perfilando el dibujo con carbón, pues considera que el dibujo es la clave para ilustrar, y la otra con el óleo dándole una mayor minuciosidad. 13

Ilustración de Rubén Rejón

Uno de sus proyectos destacados es “Estudio Sobre las Aceleraciones”, que consiste en un dibujo inédito de como rige el movimiento en la gravedad 9.8, representado en la imagen. Rubén Rejón, no considera haber nacido con dotes artísticas, pero ha aprendido todo a base de estudios e investigación. Hizo un curso de Diseño y Producción Editorial, pero al creer que no era una formación suficiente para ilustrar y dibujar, se matriculó en el curso de Ilustración de la Casa de los Picos. Gracias a eso fue ampliando sus conocimientos e inspirándose cada día con el aprendizaje en clase, con los profesores, compañeros y con sus propios gustos. Hoy en día, tras finalizar su curso, el material que más controla es la acuarela, pero sigue buscando una evolución y diversificación a la hora de crear y también ha ampliado los materiales con los que trabaja al óleo, al acrílico e incluso al spray. Un gran prueba de su esfuerzo y dedicación, es el resultado de su proyecto de fin de ciclo del curso de Ilustración, en el cual sacó un 10. Aparte se le concedió el Premio Jóvenes Creadores, otorgado por la Obra Social de Caja Segovia. Su proyecto se inspira y homenajea el libro “Las ciudades Invisibles” de Italo Calvino, que consiste en hacer llegar a las personas la obra de este y plasmar la inspiración natural que le evoca leerlo. 14

“A mi la Casa de los Picos me ha enseñado a valorar el arte, a crear arte y a valorarme como una especie de artesano de la ilustración”

Publicatessen: cine y publicidad

Diseño y objetos para la serie Águila Roja

“Hay que ser realistas y sabe que con el presupuest con el que cuentan no se puede llevar a cabo”

Las jornadas “Publicidad en la alfombra roja”, han dado la oportunidad para que profesionales del mundo del cine y la publicidad se acercasen a la Facultad de Magisterio en Segovia, entre el 15 y el 19 de abril, pudiendo exponer su trabajo y la actualidad del sector, durante la 5ª edición de Publicatessen. Hemos querido destacar las participaciones de los componentes de la pequeña productora Segoviana, José Luis Farias y Alfonso Fulgencio de Paramotion Films en su ponencia “Post producción y VFX en spots publicitarios” y del director artístico de cine y televisión David Temprano en su intervención titulada “La Dirección de Arte en el Cine” Paramotion Films es una productora entre Segovia y Madrid dedicada a la producción de cine publicitario, cortometrajes, postproducción digital y animación. José Luis Farias y Alfonso Fulgencio compartieron sus experiencias y su trabajo en el sector que consiste mayormen15

“En la actualidad existe una exclavitud en el sector dónde los becarios, están supliendo el trabajo de un ayudante”

Retoque de luz en el Perfecto Desconicido por Paramotion

te en la postproducción, siendo un proceso muy laborioso que consiste en añadir detalles a las producciones que no se incluyen durante el rodaje, ahorrando costes a la productora y trabajo a los componentes del set. Hoy por hoy son una empresa pequeña que realiza pequeños encargos; no cuentan con mucha gente, por lo que aún no realizan proyectos a gran escala por el carácter intensivo del trabajo. Si bien se encuentran inmersos en un interesante proyecto. Una productora de Los Ángeles se ha interesado por “Historia de robots” un pequeño trabajo realizado por Paramotion Films, de coste cero, que ha sido seleccionado el equipo de la red social Vimeo entre los mejores vídeos. Desde ese momento ha recopilado más de 120.000 reproducciones. Desvelaron también que este año organizan el festival “3D Wire” que tendrá lugar en noviembre, versando otro año más sobre el mercado de animación, videojuegos y New Media, convirtiéndose en esta edición en un Festival Internacional. Igualmente compartieron el éxito que está cosechando una producción propia que cuenta una historia de incomunicación global, el cortometraje “Sub”, que ya ha conseguido diez premios internacionales y está seleccionada en una treintena de festivales.

Por su parte David Temprano, conocido director artístico de producciones de la talla de “Águila Roja”, “Toledo”, “Alfonso, el príncipe maldito” o “La Voz” entre otras muchas nos contó durante su ponencia “La Dirección de Arte en el Cine” sobre el trabajo que realiza como director artístico, de sus experiencias, la situación actual del cine con la crisis, poniendo énfasis en la realidad de los becarios en España. La Dirección de Arte comienza con la lectura del guión y la identificación de escenarios y localizaciones. Es necesario estar en un constante proceso de aprendizaje, de esta forma se facilita mucho el trabajo, ya que durante la producción el tiempo escasea y se tienen que hacer las cosas en un período de tiempo muy corto. Una vez que el rodaje comienza el trabajo del director artístico prácticamente está terminado, dado que en ese momento ya tienen que estar situadas todas las localizaciones y preparados los decorados para grabar. También destacó que con la actual situación de crisis, su trabajo, es más de gestor de un presupuesto, ya que debe apretar el dinero para conseguir los mejores decorados echando en falta el poder elegir entre varias opciones “muchas veces el decorador, junto con el regidor da al director a elegir entre un sofá u otro para el decorado, pero en nuestro caso actual, en nuestro país, hay veces en las que no hay el “o este”, tengo solo este sofá, porque es gratis”.

Multiplicación de personas en La Gran Conquista por Paramotion

David se lamentaba de que a consecuencia de la crisis, ciertos proyectos no se pueden realizar por sus limitados presupuestos “hay que ser realistas y saber que con el presupuesto con el que cuentan no se pueden llevar a cabo”. También opinó sobre los becarios, anteriormente, los jóvenes realizaban las prácticas en las productoras y aprendían, pero desgraciadamente en la actualidad existe una esclavitud en el sector donde los becarios ya tienen que estar aprendidos y están supliendo un trabajo de un ayudante; considerando que esto no es aprender, si no ahorrar costes a la productora.

Paramotion, con el cortometraje “Sub” ya ha conseguido diez premios internacionales y está seleccionada en una treintena de festivales.

Por último, mostró alguno de sus trabajos y la complicación de su realización, cómo se puede engañar al ojo del público mediante el uso de maquetas, la reconstrucción de localizaciones y el juego con las perspectivas, así como del trabajo que realiza en la postproducción para ultimar detalles.

Museo Esteban Vicente El Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, representa para Segovia la posibilidad de disfrutar de una ventana abierta al arte y cultura contemporáneos. Además de dar a conocer la obra y figura de Esteban Vicente, el Museo lleva a cabo un ambicioso programa de exposiciones temporales y publicaciones, ciclos de conferencias y actividades interdisciplinares, ofreciendo un servicio educativo para estudiantes, familias y otros colectivos, poniendo a su disposición una biblioteca especializada en arte del siglo XX. El Museo está ubicado en el antiguo Palacio del Rey Enrique IV, edificado en 1455. Para la adecuación del edificio a usos museísticos se ha llevado a cabo una restauración ejemplar que mereció, en 1999, el Premio al Mejor Espacio Público, otorgado por la Editorial Axel Springer. El Museo fue inaugurado el 28 de abril de 1998. En su colección permanente alberga una extraordinaria donación de 153 obras otorgadas generosamente por el pintor Esteban Vicente y su esposa Harriet G. Vicente, compuesta por 48 óleos, 27 collages, 51 dibujos, 4 acuarelas, 16 esculturas de pequeños formato, 1 tapiz, 2 litografías y 4 serigrafías.

El conjunto de obras que compone la muestra es, ciertamente, como un nido de mirlos.

“Los mirlos –mis vecinos en los árboles- emiten en primavera canciones duales y optimistas. Saludan la mañana con su sinfonía y viven en sus nidos efímeros. Aparentan posturas de señoritos en las alturas de las chimeneas apagadas y en los tejados de los pueblos, llenos de humildad. Al final de su trino queda el vacío de sus sonidos libres. Sospecho que nada ocupa el vacío de sus hermosos lugares. Idos y rotos nos quedamos”. Así define Mon Montoya (Mérida, 1947) las aves, de aspecto variadísimo y canto extraordinario, que han inspirado el título de la exposición monográfica que presenta el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente. Como siempre en la obra del artista, la elección de este título genérico, que pudiera parecer arbitraria por meramente poética, no lo es en absoluto. El conjunto de obras que compone la muestra es, ciertamente, como un nido de mirlos. Estos esquivos pájaros, cuyo hábitat natural son los bosques y sotos, se instalan también en zonas próximas al ser humano, donde se adaptan con facilidad, volviéndose intrépidos y pizpiretos, multiplicándose en los jardines y la maleza metropolitanos. Así, efectivamente, son metáfora de la obra desarrollada por Mon Montoya en los últimos años, de ecos naturales y urbanos, melancólica y, al tiempo, espontánea, leal a su idiosincrasia pero ávida de sorpresas. La exposición, no obstante, tiene un prólogo relativamente alejado en el tiempo, aunque no en la concepción. Se única con una serie de obras realizadas entre los años 2000 y 2003, determinadas por los viajes a Estados Unidos y a China. La distancia, física y emocional, y el descubrimiento de nuevos paisajes y estados de ánimo, y, después, el regreso y la necesidad de reubicación, se concentran en un viraje en su trabajo, en el que se enfatiza el meticuloso estudio del color, la composición geométrica y la depuración del gesto, con una vocación cada vez mayor de abstracción pura y gestual. Todos estos componentes se acentúan durante la estancia en 2002 en la Yaddo Foundation (Saratoga Springs, Nueva York), auspiciada por la Harriet & Esteban Vicente Foundation; el contraste entre su apacible lugar de trabajo y la destrucción de las Torres Gemelas unos meses antes inspira las composiciones recogidas bajo el titulo común de The Bird House: las casas de los pájaros sustituyen a la ciudad herida, acogiendo a todas las almas aniquiladas. Aquel espíritu se prolonga en el tiempo y el espacio, como acostumbra a hacer el artista, y está presente de nuevo en el núcleo fundamental de esta exposición, compuesto por

Mon Montoya, Tauromaquia, la caída, metáfora del fracaso, n. 5

lienzos y papeles realizados, sin apenas excepciones, entre 2007 y 2012, y en gran medida inéditos. En la obra de Mon Montoya existen una series de argumentos e ideas que atraviesan, con meandros y derivaciones, los años: “Me emociono en algún momento del día. Posiblemente, todos estos acontecimientos emocionantes se van acumulando para aparecer en un momento decisivo en el que confluyan, muchos de ellos tamizados por lo que pienso y sueño sobre un tema concreto”. Así, resurgen algunos de los conceptos que más le han inquietado e inspirado y que, en los últimos tiempos, han consolidado su presencia en el imaginario del pintor, cuyo proceso creativo, según sus propias palabras, se ha vuelto más pausado y contenido. La memoria entendida como el paciente archivo de las experiencias, las preocupaciones, los lugares conocidos y la perspectiva que ofrecen, todo ello plasmado en capillas, casas, barcas de tránsito. La poesía, como verbalización esencial de las emociones, recorre las texturas, los árboles de cenizas, los nidos de mirlos, la vertiente mas “matérica” de trabajo del artista. Y, siempre, la muerte, la “conciencia más íntima”, hecho consumado que solo cabe aceptar, pero con el que el pintor convive, con una ironía y vitalidad que le son innatas, presentes en sus tauromaquias, rescates y paraísos para contentos.

“Todos estos acontecimientos emocionantes se van acumulando para aparecer en un momento decisivo en el que confluyan, muchos de ellos tamizados por lo que pienso y sueño sobre un tema concreto”

Contraportada